Добірка наукової літератури з теми "Art – Collections publiques – Chypre"

Lugt's Répertoire Online, created by IDC Publishers in close co-operation with the Netherlands Institute for Art History RKD in The Hague, is an impressive resource tool and welcome addition for researchers who require information located within the complex arena of auction house art sales catalogs. Also referred to as art sales catalogs, auction catalogs are valuable sources of information on the provenance of art objects, the history of collecting, and historical market trends. Locating auction sales information can be one of the more challenging tasks for a researcher. There are literally thousands of auction house sales catalogs produced worldwide each year, and it is often difficult for a researcher to pinpoint which catalog holds the desired information. Researchers usually turn to union lists of sales catalogs, such as Frits Lugt's Répertoire des catalogues de ventes publiques. Lugt's Répertoire Online, the first volume of which was released by IDC in January 2003, is the electronic version of Lugt's Répertoire, a union list of sales catalogs that has been critical to researchers for more than half a century. This immense printed work in 4 volumes appeared between 1938 and 1987, and although it has been out of print for years, Lugt's Répertoire is still one of the most widely consulted art historical reference works as it essentially functions as a finding aid for art sales catalogs. In the print version of the Répertoire, which covers the period 1600 to 1925, Lugt lists more than 100,000 art sales catalogs from libraries in Europe and the United States. He not only describes the collections of the larger libraries, such as the Paris Bibliothèque de l'Art et de l'Archéologie, but also catalogs the contents of minor collections. Volume 1 of the Lugt's Répertoire Online lists catalogs from the period 1600 to 1825. Volume 2 (1826–1860) has recently been added and therefore more than doubling the current number of records, and the additional volumes will follow sometime soon thereafter.

Le patrimoine archéologique chypriote - l’un des fondements de l’identité territoriale et culturelle d’un pays toujours divisé - est large-ment méconnu en dehors de la communauté scientifique. Paradoxalement, le développement des fouilles archéologiques dès le XIXe siècle a permis la constitution de nombreuses collections à travers l’Europe. Celles-ci conservent et exposent un patrimoine archéologique dispersé, dont le sens n’est que partiellement saisissable. La transmission de ce patrimoine repose à la fois sur la préservation et la valorisation des vestiges. À partir d’enquêtes empiriques, cette thèse dessine une image actualisée de ce patrimoine. Dès lors, les moyens employés pour le préserver et le valoriser sont analysés depuis 1960 - date à laquelle Chypre devient un pays indépendant et mène sa propre politique de sauvegarde et de mise en valeur du patrimoine - jusqu’à nos jours. Pour cela, une sélection de sites et monuments - représentatifs de différentes périodes de l’histoire de l’île - et d’expositions permanentes à Chypre et dans les principaux musées européens sont étudiés. Cette démarche invite à s’interroger sur l’histoire de l’archéologie et des collections : elle propose de comparer les moyens de préservation et de mise en valeur pour en définir les enjeux actuels. Forte de cette analyse comparée et diachronique, cette thèse propose ensuite d’explorer les perspectives possibles pour redonner du sens à ce patrimoine en partage. Enfin, la question du contexte archéologique émerge dans la dernière partie de cette thèse et s’impose alors comme un enjeu de transmission du patrimoine, propre à soutenir de nouvelles expériences de visite
The archaeological heritage of Cy-prus is one of the foundations of the territorial and cultural identity of a country that is still divi-ded, yet it remains largely unknown outside the scientific community. However, the development of archaeological excavations since the 19th century has enabled the formation of various collections throughout Europe. These collections preserve and exhibit a scattered archaeological heritage, and its meaning is only partly acces-sible. Passing on this heritage relies on both the preservation and the display of the remains. Based on empirical investigations, the thesis draws up an up-to-date overview of this heritage. Thus, the means used to preserve and enhance it are analyzed, starting from 1960 - the date when Cyprus became an independent state and began implementing its own policy for protecting and enhancing its heritage - to the present day. To this end, a selection of sites and monuments is studied - they are representative of different periods of the island’s history - as well as a nu-mber of permanent exhibitions in Cyprus and in the major museums of Europe. This study invites questioning the history of archaeology and ar-chaeological collections: it suggests comparing preservation and display methods, in order to highlight the current issues at stake. On the ba-sis of this comparative and diachronic analysis, this thesis then proposes to explore the possible perspectives for giving meaning to this shared heritage. Lastly, the matter of the archaeological context is discussed in the final part of the thesis. Archaeological context is revealed as of crucial importance in the transmission of the heritage, promoting new visitor experiences

