Добірка наукової літератури з теми "Littérature rabbinique – Thèmes, motifs"

Cet article propose, à partir de la réception immédiate des Demi-civilisés, la construction d’un algorithme narratif et discursif pour le discours critique. De nature sociosémiotique, celui-ci s’articule autour de deux isotopies fondamentales et solidaires. Liée aux figures à connotation littéraire (genres, motifs, thèmes, formes, etc.), l’isotopie littéraire a pour fonction de rattacher le discours critique à un lieu appelé « littérature ». Elle est également liée à l’isotopie référentialiste et idéologique qui articule le discours critique à un ancrage historique et géographique. Ces deux isotopies fonctionnent comme des indices qui opposent la critique littéraire à d’autres types de critique (historique, sociologique) et construisent en synchronie la notion de valeur esthétique des textes pour une société et une époque données.

Particulièrement connue pour sa version du conte La Belle et La Bête, Jeanne-Marie Leprince de Beaumont (1711-1780) est autrice de nombreuses œuvres éducatives écrites spécia- lement pour les enfants et adolescents, ce qui témoigne de son rôle important dans le panorama historique de la littérature d’enfance et de jeunesse en France. Il s’agit dans cet article d’examiner les motifs de beauté et de vertu, étroitement liés au motif du miroir (au sens propre et au sens figuré – de l’objet à la métaphore) dans les contes de Madame Leprince de Beaumont. C’est ainsi que ce travail analyse l’aspect moralisateur et didactique particulier des contes de l’écrivaine et pédagogue française des Lumières, dont le but n’est pas seulement d’émerveiller, mais d’instruire. Cette contribution porte sur les contes du Magasin des enfants (1756) qui, à travers leurs morales et thèmes abordés, peuvent être considérés comme un miroir à trois reflets : le reflet extérieur (la beauté et la laideur des héros), le reflet intérieur (la vertu et l’esprit des personnages) et le reflet de la société de l’époque

La littérature contemporaine des femmes est truffée de personnages féminins qui se placent en porte à faux avec les attentes écrites pour elles dans les contes traditionnels et cessent de « prendre soin » d’elles-mêmes comme des autres (pères, maris, enfants, ami.es et étrangers). Leurs identités se fondent sur une tension, sorte de dialectique constante entre le care et la violence (symbolique ou physique ; métaphorique ou réelle), qui trouve ses racines dans les archétypes des contes de fées. Les écrits contemporains des femmes, à travers l’exploration des thèmes comme les relations amoureuses, les relations familiales, la maternité, la sexualité et les usages de la drogue, présentent une violence qui, parfois tournée vers l’autre, parfois tournée vers soi, se comprend mieux une fois observée sous le prisme d’une éthique de la responsabilité puis du « prendre soin » que le discours sous-tend. Cet article démontre comment le care devient violence. Il s’agira de comprendre une certaine limite du care : le cas qui implique de briser la dynamique, de rompre avec le « prendre soin », violemment, et de rejeter une moralité cristallisée par les contes traditionnels. Sont ainsi analysés Les sangs d’Audrée Wilhelmy et Demoiselles-cactus de Clara B.-Turcotte, qui s’inspirent des codes du conte pour mieux marquer le moment où ils sont fracassés, afin de comprendre les racines de ce mouvement de révolte à l’égard de certains motifs du conte.

Vladimir Makanin (1937-2017) est le représentant d’un nouveau réalisme littéraire. Dans ses récits et romans, il revient constamment sur certains thèmes et motifs, de sorte que l’on peut parler d’un métatexte. Un de ces motifs récurrents est celui de la vieillesse. La figure du vieillard est communément associée, sur le plan sémantique, à la faiblesse, la maladie et l’approche de la mort, par opposition à celle de l’homme jeune qui, particulièrement dans le mythe soviétique, est beau, fort, travailleur et joyeux. Le métatexte de Makanin déconstruit le stéréotype qui ressort des associations langagières communes, tout d’abord par l’érotisation des corps des vieux (dans Les Voix), puis par une réflexion sur le tragique de la perte du pouvoir (politique autant que sexuel), sur la responsabilité et la culpabilité, sur le renoncement (dans La guerre d’un jour). Enfin, Makanin construit dans La frayeur un personnage qui s’inscrit dans la lignée du « petit homme » de la littérature russe, celui du vieillard Alabin. Cet alter ego de l’auteur est considéré par la société comme « inadéquat », c’est à dire inapte et marginal, mais l’auteur combine ce regard extérieur avec le point de vue du personnage lui-même, qui ne cesse de manifester son désir érotique, son énergie vitale, sa capacité d’agir et sa liberté. Ainsi, s’écartant des canon moderniste et réaliste, Makanin interroge et retourne les associations traditionnelles de la vieillesse avec la solitude, la faiblesse, l’incapacité et la folie et en propose plusieurs regards, parfois contradictoires. N’hésitant pas à bousculer le lecteur, il l’invite à un décentrement et à une remise en question, en lui offrant la figure originale, paradoxale et dérangeante d’un vieillard érotomane, libéré, impliqué, et amoureux de la vie.

