Готові списки джерел за темами / Artistes – Mythe

Добірка наукової літератури з теми "Artistes – Mythe"

Автор: Grafiati

Опубліковано: 6 липня 2024

Оформте джерело за APA, MLA, Chicago, Harvard та іншими стилями

Оберіть тип джерела:

Ознайомтеся зі списками актуальних статей, книг, дисертацій, тез та інших наукових джерел на тему "Artistes – Mythe".

Біля кожної праці в переліку літератури доступна кнопка «Додати до бібліографії». Скористайтеся нею – і ми автоматично оформимо бібліографічне посилання на обрану працю в потрібному вам стилі цитування: APA, MLA, «Гарвард», «Чикаго», «Ванкувер» тощо.

Також ви можете завантажити повний текст наукової публікації у форматі «.pdf» та прочитати онлайн анотацію до роботи, якщо відповідні параметри наявні в метаданих.

Статті в журналах з теми "Artistes – Mythe":

Hamou, Malak Ben. "Jean Genet devant le miroir de la destruction de l’identité." e-Scripta Romanica 9 (December 20, 2021): 122–34. http://dx.doi.org/10.18778/2392-0718.09.10.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

La vie et l’oeuvre de l’auteur français Jean Genet ont toujours été une quête de l’oeuvre d’art absolue. Dans cette quête, trois figures majeures le guideront : le sculpteur Giacometti, le peintre Rembrandt et le funambule Abdellah Bentaga. À travers les oeuvres de ces artistes, Genet découvrira l’identité absolue. Qu’est-ce qui le mena vers cette découverte et quelles conséquences eurent-elles sur l’écrivain ? C’est ce rapport à l’Autre, analysé dans les quatre textes que Genet a écrit sur ces artistes, que nous nous proposons d’interroger dans cet article, notamment à travers le mythe de Narcisse.

Boudreau, Raoul. "La création de Moncton comme « capitale culturelle » dans l’oeuvre de Gérald Leblanc." Revue de l'Université de Moncton 38, no. 1 (July 9, 2008): 33–56. http://dx.doi.org/10.7202/018403ar.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Résumé Un des legs important de l’oeuvre de Gérald Leblanc est d’avoir créé le mythe très improbable de Moncton comme capitale culturelle de l’Acadie. Il y parvient en utilisant des stratégies éprouvées ailleurs, comme l’intégration à son oeuvre d’un récit sur Moncton comme centre fébrile de création artistique et la mise en scène des oppositions parallèles tradition/modernité et ruralité/urbanité. Les handicaps de Moncton à une vocation culturelle en langue française deviennent pour Leblanc des stimulants qui relancent son écriture. La construction symbolique de Leblanc autour de Moncton s’avère très efficace dans le cercle des artistes acadiens et de leur public qui adhèrent à la croyance au mythe et en font une réalité. Au delà de l’Acadie, le pouvoir du mythe est plus aléatoire et si certains y adhèrent, d’autres soulignent le décalage entre le Moncton rêvé par Leblanc et la réalité.

Hanquinet, Laurie. "Quand les discours s’entrecroisent : « Sauvons le Montmartre bruxellois ! »." Sociologie et sociétés 43, no. 1 (May 25, 2011): 305–26. http://dx.doi.org/10.7202/1003541ar.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

En 2003, la dernière cité d’artistes bruxelloise, les Ateliers Mommen, était menacée par des promoteurs immobiliers. Cette affaire reçut une grande attention de la presse qui soutint véritablement les occupants. Comment expliquer un tel appui à des victimes de spéculation, comme il y en a d’autres ? Et pourquoi, malgré de nombreux arguments communs, les médias ne diffusèrent-ils pas les revendications des artistes autour de leurs droits ? L’article démontre, par l’analyse des discours de la presse et des artistes, que la sauvegarde des ateliers dépendit de leur pouvoir évocateur, renvoyant au mythe de l’artiste bohème. Les médias choisirent un « monde de justifications » basé sur « l’inspiration », qu’ils opposèrent au « monde marchand » des promoteurs (Boltanski et Thévenot, 1991). Cette grille de lecture ne laissa pas de place aux justifications civiques propres à la menace immobilière (déstructuration du tissu urbain) et aux droits des artistes (conditions de travail adaptées).

Guédron, Martial. "Excusez du peu ! Notes sur la réception de la « Pietà Rondanini » de Michel-Ange." Circulations et transferts : France, Italie, Méditerranée…, no. 1 (October 18, 2022): 45–54. http://dx.doi.org/10.57086/sources.462.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Excusez du peu ! Notes sur la réception de la « Pietà Rondanini » de Michel-Ange – Un mythe fort répandu dans les discours et les écrits sur l’art voudrait que, parvenus à un âge avancé, les grands artistes se libèrent des contraintes traditionnelles et trouvent dans leurs ultimes compositions une liberté d’exécution qui s’offre à nous comme un supplément d’âme. L’histoire de la réception critique de la Pietà Rondanini de Michel-Ange en livre une illustration saisissante, bien qu’on ne sache pas toujours où cette œuvre se situe exactement, entre apothéose et sénilité. Car un tel mythe pourrait aussi servir à présenter sous une forme séduisante un spectacle bien démoralisant, celui de la décrépitude des créateurs d’exception.

