Дисертації з теми "Rock (musique) – Aspect politique"

Cette thèse examine la politisation dans un régime autoritaire à travers l’étude de deux mouvements rock contestataires en Biélorussie. Le rock « national » s’est constitué en tant que mouvement artistique dans les années 1980 autour de la production de la musique contemporaine d’inspiration occidentale chantée en langue biélorusse et de la promotion d’une vision hétérodoxe de l’« identité nationale ». Le tournant autoritaire des années 1995-1996 a provoqué la repolitisation contestataire de ce mouvement artistique. Les acteurs du rock « national » continuent de revendiquer le statut « underground » tout en aspirant à la professionnalisation dans le cadre du système de production commercial. C’est aussi au milieu des années 1990 qu’un autre mouvement contestataire se constitue – le rock anarcho-punk DIY imprégné des conventions du modèle Do it yourself internationalisé. Ce mouvement proche des groupements anarchistes prône l’amateurisme, la production artistique restreinte et le radicalisme des prises de position. Sur l’exemple de ces deux mouvements artistiques, la thèse étudie les logiques de politisation et les modes de contestation
Based on a study of two protest rock movements in Belarus, this thesis examines the phenomenon of politicisation in an authoritarian regime. The “national” rock emerged in the 1980s as a modern artistic movement inspired by Western music conventions. Singing in Belarusian, this scene aspired to promote a heterodox vision of “national identity”. The authoritarian turn in 1995-1996 provoked protest re-politicisation of this artistic movement. “National” rock musicians continued to claim the “underground” status, while aspiring to professionalisation and commercial production. Against the backdrop of the authoritarian change, another protest movement emerged in the mid-1990s. Following the internationalised Do-It-Yourself model, the DIY anarcho-punk is closely linked to anarchist groups and promotes amateurism, limited artistic production and radical political expression. Based on the example of the two artistic movements, this thesis studies the logics of politicisation and the modes of political protest

Ce travail de thèse propose de revenir sur un sous-genre du Metal Extrême, le Black Metal, dans le pays où il a émergé et durant la décennie qui l’a vu prendre son essor, à savoir la Norvège et les années 1990. Aucun travail du même ordre n'ayant jamais été effectué sur le sujet, nous souhaitons combler le vide existant. Premièrement, par une recherche historique poussée, en particulier sur les relations entre les différents acteurs. Deuxièmement, par une analyse des idéologies et imaginaires portés par le Black Metal en Norvège. Troisièmement, par une analyse de sa musique ainsi que celle de la réception du Black Metal
This research proposes to examine a subgenre of Extreme Metal, Black Metal, in the country where it emerged and during the decade that saw its rise, namely Norway and the 1990s. As no similar work has ever been done on the subject, we wish to fill the existing void. Firstly, through extensive historical research, in particular on the relations between the different actors of this network. Secondly, by an analysis of the ideologies and imaginations carried by Black Metal in Norway.Thirdly, through an analysis of its music and the more general reception of Black Metal

La thèse traite des musiques qui, tout en étant enracinées dans la tradition du rock, dépassent les frontières — stylistiques mais aussi sociologiques et économiques — propres au rock : pour cette raison elles sont souvent regroupées dans le « genre » du rock expérimental. Mes recherches portent sur un choix d'artistes qui sont universellement considérés comme faisant du rock expérimental, à savoir Frank Zappa, le collectif Rock In Opposition, ainsi que le groupe italien Yugen, toujours en activité et en quelque sorte héritier de Rock In Opposition. L'analyse des démarches artistiques de ces artistes, ainsi que celle du cadre socio-économique où ils opèrent, met en cause l'idée que le rock expérimental puisse exister en tant que véritable genre de musique. Ce travail de recherche suit une approche pluridisciplinaire. Dans un premier temps, il est question de définir les traits constitutifs du rock, au niveau musical, sociologique et économique, et de comprendre dans quelle mesure la notion d'expérimentation a pu s'intégrer au rock au cours de l'histoire. Ensuite, je me concentre sur le positionnement socio-économique des musiciens qui font l'objet de la recherche. Enfin, dans la deuxième partie de la thèse, plusieurs morceaux du répertoire de ces musiciens sont analysés, afin de comprendre la spécificité et la diversification de leurs parcours artistiques
This study examines the repertoires that, while rooted in the tradition of rock, transcend the boundaries - stylistic but also sociological and economic - of rock itself: for this reason they are often grouped together in the "genre" of experimental rock. My research focuses on a selection of artists who are universally considered to be experimental rock artists, namely Frank Zappa, the collective Rock In Opposition, as well as the Italian band Yugen, still active and in a way heir to Rock In Opposition. The analysis of the artistic approaches of these artists, and of the socio-economic framework in which they operate, calls into question the idea that experimental rock can exist as a true genre of music.The study follows a multidisciplinary approach. The first step is to define the musical, sociological and economic characteristics of rock music, and to understand to what extent the notion of experimentation has been integrated into rock throughout history. Next, I focus on the socio-economic positioning of the musicians who are the subject of the research. Finally, in the second part of the thesis, several pieces from the repertoire of these musicians are analyzed, in order to understand the specificity and diversification of their artistic paths

Dans les années 1990, le rock britannique revient sur le devant de la scène, porté par des groupes tels Blur, Oasis, Pulp et Suede, que la presse rassemble sous l'étiquette Britpop. Non contents de s'inspirer des grands groupes locaux des années 1960, comme les Beatles, ces musiciens se distinguent par une écriture et une image profondément ancrées dans leur propre identité britannique, et évoquent volontiers dans leurs chansons le mode de vie de la jeunesse comme la culture de la classe ouvrière. Cette renaissance sur les plans musical et culturel (participant au phénomène Cool Britannia) est contemporaine de la rénovation de l'idéologie et de l'image du Parti travailliste, qui devient New Labour sous la férule de Tony Blair, intéressé par la vision positive de la britannicité dépeinte par la Britpop. Dans la course aux élections législatives de 1997, le chef de l'opposition cherche à présenter son parti comme jeune et moderne, et se rapproche des acteurs de la scène rock de l'époque dans le but de courtiser l'électorat jeune qui fait défaut à la gauche depuis les années 1980. L'utilisation du rock en tant qu'outil de soutien politique pourrait néanmoins paraître contre-Nature à cause du rôle traditionnel de ce genre musical, lié aux sous-Cultures et mouvements contestataires. L'étude des excroissances du mouvement Britpop, visibles jusqu'à l'accession de Gordon Brown au poste de Premier ministre en 2007, permettra de dégager l'existence d'une veine critique et contestataire au sein de cette même scène rock, proposant une vision plus réaliste de la société, rappelant l'idée de Broken Britain mise en avant par les Conservateurs à cette époque
In the 1990s, a string of successful bands such as Blur, Oasis, Pulp and Suede, inspired by glorious forefathers like the Beatles, revived the British rock genre. The press was quick to dub this new scene "Britpop", to describe the way these bands drew their inspiration from their own sense of Britishness, both in their appearance and in their lyrics, which documented several aspects of youth and working-Class cultures in Britain. Meanwhile, the Labour Party was undergoing a similar kind of rebirth under the influence of Tony Blair, who rebranded his party as New Labour. Since Britpop offered a positive, near-Patriotic vision of Britishness in line with the spirit of "Cool Britannia", Blair sought to obtain a very visible support from the Britpop scene in the run-Up to the 1997 general election. This was conceived as a way to help rejuvenate the Labour Party's image and to secure the youth vote which had eluded the left since the 1980s. However, the traditional view of rock music (as a type of protest music, prone to generating subcultures) hardly seems compatible with the idea that it could be used to support a mainstream political party. As the Britpop format went on to influence homegrown rock music into the next decade, with Gordon Brown succeeding Blair as Prime Minister in 2007, it seems several bands took British rock back to its primary, subversive function by painting a realistic picture of British society, closer to the concept of "Broken Britain" than to that of "Cool Britannia"

Ce travail constitue une réflexion sur la chanson contestataire contemporaine aux États-Unis à travers les chansons et l’engagement politique et social de Bruce Springsteen. Nous défendons la thèse que Springsteen renouvelle le genre de la protest song en s’adaptant à l’époque contemporaine. Pour ce faire, le chanteur adopte quatre stratégies artistiques. Elles consistent à chanter sur les gens ordinaires et leur quotidien, aborder le désenchantement et le désespoir des plus exclus, composer des chansons qui remplissent une fonction cathartique en ayant recours à l’imitation et enfin à militer dans la sphère politique et sociale en soutenant des candidats lors des élections présidentielles américaines tout en offrant des dons aux organisations caritatives qui aident les plus démunis. La thèse démontre que Springsteen arrive à se hisser au sommet du classement des meilleures ventes aux États-Unis et à travers le monde grâce à ces stratégies. Elles lui ont permis de mobiliser un public et d’avoir des millions de fans. Nous proposons d’appeler les chansons engagées de Springsteen des chansons méditatives (reflective songs). La chanson méditative de Springsteen est, sans doute, l’outil culturel de contestation le plus adapté à l’époque contemporaine où il est difficile pour un artiste engagé de protester efficacement du fait de la marchandisation de l’acte même de sa contestation. Il se peut que la reflective song de Bruce Springsteen ne change pas le monde, mais elle peut en revanche permettre aux gens de croire en un monde meilleur et donc de les dissuader de se révolter
This work is a study of contemporary protest song in the USA through the songs and social and political activism of Bruce Springsteen. It contends that Springsteen has been able to reexamine American protest songs and frame a new genre under the umbrella of rock music by adapting his music to the social and political context of contemporary America. The thesis that I defend shows that the reason behind the commercial success of Springsteen can be explained by the fact that he has adopted several artistic strategies which have brought him an audience composed of dedicated fans who admire him. I argue that Springsteen adopts four main strategies: firstly, singing about ordinary people and reporting their daily hardships; secondly, composing somber songs that deal with the despair of blue collars and marginalized Americans; thirdly, adopting mimesis (imitation) which has a cathartic effect on Springsteen’s audience; and finally, getting involved in social and political activism. The thesis contends that Springsteen is among the top selling rock singers in the USA and several other countries thanks to these four strategies. Springsteen has reinvented protest song as a genre and has become a reference in a world where everything is co-opted including the very act of rebellion. I, therefore, suggest a new term, reflective songs, to describe the songs of Bruce Springsteen when they reflect on the condition of the socially excluded instead of protesting pointlessly. Springsteen’s reflective song is undoubtedly the most relevant artistic medium to shed light on the most deprived people of contemporary America. Perhaps, the reflective song of Bruce Springsteen will not change the world, but at least it gives people a reason to hope for a better future

L'objectif de la these est de montrer comment ce qu'on appelle rock, musique, esprit ou culture rock, est le resultat d'un processus continu de creation collective qui "installe" le rock dans le paysage de la musique, dans l'ensemble des categories mobilisables pour penser la musique populaire mais plus largement la culture et la societe, et s'y penser. Il est, dans la conjoncture des annees de croissance economique de l'apres-deuxieme guerre mondiale, du developpement de l'industrie musicale, de l'emergence, a l'echelle des pays industrialises, d'ages de la vie adolescent et post-adolescent, le produit de l'activite d'individus, de groupes ou d'institutions qui considerent certaines musiques et certaines pratiques de consommation ou de production de musique comme dotees de qualites specifiques et produisent autour d'elles des formes d'action collective et d'organisation sociale concernant la production, la diffusion, l'homologation esthetique des oeuvres, leur evaluation, leur consommation ou leur conservation. Dans une premiere partie sont presentees les conditions subjectives d'existence du rock : comment une realite sociale, la consommation et la production d'une musique particuliere, devient enjeu de debats de societe, probleme social puis "phenomene culturel majeur" reconnu par l'etat. La deuxieme partie est faite d'une serie de coups de projecteurs sur quelques aspects du rock : consommation du rock chez les lyceens ; rapports entre rock et drogue ; oppositions sociales, raciales ou geographiques definissant les univers sociomusicaux du rock ; conditions locales d'emergence du rock francais ; acclimation d'une forme musicale et les identites de musicien ; carrieres dans les radios rock
The aim of the thesis is to show how what is called "rock", music, spirit or culture, is the result of a continued process of collective action which settles rock among the musical landscape and among the mobilizable categories used to think popular music and more generally to think culture and society and the room people occupy in them. Rock appears in the context of post-war economic growth, development of musical industry and emergence, in all the industrialized countries, of adolescence and post-adolescence. But it is the product of the action of individuals, groups or institutions who consider certain musics and certain ways to consume and produce music as having specific qualities and who create around them forms of collective action and social organization concerning production, diffusion, esthetical homologation of musical works, their evaluation, their consumption and their conservation. In the first part, the subjective conditions of existence of rock is concerned : consumption and production of a specific music become an occasion for social debates, first as social problem then as "real culture" supported, in france, by government. The second part is a series of studies on different aspects of rock : consumption of rock among college students ; relationship between rock and drugs ; social, racial or geographical basis of different experience of rock ; local conditions of french rock emergence ; relationship between a kind of music and the identies of musician ; careers in radio rock

Ce travail se propose de montrer, a travers une enquete de terrain ainsi qu'une exploration dans les ecrits des << rock-critics >> que l'objet culturel rock, dans ses tendances marginales et minoritaires est un phenomene passionnel visant a elaborer un rituel urbain.

