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Grojnowski, Daniel. "Comique littéraire et théories du rire." Romantisme 21, no. 74 (1991): 3–13. http://dx.doi.org/10.3406/roman.1991.5810.
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Nardout-Lafarge, Élisabeth. "L’usure du rire chez Réjean Ducharme." Études françaises 47, no. 2 (August 23, 2011): 121–29. http://dx.doi.org/10.7202/1005654ar.
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Le rire est l’une des stratégies anti-littéraires de l’oeuvre romanesque de Réjean Ducharme. Mais l’humour des narrateurs, plus ridicule que drôle, se caractérise par le recyclage des plaisanteries les plus banales, par le soulignement de mots d’esprit laborieux souvent désamorcés par leur explication, et la mise en scène d’une obligation de rire qui frise l’absurde. Dans le dérèglement de la langue, les romans produisent une usure du rire et exacerbent le dispositif pragmatique de l’humour dans une relation paradoxale avec le lecteur, à la fois invité à rire et empêché de le faire. Ce traitement du rire est analysé à partir d’exemples tirés de L’avalée des avalés, Le nez qui voque, La fille de Christophe Colomb, L’hiver de force et Les enfantômes.
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Giesey, Ralph E. "Modèles de pouvoir dans les rites royaux en France." Annales. Histoire, Sciences Sociales 41, no. 3 (June 1986): 579–99. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1986.283296.
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Les rois thaumaturges de Marc Bloch, l'un des ouvrages classiques consacrés aux rites royaux en France, a maintenant soixante ans. Cette œuvre n'a pas entraîné d'autres études semblables : Marc Bloch lui-même abandonna cette voie et consacra les deux dernières décennies de sa vie à l'histoire économique et sociale. Il fut l'un des fondateurs de la revue Annales ESC qui, jusqu' à une date récente, a délaissé l'étude de la royauté. Il en va de même, pour une large part, de l'historiographie des sciences sociales dans d'autres pays.Le vif intérêt accordé aux études sur les rites ces dernières années est dû en grande partie aux sociologues et aux anthropologues plutôt qu'aux historiens. La nouvelle vogue qu'elles connaissent repose pour l'essentiel sur la compréhension du non-dit, de la sémiotique des cérémonials. Pour comprendre les ressorts du pouvoir, les anthropologues doivent tenir compte de cet élément, car ils manquent généralement de preuves littéraires, alors qu'elles abondent pour les historiens de la société occidentale.
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von Flotow, Luise. "Life is a Caravanserai: Translating Translated Marginality, a Turkish-German Zwittertext in English." Meta 45, no. 1 (October 2, 2002): 65–72. http://dx.doi.org/10.7202/004578ar.
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Résumé L'auteur d'ascendance turque Özdamar, dont le deuxième roman, écrit en allemand, s'intitule Das Leben ist eine Karawanserai (1992), a obtenu des prix littéraires allemands. Le lieu de l'action du roman, les personnages, les proverbes et les rites religieux et culturels sont turcs; il en est de même pour la structure des phrases, les jeux de mots et les images. Traduire de l'allemand a consisté à traduire une traduction.
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Jurt, Joseph. "Le rire et la société dans des textes littéraires de Molière à Flaubert." Revue des sciences sociales 43, no. 1 (2010): 56–61. http://dx.doi.org/10.3406/revss.2010.1278.
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Lawson-Hellu, Cyriaque L. "L’ironie du « Pleurer-Rire » chez Henri Lopès." Analyses 30, no. 2 (April 12, 2005): 123–40. http://dx.doi.org/10.7202/501207ar.
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En faisant intervenir les théories pragmatiques de l'ironie, l'article interroge les modalités de constitution de l'élément ironique dans le Pleurer-Rire, roman contemporain de l'écrivain congolais Henri Lopès. Il s'agit ici de mettre en évidence le symbolisme discursif de l'ironie dans l'écriture de Lopès, en analysant le rapport du roman à son contexte socio-discursif de production et d'intelligibilité - le " Pleurer-Rire " du roman africain post-colonial - et ses modalités formelles d'intégration de l'élément ironique. Au terme de cette analyse, nous avons pu formuler un certain nombre d'hypothèses quant au symbolisme discursif du recours à l'ironie chez Lopès, hypothèses qui, au demeurant, en appellent non seulement au rapport de l'écrivain au pouvoir politique duquel il participe et qu'il met en écriture, mais encore à son rapport à l'institution littéraire négro-africaine francophone : d'une part, une stratégie défensive qui prend la forme de l'autocensure, d'autre part une stratégie offensive qui tend à relativiser le discours sur les spécificités de la littérature négro-africaine post-coloniale.
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Dijoux, Mathieu. "Roland rit. De l’imaginaire d’une pulsion." Hommage à Gilbert Durand, no. 34 (June 30, 2013): 173–82. http://dx.doi.org/10.35562/iris.1978.
