Дисертації: "Théâtre – Dans la presse"

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Arroues, Ben Selma Ophélie. "Yaʿqûb Ṣannûʿ, du théâtre au journalisme : L’écriture théâtrale dans Abû Naẓẓâra". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCF022.

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Yaʿqûb Ṣannûʿ(1839-1912), auteur polémique de la Nahḍa, est un des pionniers du théâtre et dujournalisme arabes. La thèse se propose d’analyser, à partir des premières années de son journal AbûNaẓẓâra (1878-1910), la relation entre écriture théâtrale et écriture journalistique, l’une servant de relaisvers la seconde qui s’invente entre le patrimoine littéraire arabe et la presse européenne du XIXème siècle.Ṣannûʿ s’inspire de formes théâtrales arabes anciennes pour créer des pièces « théatro-journalistiques »qui s’emparent de l’actualité. Par ailleurs, dans Abû Naẓẓâra, le dialogue s’affirme comme genre autonomeet mode principal de traitement de l’actualité. Dès lors, on doit considérer que l’ensemble du journal seconstruit sur le modèle du texte théâtral. L’écriture dramatique est mise au service du projetjournalistique : le théâtre participe de la dynamique satirique tandis que le dialogue a une visée didactiqueen direction du lecteur de la presse. Abû Naẓẓâra prétend se faire le porte-parole du peuple égyptien. Lepolitique y est approché à travers le prisme de la métaphore théâtrale et présenté comme une grandecomédie. La pièce de théâtre, conçue pour être lue collectivement et jouée, fait du lecteur un acteur de lascène politique
Yaʿqûb Ṣannûʿ (1839-1912) is a controversial author of the Nahḍa and one of the pioneers of Arabic theatreand journalism. This thesis, based on the first years of Ṣannûʿ's magazine, Abû Naẓẓâra (1878-1910),intends to analyze that interplay between dramatic writing and journalistic writing. The first has a bridgingfunction leading to the second that emerges from the interactions between the Arabic literary heritage andthe 19 th century European press. Ṣannuʿ draws inspiration from the ancient Arabic theatrical forms inorder to write "dramatic journalistic" stage plays that capture the news. Furthermore, in Abû Naẓẓâra, thedialogue becomes an autonomous genre in itself as well as the main news-making means. Therefore, onemust consider that the whole magazine builds up on the model of the play. Dramatic writing serves thejournalistic purpose: theater takes part in the dynamics of satire while the dialogue takes on a didactic rolefor the press readers. Abû Naẓẓâra claims to be the voice of the Egyptians. Politics is perceived throughtheatrical metaphor and depicted as a farce. The play, initially intended to be read and performedcollectively, turns the reader into an actor of the political stage

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Chapin, Carole. ""Le journal est un théâtre ouvert" : les débats sur le théâtre dans la presse russe des Lumières et leur contexte européen." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA191/document.

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Depuis le début du XVIII siècle, la société russe a connu des évolutions très rapides. L’entrée de la Russie sur la scène politique européenne a modifié les relations internationales, imposant à l’Europe de tenir compte de ce nouvel acteur. Cependant ce récent statut s’accompagnait aussi de profonds changements dans les comportements culturels russes : le développement du goût pour le théâtre comme divertissement privilégié d’une élite éclairée autorisait cette dernière à partager avec ses homologues européens une culture commune et un intérêt pour les mêmes débats sur le rôle, les effets et les évolutions de l’art dramatique. Pour favoriser ces échanges, les périodiques, dont la naissance et le développement en Russie interviennent presque simultanément, furent vite identifiés comme un instrument exceptionnel de communication. Ils contribuent à la transmission rapide tant de l’information récente que des éléments nécessaires à la culture générale du lecteur, en particulier en lui procurant les références considérées comme essentielles à sa participation aux discussions. Ils aident également à constituer des réseaux de journalistes et des zones d’intertextualité qui ouvrent la discussion virtuelle à l’échelle internationale.Nous souhaitons attirer l’attention sur un corpus d’articles de presse sur le théâtre, majoritairement constitué d’articles russes, peu exploités sous cet angle, publiés dans différents journaux entre 1759 et 1793. L’édition de ces articles permet de les analyser dans leur contexte européen, dans le dialogue avec leurs sources et leurs destinataires. Il s’agit d’abord de montrer comment le transfert et la réappropriation des genres journalistiques est un laboratoire formel pour les contributeurs, et un espace d’éducation à de nouvelles pratiques de lecture pour des lecteurs critiques, potentiels spectateurs avertis des théâtres. Cette analyse globale est accompagnée d’analyses de détails, centrées sur l’enjeu de la représentation des productions dramatiques nationales dans la presse européenne : l’image du théâtre russe, français ou anglais dans les journaux correspondants est un indicateur des relations entre les pays ou de l’efficacité des stratégies de politique culturelle. Au cœur de ces faisceaux d’intérêts convergents ou divergents, les problématiques de la réception des nouvelles formes théâtrales se manifestent, à la fin du siècle, dans un paysage recomposé de la presse européenne
Since the beginning of the 18th century, society in Russia has evolved very rapidly. Russia’s arrival in the European political landscape changed international relations as European nations learned to count with this new player. This new status also brought forth profound changes in Russian cultural behaviours: as the taste for the theater as an exclusive, enlightened form of entertainment grew among the Russian elite, its members started to share with their European counterparts a common culture and an interest in debating the role, impact and evolution of drama. Periodicals, which appeared and spread in Russia almost at the same period, were quickly identified as an exceptional means to communicate and facilitate these exchanges. They enabled both the quick transmission of the latest pieces of information and the diffusion of the background elements necessary to the reader’s general knowledge – specifically by procuring them with the references considered as essential to participate in the ongoing discussions. They also helped with building networks of journalists and zones of intertextuality, which opened the virtual discussion on an international scale.We wish to shed light on a corpus of press articles relating to the theater, mostly consisting in Russian articles little read under that angle until now, which were published in a number of journals between 1759 and 1793. The publication of these articles allows us to analyse them in their European context, engaging in a dialogue with their sources and their recipients. We will show how the transfer and the reappropriation of journalistic genres provides contributors with a space to experiment, and also enables readers/critics, who are also potentially the informed spectators of the plays, to educate themselves to new reading practices. This overall approach is compounded by more detailed analysis on how national drama productions are represented in the European press: the respective image of the Russian, French or English theater in corresponding journals also reflects relationships between countries, and the efficiency of their cultural policy strategies. At the heart of those converging or diverging interests lie questions relating to the reception of new theatrical modes of expression at the end of the century in a changed European press landscape

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Rogations, Laurence. "Les Barbares du Nord à la conquête du génie latin : images et imaginaires dans la presse française (1870-1914)." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040128.

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À travers un millier d’articles issus de quotidiens et de revues, cette enquête embrasse une période s’étendant de la guerre franco-prussienne au début de la Première Guerre mondiale. Elle a pour ambition de comprendre la réception des Scandinaves en France et d’en présenter son évolution au sein d’une époque marquée par une montée du protectionnisme culturel et du nationalisme. L’étude des champs lexicaux confirme ces tendances ainsi qu’un ressentiment envers l’Empire allemand qui est convoqué, en filigrane, dans de nombreux articles. Cette thèse démontre également un schisme net dans la critique, que révèlent, au demeurant, l’engouement d’une presse novatrice et cosmopolite et la résistance d’une autre, conservatrice et académique. L’analyse portera, en outre, sur les images véhiculées collectivement sur les pays du Nord et sur leurs représentations. En effet, les récits de voyage de la première moitié du XIXème siècle ont forgé un archétype « exotique » de la Scandinavie, et plus particulièrement de la Norvège, mystérieuse et brumeuse. Celui-ci exerce une forte influence sur la réception de cette aire artistique méconnue et périphérique. Outre la peinture, la littérature et la musique, il sera pertinent d’étudier plus précisément le théâtre, thématique centrale de notre corpus, et de constater si la décennie 1890 est, comme il l’est communément admis, synonyme de « vague scandinave » à Paris. De surcroît, cette analyse exposera l’importance des réseaux et des interactions entre traducteurs, critiques, journalistes, éditeurs, metteurs en scène, acteurs, mais également passionnés et mécènes, qui ont tous été des passeurs culturels entre les Scandinaves et la France
Based on a thousand articles from newspapers and reviews, this survey takes place in a period from the franco-prussian war to the early WWI. It aims to understand the reception of Scandinavians in France and to set its evolution during a time marked by a rise of cultural protectionism and nationalism. The analysis of the lexical fields do confirm this point and also shows a real resentment against the german Empire which appears as a watermark in several articles. This work proves, as well, a split in the critic : one is cosmopolitan and innovative while the other is conservative and academic. Furthermore, the collective images of the northen countries will be studied and analysed. Indeed, the descriptions done in the early XIXth century by travellers built up exotic representations of Scandinavia and especially a mysterious and hazy Norway. They had a harmful effect on the reception of artists from this unlying geographical area. Besides painting, music and litterature, theater is the main thema of the corpus. This analysis will contribute to demonstrate the significance of cultural networks in Paris for Scandinavians at this time

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Jan, Corentin. "Le théâtre et son espace public. Conflits et controverses institutionnels et artistiques sur les scènes allemandes dans les années 2010." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2024. http://www.theses.fr/2024PA030062.

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Les années 2010 ont vu la généralisation d’un discours sur la crise et la perte de légitimité du Stadttheater allemand, d’un modèle de théâtre public où les établissements concentrent en leur sein les activités de production et diffusion grâce à la présence d’une troupe permanente d’interprètes et d’une programmation sous la forme d’un répertoire. Dans les journaux, les revues spécialisées ou sur des sites internet, les tentatives de diagnostic et les propositions de solution se multiplient, tandis que de nombreuses crises locales font l’objet d’un traitement médiatique quasi systématique. Ce travail entend interroger ce qui rend un tel discours de crise possible. Il formule l’hypothèse que ce paysage scénique à l’histoire longue doit beaucoup à l’élaboration d’une certaine forme d’espace public théâtral, c’est-à-dire à l’idée que le théâtre repose sur une adresse indéterminée et que son destin concerne potentiellement tout un chacun. Cette publicité de la vie théâtrale se loge autant dans les spectacles eux-mêmes que dans les arènes médiatiques de la critique ou dans la façon dont les établissements s’adressent à leur public. À partir du cas de la « crise du Stadttheater » et d’une méthodologie inspirée de la sociologie pragmatique, ce travail s’emploie à observer les conflictualités qui agitent cet espace public artistique. Après être revenu sur l’histoire des théâtres de troupe allemands, je m’appuie sur une analyse de tribunes sur l’avenir des Stadttheater parues de 2009 à 2021 sur le site nachtkritik, avant de mener une étude croisée de deux crises récentes, celle de la Volksbühne de Berlin entre 2015 et 2018 et celle des Kammerspiele de Munich de 2017 à 2020
The 2010s have been a time of widespread discourse on the crisis and loss of legitimacy of German Stadttheater, a model in which theatres concentrate production and performance activities in-house, thanks to the presence of a permanent troupe of performers and repertory-based programming. In newspapers, specialized magazines and on Internet sites, attempts at diagnosis and proposals for solutions are proliferating, while numerous local crises receive almost systematic media coverage. The present study examines what makes this kind of crisis discourse possible. It formulates the hypothesis that this long-standing theatre landscape owes much to the development of a certain form of theatrical public sphere, i.e. to the idea that theater is grounded in an indeterminate address and that its fate potentially regards everyone. This publicity of theatrical life is as much to be found in the performances themselves as in the mediatic arenas of criticism, or in the way establishments address their audiences. Using the “Stadttheater crisis” as a case study, and a methodological framework inspired by pragmatic sociology, this thesis examines conflicting aspects of this public artistic space. After reviewing the history of German troupe theaters, I examine tribunes on the future of the Stadttheater published from 2009 to 2021 on the website nachtkritik, before conducting a cross-study of two recent crises, namely the conflicts at the Berlin's Volksbühne between 2015 and 2018 and at the Münchner Kammerspiele between 2017 and 2020
In den 2010er Jahren wurde über die Krise und den Legitimitätsverlust des deutschen Stadttheaters und seiner Ensemble- und Repertoirebetriebe in der Öffentlichkeit heftig diskutiert. In Zeitungen, Fachzeitschriften oder auf Websites trifft man auf eine Vielzahl von Diagnoseversuchen und Lösungsvorschlägen, während es in den Medien von zahlreichen lokalen Krisen berichtet wird. In dieser Arbeit wird untersucht, was einen solchen Krisendiskurs möglich macht. Ich stelle die Hypothese auf, dass diese alte Theaterlandschaft viel der Herausbildung einer bestimmten Form von Theateröffentlichkeit zu verdanken hat, d.h. der Idee, dass das Theater auf einer relativ unbestimmten Adresse beruht und dass sein Zustand und seine Zukunft öffentliches Interesse haben. Diese Öffentlichkeit des Theaters ist sowohl in den Aufführungen selbst als auch in den medialen Arenen der Kritik oder in der Art und Weise, wie sich die Häuser an ihr Publikum richtet, angesiedelt. Anhand des Fallbeispiels der „Krise des Stadttheaters“ und einer von der pragmatischen Soziologie inspirierten Methodik bemüht sich diese Arbeit, die Konflikthaftigkeit dieser künstlerischen Öffentlichkeit zu beschreiben. Nach einem Rückblick auf die Geschichte der deutschen Ensembletheater stütze ich mich auf eine Analyse von Tribünen zur Zukunft der Stadttheater, die von 2009 bis 2021 auf der Website nachtkritik erschienen sind, bevor ich eine Querschnittsstudie über zwei lokale Krisen durchführe, die Krise der Berliner Volksbühne zwischen 2015 und 2018 und die Krise der Münchner Kammerspiele zwischen 2017 und 2020

