Добірка наукової літератури з теми "Théâtre (théâtre dansé)"
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Статті в журналах з теми "Théâtre (théâtre dansé)":
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Avramovic, Milos. "La représentation de l’Asie dans le Théâtre de la Foire au XVIIIe siècle : ou comment « dérègler » les principes classiques par la mise en place de l’univers exotique." Convergences francophones 5, no. 1 (January 26, 2018): 36–44. http://dx.doi.org/10.29173/cf442.
Анотація:
L’espace théâtral du XVIIIe siècle est marqué par la division entre les théâtres « privilégiés » (Comédie-Française, Comédie-Italienne et Opéra) d’un côté et le Théâtre de la Foire de l’autre. Parmi toutes les foires parisiennes à l’époque des Lumières, les deux foires les plus fructueuses au niveau de la création théâtrale sont : la Foire Saint-Laurent et la Foire Saint-Germain. Après sa rupture avec la Comédie-Française, le grand maître de la Foire Alain-René Lesage (1668 – 1747) crée majoritairement pour les foires mentionnées ci-dessus. A l’opposé de la tragédie, où l’action se déroule impérativement en Grèce ou en Rome antiques, Lesage place entre autres l’action de ses pièces dans les pays « exotiques ». Dans cette étude, on se penchera surtout sur les pièces (pièce à écriteaux ou opéra-comique) de Lesage, dont l’action se déroule en Asie : Arlequin, roi de Serendib (1713), Arlequin, Mahomet (1714) et La Princesse de la Chine (1729).
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Rudy Hiller, Daniel. "What magic can perform: théâtralité et performativité dans Doctor Faustus de Christopher Marlowe." Anuario de Letras Modernas 25, no. 2 (November 30, 2022): 26–44. http://dx.doi.org/10.22201/ffyl.26833352e.2022.25.2.1833.
Анотація:
Dans un contexte dominé par l’iconoclasme de l’anglicanisme anglais et par la “ textualisation ” de la culture religieuse, Christopher Marlowe transforme sa pièce Doctor Faustus (1589), mise en scène dans les théâtres de la banlieue londonienne, en une réflexion sur les capacités performatives et “ incarnationnelles ” du théâtre. Cet article étudie comment l’inflexion métaphorique du langage théologique que les autorités ecclésiastiques avaient utilisé pour dénoncer les effets pervers de la représentation théâtrale permet au dramaturge anglais de formuler une conception de l’art littéraire comme création d’un monde et non plus comme imitation de la nature. Ainsi, Marlowe requalifie en termes théâtraux le concept de performativité : alors que, dans le théâtre du monde, la performativité de la prédestination divine vouait les croyants à une situation de détresse existentielle, la performativité artistique redonnait aux spectateurs la possibilité de créer leur propre monde, le monde du théâtre. C’est pourquoi le remaniement esthétique du lexique et de l’imaginaire théologique s’avère la réponse la plus profonde de Marlowe à la crise de “ l’absolutisme théologique ” : il fait du théâtre un espace de jeu où le traumatisme provoqué par cette crise pouvait être travaillé et éventuellement dépassée par sa resignification dramatique. C’est dire que, dans la version marlowienne du mythe faustien, l’autoaffirmation humaine se réalise surtout à travers le pouvoir cathartique de l’illusion théâtrale.
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Nakhlé-Cerruti, Najla. "L’apport du Fonds François Abou Salem à la connaissance des débuts de la pratique théâtrale palestinienne dans les années 1970." Arabica 67, no. 5-6 (December 23, 2020): 611–29. http://dx.doi.org/10.1163/15700585-12341560.
Анотація:
Résumé Cet article propose d’étudier la période de l’émergence de l’activité théâtrale en Palestine à partir du fonds d’archives François Abou Salem car il apporte un éclairage particulier sur plusieurs processus en cours à ce moment : processus historique de l’émergence de la pratique et sa pérennisation, processus de création théâtrale et professionnalisation du mouvement. Le fonds François Abou Salem se trouve au Théâtre National Palestinien/El-Hakawati à Jérusalem. Il a été constitué par François Gaspar, dit Abou Salem (1951-2011), homme de théâtre français établi à Jérusalem. Tout au long de sa carrière artistique, du début des années 1970 à sa mort en 2011, il a conservé ses propres archives. De la même manière que les archives du spectacle vivant, ce fonds s’est construit sur un paradoxe entre la dimension éphémère de la pratique qui s’oppose au caractère permanent et définitif de l’archive. Le fonds regroupe des matériaux de nature et de périodes différentes depuis l’émergence du mouvement théâtral palestinien, à la fondation de la première troupe de théâtre professionnelle (1977), puis à celle du premier théâtre palestinien en tant que lieu (1984), aux premières tournées à l’étranger (années 1980), et enfin à l’installation de la pratique théâtrale dans le paysage culturel, à Jérusalem et dans les Territoires palestiniens.
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Brault, Marie-Andrée, and Caroline Garand. "L’expérimental : entre invention et provocation." Dossier — Jean-Pierre Ronfard : l’expérience du théâtre, no. 35 (May 6, 2010): 43–54. http://dx.doi.org/10.7202/041555ar.
Анотація:
La pratique créatrice de Jean-Pierre Ronfard au sein du Théâtre Expérimental de Montréal, puis du Nouveau Théâtre Expérimental, semble avoir été guidée par un questionnement permanent sur le genre théâtral, la notion même d’expérimentation, ainsi que la recherche d’une nouveauté qui ne devait en rien sacrifier à l’effet de mode. Ces mêmes préoccupations se déploient dans ses textes réflexifs qui touchent tant sa propre pratique que celle de ses contemporains. Leur ton souvent polémique a contribué à consolider sa position de militant critique et ironique pour un renouvellement de la création théâtrale québécoise.
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Weber, Samuel. "La théâtralité « dans » le cinéma : considérations préliminaires." L’Annuaire théâtral, no. 30 (May 5, 2010): 13–23. http://dx.doi.org/10.7202/041468ar.
