Добірка наукової літератури з теми "Art roman – France (sud)"
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Статті в журналах з теми "Art roman – France (sud)":
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Nejedlý, Martin. "Fauvel en bohême ? Réflexions sur la diffusion d’un thème littéraire et iconographique au xiv e siècle." Revue du Nord 446, no. 2 (March 14, 2023): 315–29. http://dx.doi.org/10.3917/rdn.1446.0315.
Анотація:
Dans l’une des chambres du vieux château de Strakonice, en Bohême du Sud, on peut trouver une peinture gothique représentant la roue de Fortune. Elle date probablement de la première moitié du xiv e siècle. Du haut de la roue, un être est en train de tomber : mi-homme mi-cheval, il est doté d’un buste humain mais le bas de son corps est celui d’un équidé, avec une queue et des sabots. La présente étude tente de proposer une hypothèse basée sur la vivacité des relations politiques et culturelles entre la France et le royaume de Bohême sous le règne des deux premiers rois de la dynastie des Luxembourg. Le sujet est peut-être à rapprocher du Roman de Fauvel : l’histoire d’un cheval qui voulait assujettir les gens et devenir roi. Ce texte nous est connu grâce au magnifique codex qui fut probablement rédigé entre 1317 et 1322 et dont le destinataire fut vraisemblablement le comte Charles de Valois, beau-père du futur roi de Bohême Charles IV. Le château de Strakonice appartenait a Vilém de Strakonice, un seigneur extrêmement cultivé, entretenant des relations étroites tant avec le roi Jean de Luxembourg qu’avec son fils Charles IV, élevé à la cour royale de France. Il est possible qu’il ait connu l’histoire de Fauvel au moins de manière indirecte. L’éducation, la vie et les activités littéraires de Vilém de Strakonice ainsi que ses contacts avec les souverains de la Maison de Luxembourg et leurs artistes de cour permettent de l’envisager, au moins à titre d’hypothèse stimulante pour la recherche internationale et interdisciplinaire.
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Jankovic, Zeljka. "Les relations éducatives entre la Serbie et la France dans la période 1936-1940." Prilozi za knjizevnost, jezik, istoriju i folklor, no. 82 (2016): 119–37. http://dx.doi.org/10.2298/pkjif1682119j.
Анотація:
Le premier XIXe si?cle met la Serbie en contact plus intense avec la France, berceau des valeurs d?mocratiques et du patrimoine culturel europ?en aux yeux des Serbes subissant l?occupation turque depuis des si?cles. C?est ? partir de cette p?riode que commencent ? se d?velopper les liens culturels, politiques et ?ducatifs plus ?troits entre deux pays, particuli?rement renforc?s pendant la Grande Guerre, o? la France aide les jeunes serbes en leur ouvrant la porte de ses ?coles et universit?s. La Convention sign?e en 1920 en vue de la mise en place de la coop?ration intellectuelle et ?ducative (surtout universitaire) des deux pays pr?voyait ?galement la position privil?gi?e de la langue fran?aise au sein du syst?me ?ducatif serbe : en effet, dans les ann?es 30 du XXe si?cle, celleci sera la mati?re la plus enseign?e apr?s la langue serbe et les math?matiques, et le Minist?re des affaires ?trang?res fran?aises enverra r?guli?rement des livres fran?ais, ainsi que des dipl?mes et m?dailles pour les meilleurs ?l?ves. En raison de la croissance de l?influence politique italienne et surtout allemande dans les Balkans, un Congr?s des clubs fran?ais de Yougoslavie, tenu en 1935, marque le d?but des d?marches coordonn?es visant ? renforcer la pr?sence fran?aise dans tous les domaines de la vie sociale yougoslave. Les responsables du D?partement d??ducation aupr?s de l?Ambassade yougoslave ? Paris (Aleksandar Arnautovic puis Milan Markovic) informaient r?guli?rement Belgrade des activit?s dans la capitale fran?aise et ailleurs. Les boursiers du Gouvernement fran?ais (qui accordait la moiti? de la somme totale du budget aux ?tudiants yougoslaves, dont le nombre variait entre 60 et 100 par an dans la p?riode 1936-1940), du retour dans leur pays, r?pandront l?esprit de la culture fran?aise, ainsi que les connaissances acquises dans tous les domaines. Parmi les personnalit?s importantes qui excelleront dans leur m?tier se trouvent : Dr Vukan Cupic, professeur ? l?Universit? de Belgrade et directeur de l?Institut belgradois pour la m?re et l?enfant (boursier du fonds d?Alexandre de Yougoslavie de la mairie de Marseille 1938-1940), le chimiste Pavle Savic qui collaborait avec Ir?ne Curie, Dr Borisav Arsic qui a soutenu la th?se La Vie ?conomique de la Serbie du Sud au XIX si?cle (Paris, France-Balkans, 1936), Dr Branislav Vojnovic, directeur du Th??tre national, Dr Milos Savkovic qui ?tudiait l?influence de la litt?rature fran?aise sur le roman serbe etc. Les jeunes yougoslaves choisissent surtout la litt?rature, les arts et les sciences humaines. D?autre c?t?, le gouvernement yougoslave finan?ait chaque ann?e cinq ?tudiants fran?ais faisant la recherche au sein des universit?s yougoslaves. De nombreuses conf?rences sont dispens?es par les professeurs yougoslaves et fran?ais ; les ?coles franco-serbes, l?Institut fran?ais, les clubs et les associations de l?amiti? donnent les cours de fran?ais ; l?Association des ?tudiants en langue et litt?rature fran?aises organise les soir?es fran?aises et va r?guli?rement en excursions en France ; le Minist?re d??ducation finance les formations estivales des professeurs de fran?ais. Du c?t? fran?ais, l?Institut slave, la Chaire de serbo-croate ? l??cole de langues vivantes orientales avec des professeurs ?minents tels Andr? Vaillant et Andr? Mazon, le Lectorat serbe ? Paris, Strasbourg, Lyon etc. contribuaient aux ?tudes yougoslaves. La langue serbo-croate a ?t? inscrite sur la liste des langues vivantes que les ?l?ves pouvaient passer au baccalaur?at en 1936. Pourtant, cet ?panouissement sera de nouveau menac? par une p?n?tration politique et ?conomique des forces de l?Axe de plus en plus forte ? la veille de la Deuxi?me guerre mondiale : c?est ainsi que l?allemand devient la langue ?trang?re obligatoire au detriment du fran?ais en 1940, les entreprises fran?aises ferment leurs portes, tandis que de nombreuses activit?s culturelles et d?marches ?ducatives cherchent ? pr?server l??tat privil?gi? dont la France jouissait en Serbie depuis la Grande Guerre.
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Manan, Nuraini A. "Kemajuan dan Kemunduran Peradaban Islam di Eropa (711M-1492M)." Jurnal Adabiya 21, no. 1 (July 17, 2020): 54. http://dx.doi.org/10.22373/adabiya.v21i1.6454.