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Calderone, Amélie. "Entre la scène et le livre : formes dramatiques publiées dans la presse à l'époque romantique (1829-1851)." Thesis, Lyon 2, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO20101.

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Entre 1829 et 1851 le champ dramatico-médiatique s’est vu reconfiguré : l’apparition de grandes revues littéraires, la naissance de la presse à quarante francs, la multiplication des périodiques et l’augmentation de leurs tirages sont conjoints des bouleversements économiques, politiques et sociaux faisant suite à la période postrévolutionnaire, et de mutations théâtrales majeures sur les scènes parisiennes. En résulte un accroissement de la présence de textes dramatiques diffusés dans la presse, sous de multiples formes : pièces jouées à lire en feuilletons, extraits, fragments, mais aussi ensembles de scènes théâtrales et d’articles théâtralisés ou dialogués à lire le temps de la fréquentation d’une feuille. Il existe ainsi à l’époque un troisième canal d’accès du théâtre vers l’espace public – entre la scène et le livre –, la presse. Parce que le théâtre partage avec le périodique des caractéristiques discursives, stylistiques et formelles, ses limites s’en trouvent diluées sinon abolies. En cet espace spécifique qu’est le journal, il n’est pas de concept de « genre dramatique » qui tienne. Ce que nous avons coutume de nommer « théâtre » n’existe pas, et vient à former une masse textuelle impure, mêlant matières journalistiques et dramatiques. Aussi est-ce au regard de ce contexte éditorial pleinement signifiant qu’il convient d’interpréter les pièces en bonne et due forme alors diffusées, parfois composées à sa destination : un pan entier de l’écriture dramatique romantique a été « médiatique », et doit se comprendre comme tel, recontextualisé et « recotextualisé » dans un cadre éditorial soumis aux modes, à la temporalité collective, à la collaboration et aux effets de lecture redevables à la présence d’autres articles qui lui sont contigus. Étudier le lien intime que les formes dramatiques éditées dans la presse entretiennent avec leur support de diffusion dans le second tiers du XIXe siècle permet de faire émerger une autre histoire du théâtre romantique, médiatique et en grande partie textuelle, en mettant au jour des auteurs, des tentatives dramatiques ou des événements aujourd’hui oubliés, mais aussi en ouvrant à la relecture de textes consacrés, tels ceux de Sand, de Vigny ou encore de Musset
During the period 1829-1851, numerous factors brought about a reconfiguration of the relationship between print media and dramatic genres: the appearance of major literary journals, the introduction of low-priced printed press, the proliferation of mass periodicals and their increased print runs. These factors echoed not only the economic, social and political upheavals that characterized the first half of the 19th-century in post-revolutionary France but also the sweeping changes that affected the Parisian stage. As a result, one notes an increased presence of dramatic texts in the printed press. They may appear in various forms, as serialized theatrical plays, extracts, fragments but also collections of scenes and dramatized or dialogue-based articles – their length tailored to the newspaper format. Thus, between the stage and the page, dramatic forms could reach the public through a third access channel: print media. Their shared discursive, stylistic and formal features blur and even obliterate the boundaries between dramatic texts and periodical writing. In this particular context, the concept of “dramatic genre” does not apply and what we call “drama” does not exist as such. The result is a mixed mass of text, combining journalistic and dramatic materials. The “proper” plays that were circulated in the press, or even written for it, should be studied against the backdrop of this fully significant editorial context. An entire branch of Romantic playwriting was “media-oriented” and should be understood as such, with a new focus on context and co-text within an editorial framework subject to trends, collective temporality, collaborations and reading effects resulting from the influence of adjacent articles.The study of the close relationship between dramatic forms and their means of dissemination in the second third of the 19th-century gives a new, media-oriented and largely text-centered perspective on the history of the Romantic drama. Besides highlighting long-forgotten authors, events or diverse dramatic forms, it also prompts a new approach to the dramatic writings of well-established authors such as George Sand, Alfred de Vigny or Alfred de Musset

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Baklouti, Elodie. "Ironique… Vous avez dit ironique ? : analyse des énoncés catégorisés métadiscursivement comme ironiques dans un corpus théâtral et un corpus journalistique." Thesis, Montpellier 3, 2015. http://www.theses.fr/2015MON30058/document.

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Cette thèse s’intéresse aux énoncés catégorisés métadiscursivement comme ironiques par le dramaturge dans les didascalies et par l’instance journalistique dans la presse écrite. Par la sélection du corpus sur la base des métadiscours, nous tentons de nous départir d’une démarche fondée sur des critères subjectifs et, partant, d’une définition pré-construite de l’ironie. Il s’agit de déterminer les sens que les locuteurs-scripteurs attachent à ces termes afin de dresser un portrait prototypique voire plusieurs portraits récurrents de l’ironie, et d’envisager, dans un second temps, une comparaison entre les deux genres étudiés. On analyse ainsi le processus de production de sens en recherchant les éléments qui ont conduit, dans tel ou tel contexte, le locuteur à caractériser l’énoncé comme ironique. Nous entendons démontrer que l’ironie est une, malgré sa complexité apparente : elle consiste en une forme de moquerie qui passe par une attaque indirecte. Nous analysons ainsi les différents éléments mis en avant par les diverses conceptions de l’ironie existantes (écho, feintise, antiphrase, implicite…) comme des procédés par lesquels s’exerce la moquerie, qui peuvent selon les cas se combiner ou se réaliser isolément
This thesis is concerned with utterances metadiscursively categorized as ironic by playwright in the stage directions, and by the journalistic authority in the press, in order to be part of a approach untied to subjective criteria and, consequently, liberated from a predefined conception of irony. This is to determine meaning that speakers-writers attach to these terms in order to develop a prototypical portrait or several portraits recurring of irony by comparative study of two above textual genres. Thus, we study the process of meaning production by searching for information that led, in a particular context, speaker to characterize his statement as ironic. We intend to demonstrate that irony is one, despite its apparent complexity: it is a form of mockery that goes through an indirect attack. We analyze different elements, highlighted by various existing conceptions of irony (echo, pretense, antiphrasis, implicit …), as processes by which mockery is exerted, which can be combined with each other or achieve alone

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Dennis, Hélène. "Le XIXe siècle français face à ses acteurs : mort et fortune des grands interprètes de la Comédie en activité sous la Restauration, à travers la presse parisienne." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2008. http://www.theses.fr/2008VERS002S.

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Le XIXe siècle français a érigé le théâtre, et notamment le genre comique, en vecteur de sociabilité et de satisfaction individuelle majeure. Aussi la mort d’un acteur ayant connu la notoriété éclaire-t-elle le défunt tout autant que les vivants. Les mots, la présence aux obsèques, introduisent dans les arcanes de la mémoire et de l’oubli, dans le regard porté sur un art et ses interprètes pris entre une défiance et une attraction séculaires. Les rites funéraires montrent un sujet élément d’une nébuleuse culturelle dense et homme de son siècle, parfois promoteur des qualités et des vertus dominantes : individualité, méritocratie, honnêteté, respectabilité, savoir. Une position neuve due à l’évolution du corps social et à la volonté des intéressés, lesquels mènent souvent une vie bourgeoise, promeuvent une histoire d’un art éphémère, se groupent en association. Leurs efforts coïncident avec l’essor de la presse. Les intérêts vont d’autant mieux converger que les journalistes sont souvent auteurs de pièces et spectateurs, tant l’attraction envers l’art dramatique est forte
The French XIXth Century assigned the theatre a foremost place, specially the comic genre. It became the vector for social and individual forceful trends. Hence, the death of a once famous actor enlightens him as well as those who survive him. Words and attendance to the burial display recollection and oblivion, the look put on an art and his artists placed until then under secular bias. The death ritual replace the dead among a cultural nebula very dense and show a man often exemplary of his century with his respectable way of life – a new look and position. The result of the actors’ thoughts and fight through professional associating, promotion of their art history, helped with the soar of the press. The journalists were often playwrights and part of the audience such the attraction for the drama was strong

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Tancelin, Philippe. "Violence et théâtralité." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010552.

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La confusion entre violence et effet de la violence ainsi qu'entre théâtralité de la violence et théâtre d'horreur est le plus souvent manifestement entretenue par nos sociétés su-médiatiques. Une fois cette confusion mise en évidence et confirmée depuis le flot de relations d'évènements qui prétendent à une représentation de la violence, à quel regard "autre", "entre" regard de soi-même et soi-autre ne sommes-nous pas conduits et qui nous plonge fragilement dans l'étonnement ? Si loin d'être visible, la violence est ce qui rend visible ce qui fait voir et en cela est indissociable de la théâtralité en tant que celle-ci distrait, différencie et unifie dans un même mouvement corps et langage, de l'art n'est-elle pas alors la fortune mais aussi la menace résistance contre toute mise en ordonne des sens ?

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Dabrosz-, Drewnowska Paulina. "Le Grand-Duché de Varsovie vu par les Français - le visage du Grand-Duché de Varsovie dans les documents français de ce temps." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040024.

