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Дисертації з теми "Théâtres – Allemagne"
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Baudou, Estelle. "Une archéologie du commun : mises en scène du chœur tragique dans les théâtres nationaux (1973-2010 – Allemagne, France, Royaume-Uni)." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100044/document.
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À partir des mises en scène de L’Orestie d’Eschyle, d’Œdipe roi de Sophocle et des Bacchantes d’Euripide diffusées dans les institutions nationales en Allemagne, en France et au Royaume-Uni entre 1973 et 2010, la thèse procède à une archéologie du commun, en explorant, d’une part, le concept de commun, et en particulier ses enjeux politiques, à travers une analyse des mises en scène contemporaines du chœur tragique et en étudiant, d’autre part, ces mises en scène à travers l’expression du commun. Ce travail propose donc de mettre au jour la construction et la circulation du discours sur le commun dans et entre ces trois pays. L’analyse des spectacles, d’abord, expose les éléments qui font ou entendent faire du chœur une incarnation du commun et met en perspective ces choix avec la réception de la tragédie grecque. Le discours sur le commun qui se construit ainsi au théâtre est ensuite confronté aux discours philosophiques et anthropologiques du moment mais aussi aux événements économiques, politiques et sociaux afin de faire apparaître les échos, les analogies, les ruptures et les discontinuités. Ainsi, entre 1973 et 1980, la mise en scène du chœur des Bacchantes a donné du commun une représentation utopiste où la communauté est fondée par le rituel. Dès 1980, à partir des Orestie de Peter Stein et Peter Hall qui tiennent lieu de modèles, le chœur devient un collectif où ce que les individus ont en commun est précisément leur singularité. Dans la continuité, jusqu’en 1999, les mises en scène d’Œdipe roi racontent la naissance de l’individu moderne à laquelle le chœur sert de cadre archaïque. Enfin, et malgré les tentatives dans des mises en scène de L’Orestie, au tournant du millénaire, pour refonder la communauté à partir d’une mémoire commune, les tragédies grecques montées dans les années 2000 présentent un désespoir de communautés – au double sens objectif et subjectif de l’expression. Cette archéologie du commun, qui reflète la globalisation à l’œuvre, est donc en creux une archéologie de l’individuAnalysing productions of Aeschylus’ The Oresteia, Sophocles’ Oedipus the King and Euripides’ The Bacchai in national theatres in France, Germany and the United-Kingdom between 1973 and 2010, this thesis proposes an archaeology of the common (in the sense of « what we have in common ») both exploring the political implications of the concept – thrown into sharp relief by the various ways ancient choruses were staged – and studying the productions themselves through the type of community that they make manifest. This work intends to highlight the construction and the circulation of contemporary discourses about the common within, and between, these three countries. Performance analyses first focus on the elements that make, or intend to make, the chorus into an incarnation of the common and put these choices into perspective through the reception of Greek tragedy. The discourse about the common thus built in theatres, is then confronted with philosophical and anthropological discourses, as well as with economic, political and sociological events in order to call attention to echoes, analogies, disruptions and discontinuities. Thus, between 1973 and 1980, performances of choruses in The Bacchai were built upon rituals, putting forward a utopian conception of the common. From 1980 onward, as Peter Stein’s and Peter Hall’s Oresteia became established models, the chorus morphed into a collective in which individuals had their singularity in common. Following this, until 1999, the performances of Oedipus the King hailed the birth of the modern individual, for whom the chorus acts as archaic backdrop. Lastly, and despite attempts in performances of The Oresteia at the turn of the millennium to rebuild a community out of common memory, Greek tragedies staged in the 2000s show the despair of, and about, communities. This archaeology of the common, reflecting the globalisation of European societies, is therefore indirectly an archaeology of the individual
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Jan, Corentin. "Le théâtre et son espace public. Conflits et controverses institutionnels et artistiques sur les scènes allemandes dans les années 2010." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2024. http://www.theses.fr/2024PA030062.
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Les années 2010 ont vu la généralisation d’un discours sur la crise et la perte de légitimité du Stadttheater allemand, d’un modèle de théâtre public où les établissements concentrent en leur sein les activités de production et diffusion grâce à la présence d’une troupe permanente d’interprètes et d’une programmation sous la forme d’un répertoire. Dans les journaux, les revues spécialisées ou sur des sites internet, les tentatives de diagnostic et les propositions de solution se multiplient, tandis que de nombreuses crises locales font l’objet d’un traitement médiatique quasi systématique. Ce travail entend interroger ce qui rend un tel discours de crise possible. Il formule l’hypothèse que ce paysage scénique à l’histoire longue doit beaucoup à l’élaboration d’une certaine forme d’espace public théâtral, c’est-à-dire à l’idée que le théâtre repose sur une adresse indéterminée et que son destin concerne potentiellement tout un chacun. Cette publicité de la vie théâtrale se loge autant dans les spectacles eux-mêmes que dans les arènes médiatiques de la critique ou dans la façon dont les établissements s’adressent à leur public. À partir du cas de la « crise du Stadttheater » et d’une méthodologie inspirée de la sociologie pragmatique, ce travail s’emploie à observer les conflictualités qui agitent cet espace public artistique. Après être revenu sur l’histoire des théâtres de troupe allemands, je m’appuie sur une analyse de tribunes sur l’avenir des Stadttheater parues de 2009 à 2021 sur le site nachtkritik, avant de mener une étude croisée de deux crises récentes, celle de la Volksbühne de Berlin entre 2015 et 2018 et celle des Kammerspiele de Munich de 2017 à 2020The 2010s have been a time of widespread discourse on the crisis and loss of legitimacy of German Stadttheater, a model in which theatres concentrate production and performance activities in-house, thanks to the presence of a permanent troupe of performers and repertory-based programming. In newspapers, specialized magazines and on Internet sites, attempts at diagnosis and proposals for solutions are proliferating, while numerous local crises receive almost systematic media coverage. The present study examines what makes this kind of crisis discourse possible. It formulates the hypothesis that this long-standing theatre landscape owes much to the development of a certain form of theatrical public sphere, i.e. to the idea that theater is grounded in an indeterminate address and that its fate potentially regards everyone. This publicity of theatrical life is as much to be found in the performances themselves as in the mediatic arenas of criticism, or in the way establishments address their audiences. Using the “Stadttheater crisis” as a case study, and a methodological framework inspired by pragmatic sociology, this thesis examines conflicting aspects of this public artistic space. After reviewing the history of German troupe theaters, I examine tribunes on the future of the Stadttheater published from 2009 to 2021 on the website nachtkritik, before conducting a cross-study of two recent crises, namely the conflicts at the Berlin's Volksbühne between 2015 and 2018 and at the Münchner Kammerspiele between 2017 and 2020
In den 2010er Jahren wurde über die Krise und den Legitimitätsverlust des deutschen Stadttheaters und seiner Ensemble- und Repertoirebetriebe in der Öffentlichkeit heftig diskutiert. In Zeitungen, Fachzeitschriften oder auf Websites trifft man auf eine Vielzahl von Diagnoseversuchen und Lösungsvorschlägen, während es in den Medien von zahlreichen lokalen Krisen berichtet wird. In dieser Arbeit wird untersucht, was einen solchen Krisendiskurs möglich macht. Ich stelle die Hypothese auf, dass diese alte Theaterlandschaft viel der Herausbildung einer bestimmten Form von Theateröffentlichkeit zu verdanken hat, d.h. der Idee, dass das Theater auf einer relativ unbestimmten Adresse beruht und dass sein Zustand und seine Zukunft öffentliches Interesse haben. Diese Öffentlichkeit des Theaters ist sowohl in den Aufführungen selbst als auch in den medialen Arenen der Kritik oder in der Art und Weise, wie sich die Häuser an ihr Publikum richtet, angesiedelt. Anhand des Fallbeispiels der „Krise des Stadttheaters“ und einer von der pragmatischen Soziologie inspirierten Methodik bemüht sich diese Arbeit, die Konflikthaftigkeit dieser künstlerischen Öffentlichkeit zu beschreiben. Nach einem Rückblick auf die Geschichte der deutschen Ensembletheater stütze ich mich auf eine Analyse von Tribünen zur Zukunft der Stadttheater, die von 2009 bis 2021 auf der Website nachtkritik erschienen sind, bevor ich eine Querschnittsstudie über zwei lokale Krisen durchführe, die Krise der Berliner Volksbühne zwischen 2015 und 2018 und die Krise der Münchner Kammerspiele zwischen 2017 und 2020
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Baillet, Florence. "Les discours sur l'utopie dans le theatre allemand contemporain (revues, pieces et mises en scene) de l'apres 1976 en rda et de l'apres 1968 en rfa au lendemain de la reunification." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030133.
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A l'origine de ce travail, il y a le constat d'une proclamation recurrente, au sein de la critique theatrale des deux allemagnes, dans les annees 1970 et 1980, d'une "fin des utopies". Ce phenomene correspondrait en rda a la perception croissante de l'ecart entre la realite vecue par les citoyens du pays et les promesses du regime, particulierement sensible dans le monde theatral a la suite de l'affaire biermann de 1976. En rfa, le declin du "principe esperance" accompagnerait la "depolitisation" consecutive a l'apres-1968, se manifestant au theatre par un repli dans une "nouvelle interiorite". Nous nous proposons, dans un premier temps, d'analyser les differents types de discours sur l'utopie releves dans les deux principales revues theatrales de rda et de rfa, respectivement theater derzeit et theater heute. Nous nous interesserons dans un deuxieme et troisieme temps aux attitudes adoptees face a cette question au sein de l'ecriture dramatique et de l'ecriture scenique, en etudiant quatre oeuvres de quatre auteurs dramatiques, datant de cette premiere periode clef qu'est le tournant des annees 70 et 80 {hamlet-machine de heiner muller, mercedes de thomas brasch, grand et petit de botho straub et ni chair ni poisson de franz xaver kroetz), puis en nous penchant sur quatre mises en scene de quatre theatres berlinois (le deutsches theater, la volksbuhne, la schaubuhne et le gripstheater) au lendemain de la reunification, laquelle renforce apparemment la rhetorique deployee autour de la "fin des utopies".
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Mazellier-Grünbeck, Catherine. "Sécularisation et sacralisation dans le théâtre expressionniste allemand 1910-1924." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100044.
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Cette étude thématique analyse le phénomène de sécularisation littéraire et les manifestations du sacre dans le théâtre expr. Allemand à travers trois auteurs principaux: Georg Kaiser, Ernst Toller et Ernst Barlach. Les différentes formes de la sécularisation littéraire sont dégagées: allusion biblique, variation sur des personnages ou des thèmes bibliques, variation structurelle dans le cas du "drame a stations", interprète comme le transfert d'une structure religieuse vers une structure dramatique. Une typologie fonctionnelle dégage trois fonctions: fonctions référentielle, parodique et blasphématoire. Par ailleurs, le théâtre expt. Manifeste la sacralisation du séculier et la réalisation ici et maintenant du message d'amour et d’espérance des évangiles. L'idéal de l'"homme nouveau", l'utopie communautaire et l'expérience théâtrale conçue comme une communion en sont l'illustration. La conception du sacre est précisée par le rôle de l'irrationnel, de l'immanence et de la subjectivité. La religiosité expr. Se situe à la frontière entre l'héritage de Schleiermacher et le bouleversement barthien d'objectivation de la foiThis thematic study analyses the phenomenon of literary secularization and the sacred manifestations in the German expressionistic theatre throughout about fifty plays, in particular three main authors: Georg Kaiser, Ernst Toller and Ernst Barlach. The different forms of literary secularization are shown: allusion, variation on biblical characters or themes and structural variation in the case of the "stationendrama", interpreted as the transfer of a religious structure (the passion) into a dramatic structure. A functional typologie is established from these forms, with three functions: referential, parodical and blasphemous function. On the oher hand, the expressionistic theatre expresses the sacralization of the secular world and the realization, here and now, of the message of love and hope in the gospel. The ideal of the "new man", the communal utopia and the theatrical experience, conceived as a communion, illustrate that. The conception of the sacred is shown by the role of the irrational, of the immanence and subjective experience of the religious sphere
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Dewitz, Jean. "Théâtre et conscience identitaire en Bavière : le Volkstheater à Munich (1850-1914)." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040217.
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A Munich, le volkstheater (théâtre "populaire") plonge ses racines dans une tradition profondément marquée aussi bien par la contre-réforme que par l'aufklarung et les réactions contre cette dernière. Devenus, dans les années 1850, grâce à la pièce montagnarde de F. Prüller, le bastion d'un particularisme qui entendait préserver les valeurs chrétiennes de la "vieille-Bavière" et l'autonomie du royaume des Wittelsbach contre l'invasion culturelle venue du "nord", les théâtres des faubourgs durent, en 1865, céder la place à un établissement de prestige, symbole d'une bourgeoisie réclamant son propre espace culturel, une phase qui signifie, pour Munich, l'éclatement de la notion de "théâtre pour tous". Le spectacle "populaire" ne resta pas à l'abri des affrontements provoqués par le règlement de la question allemande et le Kulturkampf, mais l'affirmation identitaire, symbolisée par les figures dynastiques, puis surtout par le héros paysan et le Haberfeldtreiben, ce tribunal moral populaire, demeura présente. En véhiculant dans tout l'espace germanique l'image d'une Bavière éternellement rurale, le Gebirgsschauspiel affichait le refus d'un monde moderne destructeur des valeurs héritées, et apportait en même temps, à sa manière, une contribution à la lutte pour la suprématie culturelle que se livraient Berlin et Munich. Les années 1890 et l'apparition d'auteurs influencés par le naturalisme signifient la fin de la célébration des anciens mythes. J. Ruederer et l. Thoma marquent l'aboutissement du processus de littérarisation du spectacle "populaire" : ils prennent part aux mouvements artistiques de leur époque et adaptent les vieux thèmes à la réalité sociale et politique dans des œuvres destinées aux établissements de l’Elite. Ils dépassent l'horizon bavarois et annoncent la pièce populaire critique, mais ils affirment en même temps la spécificité d'un "sud" dont Munich et la Bavière constituent le pole principalIn Munich, the roots of the Volkstheater ("people's theatre") are anchored in a tradition profoundly marked by both the counter-reform and the aufklarung, as well as reactions to the latter. In the 1850s, thanks to the drama by F. Prüller set in the mountains, suburban theatres had become the bastion of a particularism which was attempting to preserve the Christian values of "old Bavaria", and defend the autonomy of the kingdom of Wittelsbach from cultural invasion by the "north". In 1865 they had to give way to a prestige establishment, the symbol of a bourgeoisie laying claim to its own cultural domain, and this phase heralded the dislocation of "theatre for all" in Munich. The "popular" spectacle was not to be spared from the confrontations engendered by resolution of the German issue and the Kulturkampf, but assertion of identity, as symbolised by dynastic figures, and then even more so by the peasant hero and the Haberfeldtreiben, that popular tribunal of mores, was ever-present. By disseminating throughout the Germanic domain the image of an ever-rural Bavaria, the Gebirgsschauspiel was a public refusal of a modern world which was simultaneously destroying inherited values and yet, in its own way, contributing to the struggle for cultural supremacy between berlin and Munich. The 1890s, with the emergence of authors influenced by naturalism, were to signal the end of the celebration of old myths. J. Ruederer and l. Thoma mark the culmination of the literisation process of the "popular" spectacle: they are active in the artistic trends of their time, adapting old themes to social and political reality in works aimed at elite establishments. They transcend the Bavarian horizon and herald the critical popular drama, yet at the same time assert the specificity of a "south" with Munich and Bavaria as its main pole
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Beaudoin, Antoine. "Theâtre et architecture sous le Troisième Reich : les scènes de plein air au service de la propagande de masse." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100133/document.
