Добірка наукової літератури з теми "Description esthétique"
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Статті в журналах з теми "Description esthétique":
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Lord, Madeleine. "Enseigner la danse à l’école secondaire : lier la théorie et la pratique d’éducation esthétique." Articles 24, no. 3 (October 17, 2007): 585–603. http://dx.doi.org/10.7202/031973ar.
Анотація:
Résumé Cet article tente de dégager les objectifs sur le terrain et les stratégies pédagogiques de deux enseignantes de danse oeuvrant au secondaire. Cette analyse de cas a fait ressortir « l'acquisition de capacités d'appréciation chorégraphique » comme l'un des cinq grands thèmes d'enseignement de la classe de danse. La description des stratégies pédagogiques déployées pour l'atteinte des sous-objectifs centraux et des sous-objectifs complémentaires a permis la mise au jour des détails événementiels en rapport avec les occasions d'apprentissage esthétiques offertes. La mise en relation de ces connaissances du terrain de l'enseignement avec les propositions théoriques disponibles en éducation esthétique met en évidence des liens et des ruptures entre la théorie et la pratique de l'éducation esthétique en classe de danse scolaire.
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Raymond, Yves. "La répétition esthétique." Protée 27, no. 1 (April 12, 2005): 87–92. http://dx.doi.org/10.7202/030547ar.
Анотація:
Cet article propose un examen de la répétition esthétique en tant que processus de signification. En se fondant sur la notion peircienne d’interprétant et sur la notion wittgensteinienne de ressemblances de famille, l’auteur définit la répétition comme une action qui déclenche le processus de la pensée, de la recherche et de l’élaboration du sens. Trois fonctions caractéristiques de la répétition esthétique – la manifestation, la relation et la démultiplication – sont déterminées à travers la description d’une occurrence répétitive importante de la vidéo de Wilson. Cette brève analyse suggère non seulement que la répétition influence la réception de l’oeuvre par son pouvoir de manifestation, mais aussi que sa capacité relationnelle autorise l’élaboration d’un signe interprétant.
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Gervais, Bertrand, and Anaïs Guilet. "Esthétique et fiction du flux. Éléments de description." Protée 39, no. 1 (December 5, 2011): 89–100. http://dx.doi.org/10.7202/1006730ar.
Анотація:
Cet article entreprend de décrire les principales caractéristiques d’une esthétique du flux déployée par des artistes, tels que Grégory Chatonsky, Reynald Drouhin, Leonardo Solaas, Alexandra Saemmer, etc. Cette esthétique repose sur l’utilisation de systèmes et de dispositifs informatiques qui forcent l’internaute à se perdre dans la contemplation d’un flot d’images, de sons et de mots que le cyberespace et son encyclopédie dynamique animent et rendent accessibles. Les figures ainsi générées sont essentiellement imprévisibles et instables, jouant sur des fluctuations constantes des signes, produites à partir de processus complexes inaccessibles à l’internaute, qui doit apprendre à s’approprier ce flux continu. Nous commencerons par expliquer à quelle expérience singulière nous convie le cyberespace. Nous essaierons ensuite de distinguer les trois modalités fondamentales auxquelles il donne lieu. Nous nous arrêterons dans un troisième temps à comprendre le concept même de flux, réflexion qui nous ouvrira la voie à la description des oeuvres hypermédiatiques qui exploitent le flux et ses diverses manifestations. L’esthétique du flux pose d’importants problèmes de spectature et l’on tentera, en conclusion, d’en identifier l’un des enjeux.
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Chatonsky, Grégory. "Le centre d’indétermination : une esthétique de l’interactivité." Devenir-Bergson, no. 3 (August 9, 2011): 79–96. http://dx.doi.org/10.7202/1005469ar.
Анотація:
Les oeuvres dites numériques sont paradoxales et leur description reste un pari difficile à tenir. Elles mettent en jeu des tensions, des différends qui déstabilisent nos habitudes esthétiques. Certains concepts développés par Bergson, et déplacés par nous selon une méthode anachronique peuvent-ils nous permettre de mieux cerner certains régimes de l’interactivité? Le premier fil est celui qui relie le corps à l’action selon une pensée instrumentale singulière au regard de la tradition aristotélicienne. Avec Bergson, la perception n’est pas un phénomène passif, elle est bien au contraire liée à l’action. Percevoir c’est déjà s’engager dans le monde, dans le possible et l’image. Deuxièmement, cette instrumentalité n’est pas déterministe. Il y a un décalage entre les causes et les effets lié à l’intervalle même que nous sommes. La diachronie est un élément constitutif de la perception et de l’action. Enfin, la notion de centre d’indétermination qui définit le vivant n’est-elle pas au coeur d’une esthétique bergsonienne de l’interactivité?
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Chaudhury, Habib. "V. Regnier. Design for Assisted Living: Guidelines for Housing the Physically and Mentally Frail. New York: John Wiley, 2002." Canadian Journal on Aging / La Revue canadienne du vieillissement 25, no. 4 (2006): 415–16. http://dx.doi.org/10.1353/cja.2007.0014.
Анотація:
RÉSUMÉCe livre apporte un excellent complément à la diversité des ressources portant sur la planification et la conception d'aide à la vie autonome. Il comporte quatre parties: statistiques générales sur l'aménagement du cadre de vie et les services, recherche esthétique et fonctionnelle, études de cas se rapportant à l'Europe et aux États-Unis, et orientation future. La recherche esthétique et fonctionnelle est un vaste domaine qui offre des lignes directrices portant sur le site, l'aménagement paysager, la conception des unités, le mode de dotation en personnel et l'aménagement des lieux pour les gens atteints de démence. Chacun des éléments de ce volet est présenté avec un exemple visuel et une brève description de ses aspects les plus marquants. Les quinze études de cas présentées sont particulièrement utiles parce qu'elles illustrent plusieurs des évaluations esthétiques et fonctionnelles présentées dans le livre. La formule des études de cas donne une bonne idée des caractéristiques les plus marquantes du projet et permet une comparaison des caractéristiques des bâtiments et des résidents dans le cadre des études de cas. Le livre est destiné à un vaste ensemble de lecteurs allant des professionnels du design aux administrateurs de logements, suggérant des idées de conception et de décisions en matière de gestion.