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La thèse montre des opinions et avis de Français de l’époque sur le Duché de Varsovie présentés dans les différentes sources françaises des années 1807-1813, tout comme, la correspondance politique et militaire officielle, des mémoires et souvenirs des militaires français, et enfin des journaux parisiens, de la littérature, de la poésie et des pièces théâtrales. La première partie montre comment l’état polonais était vu par les diplomates français séjournant dans le Duché. Elle présente l’image politique assez critique de l’état, de ses institutions, des hommes de pouvoir, du gouvernement, des sentiments du peuple et des opinions des habitants du pays concernant les Français, les nouvelles résolutions politiques et juridiques. Dans la deuxième partie, les descriptions et de nombreux mémoires et souvenirs des militaires fournissent une image critique du pauvre pays polonais, de la vie quotidienne très différente de ses habitants, leurs coutumes. La troisième partie montre Duché de Varsovie par l’intermédiaire de la presse quotidienne, des ouvrages historiques publiés à l’époque en France, des romans et de la poésie, les pièces de théâtre. Cette image du Duché influencée par la propagande napoléonienne montre l’état allié bien gouverné, et l’image positive des Polonais
The thesis furnishes the opinions of Frenchmen at that time about Duchy of Warsaw presented in different French sources of the period 1807- 1813 such as political and military official letters, memories of military Frenchmen, Parisian press, literature, poetry and theater playwrights. First part of the work shows how the polish country was seen by French diplomats who had been staying in Duchy of Warsaw in that period. The author focuses first on the political image of the country which is rather critical, secondly on the institutions, thirdly on the men in power, then on the government, on the people’s attitudes and the opinions of the inhabitants of the country about Frenchmen, and finally on the new political and legal solutions. In the second part of the work, there many descriptions, as well as memories of military men which form together an critical view of the poor polish country, different lifestyles and customs of its inhabitants. In that part, we can find as well geographical information about the climate and various and vivid descriptions of polish towns and polish countryside. In the third part, we come across the image as it was seen in everyday press, historical books edited at that period in France, fictions, poetry and plays. We find out that the image of Duchy of Warsaw, strongly influenced by the Napoleonic propaganda is positive. It comes out that the polish allied country was well governed

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Dabrosz-, Drewnowska Paulina. "Le Grand-Duché de Varsovie vu par les Français - le visage du Grand-Duché de Varsovie dans les documents français de ce temps." Electronic Thesis or Diss., Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040024.

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La thèse montre des opinions et avis de Français de l’époque sur le Duché de Varsovie présentés dans les différentes sources françaises des années 1807-1813, tout comme, la correspondance politique et militaire officielle, des mémoires et souvenirs des militaires français, et enfin des journaux parisiens, de la littérature, de la poésie et des pièces théâtrales. La première partie montre comment l’état polonais était vu par les diplomates français séjournant dans le Duché. Elle présente l’image politique assez critique de l’état, de ses institutions, des hommes de pouvoir, du gouvernement, des sentiments du peuple et des opinions des habitants du pays concernant les Français, les nouvelles résolutions politiques et juridiques. Dans la deuxième partie, les descriptions et de nombreux mémoires et souvenirs des militaires fournissent une image critique du pauvre pays polonais, de la vie quotidienne très différente de ses habitants, leurs coutumes. La troisième partie montre Duché de Varsovie par l’intermédiaire de la presse quotidienne, des ouvrages historiques publiés à l’époque en France, des romans et de la poésie, les pièces de théâtre. Cette image du Duché influencée par la propagande napoléonienne montre l’état allié bien gouverné, et l’image positive des Polonais
The thesis furnishes the opinions of Frenchmen at that time about Duchy of Warsaw presented in different French sources of the period 1807- 1813 such as political and military official letters, memories of military Frenchmen, Parisian press, literature, poetry and theater playwrights. First part of the work shows how the polish country was seen by French diplomats who had been staying in Duchy of Warsaw in that period. The author focuses first on the political image of the country which is rather critical, secondly on the institutions, thirdly on the men in power, then on the government, on the people’s attitudes and the opinions of the inhabitants of the country about Frenchmen, and finally on the new political and legal solutions. In the second part of the work, there many descriptions, as well as memories of military men which form together an critical view of the poor polish country, different lifestyles and customs of its inhabitants. In that part, we can find as well geographical information about the climate and various and vivid descriptions of polish towns and polish countryside. In the third part, we come across the image as it was seen in everyday press, historical books edited at that period in France, fictions, poetry and plays. We find out that the image of Duchy of Warsaw, strongly influenced by the Napoleonic propaganda is positive. It comes out that the polish allied country was well governed

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Mpakonikóla-Geōrgopoúlou, Chará. "L'absurde dans le théâtre d’Euripide." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040144.

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Poirson-Dechonne, Marion. "Le théâtre dans le cinéma." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA01A001.

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Apres une mise en évidence non chronologique de certains points de l'évolution historique des relations entre théâtre et cinéma (dépendance du cinéma, aspiration à l'autonomie, et enfin, interaction de ces deux arts) cette étude envisage les trois modalités d'apparition du théâtre dans le cinéma : théâtre filmé, théâtre enchâssé, théâtralité. Elle tente d'établir des distinctions génériques en dégageant les caractéristiques de chaque type et son mode de fonctionnement. Trois points essentiels se trouvent ensuite développés : la place, le savoir et la croyance du spectateur. En effet, ces domaines permettent de mesurer ce qui change pour le cinéma car les conséquences de l'intégration du théâtre dans le septième art se révèlent multiples. Loin de constituer une facilité pour le cinéma, la confrontation de ces deux arts suscite un conflit fécond, puisqu'il permet au septième art d'approfondir sa réflexion esthétique, en renouant avec des questions qui se posent depuis l'antiquité, notamment sur les problèmes de vérité et d'illusion, de ressemblance ou de vraisemblance. Elles le conduisent également à réfléchir sur la spécificité de son écriture, alors même qu'il s'attache à conquérir son autonomie, mais aussi à créer de nouveaux dispositifs spectatoriels et de nouvelles formes de relation au spectateur
After pointing out non chronologically some aspects of the historical relationship between cinema and theatre ( how the cinema had been dependant on it, how it became autonomous and how both arts interacted) this survey will analyze the appearance of drama in cinema under three different aspects: filmed drama, the drama as a quotation in a film and theatricality. It will also try to make clear distinctions enhancing the characteristics of each type and how it works. Three main points will then be developed: the spectator's place, knowledge and belief. Indeed, the investigation of these fields will show how the cinema can be altered by the references to drama. Far from making things easier for the cinema, the confrontation of both arts raises a profitable conflict since it provides an aesthetic reflexion about time-old questions concerning reality and illusion, similarity and verisimilitude, as well as on the specificity of the language, even if the cinema is conquering its autonomy. It also creates new devices and new relationships to the spectator

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Beringer, Hubert. "Habitat 67 dans la presse architecturale." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010577/document.

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Habitat 67 est un complexe résidentiel modulaire de 158 logements, conçu par Moshe Safdie, et construit à Montréal pour l’Exposition universelle de 1967. Sa médiatisation continue fut exceptionnelle par son intensité, son rayonnement et sa durée, en particulier dans la presse spécialisée. Nous avons étudié les publications d’Habitat 67 dans les périodiques d’architecture, une par une et comme un tout, car elles contenaient une énigme en forme de retournement médiatico-historiographique. En effet, Habitat 67 s’imposa d’abord, durant une décennie et sur le mode de l’hypermédiatisation, comme incarnation universelle d’un renouveau salvateur de l’architecture moderne progressiste, une « idée dont le temps est venu » selon la formule canonique de Peter Blake, rédacteur en chef de la revue new-yorkaise Architectural Forum. Puis, sans transition, Habitat 67 servit d’argument essentiel à l’enterrement express du même Mouvement moderne, à titre de fantasmagorie universitaire tardive et déliquescente, « projet de fin d’études construit » selon la sentence du critique et historien d’audience transatlantique Reyner Banham, qui reste prégnante jusqu’à nos jours. L’incohérence apparente laisse entrevoir l’existence d’un objet historique spécifique, Habitat 67 dans la presse architecturale, dans lequel le retournement trouverait origine et explication autonomes. D’où l’idée d’étudier cet objet pour lui-même, par lui-même, et dans son contexte propre. À la croisée des approches d’étude de la réception et d’esthétique de la réception telles que théorisées en histoire de l’art dans les années 1990, notamment par Dario Gamboni et Pierre Vaisse, nous partons à […]
Habitat 67 is a residential complex of 158 modular apartments, designed by Moshe Safdie, and built in Montreal for the 1967 World Exhibition. Preliminary explorations of its unprecedentedly abundant, widespread and long-lasting coverage in the architectural press had revealed enigmatic synchronicity with the rise and fall of megastructure, ending in death and mourning of the whole Modern Movement. Taking advantage of theories of reception, this study is a methodical and exhaustive survey of the specialised mediatisation of Habitat 67, in itself and in its own context, aiming to establish the autonomy and critical historiographic impact of the phenomenon. After a methodological introduction, the report opens with a prologue unveiling early, academic related, self-training of Safdie as an analyst of editorial policies and their relationship to modern architecture. This portrait of a student pioneering in reception studies by militant commitment is giving brand new and much deeper understanding of the still historiographically vivid «student project that got built» diagnosis emitted in 1967 by critic Reyner Banham. The essay is then structured along the chronological succession of architectural projects and objects to which the media coverage is supposed to refer to, starting with thesis project of 1961. Safdie’s formerly published analysis of editorial policies appears to be fully integrated in the original design as well as in its mediatisation strategy, resulting in lasting and international diffusion as a highly relevant avant-garde feature, providing a progressive dimension to the capitalistic media-favourite «New Montreal Skyline», until 1963. [...]

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Pell, Patricia Mary. "La répétition dans le théâtre d'Arrabal." Thesis, University of Ottawa (Canada), 1987. http://hdl.handle.net/10393/5080.

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Dawe, Erin M. "L'Acadie dans le théâtre d'Antonine Maillet." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp01/MQ57280.pdf.

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Desorchers, Nadine. "Le récit dans le théâtre contemporain." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/NQ66141.pdf.

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Neimon, Delphine. "Le surnaturel dans le théâtre élisabéthain." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030145.

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Анотація:

Ce travail entreprend de démontrer que le surnaturel est un des rouages essentiels du théâtre élisabéthain tel qu'on le conçoit alors. Nous étudierons au préalable la gestation des figures surnaturelles depuis leurs origines religieuses et littéraires jusqu'a leur représentation scénique : synthèses délicates de diverses sources, ces apparitions, toujours spectaculaires, sont systématiquement démantelées par une constante incertitude, fondée sur l'ambivalence de cet univers, les tromperies, les erreurs, la folie qu'il peut occasionner. Equivoque, le surnaturel s'intègre néanmoins dans l'action et l'évolution des personnages. En brouillant la perception de l'espace et du temps, cette intervention met en lumière les agissements des protagonistes, en donnant l'impression de les diriger, ce qui attire l'attention sur la question du choix et de la volonté. Cette force fabuleuse semble générer la métamorphose de certains personnages fascines par cet univers au point de vouloir le pénétrer. Reste à étudier La manière dont certains auteurs se référent au surnaturel pour expliquer et amplifier les mystères de leur art. L'univers surnaturel aime le théâtre et le pratique ; il apparait dans le système d'encadrement des pièces. A l'inverse, le théâtre, construit selon des codes ésotériques, permettrait d'entrer en contact avec l'au-delà. L'acteur confirme cette proximité : statue animée, ombre spectrale, il se dédouble, se transforme tel un dieu ou un diable.

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Igouazi, Tatem Nathalie. "L'esprit dans le théâtre de Marivaux." Thesis, Reims, 2016. http://www.theses.fr/2016REIML011/document.

