Добірка наукової літератури з теми "Douleur dans les arts du spectacle"
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Статті в журналах з теми "Douleur dans les arts du spectacle"
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Dubreuil, Clément, and Delphine Dion. "Le spectacle de la douleur dans l’expérience : une étude dans les stades de rugby." Recherche et Applications en Marketing (French Edition) 34, no. 4 (January 16, 2019): 31–51. http://dx.doi.org/10.1177/0767370118812559.
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Résumé Cette recherche s’attache à comprendre comment le spectacle de la douleur contribue à l’expérience des spectateurs. Reposant sur une approche abductive et une collecte de données mixte et longitudinale de trois ans dans les stades, ce travail identifie quatre fonctions du spectacle de la douleur, en détaille les modalités et la progressivité. Cette recherche sur les matchs de rugby contribue à la littérature sur l’expérience et sur la douleur. Premièrement, elle approfondit la compréhension de l’ambivalence des expériences. Elle montre que les dimensions négatives de l’expérience sont valorisées par un système moral et normatif. Deuxièmement, cette recherche contribue à approfondir les connaissances sur l’attrait de la douleur, en montrant son association à un contenu symbolique. Troisièmement, elle introduit le concept de domestication de la violence face à la douleur. Le spectacle de rugby s’inscrit dans une dialectique nature / culture, avec d’un côté une violence pseudo-primitive et de l’autre une sophistication de codes et de règles. Des recommandations managériales et des perspectives de recherche sont également présentées.
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Therrien, Ève Irène. "Le Corps sous le signe de la torture : une question de plaisir. Le Théâtre médical des Laboratoires Crête." L’Annuaire théâtral, no. 34 (May 6, 2010): 161–76. http://dx.doi.org/10.7202/041547ar.
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L’article propose d’analyser le premier spectacle des Laboratoires Crête, plus particulièrement le protocole intitulé : lien de causalité entre douleur physique et interprétation chez l’acteur en représentation. Le but de l’expérience de la douleur vise à enrichir le jeu de l’acteur. Pourtant l’essai démontre une dichotomie : l’hypersensibilité du corps du comédien ajoute à sa performance ou, au contraire, empêche l’interprétation du personnage. Dans le cadre des Laboratoires, violence et jeu sont à la base du spectacle. Aussi, le parallèle entre le sadomasochisme et le théâtre s’impose. L’article étudie la structure sadomasochiste, plus particulièrement la relation bourreau-victime et voyeur, pour mieux comprendre l’enjeu d’une telle épreuve théâtrale.
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Wagner (editor, first and second book), Marie-France, Claire Le Brun-Gouanvic (editor, first and second book), and Nathalie Dauvois (review author). "Les arts du spectacle dans la ville (1404-1721); Les arts du spectacle au théâtre (1550-1700)." Renaissance and Reformation 37, no. 2 (January 1, 2001): 92–95. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v37i2.8700.
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Ransom, Holly E., Marie-France Wagner, and Claire Le Brun-Gouanvic. "Les Arts du Spectacle dans la Ville (1404-1721)." Sixteenth Century Journal 34, no. 3 (October 1, 2003): 847. http://dx.doi.org/10.2307/20061574.
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Canova-Green, Marie-Claude, Marie-France Wagner, and Claire Le Brun-Gouanvic. "Les Arts du spectacle dans la ville (1404-1721)." Modern Language Review 97, no. 4 (October 2002): 958. http://dx.doi.org/10.2307/3738650.
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Nadeau, Anne, Caroline Raymond, and Martin Lépine. "La transposition didactique du spectacle professionnel comme objet de savoir en classe d’arts : proposition d’un modèle d’analyse intégratif." Didactique 2, no. 2 (October 27, 2021): 41–62. http://dx.doi.org/10.37571/2021.0203.
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Dans le cadre scolaire, les disciplines associées au domaine des arts se distinguent par leur nature praxique. Dans ce contexte, les pratiques artistiques des personnes enseignantes spécialistes des arts, que ce soit comme créatrices, interprètes ou spectatrices, influencent leur processus de transposition didactique. Cet article présente comment un spectacle professionnel apprécié par les spécialistes des arts est considéré comme un objet de savoir et comment il peut se transposer en classe. En croisant deux modèles théoriques, soit la triple dimension de l’enseignement des arts (Raymond, 2014, 2018) et le rapport au spectacle (entre autres inspiré des travaux d’Émery-Bruneau, 2010, 2014), nous proposons un modèle d’analyse intégratif de la transposition didactique, en classe, du spectacle professionnel en fonction du rapport qu’entretiennent les personnes enseignantes avec cet objet de savoir et des dimensions artistique, esthétique et culturelle propres au domaine des arts.
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Camerlain, Lorraine. "En de multiples scènes." Canadian Theatre Review 43 (June 1985): 73–90. http://dx.doi.org/10.3138/ctr.43.009.