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Guisgand, Philippe. "Réception du spectacle chorégraphique : d'une description fonctionnelle à l'analyse esthétique." Staps 74, no. 4 (2006): 117. http://dx.doi.org/10.3917/sta.074.0117.
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Brosseau, Marc. "La géographie et le nationalisme canadien-français." Recherche 33, no. 3 (April 12, 2005): 407–28. http://dx.doi.org/10.7202/056708ar.
Анотація:
Les dimensions géographiques du nationalisme canadien-français ont été peu étudiées par les historiens. Grâce à une analyse des manuels de géographie publiés au Québec entre le début du XIXe siècle et l'aube de la Révolution tranquille, l'auteur met en évidence certaines facettes négligées de l'appartenance territoriale canadienne-française. S'attachant à quelques thèmes (cadre territorial de la description, valorisation esthétique du territoire, campagnes de colonisation et figures de l'Autre), il tente de montrer 1' importance des références territoriales. La géographie prend ainsi sa place à côté de l'histoire pour compléter le portrait du nationalisme «scolaire».
8
Kheyar Stibler, Lola. "« Hydrargyre » de Maurice de Fleury ou l’imagination de la matière." Arborescences, no. 8 (January 31, 2019): 102–13. http://dx.doi.org/10.7202/1055886ar.
Анотація:
La nouvelle « Hydrargyre » (1887) de Maurice de Fleury raconte la mort de deux amants, intoxiqués par la Seine métamorphosée en fleuve de mercure. Ce « poème en prose décadent » interroge les modalités d’une esthétisation de la matière et celles de sa portée symbolique, tout en soulevant la question de l’esthétisation de la prose elle-même. En effet, la Seine épaisse et dense y évoque par la négative la métaphore de l’eau pure et transparente couramment assignée à décrire la pureté du grand style français. Sont ainsi pensées ensemble « l’imagination matérielle » de l’eau (Bachelard), la description fantasmagorique du paysage et les composantes stylistiques du texte. Nous interrogeons la façon dont letopospolymorphe et ambivalent de la Seine permet à l’auteur de promouvoir une esthétique symptomatique des enjeux littéraires et stylistiques de la fin duxixesiècle.
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Thiesse, Anne-Marie. "La description paysagère : une initiation civique, amoureuse et esthétique dans les manuels scolaires régionaux de la Troisième République." Pratiques 109, no. 1 (2001): 55–66. http://dx.doi.org/10.3406/prati.2001.1912.
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Ferrari, F., and L. Morin. "Description d’une nouvelle méthode pour changer la couleur des yeux. À propos d’un cas de kératopigmentation annulaire esthétique (KAE)." Journal Français d'Ophtalmologie 38, no. 1 (January 2015): e3. http://dx.doi.org/10.1016/j.jfo.2014.04.022.
Дисертації з теми "Description esthétique":
1
Le, Pen Jessie. "La description d'images dans l'analyse de film." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030048.
Анотація:
Il s’agit d’interroger la description d’images posée comme garante d’objectivité pour une interprétation du film à venir. Premièrement, l’objectivité est discutée au travers d’une pratique descriptive qui entend définir des relations stables entre les éléments de l’image et le langage. L’image en tant que signe doit trouver des équivalents linguistiques à ses composantes. Ainsi, se questionne la correspondance des objets de l’image aux signifiés et des abstractions (la substance imageante) aux signifiants, d’abord individuellement puis dans le cadre de modalités narratives et de modalités systémiques. La critique de ce modèle montre son inefficace. Il échoue car il poursuit la signification là où la description devrait saisir la signifiance. Deuxièmement, et conséquemment, on propose un modèle descriptif dynamique fondé sur l’idée de pertinence et de cadres de description. Le singulier, comme rupture d’une norme immanente au film, constitue la pertinence à partir de laquelle construire un modèle. S’inspirant de la théorie de Goffman, Les cadres de l’expérience, on définit des cadres de compréhension dans le film correpondant à l’appréhension de différentes cohérences. Ces cadres établis, il s’agit de montrer s’ils évoluent avec homogénéité ou s’ils comprennent des ruptures, appelées modalisations, provoquant un surgissement du singulier. Ce singulier est défini comme un événement porteur de sens dont l’interprétation se servira en dernière instance. Décrire, c’est faire surgir l’événement en confrontant les cadres à leurs modalisations. Enfin, l’application et la mise à l’épreuve de ce modèle descriptif avec un film radical comme Anticipation of the night de Brakhage permet d’en souligner les réussites ainsi que les manques. La description par cadres permet de faire surgir des événements cinématographiques porteur de signifiance. Elle doit cependant être approfondie pragmatiquement afin de saisir la poéticité à l’œuvre dans certains filmsThe description of images is being explored as a guarantee of objectivity for an interpretation to come. First, the objectivity is questioned through a descriptive practice which tries to define stable relations between the components of the image and language. The image as a sign might find linguistic equivalents to its components. Thus, we study the correspondence between the objects in the image and the signifieds, and between the abstractions and the signifiers, first individually, then as part of narrative modalities and systemic modalities. The analysis of this method shows its ineffectiveness. It fails because it seeks after meaning when it should seek after « signifiance ». Secondly, and as a consequence, we suggest a dynamic description based upon the search of a pertinence and of frames of description. Singularity, as a break in a norm immanent to the film, is the pertinence from which to build a model of description. Following Goffman’s theory, Frame analysis, we define frames of comprehension in the film corresponding to the apprehension of different coherences. This frames once settled, it’s about showing if they evolve homogeneously or if they break the homogeneity, which is called a modalization, producing the springing up of a singularity. This singularity is defined as an event bearing the « signifiance » which the interpretation will use in the end. To describe is thus to confront the frames with their modalizations to make the events spring up. Finally, the application of the method of description put to a test with such a special film as Anticipation of the night by Brakhage enables us to underline its successes and limitations. The frames description allows to reveal cinematographic events full of « signifiance ». Nevertheless we must go deeper into it pragmatically in order to seize the poeticity of certain special films
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Létourneau, Marie-Hélène. "Le désordre esthétique, étude de la description de l'intérieur artiste chez les romanciers réalistes de XIXe siècle français." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2000. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp03/MQ47219.pdf.
