Добірка наукової літератури з теми "Représentation (esthétique) – Dans la danse"
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Статті в журналах з теми "Représentation (esthétique) – Dans la danse"
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Mazéas, Dominique, and Claire Nioche. "Regards partagés sur l’émergence du lien par la danse." Recherches en psychanalyse N° 35/36, no. 1/2 (April 5, 2024): 118–32. http://dx.doi.org/10.3917/rep2.035.36.0118.
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La proposition d’une médiation danse pour de jeunes enfants autistes et leurs parents reçus en groupes multifamiliaux sert d’appui à une réflexion sur la valeur de l’expérience subjective et esthétique dans une démarche thérapeutique, mais aussi de recherche. Le dispositif (EtuDanse) qui en découle, permet un croisement des regards (des danseurs, d’observateurs et de chercheurs cliniciens) et une attention particulière à la potentialité heuristique des émotions esthétiques partagées dans l’appréhension des processus archaïques qui se déploient dans la rencontre dansée. Ces processus archaïques, à la fois éprouvés dans le mouvement dansé improvisé et mis en lumière par une narrativité spécifique issue de l’observation, rendent plus intelligible l’émergence des représentations spatiales et corporelles qui favorisent les échanges intersubjectifs des enfants avec leur environnement.
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Casazza, Yann. "Des vécus de chutes dans l’autisme aux rebonds dansants." Enfances & Psy N° 98, no. 4 (December 7, 2023): 125–36. http://dx.doi.org/10.3917/ep.098.0125.
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Cet article traite de l’utilisation de la médiation danse dans un groupe thérapeutique parents-enfants autistes dans le cadre de la recherche « EtuDanse ». Dans ce dispositif, les enfants autistes rejouent des vécus corporels de chutes sans fin par des mouvements répétés du haut vers le bas et de montées et descentes du mobilier. En se soutenant de souvenirs artistiques, le clinicien-danseur trouve les ressources nécessaires pour percevoir ces vécus de chutes en expression esthétique et poétique du déséquilibre. À partir de ces représentations créatives et artistiques, il accompagne les mouvements de descente du petit danseur vers une réappropriation de l’espace de la pesanteur. Progressivement, la médiation danse permet de transformer les vécus autistiques de chutes en rebonds dansants, par des jeux de synchronie corporels, rythmiques et intersubjectifs.
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Puma, Giulia. "Représentations et fonctions de l’objet-livre dans les enluminures du Paradis du ms Yates Thompson 36." Dante e l'Arte 8 (March 7, 2022): 159–80. http://dx.doi.org/10.5565/rev/dea.148.
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Caractéristique propre au Paradis enluminé par Giovanni di Paolo, absente des enluminures de l’Enfer et du Purgatoire, la représentation de l’objet livre revient dans pas moins de dix enluminures distribuées entre les chants 5 et 28 du Paradis. L’enquête porte sur ce processus de mise en abyme et en démontre le potentiel hexégétique. Le volume, souvent les volumes (une seule enluminure peut contenir jusqu’à sept livres représentés), correspondent aux textes (théologiques, juridiques) mentionnés par Dante dans les vers du grand poème. Toujours chargés de connotations positives, les manuscrits véhiculent le savoir et la sagesse morale promus par Dante. Ils sont en outre un objet de transition, culturelle et esthétique : narrativement reliés aux figures médiévales (Justinien, Denys, Isidore, …), ils exaltent l’appréciation du manuscrit typique de l’humanisme et de la Bibliothèque Alphonsine. En somme, concentrer le regard et l’analyse sur la présence de l’objet livre au sein des enluminures, elles-mêmes insérées dans le manuscrit Yates Thompson 36, permet tout à la fois de saisir l’« intelligence picturale » du peintre et la bibliophilie du commanditaire.
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Mazéas, Dominique. "La médiation danse parents-enfants autistes : un « chant-et-danse »… et regards." Enfances & Psy N° 98, no. 4 (December 7, 2023): 113–24. http://dx.doi.org/10.3917/ep.098.0113.
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En prenant appui sur le dispositif clinique et de recherche EtuDanse, cet article tente de préciser la place et la fonction d’un observateur dans un groupe à médiation danse avec de jeunes enfants autistes et leurs parents. Observer la danse d’enfants qui n’ont pas encore accès à des représentations corporelles et spatiales stables suscite un travail spécifique du regard. Il s’y déploie une réceptivité aux résonances émotionnelles et esthétiques qui apparaissent entre les mouvements des danseurs. Cette réceptivité aide en retour les participants à se représenter les expériences qu’ils traversent. L’observation de ce type de groupe révèle aussi combien les enfants observent eux-mêmes avant de danser. Elle aide à comprendre comment l’échange des regards est soutenu par la composition de traces de mouvements en chacun des partenaires du lien.
