Дисертації з теми "Télévision et art – France – 1970-"
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Chevalier, Fleur. "Formater pour mieux régner : vidéastes et performers à l’épreuve de la télédistribution en France, 1975-1998." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080045.
Анотація:
Dès les années 1960, dans le contexte de la télédistribution française, des artistes profitent d’accéder à des équipements sophistiqués pour explorer le potentiel plastique de l’image électronique et mener leurs propres recherches visuelles. À la croisée du cinéma expérimental ou militant, des mouvements d’avant-garde et de l’art cinétique, ces pratiques marginales ne répondent pas aux normes du réalisme photographique ou de la vraisemblance illusionniste qui régissent la production audiovisuelle mainstream. Comment trouver sa place dans une structure vouée toute entière à la distribution de produits formatés conçus pour susciter l’adhésion du téléspectateur ? Comment s’infiltrer dans les brèches d’une industrie résolument hostile à tout écart optique et symbolique ? Les choix stratégiques des artistes qui œuvrent sur le territoire de la télédistribution découlent en grande partie des mutations économiques qui ont entraîné la transformation du paysage audiovisuel français, du démantèlement de l’ORTF à la privatisation partielle du réseau de télédiffusion. Face à la rigidité des standards imposés par les mass media, le détournement apparaît bien vite comme une solution pour se fondre dans l’environnement audiovisuel tout en façonnant des « contre-images » satiriques. Le désir d’explorer l’image cathodique se trouve alors supplanté par celui de pirater la rhétorique et l’espace médiatiques. Cependant, dès lors que l’image est perçue comme une agora à investir, il devient difficile de se soustraire à l’économie coercitive de « la société du spectacle »From the early 1960s, within the context of French television broadcasting, some artists seize opportunities to reach advanced technologies, allowing them to explore the aesthetic potential of the electronic image as well as to lead their own visual research. At the crossroads of experimental or activist cinema, avant-garde movements and kinetic art, all of these marginal practices tend to ignore the norm of the so-called realistic image and the deceptive verisimilitude which rule the audio-visual mainstream. How to find a place within a structure entirely devoted to the distribution of stereotyped products designed to attract the largest segment of TV consumers? How to infiltrate inside the gaps of an industry resolutely hostile to the slightest visual and ideological glitch? The diverse strategies of the artists who chose to work within the field of television broadcasting are highly influenced by the economic mutations that transformed the French audio-visual landscape, from the dismantling of the ORTF to the partial privatization of the TV network. Facing the rigidity of the standards dictated by the mass media, the concept of “détournement” – or “diversion” –quickly appears to be a solution to blend into the audio-visual environment while continuing to shape satirical “counter-images”. The wish to explore the cathode-ray image as a medium is then supplanted by the desire to hack into the media network and its rhetoric. Nevertheless, as soon as the image is regarded as a public space to colonize, it becomes difficult to escape the coercive economy of the entertainment world
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Quenault, Grégoire. "Reconsidération de l'histoire de l'art vidéo à partir de ses débuts méconnus en France entre 1957 et 1974." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA083705.
Анотація:
Lorsque la France porte, au début des années quatre-vingt, son intérêt sur l’art vidéo, des chronologies contradictoires sont déjà énoncées de chaque côté de l’atlantique quant à l’attribution des « gestes » inauguraux de cet art nouveau. Les Américains pensent que celui-ci commence aux Etats-Unis en 1965, les Européens partagent l’idée qu’il naît plutôt en Allemagne en 1963. Etonnement, les spécialistes français ne procéderont jamais à un examen de la production nationale, et adoptent les dates de références de leurs homologues étrangers. Il sera entrepris ici une étude approfondie des différents événements artistiques tant américains, qu’allemands – attribués d’ailleurs pour l’essentiel à un coréen : Nam June Paik. Puis, un exposé de la production française – réalisé par, ou au sein du Service de la Recherche de l’ORTF, et par Nicolas Schöffer – permettra de montrer, que loin d’être inexistante, celle-ci s’avère être la plus précoce de l’histoire du médium électroniqueWhen, in the early 80s, France takes a serious interest in video art, contradictory time lines have already been expressed on the two sides of the Atlantic as to when the inaugural « gestures » for this new art form took place. Americans believe it began in the United States in 1965, whereas Europeans place its birth in Germany in 1963. Surprisingly, French specialists never investigated their own national production, preferring to adopt the reference dates of their foreign counterparts. Firstly, this will be an in depth study of the various American and German artistic events – wich, for the main part, are attibuted to the Korean Nam June Paik. Secondly, an exposé of French Production (maid by, or carried out at the ORTF Research Centre, and by Nicolas Schöffer) will reveal that, far from being inexistent, it is one of the earliest in the history of the electronic medium
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De, Montgolfier Clémence. "Représentations des mondes de l'art contemporain à la télévision française de 1960 à 2013. De la médiatisation à la médiation." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA126.
Анотація:
Cette recherche vise à déterminer comment la télévision française représente les mondes de l’art contemporain de 1960 à nos jours. Grâce à une analyse sémiologique et pragmatique d’un corpus d’émissions sur l’art contemporain, nous avons constaté, d’une part, que l’évolution des programmes télévisés dits « culturels » montre une diminution de la part de ces derniers ainsi que leur relégation dans des heures creuses de la programmation depuis les années 1980. Alors que les programmes des années 1960 à 1980 visent à transmettre l’expérience esthétique des œuvres d’art depuis le terrain, les années 1980 à 2000 voient des programmes plus dialogiques où experts et artistes discutent sur le plateau. Ces échanges présentant peu de critique négative relèvent principalement de la promotion culturelle. D’autre part, depuis les années 2000, les émissions sur l’art contemporain s’inspirent des formes divertissantes de la télé-réalité. Des contradictions idéologiques surgissent entre la mission de médiation culturelle portée par l’ORTF puis les chaînes publiques et ces nouveaux récits de compétition. L’art contemporain se trouve alors au cœur des conflits de définition de la culture. D’un côté, sa médiatisation montre un monde de l’art hégémonique où les inégalités socioculturelles sont légitimées. De l’autre, la médiation opérée par les programmes continue de promettre un idéal de démocratisation de l’art contemporain à travers des récits d’accès au savoir, source d’égalité. La médiation des œuvres d’art, de l’exposition filmée à une télévision « curatoriale », promet plus d’immédiateté tout en multipliant les dispositifs de médiation. C’est dans cette indécidabilité que les programmes sur l’art contemporain ne peuvent tenir leurs promessesThis research aims to determine how French television has been representing the worlds of contemporary art from the 1960’s to nowdays. Through a semiological and pragmatic analysis of a corpus of television programs about contemporary art, we have observed, on the one hand, a decrease of their share and their relegation to less favorable hours of programing since the 1980’s. Whereas the programs from 1960 to 1980 aimed to transmit the aesthetic experience of the artworks as seen from the field, the programs between 1980 and 2000 were more dialogical and hosted discussions between experts and artists in the television studio. Showing few negative critiques, they fell under the discourse of cultural promotion. And on the other hand, since the 2000’s, television shows about contemporary art have been taking on the entertaining forms of reality shows. Ideological contradictions arise, between the cultural mediation mission carried on by the ORTF and later public channels and those new narratives of competition. Contemporary art finds itself at the heart of conflicts regarding the definition of culture. On one side, its media coverage shows a hegemonic world of art where sociocultural inequalities are legitimated. And on the other side, those programs continue to promise an ideal of democratization of contemporary art through narratives of accessing knowledge, source of emancipation and equality. Moreover, the mediation of the artworks, from the filmed exhibition to a “curatorial” television, promise more immediacy while multiplying the dispositifs of mediation. It is within this impossibility to decide what their purpose is that television programs about contemporary art can’t hold their promises
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Castro, Jennifer de. "Le Festival de Cannes et la promotion du cinéma (1946-1972) : le 7ème art, un objet culturel protéiforme au service du prestige national." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA015.
Анотація:
Cette thèse propose une approche historique et culturelle du Festival de Cannes, en mettant l'accent sur son rôle, contrasté, dans la promotion du cinéma en France de 1946 à 1972. Quelle(s) image(s) ses organisateurs entendent-ils donner du cinéma et quelle image contribue à en construire la publicisation de la manifestation dans les différents médias de l'époque (télévision, actualités cinématographiques et presse spécialisée) ? Il s'agit donc de savoir comment été perçu le cinéma après la Seconde Guerre mondiale par l'intermédiaire du Festival de Cannes, d'évaluer comment le Festival a cherché à modifier en France ou a modifié dans les faits (ce qui n'est pas forcément la même chose) l'image, le statut, les fonctions du cinéma et le rapport au cinéma, national ou international, et de voir comment les médias abordent l’actualité cinématographique. Les recherches, essentiellement faites à partir de fonds d’archives – celles de l’Association du Festival de Cannes, de la télévision et de la presse spécialisée –, ont permis de comprendre les différents aspects de la manifestation et de saisir les relations qu'entretiennent les différentes institutions en charge de l’événement avec le cinéma.1946, année de la première édition du Festival, est le point de départ de ses recherches. 1972, année où le Comité d’Organisation devient le seul décisionnaire des films sélectionnés, les clôture. Entre ces deux dates, 25 éditions où les pays participants choisissaient eux-mêmes les films envoyés sur la croisette. 25 années où le contexte socio-politique mondial s’invite sur la scène cannoise mettant à l’épreuve les ambitions artistiques mais aussi les intérêts économiques et diplomatiques des organisateurs du Festival de Cannes ; 25 années dont les médias sont, partiellement et/ou différemment selon les sources, les reflets privilégiésThis thesis offers a cultural and historical approach about the Cannes Film Festival by emphasizing the accent on its contrasted role in promoting cinema in France from 1946 till 1972. What images intended the organizers to give about cinema and what images contributed to build the exposure and coverage of Cannes Film Festival in the various media of that time such as television, cinema newsreels and specialised press?It is therefore about to know how Cinema was perceived after the Second World War by the prism of the Festival, to evaluate how it tried to modify in France or modified effectively (which is not necessarily the same point) image, status and functions of Cinema and the relationship with native and international cinema then finally to see how medias approached the film industry current events. The research, essentially engaged from Archives Collections - such as those of Cannes Film Festival Association, television and specialist publications -, allowed to understand the various aspects of the Festival and to perceive the links which maintained the various institutions in charge of the event with Cinema.The first edition of the Festival in 1946 is the starting point of this research. It ends in 1972, twenty-five years later, when the Steering committee has become the only decision-maker of the selected movies. During these twenty-five editions the participants themselves used to select the movies to sent to the « Croisette ». Twenty-five years during which the world social and political context invited itself in Cannes to put to the test the artistic ambitions and the economic and diplomatic interests of the organizers of the Cannes Film Festival. Twenty-five years during which the medias were partially and/or variously the privileged reflections
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Nadaud-Albertini, Nathalie. "Constituer une innovation télévisuelle : le contenu et la réception numérique des émissions de télé-réalité en France." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0012.
Анотація:
Cette thèse s'intéresse à la façon dont une innovation télévisuelle -la télé-réalité- s'est constituée à travers les interactions entre différentes instances (producteurs, contempteurs, téléspectateurs-internautes). A son arrivée en France, en avril 2001, par son caractère inédit, la télé-réalité a crée une sorte de vide de catégories pour la saisir, et a suscité une grande surprise et une immense crainte. A tel point que, dans un premier temps, les seules catégories qui ont semblé adéquates ont été celles de la dénonciation. Puis, le genre a essaimé sur de multiples thèmes, les interactions entre les instances ont évolué, la familiarité avec les programmes s'est accrue. Et, c'est une véritable grammaire télévisuelle qui s'est mise en place : les différentes instances se sont ajustées de façon à fournir des catégories pour envisager la télé-réalité autrement que dans la dénonciation. Cette thèse a adopté une méthodologique évitant d'entrer dans la polémique. Elle s'est appliquée à serrer de près le processus de co-constitution en suivant un chaînage allant de la production de catégories initiales en passant par les déplacements de ces catégories et les différents positionnements par rapport à ces dernières. Elle a étudié trois terrains d'avril 2001 à fin 2009 (la presse écrite, les contenus télévisuels, et les sites et forums liés à la télé-réalité) et a mis en place une méthodologie permettant de saisir la réception numérique (sur Internet) de la télé-réalité. Cette thèse s'articule autour de quatre grands axes: - comment appréhender la télé-réalité en tant que chercheur? - elle décrit un processus d'adaptation des dispositifs télévisuels aux critiques. - elle montre que la télé-réalité propose un nouveau modèle de sujet qui émerge et se déploie dans des domaines variés. - eHe s'intéresse à la convergence intermédiatique en travaillant sur les dispositifs Internet proposés par les concepteurs et les usages indépendants des internautes. Au final, cette thèse invite à comprendre comment se constituent les normes télévisuellesThis thesis deals with the way through which a TV innovation, reality-tv, has been created. It shows that reality-tv has been made up through interactions between producers, critics and viewers. When reality-tv has been broadcast in France for the first time, it was considered as a thrill so that the only way to think about it was to denounce its possible danger. Then, reality-tv has been developed in many themes, interactions have moved, and familiarity with programs has grown. Consequently, interactions have brought a specifie TV grammar not only relying on the fear of reality-tv. This thesis has used a method that enables to avoid to take part in controversy. It has followed step by s the co-constitution process of the innovation, studying the first categories into which reality-tv was though about and the changes of theses categories. Written press, programs, and websites and forums about realitytv have been studied, between April 2001 to December 2009. A specific methodology has been created in order to study the numeric reception (on the Internet). This thesis is structured around four main themes : - how thinking about reality-tv ? - it describes the process into which reality-tv has been adapted to its critics. -it shows a pattern of subject that emerges, the connexionnist subject, and develops in many fields. - it dea1s with mediatic convergence by studying sets created by producers and free uses. Finally, this thesis leads to reflect on the creation of TV norms
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Emanuel, Susan. "La télévision et la culture en France : à la recherche d'une chaîne culturelle européenne." Rennes 2, 1993. http://www.theses.fr/1992REN20018.
