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Дисертації з теми "Rires littéraires"
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Goffinet, Bruno. "Entre Kuma et Kune. Lectures socio-littéraires des rires romanesques dans la Collection « Monde noir poche », Hatier 1980-1988." Thesis, Sorbonne université, 2021. http://www.theses.fr/2021SORUL169.
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Afin de comprendre la structuration authentique du récit fictionnel africain, on peut détacher délicatement les strates du Sérieux apparent et de la Dérision réaliste de plusieurs mondes en révolution permanente. C’est la mission que s’est fixée cette thèse, au premier sens du terme « symbolique », dans la mesure où elle se confronte d’abord aux grandes théories du rire en littérature, en tant qu’action sociale partant d’une quête ésotérique native. Avançant dans la démystification de l’objet et du sujet écrivant/lisant en fin post-colonialisme trentenaire, on découvre une armature immémoriale de statuts initiés sans cérémonie, faite de princes déchus, de novices aveugles ou de sorcières mal aimées, qui suggèrent avec beaucoup d’autres une tentation : celle de distinguer, sous la page imprimée en coopération, une distribution de tragi-comédie inhumaine, survolée par l’Écrivain noir unique, guidé en ses enfers par un philosophe naturel. Dans cette recherche de l’ironique survie ancestrale, grâce à la risible contingence humaine, l’ordonnancement des signes africains dévoile à son tour la refondation d’un discours vieux comme le Cynisme historique, dévoyé par ses avatars pragmatiques-inertes, vite devenus machiavélismes éternels. À la lumière de cette lanterne romanesque en plein jour sociétal du sous-continent françafricain ténébreux, les rires spontanés ou cultivés, et des éclats plus subtilement enformulés trouvent un chemin à leur démarche supposée commune : promouvoir littérairement individus et collectivités dans un monde noir débarrassé de la barbarie innommable et sans un scrupule d’humour, sinon sadiqueSo as to unterstand the authentic structuration of the africain fictional story, strata can be gently removed from the patent Serious and the realistic Derision out of several universes on their permanent revolving orbit. It is the mission assumed by this thesis, by the first meaning of the word « symbolic », insofar as it first confronted with the great theories of laughter in literature as a social action coming from an esoteric native quest. Promoting demystification both of the writing and readind object and of the subject at the end of a thirty-year ood period of post-colonialism, an immemorial framework of initiated status can be discovered, made of deposed princes, blind novices or unloved witches. They suggest, along with many others, a temptation : to distinguish, under the page printed by cooperation, the casting of an inhuman tragicomedy overflew by the unique black Writer, guided throught his hells by a natural philosopher. In this research of the ironical ancestral survival, thanks to the risible human contingency, this arrangement of the african signs reveals in its turn the refoundation of a discourse as old as the historical Cynism. This has been misguided by its inert-pragmatic avatars, quickly transformed into permanent machiavellianisms. Under the illumining of this novelistic lantern, in the societal daylight of the dark franco-african subcontinent, the spontaneous or cultured laughters, and the more subtly expressed roarings, find a way for their supposed common approach : to literarily promote individuals and collectivities, in a black world freed from unspeakable barbarity, lacking in the least scruple of humour other than a sadictic one
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Dufraigne, Pierre. "Adventus Augusti, Adventus Christi. Recherche sur l'exploitation idéologique et littéraire d'un cérémonial dans l'Antiquité tardive." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1990PA040134.