Анотація:
Spain is more commonly known as Andalusia, the Andalusia comes from the word Vandalusia, which means the country of the Vandals, because the southern part of the Peninsula was once ruled by the Vandals before they were defeated by Western Gothia in the fifth century. This area was ruled by Islam after the rulers of The Umayyah seized the peninsula's land from the West Gothies during the time of the Caliph Al-Walid ibn Abdul Malik. Islam entered Spain (Cordoba) in 93 AH (711 AD) through the North African route under the leadership of Tariq bin Ziyad who led the Islamic army to conquer Andalusia. Before the conquest of Spain, Muslims had taken control of North Africa and made it one of the provinces from the Umayyad Dynasty. Full control of North Africa took place in the days of Caliph Abdul Malik (685-705 AD). Conquest of the North African region first defeated until becoming one of the provinces of the Umayyad Caliph spent 53 years, starting from 30 H (Muawiyah ibn Abi Sufyan's reign) to 83 H (al-Walid's period). Before being defeated and then ruled by Islam, in this region there were sacs which became the basis of the power of the Roman Empire, namely the Gothic Kingdom. In the process of conquering Spain there were three Islamic heroes who could be said to be the most effective in leading units of troops there. They are Tharif ibn Malik, Tariq ibn Ziyad, and Musa ibn Nushair. Subsequent territorial expansion emerged during the reign of Caliph Umar ibn Abdil Aziz in the year 99 AH/717 AD, with the aim of controlling the area around the Pyrenian mountains and South France. The second largest invasion of the Muslims, whose movement began at the beginning of the 8th century AD, has reached all of Spain and reached far to Central France and important parts of Italy. The victories achieved by Muslims appear so easy. It cannot be separated from the existence of external and internal factors. During the conquest of Spain by Muslims, the social, political and economic conditions of this country were in a sad state. Politically, the Spanish region was torn apart and divided into several small countries. At the same time, the Gothic rulers were intolerant of the religious beliefs adopted by the rulers, namely the Monophysites, especially those who adhered to other religions, Jews. Adherents of Judaism, the largest part of the Spanish population, were forced to be baptized to Christianity. Those who are unwilling brutally tortured and killed. The people are divided into the class system, so that the situation is filled with poverty, oppression, and the absence of equality. In such situations, the oppressed await the arrival of the liberator and the liberator was from Muslims. Warrior figures and Islamic soldiers who were involved in the conquest of Spain are strong figures, their soldiers are compact, united, and full of confidence. They are also capable, courageous, and resilient in facing every problem. Equally important are the teachings of Islam shown by the Islamic soldiers, like tolerance, brotherhood, and help each other. The attitude of tolerance of religion and brotherhood contained in the personalities of the Muslims caused the Spanish population to welcome the presence of Islam there. Since the first time Islam entered in the land of Spain until the collapse of the last Islamic empire was about seven and half centuries, Islam played a big role, both in fields of intellectual progress (philosophy, science, fiqh, music and art, language and literature) and the splendor of physical buildings (Cordova and Granada). The long history passed by Muslims in Spain can be divided into six periods. Spanish Muslims reached the peak of progress and glory rivaled the glory of the Abbasid sovereignty in Baghdad. Abdurrahman Al-Nasir founded the Cordova University. He preceded Al-Azhar Cairo and Baghdad Nizhamiyah.
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Pigeaud, Romain. "Passage, transformation et Art Schématique. L'exemple des Peintures Néolithiques du Sud de la France." L'Anthropologie 108, no. 2 (April 2004): 301–3. http://dx.doi.org/10.1016/j.anthro.2004.05.012.
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Miles, Margaret M. "Cicero's Prosecution of Gaius Verres: A Roman View of the Ethics of Acquisition of Art." International Journal of Cultural Property 11, no. 1 (January 2002): 28–49. http://dx.doi.org/10.1017/s0940739102771567.
Анотація:
Cicero's speeches and essays—especially the Verrines—were widely read in France and England during the late eighteenth and early nineteenth centuries, when they were used in public debates about the fate of art in wartime. The early development of the concept of “cultural property” owed much to careful readings and citations of Cicero's views. The main charge brought against Verres in 70 B.C. was extortion during his term as governor of Sicily, but in the course of his prosecution Cicero depicts Verres as a rapacious collector of art who even took cult statues from temples for his private collection. This portrait of a “collector” who felt entitled to anything he could get and who abused his official authority to acquire works of art was recalled and used in debates about “collecting” many centuries later. This paper examines how Ciceronian views contributed to the development of the concept of art as cultural property.
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Dillon, Emma. "The Art of Interpolation in the Roman de Fauvel." Journal of Musicology 19, no. 2 (2002): 223–63. http://dx.doi.org/10.1525/jm.2002.19.2.223.
Анотація:
The music of Paris, BN fonds fr. 146 has long held a special place in medieval musicology as one of the most abundant records of musical taste and style in the early decades of the 14th century, particularly so in its famous version of the Old French satire of the Roman de Fauvel, interpolated with no less than 169 musical items. In the last decade, however, perspective on the manuscript has radically altered in a new climate of interdisciplinary research. If there was once a tendency for scholars to extrapolate information from the manuscript, to allow its abundant visual, musical, literary and political texts to speak of cultures exterior to the book's bindings, recent collaborative approaches have focused attention on how those different media work together within the boundaries of the parchment. One consequence of such an approach is to raise new questions about music's role in the book, most particularly about its relationship to the narrative into which it is cast. This study explores perhaps the most startling and perplexing aspect of music's position in Fauvel: the numerous occasions where music is uncued and unprepared in the narrative. I focus on the most famous moment of narrative disjunction brought about by the presence of song: the interpolated bifolio, 28 bis and ter, containing the lai Pour recouvrer alegiance. Long viewed by musicologists as an ill-conceived afterthought, it is suggested that the song's intrusion (narrative and bibliographic) may be interpreted poetically, as a moment of lyric suspension engineered by its singer, Fauvel, in der to defer his lady's final, deadly refusal of his marriage suit. That deferral occurs not just in an abstract moment of lyrical time, but in the real, unfurling space of the parchment: As time passes (the reader turning the folios), Fortuna's impatience finally becomes palpable as she dramatically enters the landscape of the song in its closing moments. Song may thus be understood to occupy not only time but also space; the manuscript, it is argued, is witness to a new form of music-making in France at the turn of the 14th century, music-making that is material as well as sonic.
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Pomp, Joseph. "France as author of world cinema: International co-production and the Fonds Sud, 1984–2012." French Cultural Studies 31, no. 2 (May 2020): 111–23. http://dx.doi.org/10.1177/0957155820910858.
Анотація:
While the profound effect that metropolitan France has had on the contours of the global literary marketplace (or ‘littérature-monde’) has figured prominently in much recent scholarship, the similarly central role that Paris plays in the nebulous domain of world cinema remains ripe for scrutiny. The status of the Cannes Festival is well known as perhaps the single most powerful gatekeeper to a filmmaker’s international circulation, but the broader relationship between France’s administration of film culture and the international art-house circuit is not widely understood. This paper engages with competing definitions of ‘world cinema’ on both sides of the Atlantic and lays the groundwork for a historical inquiry into the Aide aux cinémas du monde, a production grant that the Centre national du cinéma established in 2012 to replace its long-running Fonds Sud, a fund for film projects originating in the southern hemisphere and beyond.