Villeneuve, Lynda. "Mythe et vécu territorial : Charlevoix à travers l’art du paysage au XIXe siècle." Cahiers de géographie du Québec 40, no. 111 (April 12, 2005): 341–62. http://dx.doi.org/10.7202/022586ar.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Les représentations du paysage charlevoisien au cours du XIX e siècle font une large place aux normes dictées par l'art du paysage européen, britannique en particulier. Le mouvement esthétique romantique interpréta les signes du paysage charlevoisien en référence à une idéologie agriculturiste et anti-urbaine présente à partir de la décennie 1840 en particulier. Le paysage fut intégré à l'idéologie nationale canadienne dans la seconde moitié du XIXe siècle par les artistes torontois qui recherchaient, à cette époque, l'authenticité des paysages ruraux du Canada. Le paysage charlevoisien fut alors représenté comme un paysage rural authentique du Canada français, ayant su préserver la beauté de son milieu naturel et le mode de vie typique de ses habitants. Ces représentations picturales, en raison des idéologies conservatrices qui les sous-tendent, accordaient peu d'importance au vécu territorial d'une région en mutation rapide au cours de la période 1831-1871, sous l'impulsion de la nouvelle économie urbaine industrielle.

Robineau, Anne. "La scène musicale anglo-québécoise : institutionnalisation, mutations et représentations." Recherche 55, no. 3 (February 2, 2015): 559–81. http://dx.doi.org/10.7202/1028379ar.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Cet article interroge le lien entre la plus grande reconnaissance attribuée à une partie de la scène musicale anglo-québécoise et le développement d’institutions et d’organismes artistiques et culturels anglophones au Québec. Certaines représentations sociales quant au mythe des deux solitudes tendent à se reproduire dans le monde des arts, mais à se transformer aussi dans le cas de coproductions franco et anglo-québécoises qui attirent un public nouveau, encore mal circonscrit, un public bilingue et principalement montréalais. Nous abordons ce sujet en traitant de l’identité anglo-québécoise et de son rapport à la culture, en décrivant plusieurs aspects de l’institutionnalisation et de la professionnalisation des artistes anglophones du Québec depuis les années 1960, puis en tentant d’identifier les mutations récentes de la scène musicale anglo-montréalaise en abordant la question de la relève et de la diversité culturelle.

Tirel, Magali. "Klossowski: de la “cervitude” de l’art à l’esthétique du singe." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 8, no. 1 (2004): 257–77. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2004.1348.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Si le mythe de Diane et Actéon a inspiré abondamment les artistes de toutes les époques, c’est parce qu’il nous invite tant à une réflexion sur les rapports que l’homme entretient avec les formes animales et les forces divines, qu’à une réflexion sur les limites du regard (c’est-à-dire sur les limites de la connaissance) et des langages (c’est-à-dire de la représentation et de la transmission). Mais vu par Klossowski, le parcours d’Actéon devient l’histoire d’une errance aux limites de l’identité, qui nous emmène dans le lieu sans lieu du désir où l’artiste qui tient à divulguer ce qu’il a vu à ses contemporains trouve un moyen de sortir de l’aporie (“voir et ne pas pouvoir dire”), c’est-à-dire renie sa “cervitude” pour rejoindre les joies de la simulation par le simulacre, dans une esthétique du singe.

Alba Pagán, Ester, and Aneta Vasileva Ivanova. "Du côté de chez la nomade. La femme gitane : mythe, photographie et auto(re)présentation." HYBRIDA, no. 1 (December 3, 2020): 129. http://dx.doi.org/10.7203/hybrida.1.16871.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

L’article reflet une longue recherche sur la représentation sociale des gitanas (o romi espagnoles). L’un de nos outils d’analyse est la photographie dans le cadre de ses relations avec le régime de la politique visuelle préétablie. Dans ce cas, nous enquêtons sur la manière de construire l’image de l’Altérité faite par des artistes français qui ont visité l’Espagne plus ou moins impliqués dans le paradigme exotique. Plus tard, quelques tendances plastiques plus expérimentales ont essayé d’autres types de regard, non sans des difficultés. Le deuxième paramètre que nous avons utilisé était la réponse auto-représentative des femmes gitanes contemporaines. Nous avons développé et mené une série d’entretiens avec des représentantes de diverses organisations romani en Espagne (Valence). Il s’agit de femmes engagées dans la revisón critique de nombreux déterminants de leur vie. Leur réponses au sujet des deux fondements de la représentation, le langage et l’image, nous ont apportées une aide inestimable et de nombreuses surprises.

Urrutiaguer, Daniel. "Les visions d’un théâtre populaire à Aubervilliers sous les directions de Gabriel Garran et de Didier Bezace." L’Annuaire théâtral, no. 49 (June 7, 2012): 93–111. http://dx.doi.org/10.7202/1009304ar.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Le théâtre de la Commune d’Aubervilliers a été le premier théâtre permanent de la banlieue rouge sans un soutien initial de l’État. Jack Ralite a appuyé son fondateur, Gabriel Garran, de 1960 à 1984 et demandé la nomination de Didier Bezace en 1997. Les deux metteurs en scène se reconnaissent une relation de filiation dans leurs références à un théâtre populaire émancipateur, centré sur les auteurs vivants. L’article présente et interroge les conditions de la mise en oeuvre de ce projet dans deux contextes sociétaux différents. Les dispositifs de mise en relation des artistes avec la population locale requièrent dans les deux cas le déploiement d’énergie militante pour décentraliser l’action culturelle dans la ville, ainsi qu’une diversification de la programmation. La désindustrialisation a affaibli les relais d’information dans les entreprises et aggravé la précarité économique. Le mythe de la conscience de classe des ouvriers est aujourd’hui encore plus décalé dans une ville au caractère multiethnique accentué.