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Dans la Chanson de Roland, le rire du héros résonne étrangement aux oreilles du lecteur. Le présent article a pour objet d’en définir la nature et la portée véritables. Pour ce faire, il convient de renoncer aux interprétations psychologiques et de privilégier une approche anthropologique. C’est par le respect de la mouvance de l’œuvre qu’il est possible de construire une interprétation rigoureuse de ce rire : il s’agit d’une manifestation du furor guerrier. Mais ce rire n’est pas un simple motif littéraire ; il s’inscrit en effet dans l’idéologie indo-européenne de la fonction guerrière et, sur ce point, la chanson de geste offre un exemple remarquable de rencontre entre cultures païenne et chrétienne. Si le rire de Roland exprime la méfiance devant la frénésie meurtrière que porte en lui tout guerrier, il traduit également la possession diabolique, dans une perspective chrétienne de condamnation du rire.
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Scheid, John. "Pour une archéologie du rite." Annales. Histoire, Sciences Sociales 55, no. 3 (June 2000): 615–22. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.2000.279867.
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RésuméL'étude des religions de l'Antiquité a exploité pendant des siècles les sources écrites, littéraires et épigraphiques. Même si des révisions sont possibles, les recherches paraissent stagner. Les documents écrits, en effet, 'évoquent qu'exceptionnellement ce qui constituait l'élément central des religions antiques : les rites. Les progrès accomplis par l'archéologie des sanctuaires et des nécropoles ouvrent une voie très prometteuse. En mettant au jour un certain nombre de traces des gestes rituels, ces recherches permettent de sortir de l'impasse et présagent la reconstruction de pans entiers des pratiques religieuses antiques.
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Stepanova, Olga. "Comment les jeunes parlent d’amour dans les banlieues littéraires." Acta Universitatis Lodziensis. Folia Litteraria Romanica, no. 16 (May 19, 2021): 233–40. http://dx.doi.org/10.18778/1505-9065.16.21.
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Le parler des jeunes qui se développe intensément dans les banlieues depuis les années 90 trouve sa place dans le roman contemporain. Les auteurs analysés se focalisent sur les contraintes sentimentales que les adolescents rencontrent dans les banlieues avec leurs codes et leurs rites. La recherche, qui s’inscrit dans les études de genre, révèle la tension entre le sentiment d’amour que l’adolescent a du mal à verbaliser et l’acte sexuel associé à la transgression d’un tabou côté filles et à l’affirmation de la masculinité côté garçons. Les garçons adoptent un comportement sexuel agressif, cachent ou dominent les sentiments perçus comme un signe de faiblesse. Chez les filles la sexualité provoque un sentiment de culpabilité en raison d’une domination masculine abusive, de la violence sexiste et sexuelle envers elles. Pour gagner en liberté et en respect elles deviennent aussi viriles que les garçons. L’amour est un thème relativement nouveau dans la représentation de la banlieue qui n’est plus uniquement considérée comme un lieu de violence, de conflit mais aussi comme un univers relationnel complexe.
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Wahl, Philippe. "Apollinaire, la rime et le rire. « Ça a l’air de rimer »." Études françaises 51, no. 3 (November 30, 2015): 117–42. http://dx.doi.org/10.7202/1034134ar.
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Guillaume Apollinaire apparaît comme un passeur entre deux siècles, mais aussi entre deux âges de la poésie. Son lyrisme offre un versant ludique à registres multiples (humour, ironie, comique), qui interroge la relation entre poésie et rire dans le contexte moderniste du jeune xxe siècle, entre tradition de l’esprit fumiste et essor du surréalisme. On propose quelques repères dans son parcours sous l’angle des formes poétiques, et plus particulièrement de la rime, lieu d’élection de l’équivoque. Ses textes manifestent des tensions entre héritage et subversion à travers diverses figures littéraires : la réception contrastée des Parnassiens Banville et Coppée, mais aussi la veine ironique d’Allais et Jarry, qu’Apollinaire oriente vers l’autodérision dans le conte « Le poète assassiné ». Sa création poétique oscille entre « l’Ordre » et « l’Aventure », du souvenir de la rime équivoque au déploiement du calembour comme principe dynamique du vers libre. Le choix des trois pièces poétiques mineures retenues par Breton dans son Anthologie de l’humour noir apporte un éclairage sur l’ambivalence de la postérité d’Apollinaire.
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Horne, Fiona. "Quand le programme littéraire du cours de français révèle les conflits de valeurs en Afrique du Sud." Revue internationale d'éducation de Sèvres, no. 87 (September 1, 2021): 153–62. http://dx.doi.org/10.4000/ries.11124.
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Raymond, Dominique. "Qu’est-ce que la math-fiction ?" I. Sciences exactes et sciences du vivant, no. 125-126 (November 12, 2021): 17–28. http://dx.doi.org/10.7202/1083860ar.