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Delille, Damien F. "Symbolist Androgyny: On the Origins of a Proto-Queer Vision." Arts 13, no. 3 (May 20, 2024): 90. http://dx.doi.org/10.3390/arts13030090.
Анотація:
This article focuses on artistic and aesthetic practices within the idealist and symbolist movements of the late 19th century in France. It investigates how artists and art critics embraced androgynous imaginaries derived from Greco-Roman antiquity and the Platonic myth, transforming them into tools for social and sexual emancipation and giving rise to a proto-queer vision. An analysis of the art of Alexandre Séon, Odilon Redon, Jeanne Jacquemin, and Léonard Sarluis, in conjunction with the symbolist theories of Joséphin Péladan, Gabriel-Albert Aurier, and Émile Verhaeren, reveals an idealistic pursuit grounded in the union of the masculine and the feminine through the act of creation. Through the examination of artworks, contemporary critical discourse, and the personal correspondence of these art figures, this study posits that the androgyne serves as a heuristic model for a queer art history. The ideal androgyne, as theorized in Freud’s psychoanalytic writings, can function as a methodological paradigm in art studies as a tool for visualizing and conceptualizing homosexuality in art.
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Pennec, Anna Le. "Des femmes et des dieux dans la prison-couvent du sud de la France au XIXe siècle." Annales du Midi : revue archéologique, historique et philologique de la France méridionale 131, no. 307 (2019): 457–73. http://dx.doi.org/10.3406/anami.2019.9005.
Анотація:
Die Frauengefängnisse haben sich seit den dreißiger Jahren des 19. Jh. verändert und treten durch einen besonderen Aspekt hervor : die Gefangenen wurden Nonnen anvertraut und es begann die Zeit der Klostergefängnisse. Letztere waren jedoch keine radikale Neuerung. Schon im vorherigen Jahrhundert gab es die Tendenz, Frauengefängnisse auf diese Art zu organisieren. Dahinter steckten auch manche Ziele für den Strafvollzug. Wie verlief das Leben der Insassen hinter den Klostermauern und wie wurden sie auf ihr späteres Leben vorbereitet ? Wie erging es den Gefangenen, die ja nicht unbedingt der Religion ihrer Wärterinnen teilten ? Alle Insassen mussten am Gottesdienst teilnahmen, auch wenn sie selbst nicht gläubig waren oder sich zu einem anderen Glauben bekannten. Der Einfluss des Katholizismus erschwert es uns, die speziellen und strengen Haftbedingungen dieser Frauen zu kennen.
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Lanceva, A. M. "Exhibition Сzech and Кoman King Wenceslas IV: «Beautiful Style» of Gothic Art. On the 600th Anniversary of the Death of the Czech King". Concept: philosophy, religion, culture, № 1 (7 липня 2020): 186–93. http://dx.doi.org/10.24833/2541-8831-2020-1-13-186-193.
Анотація:
The article is devoted to the historical and cultural aspects of the development of Czech art in the late Middle Ages on the example of an exhibition held from August 16 to November 3 at Prague Castle, which was dedicated to the 600th anniversary of the death of the Czech and Roman King Wenceslas IV. The author of the article considers the significance of the Czech culture and sacred art in the context of the political and historical specifics of the development of medieval Bohemia and the features of the reign of Vaclav IV, who wasthe son of the Holy Roman Emperor and the Czech King Charles IV . Wenceslas IV is a complex and controversial figure in Czech history, who stood at the «crossroads» of epochs and cultures, around him various disputes persist in historiography up to our time. This article provides an overview of the nature of the sacred artifacts of culture and art presented at the exhibition «Czech and Roman King Wenceslas IV: «beautiful style» of Gothic art», as well as the characteristics of the artistic style , defined in terms of historical and cultural, internal and external political development of the Czech Republic, crosscultural dialogue of the Czech Republic with European countries on the background of the emerging religious controversy in the country. The work takes into account the features of the Late Gothic style in the Central Europe. On the example of the remarkable works of painting, sculpture, fragments of architectural monuments, decorative and applied art and manuscripts, first of all the monumental Wenceslas Bible, many of which were brought to Prague from various European Galleries and Castles of Poland, Germany, France, New York, as well as from private collections, can demonstrate the rise of Czech culture and art in the late XIV-early XV centuries, which was presented the process of cultural accumulation of the European style of the late Gothic, received Czech national artificial identity.
Дисертації з теми "Art roman – France (sud)":
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Raimondo, Alexia. "La représentation des prophètes dans le Midi de la France (1000-1250)." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20086.
Анотація:
L'étude de la représentation des prophètes dans le Midi de la France entre l'an mil et 1250 répond à la nécessité de mener une recherche inédite. Les travaux réalisés jusqu'ici n'ont uniquement concerné la période paléochrétienne ou l'art gothique septentrional et les figurations des prophètes dans l'expression si créative de l'art roman méridional n'ont jamais suscité de réel intérêt. L'analyse iconographique est construite en trois temps. Elle se concentre tout d'abord sur l'étude des images antérieures à l'an mil, afin de saisir les origines des représentations des prophètes et les raisons de leurs figurations. Mais aussi afin d'évaluer si les images romanes sont la traduction de schémas existants ou répondent à une volonté d'innovation et de création. Puis l'analyse est menée à travers la considération des prophètes dans les écrits exégétiques et les réflexions du milieu intellectuel et clérical qui a souvent influencé l'iconographie. De même il a fallu considérer les manifestations du théâtre religieux qui a pu offrir parfois la mise en scène de défilés de prophètes, les ordines prophetarum. Enfin, les images du corpus sont étudiées dans une perspective purement formelle, mais également à travers l'analyse des différents programmes iconographiques qui les entourent, permettant ainsi de dégager les multiples symboliques dont ces représentations peuvent se chargerThe prophets representation in South of France between 1000 and 1250 has never been studied before. The previous works on this matter have solely concerned the first Christian Art period or Northern Gothic Art. Despite the creative art of the romanesque art in South of France prophets images have barely drawn interest. The iconographic analysis is made of three parts. It firstly focuses on the study of images prior to one thousand, in order to establish the origins and the reasons of these prophets representations. It is also necessary to evaluate if these romanesque pictures are the translation of existing schemes, or the consequence of a creative desire. Then the analysis focuses on exegetics writings and thoughts of clerical and intellectual circles which have often influenced iconography. Furthermore it was necessary to analyse representation of the religious theatre which sometimes contains prophets processions, ordines prophetarum. Finally, corpus images are studied from a formal standpoint and also through the analysis of different iconographic programs that surround the prophets representations, allowing to express multiple symbols that are contained in these pictures
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Molinié, Sandrine. "L'iconographie du diable dans la sculpture romane du Midi de la France et du Nord de l'Espagne." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20057.
