Добірка наукової літератури з теми "Fotografia americana"
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Статті в журналах з теми "Fotografia americana"
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Cruz, Nina Velasco e., and Manuela Salazar. "Fotografar prejudica a memória?" Discursos Fotograficos 12, no. 21 (December 20, 2016): 13. http://dx.doi.org/10.5433/1984-7939.2016v12n21p13.
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Este artigo discute as múltiplas relações entre o ato de fotografar e a memória, na era digital. Partindo de um artigo a respeito do impacto da fotografia sobre a memória, da americana Linda Henkel, levantamos alguns questionamentos a respeito da relação da fotografia com nossas lembranças. Existe algo no ato fotográfico que prejudique a construção de memórias? Fotografamos para lembrar? O que escolhemos fotografar importa? O acúmulo de fotografias ajuda ou atrapalha a construção da memória?
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Zerwes, Erika. "A fotografia humanista e a construção de uma historiografia sobre a fotografia latino-americana." Revista História: Debates e Tendências 16, no. 2 (April 7, 2017): 314. http://dx.doi.org/10.5335/hdtv.16n.2.6920.
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Este artigo busca analisar, de forma paralela, alguns aspectos da construção de uma historiografia da chamada fotografia humanista e da fotografia latino--americana. Ambas começam a se constituir de forma mais articulada em finais da década de 1970 e início da década de 1980. Assim, mais do que discutir produções fotográficas específicas, o objetivo é debater os modos como essas produções foram articuladas em discursos que buscaram unificá-las. Trata-se da sistematização de conclusões preliminares de uma pesquisa ainda em andamento sobre as diferentes noções de humanismo na fotografia e como se manifestam na fotografia latino-americana. Palavras-chave: Cultura visual. Fotografia humanista. Fotografia latino-americana.
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Svolenski, Roberto Luiz, and Antonio Carlos Santos. "Carl Sadakichi Hartmann, um crítico de arte na belle époque americana." Revista Crítica Cultural 14, no. 2 (December 10, 2019): 261. http://dx.doi.org/10.19177/rcc.v14e22019261-267.
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Poeta, dramaturgo, crítico de arte e de fotografia, ator, Sadakichi Hartmann foi um intelectual muito ativo na virada do século XIX para o XX em Boston, New York e Los Angeles, caindo depois de sua morte no esquecimento. Pouco conhecido no Brasil, apresentamos aqui cinco de seus textos que dão uma mostra de sua versatilidade e do alcance de sua crítica e de sua pena: são textos que revelam sua posição em relação à fotografia (Um apelo à fotografia direta), ao retrato na pintura e na fotografia (Pintura de retrato ou fotografia de retrato), à obra do pintor Whistler (Crisântemos brancos) e um texto literário, um conto (As chapas quebradas) que também pode ser lido como uma teoria da fotografia.
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Nichele, Heloisa, and Ronaldo Corrêa. "Fernanda Castro, uma fotógrafa paranaense na Primeira Mostra de Fotografia Latino Americana Contemporânea (1978)." Proa: Revista de Antropologia e Arte 11, no. 2 (June 22, 2022): 131–46. http://dx.doi.org/10.20396/proa.v11i2.16561.
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Este texto reconstrói e analisa, de forma fragmentária, a participação da fotógrafa paranaense Fernanda Castro (1951) na Primeira Mostra de Fotografia Latino Americana Contemporânea (1978), ocorrida na Cidade do México. A partir da documentação sobre o evento, fragmentos biográficos da artista e da leitura das duas imagens realizadas pela fotógrafa selecionadas para exposição, temos por objetivo mapear e interpretar as intencionalidades da proposta curatorial do evento, que tinha como premissa a formulação inaugural de uma identidade da fotografia latino americana. Para isso utilizamos o catálogo da Mostra e pesquisa no acervo da Hemeroteca Digital Brasileira. Por fim, entendemos que produzir, no presente, sentidos a partir de eventos, pessoas e espaços do passado se configura em uma estratégia de reparação a partir da qual é possível localizar trajetórias e representatividades de mulheres em acervos públicos e institucionais que narram a história da fotografia no Brasil, de forma mais estrita, e na América Latina.
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Marques, Ivania. "Imagear: o lugar, os viajantes e as imagens / Image-gearing: place, travelers and images." Geograficidade 2 (September 3, 2012): 54. http://dx.doi.org/10.22409/geograficidade2012.20.a12838.
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Considerando a imagem como uma forma de conhecer, o projeto “Roteiro Ecogeográfico” propõe a criação de um espaço onde viajantes (estudantes e educadores) possam conviver e criar a partir de um percurso pensado em explorar marcos e entornos do município de Americana no Estado de são Paulo Os viajantes explorarão imagens em fotografia e serão convidados, eles mesmos, a experimentar fotografar, usando câmeras pinhole. Extrapolando as paredes da escola, em espaço ligado às Secretarias Municipais da Cultura e da Educação de Americana, espera-se que os viajantes se tornem produtores de suas próprias imagens e de suas versões da realidade, questionando e movimentando seus saberes. Anuncia-se neste texto um projeto de mestrado, em andamento, que propõe aos participantes descobrir o lugar onde vivem e percorrer seus próprios caminhos seguindo qualquer direção, em favor de leituras múltiplas da cidade e do município, de sua história e, consequentemente, deles mesmos.
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Romaniuc-Neto, Sergio, Leandro Cardoso Pederneiras, and André Luiz Gaglioti. "Flora das cangas da Serra dos Carajás, Pará, Brasil: Moraceae." Rodriguésia 69, no. 3 (September 2018): 1255–57. http://dx.doi.org/10.1590/2175-7860201869326.
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Resumo Este trabalho compreende um tratamento para Moraceae nas cangas da Serra dos Carajás, no estado do Pará. São apresentados descrição, fotografia e comentário para Ficus americana subsp. guianensis, a única espécie registrada na área de cangas.
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De Miranda, Gabriel. "Partilhar a ausência." Revista 2i: Estudos de Identidade e Intermedialidade 3, no. 4 (December 31, 2021): 61–75. http://dx.doi.org/10.21814/2i.3445.