Анотація:
L'objet de cette étude est d'évaluer les rapports entre la communication et la culture en France. Nous commençons par un bilan sur la théorie des medias et la culture télévisuelle des années soixante jusqu'à l'arrivée au pouvoir du gouvernement socialiste. Dans le premier chapitre, nous comparons les attitudes françaises vis-à-vis de la télévision aux traditions anglo-saxonnes, y compris les écoles des communication studies et cultural studies. En dépit de mots-clef s communs mais trompeurs, nous examinons les différentes façons dont les intellectuels nationaux ont essaye d'éclairer le problème de la culture de masse à partir de l'école de Francfort. Le deuxième chapitre porte sur l'histoire de la culture télévisuelle en France et sur les écrits la concernant. Après l'histoire des politiques culturelles et audiovisuelles des gouvernements après 1981 dans le troisième chapitre, nous abordons plus précisément dans le chapitre suivant les déterminants de la chaîne culturelle "à vocation européenne" - la Sept. Puis, nous analysons les étapes de sa création et de son insertion dans le paysage audiovisuel déréglementé et internationalisé de la France. Le chapitre 5 est consacré à l'esthétique télévisuelle, et surtout à son apport à la grande culture. Quels sont les discours de "qualité" dans la télévision, parmi les professionnels, les critiques et les philosophes, anciens et nouveaux ? Ensuite je passe en chapitre 6 aux discours de la télévision culturelle, et aux critiques de la Sept en France et ailleurs, et aux changements de programmation au moment ou il affirma sa vocation européenne. Le chapitre 7 est consacré à un sujet particulièrement négligé en France : le public. L'étude est comparative entre les traditions de recherches françaises et étrangères. Cette nouvelle chaîne résulte de la crise des télévisions du service public dans les pays occidentaux. Le chapitre 8 ouvre une perspective internationale et comparera la sept avec d'autres chaînes "thématiques" (financées par l'Etat ou mixtes, hertziennes ou satellites), particulièrement avec Channel Four en Grande BretagneThe aim of this work is to study the relations between culture and communication in France. We begin with an overview of the different theories of the media and a description of France's television culture from the 1960s until the arrival in power of the socialists in 1981. The first chapter compares French attitudes to television with Anglo-saxon ones, especially with the approaches of cultural studies and television studies. Starting with the influence of the Frankfurt school, we examine the different ways in which national intellectuals tried to deal with the problem of mass culture. The second chapter recounts the history of French television; the third deale with the cultural and audiovisual policies of the socialists. In the fourth, we examine the various logics which resulted in the creation of a European cultural channel, la Sept - industrial, diplomatic, educational - and recount its institutional history. Chapter 5 is devoted to an analysis of French television aesthetics, particularly its focus on authorship and creation. The next chapter looks at various schools of french thought on culture and television, almost all deriving from a bias toward classical and modernist culture. The audience and the methodology of its study particularly neglected topics in France - are examined in chapter 7. Most industrialized countries are experiencing a crisis in their public service television, and an international comparison is introduced in the eighth chapter. The final one returns to keywords like quality, national identity, and postmodernism. A thematic bibliography precedes annexes, including publicity material for the channel
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Bouquillion, Philippe. "Spectacle vivant et télévision : analyse socio-économique comparée du spectacle vivant et de la télévision en France pendant les années quatre-vingt." Grenoble 3, 1993. http://www.theses.fr/1993GRE39009.
Анотація:
L'obtention de financement est liee de facon croissante a l'audience realisee ou au niveau de notoriete. Pour atteindre ces objectifs, le spectacle vivant et la television ont developpe trois logiques d'adaptation : le recours a la communication se developpe, les contenus sont rationalises et la diffusion est favorisee au detriment de la production. Ces trois tendances entrainent une hausse des couts. Cette hausse des couts est particulierement grave pour le spectacle vivant car sa demande est decroissante et parce que les emissions de spectacle diffusees par la television sont rares et peu remuneratrices. Par ailleurs, la television exerce des effets structurants sur le spectacle qio concourent a la hausse des coutsAt the end of the 80', fund rising depends on the audience and the notoriety in order to reach that objective : advertising is developing, the content is standardized and the diffusion system is favoured. These tendances have increased the costs rise. This problem is particulary important for the performing arts because the consumption is decreasing and because the tv channels are not intrested in broadcasting art programs
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Diémé, Ahmed Serigné. "Scénographie communicationnelle et espace public politique depuis 1960 : critique des effets et représentations télévisuels." Bordeaux 3, 2004. http://www.theses.fr/2004BOR30005.
Анотація:
Cette thèse est une étude du rapport entre ordre médiatique et ordre symbolique à travers la scénographie communicationnelle à la télévision, notamment sur deux chaînes la 2 et la 3. Elle par de la question centrale que voici quel est le jeu de rapports entre les deux ordres ou pratiques dans leur fonction de représentation, au double sens du terme, du phénomène politique. Ainsi cette thèse a montré que le jeu de rapport est complexe. Et cette conclusion n'a été possible que grâce à la description des procédés scénographiques ou médiatiques dont l'impact sur les éléments que nous énumérerons tout de suite est considérable. L'hypothèse de départ est de soutenir que ce jeu de rapports se caractérise par une coexistence , une redondance, une complémentarité entre les deux ordres. L'enjeu étant de résoudre l'incertitude du lien sociopolitique dans une société éclatée. En saisissant l'un par l'autre sous un triple angle temporel spatial et esthétique, il nous est apparu que l'espace public est une réalité polymorphe et hétérogène, et sous les images et leur fonctionmédiatrice, d'autres logiques sont à prendre en considérationl: les logiques de la société de consomation et de spectacle. A partir de ces niveaux, le devenir du politique et de le représentaion se joue, avec comme problème théorique et pratique: la reconceptualisation de l'espace public, de la communication au delà du schéma canonique E - M- R. La pratique télévisuelle rapportée à l'espace public, à l'être-ensemble introduit un nouveau mode de subjectivation socio politique qu'il faut continuer à examiner sans trop de normativité en matière d'analyse du phénomène politique contemporainThis thesis researche starts from a central question that here: which is the set relationship between the media order and the order symbolic system in the functiion of representation of the political phenomenon socio to the double direction of the term. The hypotesis is to assert that the relationship is complex: redundoncy, co existence, alteration, complementarity. Anyway, this study has revele certain processes related to the image practice ( scengraphie applied to the matériel and immateriel political public space)So, one must change the vsion of political public space as an experience, as an event, as a place the society tries to build the commun interest in the democratic system. One must also change the vision of representation, of communication in the double direction of the term, of symbolic system. This implies a new conception of political representation in contemporain era. This thesis has also started from different kind of images accordind ton the way televsion cuts and organises the phenomenon. Under this practice of image, we have found that the media ordre is determinated by the logic of the society of consumers and spectacle. Communication shoud not anymore, in our opinion, be considered as this diagram: E - M- R; because communication is lest an echange proces and more an intervention on things, people, situation, futur in political sens. We must also take in charge of the importance the the media as a form and as a cultural and political mecanisme in contemporain era. This are the scientific proposals of our study. But the researche is not finished an there are many perspectives in the media studies. Whatwill be the futur of policy accordind to media?
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Bachmann, Sophie. "Histoire politique et sociale de la réforme de la radio-télévision en 1974 : "la délivrance ?"." Paris, Institut d'études politiques, 1986. http://www.theses.fr/1986IEPP0004.
Анотація:
Le principal objet de cette thèse consiste à expliquer pourquoi et comment la réforme de l'ORTF a été entreprise après l'élection à la présidence de la république de m. Valery Giscard d'Estaing en mai 1974. La première partie retrace la genèse de la réforme et analyse les tentatives de réforme de structures et leur échec qui conduit à la grave crise de l'automne 1973. Malgré l'élaboration d'un plan de décentralisation de l'ORTF par son président, M. Marceau Long, le nouveau gouvernement décide après les élections présidentielles de substituer à l'ORTF sept organismes indépendants. La seconde partie analyse les causes de cette réforme, les objectifs visés par ses auteurs et les oppositions qui se sont manifestées lors de la préparation et du vote de la loi du 7 aout 1974. La troisième partie expose les principaux problèmes sociaux et politiques poses par l'application de la réforme pendant l'année qui a suivi le vote de la loiThe main purpose of this thesis is to explain why and how the reform of the ORTF has been taken just after the election of Mr. Valery Giscard d'Estaing as the President of the Republic in 1974. The first part discribes the genesis of the reform and analyses the crisis at the automn 1973 after a lot of reforms of structures. In spite of the project of decentralization of the ORTF prepared by his manager Mr. Marceau Long, the new government after the elections at the Presidency of the republic decides to suppress the ORTF and to create seven independent societies. The second part analyses the reasons of the choice of the government, the purpose of the reform and the oppositions during the preparation and the vote of this law. The third part presents the main - social and political - problems for the application of the reform after the vote of the law
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Bollivier, Patricia de. "Art contemporain réunionnais, art contemporain à la Réunion : construction locale de l'identité et universalisme en art en situation post-coloniale." Paris, EHESS, 2005. http://elgebar.univ-reunion.fr/login?url=http://thesesenligne.univ.run/M/TH_EHESS_Bollivier_2005.pdf.
Анотація:
À La Réunion, depuis la décentralisation, les politiques culturelles véhiculent de fortes revendications identitaires fondées sur les multiples appartenances territoriales de la société réunionnaise, son histoire et sa population spécifiques. Cette thèse propose, après un historique du développement culturel, une étude du champ des arts plastiques et de l'art "contemporain", que nous posons comme émergeant dans La Réunion des annnées 80-90, avec une mise en perspective des enjeux politiques, esthétiques, éthiques. La production classée comme "art contemporain réunionnais" a-t-elle un caractère spécifique ? La réponse se trouve-t-elle dans les oeuvres ou dans les discours qui les légitiment ? Quelles stratégies identitaires sont à l'oeuvre dans le processus d'homologation de l'art dans cette société créole où la France est longtemps restée seule garante des labels esthétiques et culturels ? In fine, c'est la question postcoloniale de l'émergence de nouvelles "centralités" qui apparaîtSince the decentralisation policy (initiated by the French government during the 1980s), cultural policies in La Réunion (French overseas department -DOM- in the Indian Ocean) have been enabling strong identity claims founded on the multiterritorial belonging and the specific history and population of La Réunion's society. Based on an initial historic approach of cultural development (in La Réunion), this thesis suggests the study of the field of visual arts and "contemporary" art emergent in La Réunion during the 1980s and 1990s, with a particular focus on the political, aesthetic and ethical issues herein involved. Does the production of what has been classified as "contemporary Reunion art" contain a specific character? Is the answer to this question to be found in the artworks themselves or within their legitimizing discourses? Which identity strategies are "at work" in the art homologation process in this Creole society in which "France" has long been the only reference for aesthetic and cultural labelling? This is the main question of this work
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Taty, Jean-Jacques. "La non émergence d'une production audiovisuelle autonome en Afrique centrale (cinéma et télévision)." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010578.
Анотація:
Plus de trente ans après les indépendances africaines, les activités culturelles et artistiques restent au stade du balbutiement. C'est le cas du cinéma. Malgré l'existence en Afrique francophone de quelques productions financées grâce au soutien des pays européens (principalement la France), ce secteur peine à se développer. A l'intérieur de cet ensemble africain francophone, les pays de la région centrale sont largement supplantés par ceux d'Afrique de l'ouest. En effet, dans le domaine cinématographique et télévisuel, ces derniers sont plus dynamiques, en dépit de leur faiblesse économique. Contrairement aux pays d'Afrique centrale, il y existe une production locale régulière et souvent autonome. A travers une série d'analyses des régimes politiques, économiques et culturels de certains pays d'Afrique centrale, des caractéristiques sociologiques des populations à travers la société civile, nous essayons de comprendre les causes du retard du secteur audiovisuel et les raisons de la non-émergence de l'activité cinématographique dans la sous région. Il s'agit de décrypter les facteurs historiques et actuels qui ont mené à cette situation. Dans le même temps, en guise de perspective d'avenir, nous apportons des modèles étrangers, permettant des solutions pour un développement sectoriel en adéquation avec l'environnement local.