Анотація:
Quelle est la signification du théâtre, et surtout de la théâtralité, dans un monde dominé par les médias électroniques? Qu’en est-il de la « présence » théâtrale à l’égard d’un médium comme le cinéma, où tout est « reproductible » (Benjamin)? Si la théâtralité était liée non seulement à une présence ambiguë, mais aussi à la fonction de localisation, il deviendrait possible de repenser son rapport au cinéma en termes de cadrage. À partir de cette hypothèse, ce texte analyse la relation entre théâtre et cinéma dans quelques films récents, notamment dans Being John Malkovich et eXistenZ, pour aboutir à des conclusions concernant la signification du jeu théâtral dans un monde médusé par les médias.
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Yetter-Vassot, Cindy. "L’espace théâtral signifiant de deux pièces de Marivaux : Arlequin poli par l’amour et la Dispute." Analyses 29, no. 2 (April 12, 2005): 97–109. http://dx.doi.org/10.7202/501163ar.
Анотація:
Cet essai examinera deux pièces de Pierre Marivaux qui sont extrêmement intéressantes du point de vue de leurs qualités théâtrales. Étant donné que ces pièces ne sont que rarement mises en scène, cette analyse portera sur les textes théâtraux eux-mêmes, en approfondissant les moyens par lesquels Marivaux utilise l'espace théâtral pour illustrer les théories philosophiques qui sont à la base de tout son théâtre. En s'appuyant sur les modèles analytiques présentés par Anne Ubersfeld dans Lire le Théâtre , aussi bien que sur la définition d'une utopie selon Algirdas Julien Greimas, cette étude précisera l'espace théâtral de chaque pièce ; identifiera les conflits qui se manifestent à l'intérieur de chaque espace; analysera la signification sociale et philosophique du fonctionnement des personnages et des objets à l'intérieur de chaque espace ; et tâchera de situer ces deux pièces dans l'oeuvre théâtrale de Marivaux, en les examinant dans le contexte de la société française pendant la Régence.
7
Nagy, Milán. "Panorama de la vie théâtrale hongroise de la première moitié du XXe siècle." Pratiques & travaux, no. 47 (August 16, 2011): 141–55. http://dx.doi.org/10.7202/1005620ar.
Анотація:
L’article présente trois tournants historiques significatifs pour la Hongrie. Au cours de l’entre-deux-guerres, les théâtres hongrois s’efforcent de mettre en scène les ambitions nationales dans une programmation à forts accents politiques. Au tournant des années 1950, le pays adopte le modèle soviétique en matière politique, économique et culturelle. Les réformes de la vie théâtrale sont alors conduites par l’idéologie du régime. Quelques années plus tard (1954), le théâtre renonce au pouvoir dictatorial ; au cours de ces années, on peut constater que la vie théâtrale hongroise s’adapte aux décisions politiques guidant la politique intérieure et extérieure du pays. Aussi, les associations artistiques se voient-elles accordées plus d’indépendance et les auteurs et les oeuvres dramatiques, longtemps négligés, reprennent l’affiche.
8
Nolette, Nicole. "Le Projet Rideau Project : le théâtre « co-lingue », le bilinguisme officiel et le va-et-vient de la traduction." Meta 59, no. 3 (February 11, 2015): 654–72. http://dx.doi.org/10.7202/1028662ar.
Анотація:
En 2009, le Théâtre la Catapulte, compagnie professionnelle francophone de création et de production théâtrale de la capitale nationale canadienne, montait un spectacle ambulatoire « co-lingue » où les spectateurs devaient circuler entre différents lieux du quartier central et historique du Marché By d’Ottawa. La composition de ce spectacle, le Projet Rideau Project, comptait six pièces de vingt minutes, dont trois étaient rédigées en français et trois en anglais, de six auteurs et metteurs en scène différents. Les négociations linguistiques au coeur du projet ont exigé l’apport de traducteurs de théâtre pour rééquilibrer la dynamique des langues dans le contexte de sa représentation : quatre pièces en anglais et deux pièces en français au festival de théâtre anglophone, et la proportion inverse au festival francophone. Selon sa propre appellation, « co-lingue », le Projet Rideau Project met en relief les enjeux dramaturgiques et traductologiques propres à la pratique et à la mise en scène de l’hétérolinguisme théâtral dans un contexte de bilinguisme officiel.
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Wynants, Nele. "Le théâtre du réel : une nouvelle vague flamande entre fiction et non-fiction." Pratiques et travaux, no. 58 (December 13, 2016): 151–69. http://dx.doi.org/10.7202/1038325ar.
Анотація:
Il y a plus d’une vingtaine d’années, une génération d’artistes flamands ont redéfini les formes et les esthétiques et même revu les limites du théâtre occidental. Ces artistes expérimentaux, identifiés sur la scène internationale comme les figures de proue de la « vague flamande », occupent aujourd’hui des positions clés dans les maisons de théâtre et les compagnies internationales. Cet article remet en question cette notion d’une « vague » dominante et préfère distinguer différentes vagues et vaguelettes successives dans l’hétérogène scène théâtrale de Flandre. Une première partie de l’article repose sur la réception critique du théâtre flamand des années 1980. Une deuxième étudie les pratiques de certains jeunes créateurs flamands contemporains qui, tout comme leurs prédécesseurs influents, sont à la recherche d’un langage théâtral qui leur est propre. Ancrés dans la réalité historique, sociale et politique, les projets de Elly Van Eeghem, de Thomas Bellinck et des frères Ben Chikha tentent de nouer des rapports explicites avec cette réalité en privilégiant le dialogue entre fiction et non-fiction. Ainsi, cet article présente deux générations de créateurs de théâtre en Flandre dont l’esthétique et le rapport au réel diffèrent fondamentalement.
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Pefanis, Georges P. "Le critique et la scène." L’Annuaire théâtral, no. 48 (February 20, 2012): 57–66. http://dx.doi.org/10.7202/1007840ar.
