Дисертації з теми "Stylistique historique"

Lili Boulanger est la première femme à obtenir le Premier Grand Prix de Rome de composition musicale en 1913, à l’âge de dix-neuf ans, et après seulement deux années d’études intensives au Conservatoire de Paris. Décédée cinq ans plus tard des suites d’une longue maladie, la jeune compositrice laisse pourtant une production d’œuvres importante. De l’examen des manuscrits à l’étude des compositions, l’ensemble des pièces fascine par la richesse d’écriture, par la recherche de la couleur, par la poésie des sons créant une étonnante expressivité. Les différentes analyses démontrent aussi une maîtrise des divers styles musicaux de son temps et une incroyable maturité dans le maniement des langages. Issue d’une famille de musiciens, l’éducation de Lili Boulanger a été favorisée par un entourage constitué de l’élite musicale parisienne notamment. Les éléments biographiques, mis en parallèle à l'analyse musicale, soulignent l’importance d’une telle œuvre. Cette étude permet donc de tisser des liens étroits entre la musique et son auteur car l'œuvre de Lili Boulanger est résolument intime
Lili Boulanger is the first woman to get the Fisrt Great Prize of Rome in musical composition in 1913, at the age of nineteen, and after only two years of intensive studies at the Conservatoire of Paris. Although she died five years later following a long illness, the young composer leaves us an important production of works. From examining manuscripts as well as studying her compositions, one is fascinated all through her works by the richness of her writing, the research of colour, the poetry of sounds, which convey an astounding expressiveness. Our various analyses also bring to light her mastery of the diverse musical styles of her time together with an incredible maturity in the use of languages. Born in a family of musicians, Lili Boulanger’s education has been boosted by an environment constituted in great part by the parisian musical elite. The biographical data, set in parallel to this research, underline the importance of such works. So this study allows to build closed links between the music and its author because Lili Boulanger's work is absolutely inmost

Dans ce travail, nous avons deux termes principaux : l’histoire et le style, mais le but que nous voulons atteindre est la légitimation de l’art ou la légitimation de la création de notre époque appelée, «l’art contemporain». Si l’on présente autrement la question de la légitimation, c’est pour chercher un chemin dans cette situation confuse de l’art contemporain. Ce travail commence à partir de deux termes que mentionne le titre de la thèse. Et de même que l’on tricote un tissu, ces deux termes «le style» et «l’histoire» disposés horizontalement se croisent avec le problème de l’image disposé verticalement. Cela signifie que la recherche sur«l’histoire» et «le style» couvre les aspects philosophique et sociologique. Nous allons donc à la fois évoquer la discussion sur les problèmes du sens de style et de l’histoire à l’aide de la théorie de Danto et chercher le lien avec l’art plastique. Ce dernier sera réalisé à travers la recherche sur «l’image» de Hans Belting. Nous trouverons une similarité dans les étapes historiques analysées par A. Danto et le point de vue de H. Belting
In this study, we have two principal terms : history and style, but the goal which wewant to reach is the legitimation of art or the legitimation of the creation of ourtime called, “the contemporary art”. If the question of legitimation is differently presented, it is to look for a way in this confused situation of the contemporary art. This work starts from two terms which the title of the thesis mentions. And just asone knits a fabric, these two terms “the style” and “the history” horizontally laidout cross with the problem of the image laid out vertically. It means that the research on “the history” and “the style” covers the philosophical and sociologicalaspects. We thus at the same time will evoke the discussion on the problems of the direction of style and the history using the theory of Danto and will seek the link with the visual art. This last will be carried out through the research on “the image” of Hans Belting. We will find a similarity in the historical steps analyzed by A. Danto and the point of view of H. Belting

