Добірка наукової літератури з теми "Spatialité japonaise"

À partir d’un livre, La Visite , écrit par le plasticien Alexandre-Takuya Katô, l’article entend interroger, à partir de l’exemple du tokonoma (une alcôve de la maison japonaise traditionnelle destinée à abriter des œuvres d’art), les formes de spatialité propres aux dispositifs en usage dans les arts plastiques dont le tokonoma est un emblème. Cette démarche permet d’articuler dispositif, récit et spatialité. Pour mener à bien l’analyse, le cadre analytique est emprunté à l’écriture – et donc à la différance – telle que Jacques Derrida l’a définie.

"The Japanese still retain a certain traditional sensitivity in their relationship to the world. With a tendency to integrate with nature or their environment and to depend on others, they favor the relationship to others, as well as that between humankind and the world, which determines their identity. It is through integration into the circumstantial dimension that human beings form themselves and become aware of themselves. It follows that collective identity is stronger and more dominant than individual identity. This human way of being constitutes an essential aspect of Japanese culture and is represented in the architecture of traditional Japanese houses. Reflection on the spatiality specific to the Japanese lifestyle can promote a deep dialogue about human identity between different cultures."

Le sinogramme 公, qui aujourd’hui signifie « public » en Chine comme au Japon, se compose de deux éléments : ム et 八. Le premier élément est la forme initiale du sinogramme signifiant « privé » : 私. Il signifiait à l’origine : cacher en entourant de trois côtés. Le second élément signifiait au contraire : ouvrir à droite et à gauche. Dans la prononciation dérivée du chinois gong , 公 se prononce kô , mais ooyake dans sa prononciation proprement japonaise, ce qui étymologiquement signifiait « lieu ( ke ) de la grande ( oo ) maison ( ya ) », c’est-à-dire celle du souverain. Ce terme a donc une origine inverse de celle de notre « public », mot qui vient du latin populus , peuple. Dans la tradition japonaise, le peuple relève au contraire du watakushi 私, le privé ; et dans le régime féodal, qui a régné sur l’archipel de la fin de l’État antique ( xii e siècle) jusqu’à la restauration meijienne (1868), ooyake désignait la chose du suzerain, watakushi celle du vassal. Rien à voir avec l’idée de res publica . C’est dire qu’introduire la notion occidentale de « public » n’a pas été une mince affaire.

Fūdo (Milieux humains), publié en 1935, est l’ouvrage le plus célèbre de Watsuji Tetsurō (1889-1960), au-delà même de son oeuvre majeure, Éthique (Rinrigaku). Il a été reçu en effet principalement comme un essai sur l’identité japonaise. Mais définir l’identité japonaise n’était pas pour Watsuji l’objectif principal de ce livre. Fūdo a été conçu en réponse à Sein und Zeit (1927) de Heidegger. À l’accent mis sur la temporalité par le maître livre, il répond en mettant l’accent sur la spatialité ; et à l’historialité heideggérienne (Geschichtlichkeit), il répond par le concept de fūdosei, qu’il définit comme « le moment structurel de l’existence humaine », c’est-à-dire la dynamique de la spatialité concrète où chaque être humain est engagé de par sa relation existentielle avec autrui et avec les choses de son milieu. Ce concept central, créé par Watsuji, est ici rendu par le néologisme médiance (du latin medietas, moitié), qui exprime la dualité de l’humain concrètement replacé dans son milieu (fūdo) : une dimension individuelle (que Watsuji appelle hito) et une dimension relationnelle (que Watsuji appelle aida), le couplage (la médiance) de ces deux « moitiés » de l’être s’incarnant dans l’être humain concret (ningen). La traduction porte sur le préambule et sur le premier chapitre de Fūdo, où Watsuji présente puis expose sa théorie générale des milieux humains et de la médiance, ainsi que, à titre d’exemple, sur deux extraits où il interprète le milieu désertique (c’est-à-dire le monde arabo-musulman) et le milieu bucolique (à savoir l’Europe).