Ce travail a pour objectif d'analyser les relations ambigües entre le rock et le monde politique aux États-unis. Trois cas de figures sont possibles : lorsque la politique censure, lorsque les artistes s'engagent politiquement, et lorsque les politiciens se servent des artistes, à des fins électorales notamment. Les années 80, et plus particulièrement l'année 1985, constituent une période privilégiée pour l'observation de ces liens complexes qui unissent rock et politique. Pourquoi ? D'une part, en 1985, on assiste à la naissance d'une association créée par des femmes de politiciens : le parents' music resource center (PMRC), (dont le but est, même s'il s'en defend, de censurer certaines chansons rock), et d'autre part, le milieu des années 80 est marqué par le début des concerts caritatifs. Ce qui est surprenant, c'est qu'une infime partie des artistes rock se battent contre le PMRC; ils sont pour la plupart investis dans ces concerts de charité, et en cela réside leur seul engagement"politique". Nous remarquerons simultanément que même dans les années 80 les politiciens n'ont pas toujours eu de rapports conflictuels avec les rock stars (ces dernières ayant été souvent récupérées par les politiques). Bien que ce travail se fonde sur le milieu des années 80, il est nécessaire de revenir aux décennies précédentes afin d'étudier le cheminement qui a provoqué l'explosion du PMRC. Cela nous permettra de montrer comment la politique, ou plutôt l'establishment, s'est toujours opposé é ce courant musical et l'a censuré (on s'aperçoit en fait que l'on a toujours reproché les mêmes choses au rock et qu'en ce sens le PMRC n'a rien inventé), d'étudier l'engagement politique des artistes à des moments clés de l'histoire du rock, et enfin de mettre en exergue les relations privilégiées qu'ont pu tisser les politiciens avec des artistes rock
The point of this work is to analyse the ambiguous relationship between rock and the political world in the united states. Three occurences are feasible : when politics censure, when the artists commit themselves politically and when the politicians use the artists, particularly with a political end in view. The eighties and more exactly 1985 - constitute a privileged period for the observation of the intricate bonds that link rock and politics. Why? On the one hand, in 1985, we attented the birth of an association which was created by some politicians' wives : the parents' music resource center (pmrc), (whose aim is, though it denies it, to censure some rock songs), and on the other hand, the mid-eighties were marked by the first charity concerts. What is surprising is that a tiny part of rock performers are fighting against the PMRC; most of them have invested in those charity concerts, and their only political commitment lies in this. We simultaneously notice that even in the eighties the politicians have not always have a conflicting relationship with rock stars (the latest often being won over by politicians). Although this work is based on the mid-eighties, it is necessary to go back to the previous decades so as to study the advance which entailed the explosion of the pmrc. This will enable us to show how politics - or let's say the establishment - has always clashed with this musical trend and censured it (in fact, we realize that rock has always been blamed for the same things, and in this way the pmrc hasn't invented anything). This will also enable us to study the political commitment of the artists at important moments of the history of rock, and at last to underline the privileged relationship politicians were able to weave with some rock performers

Au début des années 80, les musiques rock en région en France sont dominées par un fort discours anti-institutionnel qui amène ses acteurs à développer un système d'organisation de la vie musicale en marge des institutions culturelles traditionnelles. Une décennie plus tard, commence à s'imposer un discours de professionnalisation qui prend appui sur de véritables institutions musicales dont l'émergence n'est pas allée sans un soutien accru des pouvoirs publics. Fondée sur une enquête menée en région Franche-Comté, cette étude a cherché à comprendre les ressorts de cette évolution des musiques caractérisées par l'amplification. La problématique s'inscrit dans la théorie des rapports de domination symbolique et s'appuie sur le concept de "champ" de Pierre Bourdieu. Elle privilégie une analyse des transformations constatées en terme de processus de légitimation culturelle et, inséparablement, d'institutionnalisation des pratiques musicales. Comprendre le sens des évolutions des musiques amplifiées revenait alors à analyser les luttes sociales qui structurent les "champs territoriaux des musiques amplifiées", et la place qu'y occupent les pouvoirs publics. L'hypothèse consistant à dire que ces derniers ne déterminent pas le principe de ces luttes, mais leur issue. Pour mener à bien cette étude, nous avons dû construire un modèle d'analyse qui permette de restituer la totalité du processus : l'avant et l'après institutionnalisation. Nous avons dû associer au concept de " champ " de Pierre Bourdieu, le concept de "monde" d'Howard S. Becker. L'investigation a alors privilégié la lecture des archives et l'observation participante et in vivo afin de restituer les transformations structurelles et comportementales par la description ethnographique. Le sens pris par ces transformations était recueilli par entretien auprès des responsables des institutions musicales retenues pour l'enquête. Il devenait ainsi possible de mettre en évidence les mécanismes qui accompagnent l'apparition d'un champ formé sur le modèle des champs de culture savante et d'observer les changements que l'institutionnalisation des musiques amplifiées introduit dans les formes de sociabilité et de socialisation, dans la nature même de la culture musicale, et, par-là, dans le sens que ces musiques prennent pour ceux qui les vivent
In the early 1980s, regional rock music in France was dominated by an anti-institutional discourse that lead those involved to develop a lifestyle on the margin of traditional cultural institutions. A decade later, professionalism becomes an increasingly integral component of rock music with the growing importance of veritable musical institutions, institutions whose emergence came in part out of growing support of public authorities. Founded on surveys conducted in the Franche-Comté region, a study has attempted to understand better the forces behind this evolution in music characterized by electric amplification. The problem lies within the theory of symbolic domination in relationships and is demonstrated through Pierre Bourdieu's "field" theory. The theory uses an analysis of the changes that is described in terms of a processes of cultural legitimization, and, inseparably, an institutionalization of musical practices. The understanding of the direction of the evolution of amplified music is thus rooted in the social struggles that shape the "territorial field of amplified music", and in the area occupied there by authorities. The comprised hypothesis explains the authorities as not being determinant in the issue of the struggles, but in their outcome. To see our study through to a successful end, we were obliged to construct an analytical model that reconstitutes the totality of the process : before and after the institutionalization. We had to link to Pierre Bourdieu's "field" concept, Howard S. Becker's concept of the "world". Thus the study gives importance to the reading of archives and participant observation and in vivo in order to reconstruct and the structural and behavioral transformations using ethnographic description. The significance of the transformations was gathered from interviews with heads of the musical institutions taken for the study. In this way is became possible to clearly show the mechanisms that accompanied the appearance of a sphere established on the model of sophisticated cultural spheres, and to observe the changes that the institutionalization of amplified music introduced, in the form of sociability and socialization, in the nature itself of musical culture, and, in the same manner, in the meaning that the music embodies for those that live it

Cette thèse est une monographie d'un groupe social appelé le "Cercle du rock" par les musiciens rockers pékinois. C'est une contribution à l'étude de l'individualisme en Chine au début des années 1990. Trois structures de groupes rock peuvent être dégagées à travers l'analyse des répétitions et des enregistrements: la première, "holiste", s'appuyant sur un système de status fondés sur une relation "d'autorité", est d'obédience confucianiste; la deuxième, appelée "impériale", se basant sur une énorme différence de statut entre le "chef" et les musiciens, met en oeuvre une relation "d'autorité" au niveau musical et de "pouvoir" au niveau social, elle renvoie à la tradition légiste; la troisième, plus moderne, appelée "ouverte", mobilise des acteurs extérieurs au groupe. Les rockers sont liés par une relation d'amitié. L'expression "frères aînés", employée pour désigner des amis qui se définissent comme égaux en statut entre eux et supérieurs aux autres membres de la société, est proche du mot français "frères". L'opposé complémentaire inférieur du couple binaire de la pensée chinoise (le yin et le yang), représenté par le "frère cadet", tend à être évacué. Les chansons rock expriment comment les valeurs traditionnelles chinoises, holistes ou impériales, combattent l'idée-valeur moderne de l'individu autonome. Au niveau du Cercle du rock, les "rites" structurent la société par des soirées appelées parties. Au niveau global de la Chine, les "émotions" exprimées pendant le concert rock unissent la société déchirée après les événements de 1989
This thesis is a monograph of a social group called "the Circle of rock" by Peking based rock musicians. It is a contribution to the study of individualism in China at the beginning of the 1990's. Three structures of rock groups can be defined through the analysis of rehearsals and recording sessions. The first one, holistic, grouped on a status system based on a relationship of authority, is of confucian tradition. The second one, grounded on an enormous difference of status between the band leader and the musicians, with a relationship of authority at the musical level and a relationship of power at the social level, is aof legalist tradition so I call it "imperial". The third one is more modern, I call it "open" because it relies on actors from outside the group. These rock musicians are bound by a relationship of friendship. The meaning of the expression "elder brothers" used to call one's close friends is akin to the wester word for "brothers". It defines these "elder brothers" as equal in status simultaneously as above other members of society. The inferior complementary opposite of the binary couple of Chinese thought (the yin and yang concept), represented by the "younger brother", tends to be evacuated. Rock songs show how Chinese traditional values, holistic or imperial, fight the modern value-idea of the autonomous individual. At the level of the rock Circle, rites structure this society through dancing events called parties. At the global level of China, the "emotions" expressed during rock concerts unite a society which has been torn apart by the 1989 events

Au XXe siècle finissant, l'opéra suscite enthousiasme et fascination de la part du public mélomane. Art total, l'opéra semble tisser des liens étroits avec le monde environnant, liens qu'il convient de décrypter. Cependant, il faut se garder de tout discours schématique tant l'opéra est la représentation de l'apparence. Le politique semble être inscrit originellement dans la forme, par le chant qui véhicule l'indifférenciation retrouvée. Plus que toute autre forme artistique, l'opéra est la transgression des normes, des servitudes, et peut ainsi éviter par l'assimilation des différences le vertige de la désillusion. Derrière l'apparence de la représentation, le lieu, la forme, le paraitre social du groupe, un monde occulte qui se doit d'être décrypté. Les formes opératiques permettent au signifiant d'émerger du signifié. Les lieux ont été conçus à l'image de l’Elite, la forme est liée aux commandes du mécénat, la voix se plie aux techniques codifiées. Cependant, les compositeurs d'opéras savent se libérer du carcan des interdits normatifs. Le XXe siècle reste figé dans le répertoire du passé, la création contemporaine opératique étant quasi inexistante. Paradoxe, l'opéra, art de communication, est aujourd'hui coupé de son public, le frustrant ainsi du chant du plaisir, du chant fantasmatique, du limon mythique de ses fondations. Les livrets d'opéra permettent de décrypter le discours de la société dominante, d'en cerner les codes implacables et destructeurs, de saisir le regard du compositeur sur cette société. Les héroïnes d'opéras sont toutes vouées au rôle de victimes, de sacrifiées, de suicidées. L'ordre moral du XIXe siècle est mis en représentation, dénoncé par des compositeurs qui, tel Verdi, refusent l'étouffante hypocrisie de l'idéologie familiale bourgeoise. Didon, Norma, Butterfly sont "suicidées" ; Carmen, Turandot se rebellent. L'opéra est également la reproduction de la fondation et de la violence de l'Etat qui s'édifie, se consolide, au niveau social, sur l'absence de la mère ; au niveau politique, sur l'absence du pouvoir qui s'incarne dans un représentant sacré. Le politique se fonde sur le désir et le manque du groupe
Towards the end of the XXth century, opera is arousing enthusiasm and fascination from music lovers. A total art, opera seems to weave close links with the surrounding world; those links must be deciphered. However, one must avoid sketchy speech, opera being so much the reflection of appearance. The political aspect seems to be originally written in its form, through the song which conveys the re-discovered lack of differentiation. More than any other kind of art, opera is the out-passing of norms, servitudes and so can avoid the dizziness of disillusion by accepting differences. Behind the appearance of the performance, the place, the form, the social look of the group, an occult world which must be deciphered: operatic forms allow the meaning to emerge from what is meant. Places have been created to please elite, the form is submitted to the orders of patrons, the voice is obeying codified techniques. However, opera composers can free themselves from the yokes of normalizing interdicts. The XXth century remains fixed in the repertory of the past, contemporary operatic creations being almost nonexistent. Paradoxically, opera, an art of communication, is nowadays cut off from its audience, frustrating them of the song of joy, of the phantasmatic song of the mythical clay of its foundations. Opera libretti allow to decipher the speech of the dominating social class, to determine its relentless and restricting laws, to catch the composer's point of view on this society. All opera heroines are dedicated to the parts of victims, sacrificed, suicided. The moral order of the XIXth century is shown on stage, denounced by such composers as Verdi who refuse the hypocrisy of the middle class family ideology. Dido, Norma, Butterfly are sacrificed; Carmen, Turandot are revolting. Opera is also showing the foundation and violence of the state which is setting up, strengthening socially on the lack of mother; politically, on the lack of power, embodied by a sacred representative. The political aspect is based on the desire and the need of the group

La recherche analyse le support social des pratiques musicales des groupes et des musiciens qui jouent du "rock" (musique populaire non traditionnelle) depuis plusieurs années. Ces pratiques ne sont pas réductibles à une forme de loisir ou d'occupation pour la jeunesse ; paradoxalement, elles s'organisent selon une relative segmentation et une indétermination sociale révélant toute la complexité de ce fait social qui échappe aux catégorisations sociologiques. Son appréhension repose alors sur une sociologie compréhensive afin de saisir la nature et la forme de cet engagement étroitement lié aux caractéristiques du rock et à sa sociabilité. La production de soi est un processus inscrit dans l'épaisseur d'un social organisé par l'imaginaire, elle révèle la résistance des individus et des groupes à toutes formes de classification sociale et participe, sous les traits d'un "social-historique", à l'instauration d'une figuration sociologique d'un "être-ensemble" et d'un agir collectif spécifiques
The research analyses the social back-up of musical practices from musical groups who have played "rock'n'roll (non-traditional popular music)" for several years. These practices cannot be merely classified as a kind of past-time for youngsters, they highlight a social segmentation and complexity which is beyond any simple sociological categorisation. "A comprehensive sociological analysis aims at grasping both the nature and the form of such an involvement ; the purpose is to analyse a process that appears closely linked to the characteristics and social values carried by rock'n'roll while being engraved within a social background devoted to the collective imagination". The development of the "identity" shows "the resistance of individuals to be organised and classified" according to any social norms and establishes, within the area of a socio-historical reality, the sense of togetherness and acting collectively which questions the very basis of the subject