De Carvalho, Anithe. "Fin du mythe de l’art underground anti-institutionnel : L’utopie de la démocratie culturelle et l’environnement labyrinthe Vive la rue Saint-Denis ! (1971)." Revue internationale animation, territoires et pratiques socioculturelles, no. 5 (December 11, 2013): 73–88. http://dx.doi.org/10.55765/atps.i5.241.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Cet article défend la thèse que l’underground artistique des années 1970 a été intégré à l’establishment à l’aube d’une nouvelle idéologie culturelle, la démocratie culturelle, qui s’adresse à un nouveau public. La mise en place de programmes comme Perspectives Jeunesse, Initiatives locales et Explorations a permis de financer des projets comme Vive la rue Saint-Denis ! De nouveaux publics sont rejoints avec des événements socioculturels. C’est l’ère de l’animation culturelle, si prisée par un milieu précis du champ de l’art ayant pour porte-parole Yves Robillard, membre de Fusion des arts inc. Au lendemain de la crise d’Octobre, il s’agit d’intégrer au système socioéconomique une jeunesse contre-culturelle, indépendantiste (au Québec), marxiste et au chômage. En somme, les artistes de la contre-culture ou de la néo-avant-garde artistique politisée étudiés partagent avec l’État un ensemble de valeurs humanistes et d’intérêts professionnels, caractéristiques de l’État-providence, même si leurs buts ne sont pas forcément les mêmes.

Більше джерел

Дисертації з теми "Artistes – Mythe":

Röstorp, Vibeke. "Les artistes suédois et norvégiens en France de 1889 à 1908 : le mythe du retour." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040146.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Cette thèse porte sur les artistes suédois et norvégiens en France de 1889 à 1908. Ces années ont traditionnellement été considérées comme une période de retour au pays et d’abandon de la France pour les artistes scandinaves qui se seraient tournés de nouveau vers Paris seulement en 1908 avec l’arrivée des élèves d’Henri Matisse. Une étude approfondie de leur présence aux Salons parisiens a été menée afin de constater que leur nombre ne baisse pas et que les départs des uns sont aussitôt comblés par l’arrivée d’autres artistes scandinaves. À travers l’examen de la taille et de l’activité de cette communauté d’artistes installés en France durant ces deux décennies, dites nationalistes, il s’avère que l’hypothèse du retour vers la Scandinavie dans les années 1890 est un mythe créé par une historiographie faussée. La plupart des artistes scandinaves expatriés en France de 1889 à 1908 menèrent des carrières couronnées de succès dans un environnement cosmopolite et international. Les raisons de la mauvaise interprétation de cette période de l’histoire de l’art scandinave ont été analysées à travers les ouvrages d’histoire de l’art anciens et actuels. D’autres investigations ont été entreprises, basées sur la correspondance de ces artistes principalement conservée à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Suède et dans les archives d’Auguste Rodin, ainsi que sur l’étude de leur accueil critique en France. Elles démontrent que la colonie scandinave de Paris de ces années-là a été exclue des expositions organisées en France par leurs propres pays et que la carrière de ces artistes expatriés, ainsi que le rôle de la France, ont été minimisés dans l’histoire de l’art scandinave
This dissertation is about the presence of Swedish and Norwegian artists in France during the years 1889 to 1908. Traditionally these years have been considered as a period when Scandinavian artists left France to return to their homelands and according to this traditional view, they only returned to Paris and French influence with the arrival of Henri Matisse’s students around 1908. A thorough study of their presence in the Parisian Salons has been conducted which determines that their numbers do not decrease and that the departure of certain Scandinavian artists was balanced by the arrival of others. By examining the size and the activity of this artistic community in France during these two so-called nationalistic decades, it appears in fact that the hypothesis about the return to Scandinavia in the 1890’s is a myth created by a distorted historiography. Most Scandinavian expatriate artists living in France between 1889 and 1908 led successful careers in a cosmopolitan and international environment. The reasons for the misinterpretation of this period in Scandinavian art history have been analysed using historical and current texts and art history handbooks. Further investigation based on the correspondence of these artists, kept chiefly by the Royal Swedish Academy of Fine Arts and in the archives of Auguste Rodin, as well as the study of their critical reception in France, have shown that the Parisian colony of Scandinavian artists has often been excluded from exhibitions organized in France by their home countries and that the career of these expatriate artists as well as the role of France during this period has been minimized in Scandinavian art history

Rogerat, Marie-Claude. "L'artiste : des représentations, un mythe : étude de l'évolution des représentations de l'artiste au XXème siècle dans la société française, vue à travers les biographies de peintres." Besançon, 2003. http://www.theses.fr/2003BESA1013.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Cette recherche s'appuie essentiellement sur l'étude des biographies de Van Gogh, Lautrec et Monet afin de mettre en lumière les processus de constitution de représentations collectives d'un public vers les artistes. Dans la majorité des cas, l'artiste est vu comme personnage exceptionnel, mythique, image largement répandue prenant appui sur les mythes les plus anciens, mais aussi sur la littérature du XIXème siècle. Il semble que ces vies, porteuses de mythe et de sacré, focalisent les besoins d'un monde en quête de repères concrets, mais aussi de rêve et d'imaginaire, créateurs de lien social, dans une société individualiste, froide et anomique. Cette recherche cherche à révéler comment une société, à une époque, peut construire une telle représentation en fonction des valeurs et des idéologies qui l'animent. Une brève étude historique sur les biographies d'artistes, et un travail d'analyse sur la forme et le contenu des récits permettent d'accéder à la connaissance de ces valeurs
This research work is based upon the study of Van Gogh's, Lautrec's and Monet's biographies. It aims to bring to light the process of setting up of the collective representations people have towards artists. The artist ist mostly regarded as an outstanding, mythical character : this image is being widely spread and leans on the oldest myths and on the 19th century's literature as well. Those lives, conveyors of myth and of sacred, seem to focus the needs of a world in quest of concrete marks, but in quest of dream and imaginativeness too, those marks being the architects of social relationship inside an individualistic, unmoved and anomic society. The purpose of this research is to reveal how one society, during one definite period, can built an image of the artist, according to the values and the ideology which enliven it. An historical study about biographies of artists, added to an analytic work about both contend and form of the stories enable to get to the knowledge of those values