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Au Québec, en 1974, deux spectacles ouvrent la voie à une nouvelle expression dramatique (et théâtrale) des femmes. Le Grand Cirque Ordinaire produit un premier spectacle “de filles,“ ironique et dont l’orientation est avouée: Un prince, mon jour viendra. La même année, le Théâtre des Cuisines (ainsi nommé en réaction au nom d’une autre troupe de théâtre militant: le Théâtre d’Ia Shoppe1) produit un spectacle engagé, non équivoque: Nous aurons les enfants que nous voulons. Le feu est mis aux poudres: le théâtre féminin s’engage irréversiblement dans une expression essentiellement féminine; le théâtre féministe est bien enclenché.
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Boespflug, François. "Un étrange spectacle : le Buisson ardent comme théophanie dans l'art occidental." Revue de l'Art 97, no. 1 (1992): 11–31. http://dx.doi.org/10.3406/rvart.1992.347998.
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Bœspflug, François. "Un étrange spectacle : le Buisson ardent comme théophanie dans l’art occidental." Revue de l'art N° 97, no. 3 (March 1, 1992): 11–31. http://dx.doi.org/10.3917/rda.097.0011.
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Hoët-van Cauwenberghe, Christine. "Afficher le spectacle en Gaule Belgique : l’Énéide de Virgile au théâtre de Vendeuil-Caply (vicus des Bellovaques)." Revue des Études Anciennes 122, no. 2 (2020): 535–59. http://dx.doi.org/10.3406/rea.2020.6961.
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Les fouilles de Gérard Dufour ont révélé en 1979 un titulus pictus sur le mur extérieur du premier état de construction du grand théâtre de Vendeuil-Caply (cité des Bellovaques). Nous proposons une nouvelle lecture de cet écrit incomplet peint en rouge comme élément d’une affiche de spectacle. Nous l’identifions à un vers de l’Énéide de Virgile, qui a été utilisé deux fois dans ce poème épique (I, 313 et XII, 165). Le titulus pictus trouvé dans une villa d’Otford (Kent) pour la même période, nous donne un parallèle. Ce vers et peut-être d’autres ainsi que des images, peints sur ce mur, étaient susceptibles d’attirer le public et de faire naître un suspens pour le spectacle du type pantomime donné à l’intérieur du théâtre.
Дисертації з теми "Douleur dans les arts du spectacle"
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Hong, Yi-Chen. "La profession artistique dans les arts du spectacle contemporains à Taïwan." Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0013.
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Cette thèse présente les traits principaux et l'histoire de la profession artistique à Taiwan et explique comment elle évolue avec le changement social. La recherche montre que le déclin et la renaissance de l'art du spectacle traditionnel démontrent une interaction évidente entre le monde de l'art et la société. Nous tentons également de trouver les critères de la division du travail artistique en analysant l'évolution de sa définition et de la classification dans les nomenclatures officielles des industries et des professions sous le contexte historique taïwanais. La thèse se focalise sur la profession artistique à partir d'une recherche comparative sur musiciens, danseurs et comédiens de théâtre moderne, et tente de dégager le profil sociologique des artistes professionnels. Privilégiant une approche socio-historique, nous nous intéressons aux cadres institutionnels et politiques de la profession artistique et à l'impact de la modernisation de la société taïwanaise sur celle-ci. Nous examinons notamment leur mode de formation à travers le système éducatif des arts du spectacle, et leurs situations particulières comme leurs conditions communes. Ce travail met aussi en évidence les caractéristiques du métier artistique comme l'irrégularité et l'instabilité du travail, ainsi que la polyvalence et le cumul de revenus. La question de l'absence de travail et du chômage des artistes est discutée en comparaison avec l'ensemble de la population active. Enfin, nous dressons une typologie des difficultés et des mesures adoptées par les artistes dans leurs moyens de subsistanceThis dissertation presents the main features and history of the artistic profession in Taiwan and how it evolves with the social change. The decline and revival of the traditional performing art reveals an obvious interaction between the artic world and society. We try to find the criteria of the division of artistic works by analyzing the evolution of its definition and classification in official classifications system within the historical context in Taiwan. This dissertation focuses also on the artistic profession from a comparative research on musicians, dancers and actors of Modem Theater, and tries to identify their sociological profile. With a socio-historical approach, we focus on institutional frameworks and policies of the artistic profession and the impact of the modernization of Taiwanese society; we analyze particularly the education system of the performing arts, and the particular situations of artistic working conditions. This work also highlights the characteristics of artistic work suh as irregularity and instability of work, and the accumulated income. The issue of lack of employment and unemployment for artists is discussed in comparison with the general labor population. Finally, we draw a typology of challenges of artistic works and the measures adopted by artists for their survival
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Becquet, Alexandra. "Ford Madox Ford et les arts : peinture, musique et arts du spectacle dans l'oeuvre romanesque." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030166.