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Le mouvement de construction de théâtres en plein air sous le Troisième Reich ou Thingbewegung est un aspect relativement méconnu de la politique culturelle national-socialiste. Ce théâtre de propagande devait réunir plusieurs milliers de spectateurs dans des lieux excentrés, des espaces construits spécialement par le régime afin de célébrer la communauté du peuple dégagée de toute différenciation sociale ou, pour reprendre la terminologie nazie, la Volksgemeinschaft. L’aspect central reste la volonté du régime de faire coïncider, à une échelle considérable, une nouvelle forme d’architecture et de spectacle théâtral de masse. L’objectif, exprimé clairement dès le début du mouvement en 1933, était l’élaboration de 400 scènes sur l’ensemble du territoire. Dès 1934, vingt étaient effectivement en construction et en 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, elles étaient environ au nombre de trente. Ce projet de recherche part de l’hypothèse qu’une meilleure compréhension du phénomène devient possible lorsque ce dernier est restitué dans la tradition historique double du théâtre et de l’architecture. Cette démarche, à la fois synchronique et diachronique, fondée sur une approche pluridisciplinaire, vise à mettre au jour les formes spécifiques de création de ces lieux scéniques tout en soulignant l’appartenance à la politique idéologique totalitaire du national-socialismeThe open-air theatre construction movement under the Third Reich or Thingbewegung is a relatively unknown aspect of National Socialist cultural policy. This propaganda theatre was to gather several thousand spectators in outlying places, spaces specially built by the regime to celebrate the community of the people free of any social differentiation or, to use Nazi terminology, the Volksgemeinschaft. The central aspect remains the regime’s desire to bring together, on a considerable scale, a new form of architecture and mass theatrical performance. The objective, clearly expressed from the beginning of the movement in 1933, was to develop 400 stages throughout the country. By 1934, twenty were actually under construction and, at the beginning of the Second World War in 1939, there were about thirty of them. This research project is based on the hypothesis that a better understanding of the phenomenon becomes possible when it is replaced within the dual historical tradition of theatre and architecture. This approach, both synchronic and diachronic, based on a multidisciplinary approach, aims to uncover the specific forms of creation of these scenic places while emphasizing the association with the totalitarian ideological policy of National Socialism
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Leich-Galland, Claire. "La réception du théâtre français en Allemagne (1918-1933)." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040287.
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Ce travail etudie la reception du theatre francais en allemagne pendant la republique de weimar et l'impact de ce repertoire sur la culture d'accueil. Les pieces importees massivelent comportent surtout des comedies de moeurs conventionnelles; le theatre francais moderne n'attire pas beaucoup l'attention. Le critere de choix consiste a divertir le grand public. La critique dramatique s'oppose a cette "baisse du niveau culturel" et cherche a influencer les auteurs allemands afin de s'affranchir de la dependance du repertoire importe. De fait, on voit apparaitre une nouvelle comedie allemande conventionnelle des 1925; elle permet de supplanter les pieces francaises. L'etude des phenomenes de reception interculturelle met en evidence l'importance de la comedie depuis 1918 avec l'expressionnisme et la concurrence seculaire entre les repertoires des deux pays. A l'inverse du grand public la critique adopte une position anti-francaise. Elle se plaint du retard des pieces importees sur le drame allemand. Or, l'etude du type de production du repertoire francais calque sur la "piece bien faite" revele que nous nous trouvons au coeur d'un phenomene moderne: "la reproductibilite de l'art", pour reprendre les termes de walter benjamin. Le repertoire importe prefigure la culture de masse. Voila la veritable raison pour importer ce theatre en allemagne de 1918 a 1933This work analyzes the reception of french theater in germany during the weimar republic and determines the impact this repertory has on the receiving culture. The plays, massively imported consist mainly of conventional comedies of manners; french modern theater does not really interest the germans. The criterium for selecting plays in their entertainment value. Drama critics are opposed to this tendency which supposedly "lowers" the cultural level and try to influence german authors in order to liberate german theater from the french repertory. In fact, a new german conventional comedy breaks through in 1925, it starts replacing the french plays. The study of intercultural reception sheds light on the importance of comedy since 1918, with expressionism, and reveals a continuing competition between the repertories of the two countries. Unlike the spectators, the critics again take an anti-french stand. They complain about the outdatedness of these imported plays in comparison to german drama. Nevertheless close analysis of the type of production which makes up the french repertory, patterned on the "well made play", reveals that we are at the very core of modernism: "the reproducibility of art" , as coined by walter benjamin. The french plays are forerunners of mass culture. This is the true reason behind the importation of this repertory in germany from 1918 to 1933
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Pelosse, Renate. "Le Théâtre de Strindberg en Allemagne entre 1890 et 1912." Paris 4, 1988. http://www.theses.fr/1987PA040246.
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Figure majeure du théâtre moderne, August Strindberg associe une créativité dramatique immense à un attachement constant au théâtre de son temps et a une étonnante diversification de l'expression esthétique. Place dans le cadre socio-historique de l’Allemagne de 1890 à 1912, influence par le climat culturel de l'époque wilhelminienne et confronte a des mouvements d'idées, tels le naturalisme et le néoromantisme, le théâtre de Strindberg devient le témoin de l'histoire et des divers aspects du théâtre allemand. Par les débats qu'il provoque (critiques et public) et les problèmes posés par la réalisation de ses pièces (metteurs en scène et acteurs), il nous révèle les contradictions du système théâtral de l'époque: censure, théâtres de cour et théâtres commerciaux opposes aux théâtres marginaux aux troupes ambulantes, aux cabarets et aux associations d'art dramatique. Son œuvre souligne la lente évolution de l'esthétique théâtrale, illustrée par Otto Brahm, Max Reinhardt, Georg Fuchs. Le rôle de Strindberg comme inventeur et praticien de la scène (projections, décors, "théâtre intime", la "scène pour damas"), de même que l'intégration de ses idées dans le renouveau théâtral allemand, ont fait l'objet de notre étudeLeading figure of the modern theatre, August Strindberg combines a tremendous dramatic creativity with a constant attachment to the theatre of his time and with a remarkable diversification in the aesthetic expression. Situated in the social and historical background of Germany between 1890 and 1912, the theatre of Strindberg was influenced by the culturel climate of the wilhelm period and faced to new ideas, such as naturalism and neo-romantism. Therefore Strindberg became the witness of the history of the German theatre. By the controversies he raises (audience and critics) and the problems arising from the realization of his plays (directors and actors), he reveals us the contradiction of the German cultural system: censorship, court and commercial theatres as opposed to marginal theatres, travelling companies, cabarets and dramatic associations. His plays underline also the slow evolution of theatrical aesthetics illustrated by Otto Brahm, Max Reinhardt and Georg Fuchs. The part played by Strindberg as an inventor and a practitioner of the stage (projection equipment, scenery, "intimate theatre", "dreamplay stage") as well as the integration of his ideas in the revival of the German theatre, are particularly studied in this thesis
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Grimberg, Michel. "La réception de la comédie française du XVIIIe siècle dans l'aire germanophone de 1694 à 1799, vue à travers les traductions et leurs préfaces." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040210.
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Notre étude n'est pas un travail de traductologie; c'est une histoire de la discussion poétologique allemande sur la comédie française du XVIIIe siècle. Elle s'appuie sur les pièces françaises choisies par les traducteurs allemands et sur un corpus de 137 préfaces rédigées par ces derniers à l'occasion de la publication de leurs traductions. Le nombre important de comédies traduites (près de 500, plus de 120 auteurs, 1300 éditions différentes) nous a obligé à opérer une sélection. Ainsi, nous insistons plus particulièrement sur les comédies préfacées, sans négliger cependant les œuvres qui, traduites à de très nombreuses reprises, ont également marque les esprits. Nous fondons nos analyses sur la théorie des transferts culturels. Les traductions de comédies françaises ont principalement servi sans un premier temps (1694-1724) à légitimer le genre comique; puis, dans une seconde phase (1725-1759), les récepteurs allemands ont peu à peu élaboré une référence culturelle française qu'ils ont utilisée comme modèle et base de réflexion pour créer une comédie régulière allemande; enfin, dans une dernière période (1760-1799), les pièces françaises furent avant tout traduites pour enrichir les répertoires des théâtres du Saint-Empire. Cependant, si chacune de ces trois fonctions exercées par les comédies françaises (légitimation du genre comique, construction d'une référence culturelle, enrichissement des répertoires) caractérise plus particulièrement une grande phase de l'histoire de la réception, il ne faut pas oublier que les deux autres fonctions sont également présentes, mais dans une mesure moindre, à toutes les étapesRather than a study in translation theory, this work is a history of the German poetical debate on French comedy in the XVIIIth century. It is based upon the French plays chosen by German translators and on a corpus of 137 prefaces that they wrote for the publication of their translations. The sheer number of translations (over 500 involving more than 120 playwrights in 1300 different editions) made it necessary to exercise selection. Particular attention is given to prefaced comedies; however, other works which were translated several times and also left their mark are considered too. Analysis is grounded on the theory of cultural transfer. In the first period (1694-1724), the translations of French comedies were mainly instrumental in legitimizing the comic genre. Over the second phase (1725-1759), German receivers gradually established a French cultural reference that was used as a model and basis in the creation of regular German comedy. French plays of the late period (17601799) were mostly translated in order to broaden the repertoires of theatres in the German-speaking area. However, if each of the [. . . ]
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Le, Moal-Piltzing Pia Renate. "Le théâtre d'apprentis et les processus de création collective : résurgence du théâtre ouvrier en R.F.A de 1968-1978." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080110.
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Le theatre d'apprentis (1968-1978), constitue la premiere reapparition en allemagne d'un theatre ouvrier depuis l'epoque weimarienne. A la difference de ce qui s'etait passé a l'epoque de Weimar, il s'agit d'un theatre qui s'est crée en dehors de toute référence à un parti de masse d'opposition. Ces manifestations culturelles de la jeunesse ouvriere accompagnaient d'autres manifestations de la contre-culture temoignant des luttes et des conflits de la jeunesse celle-ci a trouve dans le theatre une arme politique. Autres caracteristiques originales de ce theatre: la creation est collective et un role de co-producteur est attribue au public, ce qui permet de formuler les criteres d'une convention theatrale ouvriere. Au cours de notre recherche sur le terrain, qui s'est etendue sur huit annees, nous avons rencontre les membres de trentes troupes ce qui nous a permis de choisir les trois courants les plus representatifs. Toutes les troupes d'apprentis ont en commun les objectifs explicites suivants: - participation a la formation d'une culture ouvriere, - agitation et information a but didactique (legislation du travail, etc. . ) - élaboration d'un contre-espace public" tel que a. Negt et o. Kluge le definissent et par rapport aux modes de création: élaboration collective de la pièce et le rôle de participant dévolu au public et enseignement mutuel et reciproque. L'étude de l'agit-prop nous a permis de mieux cerner les questions que posent les formes spécifiques d'un théâtre ouvrier des années 20. Nous nous sommes ensuite interessee aux theses et pratiques de moreno, hoernle, lacis benjamin. Montrer tous les aspects du théâtre d'apprentis sans l'isoler, mais en le reliant sans cesse au contexte historique, economique, sociologique, ideologique, dans lequel il s'insère et qui influe sur lui, et aux autres formes de theatre et avec lesquelles il entretient des rapports complexes: tel a été le but de notre recherche
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Feuchter-Feler, Anne. "Le drame militaire en Allemagne au XVIIIe siècle : esthétique et cité." Metz, 2002. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/UPV-M/Theses/2002/Feuchter_Feler.Anne.LMZ0206_1.pdf.
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La présente étude a pour but d'analyser un type dramatique particulier, la pièce militaire, qui s'est constitué dans le sillage de la comédie de Lessing, Minna von Barnhelm, et qui a occupé une place importante dans les répertoires des scènes germanophones pendant la seconde moitié du XVIIIème siècle. Malgré son succès, ce genre n'a que peu retenu l'attention de la recherche littéraire et théâtrale et la critique n'a jamais vraiment clarifié la question cruciale des composantes génériques. Ce constat constitue le point de départ des réflexions développées ici. Ainsi, il a fallu prioritairement chercher à mieux cerner les caractéristiques de ce types de drames. Dans cette tentative, les critères relevant de la sémiologie se sont avérés précieux. A l'intérêt pour les oeuvres se combine l'analyse de l'écho que le soldatenstück a rencontré dans les revues littéraires de l'époque. Il apparaît que la réception de la pièce militaire fournit à la critique l'occasion de participer au débat sur le théâtre national et de formuler, à l'appui de réflexions sur la pratique scénique et le rôle de l'acteur, les attentes qui s'y rattachent. La prise en compte du contexte social et politique dans lequel s'inscrit la pièce militaire met en relief les aspects conservateurs de cette veine dramatique qui véhicule une apologie de l'absolutisme éclairé et prend position pour des structures communautaires patriarcales, tout en tenant compte des évolutions sociales, notamment de l'émergence des classes bourgeoises. L'analyse de la diversité formelle qui caractérise également le genre éclaire les réflexions esthéthiques développées à l'époque
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Valipour, Valeska. "La pratique théâtrale dans l’Allemagne de la seconde moitié du dix-huitième siècle (1760 – 1805)." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030019/document.