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Este ensaio se debruça sobre a série de fotografias Ausencias do argentino radicado na Catalunha Gustavo Germano. Através de uma preocupação em relação ao suporte da fotografia e o processo de montagem, o texto busca estabelecer algumas relações da série fotográfica com a problemática da percepção estética, baseado em alguns apontamentos de David Lapoujade quanto às possibilidades da recepção das fotografias se configurar como uma participação ou uma transferência de ponto de vista. Do mesmo modo, o ensaio busca analisar as fotografias como modos de desautomatização do olhar e de saída de um efeito “anestético” da arte e da percepção como notado por Susan Buck-Morss. O ensaio ainda busca demonstrar o uso da “face” como meio de identificação na série fotográfica, entendendo-a como uma espécie de comunicação pré-linguística que busca ultrapassar a diferença com o outro sem apaga-la por completo. Deste modo, o gesto fotográfico de Germano dá esteio para imaginar uma expansão do ponto de vista do desaparecimento para além do cerco familiar ou da esfera pública das políticas de memória, colocando em cena uma arte do Comum, saindo da dicotomia público-privada para adentrar uma partilha sul-americana do passado.
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Costa, Helouise. "A exposição como múltiplo: lições de uma mostra norte-americana em São Paulo, 1947." Anais do Museu Paulista: História e Cultura Material 22, no. 1 (June 2014): 107–32. http://dx.doi.org/10.1590/0101-4714v22n1a04.
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No ano de 1947, a Biblioteca Municipal de São Paulo apresentou a exposição Fotografia Artística preparada pelo Museu de Arte Moderna de Nova York com consultoria técnica de Andreas Feininger. Tratava-se de uma mostra didática de reproduções fotográficas impressas em painéis, acompanhadas de textos, que reunia imagens de autoria de fotógrafos como Erich Salomon, Ansel Adams e Henri Cartier-Bresson, entre outros. Originalmente denominada Creative Photography foi produzida como múltiplo para que pudesse ser comercializada e exibida simultaneamente em diversas localidades. Este artigo visa analisar a mostra Fotografia Artística, buscando situá-la em meio às profundas transformações culturais do segundo pós-guerra, particularmente em relação às ações culturais norte-americanas realizadas no Brasil no período, às tratativas para a criação dos primeiros museus modernos no país e ao uso das técnicas de reprodutibilidade fotográfica no campo da arte.
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Piderit, Maria Fernanda. "Poemas fotográficos de Magela Ferrero: resistencias de la imagen y la escritura en Personas que tienen hambre (2011)." Letrônica 12, no. 3 (December 16, 2019): 34949. http://dx.doi.org/10.15448/1984-4301.2019.3.34949.
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El presente artículo trata una obra de la artista Uruguaya Magela Ferrero dedde el punto de vista de la literatura. Puesto que su obra se conforma apartir del uso del espacio, textos y fotografías, consideramos que los estudios intermediales nos ofrecen una herramienta apropiada para abordarla críticamente y, de esta manera, expandir los horizontes de la crítica literaria hacia objetos que hoy podemos denominar dentro de las categorías genéricas de literatura expandida o literatura hors du livre.*** Poemas fotográficos de Magela Ferrero: resistências da imagem e da escrita em Personas que tienen hambre (2011) *** Este artigo aborda a obra da artista uruguaia Magela Ferrero a partir da literatura. Dado que seu trabalho se conforma a partir do uso do espaço, de textos e de fotografias, consideramos que os estudos em multimeios oferecem uma ferramenta apropriada para abordá-la criticamente e, assim, expandir os horizontes da crítica literária para objetos que hoje se inserem em categorias genéricas como literatura expandida ou literatura “fora do livro” (hors du livre).Palavras-chave: Estudos multimeios; Literatura; Fotografia; Arte latino-americana.
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Susigan, Cristina. "OS DESASTRES DA GUERRA: ICONOLOGIA POLÍTICA DO SOFRIMENTO." História Revista 21, no. 2 (October 9, 2016): 62. http://dx.doi.org/10.5216/hr.v21i2.43382.
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Mesmo antes do advento da fotografia, artistas registravam os horrores da guerra através de sua arte, como forma de dar a ver a dor dos outros e perpetuar um momento histórico. Francisco de Goya, pintor espanhol, é um exemplo deste registro. Através de pinturas e gravuras que demonstravam de forma crua e forte as crueldades cometidas duranre a invasão francesa em Espanha, descreve a guerra como algo inútil, cruel e sem glória. Antes dele, em 1633, Jacques Callot, já fizera gravuras sobre os horrores da guerra. Mas será com o advento da fotografia, como meio técnico que capta o real de forma tão viva e verdadeira como a própria natureza, que o registro fotográfico se torna uma forma específica de representar a catástrofe. Neste artigo tentaremos relacionar formas de representação através das gravuras de Goya, os primeiros registros fotográficos de Mathew Brady, na guerra de Secessão americana e a iconologia política de Aby Warburg, como registros da memória.Cristina Susigan
Дисертації з теми "Fotografia americana"
1
Venerucci, Chiara <1991>. "Il Mito della Frontiera Americana nel Cinema di Fantascienza." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2017. http://hdl.handle.net/10579/10584.
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La tesi si propone di presentare il Mito della Frontiera Americana, reso celebre dai film Western, dalle
origini al processo di assimilazione dei propri principi ideologici all’interno della cultura americana
passando attraverso vari media (letteratura, cinema e serialità televisive). Nonostante le discussioni
relative al Mito della Frontiera siano per lo più state glorificate attraverso le trasposizioni di film
Western; questo elaborato ha come scopo, al contrario, di offrire una prospettiva diversa focalizzandosi
sul genere fantascientifico, analizzando elementi chiave del mito ricondotti all’interno di film e serie
televisive. La ricerca di una nuova frontiera: lo Spazio come luogo di conquista, l’astronauta come
cowboy sfidando l’ignoto conquista nuovi spazi; il mito del buon selvaggio tradotto nell’incontro con
specie aliene che abitano lontane galassie; film e serie tv che raccontano di scenari post-apocalittici
caratterizzati da paesaggi desolati che portano alla mente le condizioni primitive del Vecchio West.