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Drugeon, Fanny. "Incarnation sans figures ? : l'abstraction et L'Église catholique en France, 1945-1965." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2015.
Анотація:
Le développement d'un art abstrait au sein de la religion de l'Incarnation a des conséquences en partie paradoxales du point de vue du dogme catholique. Il s'agit de comprendre le rôle qu'a pu jouer la notion d'abstraction dans l'Église, et vice et versa, et comment a pu être acceptée une incarnation sans figures. La thèse aborde tout d'abord les rapports réflexifs que l'Église entretient avec les arts, et les enjeux institutionnels et artistiques qui y sont liés. Elle s'intéresse ensuite aux réalisations nées en partie d'une volonté de rapprochement du temps présent et de recherche d'un langage propre à l'Église. En outre, les créations indépendantes conduisent à s'interroger sur la complexité de la relation entre abstraction et Église catholique dans un cadre non liturgique. Enfin, le débat est replacé dans un contexte plus large : la société moderne, à travers les expositions, salons ou collections d'art sacré, dans lesquels l'abstraction trouve progressivement une place de choixThe development of an abstract art within the religion of Incarnation has partly paradoxical consequences regarding the catholic dogma. The point is to understand the part played by the notion of abstract art within the Church, and vice versa, and how an incarnation without figures could be accepted. This dissertation firstly studies the reflexive relationship between the church and the arts, and the institutional and artistic issues linked. Then, it examines the creations partly born because of the will of a connection between the present and the research of a proper Church language. Moreover, through the independent creations appears the complexity of the relations between abstract art and Catholic Church in a non-liturgical environment. Finally, the debate is replaced in a larger context : the modern society, through sacred art exhibitions, shows or collections, where abstract art progressively gains a prime space
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Dumont, Fabienne. "Femmes et art dans les années 70 : "douze ans d'art contemporain" version plasticiennes : une face cachée de l'histoire de l'art, Paris, 1970-1982." Amiens, 2004. http://www.theses.fr/2004AMIE0007.
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Verger, Émilie. "Les Beaux-Arts, une fabrique d'artistes ? : histoire institutionnelle et sociale de l'enseignement des arts plastiques à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris de 1960 à 2000." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010507.
Анотація:
L'histoire institutionnelle et sociale de l'enseignement des arts plastiques à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, de 1960 à 2000, est étroitement liée à l'art contemporain. Héritière d'un système académique sclérosé et vieillissant, l'enseignement en arts plastiques à l'Ecole des Beaux-Arts doit s'adapter à un contexte artistique marqué par l'innovation technologique, l'éclatement des références et la domination du marché de l'art. L'évolution de l'enseignement des arts plastiques aux Beaux-Arts s'articule autour de l'étude de trois points : les structures de l'établissement, son enseignement et la place de l'Ecole comme lieu de production et d'engagement artistiques. L'analyse des structures de l'établissement au travers de ses acteurs, de son système pédagogique et de son patrimoine, permet de comprendre son évolution administrative et sociale. L'étude de l'enseignement au niveau de son organisation, de la pratique et des activités autour de cette pratique, permet d'analyser l'évolution de la pédagogie et de la pratique artistique dans l'Ecole. Enfin, la place de l'Ecole comme lieu de production et d'engagement artistiques au travers de sa production artistique, de l'engagement politique et social et du professionnalisme de ses acteurs, replace notre étude dans le contexte de la création contemporaine.
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Gautier, Louis. "La défense hors du sanctuaire : la politique militaire de la France 1990-1995." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010281.
Анотація:
Pendant les cinq dernières années du second septennat de François Mitterrand, entre 1990 et 1995, de nombreuses reformes de la politique militaire française sont entreprises ; mais la réflexion théorique peine à dégager de nouveaux concepts applicables au renouvellement de la politique de défense de la France. En outre, la culture de défense française, marquée par un fort consensus national depuis trente ans, refrène les aspirations aux changements. Œuvre de compromis, le livre blanc sur la défense publie en 1994 en pleine cohabitation, est une illustration des embarras intellectuels auxquels est confrontée la redéfinition des principes stratégiques, et du cadre d'emploi de nos armées au début des années quatre-vingt-dix. Ce document pratique l'accommodement entre les dogmes anciens et l'affirmation de priorités nouvelles. Malgré des difficultés de reformulation théorique et politique, une triple thématique domine les affaires de défense entre 1990 et 1995 : les dividendes de la paix. Les leçons de la guerre du Golfe, la construction d'un nouveau système de sécurité en Europe. Ces analyses incitent les responsables politiques à amorcer la refonte de l'outil militaire, avec le souci de faire évoluer, sans le briser, le consensus sur la défense. D'une certaine façon, les atermoiements de notre politique de défense témoignent à la fois des hésitations sur les voies de réforme et apparaissent en même temps comme une condition nécessaire à la reformulation d'un consensus politique interne sur des bases nouvelles. La seconde réforme de la défense de la Vème république est cependant durablement engagée. Aucun de ses grands objectifs ne sera revu par la suite même si après 1995 les formats sont modifiés et si est décidé le passage à l'armée de métier. Les années 1990-1995 sont la première étape d'une reforme de transition qui engage d'avantage la France dans l’EuropeDuring the last five years of François Mitterrand’s second term of office, between 1990 and 1995, France's military policy underwent many reforms ; but theoretical reflection has difficulty in unearthing new concepts for its renewal. Moreover, French defence culture with its strong national consensus going back thirty years, curbs any desire for change. The white paper on defence, a compromise document published in 1994 during a period of political cohabitation illustrates the intellectual predicament that redefining strategic principles and the way our armed forces are to be employed found itself in in the early 1990's. The document manages to find a compromise between the old dogmas and the assertion of new priorities. Despite the difficulties to formulate new forms of theoretical and political expression, three themes dominate defence matters between 1990 and 1995 : peace dividends, the lessons learned from the gulf war and the construction of a new security system in europe. These analyses encourage the political leaders to launch a renewal of the military machine, with the will to take the consensus on defence a stage further whilst maintaining it intact. In some ways the procrastination in our defence policy reveals hesitation to engage reform, and at the same time, appears as the necessary condition to a new expression of the internal political consensus on fresh grounds. The second reform of the fifth republic's defence policy is nonetheless actively underway. None of its main objectives will be subsequently reviewed, even though the format was changed after 1995 and the adoption of a professional army was decided upon. 1990 to 1995 was the first stage in a transitional reform which further strengthens France's European commitment
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Four, Pierre Alain. "Intervention publique et art contemporain : la création des Fonds régionaux d'art contemporain, : leur insertion dans le monde de l'art et leurs politiques d'acquisitions." Paris, Institut d'études politiques, 1995. http://www.theses.fr/1995IEPP0014.
Анотація:
Inscrite dans le champ de l'analyse des politiques publiques, la thèse aborde aussi des questions relatives à la sociologie de l'art, et dans sa dernière partie à l'histoire de l'art. Dans la première partie, sont abordés les questions de la formation de la politique et de la prise de décision. Y sont mise en évidences les origines des 22 FRAC, structures financées par les régions et par l'état en vue d'acheter et de diffuser des oeuvres d'art contemporain. Les FRAC apparaissent comme l'expression de deux courants dominants au moment de leur mise en place. D'une part la nécessité de répondre aux attentes des militants de la démocratisation de l'art qui souhaitent une plus large diffusion de l'art contemporain et d'autre part opérer une modernisation de l'intervention publique afin de prendre en compte l'évolution des productions plastiques. Dans la deuxième partie, ce sont les modalités de ce changement qui sont mises en avant. Très vite les FRAC se détachent des objectifs assignés par leur tutelle politique. En effet, plutôt que de se conformer aux objectifs politiques, ils adoptent et adaptent les règles en vigueur dans le monde de l'art. Ceci s'explique par l'absence de légitimité de l'intervention publique en matière culturelle et plus encore s'agissant de l'art contemporain. La troisième partie est consacrée à l'analyse de l'activité des FRAC et plus particulièrement de leurs acquisitions. Reprenant les débats qui portent sur l'officialisation de l'art par l'intervention publique, il est mis à jour une bataille pour la définition de l'art. La thèse énumère les différentes conceptions de l'art pour voir en quels termes les achats publics reflètent ces différentes conceptions de l'art. On constate que les FRAC pris dans leur ensemble représentent bien les différentes définitions de l'art, ce qui ne permet pas de conclure à une reconstruction pour l'intervention publique de critères esthétiquesDealing with public policies, in relation with FRACs (fonds régionaux d'art contemporain). This PhD concerns as well art sociology and art history. The first part analyses how the policy was built and how the decision to apply it was taken. The origins of the FRACs, funded by the state and regional autorities, in order to support contemporary art through exhibitions and purchases, are widely studied. These roots appear to express a compromise between the partisans of a relaunch of art democratization through a larger diffusion, and those of a modernisation of the public intervention in order to better take into account the latest evolutions of contemporary art history. Soon after their foundation. FRACs encountered some profund changements, which the second part of this study describes in details. Many managers of theses institutions chose to follow the professionnal rules of the world art instead of following the initial political goals. This was mainly due to a lack of legitimacy of public intervention in this sensitive field. The third and last part closely examine art purchasing, one of the most specific activities of the FRACs. A "battle" for the definition of art (what is art and what is not) goes with debates about officialization of art and aesthetic criteria through public intervention and massive purchase. Nonetheless, it appears that this intervention remains pluralistic : the works chosen by the FRACs reflect a wide range of "definitions" of art which does not enable to conclude that these institutions contribute to rebuilt academic aesthetic criteria
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Ornano, Stanislas d'. "Art contemporain et régulation politique dans les années 80 : étude cognitive comparée (Allemagne/France)." Grenoble 2, 2002. http://www.theses.fr/2002GRE21004.
Анотація:
Dans les années 80, l'art contemporain qui exprime souvent un relativisme des valeurs dans un geste créateur subjectiviste, connaît une montée en puissance sans précédent en tant que bien symbolique convoité dont le sens est réapproprié par des politiques de l'art. La comparaison franco-allemande du sens de ces oeuvres et du rapport qu'elles entretiennent avec la contemporanéité s'inscrit principalement ici dans la cadre conceptuel historique et anthropologique développé par Georg Simmel autour de la notion de tragédie de la culture. Trois types de résultats sont envisagés. L'analyse argumentative montre une crise des commentaires plus qu'une crise de l'art contemporain. La comparaison des oeuvres traduit un besoin de "lisibilité" lié à une relativisation de l'universalisme à la française et un besoin de "visibilité" après l'absence d'images de la société post-holocauste. Les politiques de l'art ont joué un rôle plus important en France qu'en Allemagne dans la régulation politique.
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Malherbe, Anne. "L' épaisseur sensible : la matérialité dans l'art sur la scène parisienne entre 1944 et 1965." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010605.
Анотація:
La peinture des années 1944-1965 se caractérise par l'épaisseur de la pâte, les effets de texture, l'usage de matériaux variés. De fait, l'historiographie insiste sur la matérialité pour décrire la pratique artistique au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Mais un examen plus attentif montre que l'existence de la matérialité est alors problématique. Cette étude met à l'épreuve l'évidence première en la confrontant à la réception critique, afin de cerner sous quelles conditions se déploie la matérialité et quelle latitude lui est accordée. La plongée dans les oeuvres éclaire sur la nature de la matière, sur les résonances qu'on lui demande d'éveiller, sur l'impossibilité qui lui est faite de demeurer un simple matériau plastique. Dans l'échange entre les oeuvres et leurs commentaires se tisse un imaginaire de la matière où se cristallisent différents mythes. Les épaisseurs de pâte deviennent le prétexte d'un dialogue avec le cosmos au bout duquel la peinture finit par être oubliée.
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Gilloux, Marie. "De la mise en page à la mise en scène : recherches sur les représentations de l'art contemporain dans les revues d'art à Paris, 1945-1970." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010708.