Анотація:
Vers l’an mil, le contexte, tant religieux que social et politique, favorise l'émergence de l'image du diable. L'eschatologie est pesante, l'Église devient menaçante, elle fonde son discours sur la crainte de l'enfer. À partir de cette période, différents artistes, essentiellement des sculpteurs, s'efforcent de retracer le physique et la personnalité de cette créature. L'expression de sa forme anthropomorphe va véritablement se préciser et s'épanouir. Il en émane une ambiguïté, le diable est tellement horrible qu'il devient difficile à figurer. Sa seule vision peut être dangereuse, parfois mortelle. Son image est paradoxale, personne ne le voit pourtant tout le monde doit le reconnaître. Cette complexité, entre sa définition et sa représentation, fait ressortir trois propriétés utilisées pour désigner sa nature démoniaque et pour élaborer son portrait : l'agressivité, l'anormalité et l'immatérialité. L'analyse des sculptures du Midi de la France et du Nord de l'Espagne permet d'explorer ces trois spécificités ; la traduction de chaque détail se révèle importante dans la signification de l'image du diable. Cet être énigmatique a nourri l'imaginaire des hommes du XIe et du XIIe siècle. Les artistes ont cherché à intensifier son maléfice par la laideur, la déformation, mais aussi par la bestialité. Symbole même du Mal, le diable en est l'incarnation. En le formalisant, les artistes ont voulu le canaliser et, dans une certaine mesure, le maîtriser. Abjecte et mystérieuse à la fois, cette étrange créature est la représentation de leurs craintes les plus profondes et de leurs fantasmes inavouésTowards the year thousand, the religious, social and political context favours the emergency of the devil's image. The eschatology is heavy, the Church becomes threatening, and its speech is founded on the hell fear. On and after this period, different artists, essentially sculptors, try to retrace the physique and the personality of this creature. The expression of its anthropologist form is really going to explicit and light up. All this is so ambiguous, the devil is so horrible that it becomes difficult to represent. It's only vision may be dangerous, sometimes mortal. Its image is paradoxal, no one sees it, and nevertheless everyone should recognize it. This complexity, between its definition and its representation, brings out three properties used to show its demoniac character and to make its portrait: the aggressivity, the abnormality and the immateriality. The sculptures' analysis of the South of France and the North of Spain allows exploring three specificities: the interpretation of each detail becomes important in the signification of the devil's image. This enigmatical being fed the imaginary of the people from the 11th and the 12th century. The artists endeavoured to intensify it's malefic by the ugliness, the deformation, but also the bestiality. Symbol of the very evil, the devil is its incarnation. Giving offence to the devil, the artists wanted to win it over and, in a way, to get it under control. Abject and mysterious at the same time, this strange creature is the representation of their fears the deepest and of their unconfessed phantasms
Hacia el año mil, el contexto, tanto religioso que social y político, favorece la emergiancia de la imagen del diablo. La escatología es pesada, la Iglesia se vuelve amenazadora, funda su discurso sobre el temor del infierno. A partir de este período, diversos artistas, esencialmente escultores, se esfuerzan de describir el físico y la personalidad de esta criatura. La expresión de su forma antropomorfa verdaderamente va a precisarse y desarrollarse. Emana de ella una ambigüedad, el diablo es tan horrible, que llega a ser difícil representarlo. Sólo su visión puede ser peligrosa, a veces mortal. Su imagen es paradójica, nadie lo ve sin embargo todo el mundo debe reconocerlo. Esta complejidad, entre su definición y su representación, hace resaltar tres propriedades utilizadas para designar su natural demoniaco y para elaborar su retrato : la agresividad, la anormalidad y la inmaterialidad. La análisis de las esculturas del Mediodía Francés y del Norte de España permite de explorar estas tres especifidades ; la traducción de cada detalle aparece importante en la significación de la imagen del diablo. Este ser enigmático ha alimentado lo imaginario de los hombres del XI y del siglo XII. Los artistas han buscado a intensifiar su maleficio por la fealdad, la deformación, pero también por la bestialidad. Símbolo mismo del Mal, el diablo es la encarnación de el. Formalizandolo, los artistas han querido canalizarlo y en una cierta medida dominarlo. Abyecta y misteriosa a la vez, esta extraña criatura es la representación de sus temores los más profundos y de sus fantasmas no confesados
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Coulangeon, Cécile. "L’architecture religieuse des Xe et XIe siècles dans le sud-est du Domaine royal capétien." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100155.
Анотація:
Le sud-est du Domaine royal capétien est longtemps resté ignoré des études sur les débuts de l’architecture romane. Ceci est en grande partie lié à la position marginale qu’il occupe par rapport aux grands ensembles de l’historiographie, un état de fait qui découle comme nous avons eu l’occasion de le montrer d’une longue évolution historique depuis l’époque celtique où la zone fut subdivisée entre Sénons et Carnutes. Les premiers souverains capétiens ont toutefois porté un intérêt particulier à cette région, tentant au XIe siècle d’unifier l’espace compris entre leurs trois grands centres : Orléans, Étampes et Melun, face aux poussées de leurs rivaux bléso-champenois. L’activité architecturale semble alors battre son plein, avec de très nombreuses constructions, certes secondaires, mais témoignant d’un certain dynamisme architectural à cette époque. L’examen des monuments les plus importants, confrontés aux autres réalisations phares menées par les Capétiens dans le reste de leur Domaine royal, permet d’envisager le développement d’une politique édilitaire, favorisant certaines formes architecturales monumentales comme la tour-porche ou le chevet dit harmonique, dans une volonté claire de la part des nouveaux souverains de s’imposer visuellement dans le paysage, de se positionner en héritiers de leurs prédécesseurs carolingiens et de s’imposer face à leurs contemporains ottoniens, en reprenant certaines de leurs formes architecturales les plus emblématiques. Ces résultats ne doivent pas cacher en revanche des questions laissées en suspens, notamment en ce qui concerne les datations des édifices considérés ici. L’architecture apparaît en effet assez uniforme, entre petit appareil de tradition antique, opus spicatum, remplois de sarcophages haut-médiévaux et débuts du moyen appareil ; et les critères de datation généralement admis s’opposent à ceux des rares décors conservésThe southeast of the Capetian royal Domain remained for a long time unknown by studies on the beginnings of Romasnesque architecture. This is largely connected to the marginal position which it occupies compared with the large sets of the historiography, an established fact which ensues as we had the opportunity to show it of a long historic evolution since the Celtic period when the zone was subdivided between Sénons and Carnutes. The first Capetian sovereigns however carried a particular interest in this region, trying in the 11th century to unify the space between their three big centers : Orléans, Étampes and Melun, in front of pushes of their bléso-champenois rivals. The architectural activity then seems to be in full swing, with very numerous constructions, certainly secondary, but testifying of a certain architectural dynamism at that time. The examination of the most important buildings, confronted with the other key realizations led by the Capetians in the rest of their royal Domain, allows us to envisage the development of a artistic policy, favoring certain architectural monumental forms as tower-hall and harmonious bedhead, in a clear will on behalf of the new sovereigns to stand out visually in the landscape, to position in heirs of their Carolingian predecessors and to stand out in front of their ottonian contemporaries, by taking back their most symbolic architectural forms. These results can’t hide on the other hand questions left unsettled, in particular as regards the datings of buildings considered here. The architecture indeed seems rather uniform, between walls with small rubbles, opus spicatum, re-uses of high-medieval sarcophagus, and beginnings of carved stone ; and the generally admitted criteria of dating oppose those of the rare preserved decorations
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Ducret, Sophie. "La fabrique de la création artistique : Approche historiographique et épistémologique du processus de la commande au Moyen Âge : l’exemple des peintures murales du Midi de la France aux âges romans (XIe-XIIe siècle)." Electronic Thesis or Diss., Montpellier 3, 2023. http://www.theses.fr/2023MON30047.
