Добірка наукової літератури з теми "Tragédie – Théorie littéraire"

Résumé S'inspirant de la théorie de Pierre Bourdieu de la stratification violente du « champ de production culturelle » et de la théorie d'André Lefevere de la médiation hégémonique du patronage dans la survivance des oeuvres littéraires, cet essai analyse la ré-écriture de la littérature québécoise au Canada anglais par le biais des pratiques de traduction. Toronto (et New York) contribuent à la légitimation de la littérature québécoise : les maisons d'éditions anglophones choisissent ce que l'on traduit et qui le traduit — des processus de séléction qui ont féminisé la culture québécoise comme alternative au matérialisme américain. Les romans de Gabrielle Roy, Anne Hébert, et Marie-Claire Blais ont été intégrés pleinement au système littéraire anglo-Canadien où, ré-écrits comme « réalistes » et présentant une image d'un Québec unilingue anglais, ils ne circulent que dans le champ de grande production ou le champ de la production restreinte, addressés à la bourgeoisie. En dépit de l'hypothèse de Carolyn Perkes, cependant, l'écriture d'une génération féministe plus jeune (Nicole Brossard, France Théoret, etc.) n'a pas transformé les normes du champ littéraire cannadien-anglais. Un nouveau genre de « fiction/théorie» s'est développé au Canada anglais, mais il ne circule que dans le champ de production marginale (les presses féministe et d'avant-garde) sans la reconnaissance d'autres positions dans le champ culturel. En effet, dans cette fiction/théorie, la thématique du langage, qui met en relief l'asymétrie du pouvoir entre l'anglais et le français, a été fortement critiquée parce qu'elle enfreint les normes de la purété linguistique et du sens transparent qui structurent le champ de la production restreinte. Un dialogue entre féministes à travers les langues a influencé l'écriture des écrivaines québécoises pour qui le motif de la traduction informe quelques romans récents. Répondant par un jeux de variations à la violence d'une subordination symbolique, ces romans entreprennent le travail du deuil pour l'objet perdu (la mère absente, la langue unique) en employant la traduction comme une figure de perlaboration. La traduction n'implique pas la tragédie d'une perte de la langue, mais un excès carnavalesque de la répétition dans beaucoup de langues potentielles. La traduction constitue alors un accès privilégié à une créativité autre.

Plusieurs poètes contemporains représentent l’Acadie comme faisant partie d’une francophonie continentale. Depuis les années 1970, l’imaginaire acadien littéraire s’écarte du village et de l’image traditionnelle d’un passé rurale. Georgette Leblanc, la Poète officielle du Parlement du Canada, réalise son regard continental tout en puisant dans un passé folklorique. Le sujet de son poème romanesque Amédé (2010) est un musicien louisianais légendaire, Amédé Ardoin. Renommé pour sa virtuosité vocale et instrumentale, ce Créole noir francophone est aussi un des premiers artistes à atteindre la célébrité grâce à ses enregistrements. Victime d’une attaque à motivation raciste, il fait l’objet d’une légende qui est aussi une tragédie. L’Amédé de Georgette Leblanc est le héros d’un récit raconté par une grand-mère acadienne. C’est un vagabond qui a un désir ardent de s’enraciner dans un village cadien, de graver sa marque et de laisser des traces. Or, Leblanc n’indique pas l’ethnicité de son Amédé. Elle n’y fait pas allusion même au moment du meurtre à la fin du livre. La légende d’Amédé Ardoin a porté des fruits étranges en Acadie, et la plus grave tragédie est l’obscurcissement de ses racines. Dans cet article, nous visons à explorer les enjeux de l’omission des enjeux raciaux dans Amédé en nous inspirant des théories de Jarrod Hayes sur la queerité implicite des diasporas.

Dans cet article, nous allons analyser les thèmes méta-théâtraux contenus dans La Critique de L'École des femmes et dans L’Impromptu de Versailles, afin de faire ressortir l’activité métafictionnelle de Molière développée dans ces deux pièces. En examinant ses théories sur l’esthétique théâtrale et sur le débat concernant la tragédie et la comédie ainsi que la fidélité aux règles, nous visons à démontrer le rôle actif que Molière joue au sein des querelles théâtrales par le biais du théâtre dans le théâtre en tant que juge de ses propres œuvres si ce n’est en tant que défenseur de ses pièces et du genre comique. De plus, en soulignant son apport à la critique littéraire, nous nous proposons de mettre en évidence aussi que, de par ces deux pièces, Molière attaque les vices des mœurs de la société mondaine de son temps et tout particulièrement l’affectation, la vanité, la pédanterie, la fausse pruderie, la dévotion hypocrite dans une optique d’édification universelle à caractère intemporel et qui plus est dans des finalités éducatives émancipatrices vis-à-vis de la condition féminine.