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L’Allemagne du dix-huitième siècle est composée de plus de 300 petits pays se différenciant en ce qui concerne la politique, la religion et la langue. S’y ajoutent des territoires qui ne sont pas allemands, mais sous influence de la culture germanophone.Cette étude analyse alors un territoire qui s’étend de l’Alsace jusqu’en Russie et des pays scandinaves jusqu’en Suisse. Embourbés dans des guerres territoriales, les souverains ne montrent que peu d’intérêt pour le théâtre, et si oui, uniquement pour l’opéra italien et le théâtre français. Au début du siècle, le théâtre professionnel allemand est surtout influencé par le théâtre anglais et un peu par la comédie italienne.Le statut social des acteurs est très mauvais. C’est surtout la bourgeoisie qui se méfie d’eux. A partir des années 1730, sous influence du théâtre français, le théâtre allemand s’émancipe. Dans la seconde moitié du siècle, il devient le moteur del’embourgeoisement de la société. Les actrices se sont beaucoup investies dans cette évolution, non malgré, mais en raison de leur statut social particulièrement mauvais. Longtemps, seules les gender studies se sont intéressées à cette période de l’histoire théâtrale. Une de leurs théories de base définit l’homme et la femme comme deux groupes sociologiques distincts. Cette théorie a été reprise, sans en questionner lavalidité pour l’histoire théâtrale. C’est le point de départ de cette étude, qui compare les vies de plus de 400 actrices et acteurs de l’époque. De nombreux aspects de la vie privée et professionnelle y sont abordés : famille, carrière, finances, situation juridiqueet fréquentations. Ce mémoire démontre que le milieu théâtral de l’époque peut effectivement être divisé en deux groupes : les comédiens ayant grandi au théâtre et ceux y étant arrivés plus tard. En effet, la distinction générale de l’homme et de la femme ne peut être appliquée au théâtre allemand qu’à partir de la fin du dix-huitième siècleIn the 18th century, Germany was composed of more than 300 small states which differed politically, religiously and linguistically. In addition to these, there were non-German territories which were, however, greatly influenced by German culture. As a result, the notion of “Germany” included a territory from Alsace to Russia and from theScandinavian countries to Switzerland. Their rulers were generally preoccupied with battles over dominance. If they devoted any time to theatre it was most likely Italian opera or French theatre. In the beginning of the century, German professional theatre was mainly influenced by English theatre and Italian theatre. The social position of actors was very poor. The bourgeoisie looked on them with particular suspicion.Starting in the 1730s, under French theatre influence, the German theatre started becoming more independent. In the second half of the century, theatre was the driving force behind the embourgeoisement of society. Driven by the desire to improve their low social status, actresses played a leading role in this revolution. For a long time, only gender studies were interested in this part of theatre history. A prominent gender studies theory suggested that men and women were of two different sociological groups. This theory has been accepted without justifying its concurrence with theatre history. That’s the starting point of this work which compares the lives of more than 400 Germana ctresses and actors of the time. Many facets of private and professional life are analysed: family life, career opportunities, finances, legal status and social life. The dissertation shows that the theatrical milieu was already divided into two groups far into the second half of the century: actors who had grown up in theatre and those who came to it later. In fact, the categorical sociological distinction between men and women in German theatre is only justifiable beginning at the end of the 18th century
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Genton, François. "La découverte du théâtre allemand (1750-1772) : contribution à une étude de la fortune et de l'image de la littérature allemande en France au XVIIIe siècle." Metz, 1988. http://www.theses.fr/1988METZ004L.
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Le théâtre de langue allemande a été traduit dès la seconde moitié du 18e siècle, bien avant l'ère romantique. Au départ certains auteurs allemands ont favorisé ce phénomène, dans l'espoir de faire reconnaître leurs efforts à l'échelle internationale et de contraindre les adeptes allemands du "gout français" à se tourner vers leur propre littérature nationale. En France, à l'époque du "cosmopolitisme littéraire", une certaine curiosité pour la "renaissance littéraire" de l'Allemagne remplace le mépris habituel pour les productions artistiques du nord. Le journal étranger (1754-1762) publie plusieurs extraits de pièces allemandes et présente une vision idyllique de l’Allemagne littéraire qu'on oppose au raffinement décadent des moeurs et des arts en France. La "mode allemande" des années 1760 ne fait que renforcer cette vision. Cependant le théâtre allemand devient une source d'inspiration pour certains auteurs français, au point que des 1772 la Comédie-Française représente une tragédie tirée d'une pièce originale allemande. Le théâtre allemand n'a plus a être découvert, c'est désormais une réalité, certes mal connue encore, mais que personne ne peut plus ignorer. Les auteurs allemands ont suivi d'assez près cette évolution, qui leur fait prendre conscience de leur force et de leur position originale a l'échelle internationaleGerman plays were translated in France as early as the second half of the 18th century, i. E. Well before the romantic era. A few German authors originally favored this trend, hoping to gain international recognition for their work, and to force German francophiles to turn toward their own native literature. On the other hand, a certain amount of curiosity on the part of the French for the German "renaissance" gradually substituted for the traditional attitude of contempt of works of art from the north. From 1754 through 1762, the journal etranger published several excerpts from German plays and also offered an idyllic view of literary Germany, as opposed to the refined decadence of French mores and arts. The "German fashion" reinforced this conception in the 1760's; German plays became a source of inspiration for French playwrights. As early as 1772, the comedie francaise staged a tragedy directly drawn from a German play. From that moment on, German theater no longer was something to be discovered, but something to reckon with, however superficial the knowledge one had of it in France. German authors were very attentive to this evolution, which helped them become aware of their own worth an identity on an international basis
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Girard, Odile. "Le Théâtre National de la cour de Munich (1818-1848) : étude du répertoire dramatique et de sa réception." Paris 12, 1997. http://www.theses.fr/1997PA120043.
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Ce travail a pour objet le theatre national de la cour de munich entre 1818 et 1848. Nous avons etudie son repertoire dramatique pendant cette periode et sa reception. Cette these se divise en 3 grandes parties : la premiere - les wittelsbach et le theatre : histoire d'une tradition - permettra de decouvrir l'interet qu'ont porte les souverains bavarois, siecle apres siecle, aux arts de la scene a munich avec l'enumeration de leurs contributions personnelles a l'evolution du theatre et de l'opera. La seconde, la plus importante aussi, intitulee etude du repertoire dramatique de 1818 a 1848, analyse des critiques de la presse, miroir des gouts, a pour but d'apprehender le repertoire sous ses principaux aspects. Ainsi, nous avons une partie consacree au theatre allemand de l'epoque classique avec goethe, kleist, lessing et schiller, mais aussi babo, collin, iffland, etc. Nous avons aussi une grande partie qui porte sur le theatre allemand de l'epoque biedermeier, une autre sur le theatre viennois de la meme epoque, puis une derniere, sur les theatres etrangers dont les auteurs etaient pour la plupart adaptes pour la scene allemande. Les theatres representes sont francais, anglais, espagnols, italiens et danois. Dans une troisieme et derniere partie, nous avons aborde les genres musicaux et choregraphiques dans le repertoire : les operas, les ballets, les divertissements, les pantomimes, les concerts et autres genres. Mais nous tenons a preciser que cette partie n'est pas traitee comme la precedente. Nous l'avons simplement abordee sous des aspects statistiques, comme nous l'avions fait dans la premiere partie du deuxieme chapitreThis work is about national theatre at munich court between 1818 ans 1848. We studied its drama repertoire during this period and its reception. The first one - the wittelsbach and theatre : history of a tradition - allows us to discover the interest taken by the bavarian sovereigns, century after century, in scenic arts in munich. With the enumeration of their personal contributions to theatre and opera development. The second one, the most important too, is entitled study of the drama repertoire from 1818 to 1848, analysis of the newspapers reviews, mirror of tastes. It aims to grasp the repertoire main aspects. So one part deals with german theatre in classical times with goethe, kleist, lessing and schiller as well as babo, collin, iffland, etc. A great part deals with the german theater in biedermeier times, another one with the viennese theatre at the same period. Then a last part is about foreign theatre whose most authors were adapted for the german stage. The mentionned theatre are french, english, spanish, italian and danish. In a third and last part, we approached the music and choregraphy styles in the repertoire : operas, ballets, entertainments, pantomimes, concerts and other manners. But we insist on the fact that this part was not dealt at the previous one. We simply approached it on statistics levels, as we did in the first part of the second chapter
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Lübbe, Dorothea. "Europera : innovation artistique et politique culturelle de théâtre musical contemporain en Allemagne et en France." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0315.
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Ce projet de recherche se concentre sur les conditions generales de politique culturelle sous lesquelles se créent les nouvelles formes artistiques du theatre musical contemporain en Allemagne et en France.Le travail de recherche sur le présent thème est dédié aux tentatives d'innover et n'a pas pour objet de mettre la crise en évidence. L'intérêt de ce domaine de recherche réside dans la recherche de solutions en discutants des reformes et innovations tout en s'appuyant sur des études de cas tirées de la pratique actuelle du theatre musical en Allemagne et en France. Les pressants travaux reposent sur une étude des sept cas exemplaires. Les exemples choisis couvrent aussi bien le domaine des théâtres traditionnels en tant qu'institution que celui de la structure des collectifs. Il conviendra de montrer s'il existe un lien entre les libertés laissées par la politique culturelle et les innovations esthétiques, si l'on peut discerner des recoupements franco-allemands et si un intérêt pan-européen en matière de politique culturelle peut résider dans une reformeThis research project is concentrated to focus the general conditions of cultural policy which are responsible for the creation of new artistic forms of contemporary music theatre in Germany and France. For this the research is focussed on innovations and not on the analysis of the crisis. The aim is to find solution and discus different reforms in the artistic practices. The field work include the analysis of 7 case studies, traditional institutions and structures of the free landscape of contemporary music theatre in Germany and France. It will be shown in the analysis that there is a link between cultural policy and innovation of arts
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Poulain-Beaufils, Eliane. "Corps furieux, corps souffrants : violence et cruauté dans le théâtre contemporain de langue allemande." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040120.
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A l'origine de ce travail, il y a le constat d'une apparition de plus en plus fréquente de la violence sur les scènes allemandes et autrichiennes. S'agit-il d'un épiphénomène sans portée particulière, témoin d'une impasse idéologique et du besoin de faire concurrence aux arts audiovisuels ? Ou est-ce là le reflet d'une mutation plus profonde de notre vision de l'humain, intégrant une cruauté jusqu'alors reléguée au rang de tabou ? On assiste peut-être à une application spontanée des théories d'Antonin Artaud, lequel entendait dans les années 1930 promouvoir un théâtre de la cruauté, mais remettait également en question le vieil antagonisme entre culture et violence. Aussi nous nous attachons dans un premier temps aux pièces qui semblent relayer l'optique antagoniste traditionnelle en condamnant la violence qu'elles portent sur la scène, ce qui est le fait d'auteurs secondaires aussi bien que d'auteurs renommés comme Dea Loher ou Elfriede Jelinek. Nous présentons ensuite des œuvres qui s'abstiennent de tout jugement unilatéral sur la violence, chez des auteurs aussi variés que Dirk Dobbrow, Albert Ostermaier et surtout Werner Schwab. Si les préoccupations esthétiques paraissent plus importantes dans ces dernières pièces, la représentation de la violence s'accompagne toujours d'un questionnement sur ses modalités et sur la nature du théâtre. Ainsi, ce théâtre est révélateur des tensions qui traversent le monde culturel actuel, tant sur un plan intellectuel que sur un plan esthétiqueWe thought of undertaking this work after noticing the increasing appearance of violence on the germanspeeking stage in the 1990s. One can doubt whether it is a simple epiphenomenon that bears witness to the ideological impasse and the need to compete with audiovisual arts. It may reflect a more profound mutation of our vision from the human, that integrates a cruelty considered until then as a taboo. A spontaneous application of the artaudian theories may take place: Antonin Artaud promoted in the 1930s a theatre of cruelty which also brought into question the old antagonism between culture and violence. We therefore study playwrights that seem to rest on the traditionnal antagonist point of view, condemning the violence they produce: this occurs in works of secondary authors as easily as in those of renowned authors like Dea Loher or Elfriede Jelinek. We then present the playwrignts that avoid every unilateral judgment by various authors, so as Dirk Dobbrow, Albert Ostermaier and above all Werner Schwab. Even if aesthetic concerns seem more important in these last works, the performance of violence is always accompanied by a questionning about its modes and about the nature of theatre. So these works reveal the tensions going through the actual cultural world, on an intellectual plane as well as on an aesthetic one
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Julliard, Catherine. "La réception des théories esthétiques françaises par le théâtre allemand de la Frühaufklarung." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040127.
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La période étudiée, domaine encore peu exploré jusque-là, s'étend sur les premières décennies du XVIIIe siècle et est caractérisée par diverses ruptures, philosophique, stylistique, esthétique, avec le siècle précèdent et notamment avec l'héritage formel et conceptuel de la seconde école silésienne. La situation psychologique de l'époque est définie par la conscience allemande de carences dans le domaine dramaturgique et culturel, accentuée par les réactions des étrangers raillant l'état de la littérature germanique. La conjoncture allemande spécifique, marquée par la perception d'une infériorité dans le cadre européen, est à l'origine d'un vaste phénomène d'accueil de théories théâtrales françaises. La réception, ou passage d'un espace culturel à un autre, apparait comme la réponse à une attente, les emprunts jouant un rôle capital dans l'élaboration d'un nouvel édifice théorique dramatique. Le modèle préconise par Gottsched, sur lequel est centrée l'étude, est la France, gardienne du legs antique, exemple réussi d'une culture nationale, idéale de théorie théâtrale reposant sur un ensemble de normes. Ces canons littéraires transmis par la France constituent des références majeures dans le théâtre allemand. La méthode observée consiste en une lecture des textes théoriques français et allemands à la lumière d'axes de réflexion. L'étude montre que Gottsched s'inspire de la tradition classique et néo-classique française. Elle décèle la cohérence des apports français que l'allemand intègre dans l'édification de son programme nationalThe period to be studied, a domain that has been until now little explored, extends over the first decades of the eighteenth century and is characterized by different ruptures with the previous century, particularly with the formal and conceptual heritage of the second Silesian school. The psychological situation of the epoch is defined by the German consciousness of deficiencies in the dramatic and cultural sphere, increased by the reactions of foreigners who mock German literature. The specific German situation is the origin of the reception of French dramatic theories. The reception, or the passage from one cultural sphere to another, meets German expectations, and the borrowings play a cardinal part in the elaboration of a new dramatic theoretical edifice. The model advocated by Gottsched, who is the focus of the study, is France, a successful example of a national culture, an ideal of dramatic theory which is based on norms. The method employed consists in a reading of texts in French and German theory with the consideration of major themes. The study shows that Gottsched is inspired by the French classical and neoclassical tradition. It attempts to reveal the coherence of the French contributions that the German writer integrates into the edification of his national program
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Ko, Jong-Hwan. "Étude comparative entre le théâtre français de la résistance sous l'occupation allemande et le théâtre coréen sous l'occupation japonaise." Paris 12, 2005. https://athena.u-pec.fr/primo-explore/search?query=any,exact,990003940700204611&vid=upec.
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Nous avons tenté d'établir une analyse sur le sujet : étude comparative entre la littérature française de la résistance sous l'occupation allemande et la littérature coréenne de la résistance sous l'occupation japonaise. La première partie, tente d'analyser les contextes historiques car l'histoire et les douleurs qui en résultent sont indispensables pour appréhender correctemet la littérature. Dans un second temps, la position de la France est étudiée. Ensuite, le cadre de l'invasion observe le contexte historique qui a donné lieu à l'annexion de la Corée par le Japon. Ainsi, nous avons choisi trois pièces françaises et trois pièces coréennes. La comparaison entre les deux univers littéraires s'opère de la manière suivante : analyse d'une pièce française et une pièce coréenne qui sont ensuite comparées selon un thème ou point de vue particulierWe have tried to establish an analysis of subject : comparison between French literature of the resistance under German occupation and Korean literature of the resistance under Japanese occupation. The first part attemps to analyse historical context because history and the pain that resulted are indispensable in order to fully grasp the literature. The second part studies the position of French also in the second chapter, the area of invasion can be compeered to the annexation Of Korea to Japan. We've chosen three French and three Korean pieces of theatre. The comparison between the two literary spheres operates in the following manner : comparing French and Korean theatre on particulas points and themes
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Reuter, Francesca. "Le débat sur les pratiques scéniques en Allemagne au début du XIXe siècle." Lyon 2, 2005. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2005/reuter_f.