Анотація:
La pratique de la peinture murale aux âges romans a bénéficié, depuis sa “redécouverte“ au XIXe siècle, d’une longue tradition d’études en France et en Europe. Cette historiographie s’établit dans les développements d’un champ d’études plutôt récent mais s’est enrichie des évolutions épistémologiques des disciplines connexes, comme l’histoire et plus généralement les sciences sociales. Dans la continuité des recherches récentes portant sur les acteurs de la création artistique, en particulier dans le domaine de la peinture murale, notre thèse s’intéresse à un acteur essentiel de la production désigné traditionnellement sous le terme de “commanditaire“. Sur la base d’un corpus de 30 ensembles conservés dans le Midi de la France, datés pour la majorité du XIIe siècle et face à un silence des sources historiques, nous nous sommes confrontée à la question de la “commande“. La démarche historiographique permet de mettre en perspective certains acquis sur le sujet et de proposer une nouvelle vision de la création artistiqueSince its 'rediscovery' in the 19th century, the practice of wall painting in the Romanesqueages has benefited from a long tradition of study in France and Europe. This historiography is based on developments in a fairly recent field of study, but has been enriched by epistemological developments in related disciplines, such as history and the social sciences more generally. Following on from recent research into the players involved in artistic creation, particularly in the field of mural painting, our thesis focuses on an essential player in production traditionally referred to as the 'patrons'. On the basis of a corpus of 30 ensembles preserved in the South of France, most of which date from the twelfth century, and faced with a silence in the historical sources, we have confronted the question of 'commissioning'. The historiographical approach enables us to put into perspective certain knowledge we have gained on the subject, and to propose a new vision of artistic creation
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Jaluzot, Pascal. "Architecture et décor des clochers des églises rurales en Bourgogne du Sud ( XIe - XIIe siècles)." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H021/document.
Анотація:
Les clochers des petites églises rurales de Bourgogne du Sud sont étudiés pour leur architecture et leur décor mural des XIe-XIIe siècles. Ces deux éléments peuvent être à la fois partenaires et étrangers l'un à l'autre. Cette double situation entraîne des jugements parfois erronés quand on les rapproche dans une même classification. De fait, la première impression donnée par leur décor mural rappelle les caractéristiques du « premier art roman ». Or, construire un mur avec des moellons simplement équarris et un abondant mortier correspond au bon usage des matériaux disponibles et ne classe pas automatiquement les clochers en «premier art roman». À partir d'un corpus de 112 clochers, les choix constructifs et décoratifs de leurs commanditaires et maîtres maçons font apparaître l'existence d'un «modèle-type» de clocher auquel un décor mural du «premier art roman» est parfois ajouté. Il y a donc un élément invariant : celui du matériau, simple, peu coûteux et un «phénomène de mode». La répétition de ce modèle joue un rôle unificateur dans un paysage qui apparaît alors comme participant de la chrétienté voulue par la Réforme grégorienneThis thesis studies South Burgundy small rural churches steeple focusing on their 11th-12th centuries architecture and wall decoration. These two elements can be either connected or unrelated. This opens the door to erroneous judgments when both are approached into a single classification. In fact, the first impression mural a decoration often conveys is reminiscent of the "first Romanesque art". However, building a wall out of simply squared rubble stones and heavy mortar corresponds to the proper use of available materials and does not automatically classify the steeples in "first Romanesque art". The analysis of constructive and decorative choices made by master masons and sponsoring benefactors across the corpus of 112 steeples considered in this research reveals the existence of a typical "standard" bell tower constructive design to which a mural decoration is added. This highlights the existence of a clear constant: the choice of construction materials, simple expensive, low-tech, while also fashionable. The recurrence of this model has played a unifying role in the Christian landscape the resulting from and aspired to by the Gregorian reform
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Nicolier, Anelise. "La construction d'un paysage monumental religieux en Brionnais à l'époque romane." Thesis, Lyon 2, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO20120/document.
Анотація:
Au Sud de la Bourgogne, le Brionnais peut de loin apparaître comme une génération spontanée du XII° siècle. De fait, ce n’est ni une région physique naturelle, ni une division ecclésiastique. En un temps où une frontière vient séparer la France et la Bourgogne, puis l’Empire, une sorte de hasard va faire de ce territoire disparate, en marge, dirait-on, une marche, vouée à se définir. Le Brionnais va se former, bénéficiant d’une politique volontaire, due à la présence active de deux seigneuries féodales, incarnées par les familles de Semur et Le Blanc : autour d’elles, par le jeu des alliances, voire des rivalités, par les prestigieuses carrières ecclésiastiques de certains de leurs membres, les seigneurs du Brionnais tissent des liens avec les grandes familles des territoires voisins. Au résultat, solidité au dedans,ouverture au dehors sur les régions limitrophes, les lieux de culte, églises et monastères, fleurissent en peu de décennies, pour en dessiner un paysage monumental spécifique. Il sera précisément marqué par une originalité assez sûre d’elle-même pour chercher, adopter, interpréter et faire fructifier les influences. En somme, réseau politique, réseau artistique, les édifices religieux vont former un ensemble animé de riches interactions. Ce point de vue nous a permis de renouveler le regard porté jusqu’ici sur ce domaine original, le paradoxe étant que cet ensemble n’est pas parvenu jusqu’au XXIe siècle sans pertes ni modifications, et que, sous des apparences romanes, le paysage actuel est avant tout une construction du XIXe siècle ! Il a donc fallu procéder tout d’abord à une analyse régressive, de décapage dans le temps, et de reconstitution prudemment guidée par les traces et la documentation. En parcourant à reculons le patrimoine religieux contemporain et moderne, nous avons pu remonter jusqu’au IX° siècle, jusqu’ici ignoré de la recherche : elle ne s’était intéressée qu’aux églises conservées en élévation, alors que plus de la moitié des églises construites entre le IX° siècle et le XII° avaient disparu de la surface observable. Le premier résultat est d’importance : l’on peut maintenant suivre la genèse du tissu paroissial, comme un glissement du découpage en agri et villæ vers un maillage de parrochiæ. Une fois restitués la géographie politique et ecclésiastique et le patrimoine, il s’est révélé que le contexte particulier du Brionnais avait donné naissance à une architecture religieuse particulière, grâce à l’étude de la morphologie des bâtiments, de leur style, à une attention spéciale portée à la pierre à bâtir depuis son approvisionnement jusqu’à l’ouvrage. L’architecture du Brionnais offre de fait un profil totalement original. Le détail des analyses montre une invention, née de la capacité des bâtisseurs à puiser formes et techniques à des répertoires variés pour composer des créations inédites. Naturellement, comme l’historiographie du Brionnais roman est abondante (en particulier concernant le décor sculpté), notre travail a croisé les sources de réflexion, les bâtiments, les textes et les images, associant archéologie du bâti, histoire de l’art, géologie, histoire. Pour revenir au côté paradoxal, nous avons gardé le souci de favoriser autour de notre XII° siècle le temps long de l’Histoire, et l’époque Moderne, par exemple, nous a beaucoup parlé du Brionnais romanLocated in South Burgundy, France, the region known as the Brionnais appears, at first glance, to be a 12th Century spontaneous by-product. It is indeed neither a natural region, nor is it of ecclesiastical division. However, in a time where frontiers separated France and Burgundy, and later the Empire, a sort of contingency will mend this disparate and marginal territory into a singularly