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Анотація:

Le dialogue marivaudien est plaisant parce qu'il est vif, brillant, plein de finesse, spirituel ; tous les personnages participent d'ailleurs à cette fête verbale, ce qu'on a souvent reproché au dramaturge. Ses contemporains condamnaient effectivement son affectation, sa subtilité exagérée, sa vaine métaphysique : il faisait montre de trop d'esprit et on l'accusait même de corrompre la langue française. Qu'est-ce donc que l'esprit marivaudien ? Un vernis brillant sans autre but que de susciter l'admiration et l'amusement ? Un ingrédient clinquant qui ne serait que poudre aux yeux ? Le résultat d'une forme d'abus de langage ? Ou bien doit-il être pris au sérieux et étudié de près pour en comprendre les enjeux et les significations ?La première partie s'attache à définir la notion d'esprit en s'appuyant sur différents textes d'auteurs et de dictionnaires ainsi que sur les écrits de Marivaux lui-même. La notion de trait d'esprit est alors privilégiée pour appréhender les comédies du dramaturge. La deuxième partie étudie le fonctionnement de l'esprit dans ces œuvres théâtrales en mettant au jour une typologie du trait d'esprit et en montrant son caractère fragmentaire et spectaculaire. La dernière partie cherche à mettre en lumière les fonctions de l'esprit chez Marivaux dans les domaines du sentiment, de la morale et de la dramaturgie
Marivaux's dialogue is pleasant because it's lively, brilliant, subtil, witty ; besides, all the characteres take part in this verbal festival, and the dramatist was often blamed for that. Indeed, his contemporaries criticize his preciosity, his exaggerated subtlety, his affected style : he was too witty, he was even accused of corrupting language. How could we define Marivaux's wit ? As a sparkling writing which is just about good enough for entertaining and tries to dazzle the audience ? Is it the result of a misuse of language ? Or have we to study it seriously to understand its meanings and its stakes ?In the first part, we try to define the notion of wit through different authors, dictionaries and Marivaux's written works. Then we choose the notion of witticism to analyse these comedies. In the second part, we study how wit functions : we give a typology and we show that it's both fragmentary and spectacular. The last part is devoted to explaining how wit influences the sentimental and moral sphere and the dramatic action

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Bayouli, Tahar. "L'image de l'orient dans le théâtre élisabéthain." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100033.

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Анотація:

Dans cette thèse, l'image de l'orient dans le théâtre élisabéthain est étudiée premièrement en relation avec son arrière-plan historique. Le commerce avec les pays orientaux et la guerre contre le turc sont relevés comme les facteurs qui ont contribué le plus à la construction de l'image de l'orient et son expression sur la scène. La vision de l'orient comme domaine de la passion, la violence et la sensualité et comme terre de merveilles et de richesses prodigieuses se voit à travers les différentes évocations de l'orient. L'étrangeté et l'exotisme sont les caractéristiques qui marquent les mœurs orientales dépeintes par les dramaturges. Les images d'un oriental violent, sensuel et foncièrement méchant ont leur expression en particulier dans les drames concentres sur le thème de la confrontation avec le turc ou à travers les figures des scélérats orientaux comme Eléazar (Lust's Dominion : Th. Dekker) et Mulleasses (the Turke : J. Mason). Dans Mustapha (G. Greville), cette image de l'oriental est moins stéréotypée car elle prend une certaine profondeur psychologique et thématique dans la tragédie. L'évaluation des images dans la troisième partie révèle la valeur et l'importance de tamburlaine (Ch. Marlowe) au sein de cette tradition d'orientalisme du drame élisabéthain, et d'autre part la distinction d’Antony and Cléopâtre de Shakespeare
In this thesis, the image of the eastern world in the Elizabethan theatre is first studied in relation with its historical background. Trade with the eastern countries and the war against the Turk are pointed out as the factors which most contributed in shaping the Elizabethan image of the eastern world and its expression on the stage. The vision of the east as the realm of passion, violence and sensuality and as a land of marvels and stupendous wealth can be seen through the different evocations of the eastern world. Strangeness and exoticism are the characteristics which mark the oriental life and customs portrayed by the dramatists. The images of a violent, sensual and thoroughly wicked oriental have their expression particularly in the plays centered on the theme of the confrontation with the Turk or through the figures of the oriental villains such as alcazar (lust's dominion: Th. Dekker) and mulleasses (the Turke: J. Mason ). In Mustapha (Greville, the image of the oriental is less stereotyped because it takes its psychological and thematic depth in the tragedy. The evaluation of the images in the third part shows the value and the importance of Marlowe’s Tamburlaine in the tradition of orientalism in the Elizabethan drama and the distinction of Shakespeare’s Antony and Cleopatra

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Schmidt, Prisca. "Théâtre-Croisée des langues : théâtre et langue étrangère dans un lycée de banlieue." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081351.

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Анотація:

Le propos de cette these est de dissiper les malentendus nes de l'utilisation de l'anglais dans un atelier de theatre lyceen en banlieue sensible, en montrant qu'il s'agit d'une authentique formation theatrale ou la langue etrangere joue le role de medium artistique. Apres une etude historique comparative des specificites francaises et britanniques sur la place du theatre dans l'education et en m'appuyant sur mon experience de cette pratique theatrale originale et sur mes lectures de theoriciens du theatre, je montre comment l'improvisation en langue etrangere stimule le langage extra-linguistique et la langue proferee et comment cette approche qui comprend l'ecriture du texte et integre les diverses cultures des eleves enrichit la dramaturgie et la mise en scene. Ensuite, je demonte le processus d'une creation theatrale depuis la page blanche jusqu'a la representation publique pour faire apparaitre comment, a partir d'improvisations avec des jeunes qui maitrisent mal l'anglais et qui ne connaissent pas le theatre, on peut generer un texte de qualite en langue etrangere et creer une piece, et comment un acte theatral authentique nait dans la rencontre avec un public qui ne va pas au theatre et qui ne comprend pas la langue. La derniere partie aborde l'aspect civique du theatre: la creation collective renforcee par le denominateur commun neutre de l'anglais en menant au depassement de soi et au partage des cultures, met en evidence le lien etroit unissant la formation artistique et humaine, voire citoyenne. En fait, il ressort qu' en faisant vivre a tous un grand moment de theatre au coeur de la banlieue, ces creations en langue etrangere pour tous, fondees sur la parole des jeunes issus de milieux modestes et sur le melting pot culturel, soulevent des questions de fond quant a la nature du theatre et de sa pertinence dans la societe moderne
This ph. D thesis aims to dispel the misconceptions arising from the use of the english language in the practice of theatre with lycee pupils in a deprived suburb of paris by exposing that the foreign language serves as a theatre medium within a comprehensive theatre arts training. After comparing the place of theatre in education since the 1960s in both british and french perspectives and drawing from my personal experience and extensive reading of theatre practitioners, i show how improvising in a foreign language allows the students to express themselves through a wealth of extra-linguistic signs and eventually to develop a powerful physical language. I emphasize how the approach of writing the text from students'improvisations, which incorporate their diverse ethnical languages, enhances the physical and visual theatre form. Secondly, i reveal the stages that led to the creation of a play from an "empty space" to public performance in order to demonstrate that a good quality text and a play can be produced from improvisation in a foreign language with students lacking mastery of that language and having no kowledge of dramatic art ; how a true act of theatre can occur with audiences who have no experience of theatre nor understanding of the language. Lastly, i discuss theatre and citizenship: the collective process of creating a play and the use of the english language as a common and neutral ground encourage the sharing and accepting of the diverse cultures of actors and audiences alike. Thus the students acquire artistic skills but also social awareness. In conclusion, it appears that by offering such an exciting theatre experience to many people in a deprived area, these creations in a language foreign to all, developed from the words and themes proposed by the students, raise fundamental questions about the nature of theatre and its relevance to today's society

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Zaim, Hala. "La néologie dans la presse écrite française." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030113.

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Анотація:

L'etude de la neologie nous a permis de nous rendre compte que la creation lexicale est a plusieurs titres importante : non seulement elle met en exergue la dynamique de la langue et du langage en general en le saisissant dans sa perpetuelle evolution mais elle traverse aussi de plusieurs facons les divers domaines : le vocabulaire et la grammaire, la linguistique et la sociolinguistique. Dans la premiere partie, nous avons etudie les raisons de cette evolution ; a savoir les raisons internes, ceux qui relevent des mecanismes de la langue elle-meme, et les raisons externes qui, elles, relevent de la societe et du contexte general. C'est dans la deuxieme partie consacree a l'etude morphosemantique des neologismes que nous avons entrepris l'analyse des mots nouveaux. La systematisation des criteres definitoires et leur hierarchisation nous a permis de relever les regularites et de determiner ainsi les etapes qui gouvernent le processus de formation des unites nouvelles. L'etude morphosemantique des neologismes et la comparaison des divers procedes de formation des mots nous a permis d'etendre l'etude a la comparaison des quatre journaux de reference (liberation, le monde, le figaro et l'humanite)mais dans le cadre d'une etude sociolinguistique. Ainsi, nous avons etabli que le langage de presse, qui par souci de communicabilite et de condensation, recourt tres souvent aux neologissmes et du fait meme qu'il releve de la communication de masse, ne peut echapper a la contrainte de la nouveaute : celle des idees qu'engendre celle des mots
The study of neologisms has allowed us to realise that the creation of new terms is important for several reasons. Not only does it present the dynamic of speech and language, in general by highlighting its perpetual evolution. But is also crosses various fields such as vocabulary, grammar, the study of linguistics and sociolinguistics, in several ways. In the first part we have studied the reasons of this evolution; namely the inherent reasons, those that are concerned with the mechanisms of language itself; and the external reasons which come from society and the general context. It is in the second part concerning the morphosemantic study of neologisms that we have undertaken the analyse of new terms. The systematization of definitier criterion and placing them in their hierarchal position allowed us to draw out the regularities and thus determine the various steps governing word formation processes. The morphosemantic study of neologisms and the comparison of diverse word formation procedures, allowed us to extend our study to the comparison of 4 newspapers (liberation, le monde, le fugaro and l'humanite) remaning within the framework of a sociolinguistique study. Thus we were able to establish that the language of the press which by its concern both with communication and condensation resorts very after to neologisms and to the fact that itself being a product of mass communication can't escape from the constraint of novelty : that of ideas which engender words

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Ferrali, Jean-François. "La catastrophe de Bhopal dans la presse." Université Louis Pasteur (Strasbourg) (1971-2008), 1985. http://www.theses.fr/1985STR1M190.

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Alami, Aroussi Sanaà. "La publicité dans la presse écrite marocaine." Paris 5, 1994. http://www.theses.fr/1994PA05H033.

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Анотація:

Ce travail se propose de faire le portrait linguistique du langage publicitaire, diffuse par la presse écrite marocaine en langue française. Il s'agit de mettre en évidence les fonctions de français écrit dans un système sociolinguistique, particulier, ainsi que les variations de son emploi selon les groupes sociaux. Nous tentons ensuite de décrire les caractères stylistiques, et de présenter quelques-unes des figures les plus remarquables, grâce auxquelles les messages publicitaires opèrent un rapprochement stylistique avec le langage poétique. Une analyse des principaux faits d'énonciation à travers le relevé des différents actants, ainsi que les significations des temps lies a l'énonciation, nous permet d'évaluer la maitrise de l'émetteur dans la production du sens. Enfin, nous essayons de mettre en relief les différentes valeurs véhiculées par la publicité marocaine et les implications idéologiques dont elle se fait parfois l'instrument de transmission
The aim of this thesis is the study of the advertising language in the Moroccan press. The question is to place in a prominent position the written French function in a special sociolinguistic system, as well as the variation of its use according to social groups. Next, we try to describe the stylistic characteristics, and to present the most outstanding and significant figures of speech, through which the advertisement work is to bring together stylistic with the poetical language. An analysis of the principal facts of statement through the report of the different agents, as the different meanings of tense connected to the enunciation, allows us to estimate the mastery of transmitter in the meaning production. At last, we try to bring out the different validities conveyed by the Moroccan advertising and its ideological implications in being sometimes for them an instrument of transmission

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Romedenne, Jean. "La presse française de l'informatique." Paris 2, 1995. http://www.theses.fr/1995PA020026.