L’obiettivo principale è dunque dimostrare ciò che è rimasto del Mito della Frontiera Americana
nell’immaginario contemporaneo e il riemergere dei suoi valori all’interno di produzioni di film e serie
televisive in campo fantascientifico.
2
Brito, Isa Marcia Bandeira de. "O feminino na fotografia latino-americana e moçambicana: Ricardo Teles, Hernán Díaz e Ricardo Rangel." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/84/84131/tde-12092018-122241/.
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O presente trabalho tem como objetivo promover um maior debate e reflexão sobre a representação do feminino negro na fotografia no século XX e começo do século XXI, especificamente no Brasil, com o projeto fotográfico de Ricardo Teles (1966), na Colômbia com Hernán Díaz (1931-2009) e em Moçambique com Ricardo Rangel (1924-2009) tendo como base seus livros autorais, respectivamente: Terras de Preto: Mocambos, Quilombos: Histórias de Nove Comunidades Negras Rurais do Brasil, de 2004; Cartagena de Siempre, de 2002 e O Pão Nosso de Cada Noite. Our nightly bread, de 2004. Para tanto, comparamos a fotografia como linguagem técnica e artística com a iconografia previamente produzida nos referidos países. A análise da fotografia como um exercício objetivo mostra que a semiótica e a multidisciplinaridade podem ser instrumentos auxiliares na procura por responder a informações contidas na imagem. O fotógrafo encaminha a interpretação de uma narrativa visual, pois é responsável pela produção e a recepção da imagem, no entanto a imagem contém em si um conjunto complexo de interpretações e de construções de alteridades. Por isso, deve-se levar em consideração seu caráter tão subjetivo quanto artístico quando adotando uma metodologia de análise.The present work aims to promote further debate and reflection on the representation of the black female in photography in the twentieth century and the beginning of the twenty - first century, specifically in Brazil, with the photographic project of Ricardo Teles (1966), in Colombia with Hernán Díaz (1931-2009) and in Mozambique with Ricardo Rangel (1924-2009) based on their authorial books, respectively: Terras de Preto: Mocambos, Quilombos: Histórias de Nove Comunidades Negras Rurais do Brasil, 2004; Cartagena de Siempre, 2002 e O Pão Nosso de Cada Noite. Our nightly bread,2004. In order to do so, we compare photography as technical and artistic language with the iconography previously produced in those countries. The analysis of photography as an objective exercise shows that semiotics and multidisciplinarity can be auxiliary tools in the search for information contained in the image. The photographer directs the interpretation of a visual narrative, since it is responsible for the production and reception of the image, however the image contains a complex set of interpretations and constructions of alterities within itself. Therefore, its subjective as well as artistic character must be taken into account when adopting a methodology of analysis.
3
Jesus, Adriana Pereira de. "A construção do romance policial em O caso da estranha fotografia, Berenice Detetive e Droga de Americana!" Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2009. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/2271.
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Previous issue date: 2009-02-11Fundo Mackenzie de Pesquisa
The present work is intended to study the detective story, a literary genre that stimulates the young and adult readers curiosity from the first to the last page of the book. We developed a study about this genre using books for children and young adults that identify themselves with the stories, the characters and the adventures. We analyzed the mystery narrative construction in the children s universe, from the novels O caso da estranha fotografia (1977), by Stella Carr; Berenice detetive (1987), by João Carlos Marinho; and Droga de Americana! (1999), by Pedro Bandeira. These writers stories were created with children and young adults in the role of investigators. During the analysis, we emphasized the characterization of the members from the different young adults and children groups and their actions as detectives. In the first chapter, we focused the detective stories in general and their evolution. The second chapter discusses the literature for children focusing in the writers of the works mentioned above. During the two last chapters, we analyzed the three books and the structure of the detective stories for children and young adults.
O objetivo do presente trabalho é estudar o romance policial, um gênero literário que instiga a curiosidade do público jovem e adulto desde a primeira até a última página de um livro. Desenvolvemos um estudo desse gênero em obras voltadas para o público infanto-juvenil que se identifica com as histórias, personagens e aventuras. Analisamos a construção da narrativa policial no universo infantil dos romances O caso da estranha fotografia (1977), de Stella Carr; Berenice detetive (1987), de João Carlos Marinho; e Droga de Americana! (1999), Pedro Bandeira. As obras desses autores foram construídas com crianças e adolescentes no papel de investigadores. Na análise, enfatizamos a caracterização dos integrantes dos diferentes grupos de jovens e crianças e suas atuações como detetives. Para tanto, o trabalho foi dividido em quatro capítulos. No primeiro capítulo, destacamos o romance policial em geral e sua evolução. O segundo capítulo discute a literatura infantil com foco nos autores das três obras mencionadas. Nos dois últimos capítulos, analisamos as três obras e a estrutura do romance policial infanto-juvenil.
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Villares, Mónica Ferrer 1982. "Arte fotografica e liberdade de expressão = um dialogo entre Brasil e Cuba (1960-1990)." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/281783.