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La littérature et les mathématiques sont généralement envisagées comme deux domaines parallèles, les rives droite et gauche d’un océan que quelques ponts et passerelles permettraient de franchir. Cet article propose de considérer autrement les liens entre les deux domaines, en pensant la math-fiction comme un genre littéraire. Partant du constat que les exemples de fictions qui représentent ou actualisent les mathématiques sont nombreux et variés, nous nous attachons à cerner quelques prédicats susceptibles de définir la math-fiction.
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Lombardo, Patrizia. "Tendresse et pudeur chez Stendhal." Philosophiques 35, no. 1 (June 25, 2008): 57–70. http://dx.doi.org/10.7202/018235ar.
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Résumé Cet article traite de l’ironie comme valeur esthétique, et donc affective, chez Stendhal. Les phénomènes affectifs varient en nature et en intensité, et une même émotion peut être colorée différemment (les adjectifs indiquent ses nuances, comme « douce nostalgie » ou « nostalgie désespérée »). L’ironie implique une gamme complexe d’aspects et de degrés : elle peut être satirique, comique, tragique, nihiliste, paradoxale, etc. Je considère d’abord les types d’ironie que Stendhal a évités. Il rejetait à la fois la satire tragique de Chateaubriand et l’ironie romantique nihiliste. Je considère ensuite la théorie stendhalienne du rire, suggérée par plusieurs de ses écrits dans lesquels il réfléchit sur diverses formes de comédie tout en développant son propre idéal tel qu’il apparaîtra dans ses romans principaux (voir Journal littéraire, Histoire de la peinture en Italie, Racine et Shakespeare, et Correspondance). Tout en se référant à Hobbes et à sa définition du rire comme sentiment de supériorité, il ne semble pas tout à fait convaincu par sa théorie et insiste sur les deux conditions indispensables de l’effet comique : la clarté et la rapidité. Ces deux éléments deviennent essentiels dans son style littéraire. Stendhal n’a pas de doute sur la supériorité affective des modernes sur les anciens : il ne revient qu’aux modernes, formés par la sensibilité chrétienne, de ressentir des émotions tendres. La tendresse doit colorer tout, et le roman doit atteindre l’idéal de l’opéra-bouffe, où le comique est « un mélange de gaieté et de tendresse », tandis que l’écrivain masque sa propre tendresse par une douce ironie envers ses personnages préférés.
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Debailly, Pascal. "POÉTIQUE DE LA SATIRE." Revista de Estudos Literários 7 (July 19, 2018): 17–36. http://dx.doi.org/10.14195/2183-847x_7_1.
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La satire mêle parole et violence, violence de l’indignation, violence durire. Elle naît d’un décalage, devenu insupportable, entre l’idéal et le réel.Elle convertit en émotion littéraire tout ce qui, dans le spectacle de la vie aujour le jour, suscite de la contrariété et du déplaisir, apparaît comme ridiculeou scandaleux. Elle invite à réfléchir sur le rapport entre littérature etagressivité, sur les enjeux esthétiques de l’indignation et de la dérision, surla possibilité et la portée d’un lyrisme fondé sur le comique et la négativité.La satire témoigne en outre dans l’histoire littéraire de l’émergence d’unsujet libre et critique qui s’affranchit des sources traditionnelles d’autorité.Elle prouve que la beauté poétique peut aussi être inspirée par la noblessede l’indignation et par le pouvoir salvateur du rire. Quatre élémentsapparaissent essentiels. Le premier concerne son origine psychologique :la satire répond à une colère, un malaise, une contrariété ; elle soulage laconscience, la mauvaise humeur ou l’envie de se moquer. Le second, c’estl’agression : une satire est une attaque qui vise à provoquer une blessuremorale. Le troisième élément touche à la norme, à la loi, au principe quel’on a estimé bafoué et piétiné. Le quatrième élément engage la mise enforme du mouvement d’indignation. Ici intervient l’habileté rhétorique,l’art du bon mot, l’arme privilégiée du comique.
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Brethes, Romain. "Pour une typologie du rire dans les romans grecs : topos littéraire, jeu narratologique et nouvelle lecture du monde." Bulletin de l'Association Guillaume Budé 1, no. 2 (2003): 113–29. http://dx.doi.org/10.3406/bude.2003.2121.
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Hamot, Odile. "Le Conte et le masque ou les équivoques de l’autobiographie dans "Le Cœur à rire et à pleurer" de Maryse Condé." RELIEF - Revue électronique de littérature française 15, no. 1 (July 7, 2021): 185–98. http://dx.doi.org/10.51777/relief10895.