Joannon, Felipe. "Pintar frente al motivo : el mito del artista en la obra literaria de Adolfo Couve." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080088.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Cette thèse étudie l'idée de l'art et de l'artiste dans l'œuvre littéraire du peintre et écrivain chilien Adolfo Couve (1940-1998). Elle propose notamment d'aborder ses textes de fiction et de non-fiction dans une perspective unique marquée par ce que nous définirons comme son mythe de l'artiste. Sur la base de certains concepts et théories inhérents aux études contemporaines sur les mythes, nous identifions cinq moments ou phases qui définissent l'artiste dans l'œuvre de Couve. Ces moments, particulièrement visibles dans certains passages des œuvres qui racontent la vie d'un artiste (La lección de pintura, 1979 ; La comedia del arte, 1995 ; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000) sont les suivants : « vocation », « apprentissage », « crise », « pari » et « libération ». Sur la base de la description de ces jalons dans l'itinéraire de l'artiste couverien, nous analyserons les principales préoccupations esthétiques soulevées par la littérature de l'auteur, que nous confronterons avec l'expression de sa pensée artistique dans ses entretiens et ses écrits sur l'art. On postule que l'idée d'art contenue dans l'œuvre littéraire d'Adolfo Couve se construit dans (et en même temps est un symbole de) la croisée des chemins à laquelle la pensée occidentale moderne fait face depuis le début du XXe siècle, entre la crise du paradigme de la raison et la tentative de réhabiliter certaines valeurs associées à la pensée mythique
This PhD dissertation studies the idea of art and the artist in the literary work of the Chilean painter and writer Adolfo Couve (1940-1998). It approaches his fiction and non-fiction from a unique perspective marked by what we will define as his “myth of the artist”. Anchored in certain concepts and theories of contemporary myth studies, the dissertation identifies five moments or phases that define the artist in Couve’s work. These moments, which are especially visible in some passages of the works that narrate the life of an artist (La lección de pintura, 1979; La comedia del arte, 1995; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000), are the following: “vocation”, “apprenticeship”, “crisis”, “proposition” and “liberation”. Using the description of these milestones in the itinerary of Couve’s artists as a starting point, the dissertation explores the main aesthetic questions raised by the author’s oeuvre, which will be compared with the expression of his artistic thought in his interviews and writings on art. The main thesis is that the idea of art contained in the literary work of Adolfo Couve is built in (and at the same time is a symbol of) the crossroads –faced by Western modern thought since the early twentieth century– between the crisis of the paradigm of reason and the attempt to rehabilitate certain values associated with mythical thought
Este trabajo estudia la idea de arte y de artista en la obra literaria del pintor y escritor chileno Adolfo Couve (1940-1998). En particular, propone abordar sus textos de ficción y de no ficción desde una única perspectiva marcada por lo que definiremos como su mito de artista. En base a determinados conceptos y teorías propias de los estudios contemporáneos sobre los mitos, se identifican cinco momentos o fases que definen al artista en la obra de Couve. Estos momentos, especialmente visibles en algunos pasajes de las obras que narran la vida de un artista (La lección de pintura, 1979; La comedia del arte, 1995; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000) son: “vocación”, “aprendizaje”, “crisis”, “apuesta” y “liberación”. A partir de la descripción de estos hitos en el itinerario del artista couveano, analizaremos las principales preocupaciones estéticas que plantea la literatura del autor, las que cotejaremos con la expresión de su pensamiento artístico que consta en sus entrevistas y escritos sobre arte. Como hipótesis general, se postula que la idea de arte contenida en la obra literaria de Adolfo Couve se construye en (y es al mismo tiempo símbolo de) la encrucijada que enfrenta el pensamiento moderno occidental desde inicios del siglo XX, entre la crisis del paradigma de la razón y el intento por rehabilitar determinados valores asociados al pensamiento mítico

Kiefer, Luísa Martins Waetge. "Jovem artista : a construção de um duplo mito." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2013. http://hdl.handle.net/10183/97678.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

O presente trabalho investiga o papel e o lugar ocupados pelo jovem artista dentro do campo da arte hoje. Demonstra que esta figura passou por um processo de dupla mitificação: a de ser jovem e a de ser artista. Revela o processo da sua construção histórica e social, mostrando como este assumiu um papel central na arte do século XXI. A pesquisa foi realizada a partir de entrevistas com seis artistas nascidos na década de 1980 e 1990 – Daniel Escobar, Marcos Fioravante, Marina Camargo, Rafael Pagatini, Raquel Magalhães e Romy Pocztaruk. O olhar dos entrevistados é representativo de uma geração e serve como fonte primária para esta análise.
This work seeks to investigate the role and place occupied by young artists in todays art field. It shows that this group has gone through two different mythification processes: being young and being an artist. Revealing the social-historical process that they went through and showing how they play this central role in the arts of XXI century. A research was made by interviewing six artists born on 1980 and 1990 decades - Daniel Escobar, Marcos Fioravante, Marina Camargo, Rafael Pagatini, Raquel Magalhães e Romy Pocztaruk. The view of the interviewees is representative of this generation and serves as a primary source for this analysis.