Анотація:
La critique de théâtre aujourd’hui pourrait être convertie à un discours polyvalent qui questionne les événements théâtraux en tirant des expériences, des significations et formes mentales des champs cognitifs adjacents. L’élargissement du canon théâtral, sa réadaptation aux nouvelles données culturelles, la reconstitution de la forme théâtrale à l’aide de matériaux hybrides et la décentralisation plurielle de l’acte de représentation, ainsi que l’autonomisation des arts dans les processus scéniques sont quelques uns des facteurs les plus importants qui différencient en grande partie, non seulement les représentations elles-mêmes, mais également la perception qu’en a le spectateur spécialiste. La critique de théâtre en Grèce contemporaine à certains égards était, jusqu’ à très récemment, peu étudiée aux universités comme aux cercles des intellectuels. Ce fut la raison pour laquelle elle peut se caractériser, soit enfermée dans de vieilles postures acquises par le passé, de manière empirique et inconstante, sinon arbitraire, soit amenée à un relativisme sans issue, en suivant les différentes tendances importées. L’ interpénétration de la déontologie scientifique et de l’actualité au sein de la critique théâtrale peut considérablement améliorer la situation dans le domaine de la perception des représentations et progressivement lever l’opposition stérile qui parfois se manifeste entre la science, la méditation et la création artistique.
Дисертації з теми "Théâtre (théâtre dansé)":
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Caemerbèke, Pascale. "La Chair du théâtre : les normes corporelles de l'acteur de théâtre et de théâtre-dansé 1970 à 2012." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030044.
Анотація:
Cette thèse est née d’un questionnement sur le corps de l’acteur en scène au regard des normes, insufflé par le séminaire de Jean-Jacques Courtine sur «L’histoire du corps anormal». Cette focalisation sur le corps en scène réactive ma passion pour un théâtre où les acteurs, désignés comme singuliers, ne sortent pas des grandes écoles de théâtre ou de danse. Ces spectacles, de plus en plus visibles, présentent le corps dans sa réalité et non plus son idéalité. Ces corps charnels ont un impact sur les spectateurs. Que dit ce théâtre des corps sur le corps aujourd’hui ? A quel besoin répond-il ? La partie I, en cherchant à nommer ces acteurs et ces spectacles, interroge des notions (normal/anormal/hors-normes, ordinaire/extra-ordinaire, handicap/handicapé, art/art-Thérapie, professionnel/amateur, …) et des normes corporelles en vigueur aujourd’hui, normes de l’acteur et de sa représentation. La partie II analyse des documents hétérogènes afin de cerner le ressenti de spectateurs face aux spectacles de l’Oiseau-Mouche (au fil de son histoire), de troupes et de metteurs en scène qui mettent leur corps en jeuThis dissertation originates in a questioning of the body of the stage actor in relation to social norms, inspired by Jean-Jacques Courtine’s seminar on «the history of the abnormal body». This focus on the body on stage has revived my passion for a kind of theatre in which actors, perceived as singular, have not been trained in the main theatre or dance academies. These shows more and more conspicuously display the body as real rather than ideal. These bodies in flesh and blood have a powerful impact on spectators. What does this body theatre have to say on the current state of the body? What kind of need does it meet?The first part of this work tries to give these actors and these plays a name by questioning some of the categories (normal/abnormal/out of norms; ordinary/extra-ordinary; disability/disabled; art/art-therapy; professional/amateur, …), as well as the bodily norms of the actor and his/her representation in force to day. The second part analyses heterogeneous documents in order to grasp the perception of spectators when attending the Oiseau Mouche various plays (in the course of the company’s history), as well as those of companies’ and stage directors’ works in which the body is deeply involved
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Margnac, Geraldine. "Devī : figure(s) du féminin dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain : étude de pièces de répertoire au Tamil Nadu de 2000 à 2020". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080045.
Анотація:
Cette thèse de doctorat est consacrée à « Devī : figure(s) du féminin dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain ». Les artistes de Bharata-nāṭyam (un art de la scène majeur en Inde) s’intéressent de plus en plus à des figures féminines comme les nāyikā (héroïnes) et Devī (terme générique regroupant les divinités féminines). Sujettes à de multiples controverses en tant que figures du féminin, elles n’avaient pas encore été étudiées sur la scène du Bharata-nāṭyam. La richesse de pièces mettant en scène des déesses douces comme Lakṣmī, Sarasvatī ou Pārvatī, des déesses puissantes comme Durgā ou Kālī ou encore l’androgyne divin, Ardhanārīśvara, n’interroge-t-elle pas les principes esthétiques de la scène ? Une approche contemporaine des pièces de répertoires de 2000 à 2020 au Tamil Nadu permettra d’en étudier le processus de création. Puisqu’elles entraînent différents points de vue, ces figures semblent pertinentes pour l’étude esthétique d’un art vivant, nourrissant sa vivacité et le processus de réactualisation du sens à l’œuvre. La pluralité des hypothèses interprétatives ne reflète-t-elle pas la fonction poétique du Bharata-nāṭyam ? Ce style donne à entendre un texte de deux façons : par le chant et par le jeu de l’artiste qui l’interprète à travers l’expression gestuelle et émotionnelle. La partition, les ornements, le corps et l’expression des émotions contribuent à provoquer une « saveur », une « émotion esthétique » ou rasa en sanskrit. Notre problématique interrogera dans quelles mesures les formes et représentations de Devī participent au processus d’élaboration du rasa dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporainThis PhD thesis is devoted to "Devī: figure(s) of the feminine in the poetics of contemporary Bharata-nāṭyam". The artists of Bharata-nāṭyam (a major art form in India) are increasingly interested in female figures such as nāyikā (heroines) and Devī (a generic term for female deities). Subject to multiple controversies as figures of the feminine, they had not yet been studied on the bharata-nāṭyam stage. Does not the richness of plays featuring gentle goddesses like Lakṣmī, Sarasvatī or Pārvatī, powerful goddesses like Durgā or Kālī or the divine androgynous, Ardhanārīśvara, question the aesthetic principles of the stage? A contemporary approach to repertory plays from 2000 to 2020 in Tamil Nadu will allow to study the process of creation. Since they involve different points of view, these figures seem relevant to the aesthetic study of a living art, its liveliness and the process of updating meaning at work. Does not the plurality of interpretative hypotheses reflect the poetic function of Bharata-nāṭyam ? This style gives a text to be heard in two ways: by singing and by the play of the artist who interprets it through gestural and emotional expression. The score, the ornaments, the body and the expression of emotions contribute to provoke a "flavor", an "aesthetic emotion" or rasa in Sanskrit. Our problematics will question to what extent the forms and representations of Devī participate in the process of elaborating the rasa in the poetics of contemporary Bharata-nāṭyam
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Miljanic, Bojana. "Théâtre pluridisciplinaire de Josef Nadj : histoire, esthétique et institutionnalisation en France." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA072.