This article explores the intersections of physiognomic knowledge and drama in the works of Neapolitan naturalist and playwright Giovan Battista Della Porta (1535–1616). It first looks at references to theatre—classical drama in particular—in Della Porta’s writings on physiognomy, thus showing that Latin comic plays provided the naturalist with a gallery of stock characters able to summarize the alleged interdependence of physical and moral traits. The article then analyzes the various ways in which Della Porta—who was a prolific author of comedies—brought his physiognomic expertise into his own experience as a playwright. The study of these two different perspectives on the relation between physiognomy and drama reveals that, far from being a direct translation of physiognomic theories, Della Porta’s dramatic production deploys an ironic and almost paradoxical take on physiognomy that aims to challenge (if not actually subvert) the very principles of the discipline. Cet article explore les interactions entre la physionomie et le drame dans les oeuvres du naturaliste et dramaturge napolitain Giovan Battista Della Porta (1535–1616). On examine d’abord les références que fait Della Porta au théâtre — en particulier à la tragédie classique — dans ses écrits sur la physionomie, avant de montrer que le théâtre comique latin a fourni au naturaliste une panoplie de personnages stéréotypés lui permettant de mettre en avant l’interdépendance présumée entre traits physiques et traits moraux. L’article poursuit en analysant les diverses façons dont Della Porta, auteur prolifique de comédies, a exploité dans son travail ses connaissances en physionomie et son expérience de dramaturge. L’étude de ces deux aspects de la relation entre physionomie et théâtre montre que l’oeuvre dramatique de Della Porta déploie une approche ironique et presque paradoxale de la physionomie qui, bien loin d’être une traduction littérale des théories physionomiques, vise à remettre en question, voire à inverser, les principes fondamentaux de cette discipline.

On analyse l'œuvre d'Eschyle éditée par le savant anglais Richard Porson (1759-1808), un sujet qui entre dans le domaine de l'histoire de la philologie classique, mais il concerne aussi l'histoire de la tradition du texte d'Eschyle. Les résultats scientifiques obtenus sont les suivants : a) la reconstruction la plus convaincante possible des circonstances de la publication et de la diffusion des exemplaires que nous connaissons; b) l'attribution à Richard Porson de conjectures qui ne lui étaient pas attribuées jusqu'à présent (cette opération ne concerne que la tragédie Eumenides); c) la reconstruction et l'examen détaillé de la méthode philologique de Richard Porson. On s'occupe d'éclairer les racines culturelles, historiques et philosophiques qui ont engendrée cette méthode après une comparaison avec la méthode de R. Bentley et de G. Hermann, en portant attention particulière à l'évaluation de leurs compétences métriques et linguistiques du Grec ancien
This PhD dissertation is about Richard Porson, an English academic of the xviii/xix century, and his work on Aeschylus. This topic concerns the history of classical philology and the transmission of the text of Aeschylus and is developed in: a) history of Porson's edition on Aeschylus; b) detection Porson's conjectures on Eumenides; c) analysis of Porson's scientific methodology with a particular reference to his skills in Greek meter and language. The investigation implies a comparison with R. Bentley's and G. Hermann 's philological practice which aims to set Porson's work in its historical and epistemological context

Cette thèse porte sur la poétique du roman de Victor Hugo, Theodor Fontane et Thomas Hardy en s'appuyant plus spécifiquement sur l'étude de L'Homme qui rit (1869), Errements et Tourments (1888) et Tess d'Urberville (1891). En rapprochant ces trois romanciers majeurs mais tenus à l'écart des théories générales du roman, il s'agit de montrer le maintien d'une conception du roman moderne comme forme poétique du monde, s'inscrivant dans un horizon de pensée idéaliste, progressiste et critique. Hugo, Fontane et Hardy, romanciers qui se disent avant tout poètes, font le choix de faire du roman une tragédie, forme poétique du monde qui va à l'encontre du prosaïsme moderne et romanesque théorisé par Lukacs, à la suite de Hegel. Face au nihilisme et aux théories du roman réaliste qui voient le jour dans la seconde moitié du XIXe siècle et tentent de définir – au sens restrictif du terme – le genre romanesque, ils retrouvent le modèle du roman romantique et le redéfinissent face au roman réaliste. Leur poétique est alors fondée sur la « poiétisation » de la prose, autrement dit, sur l'imagination, le symbolique et le métaphorique. Ils affirment ainsi la spécificité et la possibilité d'une expérience poétique, c'est-à-dire subjective, héroïque et morale du monde, ainsi que la capacité du roman à produire un savoir poétique sur le monde et l'histoire
This thesis deals with the poetics of the novel in Victor Hugo, Theodor Fontane and Thomas Hardy, with a specific focus on The Man who Laughs (1869), Trials and Tribulations (1888) and Tess of the d'Urbervilles (1891). By bringing together these three novelists who are widely acknowledged as major writers yet ignored by general theories of the novel, this study will show how a vision of the modern novel as a poetic rendition of reality, with an idealist, progressive and critical background, has maintained itself. Hugo, Fontane and Hardy, three novelists who considered themselves to be poets first and foremost, opted to turn the novel into a tragedy, a poetic rendition of reality which stands in contrast with Lukacs’ post-Hegelian theories of the modern novel as a prosaic literary genre. In the face of nihilism and the theories of the realist novel which surfaced in the second half of the XIXth century and attempted to define – in the restrictive sense of the word – the genre of the novel, they turned back to the model of the Romantic novel and reinvented it at a time when the realist novel was preeminent. Their poetics was therefore based on the “poietisation” of prose, in other words, based on the imaginary, the symbolic and the metaphoric. This enabled them to assert the specificity and possibility of a poetic, that is to say subjective, heroic and moral experience of the world, as well as the ability of the novel to generate poetical knowledge about the world and history