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C’est la question des rapports entre fiction et autobiographie dans l’écriture de Maryse Condé que cette étude aimerait examiner à travers le cas du Cœur à rire et pleurer dont l’ambiguïté générique n’a pas toujours été perçue par les lecteurs, enclins à y voir la relation factuelle de l’enfance guadeloupéenne de l’écrivain. Or, tel n’était sans doute pas le dessein de l’auteur et nombre d’éléments, paratextuels notamment, invitent à la circonspection : à commencer par la notion, restée ininterrogée, de « conte vrai », mais encore l’épigraphe proustienne qui semble, à l’orée du livre, dénoncer comme vaines toute prétention à la restitution du passé et toute tentation d’une lecture trop clairement biographique. Sans doute est-ce dans cette oscillation entre les deux pôles contradictoires de la réalité et de la fiction que s’inscrit l’esthétique du masque et de l’obliquité mise en œuvre par Maryse Condé, comme unique façon, peut-être, d’accéder à une vérité de l’être, éminemment littéraire et, en définitive, seule vraie.
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Berzal de Dios, Javier. "Velázquez’s Democritus: Global Disillusion and the Critical Hermeneutics of a Smile." Renaissance and Reformation 39, no. 1 (April 26, 2016): 35–62. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v39i1.26542.
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Velázquez’s Democritus (ca. 1630) presents a unique encounter: not only are there few depictions in which the Greek philosopher appears with a sphere that shows an actual map, but Velázquez used a court jester as a model for Democritus, thus placing the philosopher within a courtly space. When we study the painting in relation to the literary interests of the Spanish Golden Age and its socio-political circumstances, we can see the figure of Democritus as far from just another instantiation of a conventional trope. The philosopher’s smile and his crepuscular globe entrap the viewer in a semiotic game with pedagogical and ethical goals. While the scholarship on the painting has dwelt extensively on the identification of the figure, this essay moves beyond the superficial aspects of subject identity in order to explore how the painting articulates and requests a profoundly philosophical engagement. I thus examine Democritus in relation to contemporary literary and philosophical themes, many of which were present in Velázquez’s own personal library: the period’s understanding of the philosopher, cartographic spheres, and treatises on laughter. Considered in this manner, Velázquez’s figure is not responding to the folly of humanity in general, as is commonly the case in representations of the philosopher, but is rather presented through a courtly prism in which conquest, geography, and politics are inescapably interrelated. Velázquez’s Democritus emphasizes the philosophical and moral qualities of a learned and decorous laughter, which performs a critical and ethical role framed by Spain’s political difficulties.
Le Démocrite de Velázquez (c. 1630) représente une rencontre exceptionnelle entre divers éléments. En effet, rares sont les représentations montrant le philosophe grec avec un globe terrestre dessinant une carte géographique crédible; plus encore, Velázquez a pris comme modèle un bouffon de cour, plaçant ainsi le philosophe dans le contexte courtisan. Lorsqu’on examine le tableau en relation avec l’actualité littéraire de l’âge d’or espagnol et dans son contexte sociopolitique, la représentation de Démocrite s’avère ici bien plus qu’un trope conventionnel. De fait, le sourire du philosophe et son globe prennent le spectateur au piège d’un jeu sémiotique dont les objectifs sont pédagogiques et éthiques. Tandis que les chercheurs se sont surtout penchés sur l’identification du personnage, cet article cherche à aller au-delà de la reconnaissance de l’identité du sujet, et se donne pour but d’explorer la manière dont le tableau définit et requiert un engagement profondément philosophique. J’examine donc Démocrite dans ses rapports aux thèmes littéraires et philosophiques de son époque, que l’on retrouve en grande partie dans la bibliothèque de Velázquez lui-même : en particulier, la perception que l’on avait alors de ce philosophe, l’histoire des globes terrestres, et les traités sur le rire. Dans cette perspective, ce tableau de Velásquez ne fait pas référence à la folie inhérente de l’humanité, ce qui est généralement le cas dans les représentations du philosophe, mais cooemnte plutôt le monde courtisan dans lequel conquête, géographie et politique sont irrémédiablement liés. Le Démocrite met ainsi en lumière les qualités philosophiques et morales d’un rire savant et bienséant, qui tient un rôle critique et éthique dans le contexte des difficultés politiques de l’Espagne.
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Montier, Jean-Pierre. "Pour un partage du visible: Mes Algéries en France , de Leila Sebbar." Aletria: Revista de Estudos de Literatura 24, no. 2 (August 30, 2014): 168. http://dx.doi.org/10.17851/2317-2096.24.2.168-176.
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Dans Mes Algéries en France, Leïla Sebbar use de la forme de l’iconotexte pour son hybridité, miroir de sa propre «bigarrure» généalogique. Tel un gant que l’on retournerait, elle se sert de ce genre «bâtard» pour affirmer la nécessité conjointe de suturer les blessures que l’histoire a ouvertes entre les familles des deux rives de la Méditerranée, et de penser le récit d’une vie singulière comme lié, «cousu», à celui de toutes les autres vies. Dès lors l’écriture de l’Histoire et l’autobiographie littéraire convergent-elles dans ce livre singulier pour inventer une nouvelle formule de l’autobiographie, que je nomme ici «alterégotiste», qui est peut-être particulière à la figure de la femme écrivain, mais qui est peut-être également liée à un usage singulier de la photographie, dont le potentiel de conservation du passé ne concerne pas exclusivement la personne ou la famille, puisqu’on voit Leïla Sebbar l’utiliser de manière à circonscrire un véritable «lieu de mémoire» collectif, au sens où l’historien Pierre Nora emploie ce terme.