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Muller-Pinget, Solange, and Alain Golay. "La danse thérapie pour développer les dimensions perceptives chez les patients obèses." Education Thérapeutique du Patient - Therapeutic Patient Education 12, no. 2 (2020): 20206. http://dx.doi.org/10.1051/tpe/2020014.
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Introduction : Les patients obèses sont enfermés dans une perception d’eux-mêmes amoindrie par le poids de leurs souffrances. Objectifs : Le but de cette étude est d’observer les effets de la danse thérapie sur l’auto-perception et la qualité de vies des patients obèses et ceux ayant bénéficié d’une chirurgie bariatrique. Méthodes : Quatre groupes, similaires en poids et en âge, ont bénéficié de danse thérapie. Un programme de 36 semaines sans groupe contrôle, un de 16 semaines avec groupe contrôle et un groupe post bypass pendant 18 semaines. L’estime de soi, l’estime corporelle, la qualité de vie, la conscience corporelle, les représentations mentales et la représentation de la corpulence ont été mesurés avant et après la danse thérapie dans chaque groupe. Résultats : La danse thérapie améliore tous ces éléments dans les trois programmes sauf la représentation de la corpulence qui reste inadéquate dans les quatre groupes. Le groupe contrôle n’améliore pas la qualité de vie ni l’estime de soi. Conclusion : Les séances de danse thérapie sur une longue ou courte période engagent une transformation de la perception de la personne qui lui permet une amélioration de sa qualité de vie.
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Muller-Pinget, Solange, and Alain Golay. "La danse thérapie pour développer les dimensions perceptives chez les patients obèses." Education Thérapeutique du Patient - Therapeutic Patient Education 12, no. 2 (2020): 20206. http://dx.doi.org/10.1051/tpe/2020014.
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Introduction : Les patients obèses sont enfermés dans une perception d’eux-mêmes amoindrie par le poids de leurs souffrances. Objectifs : Le but de cette étude est d’observer les effets de la danse thérapie sur l’auto-perception et la qualité de vies des patients obèses et ceux ayant bénéficié d’une chirurgie bariatrique. Méthodes : Quatre groupes, similaires en poids et en âge, ont bénéficié de danse thérapie. Un programme de 36 semaines sans groupe contrôle, un de 16 semaines avec groupe contrôle et un groupe post bypass pendant 18 semaines. L’estime de soi, l’estime corporelle, la qualité de vie, la conscience corporelle, les représentations mentales et la représentation de la corpulence ont été mesurés avant et après la danse thérapie dans chaque groupe. Résultats : La danse thérapie améliore tous ces éléments dans les trois programmes sauf la représentation de la corpulence qui reste inadéquate dans les quatre groupes. Le groupe contrôle n’améliore pas la qualité de vie ni l’estime de soi. Conclusion : Les séances de danse thérapie sur une longue ou courte période engagent une transformation de la perception de la personne qui lui permet une amélioration de sa qualité de vie.
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Sintès, Guillaume. "Le manifeste en danse." Études littéraires 44, no. 3 (June 9, 2014): 111–21. http://dx.doi.org/10.7202/1025484ar.
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Force est de constater que la pratique du manifeste en danse ne s’inscrit pas dans une tradition discursive importante, que ce soit en termes de production ou d’analyse critique. À vrai dire, les exemples qui ont marqué, durablement (ou pas), le champ chorégraphique français se comptent sur les doigts d’une main. Il conviendra d’analyser l’évolution d’une pratique qui, si elle reprend les codes identitaires du genre, fonctionne à rebours des autres disciplines artistiques : délaissant une démarche singulière, menée au sein d’un groupe, au profit d’un mouvement collectif prônant la revendication d’une politique culturelle chorégraphique large, et oscillant entre acte de légitimation d’un art (et non d’une esthétique) et volonté d’institutionnalisation et de structuration du champ.
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Seigneuric, Alix, and Hakima Megherbi. "La cognition incarnée : une entrée dans la danse." Enfances & Psy N° 98, no. 4 (December 7, 2023): 79–90. http://dx.doi.org/10.3917/ep.098.0079.
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La cognition incarnée pose un cadre pour le développement de recherches qui partent de l’idée que la cognition est avant tout inscrite corporellement. Si ce courant marque une rupture avec la conception cognitiviste traditionnelle, il peut être vu comme une remise au goût du jour de conceptions déjà présentes dans certaines théories du développement, notamment celle de Wallon. Le courant de la cognition incarnée s’appuie sur un grand nombre de données neurophysiologiques et comportementales recueillies majoritairement chez l’adulte mais aussi chez l’enfant. Ces dernières années, la danse en tant qu’outil privilégié a été utilisée pour étudier plusieurs questions centrales soulevées par la perspective de la cognition incarnée. Dans cet article, nous en présentons plusieurs : la boucle action-perception et le rôle de l’expérience corporelle dans la perception, l’appréciation esthétique de la danse et la dimension sociale en lien avec la synchronisation. Pour finir, nous nous proposons d’ouvrir sur les apports de la cognition incarnée dans l’utilisation de la danse comme médium pédagogique ou thérapeutique.