L’héroïne de tragédie joue-t-elle le même rôle aristotélicien que le héros?Cette thèse examine six pièces, les Andromaque, Iphigénie en Aulide et Hippolyte d’Euripide et les Andromaque, Iphigénie et Phèdre et Hippolyte de Racine. Les trois héroïnes, examinées dans les trois premiers chapitres, ont des limites de représentation tragique spécifiques, les rendant moins présentes à l’action héroïque que les héros-type. Mais leur présence, même contrainte, ouvre la question de la condition féminine, que les Grecs ont été les premiers à conceptualiser, et que le XVIIème siècle en France a également mise en avant, du moins pour les femmes éduquées.Ensuite sont étudiés quelques exemples plus ponctuels de représentation d’héroïnes tragiques.Au cinquième chapitre est considéré l’impact de la présence et des absences des héroïnes sur la tragédie en tant que forme culturelle récurrente (tenant compte des éléments du modèle aristotélicien de la tragédie, muthos, hamartia, hubris, anagnorisis, katharsis, et l’interaction des héroïnes avec ces valeurs), contribuant à l’évolution des mentalités. En conclusion, la transmission culturelle de l’héroïne (mythe, épopée, culte, tragédie antique et classique, récurrences contemporaines) peut se conceptualiser en employant une récente théorie syntaxique et cognitive, la théorie X-barre. La théorie de la structure et de la contrestructure est articulée, qui suggère un modèle cognitif, rendant compte de l’évolution sociale des rapports entre hommes et femmes, qui sortirait des oppositions binaires. Les stratégies contrestructurales que les héroïnes de tragédie mettent en œuvre, dans ces pièces, marquent une évolution cognitive de la condition humaine. Les « études héroïniques » sont une voie de nouvelles recherches et un apport potentiel au futur des études littéraires
Does the tragic heroine play the same Aristotelian role as the hero? Six plays are examined: Euripides’ Andromache, Iphigeneia in Aulis and Hippolytos, and Racine’s Andromaque, Iphigénie and Phèdre et Hippolyte.The three pairs of heroines, considered in turn, have specific limits to their capacity for direct heroic action, compared to typical heroes. At the same time, their presence and actions, even constrained, open the question of women’s condition – which the Greeks were the first to conceptualise, and which the French XVIIth c. also foregrounded, at least for educated women. The fourth chapter looks at some further examples of heroines, illustrating aspects of their representation in tragedy.Fifthly is considered the impact, of the presence and absence of the tragic heroine, on tragedy as a form of cultural inscription which has contributed to the evolution of the imaginaire. Different aspects of the Aristotelian model of tragedy such as muthos, hamartia, hubris, anagnorisis, catharsis are explored in terms of how the tragic heroine represents these functions.The conclusions reflect on the cultural transmission of the heroine from myth to epic, cult, the tragedy of antiquity and of French classicism, to contemporary forms). A recent linguistics theory, the X-bar theory is mentioned as a possible cognitive model to conceptualise this continuity in discontinuity, through societies which have so differently validated the female, but may all have been affected by the performative heroine. The author’s own theory of structure and counterstructure is a possible model for observing the evolution of men-women relations, beyond polarising or binary-oppositional cognitive frames. Finally, “heroine studies” are a possible fruitful research area for literature and cultural studies

La thèse est l'édition critique des commentaires de l'humaniste crétois François Portus aux sept tragédies d'Eschyle. L'édition est complétée d'une introduction biographique, historique et culturelle de l'auteur. Elle est suivie par un commentaire des commentaires
The work is the critical edition of Frandscus Portus' commentaires on Aeschylus' tragedies. The edition is completed by an introduction (about author's life, historical and cultural context) and the analysis of commentaries