Cette thèse porte sur la question de l’identité de l’architecture contemporaine au Japon à travers l’esthétique traditionnelle, profondément ancrée dans l’ensemble de la culture ancienne de ce pays : un véritable cheminement passant à la fois par l’intellectuel, le spirituel et l’artistique. L’objet de cette recherche est donc d’analyser l’interrelation existante entre tradition et modernité ; d’établir une « filiation », une possible évolution et de comprendre aussi la transformation de l’architecture contemporaine et ses problématiques à travers les différents concepts, qui fondent l’ensemble de l’esthétique au Japon, entre temporalité et spatialité. Il est question d’apporter un éclairage sur les expressions de la tradition : une « nouvelle tradition », une japonéité, où la tradition devient la matrice de la modernité. La tradition est à comprendre alors comme un véritable catalyseur. L’objectif de cette thèse est de montrer que l’architecture japonaise a su résoudre la difficile adéquation de relier la tradition nationale et la modernité internationale. La tradition semble être aussi l’une des matrices du futur. En d’autres termes, il s’agit de comprendre les traditions culturelles japonaises comme de véritables leviers conceptuels pour la nouvelle génération d’architectes japonais. La tradition est un héritage du passé qu’il faut préserver pour garder une identité, et qui permet de donner un chemin et une perspective pour l’avenir. De la qualité du rapport avec la tradition dépend non seulement l’harmonie et la beauté du cadre de vie, mais aussi la richesse du message architectural à transmettre aux générations futures
This thesis focuses on the question of the identity of contemporary Japanese architecture through Japanese traditions and aesthetics, deeply rooted from the cultural background of Japan : a real passage through both intellectual, spiritual and artistic fields. The purpose of this research is to analyze the interrelation existing between tradition and modernity ; to establish a filiation, or a lineage, a possible evolution, to understand the transformation of Japanese architecture through different concepts between space and time. It comes to shed light on the expression of tradition in Japanese architecture : a “new tradition”, a notion of japan-ness where tradition becomes the matrix of modernity. In other words, tradition could be understand as a true catalyst. The goal of this thesis is to show that Japanese architecture has resolved the difficult balance between National tradition and International modernity. The tradition seems to be also one of the matrix of the future. The tradition is not only architectural, but it includes spirituality, aesthetics, art, and the manner how culture is linking to space and time. In other words, it is important to understand the cultural Japanese tradition background as a true conceptual levers for the new generation of Japanese architects. The tradition is a legacy of the past which should be preserved to maintain an identity, which could give a path, and vision for future. The quality of the relationship with the tradition depends not only of the harmony and beauty of our living, but also from the wealthy architectural message transmitted to future generations

Le culte shintō, pourtant fondamental dans la culture japonaise, est paradoxalement mal connu hors des frontières de l’archipel. Le terme jinja, traduit par « sanctuaire shintō », a un sens très large et n’est pas aisé à définir. Ce terme englobe une multiplicité de formes d’espaces dédiés au culte des kami, depuis les montagnes et forêts considérés comme des sites sacrés jusqu’aux formes architecturées les plus élaborées. Autant en milieu urbanisé que rural, les rituels shintō se règlent sur le calendrier agraire, particulièrement les périodes des semailles et des moissons ; à ces dates cruciales, les processions saisonnières participent à renouveler la vitalité du kami, pour assurer abondance et prospérité à la communauté.Ensuite, les divers usages à l’intérieur des limites du sanctuaire, usages cérémoniels mais aussi festifs voire marchands, mettent en évidence l’interpénétration entre espace sacré et profane dans l’enceinte des jinja. Enfin, la configuration architecturale des sanctuaires shintō n’est pas le propos principal de notre développement. En revanche la tradition de la reproduction architecturale à échelle réduite est une particularité qui peut expliquer l’influence de grands sanctuaires dans leur région voire à l’échelle nationale.Ce travail de recherche se place dans le domaine de l’anthropologie spatiale ; dans une approche transdisciplinaire, nous nous basons sur des ouvrages théoriques en langues occidentales et en langue japonaise, ainsi que sur nos observations personnelles directes, ethnographiques de rituels dans des sanctuaires d’échelles graduées, de sanctuaires de quartier aux grands sanctuaires d’Ise jingū et Izumo taisha
The Shinto cult, though fundamental in Japanese culture, is paradoxically poorly known outside the boarders of the archipelago. The term jinja, commonly translated by “Shinto shrine”, has a very broad meaning and is not easy to define. This term encompasses a multiplicity of forms of spaces dedicated to the kami cult, from mountains and forests considered sacred sites to the most elaborate constructed forms. Both in urbanized or rural environment, Shinto rituals are regulated by the agrarian calendar, particularly the periods of sowing and harvesting; on these crucial dates, the seasonal processions contribute to renewing the vitality of the kami, thereby assure abundance and prosperity to the community.Next, the multiple uses within the limits of the Shrine, ceremonial uses but also festive or even commercial uses, highlight the interpenetration between sacred and profane space within the enclosure of the jinja. Finally, the architectural configuration of Shinto shrines is not the main subject of our development, but the tradition of the architectural replication on a reduced scale is a particularity which can explain the influence of main Shrines over their province or even on a national scale.This research belongs to the field of spatial anthropology; in a transdisciplinary approach, we base our work on theoretical works in Western languages and Japanese language, and also on our ethnographic observations of rituals in Shrines of various scales, from neighborhood Shrines to the main national Shrines of Ise jingū and Izumo taisha