Traitant de quatre cours italiennes à la fin du XVIe siècle (Florence, Ferrare, Mantoue et Venise), cette thèse montre que la musique - à la fois sa pratique et les discours qui sont tenus sur elle - n'est pas seulement utilisée par les princes comme un instrument politique dont l'efficacité est mesurable, mais est aussi comprise par les contemporains comme un langage nécessaire pour décrire et expliquer le fonctionnement politique des états. S’appuyant sur les nombreuses études que les musicologues ont conduites sur le mécénat, cette thèse n'envisage pourtant pas de reconsidérer cette question. La première partie témoigne de l'omniprésence de la musique en analysant trois objets. La musique organise l'espace urbain ; la partition musicale permet au prince de s'approprier l'œuvre ; les descriptions imprimées des intermèdes manifestent à la fois la volonté du prince d'imposer une seule interprétation du spectacle et son souci d'en multiplier les effets - à l'attention des cours étrangères, par exemple. La deuxième partie montre que l'art vocal peut être conçu comme une forme du discours politique : par exemple, les musiciens, même lorsqu'ils ne semblent s'intéresser qu'a des problèmes strictement musicaux, se préoccupent en fait de questions politiques. De même, la métaphore musicale apparait comme nécessaire pour décrire et comprendre la vie des hommes en société. La troisième partie envisage l'art vocal comme un moyen d'agir en politique. La question des effets de la musique passionne tous les humanistes pour qui la musique, puisqu'elle est supposée agir sur les hommes, doit les changer et les rendre capables de vivre en société. Il est alors possible de dessiner une esthétique politique de la musique : le dernier chapitre envisage les modalités esthétiques par lesquelles les musiciens traduisent l'inscription de l'art vocal dans le domaine politique.

Grace aux récits anciens (depuis le IIe a. C. ) et aux prescriptions modernes (jusqu' aux textes contemporains post-maoïstes), le rôle primordial accorde au domaine musical et à la musique qui doivent être respectivement considérés comme un champ symbolique politique et un emblème, a été mis en évidence : la musique est en chine une affaire d'État; elle est un outil aux mains des gouvernants qui est utilisé tant pour mènera bien leur politique que pour juger des bienfaits de leur action gouvernementale. L'importance des affaires musicales était telle que la mise en place d'institutions leur était consacrées s'avère nécessaire. L'histoire de ces divers "bureaux de la musique" qui se sont succédé a été reconstituée; leur organisation interne et leur place au sein de l'État ont été analysées. Il est alors apparu qu'a toutes les époques, ces institutions ont été importants tant par le nombre de fonctionnaires qu'elles rassemblent que par leur place dans la hiérarchie institutionnelle puisqu' elles sont liées aux plus hautes instances étatiques. Ces institutions avaient et ont encore pour tâche essentielle de collecter les musiques de tout l'empire, de les modifier avant de les rediffuser dans l'ensemble du pays; autrement dit, de fabriquer du "traditionalisme d'État". Puis parce que la réécriture musicale est inhérente a la collecte, on a cherché à établir un "livre de recettes" de la réécriture à travers l'exemple de la musique ouïgoure qui représente une des traditions musicales la plus éloignée de la tradition chinoise. Enfin, suite à un essai de formalisation de la réécriture, une théorie sur le traditionalisme d'État clôt l'étude
Ancient rescripts (since the 2nd century b. C. ) and modern regulations (up to post Maoist texts) are used to prove the primordial role of the musical domain and of music itself, which must be treated respectively as a political symbolic field and as an emblem. In china music is an affair of state - a tool employed by governors to realize their policies and to proclaim the benefits of their rule. So important were musical affairs that special institutions devoted to them were deemed necessary. The history of several successive "bureau of music" is reconstructed: their internal organization as well as their position within the state is analyzed. It thus becomes clear that these institutions were important in all periods, both in the number of officials they employed as their position in the institutional hierarchy (as they are linked to the highest authorities of the state). The essential task of these institutions was, and still is, to collect the musics of the whole empire and to redisseminate them throughout the country - in other words, to create a "state traditionalism". Then, because musical rewriting is inherent in collecting, a kind of "recipe book" of rewriting is attempted through the example of Uyghur music, which is one the most distant musical traditions from the Chinese one. Following an essay formalizing musical rewriting, the dissertation concludes with a model theory of state traditionalism

Cette étude propose un panorama de la vie musicale portugaise durant les premières années de la dictature d'Oliveira Salazar. Elle analyse les politiques musicales mises en oeuvre par le régime, visant à encadrer les pratiques professionnelles et en amateur, contrôler le développement de l'industrie des loisirs et soutenir le domaine de la création. Elle tente de percevoir le rôle spécifique attribué à la musique dans la propagande, et notamment la production d'images musicales de la communauté nationale, par la référence au folklore, aux mythologies historiques et impériales. Elle approche enfin les sociabilités musicales, les nouvelles formes d'engagement des musiciens, leur intégration institutionnelle ou leurs stratégies de résistance et montre ainsi comment l'ingérence de l'Etat autoritaire dans les affaires musicales accéléra le processus d'autonomisation de la sphère musicale érudite, amorcé à la fin du XIXe siècle
This research draws a panorama of the portuguese musical life during the early years of Oliveira Salazar's dictatorship. It analyses the musical policies conducted by the regime, which aimed to supervise professional and amateur practices, control the growing leisure industry and support musical creation. It tries to understand the specific role of music inside propaganda, particularly the production of musical pictures of national community, which borrowed to folklore, historical and imperial mythologies. Finally, it describes musical sociabilities, the new forms of commitment of musicians, their institutional integration or their strategies of resistance and shows how the interference of the authoritarian state in the musical affaires accelerated the process of autonomisation of the learned musical sphere, initiated at the end of the 19th century

Cette thèse de doctorat présente le long processus socio-historico-politique (l’esclavage ; le colonialisme ; l’influence du christianisme; les phénomènes de migration ; la créolisation de la société jamaïcaine ; le dépeuplement des campagnes ; l’urbanisation des populations rurales ; l’américanisation de la société jamaïcaine ; la politique postcoloniale etc. ) et culturel (la religion rasta ; l’influence des musiques africaines, afro-caribéennes, afro-américaines et européennes ; les sound systems ; l’évolution de la technologie etc. ) qui a contribué de manière significative à l’essor et au développement des musiques populaires jamaïcaines au XXe siècle. Ainsi, cette étude retrace l’histoire du mento, du ska, du rocksteady, du reggae, du dub, du dub poetry, du toasting et du dancehall, principaux mouvements musicaux apparus à la Jamaïque au XXe siècle, tout en traitant de manière systématique et approfondie l’arrière-plan socio-historico-politico-culturel qui a agi sur les processus créatifs. Par ailleurs, ce travail de recherche analyse la manière dont ces styles musicaux ont influencé les sociétés du monde entier, notamment celles d’Europe, des États-Unis et d’Afrique
This Ph. D. Dissertation presents the long socio-historico-political (slave trade; colonialism; Christianity’s influence; migration phenomena; creolization of Jamaican society; rural depopulation; urbanization of rural populations; Americanization of Jamaican society; postcolonial politics etc. ) and cultural (Rasta religion; influence of African, Afro-Caribbean, Afro-American and European musical styles; sound systems; evolution of technology etc. ) process which has contributed to the birth and development of Jamaican popular musical genres in the 20th century. Thus, this study traces the history of mento, ska, rocksteady, reggae, dub, dub poetry, toasting and dancehall, the main popular musical genres which appeared in Jamaica in the 20th century, systematically and deeply analyzing the socio-historico-politico-cultural background which has acted on the creative processes. Furthermore, this research work examines the way these musical styles have impacted on worldwide societies, especially those of Europe, the USA and Africa

The music industry is a market of superstars, that is a market where a relatively small number of people earn enormous amounts of money and dominate the activity in which they engage (Rosen,1981). Theories on the superstars phenomenon suggest that luck (Adler, 1985) or talent (Rosen, 1981) are the driving forces behind success. Thus, the “superstars models” left performers with no “active” role: successful artists are either endowed with an innate talent far above the average or are extremely lucky. However, all musicians (talented or not; lucky or not) take continuously decisions that affect their career. Chapter 1 and 2 of this dissertation analyze in details some of these decisions and their influence on success.

Chapter 1, Rock Bands: Matching, Recording & Work Organization,4 investigates the impact of partnerships, matching, and work organization on the success of rock musicians using a unique database of 1,494 albums released between 1970 and 2004. We show that rock bands differ in their work organization because the agreements between the members of band are different. These agreements can be seen as implicit contracts. Drawing on this observation, we develop a model where agents (musicians) with different levels of creativity match (to form a band) and produce a joint output (a song). We show that the way agents match (positively or negatively) is correlated with success and depends on the (in)completeness of contracts. The theoretical results are supported by the data.

Chapter 2, Musical Characteristics and Success in Commercial Music, analyzes the relationship between musical characteristics, that can objectively be measured, and different types of success (commercial success, critical success, and success assessed by music lovers). We show that the strength and the direction (positive or negative) of the relationship between success and musical characteristics vary with the measure of success.

The third chapter goes in a slightly different direction than the two others as it deals with long term reputation of composers rather than commercial success of pop-rock musicians. Chapter 3, The Formation of the Canons of the Baroque Music, analyzes the reputation of baroque composers over time. The dataset makes it possible to describe the evolution of composers’ reputation and of the baroque canon. The entries in seven important musical dictionaries written between 1790 and 2000 are used to measure reputations. We provide evidence that a consensus exists between musicologists, who often rely on their predecessors’ work.

References:

Adler, M. (1985). Stardom and talent. American Economic Review, 75, 208-211.

Rosen, S. (1981). The economics of superstars, American Economic Review, 71, 845–858.

Doctorat en Sciences économiques et de gestion
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Ce travail s'attache à analyser la façon dont l'empereur Napoléon Ier a utilisé à des fins politiques la scène de l'Académie impériale de musique de 1810 à 1815. Vingt pièces peu connues furent créées durant cette période. Après avoir replacé l'Opéra dans le paysage théâtral parisien et décrit ses principaux acteurs, des administratifs aux créateurs, cette recherche aborde l'étude précise des vingt pièces du corpus. Elle essaie de mettre en évidence le long parcours traversé par ces oeuvres, chaque étape étant soumise au pouvoir des hommes de l'Empereur, du surintendant des spectacles aux censeurs du ministère de la Police. Cette étude tente de dégager combien ces ouvrages servaient la gloire du souverain par l'éclat des représentations, les thèmes abordés, et les allusions à l'actualité la plus brûlante. Les personnages présents sur les planches de l'Académie impériale de musique renvoyaient à un autre héros, Napoléon lui-même qui parfois honorait les représentations de sa présence. L'étude s'achève par l'évocation des spectacles et leur accueil par le public
This thesis adresses the relationship between music and power during French First Empire by examining the operas and ballets created at the Academie Imperiale de Musique from 1810 to 1815. It deals more precisely with the role of the institution and its major actors (director, composers and librettists), the process of selecting the operas and ballets, the role of censorship, the main themes of the plays and the reactions of the public

Au cœur de l’élan moderniste qui anime le XXe siècle, l’expression « théâtre musical » devient l’étendard d’une recherche esthétique de nouvelles formes de rencontre scénique entre le théâtre et la musique. Que l’objectif soit de moderniser l’opéra, de le remplacer, de réformer le théâtre ou de créer un nouveau genre à mi-chemin entre les deux arts, les collaborations rassemblant compositeurs et hommes de théâtre entendent présenter des œuvres actuelles, qui balaient les modèles esthétiques jusqu’alors dominants. Si l’approche du théâtre musical est complexe tant il s’avère polymorphe, le contexte social et la proximité des artistes avec le milieu activiste nous invitent à considérer également les œuvres selon leurs qualités militantes et/ou politiques. À l’heure où les sociétés européennes sont ébranlées des guerres mondiales et des modèles totalitaires qui donnent lieu à une instabilité sociale importante, l’espace esthétique pluridisciplinaire du théâtre musical se révèle propice à la réflexion philosophique et à l’expérimentation des modalités de protection et d’émancipation du politique. L’utopie artistique, qui incite à repenser les cadres formels du théâtre musical, dans lequel les disciplines sont travaillées selon un système de relation égalitaire et d’autonomie des voix, cultive aussi des modèles d’utopie politique. Ainsi, après avoir exploré les ambitions esthétiques du théâtre musical et leur traduction dans les œuvres, nous ne manquons pas d’étudier sa relation dialogique avec la pensée politique qui lui est contemporaine. C’est en effet parce que son espace artistique (processus et productions) convoque l’utopie politique pour relever les défis esthétiques de la pluridisciplinarité, que le théâtre musical devient le lieu privilégié d’une réflexion philosophique sur la pratique militante et sur les moyens de l’exercice politique, ainsi que sur l’idéal démocratique dont nous sommes aujourd’hui les héritiers
At the core of the modernist impetus that animates the 20th century, the phrase “musical theatre” becomes the emblem of the aesthetic search of new ways of mixing theatre and music on the stage. Whether the aim is to modernize the opera, reform the dramatic art, or create a new genre halfway between both arts, composers, dramatists and producers collaborate to produce modern works and dispense with the old prevailing aesthetic model. Approaching musical theatre is quite a challenge, as it is so polymorphic; and the social context and the artists’ closeness to the activists’ world invite us, when examining their works, to consider their militant and political standpoints. At a time when European societies are weakened by World Wars and totalitarian regimes that give rise to an important social instability, the multidisciplinary aesthetic space of the musical theatre turns out to favour philosophical thought and the experimentation of methods for the protection and the emancipation of politics. The artistic utopia, which encourages us to reconsider the formal pattern of musical theatre where the arts are used on equal terms and the voices are independent, also promotes a political utopia. Then, after exploring the aesthetic ambitions of musical theatre and how they are technically expressed in the works, we are sure to study their intricate two-way relationship with contemporary political thought. Because its artistic space (process and productions) uses political utopia to take up the aesthetic challenge of multidisciplinarity, musical theatre turns out to be the ideal place for a philosophical appraisal of the militant practice, of the degree of political exercise as well as of the democratic ideal it has passed on to us