Анотація:
Quand nous admirons une œuvre d’art nous ne pensons pas forcément au parcours personnel de l’artiste ni à tous les moyens matériels dont il a eu besoin pour la production de son œuvre. Cependant une création artistique est toujours le résultat de l’association de ces deux éléments : de ce que l’artiste est comme personne et de tous les réseaux de production et de distribution de son travail. A travers l’exemple de Josef Nadj, cette thèse cherche à expliquer un chemin de création artistique. Comment Josef Nadj s’est construit et quel était le contexte historique qui a marqué le pays dans lequel il est né et conditionné son œuvre. Quelle est son esthétique et de quelle manière il organise son processus créatif. Finalement, quelles sont les circonstances de son arrivée en France et de son implantation dans les réseaux culturels français qui soutiennent le financement et la distribution de son œuvre. Son histoire est d’autant plus intéressante qu’elle englobe le parcours d’un artiste immigrant qui a obtenu la reconnaissance professionnelle d’abord dans son pays d’adoption, la FranceWhen we admire an artwork we do not necessarily consider the personal background of the artist and the material means that were required for the production of the artwork. However, every artistic creation is a result of fusion of these two conditions: who the artist is as a person and all the different networks of production and distribution of his work. This thesis is trying to explain, using the example of Josef Nadj’s career, how one’s artistic path can look. What was the historical context of the Josef Nadj’s native country during his life—and even before his birth— and how these circumstances influenced his growing up and later his artistic choices. What do his aesthetics look like and how does he create his pieces. Finally, which circumstances brought him to France and how did he join French cultural networks which later financed and distributed his work. The story of his background and professional career is even more interesting because it sheds light on an artist-immigrant who obtained his professional recognition in his adopted country—France
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Sawitzki, Robinson Sergio. "La mise en scène de la mythologie personnelle du performer : quelques repères pour la construction de la performance autobiographique." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080114/document.
Анотація:
Cette thèse a pour objet d’étude théorique/pratique la performance et le performer. Il s’agit, plus précisément, de l’étude de l’utilisation de la mythologie personnelle du performer dans des processus de recherche, de créations de mises en scène et/ou des performances pour lesquelles le matériau de construction est l’univers personnel du performer. La problématique de ce projet est donc la mise en scène de la mythologie personnelle du performer qui donne son origine à une performance située entre l’autobiographie et l’autofiction. Il est question d’étudier la performance, plus précisément celle dite « autobiographique », en élargissant le champ de recherche à des créateurs qui associent le théâtre et la danse, mais également au champ des arts plastiques.A travers ce croisement des disciplines et le surgissement des nouvelles formes artistiques qui en découlent, l’objectif de ce travail est d’étudier le performer et la performance en tant que « signature » personnelle. Il est question ici de témoigner et de repérer un parcours singulier qui est à l’origine d’un processus artistique pratique/théorique lequel assume des formes esthétiques inévitablement individuelles, tout en dépassant l’affaire privée pour arriver à une notion plus large et collective. La tentative est celle d’assumer les influences et les métissages à travers lesquels nous nous sommes constitués. Elles ont ouvert la possibilité de regarder à l’intérieur de moi-même les chocs qui ont créé des itinéraires pour ensuite les accepter en tant que matériau pour ma propre création artistiqueThis thesis aims to study the theoretical and practical performance of the performer. More specifically the study of “personal mythology” of the performer, from portrayals of creation and performance for which the building material is the personal universe of the performer. The challenge of this project is the staging of the personal mythology of the performer that gives origin to a performance somewhere between autobiography and self-fiction. I propose a study of the performance, specifically the so-called "autobiographical", expanding the search field to other artists who combine theatre and dance as well as in the visual arts field. Through these cross disciplines and the emergence of new artistic forms derived from it, the objective of this work is to study the performer and the performance as a "signature", analysing the creative process using autobiographical material, personal mythology, and the influence of that on my own creative process as a practitioner. Points such as the self, body, identity, signature, name, meeting and collaboration are approached to talk about personal mythology as a set of autobiographical events related to memory, the experiences and the dreams. The autobiographical material will serve as starting point for the construction of a work. The myth can then be the symbolic representation of a past time and a form created according to individual experiences
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Buftéa, Maria Claudia. "Théâtre et vision théâtrale dans l’œuvre de Mircea Eliade." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10059.
Анотація:
Dans cette thèse, nous nous proposons de suivre la relation particulière de Mircea Eliade avec le théâtre. Nous analyserons les constantes qui permettent une compréhension adéquate de la vision de l’écrivain roumain sur le théâtre et sur le spectacle. Il s’agit principalement des motifs tels que : le labyrinthe, le camouflage du sacré dans le profane, le voyage initiatique, le mythe, les traditions populaires, etc. Toutes ces constantes facilitent un décryptage et une compréhension profonde des écrits littéraires de Mircea Eliade. Ainsi, l’œuvre littéraire sera mise en relation avec l’œuvre scientifique.