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Suite à une discussion plus générale sur l'écriture dramatique et sur le jeu scénique en Allemagne au XVIIIe siècle, un débat nouveau sur les décors, les costumes, les effets spectaculaires apparaît au début du XIXe siècle et se localise principalement à Berlin, où deux directeurs de théâtre successifs, A. W. Iffland (1796-1814) et K. V. Brühl (1815-28) tentent de réformer les pratiques scéniques. Ce débat esthétique prend même vers 1816 la forme plus concrète d'une querelle théâtrale dans les journaux berlinois, indiquant une diffusion plus large du débat dans le public. Les participants sont les directeurs, plusieurs écrivains romantiques et d'autres intellectuels et artistes. L'enjeu pour les Allemands est d'acquérir un théâtre national de qualité. Les directeurs font alors le choix du réalisme, du respect de la vérité historique et soignent la dimension spectaculaire. Ils suscitent l'opposition des Romantiques qui réclament (inspirés par la scène élisabéthaine) une scénographie sobre, non historisante, laissant travailler l'imagination créatrice. Un consensus apparaît sur le rejet de l'esthétique baroque et contrastée proposée par les décorateurs d'origine italienne. Parmi les propositions théoriques et pratiques, certaines (unité du spectacle, respect de l'esprit de l'œuvre) évoquent déjà en partie le travail de "mise en scène" qui apparaîtra à la fin du XIXe siècle. Le débat lui-même a été important : il a institué la problématique d'une scénographie "pauvre" ou "riche", "intemporelle" ou "historique", une problématique qui a ensuite traversé l'histoire du théâtre jusqu'à aujourd'huiFollowing a more general discussion of dramatic writing and the scenic acting in Germany during the 18th century, a new debate of decor, costumes, and theatrical effects appeared at the beginning of the 19th century and was mainly localized in Berlin, where two successive theatre directors A. W. Iffland (1796-1814) and K. V. Brühl (1815-28) attempted to reform scenic practises. This esthetic debate, even in 1816, appeared as a more concrete form of theatrical dispute in Berlin newspapers, allowing a larger diffusion of debate in the public arena. They were several participants including romantic writers, directors, intellectuals, and artists. The main goal of the Germans, construct a national theater of quality. Therefore, the directors made the choice of realism, historical truth and visual effects. They provoqued the opposing Romantics who acclaimed (inspired by the elizabethan stage) a sober non-historical decor, allowing the imagination to take flight. A consensus appeared rejecting the contrasting baroque esthetic proposed by the Italian decorators. Amongst pratical and theoretical propositions, certain ones (unity of show, respect for the spirit of the work) had already evoked in part the "mise-en-scène" that appeared toward the end of the 19th century. The debate itself was an important one. It introduced the problem of poor or rich, non-temporal or historical scenery, a problem that has traversed the history of theater up to present day
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Kremser-Dubois, Sabine. "Satire ou éloge – et de quoi ? Le théâtre de Carl Sternheim : 1910-1922, Écriture dramatique, pratique scénique, réception." Montpellier 3, 2005. http://www.theses.fr/2005MON30065.
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Le théâtre de Carl Sternheim (1878-1942) a été longtemps considéré comme une satire de la bourgeoisie wilhelminienne. En 1963, se référant à l'auteur lui-même, W. Emrich affirma que ce théâtre serait " l'exact contraire de la satire " et un encouragement adressé à chacun à développer sa propre " nuance ". Depuis lors, ce point capital reste controversé. La thèse confronte ces positions à propos des sept pièces écrites entre 1910 et 1922 et regroupées en fonction de leur thématique – en étudiant leur genèse, leur schéma actantiel et les textes eux-mêmes. Elle y associe une analyse des pratiques scéniques à partir des comptes rendus parus dans la presse et des versions filmées. La thèse aboutit à la conclusion que ce théâtre est certes un éloge de l'individualisme – ce qui a suscité des interprétations divergentes et l'incompréhension fréquente du public ; il n'en a pas moins une dimension satirique visant non pas une classe sociale en particulier mais tout comportement stéréotypéCarl Sternheim's drama (1878-1942) has long been considered as a satire of German bourgeoisie under Wilhelm II. In 1963, referring to the playwright himself, W. Emrich stated that this drama is “the very opposite of satire” and an incentive for everyone to bring out his/her own “nuance”. Since then, this major point has been much debated. This dissertation confronts those contradictory appreciations, through the analysis of seven plays written between 1910 and 1922 and studied together according to their themes, examining their genesis, their “schema actantiel” and the texts themselves. It also resorts to the analysis of staging practices presented in press reviews or to film adaptations. This dissertation concludes that these plays extol individualism – which has led to differing interpretations and to a frequent lack of understanding from the public; it nevertheless has a satirical dimension which is not directed at a social class in particular but at any stereotyped behaviour
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Nitsche, Véra. "Der neue Geist des Kollektivs. Politische und ästhetische Implikationen kollektiver Produktionsverfahren im Theater in den 1960/70er-Jahren und zu Beginn des 21. Jahrhunderts (am Beispiel der Schaubühne am Halleschen Ufer sowie She She Pop und Gob Squad)." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030002.
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Cette thèse a pour sujet les pratiques théâtrales collectives en Allemagne au tournant des années 1960/70 et au début du XXIe siècle. Ce qui nous intéresse particulièrement, c’est l’esprit du collectif, c’est-à-dire les idées politiques et concepts esthétiques qui incitent les artistes de théâtre à pratiquer la création collective et à s’organiser en collectifs. Nous partons du principe que l’esprit du collectif s’est développé parallèlement aux mutations du monde du travail depuis la fin des années 1960, telles qu’elles sont décrites par exemple dans la publication de Luc Boltanski et Eve Chiapello : Le nouvel esprit du capitalisme. Si dans les années 1960/70, les collectifs étaient perçus unanimement comme la manière d’anticiper le socialisme théâtralement, le discours actuel au sujet des collectifs de théâtre est marqué par une hétérogénéisation des positions. Pendant que certains les considèrent comme l’avant-garde de la déréglementation néolibérale du paysage théâtral germanophone, d’autres voient se réaliser des nouvelles formes d’expression politique dans le fonctionnement collectif. Aussi bien dans les années 1960/70 qu’aujourd’hui, le travail théâtral collectif est lié à des stratégies esthétiques spécifiques, ce qui soulève la question de l’interdépendance entre les modes de production et les moyens d’expression artistiques. Cette thèse cherche à lier la réflexion sur les pratiques d’organisation et de production aux concepts esthétiques des collectifs. En s’appuyant sur une méthodologie d’analyse de discours, la thèse fait ressortir l’esprit du collectif propre aux années 1960/70 ainsi que celui qui caractérise bon nombre de formations collectives marquant le début du XXIe siècle. Se divisant en deux grandes parties, elle met en évidence les lignes de continuité ainsi que les ruptures entre les deux générations de collectifs de théâtreThis thesis focuses on collective theatrical practices in Germany in the 1960s/70s and at the beginning of the 21st century. Our particular interest is the spirit of the collective: the political ideas and aesthetic concepts that encourage theatre people to work collectively and to organize themselves as collectives. We assume that the spirit of the collective has developed in parallel with the changes in the world of work since the late 1960s as described, for example, in Luc Boltanski and Eve Chiapello's publication The New Spirit of Capitalism. While in the 1960s/70s, collectives were unanimously perceived as the theatrical way of anticipating socialism, the current discourse about theatre collectives is marked by a heterogenization of positions. While some see them as the vanguard of the neoliberal deregulation of the German-speaking theatre landscape, others see in the collective functioning a new form of the Political. In the 1960s/70s as well as today, collective theatre work is linked to specific aesthetic strategies, which raise the question of the interdependence between the mode of production and aesthetics. This thesis seeks to link reflection on the organizational and production practices with the aesthetic concepts of the theatre collectives. Based on a discourse analysis methodology, the thesis brings out the spirit of the collective specific to the 1960s/70s on the one hand and to the beginning of the 21st century on the other hand. Divided into two main parts, it exposes the lines of continuity as well as the ruptures between the two generations of theatre collectives
Diese Dissertationsschrift beschäftigt sich mit den Theaterkollektiven der 1960er/70er-Jahre und des 21. Jahrhunderts. Das besondere Interesse gilt dem Geist des Kollektivs, d.h. den politischen Vorstellungen und ästhetischen Konzepten, die der kollektiven Theaterarbeit zugrunde liegen. Wir gehen davon aus, dass sich der Geist des Kollektivs parallel zu den Veränderungen in der Arbeitswelt seit dem Ende der 1960er-Jahre entwickelt hat, wie sie beispielsweise Luc Boltanski und Eve Chiapello in Der Neue Geist des Kapitalismus beschreiben. Während die Theaterkollektive in den 1960er/70er-Jahren relativ einhellig als der theatrale Vorgriff sozialistischer Produktions- und Gesellschaftsstrukturen wahrgenommen wurden, ist der aktuelle Diskurs von einer Heterogenisierung der Positionen geprägt. Die heutigen Kollektive werden einerseits als die Avantgarde der neoliberalen Deregulierung der deutschsprachigen Theaterlandschaft angesehen, andererseits werden die kollektiven Arbeits- und Organisationsweisen als neue Ausdrucksformen des Politischen wahrgenommen. Sowohl in den 1960er/70er-Jahren als auch heute ist die kollektive Theaterarbeit mit spezifischen ästhetischen Strategien verknüpft, was die Frage nach der Interdependenz zwischen der Produktionsweise und den theatralen Ausdrucksmitteln aufwirft. Diese Dissertation bringt die Überlegungen zu den kollektiven Organisations- und Produktionspraktiken mit den ästhetischen Konzepten der Kollektive in Verbindung. Die Arbeit basiert auf einer diskursanalytischen Methodologie mittels derer der jeweilige Geist des Kollektivs herausgearbeitet wird, der für die Theaterkollektive der 1960er/70er-Jahre bzw. für die heutigen Kollektivformationen typisch ist. Sie gliedert sich in zwei Hauptteile und hebt, die beiden Kollektivgenerationen diachronisch untersuchend, die Kontinuitätslinien und Brüche hervor, die den neuen Geist des Kollektivs mit demjenigen der Vorgängergeneration verbinden
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Verdalle, Laure de. "La transition théâtrale en Allemagne de l'Est : transformation des modes de régulation théâtrale et parcours professionnels des gens de théâtre." Cachan, Ecole normale supérieure, 2003. http://www.theses.fr/2003DENS0028.
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Béhague, Emmanuel. "L'Ecriture dramatique contemporaine allemande et la question de l'ancrage dans la réalité : Possibilité et modalités d'un théâtre politique après la réunification." Strasbourg 2, 2002. http://www.theses.fr/2002STR20040.
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L'étude entreprise ici se propose d'interroger l'écriture dramatique allemande des années 90 dans son rapport avec la réalité contemporaine. Avec l'irruption, après la réunification, d'un contexte politique, économique et social nouveau naît en effet l'attente d'un théâtre qui serait le lieu d'un discours critique sur les bouleversements qui traversent la société. La question qui se pose est donc celle de savoir si les auteurs dramatiques répondent à cette attente, et par quels biais esthétiques : un "théâtre politique" est-il encore possible aujourd'hui, dans un contexte de défiance vis-àvis des grands modèles d'explication du monde ? Les textes sont donc envisagés ici tant en ce qu'ils sont déterminés par le contexte de leur apparition, et en particulier celui du système théâtral allemand, que dans leur autonomie, dans le sens de la double dimension que confère T. W. Adorno à l'oeuvre d'art. A partir de l'examen de la production dramatique sur la période, et une fois avérée la caducité des définitions traditionnelles du "théâtre politique" dans le contexte contemporain, il est possible de dégager trois approches d'un positionnement critique de l'écriture pour le théâtre par rapport à la réalité contemporaine, trois modalités d'une dimension politique de cette écriture. La première, empruntant les voies d'une certaine forme de réalisme, est ici désignée sous le terme de "théâtre de la monstration". S'en distingue nettement, tant par l'ampleur de ses enjeux critiques que par l'intégration d'une dimension historique, une seconde démarche, qui met en scène l'expérience individuelle d'un sujet balloté ́par l'histoire. Enfin, la troisième approche se caractérise par une problématisation plus radicale de la notion même de "réalité"́ et de la perception de celle-ci, ce qui se traduit par une remise en question des formes mêmes du texte dramatiqueThe study undertaken here aims at analyzing the impact of contemporary reality on German drama in the 1990s (or last decade of the 20th century). The emergence of a new political, social and economic context caused by reunification called for a theatre that allows critical discourse on the radical changes throughout society. The fundamental question is thus whether writers of drama respond to these expectations and which aesthetic means are used. Can political theatre still be effectively used at times of general defiance towards the great theories of explaining the world ? The dramatic texts are examined both by investigating the influence of the socio-economic and political conditions- in particular within the German theatrical setting- at times of their publication as well as by looking at the textual autonomy in the sense of the double dimension that T. W. Adorno attributes to a piece of art. Through the examination of a representative number of dramatic productions of this period while discussing whether traditional definitions of the political theatre are still valid, it is possible to extort three critical positions within drama with regard to reality ; three modalities of the political dimension within dramatic literature. Drawing upon the tradition of the forms of realism, the first modality is denoted here as THEATRE DE MONSTRATION. The next one distinguishes itself learly through the integration of a historical dimension which dramatizes the personal experience of an individual deeply rooted in his historical context. Finally, a third form can be distinguished and is characterized by a far more radical notion of "reality" as well as the perception thereof which leads to questioning the traditional forms of dramatic texts
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Bessire, Adrien. "Les mises en scène du théâtre de Thomas Bernhard en Allemagne, en Autriche et en France. Comparaison et interprétation." Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMR077/document.
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Notre travail compare les mises en scène françaises des pièces de Thomas Bernhard aux mises en scène allemandes et autrichiennes, depuis 1970, premier succès théâtral de l’écrivain autrichien, jusqu’à aujourd’hui. La méthode choisie se situe au carrefour de la germanistique et des études théâtrales.Le metteur en scène Claus Peymann a créé la plupart des pièces de Thomas Bernhard. Ses mises en scène apparaissent très fidèles au texte. En France, les metteurs en scène sont plus libres. Thomas Bernhard écrit ses pièces pour des acteurs précis. Minetti est un hommage à l’acteur allemand Bernhard Minetti. La pièce, jouée par des acteurs français, apparait davantage comme un défi pour l’acteur et une réflexion sur l’art dramatique. L’auteur dramatique autrichien écrit également en fonction du contexte politique : ainsi, avec la pièce Place des Héros, créée à Vienne au Burgtheater en 1988, année du cinquantenaire de l’Anschluss. Cette pièce et sa réception en Autriche sert en quelque sorte de schéma de réception en France, pouvant conduire à un malentendu. Les attaques contre l’Autriche n’ont en effet plus le même sens si elles sont jouées en France.Thomas Bernhard est souvent considéré comme un auteur sombre. Son théâtre, où le comique est plus prononcé que dans les romans, permet de nuancer cette image. Mais cette dimension comique et grotesque n’est pas toujours vue par le public français. Il faut dire qu’une partie du comique bernhardien, verbal, est difficilement traduisible. C’est donc tardivement que ce comique est découvert par le public français, dans les années 1990 et 2000, quand le schéma de réception lié à Place des Héros a tendance à s’estomperOur work compares the French productions of Thomas Bernhard’s plays with the German and Austrian ones, from 1970, marking the first success of the Austrian playwright, to this day. The chosen method is at the crossroads of German Studies and Theater Studies.Stage director Claus Peymann has staged most of the first productions of Thomas Bernhard’s plays. His productions are very faithful to the text. In France, the stage directors have a more original interpretation of the text. Thomas Bernhard writes his plays for specific actors. Minetti is for a tribute to the German actor Bernhard Minetti. The play, performed by French actors, is to be understood as a challenge for actors and as a reflection about dramatic art. The Austrian playwright also writes in accordance with the political context. Heldenplatz was first played 1988 at the Burgtheater in Vienna, for the 50th anniversary of the annexation of Austria. The play and its reception in Austria serves as a model for the reception in France, which can lead to a misunderstanding. The attacks against Austria do not have the same meaning any more, when they are played in France. Thomas Bernhard is often considered as a gloomy author. Theatre, in which comedy plays a bigger part than in novels, puts this reputation into perspective. However, this comic and grotesque dimension is not always perceived by the French audience. The comic dimension of Thomas Bernhard’s work is difficult to translate. The French audience therefore discovers this comic dimension of Thomas Bernhard’s plays only much later, in the 1990’s and 2000’s, when the reception scheme of Heldenplatz tends to fade away
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Jaubert-Michel, Elsa. "De la scène au salon : la réception du modèle français dans la comédie allemande des Lumières (1741-1766)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040199.