Dans cette thèse, nous tâchons de démontrer que l’histoire de la musique à Alger entre les années 1860 et l’indépendance ne peut se passer d’une approche en termes de rencontre et de transferts entre les expressions musicales européennes et indigènes. Spectacle vivant et lieu de rencontre, la pratique musicale a été saisie très tôt au cours du XXe siècle comme un moyen de travailler au rapprochement des communautés ; un des principes auquel ont œuvré de nombreux acteurs de la société civile, appuyés de manière croissante par les autorités publiques. Le frottement soutenu entre les différents genres musicaux a contribué à en former et à en consolider les contours, de sorte que la musique dite aujourd’hui « çan‘a » ou « andalouse » d’Alger est le produit d’un dialogue entre Européens et indigènes. Ainsi, entre 1862 et 1962, il est possible de parler de chemin « franco-musulman » parcouru par les musiques d’Algérie ; chemin qui contribue à modeler leur forme et qui révèle que la portée historique de l’indépendance dans le champ musical est aussi limitée que sa force mémorielle est démesurée, quand on considère les discours nationalistes dont les musiques d’Algérie sont aujourd’hui investies. Cependant, le cas musical algérois est peut-être plus significatif dans le champ d’une histoire culturelle de la France : il révèle – contre toute attente ? – qu’en France, le multiculturalisme n’est pas une fonction de l’impérialisme. Considérer un instant qu’Alger n’est pas foncièrement « coloniale » entre 1862 et 1962, reconnaître qu’elle a un temps partagé le destin de l’hexagone et constater qu’elle est un lieu d’application d’une politique culturelle de la diversité interroge le jacobinisme français, dont on répète pourtant à l’envie, qu’il est congénital
In this dissertation, we seek to demonstrate that the history of music in Algiers from the 1860s to independence must be apprehended in terms of meeting and transfers between European and indigenous musical expressions. Characterized by live performance and being a point of contact, musical practice has been understood, as early as the beginning of the 20th century, as a means to create and tighten ties between communities; a purpose to which many actors of civil society have worked, increasingly supported by public authorities. Rubbed together, the different musical genres were modelled and consolidated, so that the Algiers’s so-called “Andalusian” musical tradition was, in fact, shaped by the dialogue between Europeans and indigenes. Thus, from 1862 to 1962, one can speak of Algerian music’s “franco-muslim” path; a path which reveals that the historical significance of Algerian independence in the field of music is as limited as its memorial weight is overwhelming in contemporary nationalist narratives on Algerian music. However, the Algiers musical case might be more telling from a cultural history of modern France point of view: it shows – surprisingly? – that in France, multiculturalism is not tied to imperialism. If one considers for a moment that Algiers, from 1862 to 1962, is not fundamentally “colonial”, admits that it has for a time shared a common destiny with the hexagone, and yields to the fact that it hosted a genuine cultural policy aimed at the promotion of diversity, one is led to wonder if Jacobinism, as is often said, is consubstantial to France

La Nouvelle Chanson (Nueva Canción Chilena) et le Chant Nouveau (Canto Nuevo) ont constitué au Chili deux processus successifs d’engagement artistique et militant à la fois dans le champ de la culture populaire et dans celui de l’action politique. Cette thèse propose l’analyse d’un vaste corpus de chansons écrites et interprétées pendant une période mouvementée de 25 ans : de la Révolution en liberté menée par Eduardo Frei, démocrate-chrétien, président du Chili de 1964 à 1970 à la transition démocratique amorcée par les partis de la Concertation à partir du référendum de 1989, en passant premièrement, par les mille jours du gouvernement populaire et de la Voie chilienne vers le socialisme proposée par Salvador Allende, puis, deuxièmement, par les 17 années de régime militaire sous la direction du général Augusto Pinochet. L’analyse de la chanson produite et diffusée durant cette période de forts bouleversements est une mise en lumière du sens des textes en fonction de l’interaction entre le projet créateur de l’artiste et sa réception. Elle s’appuie notamment sur les entretiens réalisés auprès d’artistes et agents culturels et sur la presse de l’époque. Nous proposons une réflexion sur les spécificités de la nouvelle chanson chilienne et sur la fonction sociale de la chanson populaire à la fois comme discours sur l’identité nationale et comme constitution d’un front d’action politique collective par la culture. Palimpseste d’une mémoire vivante, ces chansons ont favorisé la cristallisation de l’opposition face au régime militaire. La chanson populaire chilienne est entrée dans la construction à la fois intuitive et consciente de la mémoire face à un appareil politique qui œuvrait précisément à sa neutralisation
Nueva Canción Chilena (Chilean New Song) and subsequent Canto Nuevo (songs critical of the Pinochet regime produced within Chile during the military dictatorship) constitute two successive processes of artistic and militant commitment in the fields of popular culture and political action. This dissertation examines a broad corpus of songs written and performed over a period of 25 years: from the “Revolution in Liberty” undertaken by Christian Democrat President Eduardo Frei (1964-1970) to the democratic transition ushered by the Concertation of Parties for Democracy through the 1989 referendum. The time period covered by this study thus includes the one thousand days of Salvador Allende’s popular government (1970-1973), during which the “Chilean Way to Socialism” was initiated, as well as the seventeen-year-long military regime headed by General Augusto Pinochet (1973-1989). Through an analysis of the songs written and performed during this period of upheavals, this study attempts to elucidate the meaning of texts as it is produced by the interaction of the artist’s creative project with the forms of reception of that project. This analysis is based on interviews with the artists and on press archives from the period. I propose a reflection that focuses, on one hand, on the specificities of Nueva Canción Chilena and Canto Nuevo and, on the other hand, on the social function of popular song, construed both as a discourse on national identity and as the process of formation of a collective political front of action through culture. The palimpsest of a still vital memory, these songs contributed to the crystallization of an opposition to the military regime. Chilean popular song partook in the conscious and intuitive construction of memory, against a political apparatus that strove to neutralize it

Le statut complexe de l'art américain résulte du fait qu'il représente, en même temps, une projection de l'occident et le lieu de toutes ses altérites. La dualité des projets sociaux, historiques, politiques et économiques que cela implique, se manifeste par des modalités de composition instables car soumises à une double exigence. D'une part elles expriment une tendance à l'adhésion aux styles d'écriture européens que l'on restitue par des versions locales dissociées des contextes d'origine et de leur contingence historique. D'autre part elles s'avèrent incapables de gérer le contact permanent avec des systèmes musicaux qui se situent en dehors des paramètres de légitimité du récit savant. Ce double conflit met en évidence le caractère incomplet du processus de spécification esthétique au sein de la société
The complex status of American art results from the fact that it represents both a projection of the occident and the scene of all its othernesses. The duality of the social, historical, political and economical plans that it implies shows itself in modalities of unstable compositions because of its submission to a double particularity. On the one hand, they express a tendency to adhere to european writing styles reproduced in local versions which are dissociated from the original contexts and their historic contigency. On the other hand, they prove to be incapable of dealing with the permanent contact with musical systems that stand outside the legitimacy parameters of the learned speech. This double conflict underscores the incomplete character of the aesthetic specification process within the society

Cette thèse est consacrée à l’œuvre narrative de François Bon. Elle concerne donc les romans, récits, autobiographies et biographies qui ont été publiés par l’écrivain de 1982 à 2016. De ce fait, la question centrale d’une nouvelle approche de la lecture et de l’écriture liée au développement du numérique ne sera abordée que lorsqu’elle permettra d’éclairer le mode de fonctionnement des livres de l’auteur de Sortie d’usine. Ce travail s’intéresse ainsi à trois dimensions essentielles du contemporain que l’œuvre questionne de manière incessante et récurrente : l’origine, la mémoire et la problématique d’un réel qui est à la fois imposé comme évidence dans ses manifestations les plus flagrantes et escamoté comme rejeté lorsqu’il remet en question l’ordre et le déroulement du monde dans lequel nous nous trouvons immergé. Elle aborde ainsi un certain nombre de thèmes et réflexions sous-tendus par une littérature au présent : l’émergence du nouveau au sein d’un monde ancien, des signes contradictoires même que ce phénomène induit, l’importance fondamentale que l’époque pourrait revêtir du point de vue de l’histoire. Elle explore, en outre, le lien entre la machine économico-industrielle et un nouvel ordre du monde néo-libéral qui évacue, escamote et recycle à la fois passé et présent en même temps qu’il écrit une histoire dont nous pouvons être assurée qu’elle ne correspond en aucune manière à l’expression d’une vérité. Dans ce travail de recherche est exploré le plus souvent ce qui relève de formes nouvelles, dans la relation même que l’auteur entretient avec des domaines qui ne constituaient pas jusqu’à une époque récente des préoccupations éminemment littéraires : l’univers pop-rock, une phénoménologie de la mécanique et de l’automobile, la présence d’un monde postindustriel en lequel l’usine et l’ouvrier apparaissent comme autant d’emblèmes et symboles
This thesis is devoted to the narrative work of François Bon. Therefore it concerns the novels, stories, autobiographies and biographies which were published by the writer from 1982 to 2016. So, the central question of a new way of reading and writing linked to the development of digital technology will only be addressed when it will shed light on the way books by the author of Sortie d’usine work. This thesis is thus focused on three essential dimensions of the contemporary that François Bon’s work constantly and recurrently questions: the origin, the memory and the problematic of a reality that is both imposed as evidence in its most obvious manifestations and retracted as rejected when it calls into question the order and the unfolding of the world in which we find ourselves immersed. It thus addresses a certain number of themes and reflections underlying a literature in the present: the emergence of the new within an ancient world, even contradictory signs that this phenomenon induces, the fundamental importance that the era could have from the point of view of history. It also explores the link between the economic-industrial machine and a new neo-liberal world order that evacuates, escapes and recycles both past and present while at the same time writing a story that we can be sure it does not in any way correspond to the expression of a truth. In this research work, new patterns are most often explored in the very relationship that the author maintains with fields that until recently did not constitute eminently literary concerns: the pop-rock universe, a phenomenology of mechanics and the automobile, the presence of a post-industrial world in which the factories and the workers appear as so many emblems and symbols

Le compositeur français Robert Caby (1905-1992), auteur de près de neuf cent partitions, critique d’art, dessinateur et poète, n’a fait l’objet à ce jour d’aucune étude. Peu de musiciens se sont intéressés comme lui au groupe surréaliste. Mais il n’en a jamais fait partie et a toujours revendiqué son indépendance. Notre étude vise à montrer que ce qu’il retient du mouvement surréaliste, c’est avant tout une posture vis-à-vis de la musique régie par l’idée de liberté. Celle-ci se manifeste à travers son indépendance, sa recherche des effets libérateurs de la musique, son refus de s’enfermer dans un seul médium artistique, sa conception hétérogène de l’œuvre musicale. Après avoir exposé la relation de Robert Caby avec les surréalistes, notre étude dévoile d’autres centres d’intérêts expliquant son indépendance : son militantisme politique, son admiration pour Satie, son intérêt pour l’art radiophonique et le cinéma. La question des effets libérateurs de la musique est omniprésente dans ses écrits, qu’ils portent sur le rôle de la musique dans l’action révolutionnaire, le pouvoir onirique de la musique au service de l’image, ou le burlesque musical. Le ballet composé sur un argument de Prévert (1932) et la pièce radiophonique L’Objet aimé (1950) sur un texte de Jarry sont deux œuvres expérimentales qui témoignent d’une intégration des orientations du surréalisme. La question du pouvoir libérateur de la musique fait de Robert Caby un artiste inclassable, en porte-à-faux avec les compositeurs sériels de l’après-guerre. En établissant un lien entre l’indépendance de cet artiste et sa méconnaissance, cette étude réinterroge notre manière de faire l’histoire de la musique
Robert Caby (1905-1992), the French composer, art critic, drawer and poet, and author of nearly 900 scores, has not until now been the object of any formal study. Few musicians were as interested as he with the Surrealists. He never joined the group, however, and always staunchly maintained his independence. The present study aims to show that the primary idea he derived from the Surrealist movement was that of an approach to music rooted in the concept of liberty. This is manifest in his independence, his research into the liberating effects of music, his refusal to be bound to a single artistic medium, and his heterogeneous perspective of musical works. After expounding Robert Caby’s relationship with the Surrealists, this study reveals other points of interest that illustrate his independence: his militant political activism, his admiration for Satie, and his fascination with radiophonic art and cinema. The notion of the liberating effects of music is omnipresent in his writings, whether they focus on the role of music in revolutionary action, music’s oneiric power when set to aid images, or on burlesque music. Two of his experimental works – the ballet based around a motif from Prévert (1932), and the radiophonic piece, L’Objet aimé (1950), inspired by a text by Jarry – bear witness to a combination of aspects of Surrealist thought. The question of music as a liberating force marks Robert Caby as an artist who defies classification, at odds with the serialist composers of the post-war period. By establishing a link between the artist’s independence and his relative obscurity, this study calls back into question the way in which the history of music is written