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Moon, Hye-Young. "Écrire et décrire : l'enjeu de la description chez Claude Simon." Paris 8, 2009. http://www.theses.fr/2009PA083018.
Анотація:
Notre étude est une réflexion sur les romans de Claude Simon basés sur la description. Inscrite dans l'écriture moderne, l'œuvre de Claude Simon montre bien une modalité exclusive du récit. Son écriture en tant que nouvelle narrativité s'ouvre non seulement sur les carrefours de modalités, mais aussi sur tous les sens possibles qui convergent vers quelques réseaux de sens. En faisant référence notamment à la facture picturale, Claude Simon tente de réaliser la simultanéité dans le roman. En s'associant d'ailleurs à la facture photographique ou cinématographique, son écriture se fonde sur la description qui se fragmente dans le récit de la mémoire. Les réseaux d’images hétéroclites à partir d'une image initiale construisent un univers spécifique du sens à travers des sensations et la perception. La combinaison des fragments discontinus a lieu dans le mouvement de son travail d'écriture dont la réalité prend sa figure dans la mémoire. Par le biais de son écriture géorgique, Claude Simon s'engage dans son époque très complexe, diverse, le vingtième siècleBased on Claude Simon's description, our study aims to reflect on his novels. Prominent in modern writing, the work of Claude Simon demonstrates a form of exclusive account. His writing as a new narrativity opens not only the crossroads of modalities, but also every sense of possible networks converges towards some sense. With particular reference to the pictorial technique, Simon is trying to achieve simultaneity in the novel. In addition to partnering with the photographic technique or film technique, his writing is based on the description which is fragmented in the story from his memory. The networks of disparate images coming from an initial image build a specific universe of meaning through sensation and perception. The combination of discontinuous shards places in the movement of his writing whose figure is contained in his memory. Through his georgics writing, Claude Simon participated in the complicated and diverse twentieth century
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Lin, Chi-Ming. "Description et jugement dans le discours de la critique d'art : de Diderot à Baudelaire." Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0050.
Анотація:
Description et jugement, consideres comme deux composantes essentielles du discours de la critique d'art, sont etudies dans leur fonctionnement au sein d'une visee commune - la realisation d'une critique. La naissance de la critique d'art moderne, au milieu du xviiie siecle, suscite une polemique portant sur << qui a le droit de juger l'art >>, et diderot approfondit la reflexion metacritique en mettant l'accent sur l'intersubjectivite et en opposant l'idee et la chose. Dans ce contexte, le discours critique se situe dans un champ social constitue de divers interlocuteurs et le lien entre la description et le jugement se developpe dans une epaisseur textuelle suscitee par la confrontation entre le mot et l'image. Avec l'avenement du romantisme, on assiste a un veritable changement paradigmatique de la critique d'art : quittant l'attitude appreciative du juge du gout, l'acte meme de la critique devient une comprehension intime de l'oeuvre. La reflexion metacritique de baudelaire, qui marque des le debut sa critique d'art, developpe la pensee romantique vers une critique passionnee, partiale et politique. Le jugement devient chez lui l'eveil de l'attention, et la description, au lieu de construire le jugement, devient la suspension meme de l'application des regles preetablies pour apprehender le nouveau et le divers. Trois aspects transversaux dans la structuration de la conscience critique sont egalement abordes tout au long de cette etude : la structure a trois termes - artiste, critique et public, celle de la crise/critique et finalement la tendance a la fictionalisation dudiscours critique.
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Messaadi, Farhat. "Poésie de la nature à l'âge abbasside (VIII-XIII siècles) : approche analytique et thématique." Thesis, Paris, INALCO, 2019. http://www.theses.fr/2019INAL0004.