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La comédie allemande des Lumières est souvent qualifiée de " théâtre à la française " ; cet ouvrage se propose de l'étudier du point de vue des transferts culturels, pour déterminer dans quelle mesure la réception du modèle français a réellement influencé la production allemande. Nous évaluons tout d'abord la présence de la comédie française en Allemagne, dans la théorie et dans la pratique des auteurs. La deuxième partie est consacrée à la notion d'originalité et à l'analyse comparée de la dramaturgie. Nous étudions ensuite les thèmes de la satire, en soulignant leurs rapports à la tradition comique française, mais aussi leur spécificité. Enfin, puisqu'à l'époque la France est aussi un modèle de civilité, et que la comédie doit être une " école des bonnes mœurs ", nous examinons cette question, essentielle pour l'identité nationale allemande. Il ressort de ces analyses une image nuancée de la réception du modèle français, qui révèle le rapport complexe de l'Allemagne à la FranceThe German Enlightenment comedy has often been labeled as theatre " a la francaise ", or Frenchlike; the present work aims at studying these comedies under the perspective of cultural transfers, in order to measure the extent of the French influence over the German production. First it evaluates the actual presence of French comedy in Germany, from a theoretical and practical point of view. The second part is devoted to originality and comparative analysis of drama. We then turn to satirical themes, so as to underline their links to the French tradition of comedy as well as their specificity. Last, since France at that time was also a role-model in civility, and comedy a " school of good manners ", we concentrate on this aspect, which is so central to German national identity. These analyses qualify the reception of the French model, which is revealing of the complexity of Franco-German relationships
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Tophoven, Jonas. "Le Kurzhörspiel : travail littéraire et contraintes médiatiques à l'exemple d'un type d'oeuvres radiodramatiques allemandes (1933-1990)." Paris 12, 1994. http://www.theses.fr/1994PA120003.
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Il s'agit d7analyser un type radiodramatique allemand souvent designe par le terme de kurzhorspiel, en tentant de repondre a trois questions : qu'est-ce qu'un kurzhorspiel? le terme de kurzhorspiel designe-t-il un genre? l'ecriture d'un kurzhorspiel, constitue-t-elle une activite litteraire au sens propre? a partir du domaine de designation, l'etude degage un domaine d'invariane'. Le kurzhorspiel est l'in des premiers projets radiophoniques nazis, mais il ne se deploie qu'au moment ou s'impose la notion de media. Le domaine d'invariance est analyse selon un axe paradigmatique et un axe syntagmatique: les etapes invariantes du processus de realisation decrivent un transfert et une dissemination de la fonction d'auteur; les trois niveaux de communication que declinent chacune des oeuvres du corpus sont geres de facon similaire et contradictoire. La reconstitution scenique d'une situation de communication trahit generalement une exageration de la fonction mimetique en meme temps qu'une exageration de l'artifice. La communication qu'instaur implicitement un auteur avec un adressat ne rend pas compte de la dissociation de celui-ci en deux types distincts. Les contraintes imposees au genre par le media occultent precisement ce qui en fait un element de la communication entre le media et l'auditeur. L'un des enjeux artistiques de la litterature parasitaire', dont le kurshorspiel est sans doute un avatar ephemere, est de thematiser, par des moyens litteraires, cette dimension occultee. L'oeuvre radiodramatique de karl-heinz bolling en oThis thesis searches into the answer of three questions: what exactly is a "kurzhorspiel"? is it a literary genre? can the writing of a "kurzhorspiel" be considered as a literary process? after a description of what is or has been called a "kurzhorspiel" the subject of this study is defined more closely. Although the "kurzhorspiel" had already been developped under german nazigovernment it is a phenomenon that has rather been neglected (by authors and scholars) until the seventies of this century when public opinion had become more conscious of the radio as a medium. The discussion of the subject follows the steps of the producing of a radio play which seem to provoke a shift in the authorship. There are three communication levels to be found in all radio plays : a) the communication within the play, b) between author and listener or reader and c) between radio and listener. On the first level most authors tend to amplify at the same time the mimetic and the artificial aspect of fictional communication. In the communication between author and receiver most plays do not reflect on the difference between a professional reader an the audience. However the existence of the third level is pretty obvious, it is often concealed by the structure of the play. Therefore, the articulation of this hidden part of communication can be considered as one of the most important objects of radio art. The author is compelled to use his literary techniq
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Maisonneuve, Sarah. "L'"interruption" du politique dans le théâtre politique contemporain. : les stratégies de contournement d'une situation d'aporie politique et critique dans le théâtre français et allemand de 1995 à 2015." Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100158.
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Cette étude se propose de réfléchir la ou les formes prises par un théâtre politique sur les territoires français et allemand des années 1995 à 2015. L'enjeu est d'évaluer les stratégies esthétiques développées par les artistes afin de renouveler les modalités du politique au théâtre, alors que l'édifice idéologique et théorique qui soutenait jusqu'alors une telle dimension semble révolu. La reprise dans notre titre de l'assertion paradoxale du théoricien allemand Hans-Thies Lehmann – une « "interruption" du politique dans le champ du théâtre politique contemporain » – permet d'introduire et de circonscrire les grands axes de cette problématique. Est-ce que l'interruption apparente et rhétorique du politique dans le discours des artistes est à lire comme une fin du politique ou au contraire comme une suspension momentanée de ses catégories, constituant une stratégie destinée à contourner la situation postmoderne d'aporie critique ? Cette question se propose d'être appréhendée par le biais de l'analyse transversale des différents discours artistiques. Le terme de discours comprend aussi bien les représentations que les propos méta-artistiques et les entretiens. La méthode permet de dépasser les oppositions apparentes au profit d'une approche prenant en compte toute la complexité et les contradictions du problème. Ces oppositions prennent bien souvent la forme, dans les propos des artistes, d'un refus de se voir affilier à un théâtre politique historique alors que les spectacles en prolongent et en renouvellent paradoxalement les modalités esthétiquesThe present study aims at observing the form or forms taken by a political theatre in France and Germany in the period between 1995 and 2015. At stake is an evaluation of the aesthetic strategies developed by artists so as to renew the ways of representing politics in the theatre when the ideological and theoretical structures which, until then, underpinned this dimension seem to have collapsed. The title’s quote of the German academic Hans-Thies Lehmann’s paradoxical assertion: an “interruption of politics in the contemporary political theatre” introduces and defines the limits of the domain under scrutiny. Is the illusory and rhetorical interruption of politics in the artists’ discourse to be understood as the end for the theme or, on the contrary, as a momentary suspension of its categories aiming at working around the post-modern situation of political aporia ? We propose to address the question by means of a transversal analysis of different artistic discourses. In the notion of discourse we intend to include the plays as well as meta-artistic declarations and interviews. This method aims at overcoming the apparent oppositions in order to find a way to take into account the complexities and contradictions of the problem. These oppositions often take the form, in the artists’ words, of a refusal to be affiliated to a historical political theatre whereas, paradoxically, the plays prolong and rejuvenate the aesthetic conventions of this theatre
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Deutsch, Michel. "Heiner Müller, une écriture de l'état d'exception." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100001.
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Les textes de Müller, comme ceux d’Artaud ou du Brecht des Lehrstücke, participent d'une littérature de «l'état d'exception» et peuvent être lus, par conséquent, comme une statiologie et une hantologie littéraire. On sait que si stasis veut dire repos, position, arrêt (status), stasis signifie d'abord, pour nous désormais, mouvement (kinesis), trouble, révolte, et guerre civile. La guerre civile fait rage dans les textes et le théâtre de Müller (destruction, dilapidation, réévaluation de l'héritage littéraire, par exemple). J'emprunte le concept, en le limitant, de hantologie à Jacques Derrida pour remarquer l'insistance de la trace, du retour et de la présence des spectres et des fantômes du passé qui habitent le théâtre de Müller, dans son « dialogue avec les morts ». La révolution est une explication avec le passé, et avec les ennemis de la révolution. L'apaisement et la conciliation sont le propre d'une littérature des situations moyennes, sans ennemis; littérature du consensus que Müller met en crise en fragmentant le récit, en le surphrasant, en ayant recours à la « logique » du rêve, en l'orientant vers l'effroi, vers un théâtre dionysiaque du corps démembré (disjecta membra). Tragique contre dialectique, et comme l'écrit Nietzsche : on voulait voir un Grec et on se trouve devant un AllemandMüller's texts, like those of Arthaud or of Bretch in Lehrstücke, are part of a literature an "exceptional state" and can consequently be read as a literary statiology and hantology. We know that if stasis means 'at rest, position, stop (status), stasis means first of ail, for us from now on, movement (kinesis), stirring, revolt and civil war. Civil war rages in Müller's texts and theater (killings, destruction, dilapidation, reevaluation of literary heritage. . . ). I am borrowing the concept of hantology from Jacques Derrida, but give it a limited definition in order to point out the insistence on the trace, the return and the presence of specters and ghosts from the past that inhabit Müller's theater, in his "dialogue with the dead". The revolution is an explanation of the past and with the enemies of the revolution. Appeasement and reconciliation belong to a literature of every day situations, without enemies; a literature of consensus that Müller shakes to its foundation by fragmenting the narrative, by amplifying it, by resorting to the "work" of the dream, by pointing it towards terror, towards a theater of dismembered bodies (disjecta membra). Tragic pitted against dialectic and, as Nietzsche wrote about Wagner: we were hoping for a Greek and found ourselves before a German
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Silhouette, Marielle. "Le grotesque dans le théâtre de jeunesse de Brecht, 1913-1926 : contribution à l'étude d'une dramaturgie expérimentale." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040338.
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L'étude du grotesque dans le théâtre de jeunesse de B. Brecht permet d'aborder un aspect de cette œuvre que la critique a trop souvent délaissé au profit de la comparaison avec le théâtre épique et didactique. La catégorie du grotesque, liée en Allemagne au théâtre depuis le 18eme siècle, et de prime abord rejetée par les fondateurs du théâtre national, resurgit avec force au début du 20eme siècle et devient l'expression de la révolte contre un système normatif trop rigide. Brecht participe de ce mouvement, mais il le marque aussi de son sceau : il associe le grotesque au matérialisme hérité de Wedekind, aux arts mineurs et à la culture populaire, et il le dirige contre la "vieille dramaturgie" dont il éprouve ainsi les valeurs. Ce débat avec la tradition s'effectue par le développement d'une langue foisonnante qui vient interroger radicalement le théâtre du texte, et par le privilège accorde au corps allié au bas comique et à la théâtralité, opposés à l'héroïsme, au pathétique et au tragique. La multiplicité formelle et conceptuelle des textes étudiés, la plupart inédits, permet de conclure à l'émergence dans ces années d'une dramaturgie expérimentaleStudying the grotesque in the theatre of the young B. Brecht provides the opportunity to consider one aspect that the former studies has left aside privileging the comparison with the epic and didactic theatre. Since the eighteenth century, the grotesque category has been associated with theatre and was immediately rejected by the founders of the national theatre. It resurrects at the beginning of the twentieth century and becomes an expression of a revolt against a normative and rigid artistic system. Brecht is involved in this movement, but also imprints his own mark on it. He means the grotesque as a form of materialism inherited from Wedekind, with minor arts and popular culture. He uses the grotesque against the traditional drama and challenges its values. This debate with the tradition is not only done through the development of a teeming style that radically questions the text-based theatre. It is also the result of the major role played by the human body, associated with law comedy and theatricality as opposed to heroism, pathos and tragedy. The formal and conceptual multiplicity of the texts under study, most of them unpublished, shows that during these years an experimental drama was emerging
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Viain, Elisabeth. "Pourquoi le théâtre contemporain ne ferait-il pas rire ? : humour, subversion et crise de la réception dans la création théâtrale contemporaine française, anglaise et allemande." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL067.
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Notre travail trouve son origine : d’une part dans la mauvaise réputation du théâtre contemporain auprès du public qui ne le fréquente pas ou plus et qui le juge violent, ennuyeux ou incompréhensible ; d’autre part dans le caractère très circonscrit, sur le plan socio-culturel, du public de ce théâtre. Nous tâchons de faire le lien entre ces deux constats, en utilisant la question du rire comme un révélateur. Notre hypothèse est que la dilution de la perception du rire dans le théâtre contemporain et les efforts ponctuels des spectateurs pour réinjecter du rire dans leur expérience spectatorielle constituent un symptôme de blocage du potentiel subversif de la création théâtrale. Mais, plus profondément encore, il nous semble que cette espèce de dysfonctionnement du rire s’inscrit au cœur d’un problème plus vaste de renouvellement, qui se pose aussi bien pour les formes du spectacle que pour la composition socio-culturelle du public. En effet, le rapport du public et de la scène au rire/à l’humour apparaît lié à certains aspects essentiels du fonctionnement théâtral actuel, notamment : à un refus implicite ou explicite du divertissement, à la systématisation de l’esthétique du choc, à la mise à l’épreuve du spectateur et au traitement des tabous. Il s’agira donc, en interrogeant le déploiement du rire (notamment dysfonctionnel), côté salle et côté scène, d’identifier et d’analyser ce qui relie, en filigrane, les différents obstacles au renouvellement rencontrés par la création théâtrale contemporaine et ce qui contribue réellement à la désaffection du grand public pour un art devenu, au cours du XXème siècle, extrêmement marginal dans la vie quotidienne des individusMy research was motivated on the one hand by the bad reputation of contemporary theatre among the people who do not or no longer attend it and who think it is violent, boring or hard to understand; on the other hand by the fact that its audience is socio-culturally extremely circumscribed. I try to make a link between those two observations by using the laugh as a revelatory tool. My hypothesis is that the increasing difficulties to perceive laugh in contemporary theatre and the audience’s punctual efforts to reinsert laugh in their theatrical experience are symptoms of a general limitation of the subversive potential in contemporary creation. Most of all, I think that this kind of laugh’s malfunction is a part of a bigger problem affecting the renewal capacity of theatre, in the aesthetic aspects as well as in the socio-cultural audience’s composition. In fact, the relation between the audience or the scene and laugh/or humour seems linked to some essential aspects of the actual theatrical working: the explicit or implicit refusal of entertainment; the systematization of the “shocking effects’ aesthetic”; the audience’s physical or psychological trial; the way taboos are managed. By exploring the way laugh/humour works or malfunctions, from the scene’s and the audience’s perspectives, I want to identify how the different obstacles to theatrical renewal are related and what really contributes to the audience’s disaffection for an art which, along the 20ieth century, has become more and more marginal in people’s day-to-day life
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Roger, Christine. "La réception de Shakespeare en Allemagne de 1815 à 1850 : propagation et assimilation de la référence étrangère." Metz, 2003. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/UPV-M/Theses/2003/Roger.Christine.LMZ0319_1.pdf.