Cette thèse est d’abord une édition critique du MEʿAM LOʿEZ de PIRQEY ʾAVOT d’Isaac Magriso (Constantinople, 1753). Le MEʿAM LOʿEZ est un grand commentaire biblique en langue judéo-espagnole initié par le rabbin Jacob Huli dans les années 1720 à Constantinople, PIRQEY ʾAVOT est inclus dans le commentaire de Lévitique. Le commentaire est rédigé dans un judéo-espagnol particulier et imprimé en caractères hébreux rashi.La thèse établit le texte, le rend lisible et compréhensible grâce à une graphie adaptée, une ponctuation rétablie, et un glossaire final détaillé. Le texte est accompagné d’un appareil critique (sources, variantes) et d’une étude de la langue judéo-espagnole de l’auteur ; d’une étude approfondie de la place et du rôle de l’hébreu dans le commentaire (emprunts, calques et citations) et d’une étude du style particulier de l’auteur, des moyens qu’il emploie et des effets qu’il vise
This thesis is primarily a critical edition of Isaac Magriso's MEʿAM LOʿEZ on PIRQEY ʾAVOT (Constantinople, 1753). The MEʿAM LOʿEZ is a large biblical commentary in Judeo-Spanish initiated by Rabbi Jacob Huli in the 1720s in Constantinople, PIRQEY ʾAVOT is included in the commentary on Leviticus. The commentary is written in a peculiar Judeo-Spanish and printed in rashi Hebrew script.The thesis establishes the text, making it readable and comprehensible thanks to adapted spelling, restored punctuation, and a detailed final glossary. The text is accompanied by a critical apparatus (sources, variants) and a study of the author's Judeo-Spanish language; an in-depth study of the place and role of Hebrew in the commentary (borrowings, calques and quotations) and a study of the author's particular style, the means he employs and the effects he aims to achieve

La littérature latino-américaine prométhéenne du XXe siècle est le produit d'une pluralité de voix archétypiques, culturelles et historiques. Parmi ces voix se trouvent celles de la littérature prométhéenne anglo-saxonne et germanique. Cette thèse identifie six œuvres prométhéennes latino-américaines modernes, les analyse dans une perspective jungienne, établit et discute les équivalences de ces œuvres avec des œuvres prométhéennes anglo-saxonnes et germaniques antérieures et, enfin, présente une classification des personnages prométhéens de la littérature latino-américaine moderne. La première partie de cette thèse discute, d'un point de vue jungien, les archétypes du masculin mature et leur rôle dans le processus d'individuation dont le mythe prométhéen fait la chronique. La deuxième partie présente le développement de la littérature prométhéenne depuis la Grèce et la Rome antiques jusqu'à sept représentations anglo-saxonnes et germaniques : Faust, 1ere partie (1808) et 2e partie (1832) de Johann von Goethe, Frankenstein (1816) de Mary Wollstonecraft Shelley, Prométhée délivré (1820) de Percy Bysshe Shelley, le récit « la tâche de naissance » (1843) de Nathaniel Hawthorne, Docteur Jekyll et Mr. Hyde (1886) de Robert Louis Stevenson, le Portrait de Dorian Gray (1891) de Oscar Wilde, et l'Ile du docteur Moreau (1896) de Herbert George Wells. La troisième partie analyse six œuvres de fiction de six auteurs latino-américains modernes : Prometeo (1943) de l’équatorien Humberto Salvador, l'Invention de Morel (1940) de l'argentin Adolfo Bioy Casares, Monsieur le président (1946) du guatémaltèque Miguel Angel Asturias, le Partage des eaux (1953) du cubain Alejo Carpentier, Cent ans de solitude (1967) du colombien Gabriel García Márquez, et le récit « les ruines circulaires » dans Fictions (1941) de l'argentin Jorge Luis Borges
Twentieth century Latin American promethean literature is the product of the melange of archetypal, cultural and historical “voices”, amongst these voices figures Anglo-Saxon and Germanic promethean literature. This thesis identifies six modern Latin American promethean works, analyzes them from a Jungian perspective, establishes and discusses their parallels with earlier Anglo-Saxon and Germanic promethean works and, finally, presents a classification for promethean characters from modern Latin American literature. The first part of this thesis discusses, from a Jungian point of view, the archetypes of the mature masculine and their role in the process of individuation which the promethean myth chronicles. The second part presents the development of promethean literature from ancient Greece and Rome up to seven Anglo-Saxon and Germanic works : Faust, 1st part (1808) and 2nd part (1832) by Johann von Goethe, Frankenstein (1816) by Mary Wollstonecraft Shelley, Prometheus unbound (1820) by Percy Bysshe Shelley, the short story “the birthmark” (1843) by Nathaniel Hawthorne, Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1886) by Robert Louis Stevenson, The portrait of Dorian Gray (1891) by Oscar Wilde, and The island of dr. Moreau (1896) by Herbert George Wells. The third part analyzes six fictional works by six modern Latin American authors: Prometeo (1943) by the Ecuadorian Humberto Salvador, La invención de Morel (1940) by the argentine Adolfo Bioy Casares, El señor presidente (1946) by the Guatemalan Miguel Angel Asturias, Los pasos perdidos (1953) by the Cuban Alejo Carpentier, Cien años de soledad by the Colombian Gabriel Garcia Marquez and the short story “las ruinas circulares” from Ficciones (1941) by the argentine Jorge Luis Borges