Анотація:
Ce travail de recherche explore la place de la nature dans la poésie arabe à l’âge abbasside (VIII-XIII siècles), en s’intéressant plus particulièrement à l’esthétique de la poésie, à l’imaginaire arabe et à l’essence même de la production poétique. Il s’agit de montrer en quoi l’évolution de la poésie descriptive dans la littérature arabe constitue un sujet, non seulement essentiel, mais aussi sous-jacent à la poésie de la nature telle qu’elle est abordée et traitée par d’autres chercheurs dans des périodes différentes. Pour ce faire, cette étude a délibérément respecté la démarche chronologique, afin de proposer une vue synoptique de l’évolution de la représentation de la nature depuis la période préislamique jusqu’à l’âge abbasside, en passant par la période omeyyade, ère durant laquelle ce thème deviendra un thème à part entière et trouvera pleinement sa place, bien ancrée dans le nouvel essor civilisationnel de la vie citadine. Ce mode de vie inédit a invité les poètes abbassides à se tourner vers la description des aspects de la nature dans un langage mieux élaboré, épousant exactement les changements d’inspiration de la société contemporaine et engendrant naturellement une production poétique métamorphosée, fruit d’une débauche d’imagination spontanée, foisonnant de connotations polysémiques imprimant une dynamique enlevée. Cette représentation artistique versifiée en une langue riche et raffinée, ponctuée par un rythme marqué, miroir fidèle de l’environnement intellectuel et culturel de l’époque envisagée, se manifeste chez des poètes abbassides innovants, construisant de longs poèmes sur le thème unique de la nature dans lesquels ils épanchent leurs émotions et leur vécu. Finalement, ce travail de recherche a montré que la poésie avait atteint son apogée esthétique à l’âge abbasside qui, ainsi, devint l’âge d’or de la littérature arabeThe piece of research is exploring the place of Nature in the Arabic poetry during the Abbasside Age (VIII-XIII century), focusing more particularly on the poetical aesthetics, the Arabic imaginativeness as well as the very essence of poetical production. This work aims at showing how the evolution of descriptive poetry in the Arabic literature can be considered as a subject not only essential, but also subjacent to the poetry of Nature itself by the way it has been tackled and treated by other research students in other periods. In this perspective this research has deliberately abided by chronological approach in order to propose a synoptic survey of the evolution of the representation of Nature since the preislamic era until the Abbasside age throughout the Ommeyyade period during which this theme was to become a full one completely inserted into the new civilization development of the urban way of life. Indeed this new way of life invited the Abbasside poets to engage into the use of a more elaborate language for describing the various aspects of Nature, thus, strictly following up the changes in inspiration due to this contemporary society and naturally entailing a deeply transformed poetical production as the fruit of a spontaneous, abundant imagination rich in polysemic connotations inducing a spirited dynamic movement. This artistic representation written in richly refined verses, hammered out in a marked rhythm, faithfully mirrored in the intellectual and cultural milieu of their epoch, is obvious among this Abbasside poets making innovations while building long poems about the subject-matter of nature-in which they pour forth their emotions and their experience-. Last but not least, this piece of research has put in the limelight that poetry had reached its peak of aesthetical perfection during the Abbasside Age that consequently became the Golden Age of the Arabic literature
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Tessier, Maëlle. "Architecture et phénoménologie : Résonances : tournant idéologique des années 1950 et perspectives contemporaines." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010613.
Анотація:
La phénoménologie naît à l'orée du 20e siècle avec Husserl. Cette théorie de la connaissance qui se donne pour tâche d'élucider ce qui se présente à la conscience, marque une rupture avec l'appréhension dichotomique du monde issue de l'héritage cartésien. Le postulat de cette thèse est de percer en quoi cette méthode philosophique renouvelle notre manière d'appréhender le monde et rejaillit sur le sens du discours et d'actions d'architectes dans la seconde moitié du 20e siècle. Cette recherche se structure en trois parties. La première s’attelle à faire le point sur les liens entre ces deux disciplines que sont la phénoménologie et l'architecture. Les deux parties suivantes visent à élucider la résonance de l'attitude phénoménologique sur certaines postures architecturales, d'un point de vue méthodologique d'une part en abordant la question de la description du réel et d'un point de vue conceptuel d'autre part en s'intéressant plus particulièrement à l'entre les choses. Par la recherche historique, cette thèse établit des corrélations entre les buts poursuivis par des architectes remettant en cause les dogmes de la modernité tels Aldo van Eyck ou Alison et Peter Smithson, et leur sens philosophique. Dans cette même perspective, ce travail trouve des prolongements contemporains au travers de deux figures emblématiques de la scène architecturale actuelle : le hollandais Rem Koolhaas et le suisse Peter Zumthor. Les trois temps de cette thèse convergent vers la reconnaissance de l'influence de la phénoménologie sur la pensée spatiale pour une connaissance objective du monde qui serait un processus de rationalisation de l'expérience sensible.
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Anthérieu-Yagbasan, Caroline. "Le personnage dans l'oeuvre de Stefan Zweig : enjeux esthétiques et narratifs." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3022.
Анотація:
La plupart des problématiques évoquées en esthétique au XXIe siècle tournent autour de la question du personnage de fiction. Dans ce cadre, cette étude essaie d'examiner comment les stratégies esthétiques et la poétique de la réception sont liées, à travers l'œuvre d'un auteur autrichien, Stefan Zweig, qui écrivit non seulement un grand nombre de récits fictionnels (essentiellement des nouvelles et romans), mais également des essais historiques et géographiques. Sa poétique du récit construit des situations de communication, comme le récit enchâssé, dans lesquelles le lecteur est invité à s'impliquer, face à un personnage dont les propres mots forment la seule version des faits racontés dans la fiction. Dans le même ordre d'idée, les personnages, qu'il soient héros de fiction ou de biographie, sont souvent placés dans une situation de crise, qui à la fois révèle une destinée intérieure et se présente comme une conséquence inéluctable de leurs actes. Tous les éléments de leur vie et de leur personnalité convergent donc, et s'expliquent les uns les autres, comme si les personnages de Zweig devenaient des êtres totalement cohérents. En conclusion, il semblerait que les personnages de biographie s'inscrivent dans les problématiques touchant également la fiction, et même qu'ils appartiennent à la catégorie des personnages de fiction ; il sera donc productif de leur appliquer les outils de la critique narrative, par exemple en ce qui concerne la perspective du lecteur et les mécanismes affectifs de projectionMost of the aesthetics questions of the XXIst century are focalised on the issue of fictional character. In this frame, this study try to examine how aesthetical strategies and poetics of reception are connected through the case of an austrian author, Stefan Zweig, who wrote not only a lot of fictional narratives (essentially short stories and novels), but also historical and geographical essays.His narrative poetic draw situations of communication, like framed narrative, in which the reader is invited to implicate himself, face to a character whose words are the only one version of fictional facts. In the same order of ideas, characters, in fiction or in biographies, are often placed in a critical situation, that reveals in the same time an inner destiny and unaffordable consequence of the way they act. So all elements of life and personnality are convergent, and can explain each other, as if Zweig's characters were totally coherent beings. To conclude, it appears that biographical characters have fictional problematics, and more, they belong to the category of fictional characters ; consequently, it is productive to apply to it the tools of narrative critic, for instance in the perspective of reader and affectives mecanisms of projection
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Ferrato-Combe, Brigitte. "Écriture et peinture chez Claude Simon : fonction de la description de tableau dans le roman." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040133.
