Добірка наукової літератури з теми "Musée de l'Art Culinaire"

Le degré d’excellence atteint tant au niveau esthétique que technique par la cuisine savante dès la seconde moitié du 17ème siècle, doublé d’une capacité à créer et/ou à interpréter des œuvres originales, permet de faire passer la cuisine du rang d’activité domestique et artisanale au rang de pratique professionnelle artistique. La question de la construction des œuvres dans l’art culinaire contemporain français est abordée sous l’angle du processus de production. Les lectures analytique et experte de l’offre alimentaire figurant dans les cartes des restaurants tri-étoilés au guide Michelin et les entretiens biographiques, montrent que le processus de production des œuvres culinaires varie en fonction de la socialisation professionnelle, de l’histoire de vie, et des interactions nouées avec le monde de l’art culinaire dans une arène gastronomique. La manière dont les chefs agrègent ces éléments caractérise leur production artistique (interprète vs créateur – localisé vs non localisé). De plus, le type culinaire des chefs (conservateur/avant-gardiste) semble être en lien avec leur type de signatures esthétiques. L’apport théorique de ce travail pourrait contribuer à définir un espace social qu’on pourrait appeler « espace social gastronomique ». Cet espace social gastronomique permettrait de dégager les dimensions de la signature des chefs qui seraient utiles aux scientifiques pour étudier l’art culinaire, aux professionnels pour se positionner « culinairement » et « scénographiquement », aux commentateurs pour disposer de nouvelles catégories d’analyse, et aux formateurs pour initier le public en formation. En cela, cette thèse contribue à thématiser l’art culinaire au sein de la sociologie de l’alimentation
The level of technical and aesthetic excellence reached by learned cuisine in the second half of the 17th century and the capacity to create novel works and or reinterpret some have propelled domestic and artisanal cooking into the world of artistic professional practice. We have chosen to address the problem of work construction in French contemporary culinary art from the production process viewpoint. The analytical and expert reading of the food offer as evidenced in menus of three-starred restaurants and in chefs’ interviews clearly underlines that the production process differs between chefs since it depends on the professional socialization but also on the chefs’ life history and on their interactions with the world of culinary art in the gastronomic arena. The way chefs aggregate all these elements is the hallmark of their artistic production (interpreter vs creator – national dimension vs terroir-focused). The culinary type to which they belong (conservative/avant-garde) seems to be closely linked to the type of aesthetic signature which differentiates them. The theoretical contribution of this research work may help define some social space that could be referred to as « gastronomic social space ». Such an approach could help outline the contours of the chefs’ signature that might prove quite valuable to the researchers who intend to study culinary art, to the professionals who try to position themselves with regard to « culinary and scenic design », to the reviewers who need an analytical framework and to the trainers who plan to educate the general public. In this respect, this research work can be considered as an asset to incorporate culinary art to the domain of food sociology

Cette thèse étudie la formation du Musée national d'Art moderne depuis la création en 1818 de la galerie royale destinée aux artistes vivants jusqu'à l'ouverture effective du musée national d'art moderne en 1947. L'étude des configurations successives de l'institution fait apparaitre l'émergence progressive d'une conscience muséologique pour l'art moderne, liée aux transformations de l'État républicain, au développement de la réflexion architecturale et muséographique, au perfectionnement des catégories historiques en matière d'art vivant. L'ensemble donne à lire une autre histoire de l'art contemporain, dont la thèse s'efforce de tracer les grandes lignes
This doctoral thesis deals with the process of formation of the "Musée national d'Art moderne" from the creation of the "galerie royale destinée aux artistes vivants" in 1818 until the opening of the "Musée national d'Art moderne" in 1947. The history of the institution, through its successive definitions, brings into light the birth of a museological consciousness for modern art, closely connected with political change, architectural and technical improvements, debates about classifying methods. As a whole, this thesis could be an alternative history of modern art as a part of national patrimony