Dans le droit fil de l'ecole de g. Duby, la recherche esquisse un schema de la societe medievale italienne a partir non d'une observation exterieure mais des donnees fournies par les interesses eux-memes. Elle explore non seulement la representation de la societe telle que la constituent les archives mais tente de representer l'idee que s'en faisaient les contemporains. Vehiculee d'abord par les membres du sacerdoce italien, l'image de la societe - de ce que la societe doit etre - est reprise par les predicateurs puis par les poetes didactiques et moralisants qui abordent son analyse dans une perspective laique. Les oeuvres litteraires offrent egalement des apercus interessants sur le sentiment qu'eprouvent les individus et les groupes de leur position respective. En examinant, d'une part, les categories prises en com:pte par boccace et sacchetti et leur representation; en s'interrogeant, d'autre part, sur les interventions directes ou indirectes des auteurs, la recherche tente de degager les poles entre lesquels se situe la vision de chaque groupe social et plus globalement les attentes que peuvent nourrir envers lui les auteurs
In line with the g. Duby school, this research outlines italian medieval society not from an outsider's consideration, but, on the contrary, from information provided by those directly involved. Not only does this research examine the representation of society as recorded in the archives but it equally endeavours to portray the concept its contemporaries had of it. Initially handed down by the representatives of the italian priesthood, the image of society - of how society should be- is adopted by preachers and then by didactic and moralizing poets who approach its analysis from a secular viewpoint. Literary works also offer an interesting insight into the feeling experienced by individuals and groups regarding their respective positions. In examining the categories considered by boccacio and sacchetti and their portrayal on the one hand, and in pondering over the direct or indirect intervention of the authors on the other hand, this study aims at determining the poles between wich the perception of each social group lies and, from a broader point of view, the expectations which the authors may hardour when considering it

Le monde antique est confronté à un territoire qu’il ne maîtrise pas : la montagne. Par sa nature même, ce lieu anxiogène appartient au monde divin et dégage des énergies surnaturelles. L’homme qui gravit ses pentes est confronté à cette sauvagerie primordiale que le monde créé cherche à réguler en plaine. Cette répulsion que génère ce locus tremendum suscite paradoxalement une attractivité entretenue par mes mythes et récits légendaires. Par sa forme axiale, la montagne relie les différents mondes, le monde infernal à l’espace céleste. Quant à son étagement, il est vécu comme un parcours initiatique. La présence d’une interzone facilite cette circulation des mortels et des immortels. Lors des rencontres empreintes de la nostalgie d’un âge d’or perdu, des jeux de pouvoir vont lier et délier les destinées. Ainsi ce territoire tant rejeté devient-il un objet de convoitise et se voir instrumentalisé peu à perdu par les poètes et les mythographes. Devenu un archétype, la montagne va s’imposer comme un espace des origines de Rome
Antique world is confronted with a territory which it does not master: the mountain. By its nature, this anxiogenic place belongs to the divine world and gives off supernatural energies. The man who climbs his slopes is confronted with this essential savagery for which the created world tries to regulate in plain. This repulsion which generates this locus tremendum arouses paradoxically an attractiveness maintained by the myths and legendary narratives. By its axial shape, the mountain connects the different worlds, from the infernal world to the celestial space. As for its layering, it is lived as an initiatory course. The presence of an interzone facilitates this traffic of the mortal and the immortal. During the meetings, marked with the nostalgia for a lost gold age, games of power are going to bind and to untying the fates. So this territory so rejected becomes an object of greed and sees itself instrumented little by little by the poets and mythographes. Become an archetype, the mountain is going to stand out as a space of the origins of Rome