Анотація:
Après un âge d'or au cours de l'entre-deux-guerres, les revues d'art fleurissent à nouveau à Paris au lendemain de 1945 et dans les décennies suivantes, une période également riche d'innovations technologiques qui vont conditionner une nouvelle approche de la feuille imprimée. Nous nous proposons d'interroger les différents modes de traduction de l'art contemporain sur la page et par extension quelle est la position de la revue à l'égard des expérimentations typographiques qui se font alors jour. En effet, il semble évident qu'il existe une proximité entre les recherches initiées par les artistes et celles menées dans le champ du graphisme; les idées nouvelles ne doivent-elles pas s'exprimer sous une tanne originale pour rendre compte pleinement de leur nouveauté? Des mots forts sur une page sans relief ne peuvent avoir le même impact que s’ils sont servis par une mise en page tapageuse qui pousse le lecteur à réagir en modifiant ses modalités de déchiffrage. Pourtant, a contrario. Nous pouvons opposer que les nouveaux concepts ont besoin de s'appuyer sur des formes simples et claires pour être assimilés et acceptés par le plus grand nombre s'accordant de fait avec le présupposé selon lequel on ne peut comprendre que ce qui est clairement exprimé dans le fond et dans la forme. Notre démonstration se fonde sur l'analyse détaillée de plusieurs dizaines de titres. Constituant un corpus hétérogène et protéiforme à la fois par leur orientation éditoriale et par leur maquette: la revue institutionnelle classique ("Le Bulletin des Musées de France", "La Revue du Louvre", la "belle revue" ("Les Cahiers d'art", "Verve"), le magazine luxueux abondamment illustré ("L'Œil", "La Galerie des arts"). La publication expérimentale parfois limitée à une seule livraison ("Rixes", "Art et Création"), la revue conçue comme un outil de promotion d'un courant ("Art d'aujourd'hui", "Cimaise") et enfin les publications des mouvements d'avant-garde artistique (lettrisme, situationnisme).
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Barbut, Clélia. "Corps à l'oeuvre, à l'ouvrage et à l'épreuve : sociohistorique des arts de la performance, années 1970." Doctoral thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25980.
Анотація:
"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure"Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016
Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique.
« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.
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Lambin, Hélène. "La Photographie (en France) de 1970 à 2000. Anthologie de textes." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082176.
Анотація:
À travers le regroupement thématique et le travail d'analyse de cent trente-huit textes, pour la majeure partie publiés en France, entre 1970 et 2000, notre thèse pose la question des bouleversements qui ont affecté le statut de la photographie ces trente dernières années. Depuis 1970, la photographie a subi de profondes transformations : ses fonctions instrumentales se sont amenuisées, elle se retrouve confrontée au phénomène contemporain d'univers d'images inédits. Une phase d'autonomisation se met en marche qui se manifeste par une revendication croissante de l'art comme fin exclusive du processus photographique. Un champs culturel se constitue qui se revendique " de " et " pour " la photographie. Toutefois, ce processus d'autonomisation n'est pas achevé car toutes les productions n'ont pas l'art pour horizon. Puisque la photographie ne peut se réduire aux questions de l'art, la question se pose d'une histoire qui tienne compte de la pluralité des champs et des pratiquesBy grouping together and undertaking analysis of a hundred and thirty-eight texts, published between 1970 and 2000, for the most part in France, this thesis discusses the upheavals that have taken place in the status of photography over the last thirty years. Photography has undergone some far-reaching transformations since 1970. Its instrumental function have diminished, and photography has been confronted with the contemporary phenomenon of unexplored worlds of images. A phase of autonomisation is beginning, which can be seen in the growing assertion that art is the exclusive end of the photographic process. A cultural field is developing that draws its identity " from " and " for " photography. This autonomisation process is, however, not yet complete since art is not the goal of all photographic production. Since photography cannot be reduced to questions of art, the issue is that of a history that encompasses the plurality of fields and practices
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Rosset, Culleron Sophie. "André Marfaing : les toiles entre 1952 et 1970." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010548.
Анотація:
André Marfaing, originaire de Toulouse, né en 1925, s'installe à Paris en 1949 avec la ferme décision de se consacrer à la peinture. De formation autodidacte, ce jeune artiste, poussé par un profond désir d'échapper au dictat culturel prôné par le milieu artistique toulousain, affiche très tôt une volonté d'indépendance à l'égard de tout enseignement artistique. Sans vouloir réfuter les apports des formes d'art du passé, il estime néanmoins devoir s'en écarter afin d'exprimer le monde qui est en lui. En 1952, sa peinture devient non-figurative et ses toiles, bien qu'encore imprégnées de préoccupations esthétiques de certains de ses illustres ainés, se caractérisent par une palette sombre, sourde et déjà radicale et arbitraire. Marfaing franchit très vite le pas de l'abstraction et la couleur noire s'impose alors comme couleur de prédilection. Préférant travailler les valeurs aux dépens de la couleur, il invente un langage dans lequel noirs, blancs et gris se côtoient, s'épousent ou se heurtent dans un dialogue toujours renouvelé. De leur rencontre nait ce qui apparait le propos fondamental de sa recherche picturale : la traduction de la lumière. D'abord chargées de matière, parfois proches de l'illisibilité, ses toiles deviennent ensuite chaotiques, exprimant le lyrisme d'un geste libéré mais la lucidité du peintre, épris d'ordre et de rigueur et soucieux de garder le contrôle de sa toile, l'engage à épurer toujours son propos. A l'économie de la palette s'ajoute donc une économie de moyens. La matière s'amenuise, se fait lisse ; les contrastes s'accentuent et le nombre de formes se réduit. Travaillant chaque toile avec une même obstination, Marfaing poursuit avec fidélité son entreprise. Dès lors, l'ascétisme de la palette, l'évolution et l'intégrité de sa démarche projette sa peinture au rang d'une peinture jugée difficile d'accès voire austère. Elle engage le spectateur à s'interroger à la fois sur le but recherche et les moyens mis en œuvre pour l'atteindreAndre Marfaing, born in Toulouse in 1925, settles in paris in 1949 with the firm decision de dedicate himself to painting. Self-taught, this young artist guided by a deep desire to flee the toulousian artistic context, displays very early a will of independence towards all artistic teaching. Without wanting to refute the contributions of the forms of past art, he considers nevertheless to get aside in order to express the world within him. In 1952, his art becomes non-representational and his paintings, though imbued of aesthetic researches of some of his illustrious elders, characterized by a dark palette, muted and already radical and arbitrary. Marfaing passes over quickly the step of abstract art and black appears as a predilection colour. Preferring to work the values at the expense of colours, he invents a language where black, white and grey encounter, join or collide in an always-renewed dialogue. From their encounter arises the fundamental intention of his pictorial research: the translation of light. First weighted with matter, sometimes closed to illegibility, his paintings become then chaotic, expressing the lyrism with a liberated gesture. But the consciousness of the painter, smitten with order and harshness and concerned to keep control of his painting, engages him to always simplify his intention. To the limited palette adds thrift of means. The matter becomes lighter; the contrasts are accentuated and the number of forms is reduced. Working each painting with a same obstinacy, Marfaing pursues faithfully his venture. From that time, the asceticism of his palette, the evolution and integrity of his creative steps casts his painting to the rank judged by some as difficult to reach or even perhaps austere. His painting involves the spectator to wonder on the objective in demand and on the way to reach it
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Quinby, Diana. "Le collectif Femmes/Art à Paris dans les années 1970 : une contribution à l'étude du mouvement des femmes dans l'art." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010600.
Анотація:
Le collectif Femmes/Art, créé par la psychanalyste et peintre Françoise Eliet, était un groupe de plasticiennes actif à Paris entre 1976 et 1978. Une trentaine d'artistes (Colette Deblé, Monique Frydman, Françoise Janicot, Léa Lublin. . . ) y participait régulièrement dans l'objectif de remettre en cause la sous-représentation féminine dans les galeries et les musées parisiens. A la différence des Etats-Unis, où le Feminist Art Movement a eu un impact considérable dans le milieu culturel, la France n'a pas connu une telle activité féministe dans le champ des arts plastiques. Néanmoins, le M. L. F. Incita de nombreuses artistes à s'interroger sur leur identité et leurs désirs en tant que créatrice. Cette thèse retrace l'histoire du collectif Femmes/ Art et examine des questions théoriques fréquemment débattues à cette époque, en particulier celle de la possibilité d'une spécificité (masculine et féminine) de la création et celle de l'impact de la prise de conscience sur la création plastique.
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Ferreira, António Quadros. "Les relations artistiques entre le Portugal et la France (1910-1930) : analyse et réception de la modernité chez Almada." Nice, 1990. http://www.theses.fr/1990NICE2031.
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Roulleau, Nathalie. "André Hermant, architecte et urbanisme." Aix-Marseille 1, 1998. http://www.theses.fr/1998AIX10052.
Анотація:
Andre hermant debute sa carriere au milieu des annees trente au moment ou les avant-gardes modernistes rivalisent avec les tendances fortes d'un retour a l'academisme et au regionalisme. Des sa sortie de l'ecole speciale d'architecture, hermant montre une franche predisposition pour le modernisme. Jusqu'a la guerre, il se consacre presque exclusivement a la conception de stands et de pavillons d'expositions mais contribue aussi activement, par ses ecrits et ses fonctions de directeur technique, a faire de l'architecture d'aujourd'hui une revue d'avant-garde. Pendant la guerre, l'architecte choisit d'assumer la direction officieuse d'une nouvelle revue, techniques et architecture jusqu'en 1945. Brouille depuis lors avec les membres de l'architecture d'aujourd'hui, hermant perd des relations precieuses et cesse pratiquement de publier. Les chantiers de reconstruction lui offrent enfin la possibilite de construire : au havre sous la direction d'auguste perret, puis a beauvais et a troyes. Tres interesse par la question du logement collectif, hermant montre qu'il adhere aussi aux theories de le corbusier, notamment par ses conceptions urbanistiques. Dans les annees cinquante, il cherche a redonner un second souffle a l'union des artistes modernes en creant l'association formes utiles mais il s'engage dans des debats houleux qui lui feront quitter l'idee de permettre a tous d'acceder a un interieur fonctionnel, de bon gout et bon marche. Il s'oriente donc vers les musees ou sa capacite a agencer les espaces d'expositions dans un esprit radicalement nouveau lui vaudra de nombreuses commandes jusque dans les annees soixante-dix. Andre hermant est un architecte et un urbaniste qui s'inspire clairement de perret et de le corbusier mais dont les oeuvres et la pensee depassent le strict clivage des ecoles dans le but de realiser une synthese de la moderniteAndre hermant began his career in the middle of the thirties, the period when the modernists avant-garde architects competed with the strong tendencies of a return to academism and regionalism. Graduated from + l'ecole speciale d'architecture ;, hermant clearly displayed his interest for the modernism. Before the war, he devoted his time almost exclusively to creating stands for exhibitions but also contributed actively with essays and technical management to the review l'architecture d'aujourd'hui, thereby making this magazine a journal of the architectural avant-garde. During the war, hermant chose to take the unofficial management of a new journal, techniques et architecture, until 1945. Having thus got into conflict with the editorial staff of l'architecture d'aujourd'hui, hermant lost precious relations and practically gave up publishing. The reconstruction after the war gave him finally the opportunity to work as an architect : in le havre, he joined the staff of auguste perret, and after that in beauvais and in troyes. Very interested in designing collective housing, hermant showed that he was a follower of le corbusier, especially in his town planning projects. During the fifties, hermant sought to resuscitate the + union des artistes modernes ; by forming the association + formes utiles ;. However, he took part in agitated debates, witch made him at last give up his ideas about allowing everyone to have a good functional housing, both in good taste and not expensive. He then turned himself to the museums where his capacity to create exhibition-rooms in a new radical spirit, gave him numerous commissions until the seventies. Andre hermant was an architect and town planner who is inspired by perret and le corbusier, but whose works and thoughts went beyond the strict adaptation of the established schools in his endeavour to achieve a synthesis of modernism
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Hountou, Julia. "Les actions de Gina Pane de 1968 à 1981 : de la fusion avec la nature à l'empathie sociale." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010555.
Анотація:
A travers l'étude des Actions de Gina Pane (1939-1990), une des figures marquantes de l'art corporel en France dans les années 70, cette thèse entend esquisser les contours d'une poétique de la fusion, thème principal et unificateur de son œuvre. A partir d'un matériel souvent inédit documents écrits, photographies, vidéos - ainsi que de témoignages, nous avons pu élaborer une analyse détaillée des performances de l'artiste française d'origine italienne et en repérer les problématiques afin de dégager ses méthodes, ses concepts et ses objectifs. Notre exploration, qui porte sur la période 1968-1981, montre que dès ses premiers travaux, Action après Action, Gina Pane s'est attachée à mettre en évidence un lien universel à la nature, puis entre les êtres humains. L'originalité de sa production artistique où se manifestent des influences tant picturales que littéraires et psychanalytiques tient notamment aux blessures corporelles à la lame de rasoir que la plasticienne s'infligeait dans la plupart de ses performances et que l'on peut considérer comme son signe distinctif. N apparaît au fil de nos recherches que la performeuse recherchait une communion avec autrui grâce à ces ouvertures symboliques. Nous avons voulu souligner la profonde empathie qui transparaît toujours dans son expression plastique comme une thématique prédominante et singulière.
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Théault, Chloë. "Regards sur l'histoire de l'art des années 1930 : d'après les catalogues d'expositions français et britanniques des années 1960 et 1970." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082463.