Cette thèse a pour objectif d’étudier la tragédie du XVIIe siècle en France avec la notion de faute tragique, hamartia, et de montrer l’originalité et la diversité des tragédies classiques. Commentée dans la Poétique d’Aristote, l’hamartia se définit comme une notion médiane entre un délit volontaire et une malchance. Coupable d’une hamartia, le héros n’en est pas pour autant entièrement responsable malgré sa prise d’initiative, dans la mesure où la faute n’est pas due à l’intention perverse. Parce que le malheur déclenché par une hamartia, apparaît disproportionné à l’intention du coupable, les spectateurs éprouvent de la compassion envers le héros infortuné. Dans la mesure où la compassion est une des émotions essentielles de la tragédie au même titre que la terreur – en effet, la catharsis consiste en l’épuration de ces émotions –, la faute tragique constitue à cet égard un des composants sine qua non de la tragédie. Mais arrivée au XVIIe siècle en France, la faute garde-t-elle le même statut ? Pour répondre à cette question, nous examinons les tragédies de sept dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine et Jean-Galbert de Campistron, ce qui permet d’étudier le XVIIe siècle en entier. Le premier chapitre sera consacré à l’examen de la notion de faute dans les écrits théoriques. Dans le deuxième chapitre, nous nous intéresserons à la fabrique du héros coupable. Le troisième chapitre portera sur la nature de la faute. Et nous étudierons, dans le quatrième chapitre, le statut de la faute sur le plan dramaturgique, avant d’examiner, dans le dernier chapitre, les problèmes moraux. Ce travail révèlera l’importance de la Poétique d’Aristote dans la tragédie du XVIIe siècle en France
The purpose of this doctoral thesis is to study the French tragedy in the seventeenth century researching into the notion of tragic flaw, hamartia, and to show the originality and the diversity of the French classical tragedy. This notion, commented by Aristotle in "Poetics" originally differs from either an intentional crime or an accidental one. The tragic flaw presupposes the participation of an agent without denying the presence of fortuity. Although a tragic hero is responsible for his misfortune, as it proceeded from his fault, the result exceeds his intention. And this disparity between intention and misfortune makes the audience feel compassion for the hero suffering from his misfortune. If this compassion is one of the emotions caused only by tragedies, the tragic flaw constitutes in this respect an essential element of tragedy. But is the concept of fault identical in the Christendom society of the seventeenth century? To answer this question, I deal with the tragedies of seven dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine and Jean-Galbert de Campistron, to cover the seventeenth century. In the first section of this work, I examine the notion of fault in the theoretical texts. The second section consists in studying the tragic figure. The third section is about the nature of the fault, the private fault and the politic fault. The fourth section concerns the status of fault on the dramaturgical level, before examining moral questions in the final section. This work reveals the importance of Aristotle’s Poetics in the French tragedy of the seventeenth century

Le dialogue entre phénoménologues, causalistes et intentionalistes entrepris ici, a obéit à une finalité pratique : éclairer la structure de l'action humaine en élucidant les notions qui y sont impliquées : son intention, ses fins, son récit. Nous avons vu que cela n'est possible qu'à partir d'une alyse holiste. Cette conclusion nous a permis d'entrer dans le domaine des théories littéraires armés des instruments de l'anthropologue/sociologue pour poser la question de savoir comment arrêter l'aliénation permanente de la personne humaine dans ses oeuvres(?), comment sortir de la tragédie de l'Histoire (?), comme constitutive pour la cosmologie romanesque. Les analyses entreprises sur la guerre et le nazisme à partir de R. Musil et Th. Mann ont voulu orienter vers cet horizon: l'oeuvre littéraire, loin de représenter la mise en lumière d'expériences solipsistes ou "privées", constitue notre instrument intellectuel le plus pénétrant pour analyser société et histoire. Face à l'"Histoire" triomphante, avec ses vicissitudes et ses apocalypses sanglantes, le romancier peut s'ériger en seul penseur de l'humain
The dialogue between phenomenologists, causalists and intentionalists attempted here has obeyed a practical finality : to illiminate the structure of human action by eclucidating its intention, its ends, its narration. We have seen that this is not possible but through an holistic analysis. This conclusion has permitted us to enter into the domain of literary theories armed with the anthropologist's/sociologist's instruments for adressing the question, how may we end the permanent alienation of the human person in history (?) how can we escape the tragedy of History (?), as the constitutive question of novel's cosmology. The analyses applied to war and nazism, beginning with R. Musil and Th; Mann, have willed an orientation into this horizon : literary work, far from representing the emergency of "private" or solipsistic experiences, constitues our most penetrating intellectual instrument for analyzing society and history. Facing triumphant "History", with her vicissitudes and blood-stained apocalypses, yhe novelist can appear as the sole thinker of the human