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Orientador: Claudia Valladão de MattosDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
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Resumo: ¿Arte fotográfica e liberdade de expressão: um diálogo entre o Brasil e Cuba ¿ aborda o desenvolvimento da fotografia latino-americana na segunda metade do século XX, a partir de um estudo comparativo e da análise de obras de fotógrafos cubanos e brasileiros, atuantes durante o período 1960-1990. O texto se divide em três grandes partes, correspondentes, cada uma delas, a um decênio, tomando como ponto de partida os gêneros de destaque em cada etapa e as relações destas produções com o contexto histórico e sócio-político em que se desenvolvem. No primeiro capítulo, a partir do conceito de 'fotojornalismo' são analisadas as obras dos artistas cubanos Alberto Díaz Gutiérrez (Korda) e Raúl Corrales, conjuntamente com as dos criadores brasileiros Antônio Luiz Benck Vargas e Evandro Teixeira. No segundo capítulo, tomando como base o conceito de 'fotografia antropológica¿ são submetidas à análise as obras dos artistas brasileiros Walter Firmo, Assis Hoffmann e Claudia Andujar, assim como a produção da fotógrafa cubana María Eugenia Haya (Marucha). Por fim, o terceiro e último capítulo da dissertação parte do desenvolvimento de poéticas de autor por parte dos artistas da câmera na década de 80, e a partir de diversos critérios se aproxima de forma crítica à obra dos fotógrafos cubanos Rogélio López Marín (Gory), Ramón Martínez Grandal e Mario García Joya (Mayito), assim como do artista brasileiro Clóvis Loureiro Junior.
Abstract: ¿Photographic art and freedom of expression: a dialogue between Brazil and Cuba ¿ discusses the development of Latin American photography in the second half of the twentieth century, from a comparative study and the analysis of works of Brazilian and Cuban photographers, working in the period of 1960-1990. The text is divided into three major parts, corresponding, each of them, to a decade, taking as a starting point the notable genres featured at every stage, and the relationship of these productions with the historical and socio-political context in which they develop. In the first chapter, from the concept of 'photojournalism' the works of the Cuban artists Alberto Díaz Gutiérrez (Korda) and Raul Corrales, together with the Brazilian creators Luiz Antônio Vargas Benck and Evandro Teixeira are analyzed. In the second chapter, building on the concept of 'anthropological photography' the works of the Brazilian artists Walter Firmo, Assis Hoffmann and Claudia Andujar, as well as the production of the Cuban photographer Maria Eugenia Haya (Marucha) are put under analysis. Finally, the third and final chapter of the dissertation is based on the development of author poetics by the artists of the camera in the 80's, and using several criteria, we approaches critically to the work of the Cuban photographers Rógelio López Marín (Gory), Ramón Martínez Grandal and Mario García Joya (Mayito), as well as the Brazilian artist Clóvis Loureiro Junior.
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História
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BARRA, LUCA. "Risate in scatola: storia, mediazioni e percorsi distributivi della situation comedy americana in Italia." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2011. http://hdl.handle.net/10280/1099.
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Nel contesto italiano, molti prodotti mediali sono di origine straniera: diffusi o trasmessi insieme a quelli di produzione nazionale, al tempo stesso cambiano spesso forma, per andare incontro al pubblico italiano, e diventano, almeno in parte, diversi dall’originale. La tesi vuole, pertanto, porre le basi teoriche per uno studio sistematico dei processi di “mediazione” che intercorrono nel passaggio di un testo mediale da un Paese all’altro: l’appropriazione nazionale (“italianizzazione”), l’adattamento, la distribuzione, la circolazione e la messa in pagina di contenuti e prodotti. Tali strumenti trovano poi applicazione (e insieme conferma) nell’analisi delle vicende italiane della sitcom americana, e di alcuni titoli in particolare, sotto tre punti di vista: la ricostruzione della storia del genere, che segue le evoluzioni del sistema televisivo e mediale nazionale e da questo è mediato; la definizione delle oscillazioni e variazioni che il testo affronta, senza limitarsi alla traduzione ma seguendone l’adattamento e la traslazione; infine, il racconto dei percorsi tra mercati, doppiaggi e reti che compongono la filiera della sitcom, mettendo in evidenza il ruolo intermedio svolto dalle routine produttive e dagli addetti ai lavori coinvolti nella distribuzione internazionale (e poi, nel nuovo contesto, nazionale).In the Italian context, several media products have foreign origins: diffused or broadcast together with the national productions, they often change their nature in order to reach the Italian audience, and consequently become partially different products. Therefore, this dissertation aims to put the theoretical basis of a systematic study of the “mediation” processes that take place in the passage of a media text between two countries: national appropriation (“Italianization”), adaptation, distribution and circulation of different contents and products. Subsequently, these tools are applied on (and confirmed by) the analysis of the Italian vicissitudes of the US-made situation comedy, focusing on five titles, in order to study three aspects: the genre history on Italian TV, connected with the evolution of the national TV and media system; the variations and gaps that every text has to face, thus expanding the concept of translation into adaptation and transposition; in conclusion, the US sitcom chain in Italy, including TV markets, dubbings and broadcasting, highlighting the intermediary role played by production routines and professionals involved in the national and international distribution.
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BARRA, LUCA. "Risate in scatola: storia, mediazioni e percorsi distributivi della situation comedy americana in Italia." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2011. http://hdl.handle.net/10280/1099.
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Nel contesto italiano, molti prodotti mediali sono di origine straniera: diffusi o trasmessi insieme a quelli di produzione nazionale, al tempo stesso cambiano spesso forma, per andare incontro al pubblico italiano, e diventano, almeno in parte, diversi dall’originale. La tesi vuole, pertanto, porre le basi teoriche per uno studio sistematico dei processi di “mediazione” che intercorrono nel passaggio di un testo mediale da un Paese all’altro: l’appropriazione nazionale (“italianizzazione”), l’adattamento, la distribuzione, la circolazione e la messa in pagina di contenuti e prodotti. Tali strumenti trovano poi applicazione (e insieme conferma) nell’analisi delle vicende italiane della sitcom americana, e di alcuni titoli in particolare, sotto tre punti di vista: la ricostruzione della storia del genere, che segue le evoluzioni del sistema televisivo e mediale nazionale e da questo è mediato; la definizione delle oscillazioni e variazioni che il testo affronta, senza limitarsi alla traduzione ma seguendone l’adattamento e la traslazione; infine, il racconto dei percorsi tra mercati, doppiaggi e reti che compongono la filiera della sitcom, mettendo in evidenza il ruolo intermedio svolto dalle routine produttive e dagli addetti ai lavori coinvolti nella distribuzione internazionale (e poi, nel nuovo contesto, nazionale).In the Italian context, several media products have foreign origins: diffused or broadcast together with the national productions, they often change their nature in order to reach the Italian audience, and consequently become partially different products. Therefore, this dissertation aims to put the theoretical basis of a systematic study of the “mediation” processes that take place in the passage of a media text between two countries: national appropriation (“Italianization”), adaptation, distribution and circulation of different contents and products. Subsequently, these tools are applied on (and confirmed by) the analysis of the Italian vicissitudes of the US-made situation comedy, focusing on five titles, in order to study three aspects: the genre history on Italian TV, connected with the evolution of the national TV and media system; the variations and gaps that every text has to face, thus expanding the concept of translation into adaptation and transposition; in conclusion, the US sitcom chain in Italy, including TV markets, dubbings and broadcasting, highlighting the intermediary role played by production routines and professionals involved in the national and international distribution.