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Ford Madox Ford est un écrivain impressionniste qui se veut historien de son temps et paraît représenter la vie moderne grâce à un texte envisagé à partir du visuel pour faire voir. Il encourage ainsi le rapprochement de son écriture avec l’art des peintres français du XIXème siècle, mais il engage dans ses récits une multitude d’arts et d’esthétiques afin de produire son impression suivant sa pensée originale et singulière. Celle-ci soutient l’accumulation et l’association artistiques mises en œuvre dans les romans en brisant les cadres esthétiques établis pour fusionner arts et esthétiques dans une forme qui s’adapte au réel afin d’en structurer l’informe et de le révéler pour en offrir une expérience au lecteur. Soumis au pictural et au théâtral pour se donner à voir dans des tableaux et des scènes, le récit dévoile en fait comment la modernité résiste à l’illusion mimétique. Peinture et théâtre figurent donc non le visible mais sa perte, et les romans sont poussés par leur objet à la dé-figuration proprement moderne que l’esthétique fordienne promeut et que le cinéma porte. Celui-ci donne alors accès à la vision d’un monde fragmenté et en mouvement par sa totalisation dans la métamorphose continue du filmique, qui en outre invite l’identification visuelle. Mais le cinématographique n’ouvre pas à la totalisation du roman, ni à ce dialogue que l’auteur entend engager avec son lecteur sym-pathique pour lui transférer son œuvre. Ce transfert se fait bien par le texte et sa structure mais en définitive hors de la figuration, grâce à la musique du roman qui à la fois gouverne, rassemble et abolit la représentation, les arts et le texte pour faire com-prendre l’œuvreFord Madox Ford is an impressionist writer who purports to be a historian of his own time and seems to represent modern life in a text conceived visually to make you see. He thus encourages a parallel between his writing and the nineteenth-century French painters’ art to be drawn ; yet he draws on a vast array of arts and aesthetics in his narratives to forge his impression according to his original and singular conception of art. That conception supports the artistic accumulation and association exercised in the novels while it shatters established aesthetic frameworks to merge arts and aesthetics in a form which adapts to reality to structure its formlessness and reveals it to offer an experience of it to the reader. In obeying pictorial and theatrical norms to be seen as pictures or in scenes, the narrative in fact discloses how modernity resists mimetic illusion. So painting and the theatre do not represent visibility but its loss, and the novels are forced by their object to embrace a thoroughly modern de-figuration which Fordian aesthetics endorses and the cinema realises. The latter then grants access to the vision of a fragmented and moving world totalled by the continuous metamorphosis of film, which besides encourages visual identification. However the cinema does not lead to the totalisation of the novel, nor to the dialog which the writer intends to have with his sympathetic reader in order to transfer his artwork onto him. That transfer does happen by means of the text and its structure but ultimately without figuration, through the music of the novel which at once governs, unites and abolishes representation, the arts and the text so the artwork be com-prehended
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Bordeaux, Marie-Christine. "La médiation culturelle dans les arts de la scène." Avignon, 2003. http://www.theses.fr/2003AVIG1037.
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Une théorie de la médiation culturelle doit prendre en compte les liens croisés de la production, de la mise en objet et de la réception d'une catégorie particulière d'objets culturels : les œuvres de l'art. Il ne s'agit pas seulement de changer de point de vue, de déplacer le regard généralement absorbé par les extrémités de la médiation (accomplir l'œuvre d'art, toucher le public), pour privilégier l'entre-deux de la médiation. Car la médiation culturelle n'est pas un mode de communication entre deux mondes considérés comme séparés : le monde de l'art, et celui de ses récepteurs. Elle n'est pas seulement lien, passage. Elle désignerait plutôt un espace de production d'objets mixtes qui permettent un partage du sens. La thèse analyse ce que fait la médiation dans un secteur peu étudié de ce point de vue, celui des arts de la scène, où sont mises en œuvre des actions de recherche de nouveaux publics, de sensibilisation, de transmission, de partage esthétique autour de la création contemporaine en théâtre et en danse. Ce qu'elle fait non seulement à ses différents acteurs, mais également aux œuvres elles-mêmes, avec lesquelles elle entretient une relation transitive complexe, parfois même improbable. Les récits des acteurs de la médiation, croisés avec une observation de terrain, conduisent à une description de quelques " genres " de situations et d'objets produits par la médiation : le médiation ordinaire d'un ballet d'opéra, un débat public artistique au Festival d'Avignon, la diffusion de la culture chorégraphique par un spectacle de danse résultant d'une commande à caractère pédagogique. Ces objets sont ensuite analysés dans une perspective sémio-pragmatique, à la fois comme situations d'expérience sociale, lieux privilégiés de production de la croyance, intégrant comme une donnée majeure la hiérarchisation des objets culturels, et comme des dispositifs, structures où se combinent deux types d'intentionnalité : la production artistique et la réception esthétique
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Bouvier, Hélène. "Les Arts du temps et du spectacle dans la société madouraise (Madura-Est, Indonésie)." Paris, EHESS, 1990. http://www.theses.fr/1990EHES0049.