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Cette these consiste en une typologie et mporphologie de la presse francaise de l'informatique,avec analyse de ses ramifications et hybridations parallelement a celles de l'informatique. Lelement a celles de l'informatique
This thesis is about a typology and morphology of the french computer press, with analysis of its hybridations on the same way than computer technology

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Trajan, Josette. "Le spectateur dans la représentation." Toulouse 2, 1995. http://www.theses.fr/1995TOU20085.

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Le spectateur est inclus dans la representation, des la naissance de son projet. Il en est le destinataire. Cette these se propose d'etudier, par le biais de la metaphore du miroir, le travail des praticiens du theatre et la reception de ce travail par le public. Nous avons constate que, confrontee au miroir-plan, la reproduction de la vision du monde que l'on trouve sur la scene, se revele n'etre qu'une deformation de la realite. Elle varie en fonction de divers parametres ; elle obeit a une loi. Le spectateur doit en etre conscient. Par la suite, le spectateur est inclus dans la representation, en tant que co-producteur actif de l'oeuvre theatrale. Il se cree alors un jeu de miroirs complexe entre la scene et la salle et, dans l'assemblee elle-meme. Selon une theorie des miroirs, les spectateurs communiquent, percoivent et comprennent ensemble, bien que differemment, le sens de la representation ; ils en font la synthese au dela du theatre. Dans cette optique, il est necessaire pour le spectateur de se "positionner" dans l'enceinte du theatre et celle du monde, par rapport a son engagement personnel et a celui du theatre, en fonction de sa memoire et de celle du theatre. Cela serait circonscrit, d'apres ce travail, a une education du regard du spectateur qui lui permettrait de se transformer en miroir de la representation
The performance includes the spectator right from the beginning of its elaboration. He is the main target. This thesis intends to study, trough the metaphor of the mirror, the work of people involved in the theatre and the way the audience respond to it. We noticed that theatre is not a plain mirror ; the reproduction of the world on stage can be only a deformation of reality. This deformation varies according to various parameters and obeys a law. The spectator has to be aware of it. Thus, the spectator includes himself in the performance as an active producer of theatre work. This leads to a complex reflection between the stage and the audience and within the audience alike. In conformity with a theory of mirrors, spectators communicate together, they percieve and understand together the meaning of the performance, but they do it in differents ways. The synthesis occurs outside of the theater. From this point of view, the spectator has to take a stand in relation to the theatre and the world, that is to say, a committment related to his own memory and to the collective memory of theatre history. We deduced from this study that an education of the spectator's eye will make the spectator change himself into the performance's mirror

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Gamba, Béatrice. "La mort et les morts dans la presse : étude sémiologique de la presse quotidienne française." Paris 2, 1994. http://www.theses.fr/1994PA020135.

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Анотація:

Le but de cette these est d'etudier le discours de la presse relatif a la mort de personnages publics. Elle se divise en deux parties. La premiere concerne le discours sur la mort elle-meme : ses modes de denomination y sont exposes selon leur caractere univoque ou equivoque, laissant apparaitre les propensions et strategies d'emploi et d'elaboration d'un vocabulaire litteral ou metaphorique propres a chaque journal (premier chapitre). L'"avoir-lieu" de la mort dans le temps (date), l'espace (lieu), ainsi que ses causes y sont ensuite decryptes (chapitre second). La "mise en mots" et en phrases de tous ces elements revele une conception de la mort (chapitre troisieme), et permet de conclure a une mort productrice de sens. La seconde partie dessine un portrait du mort lui-meme a travers les modes de designations (de l'autonyme aux designations figurees) que lui conferent les differents recits de sa vie (chapitre premier). Parmi ces designations, celles specifiquement co-occurrentes aux termes de la mort y sont ensuite relevees, soulignant ainsi le rapport (d'alliance ou de fusion) du mort a sa mort (chapitre second). Il ressort de cette etude que, de toutes parts, le discours convoque realites, reves et mythologies, investissant son langage d'une fonction tant rituelle que politique
The aim of this thesis is the study of newspaper's discourse about death of public persons. They are two parts. The first concern the discourse about death itself : univocs or equivocs, the words of death let appear the propensity and the strategy in the use and the elaboration of a litteral or metaphorical vocabulary by every paper (first chapter) the being of death in time (date), space (place), and its reasons (causes) are also decipher (second chapter). All these elements reveal a conception of death (third chapter), showing that death bring forth sense. The second part realise a portrait of dead himself: the way of his designation in the narrative of his life are study alone (first chapter) and, after, in relation with the words of his death (second chapter). It follows from this study that, in every way, the discourse use reality, dreams and mythology, giving to its language ritual and political function

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Przychodze´n, Janusz. "Le théâtre québécois dans tous ses discours." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp02/NQ44559.pdf.

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Przychodzeń, Janusz 1962. "Le théâtre québecois dans tous ses discours /." Thesis, McGill University, 1997. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=34767.

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Анотація:

This study is inspired by social discourse theory and sociocriticism of literature. it aims to describe an organizational system that informs theatre practice in Quebec and to go beyond aesthetic form, critical interpretation and institutional structure to reveal Quebecois theatre in its most synthesized form.
To comprehend the model's overall operation, three broad sectors of the theatre's sphere of activity were explored and juxtaposed: institution, reception and creation. For this purpose, a preliminary set of quantitative and discursive data was assembled from a study of the network of professional schools, associations, and festivals in the theatrical milieu. Following this, examination of a number of scholarly texts made it possible to observe the way in which these elements are linked together into a more comprehensive ideological structure, while analysis of a representative body of contemporary (1945--1990) Quebecois plays served to consolidate and refine these observations.
The central thesis of this work is that, at the level of the representation of the "world", there are a series of characteristics that may be thought of as the distinctive elements of Quebecois drama. In general, Quebecois theatre feeds off the denial of the theatrical in order to present itself to the spectator as a site of an impossible theatricality. This dynamic inscribes itself in sociocultural representation in general, and is perceived both in the spatio-temporal dimension of the play, and in the structure of dramatic character and dramatic conflict.

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Morin, Bernadette. "La présence d'Homère dans le théâtre d'Eschyle." Limoges, 1996. http://www.theses.fr/1996LIMO2008.

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Mendiague, Marie-Pilar. "Le pessimisme dans le théâtre de Giraudoux." Bordeaux 3, 1985. http://www.theses.fr/1985BOR30022.

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Lee, Sung-Sub. "Le fantastique dans le théâtre d'Eugène Ionesco." Aix-Marseille 1, 2002. http://www.theses.fr/2002AIX10003.

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Анотація:

Cet ouvrage propose un éclairage nouveau sur le théâtre de Ionesco. Bien que celui-ci soit connu comme celui de l'absurde, de la dérision, de l'avant-garde et de la farce, ses traits dominants, qui font advenir des phénomènes inexplicables figurant tout ce qui est impossible à figurer, appartiennent au domaine du fantastique. Si le fantastique se caractérise par l'apparition de phénomènes étranges dans la vie réelle, provoquant un sentiment de peur qui bouleverse notre conscience, lévènement irréel chez Ionesco tient tout d'abord à la présence d'un personnage énigmatique qu'on ne peut ni comprendre, ni identifier. L'incertitude de son esprit, son identité ambigue͏̈, la dualité de son rôle et son aspect monstrueux fonctionnent comme un phénomène étrange qui provoque une sensation d'effroi, un effet insolite. Le personnage ne semble pas seulement incapable de différencier la réalité de l'irréalité, mais devient lui-même une réalité étrange dans le théâtre. C'est à travers le personnage, le jeu de sa conscience troublée, que le théâtre ionescien revêt un caractère fantastique qu'on ne peut expliquer, ni déterminér. Nous avons donc analysé différents types de personnages afin d'éclairer le phénomène d'invasion du monde réel par l'anormal, l'impensable. Dans le fantastique ionescien, tout aspect énigmatique révèle le mystère intérieur du personnage. Le but de cet ouvrage consiste à élucider comment le personnage, en tant que phénomène, contribue à la constitution de l'univers fantastique.

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Masclet, Virginie. "La parole dans le théâtre de Musset." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040132.

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Le théâtre de Musset, on le sait, n'a pas été écrit dans son immense majorité pour la scène. Loin de voir dans ce constat la conséquence de positions idéologiques sur la littérature, il convient de reconnaître que le refus de la représentation relève d'une blessure d'amour propre. Le jeune Musset ayant eu à essuyer rires et sifflets, son spectacle se retire du vulgaire et se destine désormais à une lecture dans un fauteuil. Impossible donc d'échapper à cette conclusion : lire Musset dramaturge c'est accepter l'expérience inédite d'un théâtre qui n'existe que par ses mots, qui s'éloigne de la mimésis et de la catharsis aristotéliciennes et qui se bâtit par la parole seule de ses personnages. Par conséquent, la parole est au centre du théâtre mussetien, elle en constitue la substantifique moelle, elle est son sens et, tout à la fois, son moyen d'expression et son sujet de réflexion. Ce travail sur la parole en tant que moyen d'expression et finalité d'elle-même ne va pas sans d'importants corollaires. Si la parole donne vie à ce théâtre dans un fauteuil, elle tient sa place au même titre qu'un personnage. Elle bénéficie donc, tout comme lui, d'une histoire propre qui dans ses origines ressemble d'assez près à celle de son locuteur. L'originalité de Musset dramaturge s'éclaire au regard de la tradition contre laquelle il va s'élever
It is a well-known fact that most of Musset's plays were not written to be performed. This refusal of the stage should not be explained as the result of the author's ideological views on literature, but rather as a consequence of a wound to his pride. Young Musset's works had been badly greeted and mocked, and thus the author gave up the audience and intended his drama to be read rather than performed. One must then conclude that to read Musset's plays is to accept the original experience of a drama which exists only through its words, which distances itself from Aristotelian mimesis and catharsis, and which is built through the sole speech of characters. Speech is therefore the core of Musset's drama. It represents its very substance, its meaning, and at the same time its means of expression and its subject for reflection. This work on speech as a means of expression and as an end in itself has some important corollaries. If speech animates this drama to be read and not to be performed, it plays its part as much as a character would. As a character, then, speech has its own story which originally quite resembles its speaker's story. The originality of Musset as a playwright must be seen in contrast to the tradition he went against

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Coffin, Charlotte. "Echanges mythologiques dans le théâtre de shakespeare." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040052.

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Plus de huit cent cinquante références mythologiques jalonnent les trente-huit pièces répertoriées dans le canon shakespearien. Si ces allusions se prêtent à une exégèse savante, elles sont également compréhensibles comme un discours-cliché, fondé sur des conventions partagées par le grand public. Il s'agit alors de reconstruire les conventions qui animent une culture mythologique populaire, et d'approfondir les implications poétiques de la convention, souvent écartée au profit de la création, selon une antithèse qui perdure depuis le Romantisme. Le dynamisme de la convention est mis en valeur par la notion d'échange, aux implications aussi bien concrètes que symboliques, avec sa double acception de mobilité (déplacement et adaptation), et de négociation (donner pour obtenir). La réflexion se déploie sur trois volets, contextuel, textuel et scénique. La première partie évalue la familiarité des Elisabéthains avecs les mythes , et montre le rôle des images de grande circulation dans la diffusion d'une mythologie conventionnelle. Le centre de la thèse est consacré aux références textuelles, dont l'inscription en situation sert aussi bien la persuasion rhétorique que la reformulation poétique. Le lieu commun mythologique , "métaphore morte" en apparence, banalisée par les "commonplace-books" et réinsérée d'un texte à l'autre, fonctionne comme un instrument d'exploration du monde. En fin, la mise en scène des dieux et des héros permet d'analyser les rapports entre convention et spectacle
Shakespearean drama is permeated with mythological references, with more than 850 allusions disseminated throughout the 38 plays in the canon. While critics have deployed a sophisticated approach to these references, they can also be understood as a commonplace discourse, made up of conventions shared by the general public. Thus it is necessary to reconstruct the conventions that shaped popular mythological culture, as well as to explore the poetic implications of the convention. Romantic theory introduced an antithesis between creation and convention which has resulted in the dismissal of the latter in favour of the former. Yet convention is not rigid but dynamic, as is shown by the exchanges that constitute the main axis of this work. With both concrete and symbolic implications, the concept encompasses the notions of mobility (displacing and adapting ) and negotiation (giving and gaining). The analysis unfolds on the three districts planes of context, text and stage. The fisrt part assesses the range of Elizabethan mythological culture, and shows how cheap prints and familiar images contributed to spreading conventional myths throuhout society. The central part is dedicated to textual references : inscribed within a specific dramatic situation, they participate in rhetorical persuasion, as well as in poetic reformulation. Though they may sond like "dead metaphors", trivialized by commonplace-books and transplanted from one text to another, mythological commonplaces function as exploratory tools in the world of the play. Finally, the analysis of gods and heroes on stage details the relationships between the conventional and the spectacular

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Fofié, Jacques Raymond. "Individu et société dans le théâtre camerounais." Bordeaux 3, 1989. http://www.theses.fr/1989BOR30048.