Анотація:
Cette analyse porte sur l’écriture de l’histoire de l’art des années 30 par les premiers catalogues d’expositions britanniques et français qui lui sont consacrés, dans les années 60 et 70. Le silence des lieux d’expositions sur l’art des années 30 est d’abord questionné : les rôles joués par la demande sociale, par la pratique de l’histoire et par celle de l’histoire de l’art sont interrogés. Une explication à l’émergence de l’art des années 30 à partir des années 60 et 70 est ensuite proposée. Il est noté que la séquence temporelle de la seconde guerre prend alors fin et que l’évolution des pratiques historienne et art-historienne a permis de penser les années 30. Enfin, l’écriture des catalogues d’expositions est analysée. La position des catalogues face au paradigme moderniste est d’abord étudiée, et il est ensuite montré que les évolutions produites dans le champ des sciences sociales se donnent à lire dans les cataloguesThis analysis deals with the writing of the art history of the 1930s by the first French and British exhibitions catalogues dedicated to it, during the ‘60s and ‘70s. We first question the silence of the museums and galleries on the art of the ‘30s : the role played by social demand, historical analysis and art history practice are examined. An explanation of the emergence of the art of the ‘30s during the ‘60s and ‘70s is then proposed. We underline the fact that the temporal sequence of the second world war comes to an end during the ‘60s and that the evolution of the practices of history and art-history then allowed to think the ‘30s. Finally, the writings of the exhibitions catalogues are analyzed. We examine the position of the catalogues in relation to the modernistic paradigm, then, we show that the evolutions that occurred in the social sciences after the 1930s are nascent in these catalogues
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Mercier, Cyril. "Les collectionneurs d'art contemporain : analyse sociologique d'un groupe social et de son rôle sur le marché de l'art." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00831145.
Анотація:
Cette thèse a pour principal objectif d'analyser l'existence des groupes de collectionneurs d'art contemporain en France au niveau régional (l'exemple de la région Languedoc-Roussillon sera approfondi) et au niveau national de 1980 à nos jours. Il s'agira de cerner les contours et l'organisation de ce groupe social, d'en comprendre les caractéristiques communes ainsi que la sociabilité qui lui est propre et les interactions entre ses membres. La compréhension des modes de différenciation et d'éventuelle hiérarchisation du groupe des collectionneurs d'art contemporain peut nous aider à comprendre les mécanismes qui sous-tendent les décisions et, notamment la dimension d'impulsion dans l'achat d'œuvres d'art. Certains des collectionneurs devenant des leaders dans leur groupe social, leur poids économique, mais aussi social, et leur implication sur le marché de l'art à différents niveaux leur offrent la possibilité d'influer sur la cote des artistes d'art contemporain, ce qui sera analysé dans ce travail de thèse. le marché de l'art contemporain est un marché financier et spéculatif. Il s'apparente, par de nombreux aspects, aux marchés économiques classiques et peut faire l'objet de placements dont il conviendra de faire ressortir les logiques. Par ailleurs certaines caractéristiques semblent indiquer qu'une part de similitude existerait entre le groupe social des collectionneurs et celui de la grande bourgeoisie. Ce travail doit nous permettre de mieux comprendre les interactions entre ces deux groupes. La méthodologie employée pour ce travail sollicitera un certain nombre d'outils propres aux sciences sociales et humaines : l'entretien compréhensif, l'enquête quantitative, l'étude documentaire et l'enquête de notoriété, l'immersion et l'observation participante.
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Metayer, Myriam. "La construction de l'histoire de l'art du XXe siècle : analyse et étude comparative d'ouvrages français et italiens publiés entre 1945 et 1977." Poitiers, 2009. http://www.theses.fr/2009POIT5009.
Анотація:
Le livre, objet éditorial, porte un récit, c'est-à-dire une construction intellectuelle soumise à des lois narratives, qui prend corps à un moment donné dans une société donnée. Partant de ce constat, l'objectif, à travers l'étude d'ouvrages français et italiens, est de saisir comment l'art du XXe siècle voit s'élaborer son histoire, entre 1945 et 1977, période qui implique de profondes transformations des pratiques historiques et de la nature de l'art même. Décryptant les dispositifs éditoriaux, la recherche retrace d'abord l'inscription sociale du livre et la signification de l'histoire de l'art moderne dans la communauté. La deuxième partie, met en évidence les questionnements communs sans cesse réitérés face au renouvellement des concepts artistiques. Enfin, la troisième partie montre comment le récit reste modelé par l'identité nationale malgré l'internationalisation croissante de la création artistiqueA book, which is an editorial object, tells a tale, in other words an intellectual construction which is subject to the laws of narration and which takes shape at a given moment in a given society. Beginning from this observation, the objective of this thesis, through a study of French and Italian works, is to understand the development of the history of the art of the 20th century between 1945 and 1977, a period of profound historical transformations and great changes in the nature of art itself. By deciphering the editorial devices used, the research first retraces the social acceptance of the book and the significance of the history of modern art in the community. The second part outlines the most common interrogations which are incessantly incited by the renewal of artistic concepts. Finally, the third part shows how the narrative continues to be shaped by national identity in spite of the growing internationalization of artistic creation
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Martinez, Léo. "Le rôle des expositions dans la valorisation de la photographie comme expression artistique, en France de 1970 à 2005." Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00764966.
Анотація:
Depuis les années soixante dix en France, la photographie est au centre de nombreuses attentions. Apparaissent alors des expositions visant à valoriser le médium et à le légitimer en tant qu'expression artistique. Avant d'être reconnue par les institutions muséales et d'être l'objet d'une véritable politique volontariste de la part des services de l'Etat, la diffusion et la valorisation de la photographie revient aux photographes eux mêmes qui créent pour ce faire de nombreux lieux dédiés à l'exposition du médium. Dans les années quatre-vingt, l'autonomisation progressive du champ de la photographie s'accompagne de l'apparition d'une histoire et d'un discours critique. Au début des années quatre vingt dix apparaissent les premières expositions à présenter une photographie qui s'inscrit d'emblée dans les pratiques artistiques contemporaines. Le succès de cette production se concrétisera dans la décennie suivante et participera non seulement à la légitimation de la photographie mais aussi à une relecture de l'histoire de l'art.L'exposition est abordée ici en tant qu'interface entre les quatre acteurs principaux du monde de l'art: les artistes, les décideurs et les médiateurs et le public. Elle est aussi perçue comme un dispositif en ce qu'elle véhicule des discours visant à établir des normes artistiques et à faire autorité. L'étude de plus de trente ans d'expositions nous permet de suivre l'évolution des discours qui ont accompagné le médium durant son autonomisation mais aussi de percevoir les voies empruntées par un objet culturel dans ces différents processus de légitimation.
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Delmas, Virginie. "Le politique dans le médiatique : étude de l’intervention de Nicolas Sarkozy dans l’émission télévisée de la campagne présidentielle de 2007 J’ai une question à vous poser." Paris 5, 2010. http://www.theses.fr/2010PA05H045.
Анотація:
Ce travail propose une analyse du discours politique à travers le genre médiatique, qui l'a démocratisé aux yeux du grand public. Il a été mené sur un discours particulier : l’intervention de Nicolas Sarkozy en interaction avec un panel d’interlocuteurs, dans l’émission télévisée de campagne présidentielle J’ai une question à vous poser. Nous partons de l’idée qu’une analyse de discours doit tenir compte de différents niveaux d’analyse permettant chacun d’aborder une des facettes de la construction du sens. Nous postulons cependant que le niveau syntaxique peut servir de base à une telle analyse, tout en considérant que les niveaux sémantique, énonciatif et interactionnel lui sont complémentaires. Ainsi, l’étude des procédés discursifs utilisés par Nicolas Sarkozy pour essayer de convaincre ses interlocuteurs et les téléspectateurs de l’émission, montre qu’il met en place certaines structures syntaxiques, souvent récurrentes, associées à certains choix sémantiques et énonciatifs, sur lesquels il fonde le sens de son discours et son argumentation. Cette émission se déroulant sur un mode interactionnel, l’analyse des interactions entre Nicolas Sarkozy, les Français réunis pour l’interroger et l’animateur, permet de prendre en compte d’autres procédés discursifs qui contribuent à la co-construction du discours. Cette émission affichant un schéma médiatique particulier (faire dialoguer des citoyens avec un candidat), l’analyse interactionnelle permet également d’envisager une réflexion sur l'approche médiatique de la démocratie qu’elle prétend incarner. Nos résultats montrent l’imbrication étroite des niveaux syntaxiques et sémantiques pour l’analyse du discours interactionnelThis study proposes an analysis of political discourse through the media genre, which brought political discourse within the general public’s reach. We focused on a particular speech: Nicolas Sarkozy’s interaction with a sample group of interlocutors, in I have a question for you, a French presidential campaign television program. We based our study on the idea that discourse analysis must take into account various levels, each level providing an insight on the construction of meaning. However, we postulate that the syntactic level can constitute the basis of discourse analysis, even if it combines with the semantic, enunciative and interactional levels. Thus, the study of the discursive means used by Nicolas Sarkozy to try to convince his interlocutors and the audience of the program, shows that he implements recurrent syntactic structures, in association with certain semantic and enunciative choices, on which he founds the meaning of his speech and his argumentation. This TV program is structured around an interactional frame; therefore the analysis of the interaction between Nicolas Sarkozy, the French people gathered to interview him and the presenter, gives us the possibility to take into account other discursive means which also contribute to the co-construction of discourse. This program displays a particular media frame (citizens interviewing a candidate); therefore, the interactional analysis triggers a reflection on the media approach of the democracy they pretend to embody. Our results show a tight interweaving of syntactic and semantic levels for the analysis of interactional discourse
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Essaouri, Mohamed. "Rapports entre le texte et l'image dans la litterature francaise du surrealisme aux annees 1970." Paris 4, 1989. http://www.theses.fr/1989PA040059.
Анотація:
Quels sont les rapports entre le texte et l'image? ce sont les problemes souleves par cette etude, laquelle constate que les criteres esthetiques et litteraires qu'on a proposes jusqu'au debut du 20eme siecle pour hierachiser les arts ( suprematie de la poesie et secondarite de la peinture) et pour definir les liens entre le texte et l'image (accent mis sur le role illustratif de l'image ) s'averent non-pertinents. Cette etude essaie de cerner les aspects les plus importants des nouveaux rapports qui se sont instaures entre les peintres et les ecrivains (du surrealisme aux annees 70) rapports fondes sur une conception differente de la creation consideree desormais comme une production, une recherche tatonnante et axee sur les memes demarches : recours aux collages pictural et verbal, roman image (e. Triolet, aragon, breton) elaboration de fictions a partir d'images (simon), introduction du signe linguistique (noms propres notamment) en peinture et enfin experimentation des deux pratiques scripturale et picturale (ponge, michaux, leiris, ionesco) etc. .What are the connexions between the text and the picture? these are the problems raised by this study, which establishes that the aesthetic and literary criteria that have been suggested up to the beginning of the twentieth century to form the art (by giving supremacy to poetry and then to painting) and to define the links between the picture (much emphasis being put on the illustrative role of the picture) prove to be irrelevant. This study tries to surrount the most important aspect of the new links which have been established between the painters and the writers (from the surrealism period to the seventies) links that are based upon the conception which is different from creation, benceforth considered as a production, a hesitating research following the same proceeding : pictoral and verbal collage, picturesque novel, elaboration of fictions from pictures, introduction of linguistic symbols in painting (namemy proper nouns) and at last the experimentation of the scriptural practice the pictural one, by modern writers
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Dupont, Valérie. "Le discours anthropologique dans l'art des années 1920-1930 en France, à travers l'exemple des "Cahiers d'art"." Dijon, 1999. http://www.theses.fr/1999DIJOL008.