Dernièrement, les études sur le patrimoine artistique en Argentine ont fait des progrès importants. Notamment, la recherche des collections d’art publiques et privés a bien avancé. Cependant, l’étude des œuvres médiévales a été presque toujours négligée. L’art médiéval en Argentine est rare, si on le compare avec des styles plus modernes. Mais, il s’y trouve de pièces de haute qualité qui sont très peu connues. Puisque l’étude de ces œuvres est nécessaire pour une meilleure appréciation de notre patrimoine artistique, de sa valorisation et préservation, le principal objectif de cette thèse est de contribuer à la connaissance de ce patrimoine. La grande diversité d’œuvres nous demande de définir un corpus qui deviendra notre sujet d’étude. L’iconographie de la Vierge à l’Enfant est plus représentée que d’autres thématiques, c’est pourquoi nous l’avons privilégié. Etant donné que la quantité de sculptures est supérieure à la quantité de peintures, on a opté pour cette seule technique. Finalement, dans un souci de clarté et d’homogénéité on a délimité notre champ d’étude á la sculpture en bois. La grande diversité d’œuvres nous demande de définir un corpus qui deviendra notre sujet d’étude. L’iconographie de la Vierge à l’Enfant a été le premier critère qu’on a suivi pour faire cette sélection d’œuvres. Etant donné que la quantité de sculptures est supérieure à la quantité de peintures, on a opté pour cette seule technique. Finalement, dans un souci de clarté et d’homogénéité on a délimité notre champ d’étude à la sculpture en bois
During the last years, the building process and history of art collections became a prolific field of study in Argentina. However, research on medieval art in private and public collections in our country received little or no attention. But even if medieval art is considerably less represented than modern styles, there is an interesting amount of high quality medieval pieces exhibited at several museums in Argentina. The main purpose of this thesis is therefore to expand our knowledge of the medieval works of art in public Argentine collections, as related to their origin, dating, interpretation, technique and provenance. These pieces show great diversity of styles, provenance and technique. Such heterogeneity demanded a selection, in order to define a homogeneous corpus of study. Among the many works of medieval art in Argentine museums, the Virgin and Child iconography is the most represented subject - accordingly, that subject has been our first focus of attention. Finally, owing to the abundance of sculpture, we have decided to limit our study to this technique; and in order to give further thematic consistency to our research; we decided to circumscribe our research to woodwork sculpture

La thèse présente le milieu des artistes polonais actifs en France à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Dans le Prologue, l'auteur fait état des conditions du développement de l'art polonais au XIXe siècle face aux partages du territoire polonais entre trois états oppresseurs: la Russie, l'Autriche et la Prusse et à l'absence d'une structure étatique polonaise indépendante. La Première partie est consacrée à l'activité collective des artistes polonais en France, notamment leurs efforts de se grouper dans des associations artistiques. Ainsi, sont présentés le Cercle artistique et littéraire polonais dont l'activité se développait à Paris dans les années 1897- 1904, et ses successeurs: la Société polonaise littéraire et artistique et la Société des artistes polonais à Paris. L'auteur discute les origines, les statuts, les buts, les dirigeants de chacune des associations, mettant l'accent sur leurs diverses actions, en particulier dans le domaine des arts plastiques. Les actions communes entreprises en dehors du cadre des associations artistiques pendant la guerre 1914-1918, telle la production des poupées artistiques par les ateliers de Stefania Lazarska complètent l'image. Un autre sujet abordé par le biais de l'exposition au Palais Potocki en novembre 1918 est celui des actions engagées par les artistes polonais en faveur de l'indépendance de la Pologne. La Seconde partie présente les divers aspects de l'activité menée en France par quelques artistes choisis, notamment par Olga Boznailska (1865-1940), J6zef Pankiewicz (1866-1940), Jan Rubczak (1882-1942), Boleslaw Biegas (1877-1954), Alfred Swieykowski (1869-1953), Boleslaw Balzukiewicz (1879-1935) et Boleslaw Buyko (1878-1940). La Troisième partie donne un aperçu général de la présence de l'art polonais dans les collections publiques et privées en France, notamment celles de la Bibliothèque Polonaise à Paris, riche non seulement en oeuvres, mais aussi en documentation les concernant. L