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La réception de Shakespeare en Allemagne entre 1815 et 1850 n'a, jusqu'à présent, fait que très partiellement l'objet d'une considération spécifique. La majorité des travaux sur le poéte-dramaturge britannique qui aborde son accueil au XIXe siècle se concentrent en effet sur sa réception esthétique et littéraire antérieure à 1830. La présente étude se propose de mettre en lumière la coexistence de plusieurs Shakespeare durant la période dite du Vormärz, c'est à dire avant que le discours institutionnalisé sur l'auteur étranger, allant de pair avec la fondation de la Deutsche Shakespeare-Gesellschaft (1864), ne fixe durablement les modalités de sa représentation. Entre 1815 et 1850, les débats sur l'auteur dramatique étranger continuent à porter sur les conditions nécessaires pour la constitution d'un théâtre national allemand et l'apparition sur scène d'un "deuxième" Shakespeare. Toutefois, en raison du "morcellement" politique, social et culturel qui caractérise la période du Vormärz, ces thèmes invariants, hérités des discussions esthétiques du XVIIIe siècle sur l'auteur dramatique, sont enrichis d'une nouvelle dimension, désormais plus politique : Shakespeare devient progressivement une autorité morale et éthique que des médiateurs instrumentalisent dans le cadre de l'élaboration d'une identité nationale allemande. L'essor des éditions des œuvres complètes de notre auteur, sa présence dans les périodiques à vocation culturelle, les almanachs, les "galeries", les anthologies, ainsi que la publication des premières monographies, témoignent de l'ampleur étonnante de ce transfert culturel, tout en offrant une vue instructive du champ littéraire de l'époque. La nouvelle familiarité ainsi acquise d'un large public allemand avec Shakespeare à travers l'écrit et l'image, prépare la voie à son assimilation et son élévation au rang de " troisième auteur classique allemand au cours de la deuxième moitié du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècleThe reception of Shakespeare in Germany between 1815 and 1850 has, until recently, attracted little sustained critical attention. Modern research on the poet-playwright's 19th century reception has thus far focused principally on its aesthetic and literary aspects before 1830. The present study aims to shed new ligth on the coexistence of several Shakespeares during the Vormärz period, i. E. Before the institutionalized German discourse on the Shakespeare - supported mainly by the newly founded Deutsche Shakespeare-Gesellschaft (1864) - determined the ways he entered German national consciousness. Between 1815 and 1850 debates on the dramatist continued to have a bearing on the fashioning of German national theatre and appearance of a "second" Shakespeare on the scene. But because of the political, and cultural divisions which characterize te Vormärz period, the traditional aesthetical discussions inherited from the 18th century were enriched with a new, more political dimension : the Vormärz saw Shakespeare's promotion from a literary authority to a more moral and ethical one that his supporters could use in the working out of a German national identity. The rising numbers of editions of his complete works, his presence in literary journals, almanacs, "galleries", anthologies of the time alongside the publication of the first critical monographs devoted entirely to his life and works attest the astonishing breadth of this cultural transfer. Moreover
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Marie, Laurence. "L'acteur peintre de la nature. Esthétique du tableau et premières théories du jeu théâtral au XVIIIème siècle (France, Angleterre, Allemagne)." Thesis, Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040147.
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Cette thèse entend montrer comment la naissance de la théorie du jeu théâtral au XVIIIe siècle contribue à la mise en cause du modèle mimétique classique au profit d'un nouveau modèle expressif. Considérant trois aires culturelles (la France, l'Angleterre et l'Allemagne), elle adopte une démarche chronologique, qui vise à souligner les changements dans la façon d’entendre le parallèle entre l'acteur, le peintre et l’orateur. Il apparaît ainsi que la théorie du jeu tire sa légitimité d'une réhabilitation du spectacle visuel, qui donne lieu à une esthétique du tableau scénique mettant en lumière la spécificité du jeu. En ce sens, elle ne se constitue pas en rupture avec les traités d’actio, mais par une réinterprétation visuelle de leurs principes, en faveur d'une éloquence corporelle naturelle libérée des codes de la rhétorique. Dès lors, sous l’influence du sensualisme, la place centrale accordée au corps de l'acteur créateur conduit à une série d'expérimentations théoriques et pratiques qui portent sur la production et la réception du sentiment au théâtre, et qui sont alimentées par les échanges d'un pays à l'autre. Ces réflexions hybrides participent à la redéfinition des arts de la représentation en termes de relation esthétique entre un sujet créateur et un sujet récepteur, et au passage d'une conception imitative à une approche expressive du sentiment. La diffusion, par David Garrick, d'une certaine image de Shakespeare, dont la dramaturgie contrevient aux règles de la poétique classique, joue un rôle important dans le développement de la théorie du jeu visuel et dans la définition du théâtre comme texte et représentationThis work shows how the birth of acting in the eighteenth century calls into question the classical mimetic model in favour of a new expressive model. It examines three cultural areas: France, England, and Germany. It also adopts a chronological approch in order to analyse the changes undergone by the parallel between the actor, the painter and the orator. It then appears that acting theory draws its legitimacy from a rehabilitation of visual spectacle, which provokes the settling of an aesthetic of the stage paintng putting into light acting’s specificity. In that sense, acting theory does not emerge against writings on oratory action; on the contrary, it rises thanks to a visual re-interpreting of their principles freed from rhetorical codes. Hence, through the influence of sensualism, the major place given to the creative actor's body leads to theoretical and practical experimentations that concern the way to produce and to receive feelings, and which are nourished by multiple exchanges between the three countries. These hybrid reflections help redefine the art of representation as an aesthetic relation between a creating subject and a receiving subject. It contributes to the transition from an imitative conception of feeling to an expressive one. David Garrick’s spreading of a certain image of Shakespeare, whose dramaturgy offends the classical poetics rules, plays an important role in the development of a theory of visual acting an in the redefinition of theatre as text and representation
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Fondu, Quentin. "La Scène et l'Amphithéâtre : sociologie et histoire de la discipline des études théâtrales en France et dans les deux Allemagnes (1945-2000)." Thesis, Paris, EHESS, 2021. http://www.theses.fr/2021EHES0004.
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Cette thèse porte sur l’histoire de la discipline des études théâtrales (Theaterwissenschaft en allemand) en France et dans les deux Allemagnes, de 1945 jusqu’au début des années 2000. Elle interroge les conditions historiques et sociales qui permettent de comprendre son apparition et son développement. Mon hypothèse principale est que la constitution de cette discipline s’organise à la jonction du champ universitaire et du champ théâtral, et au croisement de logiques locales, nationales et internationales. À l’inverse des disciplines plus anciennes, les études théâtrales revendiquent en effet une plus grande ouverture vis-à-vis de logiques extérieures au monde académique, à la fois en termes de formations et de débouchés. Participant peut-être à la mise en crise contemporaine de l’« ordre disciplinaire », l’histoire de cette discipline doit ainsi être replacée dans les métamorphoses plus larges du théâtre et de l’université au cours de cette période – en particulier leurs internationalisations et leurs politisations respectives. Notre démarche repose sur la sociologie historique, qui a pour ambition de cumuler les méthodes de l’histoire et celles de la sociologie, afin de prendre en compte simultanément événements, histoire institutionnelle et analyse structurale. Sans pour autant abandonner les principes de la comparaison entre la France et les deux Allemagnes, la méthodologie doit également beaucoup à l’histoire croisée, qui nous permet de multiplier les échelles d’analyse sans présupposer a priori le cadre national de la disciplineThis thesis is about the history of the discipline of theatre studies in France and in the two Germanies, from 1945 to the early 2000s. It examines the historical and social conditions in order to understand its emergence and development. My main hypothesis is that the creation of this discipline happened at the intersection of the academic and theatrical fields, and at the crossroads of local, national and international logics. Unlike older disciplines, theatre studies avows a larger openness vis-a-vis logics external to the academic world, both in terms of training and job prospects. Participating perhaps in the contemporary challenges to “disciplinary order”, the history of this discipline must also be resituated within the broader metamorphosis of theatre and the university over the course of this period. Our approach relies on historical sociology, whose aim is to bring together methods from history and sociology in order to simultaneously think about events, institutional history, and structural analysis. Without abandoning the basis for comparison between France and the two Germanies, our methodology also draws heavily from histoire croisée, which allows us to broaden the scope of our analysis without accepting at face value the national framework of the discipline
Diese Dissertation behandelt die Geschichte der Disziplin der Theaterwissenschaft in Frankreich und im geteilten Deutschland, von 1945 bis zum Beginn der 2000er Jahre. Sie untersucht die historischen und sozialen Bedingungen, die es ermöglichen, ihre Entstehung und Entwicklung zu verstehen. Die zentrale Hypothese ist, dass die Konstituierung dieser Disziplin durch die Verbindung des akademischen und theatralischen Bereichs und dem Zusammenwirken lokaler, nationaler und internationaler Logiken ermöglicht wurde. Im Gegensatz zu älteren Disziplinen beansprucht die Theaterwissenschaft in der Tat eine größere Offenheit gegenüber Logiken außerhalb der akademischen Welt, sowohl in Bezug auf Ausbildung als auch auf Karrierewege. Die Geschichte dieser Disziplin, die wohl an der gegenwärtigen Krise der "Disziplinarordnung" teil hat, muss daher in die breiteren Metamorphosen des Theaters und der Universität in dieser Periode - insbesondere in ihre jeweiligen Internationalisierungen und Politisierungen - eingeordnet werden. Der Ansatz dieser Dissertation basiert auf der historischen Soziologie, die darauf abzielt, die Methoden der Geschichte und der Soziologie zu kombinieren, um Ereignisse, die Institutionengeschichte und die Strukturanalyse gleichermaßen zu berücksichtigen. Ohne die Prinzipien des Vergleichs zwischen Frankreich und den beiden deutschen Staaten aufzugeben, verdankt die Methodologie auch viel der histoire croisée, die es erlaubt, die Skalen der Analyse zu multiplizieren, ohne a priori den nationalen Rahmen der Theaterwissenschaft vorwegzunehmen
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Gauthier, Laure. "Opéra baroque et identité culturelle nord-allemande : le "Gänsemarktoper" de Hambourg, genèse et apogée (1648-1728)." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040193.
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Cette étude porte sur la genèse d'un opéra de langue allemande à la charnière des XVIIe et XVIIIe siècles. C'est à Hambourg, en 1678, que la première scène permanente allemande ouvrit ses portes : le Gänsemarktoper, l'opéra du Marché aux oies. Il parvint à se maintenir 60 années (1678-1738), tandis que tous les projets opératiques entrepris auparavant en Allemagne par des princes territoriaux ou des bourgeois mélomanes s'étaient soldés par un échec. Ce théâtre où furent représentées quelque 250 œuvres lyriques en langue vernaculaire et dont l'immense majorité des librettistes et des compositeurs étaient autochtones peut être considéré comme le premier " opéra national " et le dernier haut lieu du baroque musical et littéraire. Les artistes y posèrent les fondements d'une dramaturgie originale du livret d'opéra et tentèrent de définir une esthétique opératique spécifiquement allemande, émancipée à la fois des canons dramaturgiques français et du répertoire mélodramatique transalpinThis study concerns itself with the origins of the opera as an art form in the german language in the turn of the 17th and 18th centuries. It was in Hamburg where the first german permanent theater opened its doors in 1678. This opera was called "Gänsemarktoper ". The theater was performing successfully for 60 years (1678-1738), while all the other operatic projects undertaken before in Germany by territorial princes or music-loving bourgeois ended up in failure. This theater where 250 works were represented in the vernacular language and where the vast majority of the librettists and composers were local can be considered to be the first " national opera " and the final achievement of the musical and literary style of baroque. The artists here laid down the foundations of an original dramaturgic opera repertoire and also tried to define a specific german aesthetic opera, which was emancipated from french dramaturgic rules and at the same time also from italian melodramatic repertoire
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Ménétrier, Jean-Alexandre. "La création "Du Songe d'une nuit d'été" à Potsdam le 14 octobre 1843 : contribution à l'histoire du théâtre en Allemagne à l'époque romantique." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040063.
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Heitz, Raymond. "Le drame de chevalerie dans les pays de langue allemande à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle : théâtre, nation et cité." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040087.
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Le succès retentissant du drame de chevalerie dans les pays de langue allemande à la fin du dix-huitième et au début du dix-neuvième siècle n'a pas valu à ce "genre", de la part des chercheurs, l'intérêt qu'il mérite. S'appuyant sur une meilleure circonscription quantitative de ce type dramatique et sur un corpus de référence élargi, la présente étude invalide les thèses élaborées à partir d'un matériau fragmentaire. Point de convergence de questions d'esthétique, de réalités politiques et historiques, le phénomène est réinséré dans l'histoire du théâtre allemand à un moment qui coïncide avec la prise de conscience de la germanite, la réception de Shakespeare et le conflit des esthétiques. L'analyse du concept de patriotisme, indissociable de l'idée de "théâtre national", précise le point de vue, communiqué par ces drames, sur la vie de la cité et les pouvoirs établis et inscrit le "genre" dans le débat sur l'image de l'étranger et le jeu contrasté des stéréotypes. La mise au jour de métamorphoses de cette veine théâtrale s'inscrit en faux contre les positions admises jusqu'ici. En filigrane, sont abordées la querelle sur les niveaux de style et la question de la trivialisationThe resounding success of chivalric drama in German-speaking countries at the end of the eighteenth century and the beginning of the nineteenth has not secured for this "genre" the attention it deserves from researchers. Based on better quantitative survey of this dramatic from and a broader corpus of references, the present study invalidates the theses founded on fragmentary material. This phenomenon, as the point of convergence of questions of aesthetics and of historical and political realities, is reinserted in the German theatre at a moment which coincides with the awakening of a Germanic identity, the acceptance of Shakespeare and aesthetic conflicts. The analysis of the concept of patriotism, which is inseparable from the idea of a "national theatre", clarifies the point of view transmitted by these plays as regards the life of the city and the established powers and gives the "genre" its place in the debate concerning the image of foreigners and the contrasting effects of stereotypes. The metamorphosis of this theatrical vein, once revealed, rejects the positions considered acceptable until now. The dispute concerning levels of
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Schenck, Cécile. "De la crise de l'homme moderne à la construction de l'homme nouveau dans les arts du spectacle (théâtre et danse) français et allemands des années 1880-1920." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030152.