Horn, Maria Lucila. "Mito de artista : o discurso da cultura." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2006. http://tede.udesc.br/handle/handle/2201.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Made available in DSpace on 2016-12-12T20:34:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MriaLucila.pdf: 1456147 bytes, checksum: 4f3acdd8d32e7ec26be49407f4ac7b02 (MD5) Previous issue date: 2006-12-18
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The aim of this inquiry is to identify the heroic myth as a point of reference in the construction of the artistic identity. The heroic mythology is here taken as a key to clarify the questions related to identity. It is possible by making use of the term myth , in the sense adopted by authors, members of the Circle of Eranos, that is to say, as a tool to clarify the construction of artistic identity. It is presented a review of authors that considers the myth as a cultural truth, with great importance to the comprehension of society. After that, a study of case is developed, about the brazilian artist Leonilson, his talks and the texts of critics and the media. In this way is expected to find in the contemporary discourse about the figure of artist, the currently manifested expectance concerning his role on culture through heroic mythology
O foco desta dissertação é identificar o mito heróico como ponto de referência na construção da identidade artística, tendo no estudo da mitologia heróica a chave para clarificar as questões da identidade. Recorrendo ao termo mito , no sentido adotado pelos autores integrantes do Círculo de Eranos, ou seja, como uma ferramenta para clarificar a construção da identidade artística; apresenta-se uma revisão de autores que tratam o mito como uma verdade cultural de suma importância para a compreensão da sociedade. Em seguida desenvolve-se a noção do mito heróico como diretriz reveladora da identidade do artista. Desenvolve-se ainda, um estudo de caso tendo como referência o artista brasileiro Leonilson, sua biografia, suas falas e os discursos da crítica e da mídia, encontrando no discurso contemporâneo acerca da figura do artista a expectativa comumente manifestada a respeito do seu papel na cultura através da mitologia heróica

Hamilton, H. Dawn. "Myth and Archetype in the Studio| An Artist's Encounter with a Goddess." Thesis, Prescott College, 2015. http://pqdtopen.proquest.com/#viewpdf?dispub=1573604.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

This thesis is based upon my artistic interaction and response to the 5,000-year-old myth of the Sumerian deity, Inanna. The main element of this thesis consists of a body of artwork that evolved out of the interweaving of textual, psychological, and artistic research. The artwork is an artist's response to a particular juncture in the descent portion of Inanna's myth . . . the moment of her transformation. This amalgamation of artistic and textual artifacts documents the power of an ancient story, from a long-dead culture, to reach through time and touch an individual life. The written documentation draws from diverse areas of study such as alchemy, mythology, depth psychology, women's spirituality, and women's studies. Through readings, conferences, workshops, one-on-one conversations, active imagination, and art-making I have woven together a glimpse, perhaps a momentary perspective, of an encounter with a divine feminine archetype. I am a visual artist and my lens is that of a 21^st century woman and a maker-of-things. I gather, experience, and express my knowingness from this point of view and my thesis reflects my perspective.

Losee, Christopher. "Mythography /." Online version of thesis, 1986. http://hdl.handle.net/1850/10300.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Findlay, Linda. "Murky waters: navigating through the myths and rules of art making /." Burnaby B.C. : Simon Fraser University, 2005. http://ir.lib.sfu.ca/handle/1892/2337.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Pellini, Catherine. "La création artistique au service de l’affirmation identitaire, du mana wahine et des revendications politiques : l’art contemporain des femmes maori de Nouvelle-Zélande." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0370/document.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art,études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes maori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise.L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation maori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIX e siècle, les Maori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde maori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Maori
At the intersection of several disciplines – anthropology, sociology, art history, and feminist and gender studies, this thesis deals with the works, practices, careers and discourses of New Zealand Maori women artists active in the field of contemporary art and living in an urban environment. Due to their many forms of belonging, these artists are behind specific political demands and identity affirmations: their work contains simultaneous references to the individual histories, their status as members of an indigenous minority and a tribe, and their condition as women and citizens of the New Zealand nation. The analysis of the data obtained after a fieldwork investigation in New Zealand carried out over a year from 2012 to 2013, of complementary research on the Internet and exchanges with artists when back from the field makes it possible to show how these artists are part of today's Maori assertion movement. For since British colonization in the 19th century, the Maori have continued to assert their rights. In this context, some women use art as a powerful means of protest and of promoting social change aimed at the recognition of mana wahine (women's power or prestige). This work also reveals that their artistic practice affords them the opportunity to reassert the ties linking them to the Maori world while at the same time enabling them to attain a certain empowerment and emancipation. They develop original strategies for asserting their creativity without transgressing the rules which remain important for the Maori people

Sitzia, Emilie. "L'artiste entre mythe et réalité dans trois œuvres de Balzac, Goncourt et Zola." Åbo : Åbo Akademis Förlag, 2004. http://books.google.com/books?id=mzRlAAAAMAAJ.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Більше джерел

Книги з теми "Artistes – Mythe":

Spoto, Donald. L'ange bleu: Mythe et réalité. Paris: Belfond, 2003.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

1946-, Wunenburger Jean-Jacques, ed. Art, mythe et création. [Dijon]: Editions Universitaires de Dijon, 1988.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Bossan, Enrico. Myth/reality: Contemporary artists from Scotland. [Crocetta del Montello]: Antiga edizioni, 2017.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Robillard, Yves. Vous êtes tous des créateurs, ou, Le mythe de l'art. Outremont, Québec: Lanctôt, 1998.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Quinn, Marc. Marc Quinn: Myth. Milano: Charta, 2009.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

John, Ross. Creation myths. East Hampton, N.Y: High Tide Press, 1999.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Tsiaras, Philip. Philip Tsiaras: Private myths. Manchester, NH: Currier Gallery of Art, 1992.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Roulin, Félix. Félix Roulin: Fragment, corps, dessin, sculpture, mythe, matière, modèle, écrit, empreinte. Gerpinnes, Belgique: Tandem, 1991.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Jeudy, Henri Pierre. Le mythe de la vie d'artiste. [France]: Circé, 2011.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Winkel, Camiel van. The myth of artisthood. Amsterdam: Modriaan Fund, 2013.