L'idée essentielle est celle-ci : la possibilité de créer existe. Encore, faut-il que l'œil et la main soient conditionnés par une alimentation "culturelle ou inculturelle" pour trouver matière à expression. À cet effet, l'exemple de quelques œuvres de la collection de l'art brut de Lausanne - émanant de personnes étrangères au domaine artistique - était sollicité pour dévoiler certaines vérités. Et s'il faut découvrir un sens à l'œuvre, ce ne peut être que du caché, de l'obscur, enfoui dans le manifeste, tout comme un plat cuisine qui ne diffuse réellement son parfum qu'une fois entamé. D'où la correspondance entre l'art culinaire et l'art plastique. À décortiquer l'œuvre - dotée d'un corps - qui appelle une sensibilité esthétique, nous nous sommes rendu compte que l'auteur se métamorphose en matière volante, tissée de chimère. Certes, l'œuvre fantasmatique gonfle le réel et fortifie l'être de l'auteur. Aussi, on peut dire qu'il y a dans l'art une exigence qui ne relève pas de la vérité. Cependant, l'œuvre doit sa genèse a la "cuisine-technique", au retour aux sources de son auteur. Déterminé, ce dernier crée pour calmer sa faim. Nous ne pouvons perdre de vue le fait que le phénomène osmose qui apparait lors de l'analyse de l'œuvre dévoile les lignes de forces de notre sensibilité. Ainsi, nous ne parlons plus du caché, de l'enfoui de l'œuvre, de son auteur, mais du notre, de ce qui est ancre en nous. La réflexion sur l'art brut nous renvoie à celle de l'art enseigné