defined region. The Brionnais will form itself through willful policies thanks to the active presence of the Semur and Le Blanc lordships. The lords of the Brionnais will form connections with neighboring lords through games of alliances and rivalries, as well as through the ecclesiastical careers of certain of their members. The result: an inland solidity, an openness to the adjacent regions; places of worship, churches and monasteries flourish in mere decades in order to construct a singular landscape of religious monuments. The latter will precisely be marked by an originality sure of itself in order to seek, adopt, interpret and make bear fruit of its influences. In all, political and artistic network as well as the religious fabrics will create an ensemble of truly rich interactions. This allowed us to renew our view on this original domain, the paradox being that the latter didn’t survive up to the 12th Century without any loss or modification, and that, under Romanesque appearances, the present Brionnais landscape was actually mainly constructed in the 19th Century! Guided by traces and documentation, I proceeded through a regressive analysis, scouring through time, in order to carefully reconstruct the history of theRomanesque Brionnais religious monuments. Going back through the contemporary and modern religious heritage, I was able go as far back as the 9th Century, thus far ignored by research: indeed, until now, research only concentrated on churches conserved above ground, whereas more than half of the churches built between the 9th and 12th Century disappeared from the observable surface. The first result is of paramount importance: we can now follow the parochial structure genesis, like a shift from an agri and villae division to a parochiae network. Once the heritage and political and ecclesiastical geography reproduced, it appeared that the particular context of the Brionnais region gave birth to a particular religiousn architecture, notably thanks to the study of the monuments’ morphology, its style, and tothe attention given to the stone used, from its provision to the work and result itself. Hence, the original profile of the Brionnais architecture. The detail of the analysis show true invention, hatched from the builders’ ability to draw formes and techniques from various repertoires to give birth to unprecedented creations.Naturally, considering the abundant Brionnais Romanesque historiography (notably the sculptured decor), I cross-checked sources of reflection, monuments, textes and images, associating construction archeology, art history, geology and history. Coming back to the paradoxical aspect, I kept the interest of favoring the 12th Century the time of History, and the Modern era, for example, spoke quite a lot about of the Romanesque Brionnais
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Benard, Alain. "L'art rupestre du sud de l'Île-de-France." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010620.
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Linder, Inge E. "Pilgrimage to the millennium : sacred art and architecture in late twentieth-century France." Thesis, Courtauld Institute of Art (University of London), 2000. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.342183.
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Ruellan, Patrice. "Philippe Caubère, le roman d'un auteur." Aix-Marseille 1, 2007. http://www.theses.fr/2007AIX10065.
Анотація:
Le théâtre de Philippe Caubère est à la frontière des genres : autobiographique, il se réclame du roman ; joué seul sur scène, il semble s'approcher du "one man show". Et surtout, il est répétitif : la même histoire, ou presque, est sans cesse réécrite et l'oeuvre tient des palimpsestes successifs. La présente recherche établit un état des lieux du rapport entre le théâtre et le récit autobiographique : elle analyse le mode complexe de production du texte, initialement improvisé par l'acteur, puis réécrit par l'auteur ; elle définit la présentation scénique comme un théâtre masqué où le corps et l'imaginaire s'imbriquent ; elle montre que l'oeuvre dépasse cette matière spectaculaire pour devenir littérature. Le théâtre de Caubère est un "vrai" théâtre. Il peut alors devenir livre, s'adresser à des lecteurs qui ne connaissent pas l'acteur, dépasser le compte rendu de l'éphémère pour qui voudrait se l'appropprier. Un théâtre à lire, à voir, à jouer par d'autres, aussi.
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Jullian, Martine. "Formalisme et réalisme dans la sculpture romane en France : les occupations des mois." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100196.
Анотація:
Le corpus des calendriers sculptes romans en France qui fait l'objet de la thèse est constituée de 33 cycles, répartis dans 32 monuments. Chaque calendrier fait l'objet d'une notice ou sont exposes les principaux problèmes propres à chacun, et où chaque scène est décrite minutieusement et identifiée (volume II). L'étude de ce corpus (volume I) s'articule en quatre points et a conduit aux conclusions suivantes. La situation tant dans l'espace que dans le temps des calendriers est très groupée : la majeure partie est implantée dans un croissant allant des landes au bourgogne et a été sculptée entre 1140-1160. Dans le monument, la situation privilégiée des calendriers (façade ouest, porte principale, voussure extérieure), qui a permis de dégager une "formule type architecturale", n'est pas sans incidence sur le rôle du thème dans l'église comme facteur d'ordre à la fois spatial et temporel. Sur le plan iconographique, le double phénomène de fixité et de variation a également permis de mettre en évidence une "formule type iconographique", et de faire la part entre les thèmes obliges et les variantes régionales ou individuelles. Enfin, est abordée la question de la valeur documentaire des calendriers sculptes, des œuvres d'art qui n'ont pas été conçues pour rendre témoignage d'une réalité disparue, et dont la dimension esthétique doit absolument être prise en compte par l'historien. L'analyse des formes et des thèmes renvoie à une observation de la réalité à la fois très fine et très sélective. Cette finesse et cette sélectivité du sculpteur confèrent à l'image non seulement une valeur documentaire indéniable sur la civilisation matérielle du XIIe siècle, mais aussi une dimension spirituelle. Détail réaliste et stylisation parfois extrême, combines, servent de révélateur a l'expression d'un idéal : idéal fondamentalement optimiste du bien-être, d'un ordre social et religieux reposant sur un ordre économique et politiqueThe corpus of sculpted Romanesque calendar in France which forms the object of the thesis constitutes 33 cycles, spread over 32 monuments. Each calendar receives an individual notice in which are exposed the principal problems of each, and where every scene is meticulously described and identified (volume II). The study of this corpus revolts around four points (volume I). The situation of the calendar in terms of space as much as time is grouped: the majority is implanted in a crescent spreading from lands region to burgundy and was carved between 1140-1160. In the building, the privileged position of the calendars (west facade, door way, exterior archcurves), which has helped to define a "modal architectural formula" has not been without impact on the role of theme in the church as a factor of order both spatial and in time. From the iconographical point of view, the double phenomenon of steadiness and variation has also helped to reveal a "modal iconographical formula", and mark a difference between obligatory themes and regional or individual variants. Last of all, the question is aborded as to the documentary value of sculpted calendars, works of art which were not conceived in order to capture a reality hitherto disappeared and whose aesthetic aspect must certainly be taken into consideration by the historian. The analysis of forms and themes leads to an observation of reality at the same time very fine and selective. This delicacy and selectivity within the sculptor art gives not only an undeniable documentary value to the image of material twelfth century civilization, but also a spiritual dimension. Realistic detail and at times extreme stylization, when combined at as a revealer to the expression of an ideal: fundamentally optimistic ideal of well-being
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Coarelli, Filippo, Simone Sisani, and Emidio De Albentiis. I romani in Sicilia e nel sud dell'Italia. Udine: Magnus, 2006.