Tableau d'honneur de la FÉSP
Tableau d'honneur de la FÉSP
Cette thèse porte sur l’analyse du récit identitaire (découlant tant de la musique, de l’imagerie que du discours) de la communauté de métal noir québécois (MNQ). S’étant développée dans la province de Québec vers 2005, cette communauté toujours active renferme un certain nombre de groupes (dont Forteresse, Brume d’Automne et Chasse-Galerie) employant le style black metal. En provenance de l’Europe du Nord, ce style s’est constitué dans les années 1980 et traite principalement de thématiques occultes, de la valorisation des cultures préchrétiennes ou encore de nationalisme, et ce, à l’aide d’une réalisation sonore lo-fi. La particularité de la communauté de MNQ réside dans l’adaptation du style black metal au contexte québécois. Ainsi, les musiciens projettent une vision romantique d’un Québec indépendant tant à travers la musique, l’imagerie que les discours. Ce faisant, ceux-ci créent donc un récit identitaire, où les différents événements liés à l’histoire de la province sont revisités afin de mieux cadrer dans l’idéologie black metal à laquelle ils adhèrent. Pour mieux comprendre comment se structure le récit musical, ainsi que ceux découlant de l’interprétation des images des livrets et du discours des membres de la communauté, les concepts de récits phonographique, paraphonographique et communal ont été employés. La jonction de ces trois niveaux de récit (phonographique, paraphonographique et communal) permet de faire émerger le récit dit « identitaire », un concept élaboré par le philosophe Paul Ricoeur. En effet, celui-ci avance que notre identité personnelle et collective est ordonnée à travers la narration et que l’interprétation de différents événements historiques – par les membres d’une communauté donnée – forme un récit identitaire particulier. Afin de comprendre ce récit identitaire, j’ai mené 21 entretiens ethnographiques avec 25 membres de la communauté de MNQ et fait l’analyse d’un total de 48 chansons en provenance de 10 groupes. Ainsi, la jonction de ces niveaux de récit a favorisé une meilleure compréhension des éléments musicaux, visuels et discursifs spécifiques de cette communauté qui, en plus de réutiliser les codes idéologiques et esthétiques propres au black metal, puise dans les références culturelles et historiques québécoises.
Cette thèse porte sur l’analyse du récit identitaire (découlant tant de la musique, de l’imagerie que du discours) de la communauté de métal noir québécois (MNQ). S’étant développée dans la province de Québec vers 2005, cette communauté toujours active renferme un certain nombre de groupes (dont Forteresse, Brume d’Automne et Chasse-Galerie) employant le style black metal. En provenance de l’Europe du Nord, ce style s’est constitué dans les années 1980 et traite principalement de thématiques occultes, de la valorisation des cultures préchrétiennes ou encore de nationalisme, et ce, à l’aide d’une réalisation sonore lo-fi. La particularité de la communauté de MNQ réside dans l’adaptation du style black metal au contexte québécois. Ainsi, les musiciens projettent une vision romantique d’un Québec indépendant tant à travers la musique, l’imagerie que les discours. Ce faisant, ceux-ci créent donc un récit identitaire, où les différents événements liés à l’histoire de la province sont revisités afin de mieux cadrer dans l’idéologie black metal à laquelle ils adhèrent. Pour mieux comprendre comment se structure le récit musical, ainsi que ceux découlant de l’interprétation des images des livrets et du discours des membres de la communauté, les concepts de récits phonographique, paraphonographique et communal ont été employés. La jonction de ces trois niveaux de récit (phonographique, paraphonographique et communal) permet de faire émerger le récit dit « identitaire », un concept élaboré par le philosophe Paul Ricoeur. En effet, celui-ci avance que notre identité personnelle et collective est ordonnée à travers la narration et que l’interprétation de différents événements historiques – par les membres d’une communauté donnée – forme un récit identitaire particulier. Afin de comprendre ce récit identitaire, j’ai mené 21 entretiens ethnographiques avec 25 membres de la communauté de MNQ et fait l’analyse d’un total de 48 chansons en provenance de 10 groupes. Ainsi, la jonction de ces niveaux de récit a favorisé une meilleure compréhension des éléments musicaux, visuels et discursifs spécifiques de cette communauté qui, en plus de réutiliser les codes idéologiques et esthétiques propres au black metal, puise dans les références culturelles et historiques québécoises.
This thesis refers to the analysis of the identity-based narrative (resulting from music, imagery and speech) of the Québec black metal community (MNQ). Having developed in the province of Quebec around 2005, this still active community contains several groups (including Forteresse, Brume d’Automne and Chasse-Galerie) using the black metal style. Coming from Northern Europe, this style was created in the 1980s and deals mainly with occult topics, the valorization of pre-Christian cultures or even nationalism, and this, with the help of a lo-fi sound production. The particularity of the MNQ community lies in the adaptation of the black metal style to the Québec context. Thus, musicians project a romantic vision of an independent Québec through music, imagery and speeches. In doing so, they create an identity-based narrative, where the various events related to the history of the province are revisited to better fit into the black metal ideology to which they adhere. To better understand how the musical narrative is structured, as well as those arising from the interpretation of the images of the booklets and the discourse of the members of the community, the concepts of phonographic, paraphonographic and communal narrative were used. The junction of these three levels of narrative makes it possible to reveal the « identity-based » narrative, a concept elaborated by the philosopher Paul Ricoeur. Indeed, he argues that our personal and collective identity is ordered through narrative and that the interpretation of different historical events – by the members of a given community – forms a particular identity-based narrative. To understand this identity-based narrative, I conducted 21 ethnographic interviews with members of the community and performed the analysis of 48 songs total from 10 MNQ groups. Thus, the junction of these levels of narrative has fostered a better understanding of the specific musical, visual and discursive elements of this community which, in addition to reusing the ideological and aesthetic codes specific to black metal, draws on Québec cultural and historical references.
This thesis refers to the analysis of the identity-based narrative (resulting from music, imagery and speech) of the Québec black metal community (MNQ). Having developed in the province of Quebec around 2005, this still active community contains several groups (including Forteresse, Brume d’Automne and Chasse-Galerie) using the black metal style. Coming from Northern Europe, this style was created in the 1980s and deals mainly with occult topics, the valorization of pre-Christian cultures or even nationalism, and this, with the help of a lo-fi sound production. The particularity of the MNQ community lies in the adaptation of the black metal style to the Québec context. Thus, musicians project a romantic vision of an independent Québec through music, imagery and speeches. In doing so, they create an identity-based narrative, where the various events related to the history of the province are revisited to better fit into the black metal ideology to which they adhere. To better understand how the musical narrative is structured, as well as those arising from the interpretation of the images of the booklets and the discourse of the members of the community, the concepts of phonographic, paraphonographic and communal narrative were used. The junction of these three levels of narrative makes it possible to reveal the « identity-based » narrative, a concept elaborated by the philosopher Paul Ricoeur. Indeed, he argues that our personal and collective identity is ordered through narrative and that the interpretation of different historical events – by the members of a given community – forms a particular identity-based narrative. To understand this identity-based narrative, I conducted 21 ethnographic interviews with members of the community and performed the analysis of 48 songs total from 10 MNQ groups. Thus, the junction of these levels of narrative has fostered a better understanding of the specific musical, visual and discursive elements of this community which, in addition to reusing the ideological and aesthetic codes specific to black metal, draws on Québec cultural and historical references.

Le rock émerge en URSS en tant que « forme culturelle contestable », dont la pratique est soumise à une gestion différentielle et aléatoire par les institutions soviétiques. Les façons de légitimer le rock, adoptées par ses acteurs dans les années 1970 et 1980 accusent une évolution liée à la fois à la dynamique internationale du genre, et à la contrainte nationale (propre au « régime » et à la culture soviétique officielle. L'oscillation du milieu rock à Léningrad entre les deux univers, induit des modes originaux d'adaptation et permet une forme d'autonomie spécifique aux acteurs. Se trouvant dans l'épicentre des luttes politiques de la Perestroïka et consommé en masse, le rock redevient en Russie post-soviétique, une pratique plutôt minoritaire. De nouvelles figures de la création, inspirés des courants émergents et en rupture avec les modèles anciens de légitimité et d'alterité, se déploient, à Saint Pétersbourg, à travers les clubs, établissements inédits pour la Russie, calqués sur leurs homologues occidentaux mais accusant des dynamiques propres. S'affirmant d'abord comme « underground » et instance de reconnaissance confidentielle de musiciens (faisant partie alors du même microcosme), les clubs, sous l'emprise des processus de marchandisation, dès la fin des années 1990, redéfinissent leurs priorités et s'éloignent de ce rôle originel. Ils imposent de nouvelles contraintes aux musiciens. Ce processus restructure en profondeur les milieux de la scène locale, appréhendés ici tant à travers les archives et publications diverses, que par un travail continu de terrain, bénéficiant d'une ouverture comparative
Rock music emerged in the USSR as "a questionable art form" the practice of wich was handled in a differentiated and somewhat inconsistent manner by soviet institutions. The means chosen by its protagonists to legitimise rock music during the 1970's and 1980's took account of both the genre's international dynamic and the national constraints placed upon it (typical of the "regime" and of soviet culture). The Leningrad rock milieu's oscillation between these two contexts created particular methods of adaptation and a form of autonomy unique to the protagonists involved. Finding itself at the epicentre of the political struggles generated by Perestroika and consumed en masse, rock music nevertheless became a somewhat minor activity in post soviet Russia. New creative figures, inspired by emerging trends and breaking with old models of legitimacy and otherness, distributed themselves across St Petersburg via night clubs, establishments new Russia and wich were modelled on their western counterparts but wich had their own style. Establishing themselves as an "underground" scene and thus giving musicians recognition within a closed circle (being part of the same microcosm) the club in becoming commercial at the end of the 1990's redefined their priorities and moved away from their origins. They started imposing new limits on musicians. This process created a profound restructuring of the local scene and its milieux revealed here both through archives and other publication as well as coutinuous fieldwork benefiting from an openness in comparative studies

La place de la culture dans la construction de l’identité nationale est un enjeu fondamental dans la période post coloniale à la Jamaïque. Cet enjeu interpelle les différents segments de la société. La démarche nationaliste officielle de l’Etat post colonial impose un paradigme universaliste qui, malgré sa prétention à décliner une vision progressiste, s’avère contre-productive dans un contexte sociopolitique marqué par la forte présence du nationalisme noir. Celui-ci s’engouffre dans les brèches de la vision officielle pour articuler un discours de résistance basé sur la notion de race. Quelles sont les définitions de la culture de l’ndépendance à nos jours ? Quels ont été leurs paramètres et leurs méthodes d’application à travers les politiques culturelles ? Quelles sont les significations des pratiques culturelles au sein de l’espace légitime défini par l’Etat post colonial ? Ce travail de recherche répond à ces interrogations et analyse la prégnance d’une définition raciale de l’identité observée chez les Jamaïcains, notamment chez ceux issus des couches populaires qui sont les acteurs et les consommateurs de la musique dancehall. Pourtant, en mêlant des perspectives de confrontation et de négociation, le dancehall s’affirme comme étant une création populaire composite. Il s’agit d’un espace d’hybridation paradoxal qui reproduit et conteste les déterminismes identitaires d’une société aux structures rigides. Après avoir situé le cadre d’hybridation socioculturelle du dancehall, cette thèse tente d’interroger la signification des représentations populaires dans un espace public (légitime) structuré autour de hiérarchies sociales et de rapports de domination. D’une part, elle souligne la spécificité et les limites de la production socioculturelle de la musique populaire jamaïcaine, en utilisant une approche comparative entre le rap américain et le dancehall. D’autre part, elle consacre une étude au potentiel politique du discours des artistes du dancehall confrontés aux nationalismes, en identifiant des dynamiques de compromis et de dialogue au sein de l’espace social jamaïcain. Enfin, s’appuyant sur la dialectique de la distinction et les mécanismes de domination formulés de manière théorique par Pierre Bourdieu, ce travail de recherche examine les différences symboliques constatées entre les segments de la société jamaïcaine dans leur rapport aux faits culturels. Pour ce faire, il met en lumière les stratégies sociales et, à travers une analyse des possibilités de reconnaissance et de contestation de la légitimité culturelle, replace le dancehall dans une fonction sociale dont la dimension symbolique est considérable. Ainsi, cette thèse rend compte des négociations politiques et sociales dans la société jamaïcaine, de même qu’elle expose les dynamiques constructives de contestation du statu quo et de dialogue avec les structures de l’Etat-nation
The instrumental role of culture in the construction of national identity is widely accepted within Jamaican society. The post-colonial state has imposed a universalist paradigm which appears to be a self-defeating vision insofar as it has reinforced black nationalism and racial conceptions of identity since independence. What have been the definitions of the notion of culture since independence? How were they theorized and implemented through cultural policies? What is the significance of cultural practices within the legitimate space of the post-colonial state? These questions will be examined in terms of their implications for Jamaica’s social reality characterized by the permanence of racialized and class-based constructions of identity. Referring to the notion of culture in institutional and social contexts, this thesis enhances the relational ethos of Jamaican popular culture through an in-depth study of dancehall music. As a paradoxical space of cultural production, dancehall’s distinctive creativity generates a hybridized textual arena where different discourses can interact dialectically in various forms, thereby constituting a paradigm for both contestation and dialogue. Using a corpus of lyrics, interviews and other primary sources, this thesis primarily engages in a comparative study between American rap and dancehall in order to illustrate the specificity of Jamaican popular music. Then, it analyzes the dialogic dynamics involved in the relationship between the dominant and dominated classes of Jamaican society, by uncovering the potential of dancehall discourses in a context of traditional sociocultural distinctions and contending nationalisms. Drawing from Bourdieu’s theory of cultural legitimacy, this thesis also seeks to interrogate the distinctive pattern of reproduction of the hegemonic relationship between the dominant and dominated classes in Jamaica today. Therefore, the low level of consciousness of symbolic domination that is displayed in dancehall music is questioned, and the social strategies that can challenge and reproduce the hierarchically fixed discourse of cultural legitimacy are discussed. In so doing, this thesis reinscribes Jamaican dancehall’s social role, whose significant symbolic dimension has always been a matter of negotiation with the rigid structures of the nation-state