Знайти повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Більше джерел

Частини книг з теми "Artistes – Mythe":

Wesner, Simone. "The Artist and the Artistic Myth." In Artists’ Voices in Cultural Policy, 17–40. Cham: Springer International Publishing, 2018. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-319-76057-5_2.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Splitter, Randolph. "Proust's myth of artistic creation." In Proust's Recherche, 95–117. London: Routledge, 2023. http://dx.doi.org/10.4324/9781032624174-6.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Bogousslavsky, Julien. "The Last Myth of Giorgio de Chirico: Neurological Art." In Neurological Disorders in Famous Artists - Part 3, 29–45. Basel: KARGER, 2010. http://dx.doi.org/10.1159/000311190.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Bravo, Laura. "The Myth of the Artist in Children’s Illustrated Literature." In The Mediatization of the Artist, 183–96. Cham: Springer International Publishing, 2018. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-319-66230-5_12.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Berger, Doris. "Mediated Art History in Biopics: The Interplay of Myths and Media in Pollock." In The Mediatization of the Artist, 233–49. Cham: Springer International Publishing, 2018. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-319-66230-5_15.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Roy, Kaustuv. "The Artistic Subject and the Subject of Art: An Introduction." In Myth, Mystery, and the Magic of Art Education, 1–24. Cham: Springer International Publishing, 2023. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-031-50281-1_1.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Foletti, Ivan, and Erik Thunø. "The Artistic Cultures of the Medieval South Caucasus: Historiography, Myths and Objects." In The Medieval South Caucasus. Artistic Cultures of Albania, Armenia and Georgia, 11–16. Turnhout: Brepols Publishers, 2016. http://dx.doi.org/10.1484/m.convisup-eb.5.131079.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Hallett, Charles A., and Elaine S. Hallett. "“More Virtually does Shakespeare’s Work for him”: Dogmas of the “More Myth”." In The Artistic Links Between William Shakespeare and Sir Thomas More, 13–38. New York: Palgrave Macmillan US, 2011. http://dx.doi.org/10.1057/9780230119529_1.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

"Index sélectif des principaux auteurs, artistes, mécènes, papes et empereurs." In Le mythe du progrès artistique, 447–54. Les Presses de l’Université de Montréal, 1999. http://dx.doi.org/10.1515/9782760623118-017.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Verschaffel, Bart. "Being an Artist Is an Art in Itself : On the ‘First Work’ and the Notion of ‘Oeuvre’." In What Artistry Can Do, 103–15. Edinburgh University Press, 2022. http://dx.doi.org/10.3366/edinburgh/9781474494908.003.0009.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Institutional art theory can explain how a work becomes 'art', but not how a person becomes an artist, that is, acquires the authority to effectively occupy the position of artist. One must start pretending to be an artist until others believe so. This makes it understandable that, against institutional art theory, the romantic myth of 'natural' artistry nonetheless persists. The myths of the 'first work' – these always fabricated as ‘first’ after the fact - serve to affirm retroactively the artistic talent and a ‘natural’ artistic vocation, prior to institutionally recognised artistry.

Тези доповідей конференцій з теми "Artistes – Mythe":

Gorbunova, Natalia. "Time out for Scriabin (the composer’s image in the soviet music journal of the stalinist era)." In Conferința științifică internațională "Învăţământul artistic – dimensiuni culturale". Academy of Music, Theatre and Fine Arts, Republic of Moldova, 2022. http://dx.doi.org/10.55383/iadc2022.10.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

During the Stalin era, interest in the composer Scriabin noticeably weakened compared to the 1910s and 1920s. Nevertheless, the discussion of his works and personality continued. Particularly, in the 1930s and 1940s, his role in the Soviet vision of world art was formed. In the specialized music journal „Soviet Music” during those years, the Soviet myth of Scriabin was constructed. For this purpose, the epistolary heritage and early writings were studied, his work and the influence of Russian culture on him were discussed — as a result, the image of a deluded genius was created.

Dimitrakopoulou, Georgia. "WILLIAM BLAKE�S AESTHETICS IN THE MYTH OF THE ANCIENT BRITONS." In 9th SWS International Scientific Conferences on ART and HUMANITIES - ISCAH 2022. SGEM WORLD SCIENCE, 2022. http://dx.doi.org/10.35603/sws.iscah.2022/s10.16.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