Les Baoulé, qui ont de nombreux masques, résultent de migrations Akan arrivées du Ghana en côte d'Ivoire vers 1700 et ayant assimile ensuite des populations autochtones, mande-sud et senoufo. Les Akan ne possèdent d'ordinaire pas de masques, contrairement à la plupart des voisins non-Akan actuels des Baoulé (Gouro, Wan, Yohouré, Senoufo) peuplant désormais avec eux la Côte-d'Ivoire centrale. Une comparaison rapide entre les mascarades Baoulé (Goll, Bonu Amuen et Ngblo) et celles des cultures voisines laisse apparaitre de multiples affinités. Cette thèse part du postulat selon lequel l'art Baoulé s'est élaboré graduellement depuis le XVIIIe siècle, après différents emprunts et influences, alors que la culture Baoulé se développait. Son enjeu consiste à essayer de comprendre, comparativement, comment et quand le style des masques Baoulé a pu fleurir, acquérir face aux autres styles de la Côte-d'Ivoire centrale une autonomie relayée par une esthétique propre. Les comparaisons s'opèrent en trois temps : des contextes artistiques, au repérage des relations existant entre les masques des Baoulé et ceux de leurs voisins, en passant par des analyses formelles. Il fallait d'abord rejeter l'affirmation ethnocentrique héritée de la colonisation, selon laquelle un style correspond à une ethnie (à une tribu), au profit d'une perception élargie (transethnique) du style plus proche de la réalité. Puis, après avoir étudié la forme des œuvres, en dégageant plusieurs styles individuels et en repérant les tendances iconographiques, diverses pistes liees aux emprunts ont ete explorées et remontées, aboutissant à une image très complexe des relations stylistiques. Les datations, le récit évolutif et la caractérisation esthétique des styles proposes en conclusion sont des points essentiels en histoire de l'art. Or, dans la Côte-d'Ivoire centrale, comme dans bien d'autres régions d’Afrique noire, l'histoire et les styles, l'histoire et les arts, sont indissolublement lies, d'où l'absolue nécessité, pour les analyser, de reconnaitre l'histoire des arts africains comme une discipline authentique et autonome, ce dernier aspect constituant l'enjeu ultime de cette recherche
The Baule are famous for their masquerades and masks. Around 1700 migrations waves of Akan coming from Ghana arrived in central Ivory Coast, they integrated autochtonous, south-mande and senufo peoples, then creating baule culture. Contrary to the present non-Akan Baule's neighbors (guro, wan, yaure and senufo) wich form with them central Ivory Coast area the Akan usually do not have any masks. A brief analyze of the three baule masquerades (Goli, Bonu Amuen and Ngblo) and the ones of their neighbors shows formal and functional similarities. This thesis starts from the assumption that baule art has built-in on gradually from different sources and borrowings since the XVIIIe century during bade culture was developing. Its purpose is to comparatively understand how and when the style of the baule's masks has flourished, how can this style had becoming aesthetically and culturally independent from the other styles of central Ivory Coast. Comparisons take place in three ways: from the artistic context to the locating of the different relationships between Baule's masks and those of their neighbors', going through an analysis of forms. Regarding the colonialism statement that one style does correspond to one tribe, one must had created a more realistic an opening view of the African people and their art's styles. Thus after studying the formal meanings of the art works, searching and sometime discovering their own personal style (one of a specific artist), looking for the iconographic tendencies, one have tried to explore and go back to the routes of borrowings. By this way, we give an extremely contrastive and very complex spectrum of the stylistic relationships. Datings, as the evolutive account of the styles and their aesthetic characterizations -three themes who has been developed in conclusion- are very essential datas in history of art. In central Ivory Coast as in other areas of black Africa, history and styles, history and arts are undoubtedly linked. Also in order to analyze them there is an absolute necessity to recognize history of African art as a complete and genuine discipline this last aspect making up the ultimate topic of these research

Cette recherche a pour objectifs d’étudier l’évolution historique et technique, mais aussi stylistique et symbolique des toitures polychromes présentes en Bourgogne entre le XIVe et le XXe siècle, en les replaçant au sein de l’histoire générale de cette pratique ornementale. La réunion et la confrontation des témoignages iconographiques, archéologiques et écrits ont permis d’analyser la place de la polychromie dans l’architecture, le choix des motifs et des couleurs, l’utilisation de tuiles de différentes formes, glaçurées au plomb ou à l’étain, le type de production (artisanale ou industrielle) de celles-ci, l’analyse sociologique et les lectures symboliques, les influences reçues ou exercées, ainsi que l’instrumentalisation de l’image des « toits bourguignons » au XXe siècle. La synthèse des données historiques fait apparaître l’existence de deux cycles. Le premier, impulsé par les grandes réalisations gothiques d’Île-de-France des XIIe-XIIIe siècles, s’étend des témoignages bourguignons précoces du XIVe siècle jusqu’au déclin du XVIIIe siècle, et comprend l’apogée incarnée par l’architecture parlementaire du XVIIe siècle. Le second, initié vers 1840, a puisé sa sève créatrice dans les réalisations anciennes et dans le renouveau, général en Europe, du goût pour les terres cuites architecturales glaçurées. Celle-ci s’épuisera après 1914, les ultimes relectures se situant entre 1935 et 1940. L’essor du tourisme et la recherche d’images régionales identitaires conduiront à l’usage métonymique de ces toitures polychromes au XXe siècle
The aim of this thesis is to study the historical, technical, stylistic, and symbolic evolution of the polychromatic roofs found in Burgundy between the 14th and the 20th centuries. The different iconographic, archaeological and written testimonies make it possible to analyse the place of the polychromatic pattern in the architecture, the choice of patterns and colours, the use of differently-shaped tiles (whether lead- or tin-glazed), the type of production (traditional or industrial), the sociological analysis and the symbolic readings, the influence received or given as well as the overuse of the “Burgundian roofs” to promote the image of the region during the 20th century. The synthesis of the historical data shows the existence of two cycles: the first one, brought on by the Gothic constructions in Ile-de-France during the 12th and 13th centuries, began with the first Burgundian evidence in the 14th century and lasted until the decline in the 18th century; it includes the apogee represented by the architecture of 17th century. The second cycle, which has started around 1840, found its origin in the ancient constructions and in the revival of the European interest for the ceramic architectural elements. This creativity petered out after 1914, with the last productions of the second cycle occurring between 1935 and 1940. Eventually, the development of tourism and the search for regional identities led to the metonymical use of these polychromatic roofs in the 20th century