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Fournier, Marion. "Le cheveu dénoué chez Pina Bausch. Mutation d’une transgression esthétique." Allemagne d'aujourd'hui N° 245, no. 3 (September 28, 2023): 129–42. http://dx.doi.org/10.3917/all.245.0129.
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L’article explore l’importance des cheveux dans l’œuvre de la chorégraphe allemande Pina Bausch (1940-2009) et leur interprétation dans la réception critique. Pina Bausch, connue pour avoir développé le Tanztheater , a opté pour une utilisation des cheveux de ses danseuses allant souvent à l’encontre des normes sociales établies. Dans les années 1970, elle faisait danser ses danseuses les cheveux lâchés, rompant avec un code traditionnel provenant de la danse classique. Les cheveux détachés étaient associés à la liberté, à l’authenticité et à l’individualité du corps, en opposition aux normes de contrôle de la coiffure. Au fil des décennies, le motif des cheveux détachés a évolué, mais est resté transgressif, remettant en question des canons de beauté contemporains. À l’aube des années 2000, les cheveux longs et disciplinés étaient devenus obligatoires pour les danseuses de la compagnie. Les critiques de danse ont comparé cette esthétique capillaire à celle des publicités pour les shampoings. L’article examine la nature et l’intensité du lien entre l’imagerie des cheveux dans les œuvres de Pina Bausch et celle diffusée dans la publicité, reflet de discours sociaux portés sur le corps. Au Tanztheater , la liberté de manipuler ses cheveux n’était pas autorisée, ce qui contrastait avec la tendance en vigueur qui poussait à choisir à sa guise la longueur, la coupe, la couleur de sa chevelure. Malgré les changements de normes esthétiques dans la société, Pina Bausch a maintenu son caractère transgressif en utilisant les cheveux comme moyen de sculpter un imaginaire du corps.
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Guilbert, Laure, Céline Gauthier, and Angela Conquet. "Danser dans un stade. Les chorégraphes aux Jeux de Berlin (1936)." Cahiers de danse N° 1, no. 2 (October 20, 2023): 10–19. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001a.0010.
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Historienne de la danse, Laure Guilbert explore le pouvoir ambigu des célébrations chorégraphiques durant les Jeux Olympiques de 1936. Dans l’espace vertigineux des stades, les artistes ont composé des danses chorales qui rassemblent des milliers de participants. Si ces œuvres cristallisent les techniques rythmiques et l’idéal esthétique de l’Ausdrucktanz, elles font aussi implacablement écho à la doctrine corporelle du régime fasciste.
Дисертації з теми "Représentation (esthétique) – Dans la danse"
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Febvre, Michèle. "Danse contemporaine et théâtralité." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA08A878.
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Au cours des deux dernieres decennies environ, la danse contemporaine s'est vue reconduite a l'expression et a la production signifiante et s'est reappropriee des conduites de representation et de narration, produisant entre autres des "effets-theatre". Le travail tente de repondre aux questions suivantes: comment se manifeste la theatralite en danse? comment le corps dansant compose-t-il avec son statut de signe? comment la danse module-t-elle son rapport a l'institution theatre, lieu de la mimesis? la premiere partie fait le point sur l'evolution de la danse contemporaine, tiraillee, comme ses predecesseurs, entre les forces et le pouvoir enonciateur du corps dansant. Elle met egalement en lumiere la polysemie du concept de theatralite. La deuxieme partie met l'accent sur les voies privilegiees pour la production "d'effets-theatre": le retour de l'intentionnalite dans un premier temps; dans un second temps, mise a jour de la theatralite inherente au corps dansant, utilisation d'une gestualite "familiere" reconduite au mimetisme ou produisant un effet-reconnaissance. Jeu de mise en abime, ou la danse representee. Une place particuliere est accordee a l'usage de la voix et du langage, compris entre systeme sonore, expressif et signifiant. La derniere partie pose la question de l'organisation du recit choregraphique et fait ressortir les conduites d'evitement du raconte qui maintiennent la danse en etat d'erethisme signifiant.
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Rousselot, Maëlle. "De la transe dans les ballets du XIXe siècle à aujourd’hui : pour un décentrement des regards." Electronic Thesis or Diss., Bourgogne Franche-Comté, 2023. http://www.theses.fr/2023UBFCC037.