Анотація:
Cette thèse étudie le discours anthropologique tenu dans les pages de "Cahiers d'art", la revue de Christian Zervos, au cours des années 1920-1930. La première partie est consacrée au développement de l'ethnologie francaise, a ses fondements théoriques, ses méthodes, ses premiers résultats. Le second chapitre traite du contenu anthropologique dans "Cahiers d'art" dont la principale caractéristique tient à la relation établie avec l'ethnologue allemand Leo Frobenius, auteur entre 1929 et 1930 de plusieurs articles pour la revue, en rapport avec ses recherches effectuées en Afrique. Sur différents points mis en lumiere, les idées du savant sont rapprochées de celles de Christian Zervos, de sorte que l'orientation humaniste apparaît clairement dans le programme de la revue. Mais la valorisation des cultures et des objets tribaux au sein de "Cahiers d'art" coïncide également avec une attitude de contestation des valeurs occidentales, laquelle est comparée aux réflexions de l'auteur allemand Oswald Spengler développées dans son ouvrage "Le déclin de l'Occident". Cette connivence intellectuelle établie (entre Zervos, Frobenius, Spengler), le regard porté par Zervos sur les productions tribales, archaïques et préhistoriques est considéré à partir de l'ensemble de ses contributions (y compris les livres). Le troisième chapitre est consacré aux cercles artistiques ayant noué des relations étroites avec le milieu de l'ethnologie, en particulier celui des surréalistes : le groupe d'André Breton, celui de Georges Bataille et de la revue "Documents" ainsi que l'écrivain ethnologue Michel Leiris. La derniere partie soulève l'importance de la discipline ethnologique dans la réintroduction du sujet humain dans l'art, en tant que motif representé et comme élément déterminant du discours sur l'art des annees 30. L'humanisme de "Cahiers d'art" doit, dans ce débat trouver sa place singulièreThis thesis studies the anthropological discourse found in the pages of "Cahiers d'art", the journal produced by Christian Zervos during the twenties and thirties. The first part of the thesis deals with the development of French ethnology; its theoretical bases, its methods and its initial results. The second chapter deals with the anthropological content of "Cahiers d'art", which draws from the German ethnologist Leo Frobenius who wrote a number of articles for the journal between 1929 and 1930, based on his research carried out in Africa. On a number of points Frobenius' ideas seem close to those of Christian Zervos, in such a way that the humanist approach becomes clear in the agenda of the journal. But the valorisation of tribal cultures and objects at the heart of "Cahiers d'art" also coincides with an attitude which contested western values, comparable to the analysis of the German writer Oswald Spengler which was developed in his book "The decline of the West". In the context of this intellectual connivance between Zervos, Frobenius and Spengler, Zervos' approach to archaic and prehistoric tribal productions is considered by looking at his entire contribution, including his books. The third chapter deals with the artistic circles which established a close relationship with the ethnological milieu, in particular those of the Surrealists : the group centred around both André Breton and Georges Bataille, and the revue documents; as well as the writer and ethnologist Michel Leiris. The last section raises the importance of the discipline of ethnology in the re-introduction of the human subject, both as represented image and as a determining element of art discourse in the thirties. The humanism of "Cahiers d'art' will, in this debate, find its own particular place
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Ferreira, António Quadros. "Les relations artistiques entre le Portugal et la France : 1910-1930 : analyse et reception de la modernité chez Almada." Doctoral thesis, Nice : Université de Nice, 1990. http://hdl.handle.net/10216/63963.
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Férey, Norman. "La déconstruction du corps et des sexualités dans les performances artistiques en France de 1970 à 2000 : vers une prise en compte de la notion de genre." Paris 8, 2014. http://octaviana.fr/document/182002225#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Анотація:
Au cours des années 1990, la notion de genre attachée au contexte culturel des corps s’est difficilement fait une place au sein de la sphère intellectuelle. Cette notion s’est-elle déployée plus facilement dans le champ de la performance ? Dès les années 1970, le corps tient une place contestataire importante dans la création notamment en matière de déconstruction des sexes : c’est le développement de l’art corporel. Plusieurs artistes recherchent dans cette perspective les fondamentaux du corps qui puissent résoudre les problèmes culturels liés à la différence sexuelle. Plus tard, dans les années 1980 la performance perd de son potentiel subversif. Le contexte politique global change et le corps se diffuse largement par les écrans. Deux positions se dessinent pour les artistes français : un intérêt plus prononcé pour l’immatériel que représente le verbe ou une exploitation et une recherche du corps à travers sa diffusion médiatique et technologique. Dans un cas comme dans l’autre le rapport entre les artistes et les corps « déviants » dont ils s’emparent est loin d’être évident. Les « corps minoritaires » se retrouvent plutôt dans la sphère militante et activiste. Dans les années 1990 l’arrivée de différents tels que la question des signes religieux visibles ou l’augmentation alarmante de l’épidémie de sida, vont finalement jouer pour les performeurs comme un catalyseur à une re-politisation des questions liées à la différence sexuelle et aux phénomènes identitaires. Cette dernière décennie marque donc une émergence de la notion de genre au sein de la sphère artistique même si le lien entre création et militantisme reste toujours problématique et peu actifDuring the 90s, the concept of gender related to the cultural context of the body hardly had a place in the intellectual sphere. Did this concept spread itself more easily in the field of performance? From the 70s onward and right after the impulse given by 68 movements, the body took an important protest role in the creative process, in particular regarding gender deconstruction: that is the development of body art. Several artists tried through this medium to find a Body fundament which could bring an answer to cultural issues related to sexual differences. Later in the 80s, performance art became less subversive. The global political environment was changing and the body was more visible especially on screens. Two mains positions emerged among French artists: one focused more on words and an immaterial approach and the other using technology and media to explore the body. In both cases, the relationship between the artist and the deviant bodies that they used is far from clear. The “minority bodies” were more to be found in the militant and activist sphere. In the 90s, arguments about topics to do with secularism and the alarming raise of HIV would finally push the performers to reconsider the political dimension of gender and identity questions. Therefore, in this last decade, the concept of gender found its legitimacy in the artistic field even though the relationship between creative process and political activism still seems problematic and not that active
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Saou-Dufrêne, Bernadette Nadia. "Art et médiatisation : le cas des grandes expositions inaugurales du Centre Georges Pompidou (Paris-New York, Paris-Berlin, Paris-Moscou)." Grenoble 3, 1998. http://www.theses.fr/1998GRE39026.
Анотація:
Cette these traite de la mediatisation de l'art a travers le cas des expositions inaugurales du centre g. Pompidou : paris-new york, paris-berlin, paris-moscou. Elle envisage d'abord l'entree de l'exposition dans l'ere des medias a travers l'examen de l'evolution du concept d'exposition jusqu'aux expositions inaugurales de beaubourg : exposition-ostentation, exposition-vente, exposition-forum, exposition + elargie ; des institutionspilotes que sont le moma de new york et le stedelijk museum d'amsterdam. Dans le cadre des sciences de l'information et de la communication, elle s'interroge sur les conditions auxquelles une exposition peut etre consideree comme une mediatisation de l'art. L'etude de la mise en place d'un dispositf mediatique est l'objet de notre deuxieme partie. Elle commence par l'analyse des elements favorables a l'institutionnalisation du type de mediation que constitue la culture dont les expositions inaugurales sont le manifeste. Elle degage ensuite les deux caracteres principaux du dispositif mediatique comme configuration combinant logique de l'offre, de l'usage, logique technique, logique sociale : le role joue par la programmation et le type de museographie en jeu dans les expositions inaugurales pour forger tant l'identite du centre georges pompidou que la competence du public. La mise en place d'un dispositif mediatique entraine une reorganisation des fonctions du musee autour de l'activite d'exposition : developpement de la fonction de recherche, reglage du dispositif sur le public, instauration d'une dialectique entre deux formes de territorialites, locale et circulatoire. Elle envisage pour finir l'exportation du modele beaubourg et son adaptation tant en france qu'a l'etranger, dans des institutions publiques ou privees.
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Armaos, Georges. "L'exposition de l'histoire de l'art : recherches sur vingt-quatre expositions contemporaines organisées et/ou tenues au Musée National d'Art Moderne, Paris et au Museum of Modern Art, New York, 1977-1999." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010535.
Анотація:
Cette thèse se donne comme objet l'étude les conditions et les pratiques d'exposition dans les musées d'art du ne siècle. Elle utilise les outils de l'histoire de l'art et de la muséologie pour examiner l'existence et les activités du Musée national d'art moderne au Centre Georges Pompidou, Paris, et du Museum of Modern Art. De New York, de 1977 à 1999. A partir des contextes économiques, politiques et sociaux de la France et des États-Unis, elle met en parallèle l'histoire, l'architecture, l'administration, les budgets, les collections, la programmation, la réalisation des expositions et les publications de ces deux musées. La construction de l'histoire de l'art, entre musée université en particulier, sont mises en exergue. Douze expositions de peinture et/ou de sculpture modernes et contemporaines de tout type et taille sont présentées en détail pour chaque musée. L 'histoire de chaque exposition est reconstituée à partir de sa conception originale en passant par l'organisation, les budgets, le prêt des oeuvres, la mise en espace-temps (expographie), les catalogues, la réception critique et des publics jusqu'à son influence sur l'histoire de l'art. L'intention est d'exposer et d'interpréter les similitudes et les différences qui existent entre le MoMA et le Mnam aussi bien en ce qui concerne la conception de l'art et de son histoire qu'en ce qui concerne les moyens de communication de ces conceptions aux publics. L'évolution historique de la notion du "cube blanc", les rapports des musées avec les artistes, les conservateurs, les galeries, les collectionneurs, l'état, la finance, leur "aura" et leur place au sein de la diplomatie culturelle internationale, sont aussi parmi les sujets examinés.
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Gacongne-Leroux, Claire. "La réponse de la critique à l'art technologique : archéologie d'un discours." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010524.
Анотація:
L'étude du discours critique français sur l'art technologique depuis 1963 éclaire tant sur les pratiques artistiques, l'esthétique et les comportements culturels que sur la pratique critique elle-même: Défiée dans ses bases par des productions sans précédent ni référent et utilisant une technologie sans cesse novatrice, la critique réussit à réinventer un regard et un langage spécifiques, qui puise dans ses racines autant que dans son nouvel environnement. En 40 ans, les productions artistiques technologiques ont atteint une maturité et interrogent quatre esthétiques (virtualiste, de la relation à soi, de la relation à l'extérieur et activiste) dont les critiques rendent compte selon une typologie à six entrées: critique d'idées, poétique, raisonnée, promotionnelle, journalistique et Nouvelle Critique. Autour du pôle de la modernité gravitent deux univers: machiniste et humaniste. Une troisième approche critique, hybride, s'avère spécifique à l'art technologique.
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Ruellan, Patrice. "Philippe Caubère, le roman d'un auteur." Aix-Marseille 1, 2007. http://www.theses.fr/2007AIX10065.
Анотація:
Le théâtre de Philippe Caubère est à la frontière des genres : autobiographique, il se réclame du roman ; joué seul sur scène, il semble s'approcher du "one man show". Et surtout, il est répétitif : la même histoire, ou presque, est sans cesse réécrite et l'oeuvre tient des palimpsestes successifs. La présente recherche établit un état des lieux du rapport entre le théâtre et le récit autobiographique : elle analyse le mode complexe de production du texte, initialement improvisé par l'acteur, puis réécrit par l'auteur ; elle définit la présentation scénique comme un théâtre masqué où le corps et l'imaginaire s'imbriquent ; elle montre que l'oeuvre dépasse cette matière spectaculaire pour devenir littérature. Le théâtre de Caubère est un "vrai" théâtre. Il peut alors devenir livre, s'adresser à des lecteurs qui ne connaissent pas l'acteur, dépasser le compte rendu de l'éphémère pour qui voudrait se l'appropprier. Un théâtre à lire, à voir, à jouer par d'autres, aussi.
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Orain, Hugo. "Images et Révolution en mouvement : représentations fictionnelles de la Révolution française au cinéma, à la télévision et dans le jeu vidéo entre 2000 et 2020." Thesis, Rennes 2, 2022. http://www.theses.fr/2022REN20013.
Анотація:
Notre thèse interroge les mythologies contemporaines qui transforment notre perception du passé, en nourrissant un imaginaire social, et en se heurtant aux récits des historiens. Pour cela, nous avons étudié 23 représentations fictionnelles de la Révolution française au cinéma, à la télévision et dans le jeu vidéo, en France, entre 2000 et 2020. La Révolution est un objet mémoriel qui persiste en grande partie grâce aux fictions. Des mythologies contemporaines, comme la focalisation sur la Terreur et la violence révolutionnaire, alimentent une vision sombre de l'histoire, et s'opposent à une mémoire républicaine positive. Les fictions que nous avons analysées sont vues et jouées par des millions d'individus, ainsi les récits fictionnels constituent une "école parallèle" qui concurrence les travaux historiques. Jusqu'à ce jour, aucune recherche en histoire n'avait véritablement été menée sur ces enjeux. Notre approche est inédite parce qu'elle est intermédiatique, c'est-à-dire que nous avons combiné les trois médias (cinéma, télévision et jeu vidéo), selon l'idée qu'il existe aujourd'hui une hybridation médiatique dans les processus de conception. Dans cette thèse, à l'aide de sources de conception et de réception (entretiens, making-off, art work, critiques...), nous avons déconstruit les fictions contemporaines pour appréhender les mécanismes de représentation du passé. Les historiens doivent faire entrer les fictions dans leur laboratoireOur thesis questions the contemporary mythologies which transform our perception of the past, by nourishing a social imagination, and by colliding with historian narratives. For this, we studied 23 fictional representations of the French Revolution in cinema, television and video game, in France, between 2000 and 2020. The Revolution is a memorial object that persists largely thanks to fictions. Contemporary mythologies, such as the focus on the Terror and revolutionary violence, feed a dark vision of history, and oppose a positive republican memory. The fictions that we have analyzed are seen and played by millions of individuals, thus fictional narratives constitute a "parallel school" which competes with historical works. Until this day, no historical research has really been conducted on these issues. Our approach is unique because it is intermedia, that is to say that we have combined three media (cinema, television and video games), according to the idea that there is a media hybridization in design process. In this thesis, using sources of conception and reception (interviews, making-off, art work, reviews...), have deconstructed contemporary to understand mechanisms of representation of the past. Historians must bring fictions into their laboratory
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Kim, Menart Soo Young. "La Maison Martin Margiela (1988-2014)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080063.