Aujourd’hui de nombreuses recherches sont menées sur les différents types de demeure aristocratiques. Notre étude porte sur un important corpus de résidences seigneuriales datées du XIIIe au XVIe siècle en Viennois et Grésivaudan ; quatre-vingts douze sites ont été rassemblés à partir, d’une part, de la recherche documentaire dans les archives, les bibliothèques et les centres de documentation, et d’autre part, de visites sur le terrain. Ce travail s’attache aux différents types de décors : les décors architecturaux, figuratifs, sculptés et peints. L’objectif de notre recherche est d’établir un corpus de résidences seigneuriales permettant d’étudier l’approche décorative intégrale des sites, ce qui permet un travail de recherche inédit. Le château et la maison forte subsistent encore de nos jours en grand nombre avec d’importants éléments architecturaux en place. La ressemblance entre les caractères architecturaux de ces deux catégories d’habitations assure un nombre suffisant de sites à étudier. Et la distinction de statut entre le château et la maison forte autorise des comparaisons intéressantes au niveau du décor. Le Dauphiné présente un grand nombre de résidences seigneuriales. Le territoire du Grésivaudan est connu comme étant une région propice à l’installation des habitants grâce aux terres fertiles des massifs de la Chartreuse et de la Belledonne. Quant au Viennois, son riche aspect géographique permet de trouver une grande variété de sites. Par ailleurs, l’histoire du Dauphiné démontre une longue période de dépendance du territoire où plusieurs comtes se sont succédés. La politique des conquêtes a permis d’étendre le territoire et de faire face aux ennemis. Notre recherche se concentre sur une période étendue allant du XIIIe au XVIe siècle. Elle inclut donc l’époque médiévale marquée par peu de changements dans les domaines économique et social en Europe occidentale du fait de la succession des guerres et des épidémies. Ceci ne signifie pas que cette période ait connu un recul mais qu’une faible mutation sociale influencée par la religion s’est produite. Cela se reflète dans le développement du domaine artistique. Notre recherche inclut également la période de mutation de la fin du Moyen-Âge et du début de la Renaissance. Ce moment se caractérise par la combinaison de l’art antiquisant et d’un nouveau courant artistique. Au travers de notre recherche, nous recherchons une possible évolution de l’approche décorative de l’habitat noble. L’étude de l’approche décorative des résidences seigneuriales nous permet de mieux appréhender les caractéristiques des décors aussi bien architecturaux que figuratifs. Les éléments architecturaux, sur lesquelles nous avons porté notre attention, comprennent les portes, fenêtres et coussièges, les tourelles en surplomb, les échauguettes, bretèches, meurtrières et cheminées. Les autres décors que nous avons examinés sont les décors figuratifs qui se composent des motifs peints et des peintures murales ainsi que des motifs et figures sculptées. Nous avons pu constater par nos études que toutes les formes de conception décorative (le décor architectural et le décor figuratif) possèdent la structure simple au début de la période étudiée (XIIIe siècle), puis cette forme élémentaire se développe de manière plus compliquée au cours du temps en particulier le décor peint. Nous constatons ainsi une évolution stylistique des décors. En outre, trois types des éléments décorés ; portes, fenêtres et cheminées montrent une ressemblance stylistique. Il s’agit du travail de moulure sur les linteaux, les encadrements et les bases de ces éléments et la présence d’écus armoriés symbolisant l’appartenance du site à une famille ou une personnalité. Ceci permet d’affirmer que ces décors sont caractéristiques de l’époque étudiée. Quant au décor figuratif, l’apparition de différentes figures autorise une dimension plus approfondie au travers d’une présentation narrative
There are nowadays many studies about aristocratic houses and their decoration. This study on decoration was achieved from the huge corpus of seignorial residences dated between the 13th and the 16th Centuries in the region of Viennois and Grésivaudan where a number of seignorial residences was found. Fifty-three selected sites gathered from a wide investigation were organized in two ways: firstly by documentary research in the archives, the libraries and the center of document resource, secondly by intervention in the studied area. This research focused on different categories of decoration: architectural, figurative, sculptural and painted decor. The research aims to establish the corpus of seigniorial residences which will enable it to study the entire decorative aspect of the selected sites. This will also allow for a new perspective of aristocratic house research.The castles and the fortified manor houses are known today as the existing aristocratic accommodation, which are in quite a large number and are unique in their architectural elements. The similarity of the two seignorial residences lies in their architectural characteristics. The quantity of them allows for an extension of the research framework for determining a sufficient number in terms of the studied sites. On the contrary, the difference of status between the castles and the fortified manor houses permits a comparison of their decorative aspects. Le Dauphiné has a great number of seignorial residences. The territory of Grésivaudan has been recognized for suitable settlement with fertile land in the mountains of Chartreuse and Belledonne. As for Viennois, this territory has a geographical variation which caused different characteristics of houses. Moreover, the history of Dauphiné presents a long period of independence with the succession of several Counts. The conquest policy was applied for defending the enemies in the surrounding areas and also for conquering more land. A great number of seignorial residences was included in this research. The study period from the 13th to the 16th Centuries is known as the transitional time from the end of the Middle Ages to the beginning of the Renaissance, there were many changes in different domains. These changes reflect the evolution of the decoration of aristocratic houses. The study of decoration of the respective seignorial residences will enable us to learn about the characteristics of the architectural and figurative decoration. Understanding the architectural decor involves a study of the architectural elements: doors, windows, turrets, watch-turrets, brattices, arrow holes and chimneys. The figurative decoration means a study of figurative presentation. The elements concerned are painting motifs and mural painting, sculptural motifs and figures. Molding in architectural decor emphasizes the structure of decorative elements. The frames of the doors and windows can be noticed by volumetric and symmetrical effects which can be seen on the lintel and the lower part of the frames of the structure. The appearance of sculpted shields above the doors and windows help complete the decorative aspect of the elements. The chimney has the same decorative effect but the molded decor would be on the upper part and the corbel or side posts. As for the figurative decoration, the presence of different figures like trees, animals, men create an in-depth dimension and more narration or a narrative scene. The painting motifs and the mural painting form a narrative which show a series of pictures which tell the sequence of an event or several successive scenes. Besides, as the corpus of the research assembles a great number of several types of decoration dating from 13th to 16th Centuries, it consequently reflects a stylistic evolution of decorative elements