Inscrite dans le champ de l'analyse des politiques publiques, la thèse aborde aussi des questions relatives à la sociologie de l'art, et dans sa dernière partie à l'histoire de l'art. Dans la première partie, sont abordés les questions de la formation de la politique et de la prise de décision. Y sont mise en évidences les origines des 22 FRAC, structures financées par les régions et par l'état en vue d'acheter et de diffuser des oeuvres d'art contemporain. Les FRAC apparaissent comme l'expression de deux courants dominants au moment de leur mise en place. D'une part la nécessité de répondre aux attentes des militants de la démocratisation de l'art qui souhaitent une plus large diffusion de l'art contemporain et d'autre part opérer une modernisation de l'intervention publique afin de prendre en compte l'évolution des productions plastiques. Dans la deuxième partie, ce sont les modalités de ce changement qui sont mises en avant. Très vite les FRAC se détachent des objectifs assignés par leur tutelle politique. En effet, plutôt que de se conformer aux objectifs politiques, ils adoptent et adaptent les règles en vigueur dans le monde de l'art. Ceci s'explique par l'absence de légitimité de l'intervention publique en matière culturelle et plus encore s'agissant de l'art contemporain. La troisième partie est consacrée à l'analyse de l'activité des FRAC et plus particulièrement de leurs acquisitions. Reprenant les débats qui portent sur l'officialisation de l'art par l'intervention publique, il est mis à jour une bataille pour la définition de l'art. La thèse énumère les différentes conceptions de l'art pour voir en quels termes les achats publics reflètent ces différentes conceptions de l'art. On constate que les FRAC pris dans leur ensemble représentent bien les différentes définitions de l'art, ce qui ne permet pas de conclure à une reconstruction pour l'intervention publique de critères esthétiques
Dealing with public policies, in relation with FRACs (fonds régionaux d'art contemporain). This PhD concerns as well art sociology and art history. The first part analyses how the policy was built and how the decision to apply it was taken. The origins of the FRACs, funded by the state and regional autorities, in order to support contemporary art through exhibitions and purchases, are widely studied. These roots appear to express a compromise between the partisans of a relaunch of art democratization through a larger diffusion, and those of a modernisation of the public intervention in order to better take into account the latest evolutions of contemporary art history. Soon after their foundation. FRACs encountered some profund changements, which the second part of this study describes in details. Many managers of theses institutions chose to follow the professionnal rules of the world art instead of following the initial political goals. This was mainly due to a lack of legitimacy of public intervention in this sensitive field. The third and last part closely examine art purchasing, one of the most specific activities of the FRACs. A "battle" for the definition of art (what is art and what is not) goes with debates about officialization of art and aesthetic criteria through public intervention and massive purchase. Nonetheless, it appears that this intervention remains pluralistic : the works chosen by the FRACs reflect a wide range of "definitions" of art which does not enable to conclude that these institutions contribute to rebuilt academic aesthetic criteria