La présente étude a pour but d'analyser le rôle du personnage du fantôme dans la structure du récit, de chercher le lien entre la notion de fantôme et l'imagination littéraire, et enfin de discerner la source du plaisir de raconter des histoires de fantômes. Ces questions sont abordées à travers la comparaison entre les littératures d'Occident et d'Extrême -Orient, et plus particulièrement entre celles de la France et du Japon. Nous tentons de définir la modernité de l'histoire de fantômes de la fin du XVIIIè jusqu'au début du XXè siècle, qui donne naissance à ce que nous appelons la poétique du fantôme. La premier chapitre est consacré à une comparaison théorique des idées sur le fantôme par moyen de l'étude des vocabulaires concernant "le mort qui revient", des notions d'esprit et d'illusion, et de l'Espace et du Temps que l'homme attribue aux fantômes. Dans les deuxième et troisième chapitres, nous examinons quelques récits représentatifs de fantômes du point de vue thématique. Certains fantômes sont bienveillants : c'est une motivation bien "humaine" qui pousse ces morts à "revenir". Mais au fond peu de fantômes sont démunis de marques inquiétantes de l'autre monde. La plupart des motifs typiques comme l'annonce de la mort ou de la maison hantée, soulignent l'effroi de l'autre monde et la difficulté de la communication entre deux mondes. Dans le quatrième chapitre, nous relevons des récits de statues et peintures maudites, qui évoquent à la fois cet effroi et la nature du fantôme en tant qu'image. Le cinquième et dernier chapitre est consacré à la question de l'écriture des histoires de fantômes. Nous démontrons que l'autonomie artistique de l'histoire de fantômes est fondée à travers l'évolution de l'esprit scientifique, de la notion de la littérature, de l'art du spectacle et des médias
This essay aims to analyse the role of the ghosts in the structures of the stories, to explore the relationship between the notion of ghost or phantom and the literary imagination, and finally to discover the origin of the pleasure of telling ghost-stories. I will approach these questions through a comparison of occidental and oriental texts, in particular of French and Japanese writings. I will try to define what I call the "poetic of the ghost", and the modernity of the ghost story from the end of the eighteenth century to the beginning of the twentieth. In the first chapter, I compare ideas of ghosts in different cultures by means of a study of vocabularies, of notions of the spirit and of illusion, and of ideas of those realms of space and time which supposedly belong to ghosts. In the second and third chapters, some representative ghost stories are analysed from the point of view of their themes. Some ghosts are benevolent and their motivation is human, though they are hardly exempt from the sinister marks of the other world. Most typical ghost-stories, such as those which feature announcements of death or haunted houses, emphasize the frightening nature of the other world and the difficulty of communication between the two worlds. In the fourth chapter, I will examine some stories about evil statues and pictures which evoke not only the horror of ghosts but also the illusory nature of phantoms. The fifth and last chapter is about the writing of ghost-stories. I will argue how the autonomy of the ghost-story as art is provided by the evolutions of science, of the notion of literature, of performance art and of the media