D’Ausone à Ennode de Pavie, de nombreux hommes de lettres de l’Antiquité tardive ont conjugué une production épistolaire abondante avec la rédaction d’épigrammes.. Ennode de Pavie a d’ailleurs organisé le recueil complet de ses œuvres autour d’une alternance entre épigrammes et lettres, mettant ainsi en relief la relation étroite, véritable dialogue générique, qui se noue entre l’épigramme et la lettre. Cependant, malgré ces nombreux points communs, les travaux critiques ont dans l’ensemble négligé d’en conduire l’étude de façon parallèle. C’est à ce projet original que nous entendons consacrer notre thèse. Tout d’abord, nous nous penchons sur l’aspect stylistique de cette contiguïté générique, à travers les critères communs de breuitas et d’humilitas, ainsi que sur la prédominance d’une certaine forme de maniérisme. Nous penchant ensuite sur l’aspect social et communicationnel des deux genres, nous les rapprochons en tant que media adoptant un système communicationnel commun et des lieux de créations sociaux identiques. Enfin, comme terme de notre logique comparative, nous incluons la contiguïté entre lettre et épigramme dans une réflexion plus large sur le phénomène général d’hybridation qui sous-tend cette époque. Ce dernier mouvement consiste dans l’étude de formes hybrides, mêlant lettre et épigramme, dans une perspective à la fois stylistique, littéraire et ecdotique, mais également dans l’étude d’une autre forme d’hybridation littéraire présente dans les deux genres : le bilinguisme où grec et latin se mêlent et se réinventent dans une époque de transition culturelle
From Ausonius to Ennodius of Pavia, including Paulinus of Nola, Symmachus and Sidonius Apollinaris, many men of letters, in late Antiquity, wrote both letters and epigrams. Besides, Ennodius himself has organized his complete work alternating epigrams and letters, and highliting the close connection between those two genres. However, despite theirs numerous common features, the critics did not bother to draw a parrallel between them. Thus, we want to devote ourselves to this original point of view. First of all, we study the stylistic aspect of this generic connection, through two main common criteria. One the one hand, the breuitas and the humilitas, and in the other hand, the predominance of a certain form of mannerism. Then, considering the social and communicational aspects of those genres, we bring them together as medias adopting a common communicationnal system, and using the same places of creation. Finally, we include our reflexion in a broader one, about the phenomenon of genre-switching in Late Antiquity. This final movement consists in a studic of hybrid forms, in an ecdotic, stylistic point of view, but also in the study of latin-grec bilingualism

Figure emblématique à l’orée du XXe siècle, époque charnière de l’histoire intellectuelle et littéraire dans l’Empire du Milieu, Lu Xun (1881-1936) est l’écrivain chinois moderne le plus traduit hors les frontières. Nous proposons d’étudier, à travers une critique à la fois historique et traductologique, le parcours quasi-centenaire que l’oeuvre de Lu Xun connaît en France. Les recherches textuelles et contextuelles permettent une autre voie d’accès à l’écrivain Lu Xun et jettent une nouvelle lumière sur la question de la traduction de son oeuvre. Il s’agit d’établir le panorama des traductions françaises depuis 1926 jusqu’aujourd’hui. Elles se présentent sous divers supports et continuent à paraître, avec des flux et reflux, en raison des efforts conjugués des traducteurs chinois et français. L’intérêt que ces passeurs de langues et de cultures portent à l’oeuvre de Lu Xun diverge beaucoup, en vertu fondamentalement de la politisation et de l’appel à la dépolitisation de l’écrivain : les « traducteurs-introducteurs », les exégètes officiels, les adhérents à l’idéologie politique ainsi que ceux qui s’en tiennent à l’écart sont loin de viser la même finalité de traduction. De surcroît, leur projet de traduction diffère également du fait de l’évolution sur le plan de la pensée traductive et des échanges littéraires durant presqu’un siècle. Les tendances seront mieux aperçues à la lumière des analyses comparées des traductions à l’égard des enjeux et des défis du style luxunien. Nous nous interrogerons, à cet effet, dans quelle mesure et par le biais de quelle stratégie le dynamisme de la textualité peut être transmise dans le texte d’arrivée
At the dawn of the twentieth century, turning point in the intellectual and literary history to the Middle Kingdom, Lu Xun (1881-1936) is clearly the iconic Chinese writer: he is the modern author most translated outside borders, and particularly in France. Therefore it seems interesting to study, through a historical and translatological review, the almost century-old course of the work of this author in France. First, the textual and contextual research allows to open a new access road to his work and to shed a new light on the question of translation of his work. In a second step, it is to establish the panorama of French translations from 1926 to the present. Since then and still today, translations appear with the joint efforts of Chinese and French translators and, in various media publications and in a rhythm different. The reasons that these ferrymen of languages ​​and cultures are interested in the work of Lu Xun differ greatly, mainly because of the politicization then the call for the depoliticization of the writer. Indeed, we will see that the "translators-introducers", the official interpreters, the supporters of political ideology and those who stick are far from aim the same translation purposes. Moreover, their translation projects differ from one another due to the evolution of translative thought and literary exchanges during near a century. Finally, the different trends will be highlighted through the comparative analysis of translations that update the issues and challenges of the style of Lu Xun. We ask, in this regard, to what extent and by what strategy the dynamism of textuality can be transmitted in the target text