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L'etude de terrain a ete menee de septembre 1985 a fevrier 1987, dans la partie orientale de l'ile de madura (indonesie). Methode d'observation participante liee a un sejour fixe dans un village, entretiens avec specialistes, amateurs et public, enregistrements audio et video, et leurs transcriptions, notations musicales, enquetes systematique menee en fin de sejour aupres de 37 familles villageoises sur les gouts et pratiques artistiques, et observation directe de 160 seances, furent les methodes qui permirent de constituer le corpus d'etude, croisant les necessites de l'ethnographie et de l'etude thematique. Le chapitre i presente le support musical incontournable de ces pratiques. Dans le chapitre ii, l'auteur s'est attachee a ordonner le corpus tres varie des genres artistiques vivants de cette region, livrer quelques reperes quant a la structure des seances et au repertoire, degager les differenciations regionales, esquisser une chronologie. Le chapitre iii analyse comment sont mis en oeuvre le corps, la voix et les techniques extra-corporelles. Le chapitre iv est consacre aux conditions de temps, de lieu, d'organisation economique et humaine necessaire a l'apprentissage, la pratique, et la reception par un public, ainsi qu'aux tendances et evolutions les plus recentes. Indissociables de la vie quotidienne, ces pratiques artistiques constituent des tentatives de solution et de reponse a des problemes et aspirations tant individuels que collectifs, et comptent comme les elements de strategie de survie, de prestige, de pouvoir economique ou politiqueFieldwork was carried out from september 1985 to february 1987, in the eastern part of the island of madura (indonesia). Participant observation through residence in a village, interviews with specialists, amateurs and audiences, audio and video recordings and their transcriptions, musical notations, systematic surveys conducted near the end of the fieldwork on the artistic tastes and practices of 37 families, and direct observation of 160 performances were the methods enabling the constitution of the corpus of study, addressing the need for ethnographic and thematic study. Chapter i presents the inevitable musical support for these practices. In chapter ii, the author classifies the varied corpus of the region's living artistic genres, offering guidelines concerning performance structure and repertoire, identifies regional differentiation and provides a chronological frame. Chapter iv is devoted to spatial, temporal, economic and human conditions necessary for learning, practice and for reception by an audience, and to the most recent developments. Grounded in daily life, these artistic practices constitute attempted solutions and responses to problemes and aspirations that are both individual and collective, and may be seen as strategies for survival, prestige, or for economic or political power
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Stentz, Barbara. "Les représentations de la douleur dans les arts graphiques en France au XVIIIè siècle." Thesis, Strasbourg, 2012. http://www.theses.fr/2012STRAG032.
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Notre thèse interroge les formes et les enjeux des représentations de la douleur au XVIIIe siècle dans les arts graphiques, les dessins et les gravures revêtant à la fois un caractère d’expérimentation et d’indice dans la diffusion des thèmes. L’étude tient compte des conventions, des débats et des codifications dont elles faisaient alors l’objet dans le domaine esthétique, médical, social et politique. À l’heure où l’on estime que la douleur doit s’effacer, il nous paraît important d’évaluer ses occurrences et ses mises en scène passées. À cet égard, les arts figurés de la seconde moitié du XVIIIe siècle offrent, en France, un champ d’étude remarquable. Les débats esthétiques autour du groupe sculpté du Laocoon et du voile dit « de Timanthe », mais aussi, sur le plan médical, les interrogations à propos de la persistance de la douleur chez les suppliciés par décollation, témoignent de cet intérêtThis study aims to examine the forms and the issues of pain in graphic arts during the 18th century, as drawings and engravings take on an experimental aspect and constitute precious evidence of patterns diffusion. It considers the conventions, the debates and the codifications determining its figurative representations, in relation to aesthetic, médical, social and political matters. In a time when pain tends to be obscured by people who are supposed to be in charge of it, it seemed important to appraise its occurrences and its past depictions. Seen from this perspective, the French figurative arts through the second half of the 18th century offer a remarkable field of study. The aesthetic debates about the sculpted group of Laocoon and the veil of Timanthes, or, on a medical level, concenring pain persistence in persons convicted and decapitated, reveal that this passion was of great interest for the theorists at that time
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Gabison-Crétenet, Martine. "La représentation de l'Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l'horreur." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30064.