Cette étude examine deux mouvements culturels qui ont joué un rôle central dans la configuration de la « musique populaire argentine» du dernier vingtième siècle; 1) le Nuevo Cancionero, mouvement qui à partir des années 1960 interroge et reformule le paradigme discursif du courant traditionaliste de la musique « folklorique» argentine; 2) la mouvance contre-culturelle du rock qui émerge à la même période sous le nom de mûsica progresiva et se consolide au début des années 1980 comme expression. Emblématique de la « culture nationale », En reconstituant et en articulant des trajectoires, performances et répertoires marquants, notamment ceux de la chanteuse Mercedes Sosa, ce travail rend compte des artefacts, espaces et modes de représentation et médiation constitutifs de ces cultures musicales. Ce faisant, on est amené à considérer les pratiques performancielles et discursives à travers lesquelles ces musiques « populaires» se sont constituées en tant que telles. Cette démarche nous permet de mieux saisir les trames idéologiques, identitaires et esthétiques qui traversent ces pratiques et, partant, les traditions culturelles et politiques dont elles sont tributaires. À la lumière de cette analyse, la musique populaire argentine émerge comme un champ culturel interstitiel et hétéroclite au sein duquel la mise en scène et en récit des identités dites subalternes - celle du « paysan opprimé» ou du « jeune subversif» - s'imbrique et se confond avec le dispositif discursif d'un imaginaire culturel dominant : celui de la « patrie».

Du 19e siècle à nos jours, la musique chinoise a pris une nouvelle direction. La création musicale en Chine s'est développée à travers les diverses cultures et les changements de politique, conférant ainsi un charme particulier à la musique contemporaine chinoise. A partir du début de l'imitation occidentale et juste avant la fondation de la nouvelle Chine, les musiciens chinois sont parvenus à associer les éléments musicaux chinois avec les nouveaux langages musicaux. Au cours de certaines périodes, l'art avait été asservi au pouvoir politique et la création musicale de style traditionnel était l'identité principale. Après de vagues stratégies d’Etat successives, l’évitement des thèmes sensibles, les besoins urgents de la culture racine, la mise en œuvre des techniques expérimentales s’est déployée et diversifiée et les échanges internationaux ont conduit à l'émergence du départ à l'étranger des compositeurs chinois pour chercher leur propre chemin créatif. La musique contemporaine de la Chine s’est élaborée à partir de la technique occidentale et a progressé dans le contexte culturel chinois et ses racines multiples, les pensées fermées et les expériences d'enfance dans l'environnement culturel pur et la collision du nouvel environnement créent des œuvres d'art fascinantes, la rendant remarquablement différente de la musique contemporaine occidentale. Durant ces 30 dernières années de développement économique et d'ouverture politique, la société chinoise s’est de plus en plus internationalisée; les nouvelles technologies et les profils variés des compositeurs ont incité la nouvelle génération à mettre en place d’excellentes innovations musicales spécifiques
As of the 19th century up to now, Chinese music has been taking a new direction and has developed in the wake of social evolutions. In China, the musical creation was affected by both the various cultures and political changes, thus bestowing a special charm on contemporary Chinese music. From the beginning of Western imitation and just before the founding of the new China, Chinese musicians succeeded in matching the Chinese musical elements with the new musical languages. Throughout specific periods, art had been bound to political power, and traditional style constituted the main identity of musical creation. Following the Cultural Revolution, the return to the root culture, the implementation of diversified experimental techniques have resulted in the departure of Chinese composers abroad in search of their own creative way. Contemporary Chinese music developed from Western technique and progressed in the Chinese cultural context and its multiple roots, closed thoughts and childhood experiences in the pure cultural environment and the collision of the new environment is now creating fascinating works of art, remarkably different from Western contemporary music. During the last 30 years of economic development and political openness, Chinese society has become increasingly internationalized; the new technologies and the varied profiles of composers have prompted the new generation to set up outstanding specific musical innovations

Considérant un rap comme une entité auditive et relationnelle, l'étude adopte une perspective pragmatique afin de répondre à la demande sociale à son égard, qui concerne un excès de violence et un défaut de citoyenneté.
La mise à l'épreuve de deux outils, l'interénonciativité et l'écoute-en-action, met en évidence une éthique incarnée de la voix, dans la mesure où les actions vocales rendent présents sur une même scène auditeurs et rappers. Mais les énonciations de contestations instancient, contre un Eux, un Nous ; et ouvrent sur un régime particulier d'amour/haine.
Pour en rendre compte il faut prendre acte de la centralité du langage dans les paroles : les violences verbales prennent place dans une conception plus générale du langage. Celle-ci forme une réhabilitation de l'institution du langage, afin d'établir un lien social avec Nous. Le rap utilise à ce titre les ressources de l'institution phatique du langage et réalise une politique incarnée de la voix adressée.

Ce travail de thèse se propose d’étudier une pratique culturelle, celle des groupes de cornemuses ou pipe bands, telle qu’on la trouve dans la société nord-irlandaise contemporaine dite « post-conflit ». En abordant la pratique musicale comme pratique du quotidien et occasion répétée d’échanges et d’interactions, ce travail cherche à évaluer comment celle-ci contribue à la formation et au renouvellement de normes et de valeurs collectives. L’Irlande du Nord émergeant d’un conflit qui continue de modeler les relations sociales et la vie politique, il s’agit également d’approcher, par le biais des pratiques culturelles, les dynamiques de transformations du conflit. De par cette approche, ce travail se propose d’envisager les produits de la socialisation musicale en tant qu’ils constituent une réponse à l’héritage du conflit. La musique comme pratique est par ailleurs envisagée en tant qu’elle permet une action sur le monde et une réinvention de la conflictualité
This thesis endeavours to study pipe bands as a cultural practice in contemporary "post-conflict" Northern Irish society. By approaching music as an everyday practice and a repeated opportunity for exchange and interaction, this work seeks to evaluate how it contributes to the formation and renewal of collective norms and values. As Northern Ireland emerges from a conflict that continues to shape social relations and political life, this work also aims at approaching, through cultural practices, the dynamics of conflict transformation. Through this standpoint, this thesis whishes to consider the products of musical socialization in response to the legacy of conflict. Music as a practice is also thought of as allowing an action on the world and a reinvention of conflict

La musique électronique techno a connu un regain de succès depuis son essor mondial dans les années 1980 et 1990. Les discothèques, les usines désaffectées et les parcs urbains ne sont que quelques-uns des espaces où ce phénomène fusionne avec la ville. Parallèlement, la vie nocturne prend une place centrale au sein des nouvelles économies urbaines, en s’associant aux processus de gentrification. Au cours de cinq années de recherche entre Londres et plusieurs métropoles occidentales, dont Détroit et Berlin, nous avons pu constater une certaine affinité entre la musique techno et la question urbaine. L’observation participative et la mise en place d’un projet de recherche-action ont révélé que la musique techno s’impose en tant qu’élément esthétique à même de créer de nouveaux territoires. La valeur de ces espaces croît à mesure que les nouvelles technologies s’affirment, en transformant la techno en capital symbolique. Les politiques urbaines technocratiques exploitent ce capital pour accumuler du profit, tandis que les subjectivités qui s’en réapproprient au-delà des logiques commerciales créent un discours alternatif sur les possibilités de la technique, dans un conflit technologique entre politiques technocratiques et techno-politiques. À travers une lecture interdisciplinaire qui se réfère à l’écologie critique de Guattari sur la relation entre techno, technique et technologie, cette thèse entend identifier comment l’esthétique de la techno se pose en facteur de subjectivation de la modernité tardive. Cette étude pourra intéresser toutes les personnes qui évoluent dans les domaines de la musique électronique, de l’écologie sociale, de l’urbanisme et de l’esthétique
Electronic and techno music have experienced a new wave of success after the global explosion of the 1980s and 1990s. Clubs, abandoned factories and urban parks are just some of the spaces in which this phenomenon merges with the city. At the same time, nightlife activities play an important role for new urban economies, often contributing to gentrification processes. During five years of research between London and other cities including Detroit and Berlin, a relationship of affinity between techno music and the urban theme emerged. From participant observation to the collection of interviews, from the analysis of materials to a multimedia research-action project, this study interprets techno music as an aesthetic element that creates urban and virtual territories. The value of these social spaces grows with the emergence of new technologies, making techno the symbolic capital of technoculture. Technocratic policies use this capital to accumulate profit, while those subjectivities that regain possession of techno outside market-led business models contribute to the production of an alternative discourse on the possibilities of technology. This contrast results in a conflict within the technological, between “technocratic policies” and “techno-politics”. With an interdisciplinary approach rooted in Guattari’s social ecology of the links between techno, technics and technology, this thesis seeks to identify the ways in which techno aesthetic functions as a component of subjectivation. The work can interest those doing research in the fields of electronic music, ecology, urban studies and aesthetics

Cette thèse interroge la dimension identitaire des politiques publiques liées aux musiques populaires en France à partir d’une approche spatio-temporelle. En considérant une politique de représentations sonores dans une perspective communicationnelle post-critique, les cultures musicales populaires apparaissent comme le terrain privilégié pour envisager à la fois des moyens de représentation de mouvements culturels et des réalisations concrètes d’actions publiques. La notion de réglementation, en tant que discipline du corps et mode d’accessibilité, donne à voir les rapports de pouvoir et les conflits de définition au sein des médias et des espaces urbains liés aux esthétiques populaires. Cette étude montre d’abord, à partir de l’exploitation d’un fonds d’archives inédit, comment les éditeurs phonographiques français ont mené une politique du disque jusqu’à devenir les seuls représentants de l’industrie musicale auprès des pouvoirs publics. Les industries culturelles ne sont pas seulement l’un des enjeux mais également l’un des acteurs des politiques publiques. De là, nous avons associé une « spatio-analyse » des musiques populaires (au sein de scènes musicales comme des lieux de ressources, de luttes et d’actions) à une étude des médias (comme lieux de défense ou d’abandon d’identités). La mise en perspective de la scène parisienne avec celles de Sydney et de Québec permet de singulariser des ressources locales inscrites dans les problématiques contemporaines de transnationalisation et d’hybridation culturelle, et de situer plus largement les enjeux politiques de la culture. Dans le contexte de pluralisme et de droits culturels des sociétés modernes, nous proposons finalement de revoir les représentations nationales qui guident les modes de gouvernance culturelle
This thesis studies the identity dimension of French popular music policies from a spatio-temporal approach. By considering politics of sound representations within a post-critical communication perspective, we have defined popular music cultures as the privileged site of study of both means of representation for cultural movements and cultural public policies. The notion of regulation as a discipline of the body and an accessibility mode, focuses on power relations and conflicts of definition in media and urban spaces associated with popular aesthetics. Using analyses based on unpublished archives, we first show in this study how the French phonographic publishers have conducted a policy towards music recordings to become the sole representatives of the music industry from the government’s point of view. Cultural industries are therefore not only the object of cultural policy, but also one of its actors. We then combine a « spatial analysis » of popular music (where scenes are places of resources, struggles and actions) with a media study (media as places of defense or abandonment of identities). Looking at the Parisian scene alongside those of Sydney and Quebec allows the singling out of local resources within the contemporary problematics of transnationalisation and cultural hybridisation and the locating of broader political issues of culture. We finally argue that, within the context of modern pluralist societies and cultural rights, national representations that guide the patterns of cultural governance need to be put into question