Dans l’ensemble des recherches consacrées au vêtement, la mode enfantine française reste peu étudiée. Pourtant le vestiaire enfantin occidental du 18e siècle à nos jours, est abondamment présent dans les collections des musées de mode, d’ethnologie ou d’arts décoratifs. En partant de l’étude de ces fonds majoritairement inexploités et en les croisant avec des archives de la confection et des témoignages d’usagers, notre thèse analyse la relation de l’enfant à son vêtement. S’il possède des capacités à parler, à manipuler et à vouloir, l’enfant quand il nait n’est pas imprégné des usages qui fondent nos vies en société. L’éducation de l’enfant consiste, dans un rapport de dépendance constant à l’adulte, à socialiser le petit d’homme pour le faire entrer dans l’histoire. En prenant en compte la capacité du vêtement à habiller les identités et à investir le porteur d’un statut particulier, notre étude l’envisage comme un outil essentiel d’imprégnation dans les mains de l’adulte. Parallèlement, système technique manipulable, ensemble de sensations, objet d’envies et de fantasmes, le vêtement est utilisé par l’enfant à sa manière. Afin de sortir d’un regard purement adulte, nous avons cherché à déconstruire ce processus de socialisation en analysant l’appropriation du vêtement par l’enfant. Ainsi, croisée avec des données historiques, sociologiques ou ethnologiques, l’étude des vêtements d’enfant issus des collections muséales française apporte un autre éclairage à l’histoire de l’enfant et montre l’apport de la culture
Despite the abundance of children’s clothes in the collections of French Fashion, Applied Arts and Folk Museums, Children’s Fashion is not a major topic in Fashion History. Crossing a corpus of artefacts with ethnographical, historical and sociological testimonies and archives from the Fashion Industry, this research intends to analyse the relationship between the child and its clothing. Despite its abilities to talk, manipulate and desire, the child is not imbued by the habits defining social beings. Therefore, in a constant interdependence with the adult, the child’s education consists in its socialisation to bring him into history. Through the analysis of the capacity of Fashion to dress the identities, this research approaches clothing as an education tool in the hands of the adults. In parallel, as a technical handling kit, a set of sensations and an object of desire, clothing is an adoptable system by the child who dresses up itself as it wants. In order to avoid an adult focus, this study looks also at the deconstruction of this socialisation process by analysing the appropriation of fashion by children. Finally, this study of children’s clothing provides another approach to Childhood History and shows the essential contribution of the study of the Material Culture to a Childhood Sociology, source of knowledge of the mechanisms of our society

La collection demeure un puissant moteur de curiosité en perpétuelle effervescence. Elle relève de la sphère artistique et participe de l’indicible. Elle échappe à la logique et à la rationalité. Elle nous dépasse et ne relève que de l’ordre du sensible. C’est pourquoi en parlant des relations entre l’art et la société, la collection occupe une place singulière. Pourtant, si les études juridiques consacrées aux œuvres d’art sont nombreuses, il en irait autrement pour les collections, alors même qu'elles sont heurtées depuis plusieurs décennies par de nombreux bouleversements économiques et artistiques peu étudiés par le droit. Un tel constat conduit à ramener les collections dans le champ d’une analyse juridique. Celui-ci n’est pas seulement académique et il implique de réelles conséquences pratiques. Comment la collection est-elle appréhendée par le droit ? Quel est son avenir juridique ? Telles sont les interrogations qui vont permettre de remonter aux sources de ce corpus pour mieux envisager son devenir. Pour ce faire, il convient d’appréhender la consistance même de la collection par le prisme de la propriété et ses régimes de protection. Puis, il sera permis d'envisager la gestion et la transmission juridique de ces patrimoines artistiques qui s’enracinent dans le cadre d’une activité culturelle des collectionneurs publics et privés. Dans une approche pluridisciplinaire, l’étude présente de façon à la fois globale et cohérente l’appréhension de la collection par le droit. Il s’agit de contribuer à une compréhension accrue des instruments permettant le fonctionnement de cet ensemble dans la relation qu’il entretient avec le droit, son marché et ses divers protagonistes. En mettant en évidence la contradiction entre la volonté du législateur d’encourager le développement des collections et les restrictions qu’il impose, l’étude participe, à sa mesure, à la connaissance juridique de cet objet, à sa valorisation et à sa conservation sur le territoire afin de déployer une nouvelle « culture de la collection ». C’est ainsi que l’on peut vérifier une nouvelle fois que le droit est un outil d’intelligence de réalité sociale pour la collection et un matériau directement expérimentable par le collectionneur pour aller au-delà du droit
The collection remains a powerful engine of curiosity in perpetual effervescence. It concerns the artistic sphere and takes part of the inexpressible one. She escapes from logic and rationality. She’s beyond us and raises only about the sensitive one. Therefore, speaking of the relationship between art and society, the collection occupies a singular place. However, if the legal studies devoted to artworks are numerous, it would be different for collections, while at the same time they have been run up against for several decades by many economic and artistic upheavals, little studied by the law. Such a report led to bring back the collections in the field of a legal analysis. It’s not only academic and involves real practical consequences. How is the collection apprehended by the law? Which is its legal future? These are the questions that will help to go back to the sources of these corpus to better consider their destiny. With this intention, it’s advisable to appreciate the consistency of the through the prism of the property and its protection schemes. Then it’ll be possible to consider the management and the legal transmission of such artistic heritage which roots in the context of a cultural activity of public and private art collectors. In a multidisciplinary approach, the study presents so both comprehensive and coherent apprehension of the collection by the law. This is to contribute to an increased understanding of the instruments allowing the operation of this set in its relationship with law, its market and its various protagonists. By highlighting the contradiction between legislator’s desire to encourage the development of collections and the restrictions it imposes, the study involved in its extent, the legal knowledge of this subject, its valorization, and its conservation on the territory in order to deploy a new "collection’s culture". Thus one can verify once again that the law is a tool of intelligence of social reality for the collection and a material directly usable by the art collector to go beyond the law