Art dans l’espace public, art public, art à ciel ouvert, art in situ, Land art ou encore musée sans murs, autant de termes polysémiques qui désignent un champ artistique souvent au coeur des polémiques mais finalement peu documenté. Cette thèse en esthétique s’inscrivant dans le mouvement des humanités numériques est consacrée à la problématique de l’inventaire, de la cartographie et de la visualisation des oeuvres d’art dans l’espace public. Le projet de recherche est constitué de deux volets : une plateforme numérique - le site Wiki et l’application mobile Atlasmuseum - et la thèse. L’examen de plusieurs initiatives, nationales et internationales, de cartographie d’oeuvres d’art public, de projets pionniers d’inventaires numériques et de collections institutionnelles sur le Web s’est opéré à partir d’une question centrale : comment concevoir une instance muséale pour des oeuvres situées précisément en dehors du périmètre du musée ? Et de manière corollaire : comment modéliser un « musée réticulaire » dans le contexte de l’ouverture, de l’interopérabilité des données culturelles et du Web sémantique ? Partant du constat de l’hétérogénéité et de l’incommensurabilité constitutive du corpus d’oeuvres ainsi qu’à travers la lecture rapprochée et distanciée d’une sélection d’oeuvres d’art public contemporain (issues notamment du « 1% artistique » et de la commande publique entre 1951 et 2016), la thèse est construite autour de la conception d’une instance muséale reliant à travers leurs notices plusieurs centaines d’oeuvres, d’artistes et des lieux. La plateforme Atlasmuseum est un dispositif à la fois curatorial, muséologique et muséographique qui regroupe selon un mode contributif curators, conservateurs, amateurs d’art, artistes, informaticiens, historiens de l’art, documentalistes, enseignants et étudiants ; elle repose sur le logiciel Mediawiki enrichi de l’extension SemanticMediawiki. A l’intersection de la cartographie, de la muséologie critique et de l’anthropologie de l’art, la thèse est structurée en quatre parties. La première est consacrée à la carte comme médiation entre les oeuvres et les lieux. La carte y est examinée selon différents points de vue afin d’esquisser les grandes lignes d’un outil d’inventaire potentiel pour les oeuvres d’art public. La deuxième partie de la thèse consiste à prolonger les premières hypothèses en opérant un double changement d’échelle, de la carte à l’atlas et symétriquement de l’inventaire au musée. Suit la partie « centrale » de la thèse, qui constitue une version « papier » de la plateforme Atlasmuseum dans ses deux formats (Web et mobile) et dans ses quatre dimensions (exploration, contribution, recherche et sémantisation). Dans la quatrième partie est proposée une lecture « à distance » des données récoltées et des hypothèses explorées dans les parties précédentes, notamment à travers la constitution d’un corpus d’oeuvres restreint. L’hypothèse explorée dans cette partie est celle de la visualisation ontologique des notices d’oeuvres à travers une modélisation et une spatialisation spécifique des données et des métadonnées (selon le modèle CIDOC CRM ). Il s’agit ainsi au fil de la thèse d’opérer plusieurs glissements de terrain successifs et rétroactifs, de la théorie à la pratique, du curating artistique vers la curation de données, de la carte vers l’inventaire, de l’atlas vers le musée, du diagramme vers le réseau
Public art, site specific, in situ art, Land art or museum without walls, various polysemic terms are used to designate the field of art in public space, much commentated but finally little documented. This thesis in Aesthetics and Digital humanities aims to account to the modeling process of a “reticular museum” for public art. The research project consists of two parts: a digital platform - the Atlasmuseum wiki site and mobile application - The application and the thesis itself. A review of several, national and international initiatives of public art maps, pioneering projects of digital inventories and online institutional collections has been conducted from a central question: how to design a museum structure for artworks located precisely outside the museum traditional perimeter? And consequently: how to model a contributory inventory tool in the context of cultural linked open data and the Semantic Web? Taking account of the immeasurable and heterogeneous corpus of public artworks, and through close and distant readings of a selection of contemporary public artworks (“1% for art in architecture” and public art commissions in France between 1951 and 2016), the thesis is built around the concept of a “reticular museum” connecting through their records hundreds of art pieces, artists and sites. Dedicated to public art inventory, through specifically designed notices, maps, atlases and visualizations, the Atlasmuseum platform aims to reunite on a contributory basis, curators, artists, computer scientists, art historians, librarians, art lovers, teachers and students. Atlasmuseum is based on the MediaWiki software enriched with the Semantic MediaWiki extension. It is a curatorial as well as a museological and museographical project. At the intersection of critical cartography, critical museology and anthropology of art, the thesis is structured in four parts. The first is devoted to the map as mediation between artworks and their sites. The map is examined from different points of view in order to sketch the outlines of a potential inventory tool for public art. The second part of the thesis aims to extend the initial assumptions by working a double shift of scale, from the map to the atlas and symmetrically from the inventory to the museum. Follows the “central” part of the thesis, which is a “printed” version of the Atlasmuseum platform in both formats (Web and mobile) and its four dimensions (exploration, contribution, research and semantization). In the fourth part, a close and distant reading of a specific collection of artworks (art pieces created for the tramway networks in France) is conducted through data visualizations. The hypothesis is that an ontological data visualization (using the CIDOC CRM model) can offer a new form of perception and apprehension of these artworks within their environment and context. Thus the thesis operates successive and retroactive landslides, from theory to practice, from artistic curating to data curation, from the map to the inventory, from the atlas to the museum and from the diagram to the network