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Le sujet La représentation de l’Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l’horreur exige-t-il d’être juif ou pas ? Nous ne le pensons pas. Afin de pouvoir mieux cerner les enjeux, on abordera dans la première partie, l’histoire du judaïsme et de l’antisémitisme afin de disposer de tous les éléments qui nourrissent les analyses des œuvres choisies. Ensuite, pour mesurer les enjeux que pose notre hypothèse - représentation et esthétisation de l’horreur - nous avons analysé les notions de beau, d’esthétique, d’esthétisation et d’horreur en essayant de dégager une grille de lecture des œuvres qui permette de mieux comprendre les rapports entre production de sens et excès de forme. Dans la troisième partie, nous avons retenue deux œuvres dans quatre domaines : le cinéma - Steven Spielberg et Roberto Benigni - , la bande dessinée - Pascal Croci et Art Spiegelman -, le théâtre - Pip Simmons et Edward Bond - et les arts visuels - Jochen Gerz et Anselm Kiefer - , produites par un artiste juif et un artiste non-juif. Le choix a été difficile devant l’abondance des œuvres se rapportant à l’Holocauste mais nous avons privilégié une connaissance et une fréquentation personnelles des œuvres retenues. Nous nous sommes efforcée d’appliquer les mêmes méthodes d’analyse mais chaque mode d’expression artistique a ses propres exigences. Notre conclusion générale s’efforce de reprendre les points précis que nous pensons avoir pu dégager en particulier sur la difficile frontière entre production esthétique et esthétisation largement liée au bagage culturel des publics qui ont lu ou vu les œuvres choisiesLe sujet La représentation de l’Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l’horreur exige-t-il d’être juif ou pas ? Nous ne le pensons pas. Afin de pouvoir mieux cerner les enjeux, on abordera dans la première partie, l’histoire du judaïsme et de l’antisémitisme afin de disposer de tous les éléments qui nourrissent les analyses des œuvres choisies. Ensuite, pour mesurer les enjeux que pose notre hypothèse - représentation et esthétisation de l’horreur - nous avons analysé les notions de beau, d’esthétique, d’esthétisation et d’horreur en essayant de dégager une grille de lecture des œuvres qui permette de mieux comprendre les rapports entre production de sens et excès de forme. Dans la troisième partie, nous avons retenue deux œuvres dans quatre domaines : le cinéma - Steven Spielberg et Roberto Benigni - , la bande dessinée - Pascal Croci et Art Spiegelman -, le théâtre - Pip Simmons et Edward Bond - et les arts visuels - Jochen Gerz et Anselm Kiefer - , produites par un artiste juif et un artiste non-juif. Le choix a été difficile devant l’abondance des œuvres se rapportant à l’Holocauste mais nous avons privilégié une connaissance et une fréquentation personnelles des œuvres retenues. Nous nous sommes efforcée d’appliquer les mêmes méthodes d’analyse mais chaque mode d’expression artistique a ses propres exigences. Notre conclusion générale s’efforce de reprendre les points précis que nous pensons avoir pu dégager en particulier sur la difficile frontière entre production esthétique et esthétisation largement liée au bagage culturel des publics qui ont lu ou vu les œuvres choisies
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Bressan, Yannick. "Du principe d’adhésion dans la représentation théâtrale : des anciens à une expérience de neurosciences cognitives." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100156.
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Si l’on se pose la question de l’adhésion d’un sujet lors d’une représentation théâtrale vient immédiatement en question le phénomène de la perception d’une réalité (théâtrale) en parallèle de la « réalité proche » du sujet. En d’autres termes, lorsque l’adhésion est effective lors d’une représentation théâtrale « l’objet mental » que se fait le sujet de la représentation est, par instant, supérieur aux percepts. C’est la qu’intervient le principe d’adhésion ; lorsque le spectateur perçoit Hamlet à la cours d’Elseneur alors qu’il voit un comédien sur un plateau vide. Comment cette substitution de réalité s’opère t-elle ? Le metteur en scène, par son travail sur l’émergence d’une réalité théâtrale constituée d’événements théâtraux, a-t-il une action particulière dans la perception qu’a le sujet percevant d’une réalité en train de se dérouler ? Le texte engage-t-il physiologiquement et neurologiquement le spectateur ? Quels sont les éléments neuro-anatomiques engagés dans l’adhésion du spectateur à la réalité théâtrale ? Si l’on effectue une introspection, ces zones sembleraient être celles de l’empathie c’est à-dire la zone temporo-pariétale. Est-ce effectivement le cas ? Est-ce la seule ? Le théâtral peut être envisagé comme un tube à essais d’une représentation circonscrite dans l’espace et dans le temps. En effet, pour tenter de mettre en évidence le principe d’adhésion en action lors d’une représentation théâtrale il est nécessaire de tenter d’isoler le phénomène. En effet, une localisation des aires cérébrales en interdépendances (interactions ?) lors de l’adhésion permettra, probablement d’aller plus loin dans la compréhension, fondamentalement ontologique, de l’être au monde et de notre rapport d’être humain à la réalité et sur la manière dont nous (nous) la faisons émerger, par-soiIf there is the question of the accession of a subject at a theater in question immediately comes the phenomenon of perception of reality (theater) in parallel "reality close of the topic. In other words, when adhesion is effective in a theatrical "mental subject" that is the subject of representation is, for now, higher than the perception. That is where the principle of accession, when the viewer sees Hamlet in the course of Elsinore when he sees an actor on an empty shelf. How this occurs alternative reality she? The director, for his work on the emergence of a theatrical reality consists of theatrical events, he limited support in the perception about the receipt of a reality taking place? The text calls he physiological and neurological viewers? What are the neuro-anatomical elements involved in the accession of the viewer to reality theater? If you are performing an introspection, these areas appear to be those of empathy is to say the temporo-parietal area. Is this the case? Is it alone? The theater can be seen as a test tube of a circumscribed in space and time. Indeed, in an attempt to highlight the principle of adhesion in action during a theatrical performance it is necessary to attempt to isolate the phenomenon. Indeed, a location of brain areas in interdependencies (interactions?) Upon accession will probably go further in understanding the fundamental ontological of being in the world and our report to be human reality and how we (we) make it emerge Par-soi
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Johansson, Franz. "Le corps dans le théâtre de Paul Valéry." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040059.