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Montier, Jean-Pierre. "Pour un partage du visible: Mes Algéries en France, de Leila Sebbar." Aletria: Revista de Estudos de Literatura 24, no. 2 (August 30, 2014): 169–76. http://dx.doi.org/10.17851/2317-2096.24.2.169-176.
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Dans Mes Algéries en France, Leïla Sebbar use de la forme de l’iconotexte pour son hybridité, miroir de sa propre «bigarrure» généalogique. Tel un gant que l’on retournerait, elle se sert de ce genre «bâtard» pour affirmer la nécessité conjointe de suturer les blessures que l’histoire a ouvertes entre les familles des deux rives de la Méditerranée, et de penser le récit d’une vie singulière comme lié, «cousu», à celui de toutes les autres vies. Dès lors l’écriture de l’Histoire et l’autobiographie littéraire convergent-elles dans ce livre singulier pour inventer une nouvelle formule de l’autobiographie, que je nomme ici «alterégotiste», qui est peut-être particulière à la figure de la femme écrivain, mais qui est peut-être également liée à um usage singulier de la photographie, dont le potentiel de conservation du passé ne concerne pas exclusivement la personne ou la famille, puisqu’on voit Leïla Sebbar l’utiliser de manière à circonscrire un véritable «lieu de mémoire» collectif, au sens où l’historien Pierre Nora emploie ce terme.
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Abramowicz, Maciej. "La vérité et le fabliau. Le cas d'Estormi." Reinardus / Yearbook of the International Reynard Society 20 (December 12, 2008): 1–16. http://dx.doi.org/10.1075/rein.20.01abr.
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L’article propose d’étudier le phénomène de la véridiction dans le genre du fabliau à partir de l’exemple d’Estormi. Les auteurs de fabliaux postulent souvent, en dépit de l’invraisemblance des intrigues, qu’ils relatent un fait qui s’est réellement produit. La question se pose de savoir comment un genre dont la fictivité ne suscite aucun doute peut-il être véhicule de la vérité? L’étude des instances d’énonciation et de l’organisation du récit montre que la vérité du fabliau ne s’épuise pas dans la fiction de la référentialité, l’illusion du réel réalisée grâce au vraisemblable ponctuel. Ineséparable de la vérité du dévoilement, la pseudo-référentialité fait partie de la vérité syncrétique qui naît du mélange de la représentation, de la moralisation et du mélange des discours dont l’unique lieu de manifestation est l’oeuvre littéraire. Sa présence s’avère indispensable pour réaliser l’objectif assigné à l’oeuvre qui est, dans le cas du fabliau, de faire rire.
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Bohac, Barbara. "Poésie lyrique et caricature dans les Odes funambulesques de Théodore de Banville1." Études françaises 51, no. 3 (November 30, 2015): 27–52. http://dx.doi.org/10.7202/1034130ar.
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Refusant de voir dans les Odes funambulesques de Théodore de Banville une poésie préoccupée avant tout de la forme et cherchant à divertir le lecteur, cet article montre la force corrosive du projet banvillien : composer un « pamphlet » en vers contre une société bourgeoise dont les maîtres mots sont Argent, Réalisme et Prose, et faire de la poésie l’instrument d’une communion fraternelle rassemblant les hommes autour de valeurs spirituelles. Pour se faire écouter de ses contemporains autant que pour échapper à la platitude de son temps, Banville s’inspire de l’art des caricaturistes. Il leur emprunte des types qui tirent leur puissance de leur dimension synthétique ; il ridiculise les figures de l’autorité littéraire, sociale et politique au moyen de la charge ; il soulève masques et faux nez pour dévoiler le vrai visage d’une société se livrant à tous les excès en un carnaval débridé. La parodie discrédite les clichés et poncifs par lesquels cette société idéalise des réalités médiocres et prosaïques. La folie apparente de l’ode funambulesque cache ainsi une protestation contre l’époque. Comme chez Gavarni ou Daumier, la peinture des travers de la société contemporaine s’élève au-dessus de la banalité. La métamorphose féerique et comique des êtres grâce aux images, aux rimes, à l’intertexte, transporte le lecteur dans un monde où le rêve l’emporte sur la trivialité. L’ivresse des rythmes et des rimes « sauvages », libérés des règles étroites, dote l’univers quotidien d’une magie hyperbolique. Surtout, en créant une harmonie neuve et allègre, aisée à mémoriser, l’ivresse lyrique se propage aux lecteurs et les invite à communier dans une nouvelle manière de voir et de sentir.