Le discours facétieux est abordé par-delà le "facétieux" pris habituellement dans sa manifestation de "pure", "proprioceptive" surface textuelle (dont l'effet pragmatique-empirique est le rire). La méthode qui préside à cette approche de la facétie consiste en une fusion des divers outils de l'AD (analyse du discours) et en l'incorporation de cette fusion à une vision totalisatrice de la signification textuelle facétieuse. Trois "lectures" différentes, appliquées à un corpus facetiarum occitano-roumain, autorisent à ce que la facétie soit considérée comme genre. La "lecture" séquentielle s'appuie sur l'analyse des couples facétie vs histoire drôle, facétie vs anecdote, facétie vs légende ; elle révèle une "homogénéité" séquentielle et des stratégies spécifiques au genre facétieux. La "lecture" sémio-sémantique poursuit une première, une deuxième et une troisième génération des termes catégoriels, afin d'envisager la facétie comme un "bassin semantique" absolument déterminant pour l'imaginaire narratif. La troisième "lecture" réalise un "décodage" sémio-narratif du texte facétieux (par rapport aux genres proches). Les trois "lectures" aboutissent à trois définitions génériques-opérationnelles de la facétie. Le non-savoir s'avère une grandeur mesurable. Le savoir choriotopique se constitue en métasavoir existentiel. La spécificité de l'épistème, de la séquentialite textuelle, de l'idéologie, de la typologie actantielle et de la narrativité propres au discours facétieux permet de conclure sur une "grammaire" de l'imaginaire narratif populaire (que la facétie partage avec le mythe et le conte merveilleux)

Cette thèse propose une analyse de l'oeuvre de Patrick McGrath mise en perspective avec l'étiquette "néo-gothique" qui est souvent associée à l'écrivain. Nous démontrons comment McGrath se situe délibérément dans la tradition gothique tout en la subvertissant. Cela nous mène à l'étude détaillée des réseaux intertextuels complexes qui dépendent de procédés parodiques dans l'oeuvre de McGrath, ainsi que des paradigmes du grotesque, de la psychanalyse, et de l'écriture de la folie. Par conséquent, son oeuvre ouvre une réflexion métafictionnelle sur les genres et l'écriture en général, mais elle glisse également vers le "mainstream", ce qui est renforcé par l'adaptation filmique des romans de McGrath ; en parallèle, les tropes du gothique s'estompent roman après roman, ce qui tend à invalider l'étiquette "néo-gothique". Nous interrogeons enfin le statut des romans de McGrath par rapport au genre fantastique, au postmoderne, et à la question fondamentale de l'interprétation dans/de l'oeuvre.

Notre travail porte sur l'étude du voyage en train et des états d'âme des hommes face au chemin de fer à travers quelques oeuvres littéraires en langue française et italienne tout le long d'un siècle : entre les débuts de l'ère du rail (après 1830) jusqu'à une époque où le train rentre à faire partie de la vie courante (1930 environ). Nous avons réparti notre étude en quatre parties. Au cours de la première, nous avons pris en examen les représentations du chemin de fer chez les hommes de lettres jusqu'au début du XXe siècle. La deuxième partie est consacrée à la gare : ses représentations, le départ, l'arrivée et la vie qu'on y mène étant les quatre moments de notre analyse. La troisième partie concerne le compartiment : les rencontres qu'on y fait et l'image fugace aperçue de la fenêtre. Les rythmes biologiques du voyageur ne correspondant pas à ceux imposés par la technologie, il se sent progressivement coupé du monde, dans l'impossibilité d'entretenir une conversation et de regarder un passage, hanté par les souvenirs et les fantaisies irrationnelles (quatrième partie). Notre analyse nous a portés à considérer que la crainte de l'inconnu, la précarité du voyage ne subissent aucune transformation avec l'invention du chemin de fer. Au contraire, les troubles suscités par le nouveau moyen de locomotion arrivent à rendre l'homme de plus en plus seul dans un monde qu'il n'arrive plus à maîtriser
Our study investigates travelling by train and the feelings of people about railways emerging from various literary works written in either French or Italian during a whole century, i. E. Between the beginning of the train era (after 1830) and the time when the train became part of current life (about 1830). .