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CHIARULLI, RAFFAELE ROSARIO. "Strutture drammaturgiche e tecniche di scrittura del cinema americano classico : casi di intertestualità tra teatro e cinema." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2012. http://hdl.handle.net/10280/1533.
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Questa tesi è un’esplorazione dei rapporti tra il segno teatrale e il segno cinematografico attraverso la prospettiva degli sceneggiatori e della sceneggiatura nel cinema hollywoodiano classico. Presenta problematiche che riguardano la sceneggiatura come pratica, forma d’arte, oggetto di discussione, mezzo di espressione e risultato di una messa in campo di propositi, valori e significati.This doctoral thesis is an analysis of the relationships between the "theatrical sign" and the "cinematographic sign" from the perspective of screenwriters and of Classic Hollywood screenwriting. It introduces issues related to screenwriting as practical activity, form of art, subject of discussion, system of communication, and as the result of a negotiation of aims, values and meanings.
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CHIARULLI, RAFFAELE ROSARIO. "Strutture drammaturgiche e tecniche di scrittura del cinema americano classico : casi di intertestualità tra teatro e cinema." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2012. http://hdl.handle.net/10280/1533.
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Questa tesi è un’esplorazione dei rapporti tra il segno teatrale e il segno cinematografico attraverso la prospettiva degli sceneggiatori e della sceneggiatura nel cinema hollywoodiano classico. Presenta problematiche che riguardano la sceneggiatura come pratica, forma d’arte, oggetto di discussione, mezzo di espressione e risultato di una messa in campo di propositi, valori e significati.This doctoral thesis is an analysis of the relationships between the "theatrical sign" and the "cinematographic sign" from the perspective of screenwriters and of Classic Hollywood screenwriting. It introduces issues related to screenwriting as practical activity, form of art, subject of discussion, system of communication, and as the result of a negotiation of aims, values and meanings.
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Savaris, Michele. "La fotografía como elemento (re)constructor de la memoria en Escenas de cine mudo de Julio Llamazares y Retrato en sepia de Isabel Allende." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2011. http://hdl.handle.net/10183/32875.
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Esta dissertação busca uma aproximação entre fotografia e literatura à luz do processo mnemônico que se forma por meio desse tipo de imagem. Assim, o objetivo principal consiste em analisar e mostrar como a fotografia atua e de que maneira contribui para que alguém (re)construa seu passado relacionando-o à memória. Para isso, parte-se da análise das obras literárias Escenas de cine mudo do autor espanhol Julio Llamazares e Retrato en sepia da escritora chilena Isabel Allende, que nos servem como ponto de partida para a discussão analítica, destacando-se a importância da fotografia para a literatura. Dessa maneira, faz-se necessário um estudo cuidadoso dos elementos que compõem cada uma das referidas obras, com a finalidade de perceber e compreender as relações que se estabelecem para a formação da memória, já que em Escenas de cine mudo e Retrato en sepia, o modo de (re)construção do passado através de fotografia é diferente. O termo “memória” está associado a diversos conceitos, de acordo com a área em que é aplicado. Levando em conta essa ideia, a proposta é partir dos conceitos de “memória” estabelecidos por Aristóteles, Platão e Ricoeur, aplicando-os às obras literárias mencionadas.Esta disertación busca un acercamiento entre fotografía y literatura a la luz del proceso mnemónico que se forma por medio de ese tipo de imagen. Así, el objetivo principal consiste en investigar y mostrar cómo la fotografía actúa en la literatura y de qué manera contribuye para que uno (re)construya su pasado relacionándolo a la memoria. Para esto, se parte del análisis de las obras literarias Escenas de cine mudo del autor español Julio Llamazares, y Retrato en sepia de la escritora chilena Isabel Allende, que nos sirven como puntos de partida para la discusión analítica, destacándose la importancia de la fotografía para la literatura. De esa manera, se hace necesario un estudio cuidadoso de los elementos componentes de cada una de las referidas obras, con el fin de percibir y comprender las relaciones que se establecen para la formación de la memoria, ya que en Escenas de cine mudo y Retrato en sepia, el modo de (re)construcción del pasado a través de la fotografía es distinto. El término “memoria” está relacionado a diversos conceptos, de acuerdo con el área en que se aplica. Llevando en cuenta esa idea, la propuesta es partir de los conceptos de “memoria” establecidos por Aristóteles, Platón y Ricouer, aplicándolos a las obras literarias mencionadas.
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Fox-Hodess, Ana. "Model home: fotografía, nostalgia y el sueño americano." Tesis, Universidad de Chile, 2016. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/147106.
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Magíster en artes medialesEsta investigación indaga sobre cómo la fotografía interpela nuestra experiencia del pasado. Entiende la fotografía como una construcción, tal como otras construcciones (familia, nación, memoria, historia) que definen nuestras identidades y cumplen roles ideológicos significativos. Pregunta si una mirada crítica a la fotografía puede provocar por extensión una mirada crítica hacia cómo conceptualizamos y nos relacionamos con el pasado. El producto de la investigación es un trabajo audiovisual con soporte web, Model Home (www.anafoxhodess.net/model-home), que busca respuestas provisorias a esta pregunta y opera en, por los menos, tres planos conceptuales: lo personal, lo histórico, y lo mediático.