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Cette recherche formule l’hypothèse qu’il puisse y avoir des présences de transe au sein des représentations et des perceptions des ballets du XIXe siècle à aujourd’hui. De là, surgissent de nombreuses questions : comment la transe serait-elle représentée et perçue dans ces œuvres ? Qu’est-ce que ces représentations de transe ou au contraire son invisibilité dans ces ballets, disent de nous, Occidentaux ? Comment définir la transe, ce phénomène insaisissable et état aux multiples facettes ? Notre opération méthodologique consiste alors, non pas tant à définir la transe, que de dégager des dimensions et des traits transiques, soit des aspects récurrents relevés au sein d’un corpus ouvert de phénomènes de transes diversement repérés comme tels au fil de l’histoire occidentale du XVIe siècle à aujourd’hui. À la suite, cela nous permet de relever les traits et dimensions transiques au sein des ballets du XIXe à aujourd’hui, cela à travers des analyses d’œuvres et de discours à partir de sources diverses (livrets, textes, images, dessins, lithographies, tableaux, photographies, vidéos) et d’entretiens avec des danseurs. Ainsi, nous pouvons à la fois aborder le phénomène de transe dans toute sa complexité et décentrer nos regards sur les ballets. Nous découvrons un XIXe siècle foisonnant d’aspects transiques, alors que, de la fin du XXe siècle jusqu’à aujourd’hui, les éléments recouvrant et effaçant ces aspects semblent nombreux. Or, le fait de montrer ou au contraire d’effacer ces caractéristiques est porteur de discours sur ces danses, mais aussi de son public. Ce décentrement des regards permet également de possibles relectures « transiques » de ces ballets à l’heure contemporaineThis research formulates the hypothesis that there may be presence of trance in the representations and perceptions of ballets from the nineteenth century to the present day. This raises a number of questions: how is trance represented and perceived in these works? What do these representations of trance, or on the contrary its invisibility in these ballets, say about us as Westerners? How can we define trance, this elusive phenomenon and multifaceted state? Our methodological operation, then, consists not so much in defining trance, as in identifying, dimensions and features, i.e., recurring aspects found within an open corpus of trance phenomena variously identified as such throughout Western history from the sixteenth century to the present day. This then allows us to identify the transic features and dimensions of ballets from the nineteenth century to the present day, through analyses of works and discourses based on various sources such as librettos, texts, images, drawings, lithographs, paintings, photographs, videos and on interviews with dancers. In this way, we can both approach the phenomenon of trance in all its complexity and shift the way we look at ballets. We discover a nineteenth century teeming with trance aspects, whereas from the end of the twentieth century to the present day, there seems to be many elements that obscure and erase these aspects. The fact of showing or, on the contrary, erasing these characteristics conveys information about these dances, but also about their audience. This decentred perspectives also allows possible “transic” reinterpretation of these ballets in a contemporary context
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Villeneuve, Roselyne de. "La représentation de l'espace instable chez Nodier : stylistique, esthétique, ontologie." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100071.
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Dans cette étude, nous traitons une problématique à double fond grâce à la convergence de trois méthodes complémentaires. En effet, dans les fictions de Nodier, le problème principal de l'instabilité de l'espace représenté débouche inévitablement sur la question lancinante de la représentation elle-même, fragilisée en ce début du XIXe siècle. La première partie étudie les moyens stylistiques de la représentation de l'espace instable, verbes et figures essentiellement. La deuxième partie se penche sur les axes majeurs d'une esthétique de l'espace instable, à savoir le pittoresque romantique et l'écriture intertextuelle, à la fois agent d'un décentrage spatial et esthétique en acte. La troisième partie explore les présupposés ontologiques qui permettent de dépasser l'instabilité spatiale en la subordonnant à un ordre transcendant : harmonie, au-delà, échelle des mondes. Répercutant les bouleversements d'une époque, l'instabilité affecte profondément, chez Nodier, une écriture en devenirThis work deals with a set of problems appearing at double level, thanks to the convergence of three complementary methods. Indeed in Nodier's fictions the main problem regarding the instability of the represental space comes unavoidably to the lancinating subject of the representation itself, which was weakened at the beginning of the XIXth century. The first part studies the stylistic ways used for the representation of the instable space, chiefly verbs and figures. The second part relates to the major topics of an aesthetics concerning the instable space, namely the romantic picturesque and the intertextual writing, acting agent to remove in the same time the centers of space and aesthetics. The third part analyzes the ontological presuppositions which can outdo the spatial instability by subjecting it to a transcendental order : harmony, otherworld, scale of nature. Reflecting the changes come in an age, the instability affects deeply, in Nodier's work, a writing in progress
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Athanassopoulos, Evangelos. "Esthétique et publicité : l'art contemporain après la crise de la représentation." Paris 1, 2008. http://accesdistant.bu.univ-paris8.fr:2048/login?url=http://www.dawsonera.com/depp/reader/protected/external/AbstractView/S9782296246140.
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Cette étude porte sur l' appropriation d' images et de stratégies publicitaires par l'art contemporain dans le contexte culturel du postmodernisme. L'hypothèse est que dans les sociétés de communication, les rapports de la sphère artistique et de la publicité sont régis par des modalités esthétiques qui convergent vers le principe de spécularité de la représentation. La problématique s'articule autour de trois points: la généralisation de l'élément esthétique, le rôle critique des procédés allégoriques et le rapport de l'oeuvre au public, esquissant les grandes lignes d'une économie politique du regard. A travers l' analyse d' oeuvres de Richard Prince, Barbara Kruger, Dan Graham, John Knight, Victor Burgin, Jeff Wall et d' autres artistes, ainsi que de campagnes publicitaires, il s'agit d'interroger la notion de néo-avant-garde dans le but d' établir un modèle de visualité qui puisse rendre compte de la complexité des implications de sa collusion avec l'industrie du spectacle.