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Ma thèse porte sur l’utopie d’un Homme nouveau, censée remédier à la crise européenne de l’homme moderne apparue dès la fin du XIXe siècle, et sur les différentes conceptions du lien social rattachant l’individu à la collectivité dans deux domaines d’expression : le théâtre et la danse, dont les diverses manifestations dans le champ des arts du spectacle français et allemands reflètent un large spectre de significations esthétiques, morales, idéologiques et politiques, révélateur des profondes mutations culturelles des années 1880-1920. À un moment de grande effervescence politique et intellectuelle liée à l’Histoire européenne, artistes et intellectuels ne cessent d’invoquer la nécessité d’un changement radical de l’homme et du monde. C’est dans les arts du spectacle que cet espoir paraît certes le plus vif, mais aussi le plus ambivalent : dramaturges et chorégraphes tendent en effet à substituer à l’idée proprement révolutionnaire la thématique d’une conversion et d’une rédemption spirituelles, devant réconcilier l’individu avec lui-même et avec sa communauté, comme le montrent, des deux côtés du Rhin, les œuvres d’inspiration wagnérienne dans les années 1880-1920. Des dernières pièces de Villiers de l’Isle-Adam au théâtre mystique de Péladan et aux drames préchrétiens du jeune Claudel, des premières mises en scène chorales de Rudolf Laban aux représentations parisiennes des Ballets russes et suédois, du Théâtre du peuple à la scène futuriste et au Bauhaus, le rêve d’une œuvre d’art totale est indissociable d’une réflexion multiforme sur les possibilités d’un renouveau esthético-religieux de l’humanité décadenteMy thesis bears on the utopia of the New Man, which is supposed to be a remedy to the crisis of the modern man at the end of the 19th century. It also bears on the different conceptions of the social ties by means of which the individual is attached to the community ; it explores these conceptions in two domains of expression : theater and dance, whose diverse manifestations in the field of the French and German arts of expression reflect a large spectrum of esthetic, moral, ideological and political significances. Those manifestations reveal the profound cultural mutations of the years 1880-1920. In a time of great political and intellectual effervescence related to the particular moment of European history, artists and intellectuals incessantly evoke the neccessity of a radical change of the man and the world. It is in the arts of spectacle that this hope appears in its most vivid, but also in its most ambivalent : dramatists and choreographs have the tendency to replace to a properly revolutionary idea by the thematics of a spiritual conversion and redemption, that should reconcile the individual with herself and her community, as we can see, on both sides of the Rhin river, the works inspired by Wagner in the years 1880-1920. From the last pieces of Villiers de l’Isle-Adam to the mystical theater of Péladan and the pre-christian pieces of young Claudel, from the first choral stagings of Rudolf Laban to the parisian representations of the Russian and Swedish ballets, from the People’s Theater to the futurist scene and to the Bauhaus, the dream of a total work of art is indissociable from a manifold reflexion on the possibilities of an esthetic and religious renewal of decadent humanity
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Winkler, Jean-Marie. "Le théâtre de Thomas Bernhard : formes et structures." Paris 10, 1988. http://www.theses.fr/1988PA100067.
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Ce travail étudie les quatorze premières pièces de Thomas Bernhard (auteur autrichien né en 1931), écrites de 1970 à 1984. La méthode choisie utilise les acquis du formalisme et du structuralisme, en tendant vers une interprétation des structures observées: en première partie, l'opposition systématique entre l'attente et le "divertissement" au sens pascalien détermine un théâtre de la négativité et de l'immobilisme, qui rend impossible toute action. La deuxième partie étudie les "mots", l'opposition entre parole et mutisme, ainsi que les diverses formes de la parole. L'écriture théâtrale se fait partition musicale et logique. La troisième partie traite de l'opposition du tragique et du comique : le tragi-comique indique une vision grotesque de l'homme et de l'univers, qui fait basculer ce théâtre dans le ridicule et le rire "amer". En conclusion, ce théâtre s'inscrit dans une forme de dramaturgie moderne qui renonce à l'illusion, et qui vise à rendre actif un spectateur désorienté. Face au néant, la dramaturgie combat ses propres ténèbres par la recherche obstinée de la forme et de l'œuvre d'artThis work analyses the first fourteen plays written by Thomas Bernhard (Austrian playwright born in 1931) which were written from 1970 to 1984. The method chosen here uses notions of formalism and structuralism and tries to provide an interpretation for the observed structures. In the first part, the systematic opposition between expectation and "divertissement" in the pascalian sense determines a theatre of negativity and immobility which makes any action impossible. The second part is a study of "words", of the opposition between speech and muteness as well as of the different forms of speech. Theatrical writing becomes a musical and logical score. The third part deals with the opposition between tragedy and comedy: tragy-comedy implies a grotesque vision of man and universe which makes that theatre shift to the ridicule and derision. As a conclusion, this theatre belongs to a modern dramatically trend which discards illusion and which aims at making a puzzled spectator active. Confronted with nothingness, the author fights his own darkness by means of an obstinate search for form and for the work of art
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Thiériot, Gérard. "Franz Xaver Kroetz et le Volksstück." Paris 10, 1986. http://www.theses.fr/1986PA100013.
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Diot, Marie-Renée. "La femme dans le roman et théâtre allemands du dix-huitième siècle : 1725-1784." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040117.
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A une époque ou le statut juridique et religieux de la femme fait d'elle une inférieure et une éternelle mineure, ou des châtiments sévères menacent celles qui ne respectent pas les règles de la morale sexuelle ou se rendent coupables d'infanticide, où l'état déplorable de l'éducation féminine est soulignée par maints observateurs et en particulier par les revues moralisantes, il est permis de se demander si la littérature, en l'occurrence le théâtre et le roman, a apporté une contribution décisive à l'analyse de cette situation et à l'élaboration de revendications, de plaidoyers en faveur des femmes, de projets de réformes allant dans le sens d'une plus grande égalité. Une étude de l'image de la femme -telle qu'elle est proposée par le théâtre et le roman- qui analyse la représentation physique, morale, intellectuelle des héroïnes, leur place dans les relations familiales, amicales, amoureuses et sociales et qui ne néglige pas les différences, les nuances liées à la diversité des genres, à l'évolution du goût, permet de voir se dessiner un modèle féminin qui ne remet pas en cause l'ordre établi. L'analyse des points sur lesquels pourrait se porter la volonté de réforme : éducation, choix matrimonial, condition des femmes coupablesIn an age when the legal and religious status of woman ranks her an inferior and an eternal minor, when harsh punishments threaten those who flout the rules of sexual morality or commit infanticide, when the lamentable state of education for women is underlined by a host of observers and in particular by the moral weeklies, it is legitimate to wonder whether literature, in this case theatre and the novel, has made any decisive contribution to the analysis of the situation and to the formulation of demands, of pleas on behalf of women, of reform projects aiming to secure greater equality. A study of the image of woman, such as she appears in theatre and the novel, which analyses the physical, moral, intellectual representation of the heroines, their place in the system of social and family relationships, friendship and love, and which also takes into account the differences and shifts of emphasis determined by the diversity of these genres and the evolution of taste, reveals an emerging pattern of womanhood that in no way challenges the established order
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Guervilly, Herveline. "L'Acteur face au spectateur : des usages de la frontalité et de l'adresse au public dans la mise en scène européenne au tournant des XXe et XXIe siècles." Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30002/document.
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Cette thèse a pour but d’identifier, dans la mise en scène européenne des années 1990-2000, les pratiques de la frontalité et d’en déterminer les enjeux en termes de mise en scène, de jeu et de présence de l’acteur et de réception du spectateur. L’analyse distingue trois modalités d’intervention de la frontalité, chaque fois remises dans leur perspective historique. La première est celle de l’interpellation, dans l’héritage du théâtre de foire ou d’intervention. La frontalité y est le support d’un acte de communication. Deuxièmement, la frontalité prend une dimension cérémonielle et devient le fondement de l’acte théâtral pour élaborer, cette fois, une relation indirecte avec les spectateurs. Dans sa troisième modalité, la frontalité dépasse le face-à-face entre acteurs et spectateurs, soit par le recours à l’image vidéo, créant un face-à-face médiatisé, soit par l’extension de la frontalité à l’ensemble de la scène. Finalement, l’usage de la frontalité témoigne d’une nouvelle économie de la représentation fondée sur un principe de réciprocité entre le geste du metteur en scène, l’engagement de l’acteur, la production scénique et l’individu spectateur. Au-delà du souci de conduire le spectateur à une activité critique ou à une participation fusionnelle, la frontalité invite à interroger sa position de retrait et sa passivité extérieureThis thesis aims at identifying the practices of frontal acting in the European performances between the 1990’s and the 2000’s in order to define its challenges with regards to the staging, the acting, the actor’s presence on stage as well as in terms of spectator’s perception. Our analysis distinguishes three modes of frontal acting, by replacing each of them in its historical context. The first one is “interpellation” inherited from the Theatre performances at fairs and the Agit-Prop Theatre. In this case, frontal acting is considered as a medium for communication. The second mode, frontal acting takes a ceremonial dimension and becomes the basis of the theatrical moment in order to create, this time, an indirect relationship between actors and spectators. In its third mode, frontal acting exceeds the face-to-face between actors and spectators either thanks to the use of the video – creating media attention around the face-to-face – or thanks to the extension of frontal acting to the full stage. Finally, the use of frontal acting indicates the emergence of a new performance mode based on a reciprocity principle between the gesture of the director, the commitment of the actor, the performance and the spectator as an individual. Beyond the willingness to lead the spectator to a critical thought processor to a fusional participation, frontal acting invites to question his distant position and his external passivity
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Katz, Serge. "Les écoles du comédien face au "métier" : recrutements professionnels, classements scolaires, techniques du corps : une comparaison franco-allemande." Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0090.
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La comparaison des écoles du comédien en France (cours Florent et CNSAD à Paris) et en en Allemagne (HfS "Ernst Busch" à Berlin) permet de comprendre la réactivation de l'idéologie du don ou de la rationalisation des savoir-faire, comme le résultat du rapport entre les écoles et le marché du travail. L'anticipation par les écoles françaises d'un marché du travail théâtral peu régulé tend à favoriser la prégnance du recrutement pendant la scolarité et à entraver la formalisation des apprentissages par les professeurs. La conception de l'innéité du "talent" des élèves tend alors à s'imposer. Au contraire, pour les élèves allemands, les perspectives d'une insertion professionnelle stabilisée dans les théâtres publics permet le report des engagements après le cursus et l'autonomie du corps professoral. Cette reconnaissance professionnelle est ainsi au fondement de l'utilisation des textes de théâtre comme des instruments décisifs dans l'évaluation et la transmission des savoir-faireThe comparison of drama schools in France (cours Florent and CNSAD, Paris) and in Germany (HfS "Ernst Busch", Berlin) makes it possible to understand the reactivation of the ideology of the gift or the rationalization of the know-how as dependent upon the relationship between schools and the labor market. The French schools 'expectancy of an unsteady theatrical labor market favours the predominance of recruitment during schooling and prevents the formalization of training by teachers. The idea of the innate nature of "talent" of students tends to be foregrounded. Contrastingly, for German studnets, the prospect of a more stabilized insertion into public theatres both fosters professional engagements after training and preserves the teaching staff's autonomy of evaluation. This professional recognition thus reaffirms the teachers' capacity to utilize theatrical texts both as detective evaluative instruments, as well as the meants to transmit theatrical skills
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Teinturier, Frédéric. "Heinrich Mann et la nouvelle : pratiques d’un genre entre roman et théâtre." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040129.
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Les nouvelles d’heinrich mann sont un ensemble hétérogène, qui résiste à l’analyse. La catégorie générique est la clé qui en ouvre l’accès : une fois que la filiation de ces textes au sein du genre de la nouvelle allemande est déterminée, la cohérence de ce corpus est évidente ; l’opposition entre les deux formes de la novelle et de la kurzgeschichte permet de distinguer des phases successives précises dans l’ensemble des nouvelles, alors même que les analyses thématiques et stylistiques semblaient conclure au plus grand arbitraire. Heinrich mann connaît parfaitement la forme narrative brève et porte un grand intérêt aux aspects structurels de ses nouvelles. Son attitude vis-à-vis du genre narratif bref dévoile en fait toute l’originalité de sa conception de la littérature en général. L’étude de la place des récits dans l’ensemble de son œuvre met en évidence que, contrairement aux apparences, la nouvelle en est le centre. La manière dont heinrich mann utilise la nouvelle montre qu’il refuse toute sorte de cloisonnement générique. Non seulement les nouvelles sont l’expression la plus aboutie de son esthétique narrative, mais la nouvelle se situe également au croisement de toutes les formes textuelles, tant narratives, que dramatiques et non fictionnellesHeinrich mann's short stories are a body of miscellaneous works which resists interpretation. The key to analysis is the category of genre : once these works are classed according to their relation to the genre of german short stories, their overall coherence becomes clear ; by distinguishing between the two opposed forms of the novelle and the kurzgeschichte, it is possible to define distinct, successive phases in that body of works, although in thematic or stylistic analyses, a feeling of complete arbitrary predominates. Heinrich mann displays a thorough knowledge of the brief narrative, and pays close attention to the structural aspects of his short stories. His attitude towards the genre of brief narrative reveals the profound originality of his conception of literature. A study of the importance of these stories within his work highlights the fact that, appearances notwithstanding, the short story occupies a central position. Heinrich mann's work on this form clearly shows that he refuses all kinds of generic pigeonholing. Not only does it embody his narrative esthetics in the most consumate way, it is also a cross-roads for every textual form, whether narrative, dramatic, or non fictional
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François, Jean-Claude. "Le theatre allemand de l'apres-guerre (1945-1950) : traditions et novations." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080154.