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Letellier, Éloise. "Le théâtre dans la ville : recherches sur l’insertion urbaine des théâtres romains." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3034.
Анотація:
Les théâtres romains, dont on peut observer les vestiges dans de très nombreuses villes tout autour de la Méditerranée, sont des objets familiers et pourtant souvent encore mal connus. Ils n’ont bénéficié que de rares études synthétiques. Inspiré par les recherches menées sur les théâtres et autres édifices de spectacles des époques plus récentes, ce travail porte un regard résolument urbain sur des édifices polyvalents caractéristiques de l’urbanitas : à la fois lieux de spectacles, de vie quotidienne et de cérémonies, lieux de rassemblements civiques et religieux, lieux de mixité sociale. Les innovations architecturales apportées par les Romains à la forme théâtrale inventée par les Grecs leur permettaient en effet de déterminer plus librement la place des théâtres dans leurs villes et de les intégrer à des programmes urbains concertés et signifiants. En confrontant l’analyse des représentations antiques - figurées ou littéraires - des théâtres romains et quelques études de cas archéologiques approfondies, l’objectif était d’explorer et de clarifier l’ensemble des liens qui pouvaient se nouer entre le théâtre et la ville à l’époque romaine, des plus matériels aux plus symboliques. La multiplication des échelles d’approche et l’attention portée à l’insertion dynamique et subjective des théâtres dans les paysages urbains les fait apparaître comme des objets à la fois typiques et singuliers, complexes et immédiatement lisibles et pour finir remarquablement efficaces dans la composition et l’incarnation de l’image des villesThe vestiges of Roman theatres are ubiquitous throughout the Mediterranean Basin; these structures are familiar, yet remain relatively unexplored, with only a few studies considering their general place in Roman life. Inspired by research on the theatres and entertainment buildings of more recent times, this study offers an urbanistic perspective on these multipurpose edifices; characteristic of the urbanitas, these were at the same time buildings for theatrical performances, ritual ceremonies, and daily activities; civic and religious meeting places; centres of social interaction. The innovations the Romans made to the architectural theatrical form invented by the Greeks enabled them to redefine the theatre’s place in the city and to incorporate it purposefully into their plans for urbanization. Combining the analysis of ancient textual and pictoral representations of Roman theatres with archaeological case studies, this thesis explores and clarifies the practical and symbolic relationships between the theatre and the city in Roman times. By broadening the scope of investigation and by exploring the dynamic and affective positioning of the theatre into the Roman urban landscape, this thesis reveals these architectural structures to be simultaneously typical and unique, complex and understandable, and ultimately remarkably effective in establishing and embodying the image of the city
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Arroues, Ben Selma Ophélie. "Yaʿqûb Ṣannûʿ, du théâtre au journalisme : L’écriture théâtrale dans Abû Naẓẓâra". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCF022.
Анотація:
Yaʿqûb Ṣannûʿ(1839-1912), auteur polémique de la Nahḍa, est un des pionniers du théâtre et dujournalisme arabes. La thèse se propose d’analyser, à partir des premières années de son journal AbûNaẓẓâra (1878-1910), la relation entre écriture théâtrale et écriture journalistique, l’une servant de relaisvers la seconde qui s’invente entre le patrimoine littéraire arabe et la presse européenne du XIXème siècle.Ṣannûʿ s’inspire de formes théâtrales arabes anciennes pour créer des pièces « théatro-journalistiques »qui s’emparent de l’actualité. Par ailleurs, dans Abû Naẓẓâra, le dialogue s’affirme comme genre autonomeet mode principal de traitement de l’actualité. Dès lors, on doit considérer que l’ensemble du journal seconstruit sur le modèle du texte théâtral. L’écriture dramatique est mise au service du projetjournalistique : le théâtre participe de la dynamique satirique tandis que le dialogue a une visée didactiqueen direction du lecteur de la presse. Abû Naẓẓâra prétend se faire le porte-parole du peuple égyptien. Lepolitique y est approché à travers le prisme de la métaphore théâtrale et présenté comme une grandecomédie. La pièce de théâtre, conçue pour être lue collectivement et jouée, fait du lecteur un acteur de lascène politiqueYaʿqûb Ṣannûʿ (1839-1912) is a controversial author of the Nahḍa and one of the pioneers of Arabic theatreand journalism. This thesis, based on the first years of Ṣannûʿ's magazine, Abû Naẓẓâra (1878-1910),intends to analyze that interplay between dramatic writing and journalistic writing. The first has a bridgingfunction leading to the second that emerges from the interactions between the Arabic literary heritage andthe 19 th century European press. Ṣannuʿ draws inspiration from the ancient Arabic theatrical forms inorder to write "dramatic journalistic" stage plays that capture the news. Furthermore, in Abû Naẓẓâra, thedialogue becomes an autonomous genre in itself as well as the main news-making means. Therefore, onemust consider that the whole magazine builds up on the model of the play. Dramatic writing serves thejournalistic purpose: theater takes part in the dynamics of satire while the dialogue takes on a didactic rolefor the press readers. Abû Naẓẓâra claims to be the voice of the Egyptians. Politics is perceived throughtheatrical metaphor and depicted as a farce. The play, initially intended to be read and performedcollectively, turns the reader into an actor of the political stage
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Bélanger, Louis. "Le jeune théâtre dans la champ théâtral québécois, évolution idéologique, 1950-1985." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/nq26374.pdf.
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Bélanger, Louis C. "Le Jeune Théâtre dans la champ théâtral québécois évolution idéologique (1950-1985)." Thèse, Université de Sherbrooke, 1997. http://savoirs.usherbrooke.ca/handle/11143/2686.