L’androgyne est fréquent dans les mythologies de nombreuses aires culturelles. Dans l'aire occidentale, il fournit à Platon une illustration de ses théories de l'amour et se retrouve par la suite dans les systèmes mystiques et théosophiques judéo-chrétiennes. Si le mythe ethno-religieux est aisément repérable et ses structures facilement identifiables, en revanche le mythe littéraire existe avec difficulté. Au début du 19e siècle, l'esthétique néo-classique, l'affinement de l'observation médicale, la revalorisation de la pensée mystique préparent l'entrée de l'androgyne en littérature et, en France, à l'époque romantique, Balzac et Gautier fondent dans Seraphita et Mademoiselle de Maupin, selon des perspectives contrastées, un authentique mythe littéraire. L’androgyne devient chez les écrivains français et anglais de la fin du siècle une figure privilégiée de la décadence. Mais il n'y respecte plus une parfaite symétrie et l'idée s'incarne dans la réalité de l'époque en deux figures concurrentes : le jeune homme efféminé et la femme garçonnière. Cette dégradation du symbole cristallise autour de l'androgyne l'expression d'une sexualité "différente". La connaissance de la tradition ésotérique de l'androgyne permet à un romancier comme Péladan de retrouver au-delà de sa dégradation les significations fondamentales du mythe mais, à l'inverse, l'imaginaire de l'époque vient parfois bouleverser la doctrine. Bien que la psychanalyse s'avère incapable de se fonder sur la bisexualité, elle autorise, au début du 20e siècle une intégration psychologique de l'androgyne. L’aspiration à l'unité androgynique se lit en effet dans certains textes de D. H. Lawrence comme la tentative d'équilibrer les pulsions hétérosexuelles et homosexuelles et dans la perspective féministe de l'Orlande de Virginia Woolf comme la recherche d'une vérité au-delà des apparences immédiates. Tout en reconstituant les structures du mythe, ces deux dernières directions en marquent une dérive. Mais elles témoignent de la permanence d'un archétype et ouvrent la voie à un imaginaire contemporain riche et varié
The androgyne can be found in the mythologies of many cultural areas. In the western one, plate uses it as an illustration of his theories of love, then it appears as a major element in Judeo-Christian mystical and theosophical systems. If on the one hand the ethno-religious myth can be easily located and if its patterns are clear, on the other hand it takes time for the literary myth to find its way out. At the beginning of the 19th century, the neo-classical aesthetics, the progress of medical research and the increasing interest in mysticism are chances for the literary myth to develop. In France, during the romantic period, Balzac and Gautier with Seraphita and Mademoiselle de Maupin, in two different ways, found a genuine literary myth. The androgyne becomes in the works of the French and English writers at the end of the century an important character of the decadence. But no perfect symmetry is to be seen anymore and the idea takes form as two opposite characters : the effeminate young man and the boyish woman. This decay of the symbol brings along the expression of a "different" sexuality. Recollection of some of the most significant patterns of the myth is allowed from time thanks to the esoteric tradition of the androgyne which is known by some of the novelists. In the other way, the literary imaginary of the time has strong influence on the doctrin itself. Although psychoanalysis is unable to consider bisexuality but as a hypothesis, the androgyne receives at the beginning of the 20th century a psychological integration. Indeed, the will to androgyny can be read in some of the D. H. Lawrence’s works as an attempt to balance heterosexual and homosexual desires and in the feminist way of V. Woolf's Orlande as the search of the truth beyond immediate appearances. These directions, though close to the patterns of the myth, are nevertheless the witnesses of its death. But they show the strength of the archetype and give way to the rich and diverse imaginary of today

La figure de l’enfance est un thème majeur qu’on retrouve dans lalittérature. Les images atypiques de l’enfant qu’on rencontre dans les récits mythiques du monde gréco-romain et les textes fondateurs, apparaissent sous d’autres formes, profanes et ludiques, à travers le conte oral, genre littéraire universel qui a bercé l’enfance de l’humanité depuis la nuit des temps. Notre recherche vise à apprécier à la fois la fonction didactique et l'aspect esthétique de ce genre. Puis suivra une analyse des diverses représentations de l’enfance dans les contes français et africains de sources orales suivant une méthode comparatiste. Le conte est indissociable du contexte culturel dans lequel il est produit, aussi transmet-il un message qui se comprend à la lumière des codes symboliques qui sous-tendent l’imaginaire d’un groupe social donné. Cette approche socio-anthropologique des textes est menée parallèlement avec une démarche littéraire basée sur la stylistique et les théories du récit. Notre objectif est avant tout d’apprécier la poétique du conte en vue de révéler le charme de ces récits sans âge
The representation of childhood is a major theme in Litterature. The atypical images of the child found in the Greek-Roman civilization and in Religious texts appear in forms that are profane and entertaining through storytelling, a uiversal litterary genre which has nurtured hunanity's children from the mists of time. My research aims at analysing the didactic function along with the aesthetic aspect of this litterary genre. Then, using a comparative method, analyse the various representations of the child in French and African tales. Tales are inseparable from the cultural context in which they are told, thus conveying messages through symbolic codes underlying the imagination of a particular social group. This socio-anthropological approach to storytelling is carried out concurrently with a litterary approach based on stylistics and theories common to tales. My aim is to analyse the poetry in tales with a view to revealing the charm of these ageless narratives