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Bouvet, Rachel. "Les paysages sylvestres et la dynamique de l’altérité dans Hélier, fils des bois de Marie Le Franc." Dossier 36, no. 3 (July 6, 2011): 21–35. http://dx.doi.org/10.7202/1005121ar.
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Bretonne d’origine et québécoise d’adoption, Marie Le Franc (1879-1964) a passé sa vie à faire des allers-retours entre les deux rives de l’Atlantique. Ses romans, tout comme ses récits de voyage, mettent en avant la relation de l’être humain avec l’espace : les paysages y jouent un rôle prépondérant, car ils déterminent à la fois l’intrigue, les traits des personnages, leurs passions et leurs actions. Il est proposé dans cet article de considérer ces oeuvres comme des romans géographiques, suggérant avant tout l’écriture (graphie) d’une région particulière de la Terre (géo), et d’étudier sous cet angle ce qui apparaît aujourd’hui comme la première incursion littéraire féminine dans la forêt nordique, à savoir le roman Hélier, fils des bois (Paris, Rieder, coll. « Prosateurs français contemporains », 1930). L’étude se base sur les théories multidisciplinaires du paysage et sur les réflexions concernant l’imaginaire de la forêt pour examiner deux axes complémentaires : la construction du paysage sylvestre et la dynamique de l’altérité. Étant donné qu’Hélier semble être l’émanation de la forêt entourant le lac Tremblant dans les Laurentides et qu’il joue un rôle de médiateur entre cette dernière et la jeune Française venue y prendre des vacances, l’altérité apparaît en effet comme le principe dynamique du récit.
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Ivleva, Krasimira. "Horizon poétique/projet traductif." Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 63, no. 1 (June 29, 2017): 65–88. http://dx.doi.org/10.1075/babel.63.1.05ivl.
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Résumé Cet article examine comment le canon poétique et traductif dans la Bulgarie communiste a influencé non seulement la sélection des auteurs et des titres à traduire, mais aussi la manière dont on traduit. L’analyse s’appuie sur un recueil de poèmes de Paul Éluard traduits en bulgare en 1953. Lorsque l’œuvre d’Éluard fut publiée en Bulgarie, la poésie politiquement engagée était un genre qui existait déjà dans la littérature bulgare et qui était très apprécié par le canon. Cependant, il y avait une différence substantielle entre la manière dont les poèmes politiques étaient écrits en Bulgarie et l’expression poétique d’Éluard, ce qui a eu un impact sur la traduction. Les traducteurs s’écartaient de l’original de deux manières. Premièrement, ils intégraient une vision idéologique des poèmes d’Éluard en ajoutant ou en soulignant certaines images secondaires ou inexistantes dans l’original. En outre, ils réduisaient les métaphores complexes d’Éluard à des images standard à connotation révolutionnaire et militante. Deuxièmement, les traducteurs ajoutaient des nuances poétiques à l’écriture sobre de l’original. Des rythmes et des rimes étaient introduits, ainsi qu’un vocabulaire archaïque et des inversions poétiques. Ces écarts peuvent s’expliquer par l’impact que le canon littéraire au sens large et les projets du traducteur individuel exerçaient sur la pratique de la traduction dans la Bulgarie communiste.
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Vaillant, Alain. "Mathieu Bélisle, Le drôle de roman. L’oeuvre du rire chez Marcel Aymé, Albert Cohen et Raymond Queneau, Montréal, Presses de l’Université de Montréal (Espace littéraire), 2010." Études littéraires 42, no. 1 (2011): 147. http://dx.doi.org/10.7202/1007178ar.
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Vitali, Ilaria. "Charles Bonn, Tome I: Migration des identités et des textes entre l’Algérie et la France, dans les littératures des deux rives. Tome II: Échanges et mutations des modèles littéraires entre Europe et Algérie." Studi Francesi, no. 147 (XLX | III) (December 1, 2005): 691. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.33882.
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De Raedt, Thérèse. "Mulumba (Joséphine), dir., Des rives du Congo à la Meuse. La transnationalité dans le cycle belge de José Tshisungu wa Tshisungu. Paris : L’Harmattan, coll. Critiques littéraires, 2013, 172 p. – ISBN 978-2-343-01065-6." Études littéraires africaines, no. 38 (2014): 214. http://dx.doi.org/10.7202/1028719ar.
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Bergeron, Patrick. "Le drôle de roman. L'œuvre du rire chez Marcel Aymé, Albert Cohen et Raymond Queneau by Mathieu BélisleMathieu Bélisle, Le drôle de roman. L'œuvre du rire chez Marcel Aymé, Albert Cohen et Raymond Queneau, Montréal, Les Presses de l'Université de Montréal, coll. (Espace littéraire), 2010, 317 p., 43,95$." University of Toronto Quarterly 85, no. 3 (August 2016): 108–9. http://dx.doi.org/10.3138/utq.85.3.108.