William Blake�s aesthetic vision of the secular world is based on divine inspiration. In the myth of The Ancient Britons, he discusses the three aesthetic categories of the sublime, the beautiful and the ugly. These establish his theory of art, which is based on Jesus the Imagination. The sublime, the beautiful and the ugly are forms indicative of gradations of divine influx in every individual. In this sense, the myth explicitly describes and distinguishes the three aesthetic categories that shape the secular and eternal human existence. It also concerns art and the role of the artist. Art is imagination and communication, and the artist is the inhabitant of that happy country of Eden. [1]. The artist is motivated by creative imagination, whose aesthetic quest starts from divine inspiration and ends in eternity. The true artist is the man of imagination, the poetic genius and the visionary aesthete. For Blake, imagination is a sublime force, the major aesthetic category of his vision and relates to the Strong man of The Ancient Britons. In addition, beauty is a distinct aesthetic category essential and supplementary to the formation of the Sublime of Imagination, Jesus incarnated, the archetype of Blake�s Strong man. He [Blake] distinguishes the three aesthetic categories of the sublime, the beautiful and the ugly by their actions, which define man. As he claims: �The Beautiful man acts from duty, whereas The Strong man acts from conscious superiority, and The Ugly man acts from love of carnage.� [2]. Starting from the conviction that antiquity and classical art provided obsolete models for emulation, Blake concluded that since the mathematic form is not art, it should not be the rule of the English eighteenth century art. Gothic, which is the living form, represents the union of the secular and divine worlds. The gothic artistic style is the incarnated Jesus, the Sublime of Imagination, Blake�s aesthetic apex, that is the supreme aesthetic category of his vision. The sublime and the beautiful are not contraries. They are supplementary aesthetic forms which contribute to the understanding of art. Beauty and intellectuality identify. Moreover, beauty is the power, the energizer of the true artist. Who is the human sublime? He is �The Strong man� who acts from conscious superiority, according to the divine decrees and the inspired, prophetic mind. Who is �The Beautiful man�? He is the man who acts from duty. Lastly, �The Ugly Man� is the man of war, aggressive, he/she acts from love of carnage, approaching to the beast in features and form, with a unique characteristic, that is the incapability of intellect. [3]. Undoubtedly, Blake�s aesthetic vision presents many difficulties in interpretation. In my opinion, the sublime is not an aesthetic category and/or a mere value that Blake uses randomly without artistic reference. His aestheticism is secular and aspiring to perfection. The secular sublime, which describes the fallen human state, suggests the masculine and feminine experience of the Fall. Consequently, the human situation appears doomed and irredeemable. If the sublime is the masculine and pathos the feminine forms, Blake assumes that the inevitability of reasoning and suppression of desire, whose origin is energy, brings about their separation and incompleteness. In a non-communicative intercourse, the sublime (masculine) and the beautiful (pathos) are apart. These are the fallen state�s consequences. As the masculine and feminine are not contraries but supplementary forms, so the sublime and pathos are potentially integrated entities. In eternity, the sublime and pathos are joined in an intellectual androgynous form. This theoretical idea is the core of Blake�s aesthetic �theory�. In fact, his aesthetic realism does not overlap his aesthetic idealism. He is optimistic, despite Urizen�s - reason�s predominance. The artist is the model of human salvation. Imagination is a redemptive force, �Exuberance is Beauty�, and the incapability of intellect is �The Ugly Man�. The three classes of men, the elect, the redeemed and the reprobate juxtapose to the sublime, beautiful and ugly. These are restored to their true forms and their qualities are reinstated in infinity. All human forms are redeemable states, not static but progressive, even if their fulfilment on earth is improbable.

Bulycheva, E. "“MYTHOLOGICAL” AND “POETIC”: ON THE PROBLEM OF MYTHOPOETICS IN THE FINE ARTS OF THE 20TH CENTURY." In Aesthetics and Hermeneutics. LCC MAKS Press, 2022. http://dx.doi.org/10.29003/m2563.978-5-317-06726-7/134-137.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

The multidimensionality of the visual arts of the twentieth century due to the radicalism of manifestations can be studied more reliably through the current field of interdisciplinary approaches including the analytics of mythopoetics. As a theoretical model for studying the mythopoetic work basis appears tobe a point of intersection of related cultural codes. Fine art while relying on the structural units of myth does not copy them directly,but translates them into the language of plastic images and enriches them with its specific stable elements. In this context they are equivalent tothe elements of the structure of the myth. The “poetic” in the free flight of imagination plays with the metaphorical nature of images tearing them away from reality. The “mythological” for all the whimsical and metaphorical images is experienced and perceived by the subject as an absolute reliable reality. The main feature of the mythopoetics of the visual arts of the 20th century is that the range of this interaction in the allegorical nature of images predetermines the variability and plurality of mythopoetic models that are used by artists.

Horbachevska, Ya М., and A. А. Faynyk. "Information and psychological operations and russian propaganda in Ukraine (2014–2022): analogies with Serbian historical myths." In INTERACTION OF THE EXPERIENCE OF POST-YUGOSLAV AND UKRAINIAN AREAS: CULTURAL, LINGUISTIC, LITERARY, ARTISTIC, HISTORICAL, AND JOURNALISTIC ASPECTS. Baltija Publishing, 2024. http://dx.doi.org/10.30525/978-9934-26-393-4-31.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Shemetova, T. "KOMAROVO VILLAGE IN THE LITERARY SERIES OF “KELLOMÄKI” BY JOSEPH BRODSKY AND “ANNO IVA” BY VICTOR SOSNORA." In VIII International Conference “Russian Literature of the 20th-21st Centuries as a Whole Process (Issues of Theoretical and Methodological Research)”. LCC MAKS Press, 2023. http://dx.doi.org/10.29003/m3750.rus_lit_20-21/309-312.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

The writers’ village of Komarovo holds a significant place in poetry series of Joseph Brodsky and Victor Sosnora. Komarovo represents an integral part of the literary myth of Saint Petersburg’s role as a “cultural capital city” of Russia. Brodsky’s “Kellomäki” poem tells a story of an artistic resurrection of love with by the will of memory. Victor Sosnora’s “Anno Iva” poetry series contains a reference to Anna Akhmatova. Akhmatova was and remains an idiomatic “genius of the place”, “genius loci” of Komarovo village and the city of Saint Petersburg. Depending on the level of poetical comprehension, literary semantics of the area changes.