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On étudie dans un premier temps le développement du cérémonial de l'aduentus a Rome depuis les origines jusqu'à la fin de l'Empire. On insiste particulièrement sur l'organisation du cérémonial a l'époque impériale, sous une forme civile et sous une forme militaire. La dynastie des sévères voit l'emporter ce dernier aspect d'où un rapprochement entre l'aduentus et le triomphe. Quand la conversion de l'Empire au christianisme élimine la célébration officielle du trilmphe, c'est une sorte d'aduentus trilmphal qui le remplace. Dans la bible, l'aduentus apparait aussi, sous des formes spécifiques. Dans la littérature païenne des IIIe et IVe siècles, l'aduentus est devenu matière a description ; on peut en établir une thématique, et constater son application dans différents genres littéraires. Cette thématique s'étend à l'accueil de l'âme aux enfers et a l'apothéose. La conversion de l'Empire au christianisme entraîne une christianisation de l'aduentus. Difficile à cerner dans le cas de l'aduentusaugusti, elle est manifeste dans la réception des dignitaires de l'église, des saints hommes, des hôtes dans les monastères, des reliques. Appliquée au Christ, la notion d'aduentus prend une toute autre ampleur. Dans la littérature patristique, on constate l'influence de l'aduentus augusti sur les représentations de l'aduentus christi, mais on sent toujours le souci de bien les distinguer, voire de les opposer. On remarque à l'égard de tels rapprochements, une reticenceThe author first deals with the development of the ceremony of aduentus in Rom from the ancient times to the end of the Empire. He lays stress on the organisation of the ceremony in imprial times, when it assumes a civil and military form. This latter form prevails during the severian dynasty, and the aduentus looks like a triumph. When the conversion of the roman state to christianity makes an end to the traditional celebration of the triumph, a triumphal aduentus becomes a substitute for ti. In the bible also, there are particular forms of aduentus. In pagan latinity of the iiid and ivth centuries, the aduentus has become a descriptive matter. It is possible to make up a "thematic" of it and to find an applying ofit in various forms of literature. This "thematic" is used also in descriptions of the descent to hell and the apotheosis. With the conversion of the roman world to christianity, there is a "christianisation" of yhe aduentus. Difficult to detect in the aduentus augusti, it is clearly noticeable in the welcome of ecclesiastical dignitaries, of holy men, of relics. When it concerns christ himself, the aduentus becomes much more significant. The aduentus christi is sometimes pictured as an aduentus augusti, but the author is always worry about expressing the disparity between them. About such comparisons can be noticed a kind of reticence which lessens with the more and more effective
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Fournier, Stéphanie. "Rire au théâtre à la fin du XVIIIe siècle : portée sociale, littéraire, philosophique, morale et politique." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040070.
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Les années 1760 voient l’apparition de petits établissements théâtraux à Paris, boulevard du Temple, en concurrence avec les trois théâtres officiels de la Capitale : l’Opéra, la Comédie-Française et la Comédie-Italienne. Leur institutionnalisation sous la Révolution entraîne leur prolifération mais implique aussi une nouvelle conception du théâtre qui n’est plus un art subventionné au service du Roi, mais qui fonctionne comme une véritable entreprise dont l’objectif est de réaliser des bénéfices nécessaires à sa survie en attirant un public de plus en plus nombreux. Cette thèse s’intéresse en premier lieu aux représentations théâtrales dans leur totalité afin de comprendre comment naissaient des succès de scène ou des acteurs-« vedettes » incarnant de nouveaux types théâtraux. Elle cherche à analyser le théâtre de cette période comme un phénomène de société induisant de nouveaux modes de création centrés sur la réception d’un public à conquérir. Cette étude privilégie l’angle du rire, effet supposé du comique théâtral, mais aussi manifestation effective des spectateurs au cours des représentations, comme un marqueur important du succès des pièces jouées dans ces théâtres, et comme un révélateur essentiel, dans ses diverses significations et dans son évolution, du rapport tendu entre les théâtres, l’élite intellectuelle, les instances morales et politiques, au cours d’une période de bouleversement historique intense. Au-delà, il s’agit de revaloriser tout un pan du patrimoine théâtral comique de la fin du XVIIIe siècle, patrimoine délaissé et pourtant dominé par des œuvres, auteurs et acteurs d’importanceDuring the 1760’s years, new small theatres are setting up on the “boulevard du Temple” in Paris, in competition with the three official theatres of the Capital: the Opéra, the Comédie-Française and the Comédie-Italienne. Their institutionalization during the Revolution brings about their proliferation but also implies a new conception of the theatre, which is not anymore a subsidized art in the service of the King, but a real company which intend to survive by making profits, trying to attract more and more audience. This thesis first intends to analyse the performances in their totality and to understand how were created success plays or star actors embodying theatrical characters. It tries to understand the theatre of this period as a society phenomenon inferring new modes of creation focused on the audience’s reception. This study is centred on laughter, as a supposed effect of the theatrical comic but also as an effective audience’s demonstration during performances, attesting the success of dramas performed in these theatres and revealing, by its diverse meanings and its evolution, tense relations between theatres, intellectual elite, moral and political authorities, during a period of major historic upheaval. Beyond, this work aims at revalue a whole piece of a neglected funny theatrical heritage at the end of the eighteenth century, that nonetheless could boast important comedy writers, plays and actors
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Desclaux, Vanessa. "Les Appels aux passants en Égypte ancienne : approche historique d’un genre littéraire." Thesis, Lyon 2, 2014. http://www.theses.fr/2014LYO20059.