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Moquet, Patrick. "L'explicite et l'implicite dans la peinture en représentation." Aix-Marseille 1, 1998. http://www.theses.fr/1997AIX10073.
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Dans la premiere partie, l'etude de quelques oeuvres topiques ou le peintre se met en scene dans son atelier permet de relever un certain nombre de paradoxes. Dans l'atelier de vermeer et dans la lecon de peinture de matisse se decouvrent des ruptures et des decalages, tant du point de vue iconographique que plastique, opposant notamment les effets de profondeur et la planeite du tableau. Cependant la preoccupation essentielle de l'artiste demeure la recherche d'unite et de synthese. La seconde partie est consacree aux realisations plastiques personnelles. Le theme de l'atelier sans maitre associe aux recherches d'effets de discontinuite s'appuie sur l'utilisation du diptyque, du collage (photographies, tissus, toiles), de l'assemblage (integration de pots et du chevalet a l'oeuvre) de facon a mettre en evidence le processus de realisation des oeuvres et a affirmer le statut d'objet du tableau. Ni la representation du peintre au travail, ni la mise en evidence de la procedure technique ne permettent de rendre raison de l'evenement pictural. Il faut, pour atteindre aux caracteres essentiels de la peinture, considerer les agencements de la matiere comme un temps particulier et non comme lieu d'apparition d'une forme.
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Garo, Isabelle. "Reflet et représentation dans la pensée de Marx." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010582.
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On a longtemps débattu de la théorie du reflet en imputant à Marx la thèse que la connaissance serait une image adéquate de la réalité objective. L'analyse de ce débat, qui débute avec Engels et Lénine et se poursuit jusqu'à aujourd'hui, permet et exige qu'on revienne sur l'usage propre que fait Marx des notions de reflet et d'image dans le cadre d'une réflexion plus générale sur la représentation. Cette réflexion le conduit d'une polémique contre les conceptions hégéliennes et jeunes-hégeliennes à la construction du concept d'idéologie, désignant la formation et la fonction sociales des représentations dans le cadre de la lutte de classes en mode de production capitaliste. Soulignant le dynamisme propre de ces représentations, Marx surmontera les tensions inhérentes à sa catégorie d'idéologie en étudiant cette représentation objective qu'est la monnaie, sur le terrain inédit d'une critique de l'économie politique. Il donne alors à la notion de reflet un rôle analogique qui lui permet de prendre en charge comme telles des représentations singulières et concrètes. Cette notion d'un genre nouveau est ainsi l'occasion d'une critique continuée de la philosophie qui ne s'élabore jamais en une nouvelle théorie de la connaissance. L'étude de la conception marxienne de la représentation donne bien accès à un style propre d'investigation et de conceptualisation, qui ne rassemble pas ses conclusions en une synthèse définitive mais aborde de façon à la fois ouverte et nettement definie les représentations les plus diverses, et notamment les notions de théorie et de méthode dans leur relation à une pratique transformatrice. La question de la représentation s'y trouve, d'un même mouvement, élaborée, mise en oeuvre et réfléchieThe theory of reflex has been for long debated granting marx with the argument that knowledge might be a relevant image of the objective reality. The analysis of this proposition, that started with engels and lenin is still going on till now, allows and requires a coming back to the proper use made by marx of reflex and image notions within the scope of a more general reflexion upon representation. This reflexion leads him from a controversy against the hegelian and neo-hegelian conceits to the elaboration of the ideology concept, pointing out social creation and function of representations within the range of class war in the way of capitalist production. Emphasizing the proper dynamism of these representations, marx has overcome the inherent tensions in his type of ideology, studying this objective representation : money, upon the original ground of criticism of political economy. Hence he gives an analogical role to the reflex notion allowing it to take into account singular and concrete representations, such as. So, this notion of a new kind bears the opportunity of a proceeding criticism of philosophy wich never builds up into a new theory of knowledge. The study of the marxism conceit of representation does give way to a proper style of investigation and conceptualism, that does not gather its conclusions in an ultimate synthesis but deal - in a way both open and precisily defined - with the most varied representations and in particular with the notions of theory and method within their relationship to a transforming application. Then, in a unique move, the problem of representation arises as worked out, implemented and reflected
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Hellio, Jean-Michel. "L'ambivalence baroque : une esthétique picturale au service d'une représentation cinématographique." Caen, 2002. http://www.theses.fr/2002CAEN1355.