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Parmi toutes les écritures, celle du théâtre engage le corps d’une manière particulière : elle l’accueille non seulement comme une représentation mais aussi comme un instrument, un matériau, une présence. Le dramaturge se trouve confronté au corps de la manière la plus étroite ; aux prises avec sa constitution, ses ressources, ses limites et, en définitive, avec son essence. C’est pourquoi nous abordons le rapport qui lie Paul Valéry au corps précisément à travers son expérience théâtrale : le drame est sans doute le domaine privilégié où cet auteur explore et approfondit sa relation au corps -une relation qui, pour être problématique et conflictuelle, n’en est pas moins riche. Valéry est un grand écrivain du corps. La première partie de notre étude se penche sur le rapport que l’auteur entretient vis-à-vis de l’incarnation scénique : son théâtre suppose-t-il, appelle-t-il ou, du moins, tolère-t-il le corps ? Nous sommes amenés, dans une deuxième partie, à analyser la manière dont le dramaturge se saisit de la présence vivante de l’interprète et l’incorpore dans son écriture scénique ; à définir donc la place que le corps occupe à l’intérieur de l’esthétique théâtrale de l’auteur. Dans la troisième partie, nous cherchons à préciser les représentations, les visions ou les conceptions du corps qui se dessinent au fil des drames et des ébauches tracés par l’écrivain ; en d’autres termes à déterminer quels sont les discours sur le corps que tient ce discours du corps qu’est l’oeuvre théâtrale de ValéryAmong all the literary genres, theatre deals with the human body in a unique way: not only is the body figured in a play but it also becomes a substance, an instrument, a presence on the stage. A playwright will always, in some way or another, be confronted with the body in the meaning of its biological constitution, its shape and movement, its resources and limitations and, ultimately, its essence. Theatre is therefore one of the most interesting fields for studying Valéry’s approach to the human body : in no other part of his work does the writer embrace the body in such an immediate, complex, profound - and nonetheless problematic and ambiguous -way. Valéry is an immense artist of the body. The first part of this work explores how Valéry contemplates the experience of theatrical embodiment: do his dramatic works and projects need and call on the actor’s active matter ? Or do they, at least, tolerate it ? The second part analyses the different ways in which Valéry’s aesthetic principles incorporate the presence and movement of the body in dramatic writing: how are the expressive means of the actor seized and transformed by artistic conventions, processes or techniques ? The last part aims to specify the conceptions of the body that emerge from Valéry’s plays and drafts: what does this theatre, as a language of the body, tell us about the human body ?
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Bourgeon-Renault, Dominique. "Essai de modélisation du comportement dans le domaine culturel : une application au spectacle théâtral." Dijon, 1994. http://www.theses.fr/1994DIJOE015.
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Le secteur des activités culturelles est traditionnellement caractérisé par la primauté de la création (offre) sur la demande. Pourtant ce secteur n'échappe pas aux contraintes économiques. Certaines activités culturelles ont déjà massivement adopte la démarche marketing au moins au niveau de l'aval de la création (cinéma). En revanche, le secteur théâtral reste relativement traditionnel, alors qu'il est confronté à un besoin d'extension de sa base de public. La recherche étudie la problématique du comportement de fréquentation des institutions culturelles. Le champ d'investigation en est le théâtre. La recherche propose de développer un cadre conceptuel pluridisciplinaire inspiré du modèle de recherche d'expériences de Morris B. Holbrook et Elisabeth Hirschman (1982). La méthodologie adoptée est fondée dans un premier temps, sur une démarche quantitative. Dans un deuxième temps, une méthodologie qualitative reposant sur une analyse lexicale des discours tenus par le public s'avère nécessaire afin de mieux cerner le comportement des individus en vue d'agir sur la fréquentationThe field of cultural activities is traditionally characterised by a situation where creation (the offer) prevails over the demand. Nevertheless, the field is not beyond economic requirements. Some cultural activities have already largely adopted a marketing view, at least as regards creation backing (cinema). However, theatre remains a quite traditional field, which is all the same confronted to the need to extend its public base. This research deals with the problematic of individual behaviors as regards frequenting cultural institutions. The investigation field is theatre. This study attempts to put forward an interdisciplinary conceptual framework inspired by the experiential research model developed by Morris B. Holbrook and Elisabeth Hirschman (1982). The chosen methodology is initially based on a quantitative process. Then it has proved necessary to use a qualitative methodology based on a lexical analysis in order to better understand individual behaviors with a view to acting on frequenting
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Massa, Charlotte. "Valeur, service et sensation dans l'expérience du concert de musiques actuelles : approche interprétativiste par des données quantitatives et des données qualitatives." Thesis, Toulouse 1, 2014. http://www.theses.fr/2014TOU10026/document.