Анотація:
Cette thèse porte sur la Maison Martin Margiela, de1988, date de sa fondation par Martin Margiela, à 2014, justeavant l’arrivée de son nouveau créateur, John Galliano. Elle apour objet l’étude des éléments révélateurs de l’univers de lamaison et leur analyse en questionnant sur une redéfinition del’art et de la mode, ces deux mondes autrefois opposés etdistincts. Une première partie retraçant l’histoire de lamaison permet d’appréhender le contexte de sa création. Uneseconde partie nous plonge au coeur des modes de création conçusen fonction de deux types de modalités, artisanales etindustrielles, qui nous incitent à nous questionner sur lesjugements de valeur ayant trait à l’originalité etl’authenticité, tout en interrogeant également sur cesprocessus spécifiques de création en lien avec la notion decollectif en rapport avec la notion de signature et d’auteur.Enfin, les questions liées aux rapports esthétiques etartistiques de la maison au delà de ceux entre l’art et la moderenvoient aux relations entre haute couture et prêt-à-porter,artisanat et industrie, singularité et reproductibilité,originalité et multiplicité, création et consommation, ce quirend floues les frontières les définissant habituellement.Ainsi, ces points de convergence saisis à travers ces relationspermettent d’élaborer une nouvelle définition pour lescréations de la Maison Martin MargielaThis thesis covers the evolution of the Maison Martin Margiela, from its foundation in 1988 by Martin Margiela, to a point in 2014, just before the arrival of the new creative director, John Galliano. The study aims to identify and explore indicative components of the House's creative universe, whilst calling into question received definitions of art and fashion, these two hitherto distinct and opposite poles. In the first part, we will focus on the history of the House, allowing us to grasp the context of its birth. The second part takes us right to the heart of creative approaches conceived by the House, across two types of practice - artisanal and industrial, leading us to question value judgments applied in terms both of originality and authenticity, whilst we examine how the premise of signatory authorship contrasts with that of collectivity, in this regard. Finally, we will analyse the overall relationship between artistry and aesthetics at the House, which goes far beyond the comparison of art with fashion, reaching into the complex rapports between haute couture and ready-to-wear, craft vs industry, singularity vs reproducibility, originality vs multiplicity, and creativity vs consumption, where we will note that the House has blurred the erstwhile boundaries drawn between the former categories. Thus, highlighting the above nodes will allow us to move toward refreshed and challenging definitions for the creations of the Maison Martin Margiela
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Brun, Éric. "Guy Debord et l'Internationale situationniste : sociologie d'une avant-garde « totale »." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0076.
Анотація:
Au croisement de la sociologie des intellectuels, de la sociologie politique et de la sociologie des mouvements artistiques, cette thèse analyse la trajectoire d'un collectif dénommé « Internationale Situationniste » (I. S. ) et de son principal animateur, Guy Debord (1931-1994), fondé en 1957 à partir de la réunion de plusieurs petits groupes d'artistes dits « d'avant-garde », l'I. S. Est devenue au cours des années 1960 un mouvement politique « révolutionnaire ». Il s'agit ici de comprendre cette « reconversion » par une étude des propriétés sociales, positions et prises de position des situationnistes. Une telle reconversion, qu'on peut voir également comme une opération de décloisonnement des différents espaces sociaux d'activité, permet en effet de mettre à l'épreuve sur un nouveau terrain le concept de champ forgé par Pierre Bourdieu, et de jeter un nouvel éclairage sur les rapports qu'entretiennent les artistes et les intellectuels avec la politique. C'est dans la continuité d'une opération de redéfinition des conceptions de la création et du désintéressement que l'I. S. Est amenée à prendre ses distances avec le champ artistique. Sa reconversion dans l'activisme « révolutionnaire » renvoie également à des enjeux de positionnement propres aux avant-gardes littéraires et artistiques des années 1950, ainsi qu'à une transformation de l'espace des possibles politiques au tournant des années 1960. Elle met en jeu, enfin, des luttes internes au mouvement, dont l'étude permet d'éclairer les logiques qui président à la formation des groupes d'avant-garde et les obstacles à leur internationalisationAt the crossing of the intellectual's sociology, political sociology and the sociology of artistic movements, this PhD dissertation analyzes the evolution of a group named "Situationist International" (S. I. ) and of its leader, Guy Debord (1931-1994). It was founded in 1957 from the merging of some small groups of "avant-garde" artists, it became a "revolutionnary" political movement during the 1960s. The core of this dissertation is to understand this "reconversion" by studying the social properties, the positions and the stands taken by the situationnists, such a reconversion, wich can also be considered as the decompartmentalization of the different social sectors of activity, is an opportunity to test a new object of the concept of field forged by Pierre Bourdieu. It also sheds a new light on the relationships artists and intellectuals maintain with politics. In keeping with its work on redefining the conceptions of creation and selflessness, the S. I. Is led to take some distance from the artistic field. Its reconversion into "revolutionary" activism is also related to the issues at stake for literary and artistic field. Its reconversion into "revolutionnary" activism is also related to the issues at stake for litterary and artistic avant-gardes in the 1950s. As well as to a transformation of the space of political possibles at the beginning of the 1960s. Lastly, it brings out internal struggles within the movement, the study of wich reveals the mechanisms that control the forming of avant-garde groups as well as the obstacles to the their becoming international
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Hagemann, Anja. "Les interactions entre le texte et l’image dans le « Livre de dialogue » en France et en Allemagne de 1980 à 2004." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040041.
Анотація:
Cette thèse a pour objet d’étudier les interactions entre le texte et l’image dans le Livre de dialogue, crée en commun par un poète et un peintre, en France et Allemagne de 1980 à 2004. Il ne s’agit pas ici de s’intéresser au « Livre illustré » qui sous-entend que l’image sert seulement d’illustration au texte, mais au« Livre de dialogue » où deux modes d’expression sont mis en présence en un rapport d’égalité ; dialogue qui provoque des interactions complexes. La problématique réside dans l’existence de deux systèmes sémiotiques différents, tels la poésie et la peinture avec, l’un et l’autre, ses unités distinctes, son fonctionnement syntagmatique et paradigmatique propre et sa manière particulière de créer de la signification. Les procédés examinés portent sur les différentes apparitions, les conséquences et les limites de cette rencontre. Une étude détaillée aborde en premier lieu les procédés s’attachant à la représentation de l’objet - poétique ou pictural – oscillant entre figuratif et abstrait. Ensuite, sont explorées les interactions entre texte et image à partir des notions de l’espace, du fragment, du corps et du processus créatif. En conclusion, il s’agit non pas de transposer le modèle stylistique sur la peinture ou inversement, mais de dégager des points d’intersection entre sémiotique, intermédiatique, esthétique et histoire de l’artThis thesis investigates the interactions between text and image in the artist book (Livre de dialogue), composed jointly by a poet and a painter, in France and Germany from 1980 to 2004. In contrast to the « illustrated book», where the image is subordinated to the text, I explore in this special type of book the encounter between two means of expression sharing equal importance, a dialogue that yields complex interactions between visual and verbal signs. The existence of two different semiotic systems such as poetry and painting bears interesting questions, as each possesses its specific units, its own syntagmatic and paradigmatic structure and its specific way to create significance. The analysis focuses on the different forms, the consequences and the limits of this encounter. The first part consists of an examination of the figurative processes that are linked to the representation of the poetic or pictorial object in a general way. Following this examination, a more detailed analysis investigates the interactions between text and image based on the concepts of space, fragment, body and the creative process. Thus, the aim is not to transpose the stylistic system to painting or vice versa, but to explore points of intersection between semiotic, intermedia, aesthetic and history of art
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Alexis, Lucie. "Réponses à la mission culturelle de la télévision publique : analyse sémiologique des rapports institutionnels, des figures de l'artiste et des écritures numériques à France Télévisions (1993-2017)." Thesis, Paris 2, 2017. http://www.theses.fr/2017PA020048.
Анотація:
Ce travail s’intéresse à la mission culturelle de France Télévisions à partir de la problématique suivante : La culture à la télévision de service public a-t-elle une qualité particulière ? Si oui, quels en sont les principes régulateurs et comment se manifeste sa cohérence ? À partir d’une définition restrictive de la notion de culture qui inclut à la fois les grandes disciplines artistiques et les productions des industries culturelles, le lecteur suit un parcours chronologique à travers trois mouvements : une analyse de rapports institutionnels publiés entre 1993 et 2008 ; une étude de figures d’artistes tels que visibles dans trois émissions de plateau (On n’est pas couché, Ce soir (ou jamais !) et Des mots de minuit) entre 2010 et 2011 ; des formes numériques d’écriture et de diffusion de la culture expérimentées entre 2011 et 2017. Nous appuyant sur une histoire de la télévision publique, nous nous inscrivons principalement dans une perspective sémiologique. Toutefois, nous empruntons quelques outils à l’analyse de discours, à l’approche par les modèles socio-économiques des industries culturelles, et proposons une conduite d’entretien graphique. L’hétérogénéité des objets concrets et des méthodologies que nous mobilisons nous conduisent à conclure que la culture de la télévision de service public se nourrit à la fois d’une conception majoritairement institutionnellement consacrée, d’une attention portée aux productions des industries culturelles et aux « médiacultures » et tend à s’élargir davantage au travers d’expériences numériques. C’est d’une conjugaison de cet ensemble d’éléments sur un mode propre que procède la culture de la télévision de service public.Descripteurs : télévision publique ; France Télévisions ; culture et arts ; industries culturelles ; rapport institutionnel ; programmes télévisuels ; nouvelles écritures audiovisuelles ; geste graphiqueThe dissertation focuses on the France Télévisions’s cultural agenda and addresses the following question : Is there a form of culture specific to public service broadcasting ? If there is, how is it regulated and how does its coherence appear? We tackle the issue using a restricted definition of the notion of culture that includes both the great artistic disciplines and the productions of cultural industries. A chronological analysis follows three movements that place the reader/audience in various political and media territories: an inquiry into the institutional reports published between 1993 and 2007; figures and portraits of artists in three lateevening TV shows (On n’est pas couché, Ce soir (ou jamais!), and Des mots de minuit) broadcast between 2010 and 2011; and digital writings/narratives of culture between 2011 and 2017. Based on a history of public television, our perspective is mainly semiological. However, our study is inscribed in a project that includes several methodological tools while also using discourse analysis and a socioeconomic approach of the cultural industry. Finally, we have carried out graphic interviews. The heterogeneous nature of the artefacts and methods we summon lead us to conclude that public television culture is conveyed thanks to an understanding of culture close to the "established culture", the productions of cultural industries and "mediacultures", although it tends to expand in relation to digital experiences. Lastly, the combination of a number of factors produces a synoptic vision of the different conceptions of public television culture. Keywords : Public television ; France Télévisions ; culture and arts ; cultural industry products ; institutional reports ; talk-shows ; new audio-visual writing ; graphic gesture
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Bernard, Yves-Michel. "Origine et création des fonds régionaux d'art contemporain en France : 1981-1986, les années militantes." Thesis, Bordeaux 3, 2013. http://www.theses.fr/2013BOR30042.
Анотація:
Cette thèse a pour objet l’étude de l’origine et de la création des fonds régionaux d’art contemporain (FRAC) entre 1981 et 1986. Le plan se divise en trois grandes parties. La première partie analyse les modes d’acquisitions et d’expositions qui, au cours du XX° siècle en France, ont été des modèles pour la constitution des FRAC. La seconde partie étudie l’engagement du ministère de la culture dans une politique ambitieuse qui aboutit à la création des FRAC après l’arrivée de la gauche au pouvoir en 1981. La troisième partie, à proprement parlée d’histoire de l’art, porte sur les collections des FRAC. Cette étude des collections a constitué l’essence de la recherche établie à partir de données informatiques de videomuseum qui a opéré un recensement de toutes les acquisitions. La thèse s’appuie également sur des documents d’archives, des travaux existants, une étude sur le terrain dans chaque collection de FRAC, d’entretiens et d’un dépouillement de la presse artistique. Issus des revendications politiques formulées dans le programme de la gauche1 pour les élections présidentielles de mai 1981, les FRAC, financés à parité par l’Etat et par les régions, constituent un exemple fort de la réussite d’une politique culturelle décentralisée. Entre 1983 (date des premières acquisitions) et mars 1986 (date de la défaite de la gauche aux élections législatives) les vingt et un FRAC en activité ont acquis un total de 5 438 oeuvres provenant de 1 377 artistes. Fonds d’exception dans le paysage culturel français, les FRAC sont l’aboutissement d’une volonté de démocratisation revendiquée depuis les années 60. Jusqu’en 1986, la croissance constante des crédits d’acquisition - autant du côté de l’Etat que des conseils régionaux - aurait pu conduire à l’établissement d’une esthétique officielle. Nous verrons qu’il y a eu tout au plus des « zones d’influence » qui sont apparues pour compenser de réelles absences dans les collections des musées en région. Toutefois, malgré cet incontestable investissement institutionnel, la puissance publique ne pouvait prétendre à devenir un acteur majeur dans l’histoire de l’artThis thesis studies in depth, the origin and the creation of theRegional Contemporary Art Collection (FRAC) between 1981 and 1986. The plan is divided into three main parts. The first part analyses the patterns of acquisitions and eexhibitions, which were models for the formation of the FRAC during the twentieth century in France. The second part examines the commitment of the Ministry of Culture in an ambitious policy that led to the creation of the FRAC after the arrival of the labour party who came to power in 1981. The third part, strictly concerning the history of art, focuses on the collections of the FRAC. This study of the collections has been the core of the research, established from computer data created by Videomuseum, who made a census of all acquisitions. The thesis is also based on archival documents, existing works, an onsite study of each collection of the FRAC, interviews and a literature of artistic media. Included in the labour party’s political program for the presidential elections of May 1981, the FRAC, funded equally by the State and the Regions, is a strong example of the success of a decentralized cultural policy. Between 1983 and March 1986 twenty-one FRAC in activity acquired a total of 5,438 works of art from 1,377 artists.Since the 1960s, the FRAC is an exception in French cultural funding and the result of a desire for democratisation. Until 1986, the continued growth of acquisition loans - offered by the State and regional councils - could lead to the establishment of a formal aesthetic. “Zones of influence" emerged to compensate for absences in the museum collections in the region. However, despite this undeniable institutional investment, public power was not entitled to become a major player in the history of art
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Delas, Céline. "Des mythologies quotidiennes à la figuration narrative : pour une histoire de la figuration critique, 1964-1977." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010549.