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Hao, Fu. "On English Translations of Classical Chinese Poetry." Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 45, no. 3 (November 15, 1999): 227–43. http://dx.doi.org/10.1075/babel.45.3.05hao.
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Abstract There have been numerous classical Chinese poems translated into English since the 18th century, and many of them enjoy more than one version. This article discusses some prominent aspects of English translation of classical Chinese poetry, such as choice of words, syntax, metre and form, and allusion, based on comparative analysis of different versions. In the language of classical Chinese poetry, the prevailing monosyllabic word often tends to be polysemous and the grammatical function of a word more flexible. There are also many grammatical ellipses in its syntax. How does a translator choose the right word and decipher the sentence? In addition, classical Chinese poetry enjoys strict verse forms and rhyme schemes, and has a tradition to employ literary allusions. How can an English version achieve an equivalent effect? To solve such problems, translators in different times and places have made various experiments. But the swing of the pendulum seems not to go beyond the two extremes, rigidly imitating the original form or freely rewriting in another language. Under proper modulation, both methods may score some points. Résumé Il y a eu de nombreux poèmes classiques en langue chinoise traduits vers la langue anglaise depuis le 18ème siècle, et plusieurs d'entre eux ont plus d'une version. Cet article discute de certains aspects particuliers de la traduction anglaise de la poésie classique chinoise tels que le choix des mots, la syntaxe, la versification et la forme ainsi que les allusions, basées sur l'analyse comparative des différentes versions. Dans le langage de la poésie classique chinoise, le mot monosyllabique qui prévaut tend à avoir plusieurs significations et la fonction grammaticale du mot à être plus souple. Il existe aussi beaucoup d'ellipses grammaticales dans sa syntaxe. Comment un traducteur choisit-il le mot exact et décompose-t-il la phrase? En outre. la poésie classique chinoise nous offre une structure en vers et un agencement de rimes très strictes et possède une tradition de l'emploi d'allusions littéraires. Comment une version anglaise peut-elle atteindre un effet équivalent? Pour résoudre ce type de problèmes, les traducteurs à différentes époques et lieux ont effectué des expériences différentes. Mais le pendule ne balance pas en dehors des deux extrêmes, l'imitation rigide de la forme originale ou sa réécriture libre dans une autre langue. Selon la modulation appropriée, chacune des deux méthodes pourrait présenter certains avantages.
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Ceccon, Jérôme. "Mélanges offerts à Jack Corzani. Entre deux rives, trois continents. Textes réunis par Dominique Chancé et Dominique Deblaine. Préface de Musanji Ngalasso-Mwatha. Pessac (Bordeaux), Maison des Sciences de l’Homme d’Aquitaine, Centre d’Etudes linguistiques et littéraires francophones et africaines, 2004, 370 p. - ISBN 2-85892-310-8." Études littéraires africaines, no. 18 (2004): 85. http://dx.doi.org/10.7202/1041480ar.
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Brajerska-Mazur, Agata. "Katena and Translations of Literary Masterpieces." Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 51, no. 1 (October 24, 2005): 16–30. http://dx.doi.org/10.1075/babel.51.1.02bra.
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Abstract The author of the article claims that masterpieces need invisible translation. In order to “measure” the quality of a translation of a literary masterpiece, a critic has to compare the translation with its original and choose the best method of evaluating the translated text. The method which she proposed in this article was based on the attempt to discover the signifi cant and the most significant features of the orginal (by means of katena adapted from bibliology) and finding these features in its translations. The original was the starting-point of her analysis and she demanded as much faithfulness as possible to the original. Thus she began her analysis with the examination of Norwid’s poem: Fatum using (as katena demands) its interpretations and critics’ commentaries. She pointed out six features which constituted the specific quality of Norwid’s poem and therefore should be conveyed in its translation. Then she analysed Jerzy Peterkiewicz and Burns Singer’s translation of Fatum. She noticed that these translators made the assumption that the structure of the poem was most important. They maintained the rhymes of the original, but at the same time forfeited its brevity. In her opinion the failure of Peterkiewicz and Singer’s translation is attributable to their lack of knowledge of Norwid’s text and its interpretations. Peterkiewicz and Singer did not convey in depth any of the six features which constitute the specific quality of Norwid’s poem. Thus the readers of their translation of Fate will never realize that they are dealing with a masterpiece of Polish poetry. Résumé L’auteur de cet article estime que les chefs-d’oeuvre nécessitent une traduction invisible. Pour «mesurer» la qualité de la traduction d’un chef-d’oeuvre littéraire, un critique doit comparer la traduction à son original et choisir la meilleure méthode pour évaluer le texte traduit. La méthode qu’elle proposait dans cet article était basée sur la tentative de découvrir les traits significatifs et les traits les plus significatifs de l’original (au moyen de katena adapté de la bibliologie) et sur la présence de ces traits dans ses traductions. L’original constituait le point de départ de son analyse et elle exigeait de l’original la plus grande fidélité possible. Elle a donc commencé son analyse en examinant le poème de Norwid : Fatum, en utilisant (comme l’exige katena) ses interprétations et ses commentaires critiques. Elle a relevé six éléments qui composaient la qualité spécifique du poème de Norwid et qui devaient, par conséquent, apparaître dans sa traduction. Puis, elle a analysé la traduction de Fatum par Jerzy Peterkiewicz et Burns Singer. Elle a remarqué que ces traducteurs avaient supposé que la structure du poème était ce qui importait le plus. Ils ont conservé les rimes de l’original mais, en même temps, ont perdu sa concision. À son avis, l’échec de la traduction de Peterkiewicz et de Singer était dû au manque de connaissance du texte de Norwid et de ses interprétations. Peterkiewicz et Singer n’ont rendu en profondeur aucun des six éléments qui constituent la qualité spécifi que du poème de Norwid. Aussi les lecteurs de leur traduction de Fate ne se rendront-ils jamais compte qu’il s’agit d’un chef-d’oeuvre de la poésie polonaise.