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La finalité de l'analyse que nous entreprenons repose sur l'examen du principe moteur attaché au courant baroque : l'expérience du mouvement. Cependant, la pensée baroque ne saurait se résumer à l'exacerbation de l'instant vécu pleinement, car le mouvement étudié, sans cesse en voie de métamorphose, multipliant les antagonismes, les paradoxes, masque un enjeu qui concrétise l'expression d'une rupture (signe d'une contestation des règles établies). À partir de la déclinaison que nous venons de préciser, il s'agit de proposer des critères d'appréciation susceptibles de circonscrire une esthétique de la contradiction (la terribilita, le tourbillon, l'illusion, la tension, l'instantanéité, l'hyperréalité, la fragmentation, la décantation). L'examen sera envisagé à travers la connaissance de ce dialecte abondant qu'est la peinture baroque, de manière à faire surgir les signes caractéristiques d'identités multiples. Cette expérience s'inscrit donc dans une logique qui envisage la représentation du mouvement en peinture comme le témoignage inachevé d'une entreprise destinée à s'élargir au cinéma et aux réponses apportées par l'expérience cinétique. Aussi, parmi les cinéastes qui ont inscrit la dialectique de l'ambivalence au coeur même de leur rapport au réel, nous retiendrons ceux dont le mode opératoire parvient à démontrer une esthétique issue de la peinture baroque. Nous examinerons à l'intérieur des oeuvres cinématographiques retenues l'amplitude du mouvement baroque. L'évolution du western étudiée au rythme de ses ruptures historiques (de Ford à Eastwood), l'exercice cinétique contrarié (Kubrick), l'image kaléidoscopique du polar (Scorsese, De Palma), les leurres d'une parole mensongère (Welles, Mankiewicz), la séduction avortée d'un cinéma romantique (Ophuls, Sternberg), enfin, l'expérience d'un cinéma historique et/ou social confronté à l'identité italienne (la noblesse de Visconti, la bohème de Fellini) constitueront les axes directeurs de notre étude.
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Garcia, Tristan. "Arts anciens, arts nouveaux : les formes de nos représentations de l'invention de la photographie à aujourd'hui." Amiens, 2008. http://www.theses.fr/2008AMIE0028.
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Cette thèse est une tentative de redéfinition de ce que peut être tout art humain. En considérant la double impasse qui a conduit dans l'esthétiqùe moderne, à considérer de manière privilégiée soit l'Art soit l'objet d'art, il apparaît qu'une troisième voie a été négligée, celle des arts. Un art se trouve alors défini comme une forme de représentation. Les formes picturale, narrative ou musicale apparaissent ainsi comme des arts anciens, indissociables de la définition même de toutes les cultures humaines. Or, de nouvelles formes de représentation sont ici examinées, à partir du XIXe siècle : dénaturalisées, elles correspondent à l'usage de techniques, d'âges de la vie ou de communautés en tant que moyens inédits - irréductibles aux précédents - de représenter le monde, c'est-à-dire d'échanger « absence » et « présence » à l'occasion d'objets ou d'événements. Le statut d'arts nouveaux - ni plus ni moins arts que les arts anciens - est donc discuté autour de différents cas contemporainsThis thesis is an attempt to redefine what any human art can be. By considering the double dead end which led, in modem aesthetics, to focus either on Art or on the Work of art as such, a third option appears to have remained ignored : to acknowledge the diversity of all artistic human practices and their agreement or opposition with each other. This work is a philosophical and aesthetical inquiry based on that specific option. Each art is then defined as a form of representation. The pictorial, narrative, musical forms appear to be Old Arts. However, new forms of representation are examined here, which emerge from the XIXe Century on : these « denaturalized » forms are produced by uses of techniques, of ages in life, of communities, as brand new possibilities - irreductible to the previous ones - to represent the world, to reverse absence and presence while modeling objects or creating events. The statute of New Arts is thus discussed through various cases
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Katz, Stéphanie. "La représentation de la voix en peinture, figures de l'infigurable." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082066.
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Dans la réalité, dans le rapport que nous entretenons quotidiennement avec elle, la voix échappe évidemment au regard. A ce titre, la représentation de la voix relève de l'infigurable. Choisir d'interroger la représentation de la voix en peinture, c'est, dès les origines du projet, poser la question de l'avènement de l'invisible dans le visible de l'image peinte. Il y a donc un parti pris initial fondant notre recherche, qui considère qu'il existe fondamentalement deux sortes d'images. Les premières parient sur les capacités de l'image à doubler le monde. Les secondes, essentiellement frustrantes, envisagent de signaler ce en quoi elles ne sont précisément que des images, incapables de doubler le réel et de combler ce manque. Indicielles par définition, ces autres images insisteront sur ce qui leur échappe, plutôt que sur ce qu'elles représentent. C'est dans le cadre de cette distinction initiale que nous sommes remonté aux premières définitions philosophiques de l'image proposées au IXe siècle par les Pères de l'Eglise. Or, ce corpus patristique a envisagé la manifestation de la voix dans l'image, non pas comme une simple modalité de l'avènement de l'invisible dans le visible, mais comme son paradigme même. Souffle du Verbe divin accueilli par un corps, la voix tendue entre abstraction spirituelle et Incarnation, est définie dans la scène de l'Annonciation comme étant la figure même de ce qui échappe au regard. Ainsi définie comme n'étant ni le seul Verbe, ni uniquement le son produit par un corps, la voix acquiert une ambivalence structurante qui fait d'elle le véritable laboratoire de l'invisible dans l'image. Du Moyen-Age à la modernité, la représentation de la voix fondera le travail de déconstruction de la logique mimétique qui obsède la peinture.