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Анотація:

Trois grands groupes sociaux parfois antagonistes se distinguant par leur pouvoir financier apparaissent dans le theatre camerounais : le groupe des individus les plus aises, le groupe des individus moyennement aises et le groupe populaire pauvre. Ce theatre presente un certain nombre d'institutions caracterisees par leur recurrence dans les oeuvres : l'administration, la justice, la loi, l'education, le mariage, la politique. De l'etude de ces groupes et de ces institutions on decouvre qu'on a affaire a une societe dualiste, c'est-a-dire a la fois traditionnelle et moderne, mais qui tend vers une societe-synthese. Face a une telle societe les individus reagissent differemment : les uns tels que le boy, l'enfant naturel et la femme apparaissent comme des victimes resignees ou luttant pour une meilleure integration sociale, les autres tournent le dos a leur societe, tendent vers l'occident, font du snobisme social, deviennent des fossoyeurs de leur societe. D'autres encore deviennent des individus deviants, deviants destructifs ou deviants constructifs. Il y a donc conflit entre l'individu et la societe. L'image que donne les oeuvres dramatiques est celle d'une societe atteinte dans son ame et qui a besoin de refection. Cette refection passera necessairement par la redynamisation de certaines valeurs telles que l'amour, la generosite, une justice veritable, la democratie, la liberte, la solidarite. Le theatre camerounais d'abord concu comme ethique, didactique, socio-politique avant de l'etre comme esthetique, et qui est en soi une valeur, s'attelle a cette tache par tous les moyens. Il est un message d'humanis
Three important social groups often antagonistic and distinguishable by their financial power appear in cameroonian theatre: the upper, the middle and the lower groups. This theatre shows a certain number of institutions characterized by their frequent recurrence in the plays: public administration, justice, law, education, marriage and politics. From the study of these social groups and institutions one discovers that the society is dualist, i. E. Both traditional and modern. Its target is a synthesis. In the face of such a society individuals react in various ways. Some like the houseboy, the natural child and the woman appear as resigned victims or victims fighting for a best social integration. Others turn their back to the society, admire the west, become social snobs or grave-diggers of their society. Some become positive or negative deviants. Therefore there is a conflict between the individual and society. Finally, the image of the society drawn from the plays is that of a society whose bases have been destroyed and that needs to be rebuilt. This will be done through redynamisation of values like love, generosity, true justice, democracy, freedom, solidarity. One notices that in its conception cameroonian theatre lays more emphasis on ethics than on aesthetics. For cameroonians it is a value. It tries to rebuild the society by all means. As a whole it is a message of humanism

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Pezechkian, Djamchid. "La mort dans le théâtre de Montherlant." Paris 10, 1989. http://www.theses.fr/1989PA100075.

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Анотація:

Dans l'œuvre dramatique de Montherlant, la mort est plus qu'un thème. Elle constitue : -une prise de conscience (L'avant-mort: première partie); -une sorte d'héroïsme (la mort volontaire: deuxième partie); -une éthique et une esthétique dramatique (la mise à mort: troisième partie); -un compromis entre la libido et l'instinct de mort (la pulsion de mort: quatrième partie); -une philosophie, ou plutôt une vision du monde (la mort au monde: cinquième et dernière partie). La mort éventuelle ou imminente de soi ou de l'autre, est pour Montherlant et ses personnages l'occasion d'une prise de conscience pouvant aller jusqu'à une sorte d'illumination susceptible de déboucher sur une philosophie. La mort volontaire (une espèce de suicide) révèle une sorte d'héroïsme. La mise à mort répond à des impératifs éthiques (surmoi) impliquant une esthétique (inspire du rituel tauromachique). "La pulsion de mort" et la libido se dévoilent réciproquement. Chez Montherlant la libido "fonde l'existence face au néant" ("plutôt le non-être que le non plaisir"), l'image héroïque qu'il se forge de de lui-même (grâce à l'écriture) également: "je n'ai que l'idée que je me fais de moi pour me soutenir sur les mers du néant. " la libido montherlantienne va jusqu'au pansexualisme et la bestialité pasiphaesque (cf. Pasiphae) afin de déculpabiliser au passage l'homosexualité. Mais Montherlant échoue dans sa tentative "dionysiaque" et nietzscheenne de se situer au-dessus du bien et du mal, au-dessus des normes. Faute de normes, de modèle concret, ni l'image virile qu'il se fait de lui-même, ni son "libertinage" ne peuvent longtemps le "soutenir sur les mers du néant". D'ou son
In montherlant's drama, death is more than a theme. It is: -an awarness (the beforedeath: first part); -a form of heroism (the wanted death: second part); -an ethic and a theatrical esthetic (the putting to death: third part); -a compromise between the libido and the death instinct (the drive of death: fourth part); -a philosophy or rather a vision of the world (the mystic death: fifth and last part). The eventuality of an imminent death of self or other, can result to a kind of enlightment which can potentially become a philosophy. The wanted death (a sort of suicide) reveals heroism. The putting to death is the answer to an ethical requirement (super-ego) that implies an esthetic (inspired by bullfighting ritual). The drive of death and the libido unveiled each other. In montherlant the libido creates the existence facing the nothingness ("rather the no-being than the no-pleasure") and his heroical image too (created by montherlant from himself through the act of writing): "facing oceans of nothingness, my only support is the image that i created of myself. " the montherlant's libido goes as far as pansexualism and the pasiphaesian bestiality (pasiphae) in order to free from guilt of homosexuality. But montherlant fails in his "dionysiac" and nietzschean attempt to put himself above the good and the evil, above the norms. In absence of norms and a concret model, neither the male image that he made from himself, nor his "libertinage" are not able to support him on oceans of nothingness

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LEE, CHAN SOON. "Les maladies dans le théâtre de Molière." Dijon, 1993. http://www.theses.fr/1993DIJOL014.

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Анотація:

Cette étude forme une étude complète sur la médecine, les médecins et les maladies dans le théâtre de Molière tout d'abord cette étude est consacrée à une étude synthétique, à la fois historique et critique sur l'histoire, sur les doctrines médicales du 17e siècle, rapprochées à l'œuvre de Molière. Nous étudions les rapports de notre auteur avec la médecine et les médecins de son époque en donnant les sources de ses connaissances médicales. Nous étudions les maladies du point de vue médical chez Molière ainsi que la pratique médicale dans les pièces de notre auteur et les mœurs médicales et également le caractère dramatique du personnage du médecin et son apparence extérieure. Enfin, nous concluons notre étude en donnant les idées de Molière sur la médecine
This study forms a complete study in regards to medicine, doctors and illnesses in the theatral works of Molière. Firstly this study is considered to be a synthetically study, both historical and critical in considering the history, and medical doctrines of the 17th century, which concern Molière’s work. We studied the rapports of our author with medicine and doctors during his era in giving the medical sources. We studied illnesses from the medical point of view in the works of Molière and the medical practices in the works of Molière. We also worked on the medical customs, the dramatical character of the personage of doctors and their exterior appearance. Finally, we concluded our study by giving the thoughts of Molière on medicine

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Nam, Suki Hee. "Le thème de Phèdre dans le théâtre." Rouen, 2000. http://www.theses.fr/2000ROUEL343.

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Анотація:

Le mythe de l'amour de Phèdre a de tous temps passionné les auteurs qui, dans leurs diverses adaptations, ont continué d'en perpétuer les caractéristiques essentielles. L'objet de notre étude consiste donc à analyser comparativement le thème de Phèdre à travers les données des pièces antiques jusqu'aux oeuvres théâtrales du XVIIIème siècle : d'Euripide à Pellegrin en passant par Sénèque, Garnier, La Pinelière, Gilbert, Bidar, Racine ou Pradon. L'analyse et la comparaison de chacune des pièces ont démontré que les différents auteurs ont fait évoluer la structure dramatique, la mise en scène des personnages, ou les rapports entre les hommes et les dieux. Le travail des auteurs s'apparente à celui d'un peintre qui teinte d'une couleur originale les éléments communs. L'interprétation personnelle, mais non l'imitation du thème traditionnel, leur permet de faire évoluer leur pensée en donnant à leur talent toute sa dimension. Tous les auteurs ont pris la liberté d'interpréter le drame de Phèdre en se référant à la source légendaire ou aux oeuvres de leurs prédécesseurs immédiats ou lointains. En effet, la légende de Phèdre a fourni le substratum des tragédies qui a contribué à nourrir les pensées philosophiques, religieuses et littéraires de chaque auteur. Ils ont tous fait preuve d'originalité et de créativité personnelle. Pourtant, quelle que soit la différence de leur interprétation, l'image de Phèdre reste intemporelle. Cette Phèdre est une passionnée, ravagée par la souffrance, humiliée dans sa solitude, victime d'une jalousie fatale. Phèdre, personnage central du drame nous délivre un message susceptible de pénétrer l'âme de tout un chacun de nous.

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Thiéblemont, Caroline. "L’Esthétique du cynisme dans le théâtre contemporain." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA148/document.

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L’hypothèse d’une esthétique du cynisme dans le théâtre contemporain s’appuie sur un constat empirique : au sein d’un théâtre qui s’autoproclame bien souvent politique, sans néanmoins se revendiquer d’une quelconque idéologie, la scène contemporaine européenne voit se développer, depuis la fin des années quatre-vingt, bon nombre de textes et de spectacles qui, par l’intermédiaire des personnages qu’ils mettent en scène ou des situations qu’ils présentent, expriment un point de vue cynique sur le monde. Dans un mouvement global caractérisé par le regain d’intérêt des auteurs envers des thématiques tirées du réel, ce cynisme affleurant dans les œuvres semble traduire un désintérêt des individus pour le politique, une indifférence du sujet pour le devenir du collectif. En prenant en considération la double acception du terme « cynisme », qui fait à la fois référence au mouvement de philosophie grecque dont la postérité a retenu Diogène de Sinope pour représentant et au comportement d’un individu sans scrupules, prêt à tout pour parvenir à ses fins, y compris à s’affranchir de la morale et des conventions, ce travail croise approches dramaturgique, historique, philosophique et sociologique pour explorer les différentes ramifications du cynisme dans le théâtre contemporain, ainsi que ses caractéristiques principales. Tantôt preuves d’un esprit – inconsciemment, parfois – conservateur, tantôt signes d’une vivacité subversive intacte, les éléments constituant l’esthétique du cynisme forment une galaxie éparse, imprimant insidieusement sa marque dans le théâtre européen contemporain
The hypothesis of an aesthetics of cynicism in contemporary theatre is based on an empirical observation: while theatre often proclaims itself as political, without claiming any ideology, a lot of contemporary European texts and performances since the end of the eighties express a cynical point of view on the world through the characters that they stage or the situations that they present. Appearing in the midst of a more general movement characterized by the renewed interest of authors towards themes drawn from reality, the cynicism that surfaces in the artworks seems to reflect people’s waning interest in political matters, and the subject’s indifference towards the future of the community.Taking into consideration the dual meaning of the term "cynicism", which refers both to the Greek philosophy movement, of which Diogenes of Sinope has been retained as representative, and to the behaviour of an unscrupulous person who would do anything to achieve their purposes, including breaking free from morality and conventions, this thesis intersects dramaturgical, historical, philosophical, and sociological approaches to explore the different ramifications of cynicism in contemporary theatre, as well as its main features. Sometimes the manifestation of a – possibly unconsciously – conservative spirit, sometimes the signs of an untouched subversive vivacity, the elements constituting the aesthetics of cynicism form a sparse galaxy, insidiously imprinting its mark onto contemporary European theatre

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Youn, Jeen. "Le temps dans le théâtre d'Henry Bernstein." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030129.