La vision de la collection bordelaise apparaît kaléi͏̈doscopique. Même après l'achèvement du Musée en 1881, les sculptures ont été souvent déplacées. Cet art statuaire ne sera redécouvert qu'à partir des années 1970. La collection s'est toutefois constituée de manière logique à travers les dépôts de l'Etat, les achats réalisés grâce aux sociétés artistiques locales, les dons et legs ou le mécénat municipal. Parmi les artistes figurent quelques sculpteurs locaux. Nombre de bordelais ont œuvré dans d'autres genres : sculpture ornemaniste, art religieux ou funéraire. A leurs côtés, se trouvent des noms illustres : Dalou, Carpeaux, ou Rodin. Les collections du musée renferment les maquettes de monuments publics, dont les projets d'aménagement de la place des Quinconces. De l'inspiration antique à l'art décoratif, en passant par les scènes de genre et la sculpture animalière, du néo-clacissisme au réalisme pittoresque, l'ensemble regroupe les genres et les styles exprimés au XIXe siècle
The vision of the collection of Bordeaux seems kaleidoscopic. Even after the completion of the Museum in 1881, the sculptures were often moved. That statuary art will not be rediscovered before the seventies. However, the collection has been constituted by a logical way, throughout the National deposits, the purchases realized thanks to the local artistics societies, the donations and legacies or the municipal contribution Among the artists appear local sculptors. Many artists of Bordeaux have worked in others genres : ornemanist sculpture, religious or funerary art. By their side, we notice famous names : Dalou, Carpeaux, or Rodin. The collections of the Museum contain the models of public monuments, including the development projects of the place des Quinconces. From antique inspiration to decorative art, by the way of genre scenes and sculpture of animals, from neoclacissism to picturesque realism, the whole gathers together the genres and the styles expressed during the 19th century

Le présent travail de recherche se propose de rendre compte de l'histoire et de la situation actuelle des musées d'art en Grèce. Le musée en tant qu'institution moderne s'inscrit dans des enjeux liés non seulement à l'art mais également à la politique et à l'histoire. En Grèce, les études qui se sont attaché à mettre en évidence les liens entre musées, culture, histoire, politique et identité nationale ont porté essentiellement sur les musées archéologiques. Ce qui est entrepris ici est une tentative d'histoire culturelle des musées d'art dans la Grèce contemporaine, Ces musées ont connu un développement important après J 950, aussi une vision macroscopique permet-elle de mettre en évidence les moments majeurs de leur transformation institutionnelle. Cependant, les origines du développement récent des musées d'art ainsi que ses fondements idéologiques sont à chercher dans des époques antérieures. Le rôle de l'État à la fois responsable, promoteur et gestionnaire du patrimoine est un élément central de l'étude. Mais sont également restituées les initiatives cruciales des individus et des collectivités qui se sont attachés à la création et développement des pinacothèques grecques. Enfin, l'étude des musées d'art en Grèce conduit à évoquer l'émergence dans ce pays d'un monde de l'art contemporain. Cette thèse restitue une histoire des pinacothèques, c'est-à-dire des musées d'art, et explore les idées, histoires et réalités de la Grèce contemporaine.