Книги з теми "Fotografia americana"
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University of Arizona, Tucons. Center for Creative Photography. and Fundació "la Caixa", eds. Fotografia americana del s. XX. Barcelona: Fundació "La Caixa", 1991.
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Maddox, Jerald C. The pioneering image: Celebrating 150 years of American photography. New York, N.Y: Universe, 1989.
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Nardi, Massimo. Nativi americani: Fotografie. Pontedera: Bandecchi & Vivaldi srl, 2021.
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4
Concurso Internacional--Lo Mejor de la Fotográfia de America Latina (3rd 1995 Santafé de Bogotá, Colombia?). Fotografía latinoamericana 3 =: Latin American photography 3 : Tercer Concurso Internacional--Lo Mejor de la Fotográfia de America Latina. [Santafé de Bogotá, Colombia]: ASFOTO Imagen y Video, 1995.
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5
Lacerda, Mariana. Fotonovela: Sociedade, classes, fotografia. São Paulo: Itaú Cultural, 2013.
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6
Los Angeles County Museum of Art., ed. New American photography. Los Angeles, CA: Los Angeles County Museum of Art, 1985.
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7
Mundo Perú: Peru world. Lima: Universidad de San Martín de Porres, Fondo Editorial, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Turismo y Psicología, 2010.
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8
Contra la fotografía de paisaje. México, D.F: Libros Magenta, 2014.
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9
Gli italo americani. Milano: Rizzoli, 1988.
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10
American photography: A century of images. San Francisco, Calif: Chronicle Books, 1999.
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Bello, Oscar Yecid Bello. "DA EXPERIÊNCIA FOTOGRÁFICA AO ACONTECIMENTO ESTÉTICO: OUTROS MODOS PARA PENSAR A DOCENCIA E A FOTOGRAFIA ENTRE BRASIL E COLOMBIA." In Multiplicidades Linguísticas: Artes, Hibridismo e Sociedade, 99–110. Bookerfield Editora, 2021. http://dx.doi.org/10.53268/bkf21060608.
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Este trabalho trata da experiência docente em fotografia e a relação com a noção de acontecimento estético na produção de conhecimento. Problematizando-o, a partir dos conceitos de produção de verdade, experiência e estética da existência, acontecimento desenvolvidas entre outros por Michel Foucault. O trabalho deriva de uma investigação do doutorado em andamento, e uma investigação de mestrado concluída. Tem como materialidade experiências de ensino da fotografia em contextos sociais com crianças e jovens. em contextos educativos latino-americanos contemporâneos. Esta materialidade consiste em experiências do pesquisador como docente de fotografia em espaços extracurriculares de ensino de fotografia entre Brasil e Colômbia assim como experiências de outros docentes de fotografia no Brasil com o intuito de trazer a tom a conversação de acontecimentos que podem nos ajudar a pensar outras formas de produção e modos de vida, e de verdade nos docentes fotógrafos. A partir da experiência fotográfica, entendida como uma prática de produção de pensamento e conhecimento, se constitui como um caminho metodológico de pesquisa, desde a qual permite pensar outras formas de abordar as experiências estéticas como propiciadores de experiências. No centro da investigação está o debate entre arte, estético e ético, empreendido a partir das noções trazidas e desenvolvidas por os autores que fazem parte do corpo teórico do trabalho. As conclusões comtemplam que são necessárias ações de formação e pesquisa docente que possam experimentar outros caminhos de produção de conhecimento que questões dos conceitos da verdade, experiência e conhecimento no campo da arte e da educação.
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López Vázquez, Socorro, and Adriana Montserrat Pérez-Serrano. "Imaginarios turísticos y controversias desde la Teoría Actor-Red. Una propuesta de análisis." In Organizações e movimentos periféricos nas redes digitais ibero-americanas, 323–44. Ciespal, 2022. http://dx.doi.org/10.16921/ciespal.34.58.
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Los imaginarios turísticos son las construcciones mentales simbólicas de un destino o hecho turístico, y funcionan como impulsores del turismo. Éstos se construyen a través de la interacción de personas y objetos como fotografías, videos o monumentos, a partir de los cuales se representan y transforman. El objetivo del artículo es discutir la pertinencia de la Teoría Actor–Red, para el estudio de los imaginarios turísticos y de las controversias que se generan desde las redes sociodigitales; lo que es relevante dado que éstos son considerados espejos sociotécnicos de la práctica turística.
Тези доповідей конференцій з теми "Fotografia americana"
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Baixauli Romero, Raquel, and Esther González Gea. "Fotógrafos anónimos. Una aproximación a la fotografía encontrada." In I Congreso Internacional sobre Fotografia: Nuevas propuestas en Investigacion y Docencia de la Fotografia. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/cifo17.2017.6734.
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A finales del siglo XIX, la fotografía se convirtió en el pasatiempo perfecto de las clases altas gracias a los avances técnicos que transformaron el medio. Se calcula que en el Madrid de entresiglos existían no menos de mil fotógrafos amateurs y hasta más de tres mil en Barcelona. A medida que avanzaron los años, el aparato fotográfico pasó a ser un objeto común, hasta tal punto que, pasada la primera mitad del siglo XX, cualquier familia de clase media contaba con una cámara en sus hogares. Este hecho propició la progresiva acumulación de imágenes fotográficas y condicionó el destino de muchas de ellas: el olvido.Entrado el siglo XXI, y ante la imposición de generar cada vez más material dentro del marco de la iconosfera, nos afanamos por rescatar imágenes del pasado condenadas al silencio gracias, entre otros factores, a la reciente preocupación por la memoria, la imposición de la llamada cultura digital y el auge de los estudios visuales, tratando de hacer justicia a aquellos nombres obviados en la resbaladiza Historia de la fotografía. En los últimos años hemos asistido a la puesta en valor del trabajo de fotógrafos desconocidos. El caso más sonado ha sido el de la fotógrafa americana Vivian Maier, aunque en el ámbito nacional también hemos visto resurgir las obras de fotógrafos que han puesto en relieve esta disyuntiva, como Virxilio Vieitez, Luis Ramón Marín, Milagros Caturla o Ximo Berenguer.La denominada fotografía vernácula genera cada vez mayor interés entre los aficionados y teóricos de la fotografía, como Robert Flynn Johnson, conservador jefe de la Fundación Achembach para las Artes Gráficas de San Francisco, dado su carácter utilitario, doméstico y heterotópico, siguiendo a Clément Chéroux. La escasa atención que suscita la autoría de estas imágenes silenciosas, silenciadas, nos obliga a respondernos a una pregunta que aparece repetidamente. ¿Cuál es el factor que verdaderamente determina que una fotografía ingrese en el olimpo de las obras maestras?En esta línea camina la presente comunicación, cuyo objetivo fundamental es cuestionar los paradigmas que rigen la noción misma del valor fotográfico y su propia naturaleza ambivalente; preguntándonos dónde se encuentran los límites entre lo válido y lo excluido, reformularemos la idea de un archivo fotográfico vivo, que se hace extensible a la Historia como disciplina, una disciplina viva que continúa reescribiéndose.