Cette étude stylistique et historique des statues dites "Anyi de Krinjabo", tente de redonner un sens à un corpus élaboré par la réunion d'objets coupés de leur contexte d'origine et dispersés dans le monde. Elle analyse un exemple particulier : les Mma Anyi, statuettes funéraires anthropomorphes en terre cuite dont la fabrication s'est arrêtée au début du 20eme siècle, et le resitue dans le cadre plus vaste de la tradition de portraits en terre cuite du sud-est de la Côte d'Ivoire et du sud-ouest du Ghana. Le style "Krinjabo-Anyi" existe, c'est un art royal lié au royaume du Sanwi, dont la capitale est Krinjabo. Cependant cette tradition était deja pratiquée par d'autres populations avant l'arrivée des Anyi dans la région. Elle n'est donc ni l'exclusivité de ces derniers, ni le résultat de leur hégémonie culturelle et politique. Commune à toute la zone forestière "Akan", elle s'étend sur trois siècles et présente une grande diversité stylistique. Une partie ethnographique décrit la collecte du corpus et des informations. Une partie stylistique analyse les formes et les mensurations des statues. Deux parties historiques, replacent cette tradition l'une dans l'histoire locale, l'autre dans l'histoire régionale voire internationale, s'interrogeant sur les influences possibles
This stylistic and historical study of the statues called "Anyi de Krinjabo" is an attempt to reunite and give sense to a set of objects which have been cut off from their original environement and dispersed all over the world. The study focuses on a specific type of statues, the Mma Anyi, which are anthropomorphic funerary figures in terra cotta whose production was stopped at the turn of the century. It almost replaces them on a more general framework that of the traditional portraiture in terra cotta of the south-east of the ivory coast and the south-west of ghana. The "Krinjabo-Anyi" style does exist, it is a royal art found in the kingdom of sanwi whose capital is Krinjabo. But this traditional practice was also found in other population before the anyi's arrival in the region. Thus this art does not belong exclusively to the latter and it is not the trace of their cultural and political hegemony. It was whide-spread on the whole forest area of "Akan", it covers three centuries and offers a great variety of styles. The study is made up of an ethnographic part which describes how the information and the corpus were collected. A stylistic part which analyses the shapes and sizes of the figures. Two historical parts which set this tradition one in the local history, the other in the regional and the international history and questions their possible interactions and influences

Comme Maître de la chapelle impériale puis compositeur de la cour d’environ 1540 à 1550, Thomas Crecquillon est amené à suivre Charles-Quint dans toute l’Europe et à côtoyer les nombreux poètes et musiciens des cours princières et ducales rencontrées. Cette étude évalue l’entourage artistique du compositeur avant de tenter d’associer ses chansons polyphoniques à cinq voix aux évènements de la cour impériale par une double approche d’analyse : du langage musico-textuel d’une part et des situations historiques d’autre part
As imperial choir’s master, then composer of the court about 1540 to 1550, Thomas Crecquillon followed Charles-Quint during his travel through Europe and kept close to several poets and musicians of ducal and princely courts. This investigation first estimate the artistic compositor circle befor trying to associate his polyphonics five voices chansons to the imperial court events by a dual analysis : musical and textual language and historical context

La présente thèse a pour objectif d'étudier l'ensemble des artistes féminins qui ont exercé au sein de la manufacture de Sèvres entre 1850 et 1900. Cette période correspond à un moment clef de l'histoire de cette institution tant du point de vue administratif qu'artistique car elle marque une ère nouvelle avec l'apparition d'un style nouveau.Par ailleurs, les femmes employées à Sèvres sont de plus en plus nombreuses à participer aux expositions et aux salons. Certaines d'entre elles se sont distinguées par leurs talents et par leurs efforts à un moment à la société était, dans son ensemble, peu sensible à la condition féminine. C'est pourquoi cette thèse souhaite également aborder l'étude de quelques œuvres sous cet angle. Du point de vue artistique, l'étude porte une attention particulière à la chronologie des œuvres, à la spécialité, au style et au goût de chaque artiste. En dépit d'une certaine harmonisation d'ensemble qui est perceptible, en raison du lieu de production propre à la manufacture, certaines différences apparaissent.La première partie sera consacrée à la biographie des artistes. Les parcours de formation, leurs origines, leurs conditions de travail et leurs participations aux manifestations artistiques sont analysées. La seconde partie s'attache à étudier les œuvres du point de vue de l'analyse stylistique et de leur portée (notoriété acquise de l'artiste par l'intermédiaire de l'œuvre mais aussi message conscient ou inconscient, direct ou indirect que l'artiste a porté).La troisième partie est constituée d'un catalogue raisonné des œuvres. Il a été établi d'après les registres d'inventaires conservés aux archives de la manufacture de Sèvres
The following thesis aims at studying all the feminine artists who worked in the Sèvres factory between 1850 and 1900. This period is a turning-point fort this institute on the administrative level as much as on the artistic one, because it represents a new era with the birth of a brend new style.Besides, more and more women working in Sèvres take part in exhibitions and workshops. Some of these women were particularly noted for their skills and their effort, while at this time the whole society was not interested by women condition. That's why this thesis will also throw light on some works with these ideas in mind. From the artistic viewpoint, the study particularly attracts our attention on each artist's specialties, styles and tastes. Despite the obvious global harmonization, due to the place of production of this factory, some differences appear.The first part concerns the artist's biographies. Their studies, their origins, their working conditions, but also their parts in artistic events will be analyzed. The second part will deal with the works from the stylistic analysis point of view and their impact (the fame reached by the artist through the work, but also the conscious or unconscious, direct or indirect message brought by the artist). Finally, the third part represents a descriptive catalogue of the works. It was established with the help of the inventory registers kept in the archives of the Sèvres factory