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Le présent travail a pour objet l’étude des appels aux passants en Égypte ancienne depuis sa naissance durant la IVe dynastie jusqu’à la fin de la période pharaonique. Il s’agit ainsi de déterminer l’identité de cette formule sur trois millénaires, selon deux axes principaux : historique et phraséologique. Un premier point, « Interpeller les vivants », est consacré à la caractérisation des contextes dans lesquels les appels interviennent à travers le temps. On y dresse un panorama par périodes, en évoquant les catégories sociales qui recourent à cette inscription et les lieux de découvertes. La prise en compte des données issues de l’archéologie permet alors de présenter la mise en scène accompagnant le discours. Dans le cadre de la prise de parole du défunt, la rhétorique de l’appel s’étend à l’ensemble du support mémoriel et le decorum est au service de la capatio benevolentiae. La deuxième partie, « Commémorer sur trois millénaires », se propose d’extraire et d’évaluer la part d’historicité à l’œuvre dans la formule. La phraséologie mobilisée dans les appels est d’abord interrogée du point de vue du Sitz im Leben puis en termes d’actions rituelles attendues. Le déroulement des rites envers les défunts fait finalement l’objet d’une proposition de reconstitution se basant sur le contenu des appels. En dernier lieu, « L’appel, expression d’une société solidaire », met en avant la part idéologique de la formule. Par sa composition et les idées véhiculées, l’appel constitue un relais majeur de la Maât sociale, établissant un pont entre les générations, par-delà vie et mort. Les mécanismes humains et l’aspect dogmatique de la formule expliquent son succès et sa longévitéThis Dissertation deals with the so-called “Appeal to the Living Ones” in Ancient Egypt since its beginning during the Fourth Dynasty until the end of the Pharaonic period. The identity of this formula will be sought over three millennia, in two main directions : History and Phrasæology.The first section “ Calling to the Living Ones ” will be devoted to the identification of contexts in which the appeals took place over time. It will provide an overview of the formula sorted by eras, referring to social groups who used it and its places of discovery.The archæological data will help us to survey the staging of the speech of the deceased. It seems indeed that the rhetoric of the appeals extends to the entire memorial. Furthermore, the decorum is involved in the capatio benevolentiae.In the second section, “ Commemorating over three millennia ”, we will extract and prospect the role of historicity at work in the formula. Phrasæology used in the appeals is first examined from the point of view of the Sitz im Leben. Then, we will analyse the ritual actions expected. Finally, we will try to rebuild the ritual sequences towards the dead, based on informations contained in the formula.The last section, “ The appeal, staging of a cohesive society ”, will highlight the ideological part of the formula. The appeal deals mainly with social Maat. It establishes a bridge between generations, beyond life and death. The success and the longevity of the formula seems to be connected to both mundane and ideologic preoccupations
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Ferrari-Saugon, Ghyslaine. "Les chrétiens face à la mort en Gaule dans l'Antiquité tardive : d'après les sources littéraires et épigraphiques antérieures au VIIe siècle." Paris 12, 2001. http://www.theses.fr/2001PA120055.
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"La première partie de l'étude, consacrée à la perception de la mort et de l'au-delà, permet de préciser les représentations qui constituent l'imaginaire chrétien de la mort, dans lequel se mêlent des thèmes hérités du paganisme ou inspirés de l'Écriture. Les espérances et controverses qui transparaissent à travers les écrits gaulois montrent la mise en place d'une géographie chrétienne de l'au-delà, à la fois héritière du passé et porteuse d'avenir. La deuxième partie aborde l'étude de la mort dans ses aspects plus concrets et quotidiens, à travers des récits mettant en scène des saints et des pécheurs, dessinant deux modèles antithétiques; à la " bonne mort " du saint s'oppose la mort du pécheur. Ces récits permettent également une approche des rites funéraires, et ancrent ainsi la mort dans une réalité sociale: gestes des vivants pour préparer et accompagner le corps vers sa dernière demeure, manifestations publiques du deuil, célébration du souvenir. . . La troisième partie dégage le sens chrétien de la sépulture et les effets de la christianisation sur l'organisation de l'espace. La recherche d'inhumation ad sanctos, l'adoption de nouveaux modèles funéraires par les évêques et les membres de la dynastie mérovingienne et le regroupement des sépultures des chrétiens dans des lieux d'inhumation communautaires sont en effet à l'origine de mutations en profondeur des espaces urbains. . . "
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Li, Jiayi. "Madame Bovary et Rides sur les eaux dormantes : deux destins de femmes : étude interculturelle." Phd thesis, Université de Bretagne occidentale - Brest, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00807841.