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Borda, Adriane, Monica Veiga, Larissa Dall´Agnol da Silva, Francisca Michelon, and Desirée Salasar. "Entre recursos táteis e audiodescritivos: a construção de um discurso para atribuir acessibilidade à fotografia." In XIX Congresso da Sociedade Ibero-americana de Gráfica Digital 2015. São Paulo: Editora Edgard Blücher, 2015. http://dx.doi.org/10.5151/despro-sigradi2015-110415.
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Bergera, Iñaki. "Mirar a ver. Experiencias docentes en arquitectura." In I Congreso Internacional sobre Fotografia: Nuevas propuestas en Investigacion y Docencia de la Fotografia. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/cifo17.2017.6675.
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En un momento dado de la película, Amélie —desbordante visualmente de su gozo de vivir— coge fuertemente del brazo a un ciego y le ayuda a cruzar y recorrer una bulliciosa calle de París describiéndole entusiastamente todo lo que observa en ese breve y a priori anodino trayecto. Amélie le regala durante un minuto sus ojos al ciego pero, paralelamente, nos enseña a mirar más allá de lo que vemos. También los arquitectos americanos Charles y Ray Eames fueron durante las décadas centrales del siglo XX un paradigma de ese aprendizaje por la mirada, de ese obsesivo pero delicado análisis visual, a través de la fotografía o el cine, del espacio que habitamos. Y como ellos, Robert Venturi, Bernard Rudofsky, Aldo Rossi o recientemente John Pawson serían un buen referente de la ineludible utilización de las herramientas visuales en el contexto productivo e investigador de la arquitectura. Si para Le Corbusier, el padre de la modernidad, los arquitectos somos “asnos, pero asnos que ven”, podemos asumir la irrenunciable necesidad de implementar de forma explícita una educación visual en el contexto de los estudios de arquitectura. La fotografía es un herramienta pero más allá de su condición instrumental —que para el arquitecto ha suplantado al lápiz en la toma de datos y el análisis de lo que nos rodea— es potencialmente portadora de un lenguaje formal y narrativo cuya sintaxis es necesario conocer y educar. Para poder actuar de forma creativa, el alumno de arquitectura ha de saber “leer” el espacio y estructurarlo mediante la mirada. Paradójicamente, la saturación de imágenes contemporánea —especialmente virulenta en el ámbito concreto de la difusión mediática de la arquitectura entendida como icono visual— puede producir en el alumno una amnesia que ahogue su sensibilidad a la hora de “afilar el lápiz” con su mirada, para ver y construir con ella un nuevo argumentario espacial. A partir de mis intereses personales en torno a la fotografía y de mi particular experiencia investigadora en las relaciones entre arquitectura y fotografía, la comunicación que se propone presentará las experiencias docentes llevadas a cabo desde la Universidad de Zaragoza —en gran medida a contracorriente—, tanto dentro de la docencia en proyectos arquitectónicos que impartimos como, en un inmediato futuro, de forma reglada como asignatura trasversal independiente. Los modestos pero fructíferos resultados obtenidos hasta la fecha nos confirman el interés y la pertinencia de formular y demandar este espacio pedagógico que trasciende por supuesto a los aspectos técnicos de la imagen y subraya el interés que tienen los alumnos por canalizar docentemente el ordenamiento sensible y proactivo de la mirada.
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Terezani, João Henrique Tellaroli, Myrna De Arruda Nascimento, Ralf José Castanheira Flores, and Luciana Chen. "En movimiento: las (im) posibilidades de las imágenes flagradas entre múltiples (im)previsibles." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9542.
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Como Primeiras Experiências com cinetismo aplicado como Artes Visuais ocorreu NAS décadas Primeiras do Século XX, Quando composições objetos COM e Estruturas Foram Móveis desenvolvidas que pretendem explorar, controle e multiplicai-vos Efeitos Desses elementos e gerados recursos para estética Uma ambientes vida e Espaços para Interações corpora Os espectadores que vivenciaram essas experiências, tiveram a coragem de memorizar os vestígios do jantar em movimento, sabiam que era uma imagem impossível de ser totalmente apreendida e nunca definitiva. Assim como as sensações viviam e reflexos germinavam sobre o que testemunharam, choque chocante, era impreciso e ambíguo. Entre OS Pioneiros Desse tipo de arte que encontramos ou artista Lazlo Moholy-Nagy, autor de Produções MUITAS você experimenta, cuja Abstrata Natureza serviu de referência para INTERESSADOS em explorar Manipulação dois Meios de Comunicação e Não convencionais técnicas, como Investigação estratégia Uma artístico e científico. Seus estudos sobre imagem incluíram o uso da luz como meio de gerar possíveis composições a serem apreendidas apenas em movimento. Portanto, ele explorou a fotografia eo cinema, não como um meio para produzir imagens, mas como áreas transdisciplinares, telhas, cuja altera a percepção sensorial dos observadores, o que lhes permite imaginar, através da desmaterialização de efeitos de iluminação sobreposição, como " Veja se movendo. " Este artigo apresenta dois produtos de pesquisa que os estudos tríade balé bauhausiano de Oskar Schlemmer, em diálogo com a produção de professores não ensino iniciativa centenária alemão. ELES discutidos à luz de curadores e teóricos da arte da, Taís como premissas e materialidades empirismo exploratório de Moholy-Nagy poluídas artistas contemporâneos como ou norte-americano Bill Viola, que investiga como Obter Percepção da da imprecisão tudo de Imagens em Movimento.