Cette thèse étudie l’ensemble des projets artistique d’Isamu Noguchi (1904-1988), qu’il nomme lui-même « sculptures d’espaces ». Il s’agit de créations environnementales in situ, telles que jardins et places publiques, qui sont non transportables, impossibles à décomposer, et accessibles au grand public en dehors des institutions artistiques. Notre hypothèse est que la sculpture d’espaces entretient un rapport complexe, mélange d’aspiration, de critique et de réaction, non pas avec l’espace comme un vide neutre, mais avec la spatialité américaine, c’est-à-dire les normes spatiales qui définissent l’ensemble des comportements et orientations, collectifs et individuels, dans la société américaine. L’ambition de la thèse est de démontrer, à travers les examens en détail de chaque projet ainsi que la mise en contexte dans l’architecture, l’urbanisme et la politique culturelle des espaces publics, que l’œuvre de Noguchi n’est pas la fin en soi, mais un moyen pour faire évoluer cette spatialité américaine dominante, expansive et centrifuge, héritière de la conquête de l’Ouest, vers celle plus centripète qui recrée le lien de l’homme avec le lieu, en prenant en compte des éléments environnants et des histoires multiples
This thesis studies the body of artistic projects by Isamu Noguchi (1904 - 1988) that he termed "sculpture of spaces". They are environmental in situ creations such as gardens and plazas, which cannot be transported, cannot be disassembled, and are accessible to the general public, apart from artistic institutions. Our hypothesis is that there is a complex relationship, made up of aspiration, criticism and reaction, between sculpture of spaces and American spatiality, which is constituted by spatial norms governing all behaviours and orientations, collective or individual, in the American society. The aim of this thesis is to make the case, through a detailed examination of each project, as well as its putting in context with the architecture, urban planning and cultural policy of public spaces, that Noguchi's work is not an end in itself. It proves to be a means to move the dominant American spatiality, expansive and centrifugal, inherited from How the West Was Won, towards a more centripetal one which, by taking into account the multiplicity of environmental and historical elements, reunites man and his location

Cette thèse étudie l’ensemble des projets artistique d’Isamu Noguchi (1904-1988), qu’il nomme lui-même « sculptures d’espaces ». Il s’agit de créations environnementales in situ, telles que jardins et places publiques, qui sont non transportables, impossibles à décomposer, et accessibles au grand public en dehors des institutions artistiques. Notre hypothèse est que la sculpture d’espaces entretient un rapport complexe, mélange d’aspiration, de critique et de réaction, non pas avec l’espace comme un vide neutre, mais avec la spatialité américaine, c’est-à-dire les normes spatiales qui définissent l’ensemble des comportements et orientations, collectifs et individuels, dans la société américaine. L’ambition de la thèse est de démontrer, à travers les examens en détail de chaque projet ainsi que la mise en contexte dans l’architecture, l’urbanisme et la politique culturelle des espaces publics, que l’œuvre de Noguchi n’est pas la fin en soi, mais un moyen pour faire évoluer cette spatialité américaine dominante, expansive et centrifuge, héritière de la conquête de l’Ouest, vers celle plus centripète qui recrée le lien de l’homme avec le lieu, en prenant en compte des éléments environnants et des histoires multiples
This thesis studies the body of artistic projects by Isamu Noguchi (1904 - 1988) that he termed "sculpture of spaces". They are environmental in situ creations such as gardens and plazas, which cannot be transported, cannot be disassembled, and are accessible to the general public, apart from artistic institutions. Our hypothesis is that there is a complex relationship, made up of aspiration, criticism and reaction, between sculpture of spaces and American spatiality, which is constituted by spatial norms governing all behaviours and orientations, collective or individual, in the American society. The aim of this thesis is to make the case, through a detailed examination of each project, as well as its putting in context with the architecture, urban planning and cultural policy of public spaces, that Noguchi's work is not an end in itself. It proves to be a means to move the dominant American spatiality, expansive and centrifugal, inherited from How the West Was Won, towards a more centripetal one which, by taking into account the multiplicity of environmental and historical elements, reunites man and his location