Les processus de la mondialisation culturelle sont décrits en termes de circulation d’idées, de personnes et de produits (Appadurai 1996), et ils sont également concomitants de pro-cessus de la négociation de l’identité (Hall 1992). La question principale au cœur de cette recherche est de déterminer comment les membres d'un groupe de Hip-Hop taïwanais, qui pratiquent une culture dite ‘mondiale’, participent à la définition de la culture ‘taïwanaise’ dans le contexte local et international, animés d’un projet politique précis, celui de l'indé-pendance nationale. Étant basé à Taipei, capitale de Taïwan, j’ai entrepris des entrevues se-mi-dirigées avec certains membres du groupe Kou Chou Ching, avec des personnes pré-sentes à leurs concerts et j’ai exploré d'autres espaces et activités associés à la culture Hip-Hop. Des informations à propos du groupe et des fans ont également été acquises grâce aux paroles de leurs chansons et aux informations publiques accessibles sur Internet, incluant les médias, les sites de réseautage social et les blogs des membres. L'auto-identification stylistique du groupe est le Hip-Hop, et à ce titre, ils intègrent un dis-cours de justice sociale à des compositions musicales et des activités commerciales. Ils se distinguent d’autres artistes de Hip-Hop à Taïwan par leur intégration de sons et images qui sont, selon eux, d’un héritage proprement taïwanais. C'est ainsi qu'ils se situent dans un es-pace hybride et fluide (Hannerz 1997), avec des identifications multiples et contextuelles. Les associations stratégiques qu’ils nouent avec des figures culturelles et politiques contri-buent à leur popularité, mais elles érigent également des frontières (Barth 2000) qui empê-chent leur intégration dans de nouveaux domaines de la scène musicale locale et internatio-nale. Globalisation is a process which is described in terms of the circulation of ideas, individuals and commodities (Appadurai 1996) and these processes are always related to identity negotiation (Hall 1992). The purpose of this research project is to determine the role that the identification to Hip-Hop, recognized as a global culture, plays on the members a musical group who seek to contribute not only to the definition of local popular culture, but also to the political objective of national independence. The fieldwork was carried out in Taipei, Taiwan, where semi-structured interviews were conducted with some of the members of the band, as well as with people who were present at shows and other activities of the Hip-Hop scene. Information about the group and fans was also gathered through the Internet and media resources. The self-identification of the group is Hip-Hop, which entails that they incorporate a dis-course of social justice to their musical compositions and commercial activities. They differ from other Taiwanese Hip-Hop artists in that they incorporate sounds and images that, so they claim, are typically Taiwanese expressions of cultural heritage. Through these multiple and contextual referents, they are situated in a hybrid and fluid spaces (Hannerz 1997). As they strategically bond with important cultural and political figures, the musicians succeed in gaining popularity with politically aligned media and fans. However, they have also cre-ated boundaries (Barth 2000) within the local and international music scene.

Notre mémoire porte sur le phénomène de l'engagement dans la chanson québécoise qui s'observe à nouveau dans les années 1990 et qui diffère de celui associé aux chansonniers nationalistes de la Révolution tranquille. Réuni en 1990, le groupe Les Colocs propose pour sa part une œuvre qui a prise sur le réel et qui instaure avec la société extérieure un dialogue témoignant d'un engagement social particulier. Afin de caractériser celui-ci, nous nous intéressons au parcours du groupe, jalonné de trois albums (Les Colocs en 1993, Atrocetomique en 1995 et Dehors novembre en 1998) qui sont autant de lieux où redéfinir cet engagement. Il s'agit, en posant un regard sociocritique sur chacun d'eux, de dégager les possibles, les moyens et les difficultés de la chanson engagée dans le contexte des années 1990. Nous observons ainsi que cette décennie n'est pas homogène du point de vue de l'engagement, mais plutôt qu'elle est divisée par deux mouvements, d'abord un élan puis une retombée. Notre étude présente une analyse en quatre temps. Elle dresse d'abord un portrait identitaire des Colocs qui tient compte de leur métissage culturel, de leurs prises de position et de leurs postures. Puis, elle procède à l'analyse chronologique des trois albums du groupe, s'attachant à ce qui les caractérise sur le plan de l'engagement social. Une attention soutenue est portée à la dimension musicale de l'œuvre à étude, mais la sociocritique demeure l'assise méthodologique principale de notre mémoire.

Dès 1870, dans un contexte politique et social français marqué par un patriotisme, voire un nationalisme antigermanique et revanchard, l’État ressent le besoin de redéfinir la nation et de diffuser jusque dans les arts un nouvel esprit français marqué par les valeurs issues de la Révolution. La chute de l’Empire et l’arrivée des républicains sur la scène politique marquent un tournant idéologique durant lequel un projet de rénovation des arts se dessine. Il a pour objectif de contribuer à la régénération de la société et à la naissance de citoyens nouveaux. En étudiant à la fois le projet théorique initial, ses répercussions sur les arts et plus spécifiquement sa réalisation en musique, nous souhaitons démontrer dans cette thèse une certaine perméabilité entre « les champs politique et administratif » et « le champ artistique ». Une première partie, consacrée à l’étude du contexte officiel du tournant du siècle ainsi qu’à celui de la presse artistique, examine le projet de rénovation des arts tel qu’il a été pensé par l’État. L'une de ses principales caractéristiques réside dans sa dimension sociale et politique. Il est envisagé comme un moyen d’action humaniste ayant pour objectif d'éduquer les hommes et les femmes dans leur quotidien. L'art doit devenir source de lien social, de fraternité et de communion, afin de ranimer les valeurs républicaines. Dans une seconde partie, nous étudions le rôle singulier de la musique au sein de ce projet. Un mouvement de propagande musicale est initié et un service public de la musique est mis en place : il s’agit de démocratiser la musique, en rendant son enseignement accessible à tous, et en l'intégrant au quotidien à travers des événements fédérateurs à la dimension patriotique forte. C’est grâce à l’école, rendue obligatoire, que le projet va largement se réaliser. L’analyse d'exemples significatifs de chants scolaires nous permettra de vérifier comment les valeurs défendues par le projet républicain se diffusent jusque dans le langage musical
Since 1870, in a political and social context marked by patriotism, or even anti-Germanic nationalism, the French State felt the need to redefine the Nation and disseminate into the arts a new “esprit français” marked by the values inherited from the Revolution. The fall of the Empire and the advent of the Republicans on the political scene initiated an ideological turning point during which a project of arts renovation emerged. Its aim was to contribute to the regeneration of society and to the birth of a new citizen. By studying both the initial theoretical project, its impact on the arts and more specifically its implementation in music, this dissertation will demonstrate a certain permeability between political and administrative fields and the arts.The first part, devoted to the study of the official context of the turn of the century as well as that of the art press, will examine the project of arts renovation designed by the state. One of its main features lying in its social and political dimension, it was envisaged as a humanist mean of action to educate men and women in their daily lives. The arts would become source of social connection, fraternity and communion, whose main objective was to revive the Republican values.During the second part, we shall study the singular role of music within the project. A musical propaganda movement was indeed initiated and a “service public” of music established in order to democratize music, make its education accessible to all, and integrate it in strong unifying patriotic events. Through the institution of compulsory school throughout France, the project will also largely be realized. The analysis of significant examples of school songs will thus demonstrate how the values upheld by the Republican project also diffused into the musical language

Le travail présenté ici montre, à travers l’étude du festival du Hellfest, festival annuel de musique metal se déroulant à Clisson en Loire-Atlantique, que cette musique constitue une véritable culture. Pour comprendre la place actuelle qu’occupe le Hellfest pour la communauté metal, il est nécessaire d’en connaître l’évolution depuis sa création, d’interroger les relations qu’il favorise entre festivaliers, entre festivaliers et artistes et de questionner son rôle en tant que lieu permettant à une communauté sans ancrage géographique de se rassembler pendant un temps donné. Les sociabilités diverses qui se vivent au Hellfest ne peuvent se comprendre sans s’intéresser à l’économie particulière mise en place par les organisateurs, économie qui participe à la reconnaissance de l’événement et influe sur les sociabilités. Les organisateurs ont eu et ont le souci de prendre en compte les souhaits des festivaliers de tous les sous-genres de musique metal, les rendant acteurs et non simples consommateurs et ont su associer les acteurs économiques locaux. Le Hellfest permet dans la vie de chaque métalleux une pause dans un espace particulier, durant un temps délimité, offrant à chacun, la possibilité d’affirmer ou de réaffirmer son identité à travers différents rituels. Il est ainsi le pèlerinage de la communauté metal tout entière
The present work shows, through the study of the Hellfest Festival – an annual heavy metal music festival that takes place in Clisson, Loire-Atlantique, France – that this music is in itself a genuine culture. In order to understand how the Hellfest Festival features in the metal community, one needs to know how it has developed since it was created, to question how it supports relationships among the festival-goers, as well as between festival-goers and artists, and to examine the part it plays as a place where a community devoid of any geographical anchorage can meet during a specific period of time. To be understood, the various socializing behaviors displayed during the festival must be reviewed in association with the particular economics implemented by the organizers, which are a part of the acknowledgement of this event and have impacts on the socializing behaviors. The organizing team has had and still has a view to take into account the festival-goers’ wishes in terms of metal music sub-genders, making them actors and not only consumers, and has been able to include the local economic players. The Hellfest festival offers each and every metalhead a break within a specific space, during a defined period of time, and the opportunity to assert or reassert his or her identity through various rituals. It is a pilgrimage for the whole metal community

Face à la chute brusque dans le volume de ventes de disques qui déjà persistait depuis ledébut des années 2000, les sociétés du secteur phonographique brésilien ont fait appelau Pouvoir Législatif Brésilien dans la tentative de dépasser la crise qui affrontaient.L'instrument d'interaction entre l'État et le secteur phonographique a été la Propositiond'Amendement Constitutionnel (PEC), qui a eu transaction initiée en 2007. Laproposition connue comme PEC de la Musique a été approuvé en 2013 et, commeconséquence, l'industrie phonographique brésilienne a été incluse entre petit grouped'activités sociales et culturelles qui reçoivent immunité fiscale enregistrée directementdans la Constitution Fédérale. Devant ce contexte, l'objectif central de cette recherche aété enquêter quelles conditions sont déterminant pour qu'une crise sectorielle soitcomprise comme un problème public qui justifie de l'intervention de l'État. Commeoption théorique-méthodologique, ce travail a proposé l'Approche Discursive del'Action Publique, en réunissant les conceptions d'État et des acteurs de la Sociologie del'Action Publique, ainsi que les conceptions de langue et le sujet de l'Analyse deDiscours Française. Les principaux matériels d'analyse ont été la Propositiond'Amendement Constitutionnel 98/2007 et les transcriptions des audiences publiquesqui ont débattu le thème, au-delà des documents historiques qui ont été utilisés pourreconstruire partie des moments de consolidation du modèle d’affaires de l'industriephonographique. Pour comprendre comme s'il construit l'approbation de PEC de laMusique, cette recherche a initialement analysé historicité du discours qui a établi et aconsolidé le modèle d’affaires de l'industrie phonographique. Ensuite, en deuxièmepartie du travail, ont été analysés les réseaux de formulation qui ont soutenu lesglissements de sens exposés au moment de discussion. Donc, cette recherche prouveque deux facteurs ont contribué au succès en la transformation d'une crise sectorielledans problème public : en premier lieu, le joint des mémoires discursives quisuggéraient une relation directe et indiscutable entre musique et le marché de lamusique, en effaçant que cette forme d'appropriation de la musique a été construite àpartir d'une technologie contrôlée par un groupe petit de sociétés et que l'intermédiationentre des artistes et de l'audience s'est donnée dans environnement où les sociétés plusgrand pouvoir de financier contrôlaient l'exposition des productions et les artistes pourle grand public ; et, en deuxième lieu, l'utilisation minutieuse des glissements de senspendant les moments d'audience, qui a rendu possible de généraliser les effets de lacrise, en convainquant que la fin du modèle d’affaires représentait la fin de laproduction musicale au Brésil et que les principaux endommagés par la piraterie étaientles artistes brésiliens en général
In the face of the sharp fall in the record sales amount that had persisted since thebeginning of the 2000s, companies in the Brazilian music sector turned to the BrazilianLegislative Branch in an attempt to overcome the crisis they faced. The instrument ofinteraction between the State and the phonographic sector was one ConstitutionalAmendment Proposal (PEC, initials in Portuguese), which began its procedures in 2007.The proposal known as “Music PEC” was approved in 2013 and, as a consequence, inBrazil the music industry was included among the small group of social and culturalactivities that receives fiscal immunity, directly registered in the Federal Constitution. Inview of this context, the main objective of this research was to investigate whatconditions are determinant for a sectoral crisis, such to be understood as a public issuethat justifies State intervention. As a methodological-theoretical option, this workproposed the Discursive Approach of Public Action, bringing together the Stateconceptions and actors of the Public Action Sociology, as well as the language andsubject conceptions from French Discourse Analysis. The main analysis materials werethe Constitutional Amendment Proposal 98/2007 and the transcriptions from the publichearings that debated the theme, as well as historical documents that were used toreconstruct part of the moments from the music industry business model consolidation.To understand how the approval of the Music PEC was built, this research initiallyanalyzed the discourse historicity that founded and consolidated the music industrybusiness model. Then, in the second part of the work, we analyzed the formulationnetworks that sustained the sense displacements exposed in the discussion moments.Therefore, this research shows that two factors contributed to the successfultransformation of a sectoral crisis into a public issue: first, the articulation of discursivememories that suggested a direct and indisputable relationship between music and themusic market, erasing that this music appropriation way was constructed from atechnology controlled by a small group of companies, and that the inter mediationbetween artists and audience occurred in an environment in which these greaterfinancial power companies controlled the productions and artists exhibition to thegeneral public; and, secondly, the meticulous use of sensory displacements duringmoments of audience, which made it possible to generalize the crisis effects, convincingthat the end of the business model represented the end of musical production in Braziland that the main affected by piracy were, in general, the Brazilian artists and, therefore,that the PEC approval was unavoidable

A la fin des années quatre-vingt, on assiste à l'émergence d'une nouvelle expression culturelle au Sénégal : le hip-hop. Le rap (la forme vocale du hip-hop) a été introduit à Dakar par les jeunes des classes moyennes, qui avaient accès aux cassettes de rap américain ou français que leurs aînés leur envoyaient de l'étranger. Au début des années quatre-vingt-dix, ce style de musique commença à être diffusé largement dans les radios, et le rap se répandit jusque dans les quartiers les plus populaires de la ville. Au terme d'un travail de terrain de quatorze mois, j'ai essayé de déterminer comment les jeunes Sénégalais, traditionnellement tenus à l'écart du discours et des responsabilités au sein de la sphère publique, ont réussi à jouer un rôle déterminant dans la redéfinition d'un nouvel ordre, sur les plans réels et symboliques. Je me suis demandé si le mouvement rap à Dakar correspondait à la notion de mouvement social, ou revêtait plutôt la forme d'une culture populaire, s'inscrivant dans un milieu urbain. En effet, à l'horizon des élections présidentielles de 2000, les rappeurs, notamment ceux pratiquant le style hardcore, ont montré leur forte capacité à mobiliser les jeunes pour aller voter, mais aussi faire émerger une nouvelle conscience politique et sociale. La jeunesse sénégalaise, placée en situation de liminarité (concept que j'emprunte à l'anthropologue britannique Victor Turner) a ainsi réussi à réinvestir l'espace public. En outre, les rappeurs proposent une nouvelle lecture de l'histoire, de la tradition, élaborent de nouveaux codes musicaux et langagiers, mais aussi mettent en œuvre des processus d'individualisation qui leur permettent de redéfinir leur rapport à la famille ou à la religion, et notamment de l'islam, organisé le plus souvent sous forme de confréries soufies. Enfin, son évolution progressive vers la professionnalisation tend à changer sa relation à la création, et son ouverture croissante sur le monde l'amène à procéder à un rééquilibrage incessant, qui reflète les tiraillements d'une jeunesse désireuse d'appartenir à la fois à un monde « local » et « global ».