En histoire de l'Art, la collection de musée n'est pas en soi un ensemble cohérent et signifiant. Simple contenant, le musée accueille l'œuvre, objet unique forcément unitaire. Les parentés stylistiques et courants d'influence qui peuvent être convoqués implicitement sont les seuls réseaux de sens possibles. Il n'y aurait d'évidence formelle que pour ce spectateur-expert culturellement, socialement déterminé, muni des clés de lecture du lieu et des œuvres en place. Poser un autre regard sur la collection de musée implique de dépasser ces grilles de lecture en usage pour fonder l'existence même de l'objet et rendre possible la lecture profane. Seule l'approche sémiotique ouvre le champ des possibles avant toute analyse. Le concept opératoire et hjelmslévien de texte traduit, en sa qualité de champ théorique et méthodologique, l'ensemble des préoccupations. Aboutir ainsi sur un nouveau système d'accrochage - plus évident formellement pour le lecteur profane devenu acteur de ses propres trajets car placé en situation de Coprésence interactive avec des œuvres rendues accessibles en direct - suppose le rétablissement de la fonction cognitive et sociale de l'art

Tout au long du XXe siècle, dans différents domaines et institutions, s'est défini ce qui semble un vocabulaire autour du patrimoine collectif. Or, ce concept contient une contradiction qui s'exprime de plusieurs manières, parmi lesquelles une « ambiguïté juridique », une « inflation sémantique » et une « universalisation ». Le concept actuel de patrimoine collectif est, selon nous, le produit, d'une part, de l'histoire des collections et de l'autre, de l'agencement de l'art et des sciences par le pouvoir public. Nous souhaitons mener une réflexion interdisciplinaire qui souligne les traits en commun tout au long de l'histoire des collections. Le patrimoine culturel est une institution politique qui octroie un statut juridique spécial à l'ensemble des biens réunis et qui réclame à être de caractère public. La distinction entre propriété privée et publique devient alors floue, au point que l'intérêt public détermine la destination et le traitement des objets même de propriété privée. « L'universalisation du concept » passe d'abord par l'histoire du collectionnisme dans la longue durée et, ensuite, en étudiant le cas de la Commission des monuments, active entre 1790 et 1794, à travers les nationalisations. Les travaux de cette commission relèvent, à la fois, du collectionnisme depuis la formation de collections de reliques, en passant par la formation de cabinets de curiosités et jusqu'à la collecte d'objets lors de grands voyages d'exploration ; et par l'établissement des collections nationales par le pouvoir public
Throughout the 20th Century, in different domains and institutions, what seems to be a vocabulary around the collective heritage has taken shape. Yet, the concept contains a contradiction, expressed on different ways, among those a «legal ambiguity ». A « semantic inflation » and a « universalisation ». The current definition of the collective heritage is the product, in one hand, of the history of collections and on the other hand, the arrangement of arts and sciences by the public authority. We wish to conduct a multidisciplinary reflexion underlying the common characteristics all along the history of collection. The cultural heritage is, therefore, a political institution with a particular legal status, requiring publicity. Distinction between private and public property becomes therefore blurred, to the point that the public interest may determine the destination and treatment even of private property goods. The « universalisation of the concept » passes through the history of collectionnisme in the long term to the study of the Commission des monuments, active between 1790 and 1794. The works led by this commission were concerned, at the same time, by the history of collectionnisme since the formation of relics collections, going through the formation of the curiosity chambers, and ending up at the object collecting during the voyages of scientific exploration, and of course, at the establishment of the national collections by the public authority