La thèse étudie la construction d'un imaginaire national de la langue française au cours du long XIXe siècle (1789-1920), tant du point de vue linguistique à travers l'émergence du concept de langue nationale que du point de vue stylistique à travers l'essor de la catégorie de style français. L’hypothèse défendue est la suivante : être écrivain à la fin du XIXe siècle, c’est d’abord être un écrivain français qui, parmi les possibles rhétoriques, stylistiques et linguistiques qui lui sont offerts, renégocie à chaque réalisation langagière une écriture française et un ethos français. À une époque où grammaire et littérature sont pensées conjointement, les grammairiens du XIXe siècle attribuent à la littérature le devoir d’illustrer la langue nationale. Le champ littéraire n’est pas imperméable aux réflexions sur la langue et la nation, et les écrivains, notamment à la fin du siècle, appréhendent le style selon l'imaginaire politique et idéologique de la francité : il y aurait un style français et des styles non-français, c’est-à-dire des styles qui ne respectent pas la supposée tradition du génie de la langue française. Après avoir étudié dans une première partie l’imaginaire linguistique de la langue nationale dans les grammaires du XIXe siècle, puis dans une seconde l’imaginaire du style français chez les écrivains, notre dernière partie constitue une analyse stylistique d’auteurs de la Troisième République pour essayer de cerner ce qui a été senti comme un style français (Renan, Daudet, Barrès, Maurras, France) et ce qui a été senti comme un style anti-national (Goncourt, Louÿs, Huysmans, Mallarmé, Valéry, Suarès, Péguy, Fargue, Claudel, Gide, Proust, Giraudoux)
This thesis is a study of the construction of a national imagination by the French language during the long 19th century (1789-1920), both from a linguistic perspective, through the emerging concept of a national language, and from a stylistic point of view, through the rise of the French style as a category. The hypothesis defended here is that the national language, in France, is less the product of a linguistic policy than a discursive construct elaborated by grammar books between the French Revolution and the Third Republic. 19th century grammarians decided that it was the duty of literature to illustrate the national language, at a time when grammar and literature were indissociable. In fact, that literature should be influenced by reflections in which language and nation are associated is inevitable: writers, especially at the end of the century, approached style according to the notion of “Frenchness”, which is at once political, ideological, and imaginary. Such a notion asserted the existence of a French style, as opposed to non-French styles that failed to abide by the alleged tradition of the so-called genius of the French language. This thesis first explores the linguistic imagination that influenced the national language in the grammar books of the 19th century. It then moves on to the writers’ use of the imaginary notions related to a specifically French style. Last but not least, it examines the style of some of the authors who wrote during the Third Republic, and seeks to identify what was perceived as a specifically French style (as in the works of Renan, Daudet, Barrès, Maurras or France), and what was perceived as an antinational style (as in the works of Goncourt, Louÿs, Huysmans, Mallarmé, Valéry, Suarès, Péguy, Fargue, Claudel, Gide, Proust or Giraudoux)