Анотація:
La réflexion sur l'art est au coeur de la poétique du romancier Simon, qui fait de la peinture le miroir de l'écriture. A telle enseigne que certains romans, qui proposent des analyses picturales, confinent parfois à l'essai esthétique, intimement mêlé à la fiction. La description de tableau, omniprésente, apparaît dès lors comme un trait stylistique dominant de ce dialogue de genres. Les romans de Simon renouvellent d'ailleurs les "topoï" de la figure du peintre, de l'atelier, du musée ou des galeries de portraits d'ancêtres, à partir desquels l'imaginaire se déploie, au-delà du sujet, la fiction semble littéralement procéder de la peinture, dans la mesure où la narration est le plus souvent engendrée par des descriptions de tableaux -d'Ucello, Poussin, David, Renoir, Bacon, Dubuffet, Rauschenberg. Et c'est encore en peinture que Simon compose ses oeuvres, recourant aux techniques du collage ou du polyptyque ou encore cherchant à retrouver la dynamique des oeuvres baroques. La peinture n'est pas seulement le modèle épistémologique, mais le principe même de l'écritureThe meditation upon art is essential to Claude Simon's poetics as a novelist, for whom painting is a mirror of writing some of his novels, founded on commentaries about painting intimely linked with fiction, are akin to the literary genre of essay. Describing pictures seems to be a dominant stylistic feature of such a dialogue between genres. Claude Simon's novels renew some pictural "topoi" – the painter as a character, his workshop, museums or galleries of portraits, from which surge an imaginary world. Beyond the subject of these novels, pictures - by Uccello, Poussin, David, as well as by Renoir, Bacon, Rauschenberg generate fiction through descriptions. Further more, Claude Simon composes his works as a painter, since he uses the technique of sticking or challenges the dynamic composition of baroque polyptics. Painting is not only a metaphor or a model of writing, but its principale
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Berthoumieu, Annie. "Le dessin, hier et aujourd'hui, une impérieuse nécessité." Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30078.
Анотація:
Le « dessin » pour vivre et respirer le monde contemporain dans sa diversité au quotidien. Une exploration de la question du dessin, à travers ses trois composantes fondamentales, l’espace, le temps, le mouvement, en s’appuyant sur une expérience personnelle remontant à l’enfance. La mise en abyme de cette pratique permettra d’avoir à disposition un solide matériau de recherche et de questionnement. Une enquête approfondie relative à cet art, à ses pratiques, à ses évolutions, menée à travers l’histoire, permettra, par ailleurs, de naviguer du plan pratique au plan théorique, et de pointer certaines des problématiques du dessin rencontrées fréquemment par les artistes. Ces investigations conduiront à se placer sur des champs variés de la connaissance, à travers des disciplines telles celles, des arts, de la littérature, de la philosophie, de l’anthropologie, de la psychologie, des mathématiques, de l’histoire et la géographie, et bien d’autres encore. Les occasions seront multiples d’aller à la rencontre, des grands maîtres de la peinture et du dessin, tels, ceux de la Renaissance, et un peu plus tard, ceux qui se sont plus particulièrement distingués dans la pratique du dessin au trait, tels, Ingres, Degas, Matisse, Picasso, Klee, Kandinsky, Warhol, et des artistes contemporains qui aujourd’hui s’affichent sur la scène de l’art. Référence sera faite à d’illustres penseurs, philosophes, scientifiques, en particulier, Platon, Aristote, Descartes, Kant, Merleau-Ponty, Freud, et des écrivains, tels Paul Valéry, etc., qui viendront largement éclairer des aspects parmi les plus mystérieux du dessinThe art of « drawing », to breath the dayly life in its full contemporaneousness. An exploration of the question of « drawing », through its three fundamental components : space, time, movement, based upon a personal experience coming from childhood. To begin, the exercice of a « mise en abyme » of our own pratical experience will provide a solid research tool, in order to be able to set up different problematics of the artists. A meticulously investigation confrontating theory and experimentation, through history and history of arts, will be carried out, introducing therefore to many specific fields of knowledge, as, littérature, philosophy, anthropology, psychology, mathematics,, history of arts, history and geography, etc. Chances to study famous artists, such as, painters of the italien Renaissance, and further on, painters who are specialists of « line drawing » like, Ingres, Degas, Matisse, Picasso, Klee, Kandisky, Warhol, and among them, also some contemporary artists. Aspects of drawing, among the most mysterious, will lightly find favour sights with many thinkers, philosophers, ideologists, theorists, writers, as Platon, Aristote, Descartes, Kant, Merleau-Ponty, Freud, etc
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Le, Boulba Pauline. "les bords de l’œuvre : réceptions performées & critiques affectées en danse." Thesis, Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080011.