Cette thèse sur travaux vise à reconstituer la cohérence d’une trajectoire de recherche caractérisée simultanément par : 1) le souci d’inclure l’histoire de l’art dans un cadre interdisciplinaire qui fait une place de choix à la dimension sociale et communicationnelle des formes sans toutefois l’y réduire ; 2) le projet d’interroger à nouveaux frais les rapports entre centre et périphérie artistiques à travers les textes les plus significatifs d’une carrière attachée à la conservation et la monstration. C’est la raison pour laquelle le mémoire s’ouvre sur une réévaluation de la portée heuristique des notions de centre et de périphérie. L’article fondateur d’Enrico Castelnuovo et Carlo Ginzburg est l’objet d’une relecture informée par la logique de recherche que les divers travaux révèlent. Dans un deuxième temps la grille analytique ainsi renouvelée est appliquée à un objet, la Provence. Cette région est à la fois un objet esthétique et un lieu de production. Son paradoxe est d’être un lieu de haute valeur symbolique en même temps qu’une périphérie, quelquefois même stigmatisée. Le troisième chapitre s’appuie sur une comparaison des artistes qui ont accompagné le parcours du conservateur. A cette occasion, les notions d’art, d’institution et de marché sont réinterrogées en accordant une importance particulière aux fonctions de l’exposition et de la critique d’art dans le processus de reconnaissance d’un artiste. Enfin, l’importance relative de la photographie et de l’art vidéo dans le travail de conservateur conduit à mettre à l’épreuve la notion d’« art moyen » développée par Pierre Bourdieu. On peut repérer les dynamiques propres à ces domaines qui visent à les faire sortir de la situation de relégation relative où ils se trouvent
This dissertation based on works aims to reconstruct the cohesiveness of a research trajectory both characterized by: 1) the attempt to include art history in an interdisciplinary frame that gives a significant weight to its social and communicative dimension without being reductionist; 2) the will to question afresh the relationships between center and artistic periphery through published texts during a career devoted to curating and exhibiting. This is why the original text starts with a reassessment of Enrico Castelnuovo and Carlo Ginzburg famous article based on the research logic that different published texts reveal. Then the renovated analytical grid is applied to an object, Provence. This region is both an aesthetical object and a site of production. Its paradox leads it to be a place of high symbolic value as well as a periphery, sometimes stigmatized. The third chapter is based on a comparison between the artists that have been exhibited during the curator’s trajectory. By doing that, the notions of art, institution and market are revisited with a special attention given to the functions of exhibition and art critique in the process of artistic recognition. Last the relative importance of photo and video art in the curator’s trajectory leads to reassess the notion of middle-brow art (art moyen) developed by Pierre Bourdieu. One can thus identify the dynamics specific to those domains that aims to end the situation of relegation that has for long trapped them

En Europe et en Amérique, la plupart des musées des beaux-arts sont nés après 1850 de l'initiative de collectionneurs. Majoritairement des industriels, des banquiers et des négociants, ils considéraient la collection comme un symbole de culture, de prospérité, de richesse, de pouvoir pour eux-mêmes et pour leur nation. Ainsi, l' Art Institute de Chicago est fondé en 1879. La culture européenne était un modèle pour la nouvelle nation américaine, soucieuse de compter parmi les puissances culturelles. Le Louvre devint le musée idéal et l'incarnation de la haute culture en raison de sa visée éducative, patriotique et régénératrice héritée du moment révolutionnaire français. Fondé sur une prosopographie comparée et une étude des goûts, ce travail met en évidence les aspects sociaux, culturels, politiques et économiques de la collection, ainsi que les processus d'imitations et de transformations, de Paris à Chicago, qui contribuèrent à façonner le musée américain.

Le musée est, dès sa fondation, un dispositif complexe à la fois politique (il définit la place de la culture dans la société), urbain (il affirme son rôle dans la ville), social (il distingue les visiteurs) et esthétique (il cadre le regard). Son but est de créer les conditions idéales, variables selon les époques et les visiteurs, pour que ces derniers regardent, ressentent et rencontrent les œuvres de l'homme pour se construire et construire leur rapport au monde. Mais force est de constater que le seuil des musées reste infranchissable pour la plupart d'entre nous. À travers quelques exemples de musées et d'autres typologies d'espaces de l'art, l'auteure questionne la notion de seuil dans l'architecture muséale et dans la perception, par les visiteurs, de ce lieu privilégié de la rencontre de l'homme avec l'œuvre de l'homme. Elle montre comment la notion de seuil physique s'est déplacée dans le musée et se déplace encore dans l'espace virtuel. Mais le vrai seuil de l'accès à l'art, quelle que soit son essence matérielle ou virtuelle, n'est-il pas celui que nous impose notre environnement social et notre relation au monde? Comme pour les autres seuils, nous ne sommes pas égaux devant son franchissement.