Gherman, Oxana. "Ion Vatamanu: the Poetry of Vegetal Pulsations." In Conferință științifică internațională "Filologia modernă: realizări şi perspective în context european". “Bogdan Petriceicu-Hasdeu” Institute of Romanian Philology, Republic of Moldova, 2022. http://dx.doi.org/10.52505/filomod.2022.16.21.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

The article proposes a hermeneutic approach to the vegetal motifs and symbols in Ion Vatamanu’s poetry. The author explores the ideational space of the great themes of the poetry of his times (love, homeland, maternal spirit, death, eternity etc.) and transposes into concrete visual or acoustic, olfactory or tactile images, man’s reactions to the greatness of divine creation, the revelation of the macrouniverse pulsating movements reflected in the microuniverse. The system of meanings of the symbolic elements of flora and the phenomenon of cyclical regeneration of living matter configure a new myth of anthropogenesis, based the idea of the vegetable origin of the human being. An impressive range of feelings is reflected in the images that capture the euphonies of nature’s metamorphoses. The leitmotif of the leaf, in the creation of Ion Vatamanu, triggers the creative energies, generates the artistic word, the significant nucleus of which concentrates the history of the entire universe becoming.

I., PONKRATOVA. "MOBILE ART OF THE STONE AGE OF KAMCHATKA." In MODERN SOLUTIONS TO CURRENT PROBLEMS OF EURASIAN ARCHEOLOGY. Altai State Univercity, 2023. http://dx.doi.org/10.14258/msapea.2023.3.55.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

When studying objects of mobile art in the Stone Age of Kamchatka, it was assumed that the most ancient artifacts were personal ornamentation (~final Paleolithic, 13.3-12.5 thousand years ago, 12.0-10.1 thousand years ago). These are beads and pendants made of pyrophyllite, agalmatolite, amber, quartzite, slate Stone sculpture was made in the Neolithic (~7.8-4.5 thousand years ago - the beginning of the 2nd millennium AD), while throughout the entire period the ancient artist depicted figurines of fish. Various zoomorphic sculptures (whales, seals, bears, deer, dogs, foxes) appeared in the Middle Neolithic era (~4000-1500 years ago). This is probably due to the formation of a new fauna at that time. During the same period, anthropomorphic sculpture were made. The stone figures are made of local stone rocks (obsidian, flint, chalcedony, basalt) with flake stone technology and sharp retouching. The objects could be used in ritual activities, depict characters from Itel'men myths.

Pilar, Martin. "EWALD MURRER AND HIS POETRY ABOUT A DISAPPEARING CULTURAL REGION IN CENTRAL EUROPE." In 10th SWS International Scientific Conferences on ART and HUMANITIES - ISCAH 2023. SGEM WORLD SCIENCE, 2023. http://dx.doi.org/10.35603/sws.iscah.2023/s28.06.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

The contemporary Czech poet using the pseudonym Ewald Murrer (born in 1964 in Prague) used to be a representative of Czech underground literature before 1989. Then he became one of the most specific and original artists of his generation. The present essay deals with his very successful collection of poetry called The Diary of Mr. Pinke (1991, English translation published in 2022). Between the world wars, the most Eastern part of Czechoslovakia was so-called Subcarpathian Ruthenia (or Karpatenukraine in German). This rural and somewhat secluded region neighbouring Austrian Galicia (or Galizien in German) in the very West of Ukraine and the South- East of Poland used to be a centre of Jewish culture using mainly Yiddish and inspired by local folklore. The poems of Ewald Murrer are deeply rooted in the imagery of Jewish and Rusyn fairy tales and folk songs. While Marc Chagall, the famous French painter (coming from today�s Byelorussia), discovered these old sources of Jewish art for European Modernism, Ewald Murrer uses the same sources but his approach to literary creation can be seen as much more post-modern: he uses but at the same time also re-evaluates old myths and archetypes of this region with both a lovely kind of humour and more serious visions of Kafkaesque absurdity that are probably unavoidable in Central Europe. The fictional and highly poetic diary of Mr. Pinke is highly significant as a sophisticated revival of the almost forgotten culture of a Central European region that almost definitely stopped existing after the tragic times of the Holocaust and Stalinism.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Štěpánek, Pavel. "Tasting the milk of celestial knowledge. Note about the rhetoric of the portrayal of the sacred in Alonso Cano’s painting The Lactation of St. Bernard (1653–1657) from the National Gallery in Prague." In The Figurativeness of the Language of Mystical Experience. Brno: Masaryk University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.5817/cz.muni.p210-9997-2021-20.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

This is an attempt of interpretation of a picture that draws from mystical tradition. It is about the comprehension of a topic in a painting by the Spanish artist Alonso Cano (1601–1667, Granada), from the National Gallery in Prague (O 14 690) Lactatio S. Bernardi – presenting the miracle of lactation, in which the Virgin Mary is squirting milk from her breast into the mouth of St. Bernard of Clairvaux (a historically very famous saint and major representative of the Cistercian Order). Traces of iconography lead up to the Coptic Church, where the typology of the milking Virgin was probably first originated (Galacto Trofusa in Greek or Maria lactans in Latin). The starting point is perhaps the portrayal of the virgin goddess Isis milking her son Horus. In many cultures, milk symbolises physical and spiritual food (e.g. the Milky Way evoking the ancient myth about spurted divine milk). On the other hand, milking is also present in the Old Testament as the image of special blessing; it is a symbol of eternal beatitude and wisdom. The dream/vision of her milk is then – apart from the rest – a sign of abundance, fertility, love, and fullness. The lactation of St. Bernard is an allegory of the penetration of the divine science in the soul. Thanks to this act the saint receives God’s guide, which he can then discharge into his writings.