Анотація:
Cette recherche-création s’est déployée autour d’une réflexion sur la réception en danse et sur les modes de partage de celle-ci. Prenant à rebrousse-poil une histoire de la critique de danse qui juge et évalue, j’ai tenté de privilégier des démarches qui viennent perturber, troubler et brouiller les frontières entre création et réception. La première partie de ce travail consiste à trois analyses d’œuvres chorégraphiques : Une hypothèse de réinterprétation de Rita Quaglia (2009), histoire(s) d’Olga de Soto (2004) et enfin Admiring la Argentina de Kazuo Ôno (1977). Ces trois pièces révèlent trois manières de regarder des œuvres, trois manières de parler des/aux œuvres, trois manières de répondre à une danse en dansant. Les trois œuvres analysées en première partie se distinguent par l’importance qu’elles accordent à la subjectivité comme vectrice de savoirs (perceptifs et cognitifs). Ainsi, à la « réception performée » s’ajoute le terme de « critique affectée » pour compléter ma réflexion. Celle-ci désigne autant le caractère subjectif au sein des objets étudiés, que ma manière d’être à mon tour touchée et prise par les objets et personnes que j’ai observé·e·s ces dernières années. La critique affectée concerne également les parcours de deux critiques de danse — Laurence Louppe (1938-2012) et Jill Johnston (1929-2010) — qui constituent le centre d’attention de ma deuxième partie. À travers leurs pratiques critiques distinctes, il m’importe de questionner un héritage dont je souhaite me défaire ou au contraire que je désire faire mien. Cette recherche a été une progressive mise en abyme de mon regard de spectatrice et de différents modes de travail en tant qu’artiste-chercheure. Elle rend compte d’une multiplicité de formats — journal de bord, fragments critiques, analyses d’œuvres et analyses de pratiques, matériaux de performance — comme autant de points de vue sur une œuvre. À ce travail écrit, s’ajoute un temps performatif lors de la soutenanceThis practice-based research developed from questioning reception of dance and manners of sharing this experience. In venturing countercurrent to a history of dance criticism which bears judgment and makes assessments, I attempted to favor initiatives which disrupt, disturb and blur the borderlines that settle between creativity and reception. The first chapter of this research focuses on the analysis of three choreographic works: Une hypothèse de réinterprétation by Rita Quaglia (2009), histoire(s) by Olga de Soto (2004) and Admiring La Argentina by Kazuo Ohno (1977). Each of these pieces offer three different perceptions of artworks, three ways of speaking about/with artworks, three ways of answering to dance by dancing. The three works analyzed in the first chapter are characterized by the importance they grant to subjectivity as a vector of (perceptive and cognitive) knowledge. Thus, introducing the term “affected critique” to the term “performed reception” implemented the scope of my analysis. This term elects both the subjective dimension within these objects and my personal relationship to the works and people which have moved and “possessed” me over the course of my observations these past years. “Affected criticism” also arises from research on the careers of two dance critics – Laurence Louppe (1938-2012) and Jill Johnston (1929-2010) – which form the core of my second chapter. Through the particularities of their critical practices, I cared to question a heritage from which I wished either to differentiate myself or on the contrary to adopt and develop as my own. This research consequently developed as a progressive mise en abyme of my personal gaze as spectator and of the different ways of working as an artist and researcher. This dissertation therefore tries to embrace and account for the multiple shapes – journal entries, fragments of critical writing, analysis of artworks and artistic practices, performance material – that form as many standpoints from which to observe a body of work. A performative moment will prolong the written work of this research during the submission
Книги з теми "Description esthétique":
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Onfray, Michel. Esthétique du pôle Nord: Stèles hyperboréennes. Paris: Librairie générale française, 2004.
2
Allain-Dupré, Philippe. Les flûtes de Claude Rafi, fleustier lyonnais au XVIe siècle: Historique, description, tailles, esthétique. Courlay: J. M. Fuzeau, 2000.
3
Hardouin, Pierre. Le grand orgue de l'église Saint-Gervais à Paris: Historique, description, tailles, esthétique, les facteurs. Courlay: J.M. Fuzeau, 1996.
4
Morzadec, Françoise. Les images du monde: Structure, écriture et esthétique du paysage dans les œuvres de Stace et Silius Italicus. Bruxelles: Éditions Latomus, 2009.
5
Derouin, René. Ressac: De Migrations au largage. Montréal: L'Hexagone, 1996.
6
Smith, Chris. Waar ligt Sumba?: Indonesische reisverhalen. Baarn: Fontein, 1994.
7
Fraleigh, Sondra Horton. Dance and the lived body: A descriptive aesthetics. Pittsburgh, Pa: University of Pittsburgh Press, 1987.
8
Andrews, Malcolm. The search for the picturesque: Landscape aesthetics and tourism in Britain, 1760-1800. Aldershot: Scolar, 1989.
9
Andrews, Malcolm. The search for the picturesque: Landscape aesthetics and tourism in Britain, 1760-1800. Stanford, Calif: Stanford University Press, 1989.
10
Torgovnick, Marianna. The visual arts, pictorialism, and the novel: James, Lawrence, and Woolf. Princeton, N.J: Princeton University Press, 1985.
Частини книг з теми "Description esthétique":
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Bernardi, Bruno. "Rousseau et Molière, théâtre et philosophie : description d’un chassé-croisé." In Rousseau, politique et esthétique, 163–81. ENS Éditions, 2011. http://dx.doi.org/10.4000/books.enseditions.8436.
2
Adou, Kouadio Antoine, Marietta Laure Kouadio-Kacou, and Yao Charles Bony. "Le nouchi, une esthétique poétique langagière dans Les quatrains du dégoût de Zadi Zaourou." In Les parlers urbains africains au prisme du plurilinguisme : description sociolinguistique, 53–65. Observatoire européen du plurilinguisme, 2019. http://dx.doi.org/10.3917/oep.kosso.2019.01.0053.