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Dectot, Xavier. L'art roman en France. Paris: Hazan, 2005.
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Vergnolle, Eliane. L' Art roman en France: Architecture-sculpture-peinture. Paris: Flammarion, 1994.
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Rotily, Jocelyne. Au sud d'Eden: Des Américains dans le sud de la France (années 1910-1940). Marseille [France]: Association culturelle France-Amérique, 2006.
5
Ripert, Pierre. La France monumentale: Dictionnaire-guide : préhistoire, civilisation gréco-latine, art roman et art gothique. Paris: Lafon, 1998.
6
Geneviève, Sennequier, Arveiller-Dulong Véronique, and Association française pour l'archéologie du verre., eds. Les verres romains à scènes de spectacles trouvés en France. [Rouen]: Association française pour l'archéologie du verre, 1998.
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Parreno, Philippe. Philippe Parreno: Exposition présentée au Centre Pompidou, Galerie Sud, du 3 juin au 7 septembre 2009. Paris: Centre Pompidou, 2009.
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Parreno, Philippe. Philippe Parreno: Exposition présentée au Centre Pompidou, Galerie Sud, du 3 juin au 7 septembre 2009. Paris: Centre Pompidou, 2009.
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Dieu, Lionel. La musique dans la sculpture romane en France. [St-Chély d'Aubrac, France]: Centre de développement en art et culture médiévale, 2006.
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itinerari di ricerca nel Lazio meridionale (2016 II Università degli studi di Roma) Convegno A sud di Roma. A sud di Roma: Itinerari di ricerca nel Lazio meridionale : atti delle giornate di studio, 26-27 ottobre 2016, Università degli studi di Roma "Tor Vergata". [Tivoli]: Edizioni Tored, 2021.
Частини книг з теми "Art roman – France (sud)":
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Raubach, Michael. "The Enduring Importance of Roman Ingarden for Reception Theory." In Roman Ingarden and Our Times: Recent Trends in Phenomenology and Contemporary Philosophy, 63–82. Ksiegarnia Akademicka Publishing, 2021. http://dx.doi.org/10.12797/9788381383936.04.
Анотація:
There have been few philosophers in the 20th century more creative and profound and yet more obscure than Roman Ingarden. He anticipated many of the major philosophical questions that would dominate literary theory in the 1960s and 70s in Germany, France, and the United States. In this paper, I argue that his primary contribution to literary theory is an ontology that arcs deftly between the poles of idealism and realism with a nuanced way of upholding both the formal reality of the literary work of art and the subjective assessment of aesthetic value, all the while preserving the fundamental meaning-making function of language. It was this philosophical foundation that proved to be a fertile ground for later philosophers, like Hans Robert Jauss and Wolfgang Iser, who wanted to push back on what they saw as analogous forces to idealism and realism in the rigidity of formalism and Marxist materialism and the ostensible epistemological nihilism of the psychological hermeneutics.
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Hardwick, Lorna. "Isaac Rosenberg (1890–1918)." In Greek and Roman Antiquity in First World War Poetry, 57–112. Oxford University PressOxford, 2024. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780198907879.003.0004.
Анотація:
Abstract Rosenberg was killed in France in 1918. The poems he wrote in the war were his major achievement. The Introduction and commentaries discuss the interaction in the poems’ subject matter, diction, and forms between his life experiences and his embedded sensitivity to the poetry of the Hebrew Bible and to scenes and motifs in classical texts, mainly Homer and Aeschylus, which he encountered in translations. Born in Bristol in 1890, he was the son of poor Jewish immigrants. His cultural heritage was supplemented by a limited school education and by his study of art (at the Slade) and of English literature (at Birbeck College). The extant paramaterial he sent back from France includes drawings and letters that record physical and mental suffering and antisemitism. Rosenberg thought that poets should be ‘perverse’ and the subject matter and aesthetic of his work frequently subvert cultural and ethical expectations. The poems themselves are not poems of overt protest against the war. They focus on images and episodes that resonate with those in ancient texts but which are also transformed materially and imaginatively by the effects of war on the contemporary environment. Unease, premonitions of disaster, and relief at temporary survival are threaded through his poems, which deploy techniques of affinity, ghosting, and improvisation rather than depending on intertextuality with the classical material. Rosenberg’s poems create ‘thick’ classical receptions, a deep and sometimes subterranean engagement with war poetry that focuses on images and reflections. The commentaries explain the stretched taxonomy this entails, and discuss a variety of critical approaches, including associations with eco-criticism and catastrophe literature.
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Effros, Bonnie. "Colliding Empires." In Objects of War, 50–77. Cornell University Press, 2018. http://dx.doi.org/10.7591/cornell/9781501720079.003.0003.
Анотація:
This chapter explores how the French discovery of Roman ruins in Algeria was used to legitimate its annexation of the territory. Intellectuals and politicians argued that the Ottoman Empire was illegitimate; France was the true heir of the shared Latinate civilization created by the Roman Empire. The new French Empire would simply reunite the Mediterranean world. These efforts were, however, thwarted by both human and material actors. Parisian museum administrators thought that the North African finds were of low quality and not of much interest. French colonists argued, by contrast, that the Roman artifacts should stay in Algeria, to help build a French imperial identity. And the things themselves resisted; they broke when soldiers tried to extract them and their weight sank the ships used to transport them. The chapter then suggests that nineteenth-century campaigns to steal, export, and re-signify art and antiquities sometimes fell short of their ambitions.
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O’Meara, Lucy. "Barthes and the Lessons of Ancient Philosophy." In Interdisciplinary Barthes, 137–53. British Academy, 2020. http://dx.doi.org/10.5871/bacad/9780197266670.003.0009.
Анотація:
Roland Barthes was a classicist by training; his work frequently alludes to the classical literary canon and the ancient art of rhetoric. This chapter argues that ancient Greco-Roman philosophy permits insights into Barthes’s very late work, particularly when we understand ancient philosophy not as an academic discipline, but as a mode of thought which prioritises an art of living. This chapter will focus on Barthes’s posthumously published Collège de France lecture notes (1977–80) and on other posthumous diary material, arguing that this work can be seen as part of a tradition of thought which has its roots in the ethics and care of the self proposed by ancient Greco-Roman philosophical thought. The chapter uses the work of the historian of ancient philosophy, Pierre Hadot, to set Barthes’s teaching in dialogue with Stoic and Epicurean thought, and subsequently refers to Stanley Cavell’s work on ‘moral perfectionism’ to demonstrate how Barthes’s final lecture courses, and the associated Vita Nova project, can be seen as efforts by Barthes to transform his ‘intelligibility’. Barthes’s late moral perfectionism, and the individualism of his teaching, corresponds to the ancient philosophical ethical imperative to think one’s way of life differently and thereby to transform one’s self.
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Effros, Bonnie. "Classical Archaeology in Algeria after 1870." In Incidental Archaeologists, 248–60. Cornell University Press, 2018. http://dx.doi.org/10.7591/cornell/9781501702105.003.0007.