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Rey Villaronga, Gonzalo José. "El tapado de la imagen como estrategia de producción artística." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5843.
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Proponemos el análisis de la obra “Mirror” de David Hammons, para demostrar como el tapado de la obra de arte continúa siendo una estrategia crítica de antivisualidad frente a la sobre abundancia de imágenes. Éste es un análisis y una interpretación que forma parte de un trabajo más extenso que desarrollamos sobre las prácticas antivisuales en la contemporaneidad. David Hammons (U.S.A., 1943). En su trabajo, negar la posibilidad de ver y provocar la curiosidad es una de las estrategias que utiliza el artista a través de su obra. Un artista que comenzó burlándose del mercado cuando al principio de su carrera vendía durante el invierno de Harlem bolas de nieve como obras de arte. Comprometido con los derechos civiles, su trabajo reflexiona sobre las experiencias de la vida afroamericana y el papel que juega en la sociedad americana. En el artículo describimos y analizamos el conjunto de la serie mirrors (espejos) y la ponemos en relación a una destacada trayectoria donde performance, pintura, escultura, y toda clase de prácticas artísticas son utilizadas para provocar la curiosidad en el espectador. Analizamos la serie que aparece en la fotografía superior para revelar como frente a la eficacia e inmediatez con la que el sistema del arte y el sistema en general categoriza, digiere y canibaliza los acontecimientos, la negación sostenida se convierte en un valor añadido para las obras de arte. Sólo hay que pensar en el contexto en el que nos movemos con las políticas de visibilidad, donde si las redes de vigilancia se multiplican y los individuos abiertamente nos exponemos al mundo, cualquier muestra de ocultación es tomada como un acto de rebeldía. Interpretar el concepto de tapado de la imagen heredado de sus pinturas ocultas o pinturas de lona (Kool Aids) nos ayuda a establecer relaciones con otras obras de la antivisualidad y la ocultación como estrategia de cuestionamiento. Terminamos con unas conclusiones que nos permiten afirmar que estas estrategias presentes en éste y en otros artistas logran mantener expectante la mirada del visitante de forma que más allá de su antivisualidad sus obras en realidad logran que nos detengamos y pensemos más allá de lo que se muestra. Entre otras referencias hemos utilizado los textos de: Meana Martínez, Poéticas de la negación de lo visual; Galder Reguera, La cara oculta de la luna; y Hernández-Navarro, La so(m)bra de lo real: El arte como vomitorio.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5843
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Palacios Aguilar, José del Carmen. "Chandigarh antes de Chandigarh (Cartografía de una idea)." In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.639.
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Resumen: La intención es exponer las ideas que llevaron a Le Corbusier a construir su último y único proyecto urbanístico “Chandigarh”;realizar su sueño de construir sobre una ciudad constituida por aquellos elementos prefigurados desde sus libretas, fotografías y textos de sus Viajes a Oriente, 1911 y Sud América, 1929. Le Corbusier encuentra en Chandigarh su ciudad imaginada, aquella configurada en base al constructo de la razón; montañas, paisajes, árboles, cielos, lagos y ríos, etc. y para ello diseñó un mapa en tres dimensiones que contuviese esa razón fundamental de todos sus años de trabajo: “El monumento de la mano abierta” es un lugar donde superpone esa geografía construida (la idealizada con la hallada), diversos dibujos han ido otorgándole en el tiempo esa capacidad de expresar la vocación del tiempo construido . La mano - además de serlo- ya no es más un símbolo o un “signo”, es un mapa topográfico que contiene sus propósitos esenciales. Chandigarh se construye sobre esa “ciudad imaginada” – siendo sus numerosos dibujos de montañas, ríos y lagos cartografiados desde los botes, trenes, y aviones, - Le Corbusier siempre estuvo a esperaba encontrar un lugar que coincidiera y encajara con todas esas condiciones naturales- alegrías esenciales- y ese lugar fue Punjab (India); allí es cuando se eclipsan realmente por primera vez todos sus elementos configurados. Las montañas del Himalaya y el Lago Suknha más que elementos geográficos - que constituyen los límites del proyecto- son esencialmente imprescindibles para comprenderlo. El monumento de la mano abierta se configura como un recurso ideográfico en la obra de Le Corbusier. Abstract: The intention is to present the ideas that led to Le Corbusier to build its latest and unique urban project "Chandigarh", realize his dream of building on a city made up of those elements foreshadowed from his notebooks, photographs and texts of his trips to East 1911 South America 1929. Le Corbusier in Chandigarh discovers his imagined city, that set based on the construct of reason; mountains, landscapes, trees, skies, lakes and rivers, etc. and for this he designed a three-dimensional map that contained the fundamental reason for all his years of work: "The monument open hand" is a place where overlaps that built geography (the idealized with found), various drawings have been giving at the time that ability to express the vocation of time built. Besides hand the be-is no longer a symbol or a "sign" is a topographic map containing the essential purposes. Chandigarh is built on the "imagined city" - remains his numerous drawings of mountains, rivers and lakes mapped from boats, trains, and planes - Le Corbusier was always expected to find a place to coincide and fit with all those naturales- conditions essential- there was joy and Punjab (India); that's when all set items are really overshadow first. Himalaya Mountains and Lake Suknha than geographic features - which form the boundaries of the project are essentially necessary to understand it. The open hand monument is configured as an ideographic resource in the work of Le Corbusier.Palabras clave: constructo, dibujos, viajes, publicaciones, mano abierta. Keywords: Construct, Drawings, Travels, Publications, Open Hand. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.639