Ce travail porte sur la question de la verbalisation du récit dans sa structure formelle, par une approche philologique et narratologique, dans les textes royaux de la XXVe dynastie (dynastie couchite – 8e/7e s. avant notre ère), rédigés en égyptien de tradition. L’étude se fonde sur un corpus composé de 11 textes ayant comme caractéristiques d’être couchites, royaux, en égyptien de tradition, comportant des parties narratives, et suffisamment conservés. Parmi ceux-ci, l’on trouve la Stèle de la Victoire de Piânkhy (Caire JE 48862 ;JE 47086-47089) et la Stèle du Songe de Tanoutamon (Caire JE 48863). En outre, un corpus secondaire de 9 textes a été constitué dans une perspective synchronique et diachronique, avec par exemple les Annales d’Osorkon, ou encore les Annales de l’an 1-2 d’Irike-Amannote (Kawa IX), souverain de Couch postérieur à la XXVe dynastie. Pour répondre à la question de la structure formelle du récit, nous procédons en deux temps :d’abord par une étude des marqueurs narratifs (comme les auxiliaires séquentiels) ;puis par celle des structures et macrostructures du texte, en lien avec les séquences narratives ;enfin, par l’examen de facteurs influençant la verbalisation du récit. Dans la première partie, nous précisons dans une série de chapitres les formes et emplois des marqueurs narratifs (auxiliaires séquentiels, śpr pw ỉr.n⸗f, infinitifs narratifs, śḏm.ỉn⸗f, particules, dates, etc.). Pour chacun de ces marqueurs, nous faisons d’abord le point sur leurs formes et emplois en égyptien classique, néo-égyptien et égyptien de tradition, d’après les grandes synthèses grammaticales, avant de procéder à un examen systématique de leurs occurrences dans notre double corpus. En outre, précédant cette analyse, nous traitons de la situation linguistique à la XXVe dynastie (notamment la diglossie), et des caractéristiques de l’égyptien de tradition. Nous examinons également pour notre corpus principal la question de l’opposition des formes śḏm⸗f et śḏm.n⸗f. La seconde partie, qui s’appuie sur les marqueurs étudiés dans la première, traite des différents niveaux dans la structure générale du texte et du récit. Nous envisageons donc là les niveaux supérieurs à la proposition. Après des éléments théoriques sur la narration et sur la mise en récit de l’histoire, nous étudions le niveau séquentiel dans les récits du corpus, et mettons en évidence les structures épisodiques que l’on peut y trouver. Ensuite, nous examinons les éléments non-narratifs, descriptifs et dialogaux, et la façon dont ils intègrent ou sont intégrés dans les parties narratives. En nous appuyant sur les données de ces deux chapitres, nous envisageons alors les structures d’ordre supérieur à la séquence, pour remonter jusqu’au texte dans son ensemble. Enfin, pour montrer le lien entre la première et la deuxième partie, nous présentons la façon dont les marqueurs narratifs se spécialisent dans certains rôles dans la narration et la structuration du récit, et comment ils se hiérarchisent. Ce travail apporte donc une série de données sur la langue littéraire de la XXVe dynastie et ses caractéristiques, ainsi que sur la façon dont les rédacteurs recourent aux moyens linguistiques de l’égyptien de tradition pour organiser formellement leurs textes et transmettre, via le récit, l’histoire qu’ils voulaient communiquer.
Doctorat en Langues, lettres et traductologie
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L’attribution d’un style à un auteur peut constituer un enjeu problématique. Certains « cas » surprennent, tel le cas du Roman de Violette. Au-delà de l’enjeu socio-littéraire, un enjeu stylistique s’impose. Trois voies de la recherché s’ouvrent : celle de l’analyse de l’écriture selon chacun des « auteurs supposés », celle de l’analyse biographique et historique; celle de la composition et configuration linguistique du matériau verbal constituant le « style » où l’analyse quantitative apporte sa contribution. À partir du corpus étudié (Le Roman de Violette, Une Aventure d’amour d’Alexandre Dumas et Les Cousines de la colonelle de la Marquise de Mannoury d’Ectot) la question a été posée de l’attribution de l’oeuvre publiée sous les noms d’Alexandre Dumas-père et de la Marquise de Mannoury d’Ectot. Pour atteindre cet objectif, il a été nécessaire d’appliquer plusieurs méthodes de type philologique : enquête biographique et contextuelle, analyse des biographies et des correspondances, analyse linguistique et stylistique couplée à des méthodes d’analyses quantitatives.Pour l’attribution des œuvres, la thèse croise diverses approches statistiques. Celle liée à la « théorie de reconnaissance des formes » élaborée au laboratoire d’Études linguistiques appliquées de l’Université d’État de Saint-Pétersbourg – expérimentée pour la première fois sur la langue française – est apparue décisive quant aux résultats obtenus. Elle permet de conclure, à partir de l’analyses systématique d’éléments syntaxiques, que Le Roman de Violette appartient à Mannoury d’Ectot. Or, les résultats de l’analyse littéraire et biographique laissent à supposer que l’idée du texte est à Dumas
The attribution of a style to an author may constitute a problematic stake. Certain "cases" surprise, such as the case of Le Roman de Violette, published under the names of Alexandre Dumas-father and Henriette de Mannoury d’Ectot. Beyond the socio-literary stake, a stylistic stake leads. Three different ways open to the search: first, the biographic analysis; second, the stylistic analysis; third, the composition and the linguistic configuration of the verbal material constituting the "style", a search for which the quantitative analysis will be used. From the studied corpus (Le Roman de Violette, Les Cousines de la colonelle of Henriette de Mannouryd’Ectot, Une aventure d’amour of Dumas) the question of the role of Dumas and Mannoury d’Ectot in the creation of Le Roman de Violette was asked. To reach this objective, it turned out necessary to apply several methods of philological analysis: biographic anaysis, analysis of archival documents, linguistic and stylistic analysis coupled with quantitative methods. For the attribution of the novel, the thesis crosses different approaches. That based on the "theory of pattern recognition” elaborated in the Laboratory of Applied Linguistic Studies of the Saint-Petersburg State University - used for the first time on the French language - seemed decisive to obtain our results. This method allows to conclude, from the systematic analysis of syntactical elements, that the novel «Le Roman de Violette» was created by Mannoury d’Ectot, however the literary analysis gives a handle to suppose that the plot of the novel belong to Alexandre Dumas