Ce travail est consacré à la résurgence du socialisme dans la Russie post-soviétique de 2008 à 2017 à travers le prisme des nouvelles technologies de l’information et de la communication. Il se présente sous la forme d’une chorographie réticulaire des communautés virtuelles socialistes disséminées à l’intérieur du segment russe de l’Internet et d’une typologie politique comprenant 66 organisations partisanes emblématiques de la complexité et de la diversité de ce champ politique. Pour ce faire, nous avons examiné les conditions du renouveau du socialisme en Russie depuis l’éclatement de la crise bancaire et financière mondiale de 2008 (néolibéralisme, globalisation, démocratie de marché). Cette période coïncidant également avec l’arrivée au pouvoir de Dmitrij Medvedev, porté par une politique de modernisation, nous avons observé que ce phénomène allait de pair avec le développement de nouveaux outils multimédias permettant aux militants et sympathisants socialistes de reprendre le contrôle de leurs narrations et de se définir de façon autonome à partir des territoires informationnels qu’ils occupent dans le cyberespace. Enfin, nous avons vu que les lignes de fracture inhérentes au socialisme russe étaient en train d’évoluer consécutivement à la transition vers la postmodernité, de sorte que de nouveaux clivages et de nouvelles configurations identitaires sont en train d’apparaître en son sein. Ces antagonismes affleurant par la pratique de la communication politique en ligne jusque dans les utilisations que les socialistes font de la musique, nous avons souligné que ceux-ci participent de manière polémologique à la production de visions alternatives de la réalité
This work deals with the resurgence of socialism in post-Soviet Russia from 2008 to 2017 through the lens of new information and communication technologies. It is composed of a reticular chorography showing the socialists virtual communities spread in the Russian segment of the Internet and a political typology including 66 partisan organizations all representative of this political field’s complexity and diversity. With this aim in mind, we studied the conditions of the revival of socialism in contemporary Russia since the financial and economic crisis of 2008 (neoliberalism, globalization, market democracy). This period coinciding with the accession of Dmitrij Medvedev to the presidency through a project of political and social modernization, we observed that this phenomenon was going in hand with the development of new multimedia tools allowing the socialist activists and their sympathizers to take back the control of their narratives in the informational territories they occupy in the cyberspace. Finally, we observed that the fracture lines inherent to the Russian socialism were on the verge of changing due to the transition to postmodernity because new ideological splits and new political identities are now emerging in these territories. The given narrative antagonisms being emphasized by the practice of online political communication (including the uses Russian socialists make of music in their virtual communities), we point out that they actually contribute to the production of alternative visions of reality in a polemological way

Cette recherche relève de la sociologie politique et aborde la musique, objet peu commun en politologie. Elleexamine le rebetiko, une musique populaire urbaine grecque, en postulant que l'analyse de musiques populairesoffre un accès privilégié aux représentations ambivalentes du pouvoir, à la participation au politique et à salégitimation. La construction d'un cadre théorique dynamique, capable de prendre en compte le changementincessant, tant musical que social, et de faire fusionner forme et contenu, approches extérieures et intérieures,conduit à adopter une méthode plurielle : historique, musicale et sociologique. La première partie propose derevisiter l'histoire du rebetiko, d'examiner ses conditions de production et sa réception pour la période quis'étend de la fin du XIXe à l'aube du XXIe siècle. A travers des articles de presse, je mets en évidence laconstruction et la fluidité de cette catégorie musicale, sa place dans l'ensemble plus large de la musiquepopulaire, ainsi que les processus de son authentification et traditionalisation. Un corpus de vingt-cinq chansons,encore populaires aujourd'hui, est ensuite analysé. Y sont décelés emprunts et appropriations, traces du passé,mais aussi potentiels oublis de réserve. Enfin, j'explore la réception actuelle du rebetiko et interprète différentsrécits tissés sur cette musique, recueillis grâce à la méthode des entretiens collectifs non-directifs enrichie parl'écoute d'extraits musicaux. Tout au long du parcours, des passerelles entre le musical et le social sont établies.Echafaudées à partir et dans le rebetiko, de multiples configurations identitaires et mémorielles dévoilentl'ambiguïté des divisions et des transformations de la société grecque.

L’objet de ces recherches est d’étudier un moyen d’expression, de communication, de résistance, de mobilisation, de contestation, de revendication et d’affirmation identitaire, qui, dans une Algérie aux multiples facettes et aux diverses attaches où le substrat culturel est massivement investit par l’oralité, a constitué pour une grande partie de la population algérienne, durant les années 1990, un exutoire indispensable au maintient d’un équilibre individuel et collectif fortement compromis par un déferlement de violence sans précédent dans l’histoire de l’Algérie indépendante, une possibilité non négligeable d’affirmation de soi mais aussi et surtout une tribune d’où s’est élevé un discours populaire de substitution au discours dominant du pouvoir et celui dominateur des extrémistes religieux : la chanson. En effet, charriant les sentiments et les ressentiments d’une population prise en étau entre terrorisme et répression et dont la parole est exclue des circuits officiels, transgressant les interdits, réfutant l’uniformisation culturelle officiellement imposée en revendiquant une culture et une identité plurielles, les chansons algériennes des années 1990 se présentent comme un vecteur majeur de contestation et de diversité, un moyen de communication à part entière qu’il s’agit d’appréhender en le reliant à l’ensemble du système dont il participe
The object of those researches is to study in a country where the cultural substratum is massively invested by the oral character, a way of expression, of communication, of resistance, of mobilization, of contestation, of claiming and affirmation of their identity, that was constituted by a great part of the Algerian population, an indispensable outlet to the maintenance of an individual and collective equilibrium strongly compromised, but also and mostly a non negligible possibility of self affirmation : the song. In deed, carrying feelings and resentments of a population taken between terrorism and repression and whose speech is excluded of the official circuits, denouncing the violence of the religious extremism like the abuses and the deficiencies of the power in place, transgressing the interdicts and the taboos, claiming a plural culture and identity, the Algerian songs of the 1990 are a vector of contestation and diversity, a real way of communication that we have to apprehend by linking it to the whole system of which it participates

Cette thèse appréhende les processus identitaires et les transformations socioculturelles en cours au travers de l’appropriation du rap au Gabon depuis la fin des années 1980, ainsi que l’enchevêtrement de ces productions de catégories identitaires avec des rapports de pouvoir campés dans le domaine des hiérarchies entre aînés et cadets, des relations de genre, des stratifications des réseaux de la musique, ou des rapports de force avec les autorités politiques. Une investigation dans les archives du Gabon éclaire d’abord la manière dont, tout en marquant des ruptures avec la génération précédente, les rappeurs se sont inscrits dans la continuité de plusieurs décennies de pratiques de musiques dans la ville et de dialogues transnationaux avec les productions culturelles en circulation dans l’espace Atlantique. Une deuxième partie se consacre à la description des relations de genre et de la construction de la masculinité, révélant l’agentivité développée par certaines femmes des mondes de la nuit et de la musique. Enfin, une troisième partie se focalise sur les revendications identitaires et idéologiques des rappeurs et sur les nationalismes qu’ils réinventent, dans des emboîtements entre l’ethnique, le national, le panafricanisme et le transnational. Elle traite des métamorphoses de la sorcellerie dans les réseaux du rap et de la world music africaine, du spectacle de la nation, et des mobilités transnationales au travers desquelles quelques rappeurs forment de nouvelles catégories identitaires hybrides
This dissertation apprehends the identity processes and sociocultural changes taking place through the appropriation of rap music in Gabon since the end of the 80s, as well as the entanglement in power relations of those identity categories produced by young people, in the field of hierarchies between elders and youngers, of gender relations, of musical network stratifications, or towards the political authorities.An investigation in the archives of Gabon firstly highlights how, while marking ruptures with the previous generation, rappers were enrolled in the continuity of several decades of urban musical practices and transnational dialogues with some cultural productions circulating in the Atlantic space. A second part is devoted to the description of gender relations and to the construction of masculinity, revealing the agency developed by some women into the urban worlds of the night and of music. Finally, the third part focuses on rappers’ identity and ideological claims, and on the nationalisms they reinvent in negotiation between ethnic, national, transnational and panafrican levels. It deals with the transformations of witchcraft in rap music’s networks and in African world music market, with the spectacle of the nation and with transnational mobilities through which some rappers form new hybrid identity categories

La thèse se propose d'étudier les conduites de certains professionnels du théâtre dans leur dimension interculturelle. Une observation de type qualitatif a été menée auprès d'une compagnie de théâtre occitan et d'un lieu de diffusion offrant une programmation méditerranéenne, tout deux situés à Montpellier. Une troisième structure théâtrale, installée en Région Provence-Alpes-Côte d'Azur, a complété l'enquête : cette compagnie crée des spectacles à partir d'échanges avec la Palestine. Une étude des conventions de ces entreprises théâtrales démontre un rapport à l'Autre privilégié. Cette parcelle du monde du théâtre élabore et expérimente une compétence de la frontière dans sa volonté d'échanges culturels. Cette compétence conforte le statut particulier du comédien comme citoyen suscitant l'''éveil''. L'analyse du financement de ces structures a permis en outre de préciser les positionnements et actions des différents partenaires publics. La place et la fonction de telles pratiques ont été confrontées à l'émergence d'une politique culturelle européenne

Il est très délicat de parler " d'identité " cubaine sans la problématiser, la nuancer ou la circonstancier. Cuba est pourtant une île fouettée par des courants venus de tous les horizons, un creuset où se sont mêlées les cultures qui semblent définir son caractère propre. Le cas du théâtre est un exemple incontestable. Le théâtre cubain est un art plus ou moins sinistré à l'intérieur même de ses frontières. Mais après la révolution il commence à renaître. Le théâtre cubain a accompagné l'histoire de la révolution cubaine au milieu d'un siècle de grandes guerres et de mouvement de libération nationale. L'éclosion des années 1960 paraît ainsi être l'apogée de l'écriture dramatique cubaine, et la représentation dans le pays, de ce fait, le théâtre cubain rencontre une spécificité propre à l'intérieur et en dehors de l'île. Les dramaturges cubains représentent dans leurs œuvres la thématique cubaine dans et en dehors de l'île, intimement lié à la circonstance politique révolutionnaire et à ses conséquences dans la famille cubaine et l'individu. Tout ceci participe du " cubain ", autant d'exemples qui montrent la difficulté de parler d'un théâtre cubain. Il n'y pas qu'une seule façon de faire du cubain, car chaque auteur, chaque histoire est différente et implique différentes manières de percevoir " la cubania ", que ce soit dans l'aspect comique, tragique, réaliste, " absurdiste " ou politique, la spécificité de l'île est bien là.

La culture est universellement industrialisée avec ces réseaux de mondialisation et son économie productiviste. Le rap comme mode d'expression ne fait pas exception à cette généralité par ses pratiques et ses productions. Nous nous sommes intéressés au mouvement hip-hop américain de ses balbutiements dans les années 1970 jusqu'à aujourd'hui. Il a traversé trois phases principales que nous décrivons comme rapster, gangsta et bling qui ont chacune leurs propres mutations et dérives. Notre réflexion se veut interprétative et exploratoire d'un phénomène dans ses articulations par rapports aux médias et au monde des communications et plus largement dans ses rapports sociaux et ses relations de pouvoir qui la traversent et qu'elle informe. C'est une étude de la culture rap en tant que production d'identités d'appartenance et de son récent basculement dans la sphère marchande. Le rap est devenu un divertissement de masse grand public mais son identité première demeure liée au social et au politique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Musique, Culture, Race, Identité sociale, Identité politique, Industrie de la culture, Capitalisme, Action politique, Résistance, Changement.