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Garcia-Porrero, Juan. "Figures de l'anti-image : vers une définition de la représentation picturale moderne." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010660.
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Cette étude s'attache à montrer que la notion de représentation n'a jamais été pensée sans présupposé d'un certain «système classique» précédant la « modernité» comme catégorie historico-philosophique. Or, cette « modernité» a précisément montré à travers le champ spécifique de la peinture une autre transformation dans le concept de représentation. En jouant à l'intérieur de la tradition picturale, la modernité s'est développée jusqu'à produire les conditions d'un changement dans la compréhension du concept de représentation à partir de la prise de conscience de ce qu'est la peinture. La peinture, dans son cheminement vers la modernité, a réussi à montrer que la pensée qui relègue le fait de représenter à la simple imitation d'une réalité préalable est forcément aporétique face aux mécanismes objectifs de la représentation - c'est-à-dire son expression, qui met en évidence la représentation comme un acte capable d'instaurer la figure paradoxale de l'anti-image
Книги з теми "Représentation (esthétique) – Dans la danse"
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Varsava, Jerry A. Contingent meanings: Postmodern fiction, mimesis, and the reader. Tallahassee: Florida State University Press, 1990.
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Ontario. Esquisse de cours 12e année: Danse atc4m cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.
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The emancipated spectator. London: Verso, 2011.
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4
The emancipated spectator. London: Verso, 2009.
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Kadivar, Pedro. Marcel Proust, ou, Esthétique de l'entre-deux: Poétique de la représentation dans À la recherche du temps perdu. Paris: Harmattan, 2004.
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6
Kadivar, Pedro. Marcel Proust ou Esthétique de l'entre-deux: Poétique de la représentation dans "A la Recherche du temps perdu". Paris: L'Harmattan, 2004.
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7
Marcel Proust ou Esthétique de l'entre-deux: Poétique de la représentation dans À la recherche du temps perdu. Paris: L'Harmattan, 2004.
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Voir, comprendre, analyser les images. 4th ed. Paris: Éd. la Découverte, 2004.
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Gervereau, Laurent. Voir, comprendre, analyser les images. Paris: Découverte, 1994.
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Gervereau, Laurent. Voir, comprendre, analyser les images. Paris: La Découverte, 1997.
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Widdis, Emma. "La représentation des frontières dans le cinéma soviétique des années 1930 : une esthétique de la conquête." In Le cinéma « stalinien », 111–21. Presses universitaires du Midi, 2003. http://dx.doi.org/10.4000/books.pumi.19592.
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2
Martinet, Marie-Madeleine. "Outils hypermédia et temps multidimensionnel du patrimoine." In Patrimoine et Humanités numériques, 89–102. Editions des archives contemporaines, 2020. http://dx.doi.org/10.17184/eac.3594.
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L’article montre comment le numérique donne une vision active du patrimoine, mêlant connaissance du passé et expérience présente. Première possibilité offerte par le numérique : le jeu de rôle historique interactif. Mettant l’utilisateur dans le rôle d’un homme de métier ancien – architecte du XVIII siècle par exemple –, le parcours utilise les fonctionnalités des circuits multimédia, notamment la proposition de choix à chaque étape, pour présenter rétrospectivement les décisions entre plusieurs options prises pour construire un bâtiment, mettant ainsi le patrimoine subsistant sur un fond d’autres options restées irréelles.Les parcours interactifs avec choix peuvent aussi porter sur les représentations du passé : questions d’appariement où l’utilisateur fait correspondre plusieurs images anciennes d’un lieu avec leurs genres picturaux respectifs (comme dessin technique ou peinture imaginative), soulignant ainsi la multiplicité de visions possibles dans la conscience patrimoniale ; et dans les arts contemporains, découverte d’analogies entre les procédés de filtres utilisés pour les images numériques d’un lieu historique, et les effets esthétiques de marbrures dans les représentations anciennes.Le patrimoine recréé par le numérique unit ainsi le patrimoine matériel du passé à la pratique du patrimoine immatériel vécu du savoir-faire.
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Gérard Yao, Kouamé. "Les seuils du théâtre." In D'un seuil à l'autre, 189–97. Editions des archives contemporaines, 2017. http://dx.doi.org/10.17184/eac.771.