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Notre travail a pour but d'eclaircir la coherence interne des drames de bernstein, qui tient avant tout au genie de l'agencement temporel du texte. D'abord, dans ses premieres pieces qu'on appelle "tragedies bourgeoises", les pieces qui peignent la crise breve et violente, on retient le croisement des deux temporalites complementaires : l'une vers la crise imminente, l'autre vers le souvenir profond. Puis, dans les pieces de la "nouvelle maniere", l'epaisseur temporelle associee au regard vers l'interiorite des personnages engendre une autre temporalite, caracterisee par le statisme des moments iteratifs. Nous avons reconstruit les experiences temporelles fictives que pro-pose le texte, autour des deux axes: evenements-germes qui fonctionnent comme souvenirs-ecrans et evenements d'ailleurs, comme mis entre parentheses, qui se donnent comme espace voile de l'interiorite. Comme la configuration narrative sert de support a l'experience fictive du temps, notre interpretation du temps refigure va s'ancrer dans la forme signifiante du recit
THE OBJECT OF OUR research IS TO RECONSTRUCT THE INNER COHERENCE OF HENRY BERNSTEIN'S PLAYS THROUGHAN ANALYSIS OF THEIR TEMPORAL STRUCTURE. AT FIRST, IN HIS EARLY PLAYS, SOCALLED "TRAGEDIES BOURGEOIS", IN WHICH THE AUTHOR DESCRIBES MOSTLY THE BRIEF AND VIOLENT CRISIS OF THE PERSONS, WE COULD HOLD AN INTERSECTION OF TWO TEMPORALITIES COMPLEMENTARY CONFIGURATED BY THE NARRATION: ONE, TOWARDS THE IMMINENT CRISIS, THE OTHER, TOWARDS THE PROFOUND SOUVENIR. AND THEN, IN THE PLAYS OF THE "NOUVELLE MANIERE", WE CAN SEE THAT THE TEMPORAL DEPTH, ASSOCIATED WITH THE EYES CAST IN THE DIRECTION OF PERSON'S INTERIORITY, PRODUCES ANOTHER TEMPORALITY CHARACTERIZED BY THE STATIC OF THE ITERATIVE MOMENTS. WE HAVE RECOSTRUCTED THE FICTIOUS TEMPORAL EXPERIENCES CONFIGURATED IN THE TEXT AROUND TWO AXIS: THE GERM-EVENTS (EVENEMENTS-GERMES) WHICH WORK AS "SOUVENIR-ECRAN" AND THE MOREOVER-EVENTS (EVENEMENT D'AILLEURS) WORKING AS HIDDEN SPACE OF THE INTERIORITY PUT IN THE PARENTHESES. SEEING THAT THE READERS' FICTIOUS TEMPORAL EXPERIENCE IS DUE TO THE NARRATIVE CONFIGURATION OF THE TEXT, WE ARE TO ANCHOR THE ANALYSIS IN THE NARRATION FORM REGARDED AS THE SIGNIFIANT FORME. REFUSING TO BE ENCLOSED IN THE RIGOROUS STRUCTURALISM, WE WILL TRY TO BRING THE IMMANENT TIME OF THE TEXT INTO THE TRANSCENDENT TIME POF THE EXTRA-TEXT. THAT WOULD BE AT LAST THE RIFUGURATED TIME IN HENRY BERNSTEIN'S DRAMA

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Huertas, Juana. "Relations entre musique et scène dans une esthétique du théâtre lyrique : le théâtre mental." Paris 8, 2013. http://octaviana.fr/document/182435849#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Depuis toujours et davantage aujourd’hui, les relations entre la musique et la scène au théâtre lyrique posent des difficultés à la représentation de l’œuvre dans la mesure où l’enjeu crucial n’est autre que le sens. Afin de nous entendre sur la valeur de l’esthétique du théâtre mental comme solution aux problèmes d’interprétation, nous élaborerons une définition du théâtre lyrique en nous appuyant fortement sur la réflexion d’Adorno exposée dans Relations entre musique et peinture, mais également sur celle de Ricœur, Deleuze, Ehrenzweig et d’autres. La deuxième partie est consacrée à l’esthétique générale des réalisations de Wieland Wagner, Heiner Müller et Danièle Huillet et Jean-Marie Straub suivie de l’analyse des relations entre le texte musico-dramatique et la mise en scène de nos trois objets d’étude dans des exemples distincts. Issus de domaines différents, nous verrons comment et pourquoi leurs réalisations scéniques rejoignent notre définition du théâtre lyrique présentée initialement, puis nous montrerons en quoi ces trois esthétiques partagent le même sort : le théâtre mental
Since always and more today, the relations between the music and the scene with the opera house raise difficulties with the representation of work insofar as the crucial issue is not other than the direction. In order to hear us on the value of the esthetics of the mental theatre as solution with the problems of interpretation, we will work out a definition of the opera house by strongly supporting us on there flection of Adorno exposed in Relations between music and painting, but also on that of Ricœur, Deleuze, Ehrenzweig and others. The second part is devoted to the general esthetics of the achievements of Wieland Wagner, Heiner Müller and Danièle Huillet and followed Jean-Marie Straub by the analysis of the relations between the musico-dramatic text and the production of our three objects of study in distinct examples. Resulting from different fields, we will see how and why their scenic achievements join our definition of the opera house presented initially, then we will show in what these three esthetics share the same fate: the mental theatre

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Waldinger-Tillement, Brigitte. "E. Marlitt, son reflet dans la presse allemande (1865-1990) : problématique de la réception de l'auteur dans la presse périodique." Nancy 2, 1994. http://www.theses.fr/1994NAN21001.

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Un auteur populaire, né en Thuringe, qui fait partie de la littérature féminine du XIXème siècle. Le succès qu'elle a connu dès la parution de ses onze romans sous forme de feuilleton dans la revue familiale "Die Gartenlaube" a éveillé de nombreuses réactions. Les lecteurs furent enthousiastes - Marlitt faisait naitre des rêves et voulait améliorer la condition des femmes - les critiques eurent un avis plus mitigé. Marlitt reste un auteur mal connu, même si quelques études ont déjà été faites à son sujet. Marlitt a été adulée, puis méprisée. La Thuringe est devenue un "land" de l'est en 1949. Tout souvenir d'elle a dû disparaitre. Son œuvre a été déclassée en "trivialliterature". A l'occasion de dates anniversaires reliées à la vie de Marlitt, la presse s'est emparée de l'image de cet écrivain dont le nom est devenu une légende, tout comme ses romans dont le contenu pourrait s'apparenter aux contes de fée. Cendrillon, la belle au bois dormant, le vilain petit canard, autant de titres et de noms qui la rappellent ainsi que ses héroïnes. Faut-il garder d'elle l'image déformée qu'en donne la presse périodique, à l'aide d'expressions qui ne veulent que frapper les lecteurs ou faut-il lui donner le droit d'être reconnue comme un écrivain à part entière ? Une tentative de nouvelle évaluation commencée depuis quelques années semble en fait aboutir à un résultat opposé. Marlitt devient un objet de culte touristique et sa carrière d'écrivain semble oubliée
This popular writer, born in Thüringen, belongs to the XIXth century feminine literature. The success she obtains when her novels were published in serial numbers in the family periodical “Die Gartenlaude" aroused many reactions. If the readers were enthusiastic as she made dream and tried to make women's condition better, the literary critics express a more balanced opinion. Marlitt was not a very well-known even if a fex studies have been written about her. She was praised, and then despised. In 1949, the Thüringen became an eastern "land" and all evidence of her had to disappear. Her work was downgraded as "trivialliteratur". On the occasion of remembrance festivities linked to Marlitt's life, the press devoted a number of articles about this writer's image whose name has become a legend. So have her novels which, no doubt, remind of fairy tules. Cinderella, sleeping beauty, the ugly duckling, all names and titles which remind us of her as well as her heroines. Shall we keep of her the biased image given by the periodical press through expressions used to strike the readers or shall we allow her to be acknowledged as a true writer? A new attempt to assess her that began a fex years ago seems. Indeed, to obtain the opposite result. Marlitt has become a touristic cult object and her career as a writer semmes to be forgotten

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Denis, Véronique. "L'interview dans la presse écrite : Une interaction représentée." Rouen, 1989. http://www.theses.fr/1989ROUEL091.

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Fandie, Soliman Claudon Francis. "Image de la Syrie dans la presse française." Créteil : Université de Paris-Val-de-Marne, 2008. http://doxa.scd.univ-paris12.fr:8080/theses-npd/th0416602.htm.

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Анотація:

Thèse de doctorat : Lettres, sciences humaines, sciences sociales : Paris-Est : 2008.
Thèse uniquement consultable au sein de l'Université Paris 12 (Intranet). Titre provenant de l'écran-titre. Bibliogr. : 178 réf.

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Pommier, Nathalie-Aurélia. "Photojournalisme et agences photographiques dans les années trente en France /." Paris : N.-A. Pommier, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb350853807.

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Gouarné, Esther. "Théâtre performantiel : immersion et distance dans le théâtre néerlandophone (Flandre et Pays-Bas, 2004-2014)." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100080.

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L'imbrication de la théâtralité et des paradigmes issus du performance art est inscrite au coeur du théâtrepostdramatique, défini par Hans-Thies Lehmann, et elle fut également placée au coeur de ce qui fut nommé la« vague flamande » des années 1980. C'est de ce mécanisme que rend compte le terme de théâtreperformantiel, choisi par contraste avec le performatif austinien. En assimilant l'idéal des avant-gardeshistoriques d'une fusion art-vie, fondée sur l'action réelle en temps réel, la théâtralité se trouve à la foisdébordée et révélée dans son essence, comme un processus en cours, qui prévoit la réception d'un regardactif et complice et se donne à vivre comme un événement. La théâtralité performantielle, fondée sur lemontage et le recyclage, oscille entre deux pôles : celui de l'immersion, du choc voire du rêve d'un art total,d'une part, et celui de la mise à distance méta-théâtrale et auto-référentielle, d'autre part. Au centre de cettetension, l'image scénique oppose une résistance au flux des visibilités du monde. C'est ce que révèle uneimmersion au coeur des processus créatifs de trois troupes fondées au début des années 2000 : AbattoirFermé, le Warme Winkel et Wunderbaum. La participation observante éclaire en profondeur les enjeuxesthétiques et idéologiques de cette rencontre entre théâtre et performance. Elle révèle aussi la validité etl'actualité d'une interrogation sur les idéaux de l'avant-garde, dans le contexte d'une crise et d'undurcissement politique et économique auxquels sont confrontés ces artistes, après une période de prospéritéet d'institutionnalisation des pratiques expérimentales
In postdramatic theatre, as theorized by Hans-Thies Lehmann, theatricality, processuality andperformance art have merged. This overlapping was precisely at the heart of the so-called Flemish Wave, inthe 1980s. That generation drew links between the avant-garde's ideals and methods, and today's youngartists. The blurring of art and life overflows theatrical stages and frames, but thereby reveals the veryessence of theatricality : what is showed on those contemporary stages is the emergence of a process, animage in construction, a work-still-in-progress...This is what coins down the expression « théâtreperformantiel » (« performantial theatre » versus performativity). Frictions between representation, illusionand performativity provoke a constant oscillation between meta-theatrical distance, self-referentiality, shockand sensationnal immersion. It even flirts with the dream of total art. These works also rely on an activespectator's gaze. In the midst of these contradictions, stage images oppose a resistance to the visual flows ofthis world. These movements are explored through a field analysis and a close-up on the creative processesof three Flemish and Dutch groups created around 2000 : Abattoir Fermé, the Warme Winkel andWunderbaum. Participative observation offers deeper insight into the aesthetic and ideological issues at stakeat the heart of this encounter between theatre and performance. It also reveals the currency and the validity ofquestioning the avant-garde's ideals given the context of an economic crisis and political tightening

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Kerber, Stéphane. "L’anatomie de l’action dans le théâtre de Marivaux." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040060.