L'œuvre d’Ernest Bloch, encore peu connue en France, est déroutante par sa diversité. Pourtant, il semble qu'un point commun cimente sa création. En effet, tout au long de sa carrière, Ernest Bloch a accordé une valeur sacro-sainte à la tradition. Cette étude se propose d'examiner l'esthétique et le style du compositeur selon cet éclairage. La tripartition chronologique de ce travail souligne les trois orientations majeures du compositeur. De nombreuses références à la correspondance d’Ernest Bloch sont effectuées, tant dans le texte, que dans les annexes. Dans la première partie, "la tradition culturelle juive, premier facteur d'évolution et de singularisation", Ernest Bloch est d'abord situé dans le nationalisme musical, puis dans l'histoire de la musique juive avant d'examiner les caractéristiques juives de sa musique. L'analyse du quatuor à cordes no 1 (1916) clôt cette première partie. Le second volet "la période de l'entre-deux guerres : entre néoclassicisme et romantisme", tente de mettre en évidence le tournant que prend l'œuvre d’Ernest Bloch, influencée par les formes et les genres du passé. Avant l'analyse, les inspirations esthétiques du compositeur sont d'abord mises en évidence. Parmi les œuvres étudiées figurent la suite pour alto et piano (1919), la sonate no 1 pour piano et violon (1920) et le quintette no 1 (1923). Dans la troisième partie "après 1945 : la tradition contrapuntique facteur de sublimation", l'accent est mis sur les quatuors à cordes du compositeur. Nourri de son expérience pédagogique, faisant référence aux grands maitres du passe, Ernest Bloch applique l'art polyphonique à la formation du quatuor, genre initiatique par excellence
The work of Ernest Bloch, still little known in France, is disconcerting by his diversity. Yet, it seems that a common point unifies his creation. Indeed, all along his career, he attached a sacro-saint value to the principle of tradition. This study proposes to examinate the composer music's style and aesthetic according to this subject. The chronogical tripartition underlines the composer's three major orientations. Many references to Ernest Bloch’s correspondence are made both in the text and in the annexed. In the first part "the Jewish cultural tradition, first factor of evolution and singularisation", Ernest Bloch is initially situated in musical nationalism, then in Jewish musical history before examinating the Jewish characteristics of his music. The analysis of the strings quartet no 1 ends this first part. The second section "the interwar years: between neoclassicism and romanticism", tries to reveal the new direction of Ernest Bloch’s work, influenced by forms and genres of the past. Before analysis, the composer's aesthetical inspirations are summarized. Among the analysis we can mention the suite for alto and piano (1919), the sonata for violin and piano no 1 (1920) and the quintet no 1 (1923). In the third part "after 1945, the contrapunctical tradition, factor of sublimation", the accent is placed on the composer's strings quartets (no 2, 3, 4, and 5). Improved by his intense pedagogical experience, which makes reference to the great masters of the past, Ernest Bloch practices the art of polyphony to the quartet formation, the initiatory genre par excellence

Le but de cette recherche qui de déplie en trois parties est de montrer comment l'Histoire en tant que champ cognitif peut, par l'intermédiaire de l'art romanesque, dévoiler des vérités profondes concernant la vie et la pensée contemporaine. Plus précisément, dans le cadre de la première partie, en traçant d'abord brièvement le portrait du roman historique classique, nous présentons sept romans européens de notre époque qui ont comme thématique commune des grands événements historiques. Nous expliquons de quelle époque traite chacun d'eux et quels lieux ils présentent comme lieux d'action de leurs histoires ; nous commentons alors la signification historique majeure du temps et de l'espace choisis. Par la suite, nous mettons l'accent sur les personnages romanesques de notre corpus dans le but de découvrir comment leur appartenance à une époque historique précise influence leur existence et comment surgit conséquemment le besoin de déchiffrer leur monde. De plus, nous nous intéressons à la relation éprouvée entre la puissance de la mémoire, qui hante les personnages se battant pour se réconcilier avec elle, et la construction de leur identité narrative, une identité tant individuelle que collective. Finalement, dans une dernière partie, nous tentons de faire le lien entre le temps de chaque roman et la structure narrative que son écrivain a choisie en suggérant qu'il joue un rôle considérable dans le processus de réception de la littérature. Cette dernière occupera ensuite notre réflexion : nous nous interrogerons donc sur les paramètres qui déterminent la façon dont l'écrivain et le lecteur perçoivent effectivement ces œuvres littéraires.

Tant par les thèmes traités que par ses caractéristiques formelles la littérature djiboutienne d'expression française s'inscrit dans la littérature postcoloniale. Elle déconstruit la peinture du pays exposée par la littérature coloniale et propose une vision djiboutienne de la réalité. La réappropriation du thème de Djibouti passe par l'exposition d'une peinture réaliste de Djibouti et par la restauration de la mémoire occultée. La satire subversive dans les textes des Djiboutiens dénonce aussi le pouvoir post-colonial qui perpétue la politique divisionniste, l'oppression et le musellement de la population. Les Djiboutiens brossent des tableaux exposant la situation déplorable du peuple et déplorent son attitude déconcertante. Le nomadisme dont ce peuple est originaire influence l'écriture. Un mélange de poésie et de prose qualifié de prose poétique par les critiques caractérise en effet les oeuvres des Djiboutiens. Comme dans la littérature postcoloniale, des sujets tabous dans la société sont abordés : le tribalisme, le khat, la guerre civile, le personnage du fou et l'image de la femme
Absence de résumé en anglais