Анотація:
Résumé Tout être humain est enclin à vouloir s’exprimer, et surtout de se faire comprendre. C’est la raison pour laquelle aujourd’hui, faire référence aux parlers populaires urbains ou au nouchi s’avère judicieux pour plusieurs raisons. Forme d’expression ou encore variété langagière dans le continuum linguistique, le nouchi influence le vécu de l’Ivoirien. Selon J.K. N’guessan (2008), « le nouchi, argot des jeunes, est apparu au milieu des années 1980 ». Langue de la débrouille, le nouchi se caractérise au niveau lexical par des changements de sens et par des emprunts aux langues locales . Il ne peut plus être seulement considéré comme un phénomène ivoirien, car ce langage participe de la dynamique du français dans le monde. Son usage brise en partie des barrières normatives imposées par les théories classiques de la langue française pour s’inviter dans les œuvres littéraires telles que les Quatrains du dégoût . La présence du nouchi dans cette œuvre constitue une exportation des valeurs culturelles du peuple ivoirien.
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Houessou, Dorgelès. "Pour une esthétique de la création verbale du nouchi : de l’étymon sociolectal aux modulations noétiques." In Les parlers urbains africains au prisme du plurilinguisme : description sociolinguistique, 257–70. Observatoire européen du plurilinguisme, 2020. http://dx.doi.org/10.3917/oep.kosso.2020.01.0257.
Анотація:
Le nouchi est un parler urbain dont le dynamisme est de plus en plus perceptible à travers la pluralité des travaux de recherches dont il est l’épicentre. Il reste néanmoins que la question de la recherche étymologique des mots qui le constituent en langage a très peu été analysée. Cette réflexion souhaite sur un double plan théorique et praxistique relever l’étymon d’un ensemble de lexèmes et d’expressions fort usitées mais dont les origines sont pour la plupart inconnues des usagers. L’étymon en tant que noyau originel de la création lexicale évolue, selon les cas étudiés en corpus, soit vers des composantes interdiscursives ou interlinguistiques, soit vers des représentations collectives impliquant un imaginaire sociodiscursif en construction en tant que constituantes de la modulation noétique au sens moliniéen du terme. Il en résulte une esthétique verbale liée à la convocation actualisante des discours et schèmes narratifs sous-jacents en chaque néologie étudiée.
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Daouda, Fofana. "Les distorsions dans le conte ivoirien comme esthétique narrative au service de la société." In Didactique des langues, plurilinguisme et sciences sociales en Afrique francophone : quelles places à l’interdisciplinarité ?, 41–56. Observatoire européen du plurilinguisme, 2020. http://dx.doi.org/10.3917/oep.agbef.2020.01.0041.
Анотація:
De cette étude, il ressort que le conte ivoirien tout en obéissant à une structure fondamentale d’une aire culturelle à une autre, subit des variations selon les visions des peuples géniteurs. En effet, le conte en tant que récit narratif a deux aspects fondamentaux. Il y a le premier aspect qui est un canevas identitaire hérité de la tradition. Cette tradition donne une description indicative des grandes lignes et ces lignes ne changent pas. Le deuxième qui est aussi un aspect fondamental c’est l’aspect variable et cette variabilité tient compte des spécificités. Ces spécificités peuvent être ethnique, individuelle et peut-être culturelle. Cette dernière forme constitue une distorsion dans la narration du conte. Cette technique vise à construire une société idéale dotée d’une bonne moralité.
Тези доповідей конференцій з теми "Description esthétique":
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Labbé, Mickaël. "« L’espace indicible »: conceptions et textualités." In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.470.
Анотація:
Résumé: La notion d’« espace indicible » occupe sans conteste une position centrale dans la théorie architecturale de Le Corbusier après 1945. Loin d’être un simple mot-valise ou un signifiant vide de sens, le concept d’espace indicible vise à penser le sommet de l’expérience esthétique et spirituelle dont est passible l’architecture, cela tant pour rendre compte de l’émotion plastique ressentie face aux chefs-d’œuvre du passé que pour décrire la qualité de l’expérience que l’architecte cherche à produire par ses propres œuvres. Ainsi, dans l’œuvre de Le Corbusier, l’expression « l’espace indicible » désigne non seulement un concept, mais également un ensemble textuel dans lequel la notion est thématisée et au travers duquel elle se constitue progressivement. L’objectif de cet article est double : d’une part, proposer une description des déterminations principales du contenu donné par Le Corbusier à la notion d’« espace indicible » ; d’autre part, à partir de l’examen des archives, faire le point sur les textes dans lesquels ce concept se formule. Abstract: The concept of “ineffable space” unquestionably occupies a central place in Le Corbusier's architectural theory after 1945. Far from being a portmanteau or a signifier devoid of meaning, the concept of ineffable space is aimed at conceiving the height of aesthetic and spiritual experience rendered possible by architecture. This is as much to realise plastic emotion felt in front of masterpiece from the past as to describe the experiential quality that the architect seeks to produce in his/her own work. Thus, in Le Corbusier’s oeuvre, the expression “ineffable space” not only denotes a concept but also a textual whole in which the concept is thematised and through which it is progressively constituted. The aim of this article is two-fold. On the one hand, I propose a description of the principle determinants of the content that Le Corbusier assigns to the concept of “ineffable space”, and on the other hand, analysing the archives, I wish to take stock of the texts in which this concept is formulated. Mots-clés: Le Corbusier; espace indicible; théorie architecturale. Keywords: Le Corbusier; ineffable space; architectural theory. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.470
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Leiduan, Alessandro. "La sémiologie face au défi de la fiction interactive. Enjeux épistémologiques et esthétiques de la « transition » numérique." In Actes du congrès de l’Association Française de Sémiotique. Limoges: Université de Limoges, 2024. http://dx.doi.org/10.25965/as.8560.