Повний текст джерелаАнотація:
Ce travail doctoral propose une compréhension globale de l’expérience du spectacle vivant, à travers le cas du concert de musiques actuelles. Il cherche à cerner l’essence symbolique et les mécanismes sous-jacents au vécu d’une telle expérience. Après avoir dressé un état des lieux épistémologique de notre discipline, une posture interprétativiste ouverte aux données quantitatives et qualitatives est défendue. Par le croisement d’une approche qualitative exploratoire (phénoménologie, observation participante, introspection) et d’un quantitatif exploratoire (modélisations interprétatives par l’outil statistique) combiné à un qualitatif confirmatoire (coproduction de résultats basée sur les modélisations), nous proposons une théorisation de l’expérience du concert. Tout d’abord, par le système de valeurs du concert, nous pouvons comprendre les sens attribués par les spectateurs à leur expérience. Ensuite, nous positionnons la dimension sensorielle comme le fondement de tout moment vécu par l’individu, par la mobilisation de la théorie incarnée. Enfin, cette thèse éclaire la dimension servicielle de l’expérience d’un spectacle vivant, à travers un double-processus engageant deux entités : l’artiste et la salle de spectacleThis research provides a comprehensive understanding of the performing arts experience, with the case of concert. It aims at understanding the symbolic nature and mechanisms underlying this experience. After establishing a picture of the epistemology in marketing, an interpretativist approach with both quantitative and qualitative methodologies is supported. By crossing an exploratory qualitative approach (phenomenology, participant observation and introspection) and an exploratory quantitative approach (interpretative models with statistical tools) combined with a confirmatory qualitative approach (coproduction of results based on the models), we propose a comprehensive theorization of the concert experience. First, through the concert value system, we understand the meanings assigned by spectators to this experience. Then, we state the sensory dimension as the foundation of all individual experiences, through the use of the embodied theory. Finally, this thesis enlightens about the service-based dimension of performing arts experience, through a double process involving two entities: the artist and the concert hall
Книги з теми "Douleur dans les arts du spectacle"
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Gustafsson, Henrik, and Asbjørn Grønstad. Ethics and images of pain. New York, NY: Routledge, 2012.
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Makach, Zohra, and Omar Fertat. Les arts du spectacle dans le monde africain. Agadir: Faculté des lettres et des sciences humaines, 2018.
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Marie-France, Wagner, and Le Brun-Gouanvic Claire 1947-, eds. Les arts du spectacle dans la ville (1404-1721). Paris: H. Champion, 2001.
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Beaucé, Pauline, Sandrine Dubouilh, and Cyril Triolaire. Les espaces du spectacle vivant dans la ville: Permanences, mutations, hybridité (XVIIIe-XXIe siècles). Clermont-Ferrand: Presses universitaires Blaise-Pascal, 2021.
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Bouvier, Hélène. La matière des émotions: Les arts du temps et du spectacle dans la société madouraise, Indonésie. Paris: Ecole française d'Extrême-Orient, 1995.
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Mathias, Auclair, Davis Kristy, François Sylvie, Leclercq Nicole, and Goethem Jan Van, eds. Du document à l'utilisateur: Rôles et responsabilités des centres spécialisés dans les arts du spectacle : Société internationale des bibliothèques et musées des arts du spectacle (25e congrès, Barcelone, 6-10 septembre 2004). Bruxelles: P.I.E. P. Lang, 2008.
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Chemins de la création: Auteur, autorité et pouvoir dans la musique et les arts du spectacle. Paris: Éditions Kimé, 2017.
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Gagneré, Georges. "Résonance des thématiques hoffmanniennes dans le spectacle vivant et les arts numériques." In E. T. A. Hoffmann, 1822–2022, 359–80. Berlin: Frank & Timme GmbH, 2023. http://dx.doi.org/10.57088/978-3-7329-9075-7_18.
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Ferré, Rose-Marie. "Pour une lecture performative de l’œuvre de René d’Anjou? Le dialogue des arts dans le Livre du Cuer d’Amours espris de Paris : écriture, peinture, spectacle (autour des tapisseries de Vénus)." In René d’Anjou, écrivain et mécène (1409-1480), 135–57. Turnhout: Brepols Publishers, 2011. http://dx.doi.org/10.1484/m.tcc-eb.1.100024.
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"Le corps-spectacle dans les arts martiaux artistiques." In Quand l'image du corps est une prérogative sociale. Une exploration sociologique de l'apparence, 87–120. Presses de l'Université Laval, 2021. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv1v7zcxs.7.