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Cette recherche vise d’abord à éclairer l’esthétique du théâtre de Marivaux de façon inédite en se centrant surle concept d’action. Elle cherche également de façon concrète, à travers les pièces de ce dramaturge, à réfléchirsur ce concept polysémique, polyvalent et complexe. On constitue ainsi une ‘Anatomie de l’action’. Elles’inscrit dans le fil de la réflexion globale sur l’action qui remonte à Aristote et dans laquelle théoricienscomme créateurs/penseurs ont croisé leur regard s’affrontant sur la définition du terme, son essence éventuelleet les inflexions esthétiques nouvelles qu’on pouvait lui donner.L’analyse se concentre sur trois pièces, ‘expériences’ et modèles qui révèlent de manière emblématique lavariété de ce théâtre et qui ouvrent sur ses autres créations dramatiques. Un modèle Italien merveilleux,Arlequin poli par l’amour (1720) conduit à explorer les fondamentaux marivaudiens : l’inconstance commeaction, l’action redevable à une hybridité générique élevée et la crise du protagoniste à l’origine d’uneinstabilité du centre de l’action. Un anti-modèle tragique fructueux, Annibal (1719) permet de trouver unestructure profonde pour trois chefs-d’oeuvre, comédies « à éclats tragiques » (La Fausse Suivante, Le PrinceTravesti, Le Triomphe de l’Amour) en utilisant les outils classiques de la tragédie (‘noeuds de gloire’, sublime,reconnaissance, choix du protagoniste). Et un modèle utopique, L’Île des Esclaves (1725) oeuvre de pensée,permet de remonter par ce biais à l’action et de comprendre comment Marivaux parvient à construire celle-cien usant de systèmes de compensation avec les aspects ludiques et romanesques
This research targets to bring new lights on the aesthetic of the theatre of Marivaux by focusing on the conceptof action. Also, through the plays of Marivaux, it looks concretely for a new thinking about this polyvalent andcomplex notion. It constitutes an ‘Anatomy of action’. It takes place in the global reflection on this term, whichgoes back to Aristotle and in which philosophers and creators/theoreticians confronted their conceptions on thedefinition, its essence and the new aesthetic inflexions which could be reached then.The analysis is mostly based on three plays, both ‘experiments’ and patterns which reveal in an emblematicway the diversity of this theatre and open on the other dramatic creations of Marivaux. A fairy Italian pattern,Arlequin polished by love (1720) leads to the exploration of the basics : the inconstancy as action, the actionresulting from a highly hybrid mixed genres theatre and the crisis of the protagonist and its consequences onthe centre of action. A tragic fruitful anti-pattern, Annibal (1719) gives a deep structure for three masterpieces,comedies with “tragic basement” (The False Servant, The Travestied Prince, The Triumph of Love) by usingthe traditional tools of the tragedy (knot of glory, sublime, recognition, choice of the protagonist). And autopian pattern, The Island of slaves (1725) creation of thought leads to the concept of action and gives key forunderstanding how Marivaux builds up this action by mixing and balancing it with cheerful and eventfulaspects

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Demmon, Kathleen. "La solitude dans le théâtre de Marie Laberge /." Thesis, McGill University, 1985. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=65983.

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Dali, Jihane. "Le silence dans le théâtre de Samuel Beckett." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0404.

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La place du silence est fondamentale dans le théâtre de Samuel Beckett. Touché par les horreurs d’Auschwitz, le dramaturge ne cesse de présenter des personnages au seuil de la mort et qui ont le sentiment que la communication est difficile, parfois vaine, et que pourtant il leur faut continuer à parler. Malgré son invisibilité, son caractère fluctuant et fuyant, le silence reste signifiant, ouvrant un espace vierge qui se remplit alors de sens. Protéiforme, le silence est ambivalent. La faillite du langage verbal entraîne le recours à d’autres langages. La présence des objets scéniques, le spectacle des gestes et de la danse, le jeu de l’ombre et de la lumière ont le rôle de pallier l’absence d’action et la désarticulation de la parole. Se taire chez Beckett devient un jeu scénique purement visuel. Le dramaturge dépasse toutes les limites pour mettre en scène un silence qui est à la fois le matériau et l’objet du jeu théâtral
The place of silence is fundamental in the theater of Samuel Beckett. Touched by the horrors of Auschwitz, the playwright continues to present characters on the threshold of death and they have the feeling that communication is difficult, sometimes vain, and yet they must keep talking. Despite its invisibility, its fluctuating and fleeing character, the silence remains meaningful, opening a virgin space which then fills with meaning. Protean, the silence is ambivalent. The use of verbal language bankruptcy to other languages. The presence of scenic objects, the show of gestures and dance, the play of shadow and light have the role to compensate for the lack of action and the disarticulation of the word. Shut up at Beckett becomes a purely visual stage play. The playwright exceeds all limits for staging a silence as both the material and the object of the theatrical game

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Forestier, Georges. "Le déguisement dans le théâtre français : (1550-1680)." Paris 3, 1986. http://www.theses.fr/1987PA030009.

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Анотація:

Entre la naissance du theatre francais moderne (1550) et la consecration que constitue la fondation de la comedie francaise (1680),quatre cents pieces de theatre - le tiers de la production totale de la periode - font usage de deguisements, notion que nous comprenons comme l'imposition d'une identite usurpee, consciente ou inconsciente; a egale distance, donc, de la mascarade et du mensonge. Le present travail retrace l'histoire, analyse les formes, etudie le fonctionnement et met au jour les structures thematiques des diverses modalites d'un procede dramatique majeur des xvie et xviie siecles. En premier lieu, considerant d'une part les facettes multiples sous lesquelles se presentent les deguisements (differences de forme, d'utilisation, d'importance), d'autre part les differents types de personnages susceptibles d'etre deguises (heros,heroines, valets et servantes, traitres et ridicules), nous avons tente de degager des lignes de force, en nous appuyant au depart sur des denombrements informatises. De la deux series d'analyses, la premiere (3 chapitres) consacree aux types de deguisements et a leur utilisation, completee par une etude des reflexions des theoriciens classiques sur les procedes de deguisement, l'autre (4 chapitres) consacree aux relations entre les differents types de personnages et le deguisement. En second lieu, du point de vue de son fonctionnement, le deguisement est a la fois un procede dramatique et un role; il reclame donc une etude de dramaturgie et une etude de semiotique. Le deuxieme volet de notre travail comprend donc lui aussi deux parties. D'une part, une etude du fonctionnement interne du deguisement : expression de l'apparence et du role fictifs, et reception du deguisement par les autres personnages qui en sont les victimes ou les complices (3 chapitres). D'autre part une etude de son fonctionnement externe : mode de designation du deguisement, fonctions du deguisement dans l'intrigue, dans la construction de l'action et dans la representation du spectacle, effets sur le public (ironie et surprise, etc. ) (2 chapitres). Enfin, il apparait que non seulement le deguisement peut se trouver au centre d'un certain nombre de structures thematiques, sur lesquelles reposent des pieces entieres, et qui se repetent de piece en piece, mais surtout que ces structures thematiques appartiennent a des schemas esthetiques qui les depassent et permettent de comprendre le sens de leur utilisation. Le dernier volet de notre travail est donc constitue par l'etude (synchronique et diachronique) des principes esthetiques qui fondent l'organisation thematique des deguisements (4 chapitres). On passe des "principes d'action" (action negative, action positive, action mediatisee) au "principe de l'action empechee", pour aboutir aux "principes de reception" des deguisements; notre travail se clot ainsi par une reflexion sur les formes particulieres d'illusion assurees par certains deguisements, auxquelles se sont precisement interessee les plus grands createurs dramatiques du 17e siecle, corneille, moliere, racine.

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Castagnet-Cazalis, Raymonde. "Le jeu dans le théâtre de Jean Giraudoux." Reims, 1996. http://www.theses.fr/1996REIML004.

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Анотація:

Le but de cette thèse est de proposer une nouvelle perspective de lecture de l'œuvre de jean Giraudoux au travers de la notion de jeu. Elle cherche a démontrer que cette notion, étudiée sous deux aspects différents, occupe dans l'œuvre du dramaturge une place privilégiée aussi bien dans la construction de l'œuvre que dans son contenu. Ainsi, dans le dialogue dramatique, le jeu sert tres souvent de véhicule aux échanges entres les personnages. Il leur permet d'établir un dialogue ou de vivre des situations qui seraient irréalisables sans son intermédiaire. D'un point de vue structural, le jeu joue également un rôle prépondérant, et plus particulièrement dans la conception de l'action et de son déroulement. Il peut en effet constituer le support unique de celle-ci, ou, s'il ne l'est pas, du moins contribue-t-il a créer des effets qui rendent plus efficace le traitement de celle-ci. Les scènes de jeu assurent la mise en valeur des moments clé de l'action, soit parce que l'action s'y noue ou s'y dénoue, soit parce qu'elles provoquent avec les scènes d'action un contraste qui accentue la mise en relief de celles-ci. Enfin, Giraudoux est célèbre, entr'autres, pour les jeux sur le langage dont il a abondamment use dans ses pièces. Ces jeux sur le langage n'ont aucun caractère gratuit et jouent, eux aussi, un rôle déterminant dans l'élaboration des pièces. Situation d'une façon très précise et originale. L'ensemble de l'étude de la notion de jeu dévoile une nouvelle fois la profondeur et le sérieux d'une œuvre trop souvent jugée légère et superficielle et met l'accent sur les qualités de dramaturge de Giraudoux qui sait captiver spectateurs et lecteurs
The aim of this thesis is to propose a new perspective of jean Giraudoux’s dramatic work through a notion of game. The work tries to demonstrate that this notion, studied through two different aspects, occupies a privileged place in the work of the dramatist as well in the construction as in the content. For instance, in the dramatic dialogue, very often, the game serve as vehicle for the exchanges between the dramatis personae. It permits the establishment of a dialogue or the encounter of some situations which would be unrealizable without his transition. From a structural point of view, the game also plays a preponderant role, and more particularly in the conception of the action and her progress. It can be the unic support of the action, if it is not, it contributes to the creation of some effects which render more efficacious the treatment of the action. The game scenes assure the embellishment of the key-moments of the action wheter the action weaves or clears up, because it also gives rise to a contrast with the action scenes which bring this into relief. In the end, Giraudoux is famous for the play on words that he distils into his plays. This study of the notion of game prove, once more, the profundity and the gravity of a work, more often estimated frivolous and superficial and disclose Giraudoux’s dramatic qualities, who knows how to charm the spectateurs and the readers

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