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Le théâtre s'offre comme un sol idéal pour faire l'expérience et l'étude des seuils. D'une part, dans son rapport à la vie réelle dont il procède, le théâtre soulève la question du seuil comme limite ou obstacle entre deux choses données. Art de la représentation dramatique et scénique de la vie, le théâtre tient celle-ci à distance en raison de sa nature artistique; ce qui fait du théâtre la limite de la vie réelle. En outre, quoique de nature différente, le théâtre et la vie ne sont pas séparés par une frontière étanche. Au contraire, le premier se présente comme une entrée discrète creusée au sein de la seconde pour mieux la surprendre, l'interroger, la connaître et, au besoin, la transformer. De ce point de vue, le théâtre emprunte au seuil l'idée d'entrée. Enfin, la nature hybride même du théâtre pose le problème du seuil comme l'entre-deux, voire la synthèse de deux réalités hétérogènes. Le théâtre est-il un art poétique et/ou un art du spectacle? Suivant les différentes approches historiques et esthétiques de la question, il ressort que le théâtre est tout à la fois l'un et l'autre, même si, d'un autre point de vue, le versant poétique du théâtre peut se maintenir sans s'adosser forcément au versant spectaculaire et vice versa. En d'autres termes, le théâtre est le seuil esthétique où se touchent, se confondent et se fécondent mutuellement l'art poétique et l'art de la scène ou art du spectacle. Art par excellence de la combinaison, le théâtre n'est pas que le seuil entre poièsis et opsis, il est aussi et surtout un carrefour des arts et non une frontière de séparation posée entre les différents arts qu'il utilise puisqu'il montre que différents arts peuvent se fondre en un autre et donner naissance à une sorte de méta-art comme on parlerait de métadiscours. Pour tout dire, le théâtre se présente comme un seuil artistique culturel, celui où différents arts et cultures entrent en dialogue et s'enrichissent mutuellement en donnant naissance à une réalité nouvelle. De ce point de vue, il répond parfaitement à la conception de la culture défendue par Léopold Sédar Senghor, à savoir le rendez-vous du donner et du recevoir. Il est l'espace privilégié et même la promesse de la réalisation du donner et du recevoir rêvés par ce penseur et poète africain. Ce sont tous ces différents seuils qui, abordés dans la présente étude, en font «Le théâtre des seuils».
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Klein, Florence. "3. Virgile « le Romain », Ovide « le néo-Alexandrin ». Jeux génériques et opposition esthétique entre deux modèles dans le Satiricon de Pétrone." In La représentation du « couple » Virgile-Ovide dans la tradition culturelle de l'Antiquité à nos jours, 75–94. Presses universitaires du Septentrion, 2015. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.9018.
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5
"Premiere Partie: L’iconographie néo-assyrienne : problèmes esthétiques et ontologiques." In Les représentations architecturales dans l’iconographie néo-assyrienne, 32–61. BRILL, 2016. http://dx.doi.org/10.1163/9789004324015_003.
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6
Giacomotto-Charra, Violaine. "Entre savoirs et imagination : esthétique et symbolique du jardin dans les représentations édéniques de Du Bartas." In Les mythologies du jardin de l’antiquité à la fin du xixe siècle, 73–83. Presses Universitaires de Bordeaux, 2006. http://dx.doi.org/10.4000/books.pub.27336.
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7
Murakami, Yumi. "L. La conception de la danse chez Mallarmé : autour de la conversion esthétique opérée dans les années 1890." In « Une transparence du regard adéquat », 641–51. Hermann, 2023. http://dx.doi.org/10.3917/herm.fores.2023.01.0641.
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8
Barrois, Quentin. "Chapitre II. De la figuration du passé à l’expérience réflexive du temps : enjeux esthétiques de la représentation des ruines dans Guild Wars 2." In Temporalités et imaginaires du jeu, 35–50. Presses universitaires de Liège, 2023. http://dx.doi.org/10.4000/books.pulg.25994.
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9
Suréda-Cagliani, Sylvie. "Préface." In Représentations esthétiques en Argentine et dans le Rio de la Plata XIXe, XXe, XXIe siècle. Politique, Fêtes et Excès, 11. Presses universitaires de Perpignan, 2015. http://dx.doi.org/10.4000/books.pupvd.4312.
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10
Suréda-Cagliani, Sylvie. "Prefacio." In Représentations esthétiques en Argentine et dans le Rio de la Plata XIXe, XXe, XXIe siècle. Politique, Fêtes et Excès, 13. Presses universitaires de Perpignan, 2015. http://dx.doi.org/10.4000/books.pupvd.4313.
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ECHEVERRIA, Lydia. "Ma Maison : étude d’un projet photographique pour penser la banlieue populaire comme espace des liens entre esthétique et politique." In Banlieues : figurations de l'espace populaire ? Les périphéries urbaines dans les représentations culturelles (XIXe–XXIe siècle). Fabula, 2023. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.10152.
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