Анотація:
Cette thèse analyse l'évolution idéologique du phénomène du Jeune Théâtre québécois, de la fondation de l'A.C.T.A. (l'Association canadienne du théâtre amateur), en 1958, à la dissolution de l'A.Q.J.T. (l'Association québécoise du jeune théâtre), en 1985. L'hypothèse retenue est que le Jeune Théâtre, inspiré par l'évolution sociale, politique et culturelle de la société québécoise, a adopté des stratégies de transgressions symboliques au sein de l'institution théâtrale, lesquelles ont favorisé la reconnaissance légitime de discours idéologiques et de savoirs inédits dans le champ théâtral québécois. Au plan théorique, l'analyse s'inspire des travaux de Robert Fossaert, de Jacques Dubois et de Pierre Bourdieu sur le discours social, l'institution littéraire et la notion de champ de production culturelle, respectivement. L'entreprise se veut une synthèse des interventions propres au Jeune Théâtre québécois, et ce, à la lumière de leur impact sur l'ensemble de la pratique théâtrale québécoise.
10
Perotto, Gérard. "Théâtre et jeu social : approche ethnométhodologique de la praxis théâtrale dans la marginalité." Bordeaux 3, 1996. http://www.theses.fr/1996BOR30059.
Анотація:
Quelle est la pertinence de la mediation theatrale dans des situations de marginalite? a travers quatre experiences d'insertion utilisant la pratique theatrale comme element mobilisateur et dynamiseur de l'individu, nous mettons en evidence neuf "points de rupture" qui caracterisent un individu en situation de marginalite, et sur lesquels la pratique theatrale, par le biais du jeu d'improvisation, le langage et l'excercice du corps, met en travail l'individu pour le retablir dans la conscience de soi et du progres de soiWhat is the relevance of dramatical mediation within marginal situations? through four integration experiments using drama to mobilise and dynamise the individual, we bring out nine breaking points which characterise an individual in a marginal situation and in which drama, in the form of improvised role-plays, speech and corporal expression enables the individual to work, on re-establishing self-awareness and a notion of personal progress
Книги з теми "Théâtre (théâtre dansé)":
1
Vauthrin-Ledent, Aurélie. C'est l'histoire de la famille de l'amour... non c'est pas ça - Théâtre dansé. Paris: Editions L'Harmattan, 2014.
2
Lecomte, Frédérique. Théâtre & Réconciliation: Méthode pour une pratique théâtrale dans les zones de conflit. Bruxelles: La Lettre volée, 2015.
3
Barbéris, Isabelle. L'archive dans les arts vivants: Performance, danse, théâtre. Rennes: Presses universitaires de Rennes, 2015.
4
Bey, Maïssa. On dirait qu'elle danse: Théâtre. [Montpellier]: Chèvre-feuille étoilée, 2014.
5
Farhoud, Abla. Quand le vautour danse: Théâtre. Carnières-Morlanwelz, Belgique: Éditions Lansman, 1997.
6
Petitjean, André, Raymond Michel, and Johanna Biehler. Hantises et spectres dans le théâtre de Koltès et dans le théâtre contemporain. Limoges: Lambert-Lucas, 2018.
7
Bella, Sarah Di. L'expérience théâtrale dans l'oeuvre théorique de Luigi Riccoboni: Contribution à l'histoire du théâtre au XVIIIe siècle. Paris: Champion, 2009.
8
Forestier, Georges. Le théâtre dans le théâtre: Sur la scène française du XVIIe siècle. 2nd ed. Genève: Droz, 1996.
9
Boulerice, Simon. Les mains dans la gravelle: Théâtre. Montréal: Éditions de la Bagnole, 2012.
10
Ristic, Sonia. L'enfance dans un seau percé: [théâtre]. Carnieres-Morlanwelz, Belgique: Lansman Éditeur, 2011.
Частини книг з теми "Théâtre (théâtre dansé)":
1
Capelle, Jeanne. "Parodos ou aditus ?" In Les théâtres antiques et leurs entrées, 63–93. Lyon: MOM Éditions, 2024. http://dx.doi.org/10.4000/11qri.
Анотація:
Dans l’Ionie d’époque impériale, si certains petits théâtres conservèrent leurs parodos hellénistiques, à portes d’accès à l’orchestra (Priène, Érythrées), les accès au diazôma depuis les parodos – par des portes ouvrant dans les murs de soutènement – tendirent à les concurrencer et l’espace des parodos à rétrécir (Métropolis). Dans les plus grands théâtres, les accès furent reconfigurés. Ceux de Magnésie, Éphèse et Milet adoptèrent un modèle commun, avec des parodos surélevées, donnant désormais accès à l’estrade puis au podium, sans que soient supprimés les accès bas latéraux à l’orchestra. On adopta une solution un peu différente à Smyrne et bien plus encore à Téos, seul théâtre où l’on renonça à des accès latéraux à l’orchestra aussi bien qu’à la scène. Mais jamais des aditus de type latin ne se substituèrent aux parodos, qui, à Priène, furent même entretenues et empruntées bien après la fin des spectacles, jusqu’à l’époque tardo-byzantine, jouissant d’une exceptionnelle longévité.
2
Fellague, Djamila, and Nicolas Delferrière. "Le théâtre romain de Lyon et ses aditus." In Les théâtres antiques et leurs entrées, 259–304. Lyon: MOM Éditions, 2024. http://dx.doi.org/10.4000/11qrv.
Анотація:
L’article offre tout d’abord une présentation générale des hypothèses actuelles sur la datation du théâtre de Lyon et montre la nécessité d’une reprise de l’étude, qui a justement commencé par l’examen des aditus. L’aditus nord, le mieux conservé, offre un témoignage soit de l’existence d’une profonde transformation des maçonneries soit de l’intervention de deux équipes de maçons. Il présente par ailleurs des vestiges de deux à trois décors successifs, qui sont rarement conservés dans les théâtres. Des archives photographiques sur l’aditus sud apportent également des informations précieuses sur des décorations disparues et sur les restaurations modernes. Grâce aux vestiges en place, quelques pièces erratiques et des archives, l’étude fournit des renseignements sur l’histoire du théâtre antique de Lyon et sur les caractéristiques des décors qui magnifiaient les entrées. Elle montre ce que l’examen d’une partie réduite de l’édifice peut apporter à des problématiques générales touchant à la chronologie, à l’organisation du chantier et aux remplois, sans pour autant fournir une réponse définitive aux aspects chronologiques.