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Huthwohl, Joël. "Victorien Sardou dans les collections de la Comédie-Française et de la Bibliothèque nationale de France (département des Arts du spectacle)." In Victorien Sardou, 197–204. Presses universitaires de Rennes, 2011. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.81369.
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Kopeleva, Galina. "La civilisation française dans le cadre des événements culturels étudiants à l’Institut de la culture d’État de Saint-Pétersbourg." In Quelles compétences en langues, littératures et cultures étrangères ?, 41–50. Editions des archives contemporaines, 2021. http://dx.doi.org/10.17184/eac.3880.
Повний текст джерелаАнотація:
’apprentissage d’une langue étrangère ne se limite pas à l’accumulation de connaissances linguistiques, c’est aussi la découverte d’une civilisation étrangère. Les établissements d’enseignement supérieur consacrant peu d’heures aux langues étrangères, les manifestations hors-cursus à caractère culturel ou festif jouent, de ce fait, un rôle très important. Au cours de chaque année académique, le département des langues étrangères et de linguistique de l’Institut de la culture de Saint-Pétersbourg organise des événements culturels étudiants récurrents tels que l’« Examen-concert à la faculté des arts », le « Festival de l’amitié internationale, la « Soirée de la traduction poétique ». Au cours des deux premières manifestations, les participants montent sur scène et présentent au public un vrai spectacle de variétés en langues étrangères. Une part belle y est faite aux arts de la scène (théâtre, musique, chanson, danse), mais d’autres disciplines artistiques dont le cinéma, la poésie, la photographie sont aussi au rendez-vous. La soirée de la traduction poétique, plus intime, est un récital où sont présentés, traduits en russe, des poèmes et des chansons. Les étudiants qui apprennent le français comme première ou seconde langue et qui prennent part à ces manifestations s’initient à la culture et à la civilisation françaises. Au cours des années, ce procédé didactique s’est révélé très motivant. Les apprenants sont ainsi incités de manière stimulante à approfondir leurs connaissances et compétences linguistiques pour communiquer en français dans leur futur milieu professionnel.
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Gérard Yao, Kouamé. "Les seuils du théâtre." In D'un seuil à l'autre, 189–97. Editions des archives contemporaines, 2017. http://dx.doi.org/10.17184/eac.771.
Повний текст джерелаАнотація:
Le théâtre s'offre comme un sol idéal pour faire l'expérience et l'étude des seuils. D'une part, dans son rapport à la vie réelle dont il procède, le théâtre soulève la question du seuil comme limite ou obstacle entre deux choses données. Art de la représentation dramatique et scénique de la vie, le théâtre tient celle-ci à distance en raison de sa nature artistique; ce qui fait du théâtre la limite de la vie réelle. En outre, quoique de nature différente, le théâtre et la vie ne sont pas séparés par une frontière étanche. Au contraire, le premier se présente comme une entrée discrète creusée au sein de la seconde pour mieux la surprendre, l'interroger, la connaître et, au besoin, la transformer. De ce point de vue, le théâtre emprunte au seuil l'idée d'entrée. Enfin, la nature hybride même du théâtre pose le problème du seuil comme l'entre-deux, voire la synthèse de deux réalités hétérogènes. Le théâtre est-il un art poétique et/ou un art du spectacle? Suivant les différentes approches historiques et esthétiques de la question, il ressort que le théâtre est tout à la fois l'un et l'autre, même si, d'un autre point de vue, le versant poétique du théâtre peut se maintenir sans s'adosser forcément au versant spectaculaire et vice versa. En d'autres termes, le théâtre est le seuil esthétique où se touchent, se confondent et se fécondent mutuellement l'art poétique et l'art de la scène ou art du spectacle. Art par excellence de la combinaison, le théâtre n'est pas que le seuil entre poièsis et opsis, il est aussi et surtout un carrefour des arts et non une frontière de séparation posée entre les différents arts qu'il utilise puisqu'il montre que différents arts peuvent se fondre en un autre et donner naissance à une sorte de méta-art comme on parlerait de métadiscours. Pour tout dire, le théâtre se présente comme un seuil artistique culturel, celui où différents arts et cultures entrent en dialogue et s'enrichissent mutuellement en donnant naissance à une réalité nouvelle. De ce point de vue, il répond parfaitement à la conception de la culture défendue par Léopold Sédar Senghor, à savoir le rendez-vous du donner et du recevoir. Il est l'espace privilégié et même la promesse de la réalisation du donner et du recevoir rêvés par ce penseur et poète africain. Ce sont tous ces différents seuils qui, abordés dans la présente étude, en font «Le théâtre des seuils».
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Weigel, Philippe. "Les arts du spectacle dans trois récits de voyage de Pierre Loti : insertion de différents niveaux de fiction dans le texte référentiel." In Frontières de la fiction (décembre 1999). Fabula, 2022. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.7550.
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