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Bacholle, Michele. "Le comique, arme de subversion massive des Sorcières de la République des Lettres." Nouvelle Revue Synergies Canada, no. 12 (February 8, 2020). http://dx.doi.org/10.21083/nrsc.v0i12.4824.
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Cet article examine l’usage que Chloé Delaume et Sophie Divry font du comique respectivement dans Les Sorcières de la République (2016) et Quand le diable sortit de la salle de bain (2015). Les deux autrices déploient une panoplie comique variée : comique de caractère, comique de situation, comique de mots (détournements de chansons et de formules, néologismes, onomatopées), parodie, trompe-l’œil (insertion de pseudo-documents, agitations typographiques, calligrammes). Delaume et Divry décrient et critiquent au moyen du comique la société française contemporaine et le sort qu’elle réserve aux femmes. Elles produisent un comique complexe qui secoue la sérieuse raideur hétéronormative des conventions sociales et littéraires contemporaines et tracent la voie à une production comique d’écrivaines en plein essor.
Mots-clés : Divry, Delaume, comique, féminisme, sororité
Références
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Couëlle, Jennifer. La magie de Sami. Canada : Éditions Planète Rebelle, 2014. Imprimé.Jennifer Couëlle est une auteure d’albums pour enfants qui écrit également de la poésie. Dans son dernier livre intitulé La magie de Sami, des rimes se mêlent au discours prosaïque et rythme ainsi le récit à la manière d’un poème. Dans ce livre d’une trentaine de pages, il n’y a ni chapitre, ni numéro de pages, juste des mots et des images qui s’entremêlent. Pour cet album, l’auteure a fait appel à Julie Grugeaux, artiste peintre ayant déjà illustré cinq romans jeunesses. Les dessins sont épurées, précis, plutôt colorées et se marient à merveille avec le texte.Quant au récit lui-même, il raconte l’histoire de Sami, un petit garçon tout à fait comme les autres sauf qu’il cache un secret. Il ressent ce qui ne va pas chez ceux qui l’entoure. Grâce à ce don, le petit frère de son ami a pu retrouver le sommeil. Sami, par ses paroles, a fait sourire la dame triste et son intuition lui a permis de redonner vie au jardin de son voisin. Mais quand il tente d’aider Hervé, c’est plutôt raté et ce dernier finit par avoir un accident. Après cette triste nouvelle, Sami décide de rentrer chez lui et d’expliquer à ses parents sa capacité à « sentir des choses qu’[il] ne devrai[t] pas ». C’est alors que ses parents lui avouent qu’il est sorcier et que ce don étrange s’appelle l’empathie. Cette nouvelle est un véritable choc et il en fait même des cauchemars. Sami voudrait avouer son incroyable don à ses amis mais ces derniers risqueraient de le rejeter à cause de sa différence.Voilà une histoire de sorcier originale qui va faire découvrir aux jeunes lecteurs un sentiment nouveau, l’empathie. Entre les lignes, se cachent aussi l’angoisse d’exclusion d’un enfant un peu particulier. Sami, le personnage principal fait cependant preuve de lucidité face à sa différence. Bien qu’il accepte son côté sorcier, trait identitaire qui lui vient de ses parents, il reste quelque peu tourmenté par les conséquences que cela pourrait avoir dans sa relation à l’autre.Cet album est idéal pour les parents francophones ou francophiles qui aiment raconter à leurs enfants des histoires simples et bien illustrées abordant des thèmes quotidiens tels que la différence, la peur de l’exclusion et l’amitié.Recommandé : 3 étoilesAuteur de la critique : Leticia GomezLeticia étudie au Campus Saint-Jean depuis deux ans où elle effectue un baccalauréat en éducation secondaire avec une majeure en littérature. Elle écrit également des critiques littéraires pour le Franco, un journal francophone local.