Анотація:
Cette étude reconstitue I'histoire de la Figuration narrative entre 1964 et 1977, à partir des oeuvres de Gilles AiIIaud, Eduardo Arroyo, Equipo Crónica, Equipo Realidad, Erró, Gerard Fromanger, Jacques Monory, Bernard Rancillac et Peter Saul. Ces deux dates correspondent aux expositions collectives Mythologies quotidiennes, autre appellation sous laquelle, ces artistes se sont réunis. Apres Ie règne sans partage de I'abstraction, ces peintres rebelles ont imposé une nouvelle peinture d'Histoire furieusement engagée dans les affaires politiques et sociales de la cité. Donc, ce travail chronologique a pour ambition de faire taire les poncifs concernant une peinture de propagande, puis de faire apparaître Ie sens caché des choses sous les apparences d'une figuration sans qualité, c'est a dire d'une peinture renouant avec le sens et les engagements qui ont traverse ces deux décennies.
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Rochard, Marine. "Une avant-garde à réaction : gestualité, lyrisme et autopromotion chez Georges Mathieu (1944-1975)." Thesis, Tours, 2014. http://www.theses.fr/2014TOUR2005.
Анотація:
L’étude de l’œuvre de Georges Mathieu, artiste controversé dont les activités s’étendent sur les décennies suivant la Seconde Guerre Mondiale, vise à éclairer un parcours méconnu afin de pouvoir l’intégrer de manière plus pertinente dans le champ de l’histoire de l’art contemporain. S’intéresser aux réseaux au sein desquels a gravité l’artiste permet de considérer globalement l’abstraction lyrique et de dessiner des relations complexes entre les différents acteurs des mondes de l’art. Les enjeux du contexte artistique des années 1950 sont ainsi mis en avant plus précisément, conduisant à l’identification de stratégies de promotion en partie basées sur les mythologies du geste créateur. Mathieu, élaborant son discours par anticipation de sa réception et se présentant comme une personnalité médiatique ambivalente, s’inscrit dans une dialectique inhérente de l’art à l’ère postmoderne : l’oscillation perpétuelle entre culture d’élite et culture de masseThe study of Georges Mathieu’s work, debated artist whose activities extend over the decades following the Second World War, aims at enlightening an unkown path to be able to integrate it in a more relevant way into the contemporary field of the art history. Be interested in the networks in which the artist gravitated allows to consider the lyrical abstraction overall and to draw complex connections between the various actors of the worlds of art. The stakes in the artistic context of the 1950s are so put forward more exactly, leading to the identification of strategies of promotion partially based on the mythologies of the creative gesture. Mathieu, developing his discourse by anticipation of his reception and appearing as an ambivalent media personality, fits into an inherent dialectic of the art in postmodern era : the constant swaying between culture of elite and mass culture
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Herold-Marme, Amanda. "L'identité artistique à l'épreuve : les artistes espagnols à Paris et l'engagement à partir de la Guerre civile (1936-1956)." Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2017. http://www.theses.fr/2017IEPP0017.
Анотація:
À l’aide de nouvelles informations, la présente étude vise à interroger l’impact de la guerre d’Espagne sur la communauté artistique espagnole à Paris, qui regroupe tant les artistes ayant tissé des liens forts avec la capitale française lorsque la guerre éclate, que ceux dont l’installation en France est précipitée par le conflit. Notre objectif est de restituer les singularités des dynamiques individuelles dans une histoire d’ensemble, en envisageant la prise de position de ces créateurs, jusqu’alors apolitiques, en faveur de chacun des deux camps sous le prisme de l’engagement de leur identité artistique espagnole et parisienne. Celle-ci, qui se définit selon le rapport revendiqué dans leur création plastique et leur mode de vie avec la modernité ou la tradition, s’imprègne de connotations idéologiques au début de la guerre. Nous chercherons notamment à mettre en perspective et à mieux comprendre la complexité, les paradoxes et les contradictions de l’activité artistique idéologisée des Espagnols à Paris au fil de ces années troubles, notamment sous l’Occupation, et jusqu’à la reprise de relations normalisées avec le régime franquiste dans les années 1950, qui marque la fin de notre cadre chronologique. L’engagement massif et manifeste d’un grand nombre d’artistes espagnols, installés ou fortement liés à la capitale française, dans ce conflit local, qui est le prélude à une conflagration mondiale, nous permettra de mettre en évidence à quel point ces Espagnols de Paris, en dépit de leurs motivations plastiques, se sont constamment trouvés au point de convergence de l’art, de l’engagement et de la politique dans ces années tourmentées du XXe siècleNourished with new information, this study aims to examine the impact of the Spanish Civil War on the community of Spanish artists settled in Paris. We will consider artists with longstanding ties to the French capital when the war breaks out, as well as those whose arrival in France is precipitated by the conflict. Our objective is to situate the specificities of individual trajectories in a global history, by considering the political engagement of these previously apolitical creators for both sides of the Spanish conflict through the prism of their artistic identity which is both Spanish and Parisian. Defined by the ties to modernity or tradition that each artist claims in his work or his social practices, this artistic identity becomes permeated with ideological connotations at the beginning of the Spanish Civil War. Our aim is to shed light on and put into perspective the complexity, the paradoxes and the contradictions of this politicized activity undertaken by Spanish artists in Paris over the course of these tumultuous years, especially during the Nazi Occupation of Paris. The renewal of normalized relations with Francoist Spain in the 1950s marks the end of our study. The massive and ostentatious political engagement of a considerable number of Spanish artists residing in or with strong ties to the French capital will allow us to clarify the point to which these Spaniards in Paris, in spite of their artistic ambitions, find themselves at the point of convergence of art and politics throughout these troubled years of the XXth century
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Oprea, Alina-Gabriela. "Le système de la politesse confronté aux défis du talk-show : Politesse, impolitesse et a-politesse à l’épreuve du spectacle et de la violence dans "On n’est pas couché" et "Tout le monde en parle"." Thesis, Lyon 2, 2012. http://www.theses.fr/2012LYO20088.
Анотація:
En linguistique, la politesse vise la préservation de l’harmonie interactionnelle. Que se passe-t-il dans les situations où le dissensus se trouve au cœur des échanges, tel le cas de nos talk-shows ? Le rôle de l’impolitesse, de la violence et leurs rapports à la politesse dans On n’est pas couché et Tout le monde en parle ont constitué le point de départ de notre recherche. Le présent travail est une analyse du système de la politesse confronté aux défis des émissions mentionnées, défis qui nous ont amenée à explorer la dichotomie politesse-impolitesse et qui nous ont conduite à articuler ces dernières avec les notions d’adéquation au contrat de communication, de violence et de mise en scène.Afin de rendre compte du fonctionnement de ces phénomènes, deux démarches nous ont semblé nécessaires. Premièrement, abandonner la conception selon laquelle la politesse désignait les comportements jugés adéquats et l’impolitesse était conçue comme sa « contrepartie » négative. Deuxièmement, tenter de « re-conceptualisation » la notion d’adéquation aux normes tout en allant au-delà des classements rigides et des formules conventionnelles polies ou impolies.Partant de ces réflexions, nous nous sommes fixé une double ambition : dans le premier volet, nous avons voulu aménager le cadre théorique de la politesse ─ qui, appliqué à notre corpus, présentait certaines insuffisances ─, et formuler des critères pour l’évaluation des notions présentées. Ainsi, nous avons proposé, avec prudence et modestie, un cadre et des outils théoriques adaptés à nos talk-shows. Dans le second volet, nous avons analysé ─ manipulant les outils présentés et nous appuyant sur ce nouveau cadre ─, le fonctionnement du système de la politesse ainsi que les mises en scène de la parole polie, impolie et violenteIn linguistics, politeness, considered omnipresent, aims at preserving the interactional and interpersonal harmony. But what happens when conflict is at the very heart of verbal interactions, as is the case with our talk-shows? The role of impoliteness and violence, as well as their relationship with politeness in “On n’est pas couché” and “Tout le monde en parle” are to be considered as the starting point for our research. Thus, the present work is an analysis of the notion of politeness confronted to the “challenges” raised by the televised shows mentioned above, an analysis in which we explored the politeness/impoliteness dichotomy that we articulated, thereafter, with the notions of appropriateness (in respect to the communication contract), violence and representation or “mise-en-scène”.In order to give a proper account of the functioning of these phenomena, firstly, we gave up the general view according to which politeness was defined as adequate behaviour while impoliteness was seen as its negative counterpart. Secondly, we tried to reconceptualise the notion of appropriateness going beyond rigid classifications or conventionalised polite and impolite formula.Given these considerations, we established a twofold objective. On the one hand, we tried to adjust the theoretical framework of politeness that, applied to our data, presented certain deficiencies, and to come up with some evaluation criteria for the analysed notions; consequently, we modestly and prudently proposed a framework and several theoretical “tools” adapted to our talk-shows. On the other hand, we analysed ─ using the presented tools and framework ─, the mechanisms of politeness and impoliteness as well as the divers “mises-en-scène” of polite, impolite and violent speech
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Leturcq, Celine. "Tableau, la fabrique du sujet." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080038/document.
Анотація:
Si le tableau est un objet ancien supplanté par un grand nombre de pratiques contemporaines, certainsartistes développent toujours leur recherche autour et avec lui. Se pose dès lors la question de son actualité. EnFrance au début des années 80, les pratiques picturales abstraites sont laissées de côté au profit d’une nouvellepeinture ouverte aux influences internationales et d’un art qui, au final, se passe de cet objet. C’est toujours lecas aujourd’hui, bien que l’on constate un regain d’intérêt pour le tableau ces dernières années. Ce n’est pas sanscompter sur la force structurale de cet objet ancien mais présent à d’autres endroits et dans d’autres pratiquessocioculturelles que la peinture et l’art contemporains, notamment à travers ces nouvelles fenêtres que sont lesécrans numériques et, avant eux, la photographie, le cinéma et la télévision. Aussi le tableau a-t-il encore debeaux jours devant lui, à interroger la place du sujet dans l’image que ses cadres, déplacés, nous proposent, ànourrir et déployer des espaces-temps qui a priori n’ont rien à voir avec son archaïsme. Dès lors, il s’agit decomprendre en quoi et pourquoi quelques individus aujourd’hui, en France notamment, continuent de peindre etd’avoir une pratique de fabrications d’objets et d’images à l’atelier, dans l’acception traditionnelle du termeIf the age-old practice of painting has been supplanted by a large number of contemporary approaches tomaking art, certain artists are still primarily painters who make work about painting. This raises the question ofits relevance. In France in the early 1980s, abstract pictorial practices were left aside in favor of both a new kindof painting open to international influences, and an art that ultimately abandoned painting altogether. This is stillthe case today, although there has been a renewed interest in painting in recent years. This has to do, firstly, withthe structural force inherent to painting and the construction of pictorial space. Secondly, it has to do withsociocultural phenomena outside the realm of contemporary art : photography, film and television, and morerecently the widespread use of digital screens, have lead to the creation of new pictorial spaces. Painting still hasa promising future as a means of questioning the subject’s relationship to the image ; the shifting boundaries ofthe painted picture (the tableau) enrich and enlarge time-space frameworks, which, a priori, have nothing to dowith painting as an archaic practice. This thesis, therefore, attempts to understand how and why some individualstoday, especially in France, continue to paint, to make objects and images in their studios, in the traditional senseof the term