Анотація:
L’étude des manifestations fictionnelles de l’ère numérique ne saurait se borner à décrire les modalités à travers lesquelles celles-ci actualisent les potentialités expressives inscrites dans la technologie numérique. La conceptualisation de la « transition numérique » dans le domaine de l’imaginaire artistique doit également se poser la question de savoir si les nouvelles formes d’expressivité artistiques satisfont aux conditions esthétiques qui présidaient à la consécration des fictions traditionnelles (sous peine de ne pas pouvoir appliquer à leur phénoménologie l’appellation de « fiction »). Il a ainsi été nécessaire de redécouvrir les critères de conditionnalité esthétiques qui sont incorporés dans la notion « trans-historique » de fiction afin de recentrer sur eux la description – mais surtout l’évaluation critique – des nouveaux avatars de l’imaginaire numérique. Conformément à ces grandes lignes méthodologiques, cet article entreprend l’analyse du film interactif République, moins pour inventorier sur un ton émerveillé ses fonctionnalités numériques que pour les mettre à l’épreuve des paramètres esthétiques qui sous-tendent la catégorie culturelle de fiction.
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Andersson, Fred. "Groupe µ and “the system of plastic form” -for an evaluation-." In Le Groupe μ : quarante ans de rhétorique – trente-trois ans de sémiotique visuelle. Limoges: Université de Limoges, 2010. http://dx.doi.org/10.25965/as.3097.
Анотація:
Le Groupe µ et "le système de formes plastiques” -à propos d’une évaluation- L’objectif de cet article est de fournir quelques exemples et de proposer certains éclaircissements qui peuvent contribuer à la compréhension de la théorie du signe plastique conçu par le Groupe μ. Plus précisément, l’article porte sur les éléments de la théorie en question qui constituent une analyse du système de la forme tant qu’elle est distincte du système de la couleur et du système de la texture. Dans l’espoir de faire connaître quelques-uns des fondations et des implications de ce système de forme plastique, principalement aux lecteurs anglo-saxons, l’article tente également de clarifier sa place au sein de la théorie générale du signe visuel articulé par Groupe μ dans son Traité du signe visuel (1992). La première section de l’article traite de la notion esthétique générale de forme et de sa relation avec d'une part la notion de forme/formation visuelle et de l'autre la notion de forme sémiotique telle qu’elle a été développée par Hjelsmlev. On prend note du risque que les visées d’une sémiotique plastique puissent être indûment confondues avec celles du formalisme dans l'esthétique. Selon l’avis de l’auteur, les études de sémiotique visuelle ne sauraient bénéficier de ce genre de confusion, mais devraient plutôt tenter de maintenir sa distance par rapport aux conjectures et luttes de pouvoir dans le(s) monde(s) de l'art. La deuxième section explique la distinction faite par le Groupe μ entre le signe iconique et le signe plastique, conçus comme des couches séparées du signe visuel. Selon le Groupe μ, le signe iconique forme une structure triadique contenant le signifiant, le type et le référent. Il y a des similarités entre cette conception et le triangle d’Ogden & Richards. Or, la notion du Type a des implications plus vastes que la conception d’Ogden & Richards, selon lesquels il existe une image très générale qui met en relation symbole/signifier et référent – le type est ici le résultat de modélisations et de catégorisations, et il est valable aussi bien pour le signe iconique que pour le signe plastique. Par définition, le signe plastique manque de référent : la relation entre un motif et ses variations dépend donc uniquement du rapport Signifier/Type. Sur la base de cette relation Signifier/Type, les signes plastiques apparaissent, selon le Groupe µ, aux trois niveaux de la sémiose, sur le niveau purement plastique, sur le niveau extravisuel (ou symbolique), et dans une interaction avec le signe iconique sur le niveau iconico-plastique. La troisième section de l’article explique le système de forme plastique telle qu’elle est conçue par le Groupe μ. Le système est constitué par trois « formemes » (ou catégories), à savoir position, dimension et l'orientation. Il est conçu en termes de figures apparaissant dans un plan restreint. Comme les relations fondamentales dans le plan sont celles entre le centre - la marge, le haut - le bas et la gauche - la droite, le système de positions alternatives (par exemple marginal, au-dessus et au centre) est isomorphe au système d'autres orientations (par exemple vers l'intérieur, d'en haut vers le centre). Le système d'autres dimensions/tailles, par contraste, est défini par le biais de la fonction de la taille de la figure en relation à la taille du plan de l’image et le point focal. Ces valeurs plastiques de position, de dimension et d’orientation sont les signifiants du système. Ils sont liés à leurs signifiés de la manière suivante : la position à l’attraction, la dimension à la domination, l'orientation à l'équilibre. Cette corrélation est validée par les auteurs au moyen d’une démonstration visuelle. Dans la quatrième et dernière section de l’article, des observations sont faites au sujet des répercussions plus vastes ainsi que des applications du système. Conformément à la visée du propre Groupe µ à surmonter les limitations qui résultent de la spécialisation de disciplines telles que la psychologie de la perception, l'auteur soutient que des systèmes théoriques comme celui du système plastique peut fournir un cadre interdisciplinaire qui facilite l’évaluation à la fois des données scientifiques et des discours philosophiques généraux concernant le monde visuel. En ce qui concerne des applications plus proches, l'auteur estime que les théories du sens visuel et de la rhétorique du Groupe μ, si elles étaient plus largement connues, contribueraient considérablement à la compréhension de l'importance du sens plastique dans la communication visuelle et au développement des méthodes pédagogiques pour la description et l’interprétation de l'image.