Анотація:
This chapter examines how the governance of Algeria shifted from a military to a civilian footing after the fall of Napoleon III and the creation of the Third Republic. It chronicles the continued worsening of economic and political conditions of Muslims living under French rule in the North African colony. The chapter also looks at the metropolitan support for archaeological exploration and the French treatment of Roman inscriptions and monuments. With the passage of the 1876 law regulating patrimonial concerns, the minister of public instruction took steps toward a more comprehensive assessment of existing needs regarding antiquities across metropolitan France and Algeria. Authorities in Algiers established a commission intended to identify and catalogue monuments and art objects in the three Algerian departments. Ultimately, the chapter considers the internal impediments to financing and organizing archaeological activities in Algeria.
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Annabel, Catherine. "In the Labyrinth." In W.G. Sebald's Artistic Legacies. Amsterdam University Press, 2023. http://dx.doi.org/10.5117/9789463729758_ch06.
Анотація:
The generation that came to adulthood during or immediately after the Second World War faced the challenge of making art in the post- Auschwitz world, of confronting a world in which not only people but ideas, conventions, and beliefs were displaced. In France this resulted in the phenomena of the nouveau roman, and the nouvelle vague in film, both of which rejected conventional narrative linearity and challenged ideas of authorship, as well as in music that embraced dissonance. W.G. Sebald was from the next generation, born at the very end of the war and thus without the direct experiences that had shaped those artists, but confronting as an adolescent and then as a young man the way in which the status quo had reasserted itself, the “denazification” process had stalled and the Cold War had changed priorities and stifled the kind of challenging debate that had briefly seemed possible before. Sebald’s interest in the French innovators in film and literature is evident in his work. Here I consider the influence of Alain Resnais, in particular L’Année dernière à Marienbad (screenplay by Alain Robbe-Grillet, the theorist of the nouveau roman), but concentrate on writer Michel Butor, whose novel L’Emploi du temps (Passing Time) was particularly influential on Sebald. I draw upon Sebald’s poetry, on his “Manchester” works including The Emigrants, and on Austerlitz, to show how Sebald responded to their strategies and how they affected his own response to the postwar world.
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Christian, Kathleen, and Bianca de Divitiis. "Introduction." In Local antiquities, local identities, 1–12. Manchester University Press, 2018. http://dx.doi.org/10.7228/manchester/9781526117045.003.0001.
Анотація:
The essays brought together in this volume consider the reuse of antiquities and conceptions of the classical past in local communities across early modern Europe. Arising from a conference held at the Warburg Institute in November 2014, the volume brings together essays by speakers, as well as new additions by invited contributors. It unites work by historians of art and architecture, historians and literary scholars that complicates the notion of a unitary, Greco-Roman past revived in a single European ‘Renaissance’, broadening the scope of research in the light of recent interest in regional histories and local antiquarianisms. Adopting an interdisciplinary and comparative method, these essays investigate how communities and individuals from the fifteenth century, guided by local concerns, were engaged with the invention of the past through the strategic, creative use of texts and images. Contributions consider the revival of the antique not only in the so-called centres of Italy that have long been the focus of study, but also in cities and regions regarded as peripheral, examining diverse political contexts in both Protestant and Catholic Europe – Milan, Ancona, southern Italy, France, Spain, Portugal, Poland, Britain, the Low Countries and elsewhere. As interdisciplinary studies, the essays explore a range of related cultural phenomena: antiquarianism, civic histories, excavations, artistic and architectural projects, collections of antiquities, or the reuse of classical literary models in vernacular poetry....
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Abreu, Clara Habib de Salles. "A trajetória de uma anunciação proibida." In Encontro de História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2018. http://dx.doi.org/10.20396/eha.13.2018.4349.
Анотація:
Este trabalho visa demonstrar a trajetória de uma composição sobre o tema da Anunciação de Cristo. A trajetória se inicia com um desenho de Jacques Stella [Fig. 1] que compunha uma série de 22 desenhos sobre a vida da Virgem Maria realizados em meados do século XVII. A primeira parada na nossa trajetória diz respeito a uma fraude em torno das obras de Jacques Stella que teve curso quase um século depois da realização dos desenhos. Michel de Masso, herdeiro de todo o espólio da sobrinha de Jacques Stella que, por sua vez, havia herdado as obras do tio se aproveitou da proximidade do artista com Poussin e atribuiu a série de desenhos à Poussin de modo que ela atingisse maior valor econômico. A série de desenhos, atribuída à Poussin, veio à tona em Roma em meados do século XVIII e serviu de modelo para as gravuras de Francesco Polanzani. Na Anunciação gravada por Polanzani [Fig. 2] vemos, desse modo, a inscrição: “Nic. Poussin inv. - F. Polanzani sculp.”, ou seja, Poussin teria inventado a composição e Polanzani aberto a gravura a partir do seu modelo. O caso, nos leva a refletir sobre o estatuto do artista e sobre o mercado de arte que, naquele momento teria recebido melhor obras atribuídas à Poussin do que obras atribuídas ao, menos célebre, Jacques Stella. A fraude de Michel de Masso, entretanto, foi descoberta ainda no século XVIII pelo colecionador Pierre Jean Mariette.
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Martínez Rodríguez, Carlos. "Le flux des textes français en Espagne: de Le beau Solignac (1880) de Jules Claretie à La ducha de Mariano Pina (1884)." In XXV Coloquio AFUE. Palabras e imaginarios del agua. Valencia: Universitat Politècnica València, 2016. http://dx.doi.org/10.4995/xxvcoloquioafue.2016.3087.
Анотація:
L'œuvre de Mariano Pina Dominguez, traducteur et adaptateur des lettres françaises à la scène espagnole. Le but de cette étude est d'analyser cet auteur espagnol, grand absent des livres de littérature didactique, inconnu des livres d'Histoire des lettres et cependant auteur reconnu d'un important nombre de pièces parmi lesquelles, la plupart des comédies, des pièces de boulevard, et des scenarios de Zarzuela, mais aussi illustre adaptateur des pièces françaises de Scribe à Labiche, en passant par Pailleron, Bisson et bien d'autres, ce qui permettra la découverte de textes qui sont le reflet fidèle de la société française dans la réalité espagnole. Mariano Pina est reconnu en France comme un intellectuel qui traduit, adapte et surtout diffuse la culture française au sud des Pyrénées. Il traduit les textes, mais il les transforme aussi, les adapte aux goûts qu'il connaît bien du public espagnol de l'époque, il répond aux tendances d'une société qui se transforme. Excellent connaisseur des lettres françaises, parfois il trouve l'inspiration dans un roman, dans un extrait, dans une situation bien précise, qu'il découvre au hasard de ses lectures et il y développe une intrigue qui lui est propre. Par quelle étrange alchimie Le beau Solignac (1880) de Jules Claretie, par exemple, devient métaphore aquatique dans La Ducha (1884) de Mariano Pina ? L'étude de cette œuvre nous permettra d'aborder les différences inherentes au mécanisme de transposition théâtrale d'une langue à l'autre. Dans ce but, nous observerons que l'exercice de réécriture sera le résultat du public et de la salle où la pièce devra être jouée. En dernier lieu nous approfondirons dans la métaphorisation de l'eau présente dans les deux pièces.DOI: http://dx.doi.org/10.4995/XXVColloqueAFUE.2016.3087