3
Ferreira, Filipe. "Les accès privilégiés dans les théâtres de Gaule romaine : configurations et usages." In Les théâtres antiques et leurs entrées, 353–74. Lyon: MOM Éditions, 2024. http://dx.doi.org/10.4000/11qs0.
Анотація:
Les nombreux théâtres de Gaule romaine présentent des formules architecturales variées. Les choix qui président à leur construction dépendent de divers facteurs, comme l’insertion topographique ou l’évolution des pratiques inhérentes à l’édifice. Ces variations s’observent principalement dans les formes prises par les composantes de l’espace théâtral. Ainsi, les accès monumentaux menant à l’orchestra en sont une illustration pertinente. Ils se déclinent en Gaule sous plusieurs aspects qui traduisent parfois le recours à des solutions employées dans les théâtres du pourtour méditerranéen. Cependant, dans la plupart des cas, leur disposition, de part et d’autre du complexe scénique, révèle une conception différente des modalités d’accès au monument. Quelles que soient les formes adoptées, elles mettent en évidence aussi bien l’évolution d’un type monumental que les pratiques sociales qui peuvent y être attachées en contexte provincial.
4
Moretti, Jean-Charles, Alain Badie, Sandrine Dubourg, and Anna Papadopoulou. "Les aditus du théâtre d’Orange." In Les théâtres antiques et leurs entrées, 207–20. Lyon: MOM Éditions, 2024. http://dx.doi.org/10.4000/11qr1.
Анотація:
Les aditus du théâtre d’Orange sont les mieux conservés des théâtres de Narbonnaise. Ils ont été l’objet de nouvelles observations et de nouveaux relevés dans le cadre du programme pluriannuel de restauration du monument, commencé en 2016 et prévu pour s’achever en 2024. Construits dans la première phase du monument, à la fin de l’époque augustéenne, ils sont rectilignes, symétriques et alignés l’un sur l’autre en bordure du diamètre est-ouest de la cavea. Chacun d’eux était constitué d’un large passage dallé traversant la cavea et rejoignant l’orchestra. La partie qui passe sous la cavea était couverte de cinq voûtes. Elle était ouverte sur les basiliques du bâtiment de scène, la galerie périphérique de la cavea et sur un couloir coudé conduisant à un vomitoire donnant dans le premier maenianum. La partie à l’air libre permettait d’accéder au pulpitum, à la circulation dallée aménagée au pied de la cavea, entre le balteus et le repose-pied du premier gradin et, une fois passé le balteus, aux degrés bas bordant l’orchestra et à l’orchestra elle-même. Ces aditus, dont le plan reprenait celui du théâtre d’Arles, étaient principalement destinés aux spectateurs qui trouvaient place en bordure de l’orchestra et dans la moitié inférieure du premier maenianum. Ces spectateurs étaient aussi les principaux usagers des basiliques et ceux pour lesquels le rideau pouvait cacher de manière efficace les artistes et les décors placés sur le pulpitum avant le début des spectacles.
5
Macario, Raphaël. "L’aditus du théâtre antique de Béziers." In Les théâtres antiques et leurs entrées, 221–31. Lyon: MOM Éditions, 2024. http://dx.doi.org/10.4000/11qrm.
Анотація:
Le théâtre antique de Béziers a été découvert en 2014 à l’occasion d’une fouille préventive dans le centre-ville. Le tiers de l’édifice environ est visible avec un diamètre restitué de 80 à 85 m. Bien conservées à la faveur d’un remploi dans des caves modernes, les maçonneries du bâtiment de scène et de la première travée de soutènement des gradins encadrent l’aditus maximus du théâtre. Large de 2,80 m et visible sur 21 m de long, son niveau de sol est partiellement conservé et permet de réfléchir aux circulations entre les différentes parties du théâtre. Un collecteur trouvait son exutoire à l’extrémité nord-est du couloir tandis que les maçonneries au sud-ouest ont fait l’objet d’une mise en œuvre différente à proximité du débouché dans l’orchestra.
6
Letellier-Taillefer, Éloïse. "La couverture des aditus et les origines du « théâtre latin »." In Les théâtres antiques et leurs entrées, 119–42. Lyon: MOM Éditions, 2024. http://dx.doi.org/10.4000/11qqz.
Анотація:
Cet article propose une réflexion synthétique sur l’apparition et le développement de la couverture des accès latéraux à l’orchestra (aditus) dans les premiers théâtres permanents bâtis dans l’Italie centrale et méridionale sous domination romaine. Il s’appuie sur l’état actuel des connaissances archéologiques à propos d’édifices théâtraux intégrés dans des sanctuaires ou bâtis en contexte urbain, dans le Latium, en Campanie ou dans le Samnium, entre le iie s. et le ier s. av. J.‑C. Une approche typo-chronologique reste impossible en raison des lacunes et des incertitudes encore importantes concernant la datation de la plupart des monuments concernés. Leur mise en série permet cependant de restituer les enjeux à la fois statiques, fonctionnels et de représentation qui ont pu favoriser le développement de la formule « latine » de l’architecture théâtrale, dotée d’accès latéraux à l’orchestra couverts par des voûtes et bientôt surmontés de gradins ou de tribunes destinées à mettre en valeur des spectateurs privilégiés.
7
Mignon, Jean-Marc. "Les aditus maximi du théâtre antique de Vaison-la-Romaine." In Les théâtres antiques et leurs entrées, 233–58. Lyon: MOM Éditions, 2024. http://dx.doi.org/10.4000/11qrr.