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Cette these etudie la renaissance de la vie theatrale en allemagne, apres la seconde guerre mondiale et l'effondrement du regime nazi, sous un double aspect : la nature du repertoire (das drama) et le fonctionnement de l'appareil theatral (das theater). La premiere partie decrit les conditions materielles, politiques et morales de cette renaissance dans le contexte de l'occupation et de la guerre froide. Les principaux debats de cette periode (la denazification, le retour des exiles, la reeducation du peuple allemand) sont evoques dans leur rapport avec la vie theatrale. La seconde partie est consacree au repertoire issu de l'exil des auteurs dramatiques antinaziz. Cinq grands noms (wolf, bruckner, brecht, zuckmayer, weisenborn) emergent d'un ensemble tres divers dans le fond comme dans la forme. A propos de cinq grandes pieces, l'etude suit de tres pres le chemin qui conduit des intentions premieres de l'auteur a l'ecriture de la piece et a sa reception (qui varie selon les mises en scene, les lieux, les publics). Elle s'appuie sur une documentation jusqu'ici non utilisee (memoires, lettres, critiques theatrales des differents journaux de berlin et d'autres villes). Un bilan des pieces representees au cours de cette periode (une vingtaine d'auteurs)fait apparaitre les reussites et les echecs dans la "rehabilitation" des dramaturges antinazis exiles. Une troisieme partie concerne le repertoire dramatique etranger et les auteurs que les puissances d'occupation font connaitre a un public avide de nouveautes apres douze annees d'autarcie. La nature de la politique culturelle suivie dans chacune des zones influe sur le choix des auteurs, surtout des qu'il s'agit de sujets "politiques". Mais a berlin, la ville aux quatre secteurs, on peut voir sans entraves tout ce que les quatre puissances ont a offrir : wilder, sartre et simonov declenchent dans l'opinion et la presse des debats passionnes. La quatrieme partie etudie la production dramatique de langue allemande. Il existe certes une generation de jeunes auteurs, mais, mis a part borchert, ils ont une ecriture plutot traditionnelle. Les novations viennent "de l'exterieur". Avec brecht, qui oppose un langage dramatique et scenique nouveau aux tenants du naturalisme. Avec les jeunes suisses frisch et durrenmatt, qui font entendre un ton nouveau, plus sceptique et qui renouvellent les genres en les melant (parabole onirique et farce historique)This thesis makes a study of the revival of theatrical life in germany after world war ii and the collapse of the nazi regime from two points of view : the nature of the repertory (das drama) and the apparatus of the theater (das theater). The first part describes the material, political as well as moral conditions of this revival in the context of the foreign occupation and the cold war. Major debates during that period of history (denazification, the return of exiled, the reeducation of the german people) are evoked in relation to the atrical scene. The second part is dedicated to the repertory which took roots in the exile of antinazi playwrights. There are five outstanding wawes in a group of authors in which variety can be found in the form as well as in the substance : wolf, bruckner, brecht, weisenborn, zuckmayer. In reference to five famous plays, this study focuses closely on the path which leads from the origininal intentions of the authors to the writing of the play as well as well as to the degrees of acceptance of this work - which vary according to the production, the places of performance and the audience. It is founded upon documents which, to this day, have not been quoted (dissertations, letters, critical material about theater published in newspapers in berlin and other cities. A third part lay stress on the foreign drama repertory and the authors that thanks to the armies of occupation - have been brought to the knowledge of an audience who could fancy novelties after a period of 12 years of autarky. Cultural policies in each of the occupied zones influence the choice of the authors, especially in the case of "political"subjects. In berlin, the four-zones-city, wilder, sartre and simonow sparked off passionate debates in the press as well as in the public opinion. The fourth part emphasizes the production of drama in the german language. It is indeniable that exists a new generation of young authors but, except for borchert, their literary art is rather traditional. Innovations come from "outside". This is the case for brecht who opposes a new langage of the drama and of the stage to the champions of naturalism. This is also the case for the young swiss authors frisch and durrenmatt who gave birth to a form of writing which is innovative and tainted with skepticism. They also renew styles by blending them - imaginary parable and historic farce among others
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Portzamparc, Arianne de. "Rihm et Artaud : Tutuguri, Die Eroberung von Mexico et Séraphin - un théâtre musical de la cruauté." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080131/document.
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Le théâtre de la cruauté d’Antonin Artaud (1896-1948) participe à une libération des langages artistiques au profit du sens déterminante dans l’histoire de l’art du XXème siècle. Dans ce théâtre, l’acteur représente le point de départ d’un langage originaire fondé sur le souffle et le geste qui favorise une communication affective avec le spectateur. Le théâtre musical de la cruauté de Wolfgang Rihm (1952) s’inspire de ce langage à travers les thématiques du rite, du mythe et du rêve, porteuses d’un théâtre inhérent à la vie. Ces thématiques sont propices au développement d’une vocalité qui rend perceptible la corporalité du chanteur grâce à une déconstruction de la matière langagière. Rihm exploite la matière phonique de la langue sous forme de glossolalies, cherche différents aspects du cri en tant qu’élément premier du langage, utilise le souffle comme une matière sonore. Cette vocalité rejoint son approche instrumentale qui travaille le son à partir du timbre, du rythme et de l’intensité sans chercher à l’enfermer dans une logique systémique. Intégrée au processus compositionnel, la disposition des musiciens et des chanteurs dans l’espace rejoint également la conception d’un espace scénique vivant dans le théâtre d’Artaud. Au fur et à mesure de son théâtre musical de la cruauté, Rihm laisse ses matériaux sonores inspirés par Artaud se réécrire dans une forme de palimpsesteThe theater of cruelty of Antonin Artaud (1896-1948) participates in a liberation of artistic language over decisive meaning in the history of 20th century art. In this theater the actor is the starting point for a language of origins founded on breath and gesture, which promotes affective communication with the audience. The musical theater of Wolfgang Rihm (1952) takes it’s inspiration from this language via the themes of ritual, myth, and dream, all which bear a theater inherent to life. These themes are developed through a vocalization, which renders visible the corporeality of the singer through a deconstruction of language matter. Rihm exploits the phonic matter of language in the form of glossolalia, seeking different aspects of the scream as the primal element of language, employing breath as sonorous matter. This vocalization rejoins his instrumental approach, which uses sound drawn from timbre, rhythm and intensity without seeking to enclose it within a logical system. Integrated into the compositional process, the spacial arrangement of the musicians and the singers rejoins the concept of a living scenic space in Artaud’s theater. As Rihm’ s musical theater of cruelty progresses, it allows the sonoral matter inspired by Artaud to rewrite itself in a form of palimpsest
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Schneider, Corinne. "Le Weber français du Théâtre -Lyrique (1855-1868) : enjeux et modalités de la réception de l'opéra allemand traduit sous le Second Empire." Tours, 2002. http://www.theses.fr/2002TOUR2035.
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Le Thèâtre-Lyrique offre au public parisien du Second Empire la traduction française de douze opéras originellement de langue allemande. Considérant le XIX e siècle dans son entier, il s'agit d'une programmation sans équivalent ayant remporté un succès populaire exceptionnel : 897 représentations sur une période de seize années (1855-1870). Cette étude est consacrée à la réception de cinq oeuvres de Carl Maria Von Weber (Der Freischütz, Oberon, Euranthe, Preciosa et Abu Hassan) représentées en langue française sur cette scène. Etudier ce phénomène de diffusion de l'art lyrique allemand, c'est analyser l'ensemble des processus culturels qui font exister les opéras étrangers traduits dans la société d'accueil, avec tout ce que cela implique institutionnellement, artistiquement, sociologique et esthétiquement. Prenant appui sur une revue de presse volontairement exhaustive, sur la mise au jour de sources d'archives et de matériels d'orchestre encore inexplorés à ce jour, cette recherche questionne la pratique et les mécanismes du traduire dans le domaine lyrique, autant qu'elle interroge le goût du public du Second Empire et la réception des opéras de Weber auprès de ses interprétes français et de la critique musicale du temps. C'est bien la culture française du Second Empire qui est au centre de l'analyse, et cette étude contribue en partie à la définir et à observer son évolution. Cette thèse se propose ainsi de contribuer à l'histoire de la réception de l'art lyrique germanique en France au XIX e siècle : l'accueil réservé à la production de Weber sur la scène du Théâtre-Lyrique y étant étudié dans une perspective musicologique sociale et historique, plus qu'esthétique.
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Cambra-Djoudi, Christine. "L'œuvre dramatique de Johann Elias Schlegel (1719-1749) : contribution à l'étude de la dramaturgie de la "Frühaufklärung"." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040184.
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"La production dramatique de Johann Elias Schlegel (1719-1749) témoigne de l'évolution qui conduisit le théâtre allemand des scènes ambulantes à une forme fixe. Elle est ici considérée dans son intégralité, en n'excluant aucune pièce, fragment ni ébauche. Les catégories définies par la sémiotique ont permis de définir les caractéristiques de la théâtralité de cet oeuvre,qui constitue l'un des premiers exemples de littéralisation aboutie du théâtre allemand. Par la progressive mise en conformité de sa pratique dramatique avec ses écrits esthétiques innovants, Schlegel rompt avec les règles normatives édictées par Gottsched. D'une dramaturgie de l'"imitatio", telle que la pratique la "Frühaufklärung", Schlegel évolue vers une dramaturgie originale et apporte une contribution non négligeable, même si elle fut bientôt occultée par les bouleversements dûs à Lessing, à l'entreprise qui prit le nom de "Théâtre national". "Johann Elias Schlegel's (1719-1749) dramatic output reveals the evolution that led German drama from the itinerant stages to a fixed form. The dramatic works had to be considered in full, that is, without excluding any play, extract or rough draft. .
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Mengard, Frédérique. "Les comédies de Friedrich Dürrenmatt ou le théâtre considéré comme institution morale." Rennes 2, 2003. http://www.theses.fr/2003REN20034.
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Longtemps considéré à la seule lumière de la notion esthétique du grotesque, le théâtre de Dürrenmatt est étudié dans cette recherche sous l'angle de sa filiation avec la tragédie schillérienne dans sa fonction d'institution morale. Établissant le constat d'une crise du théâtre au XXème siècle caractérisée par la désuétude de la tragédie classique, Dürrenmatt pose la question de la pertinence de cette forme d'art dans un monde scientifique où ont perdu toute crédibilité les mythes sur lesquels se fondait le théâtre classique. Toute sa dramaturgie se définit comme la recherche d'un mode nouveau de représentation et de dépassement du tragique sous la forme de la "comédie" grotesque. Après une analyse du tragique et de sa signification chez Dürrenmatt, est examinée la comédie grotesque comme forme extrême de la tragédie, puis est étudié le héros dürrenmattien dans son rapport au héros tragique classique et à la fonction morale de sa représentationMostly known in the exclusive light of the aesthetic notion of the grotesque, Friedrich Dürrenmatt's drama is analysed in this study in its relation to Schiller's tragedies and their function as a "moral institution". Asserting a theatre crisis in the 20th century as well as the desuetude of classic tragedy, Dürrenmatt questions the relevance of this kind of art in a world ruled by science and technology where myths and ancient systems of beliefs on which classic theatre was built have fallen into abeyance. His whole dramatic art can be defined as quest for a new way of representing and overcoming the tragic in the form of grotesque "comedy". After an analysis of Dürrenmatt's conception of the tragic, grotesque comedy is examined in a second part as an "extreme form of tragedy", and in a third part Dürrenmatt's hero is studied in his relation to the hero of classic tragedy and to its moral function
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Rialland, Nicolas. "La correspondance sur la tragédie entre Lessing, Mendelssohn et Nicolai. Contribution à une genèse de l’esthétique allemande." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040193.
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Ce travail prend pour objet la correspondance sur la tragédie échangée par Lessing, Mendelssohn et Nicolai entre 1755 et 1757 selon une double approche. Un volume propose une traduction intégrale des lettres, accompagnées de textes qui en permettent une meilleure contextualisation. Un autre volume en établit une première interprétation, afin de la situer dans la genèse de l’esthétique philosophique en Allemagne. Il s’appuie donc sur une thèse liminaire : l’esthétique n’est pas d’abord une doctrine, mais le résultat, dans le milieu philosophique, du grand mouvement de constitution du système des arts qui traverse l’Europe au XVIIIe siècle. Il montre comment, en se rapportant chaque fois de manière différente à l’héritage baumgartenien et à la théorie de l’art française, chaque auteur se détache de la poétique classique de Gottsched qui constitue la référence intellectuelle en Allemagne à cette période. Abandonnant toute stratégie de légitimation du genre, Nicolai développe une approche critique, qui fait valoir l’autonomie du champ littéraire dans la détermination des règles d’écriture de la tragédie et en réfute toute fonction morale. Lessing, en revanche, développe une approche poétique et critique renouvelée, qui veut défendre à la fois l’autonomie du champ littéraire et l’utilité morale de la tragédie. Elle implique de redéfinir la pitié de manière inédite, puis finalement la nature de la moralité. Mendelssohn, enfin, défend contre Lessing une perspective esthétique : l’autonomie du champ et son absence d’ambition morale. Il en établit alors la légitimité grâce à la notion de plaisir esthétique, plus élevé en dignité que le plaisir sensible car intellectuelThe topic of the thesis is the 1755-1757 correspondence between Lessing, Mendelssohn and Nicolai about tragedy. One volume does not only contains a full translation of the letters but also some other texts in order to better sketch its historical context. Another volume contains an interpretation of the corpus that aims to highlight its place in the historical genesis of philosophical aesthetics in Germany. This work relies on a preliminary basis : aesthetics is not a doctrine, but rather the result, in the philosophical field, of the constitution of the system of arts that goes through the entire Europe in the XVIIIth century. It shows how each of them leaves the classic poetics of Gottsched – the reference in Germany at that time – and how each of them does it by referring in a different way to the legacy of Baumgarten and the French art theory. Hence, Nicolai gives up any strategy of recognition regarding the tragedy and takes a critical perspective. He underlines the autonomy of the literary field concerning the rules of tragedy. He denies any moral function. Lessing takes a poetical and critical perspective in a new sense. He stresses the autonomy of the literary field as much as the moral function of tragedy. This implies to redefine pity in a way never seen before, if not the essence of morality itself. As for Mendelssohn, he fights Lessing and adopts an aesthetical perspective. The aesthetical field is autonomous and has no moral ambition. What makes it legitimate is then the aesthetical pleasure for it has more dignity than the simple sensitive pleasure as it is more intellectual
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Bocianowski, Cécile. "Les dramaturgies du grotesque en Europe au XXe siècle." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040066.
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La thèse propose une lecture comparée de l’emploi du grotesque dans les théâtres français, polonais, belge francophone, germanophone, italien et espagnol. L’analyse comparée des écritures dramatiques comme du discours littéraire permet de dégager les spécificités du grotesque et de sa réception dans les diverses aires culturelles. La première partie est consacrée à la mise en place théorique de la notion dans les arts, des arts décoratifs à l’art dramatique, de la Renaissance au vingtième siècle. Une attention particulière est portée à la danse grotesque, jusque-là peu étudiée, ainsi qu’aux divergences entre les discours critiques occidental et oriental. La seconde partie constitue le cœur du travail par l’étude comparée des procédés grotesques selon trois axes : la déformation, la démesure et l’hybridité. Celle-ci permet de mettre en valeur les fonctions dramatiques de l’emploi de la marionnette et de la pantomime ainsi que l’inspiration des arts du cirque, de la foire et du cabaret. La troisième partie analyse l’hypothèse du genre dramatique grotesque en Europe au vingtième siècle. Une fois établi le cadre théorique de la réflexion sur le genre et au regard de la production dramatique la plus contemporaine, l’étude s’achève sur la détermination de la place du grotesque dans la création artistique comme dans la critique littéraire actuelle. En remettant en cause la périodisation traditionnelle du théâtre européen du siècle dernier, la thèse entend rendre sa place au grotesque dans la critique dramatique contemporaine comme mise en forme du difformeThis thesis proposes a comparative reading of the use of grotesque in French, Polish, French-speaking Belgian, German-speaking Italian and Spanish theatre so as to determinate the specificities of the grotesque and its reception in different cultural areas. It focuses in the first part on the theory of the notion in arts, from decorative to dramatic art, from Renaissance to the twentieth century. Special attention is given to the grotesque dance, which has been thus far insufficiently studied, and to the discrepancies between western and eastern critical discourses. The comparative analysis of the grotesque is conducted along three axes: deformation, excessiveness and hybridity. It emphasises the function of marionette, pantomime and the inspiration of circus, carnival and cabaret. The last part of the thesis concentrates on the hypothesis of a grotesque dramatic genre in Europe in twentieth century. Once established the theoretical basis of the reflexion upon genre, and in view of contemporary dramatic production, the thesis closes with the determination of the place of the grotesque in the creation and in the criticism. By calling into question traditional periodisation of European twentieth theatre, this thesis aims at giving its place to the grotesque in contemporary dramatic criticism as the shaping of the misshapen