Анотація:
Très détruit et très restauré, le théâtre antique de Vaison-la-Romaine demeure néanmoins un objet d’étude précieux, livrant d’importantes informations sur son architecture. Parmi les parties basses de l’édifice, souvent taillées dans le substrat rocheux, les aditus maximi sont relativement bien conservés, permettant d’en décrire la disposition, les dimensions, les accès, et d’en restituer les superstructures. Leur observation permet en outre, au sein du plan symétrique du théâtre, de distinguer l’aditus oriental, sommairement traité et destiné à un usage charretier fonctionnel, de l’aditus occidental, davantage soigné et réservé à un usage piétonnier. Le plan de la ville antique explique pour partie cette distinction, montrant une nette dissymétrie dans les accès au théâtre : l’un prestigieux, à l’ouest, empruntant une rue reliant l’édifice de spectacle au forum, l’autre plus ordinaire, à l’est, formé d’un simple chemin débouchant sur une route d’accès à l’agglomération antique.
8
Thiolas, Pierre. "Formes architecturales et fonctions de l’aditus maximus dans les théâtres du Proche‑Orient romain." In Les théâtres antiques et leurs entrées, 95–116. Lyon: MOM Éditions, 2024. http://dx.doi.org/10.4000/11qro.
Анотація:
La grande majorité des théâtres antiques connus au Proche‑Orient sont de type romain et forment un corpus à part entière comptant à ce jour une soixantaine d’édifices en incluant les odéons et autres petits théâtrons mal identifiés, ainsi que les théâtres de rituels. Bien que l’étude d’un tel corpus reste à ce jour malaisée (absence de synthèse, diversité des édifices, publications disséminées et écrites dans différentes langues), il est possible de cerner, à partir des données accessibles, les principales caractéristiques architecturales et décoratives des aditus maximi de cette région, ainsi que d’en tracer les évolutions.
9
MAGGI, Ludovica. "Le théâtre comme reale." In A propos des realia, 49–62. Editions des archives contemporaines, 2021. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4722.
Анотація:
Dans cet article, nous définissons tout d’abord le théâtre comme objet culturel et, de ce fait, comme reale à part entière. Nous présentons les facteurs qui alimentent ce statut, puis nous menons une analyse comparée des théories de la traduction des realia et des théories culturalistes de la traduction théâtrale, identifiant leurs points de ressemblance. Enfin, nous remettons en question le spectre linéaire « exotisme-ethnocentrisme » qui semble sous-tendre les unes comme les autres, ainsi que ses implications idéologiques, pour envisager une pratique de la traduction théâtrale qui serait marquée par une interaction dynamique entre les cultures (scéniques) source et cible et par un traitement pluriel des realia portés par le théâtre.
10
COULIBALY, Fétigué. "La dramaturgie du mythe dans La guerre des femmes : de la découverte de la femme par l’homme à la formation de la société humaine." In Théâtre Mythologique, 225–40. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4874.
Анотація:
L’Afrique a connu deux grandes générations. Pendant que la première, particulièrement conformiste, écrit le théâtre conformément au paradigme dramaturgique occidental, la seconde, quant à elle, se définit en s’opposant. Elle est anticonformiste et privilégie les questions relatives à l’authenticité, l’identité, l’affirmation de la personnalité et l’épanouissement du génie créateur africain. Bottey Zadi Zaourou, un dramaturge de cette deuxième génération, manifeste sa révolution dramaturgique par un retour aux sources africaines ancestrales. Ce ressourcement consiste, en réalité, en l’adaptation au théâtre et l’actualisation des mythes et légendes. Autrement dit, il en fait la toile de fond principale de sa fiction théâtrale. À travers cette théâtralisation, il informe, forme et instruit le lecteur-spectateur. En témoigne sa pièce, La guerre des femmes.
Тези доповідей конференцій з теми "Théâtre (théâtre dansé)":
1
Albert, Sophie. "La Judiada dans le Misteri d’Elx : un scandale1 ?" In Théâtre et scandale (I). Fabula, 2019. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.5886.
2
Teulade, Anne. "Scandale et fantasme dans les anecdotes de la controverse espagnole du xviie siècle." In Théâtre et scandale (I). Fabula, 2018. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.5776.
3
Goursolas, Marie-Hélène. "“J'ai décidé de mourir dans le théâtre” : le zèle théâtrophobe comme cliché hagiographique, étude du cas d'Hypatios (Ve siècle)." In Théâtre et scandale (I). Fabula, 2019. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.5830.
4
Jaubert, Elsa. "De la polémique au scandale : théâtre et émergence de l’espace public en Allemagne dans la seconde moitié du XVIIIe siècle." In Théâtre et scandale (I). Fabula, 2019. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.5840.
5
Mombert (ENS – LSH, Lyon), Sarah. "Hugo et le théâtre espagnol dans Hernani et Ruy Blas." In Victor Hugo, Hernani, Ruy Blas. Fabula, 2009. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.1127.
6
Tylski, Alexandre. "Étude des génériques dans l’œuvre cinématographique de Roman Polanski." In Le début et la fin. Roman, théâtre, B.D., cinéma. Fabula, 2007. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.664.
7
Rumeau, Cécile. "Le début et la fin dans les récits aurevilliens : la question de l’enchâssement dans L’Ensorcelée, Le Chevalier Des Touches, Un prêtre marié, Les Diaboliques." In Le début et la fin. Roman, théâtre, B.D., cinéma. Fabula, 2007. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.733.
8
Azzam, Wagih. "Les deux statues, ou les enjeux du théâtre dans le Jeu de saint Nicolas." In Manuscrits, mètres, performances: les Jeux d'Arras, du théâtre médiéval? Fabula, 2009. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.1203.
9
Capitani, Patrizia De. "Pratiques virtuoses de l’intrigue dans le théâtre comique de Giambattista Della Porta (1535-1615)." In Pensée et pratique de l'intrigue comique (France-Italie, XVIe-XVIIIe siècles). Fabula, 2020. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.6532.
10
Lefebvre, Anne-Marie. "De l’enfant au cimetière : un parcours balzacien dans Le Médecin de campagne." In Le début et la fin. Roman, théâtre, B.D., cinéma. Fabula, 2007. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.718.