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Aussitôt après que les œuvres de Gustave Flaubert ont été traduites en chinois, elles ont tout de suite suscité une grande attention de la part des lecteurs chinois. Ses pensées philosophiques, son objectivité et son exactitude dans l'écriture ont provoqué une résonance dans les milieux lettrés chinois d'alors et ont influencé profondément leurs écrits. Le traducteur-romancier chinois, Li Jieren, qui fut le premier traducteur du roman Madame Bovary, avoue qu'il s'est beaucoup inspiré du style de Flaubert présent dans ce roman. En 1935, dix ans après sa première traduction de Madame Bovary, il a commencé la rédaction de son chef-d'œuvre Rides sur les eaux dormantes, qui est depuis considéré par les milieux critiques chinois comme Madame Bovary en Chine. Nous pouvons constater une similarité surprenante entre les deux héroïnes selon différents aspects. Mais on ne peut tout de même pas apparenter le roman de Li Jieren à une réécriture du roman français, car hormis certains points communs, on observe aussi de nombreuses divergences sur la conception des deux femmes, et en particulier dans leurs destinées. La présente thèse est consacrée à l'étude des raisons expliquant les dissemblances de dénouement, dans l'histoire de chacune des héroïnes. Premièrement au niveau du contenu du roman, les raisons se basant sur les éléments de différenciation des deux femmes et sur leur condition sociale ; puis, sur le plan de l'auteur, les raisons sont abordées sous l'angle interculturel, telles que les objectifs d'écriture, les choix littéraires ainsi que la conception de vie de Gustave Flaubert et de Li Jieren.
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Marion-Andrès, Claudine. "Etude sur la dramaturgie comique dans le premier théâtre de Lope de Vega : du rire des personnages au rire des spectateurs (1588-1595)." Rouen, 2013. http://www.theses.fr/2013ROUEL007.
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À un moment crucial de la constitution de la comedia, le rire lopesque est un des piliers de la construction théâtrale. Au cours de cette étude sur la dramaturgie comique dans le premier théâtre de Lope de Vega, nous considérons les causes et les conséquences du rire, ses modes d’apparition, les personnages qui en sont porteurs et ceux qui le subissent. Les mécanismes comiques mis en œuvre sont analysés, pour essayer de mettre en valeur le lien complexe et mystérieux qui peut unir le spectateur, l’auteur, et le personnage incarné par l’acteur. Ainsi essayons-nous de comprendre comment Lope ritualise le rire et le met au cœur d’un acte social partagé qui lui garantit le succès. Le premier chapitre consacré aux rires des personnages souligne le rôle essentiel qu’ils jouent dans la structure de la pièce et dans l’élaboration de son sens. Dans le deuxième chapitre, notre intérêt se porte sur une forme de rire propre au dramaturge, un rire de partage, contagieux, érotique, inconvenant et irrévérencieux. Nous montrons comment la comedia associe de façon spécifique rire et gravité, et d’une réplique à l’autre, bouleverse et bouscule le public. Ce constat conduit à aborder, dans le troisième chapitre, les rapports qu’entretient le rire avec le politique. Au chapitre quatre, l’importance donnée à des espaces qui représentent le peuple dans sa spontanéité, dans sa vie immédiate, renforce la complicité au sein du corral, et peut permettre la superposition des rires des personnages à ceux des spectateurs. Dans le chapitre cinq, nous démontrons que le rire est double – centripète et centrifuge – et peut s’imposer au travers de symboles revisités. Enfin, dans le dernier chapitre, nous étudions les jeux qui allient, dans des moments clefs, des improvisations contrôlées et des enjeux dramaturgiquesAt the crucial time when the comedia started, the laughter of Lope was one of the pillars of dramatic construction. In this survey of the dramatic art of the comic in the early theatre of Lope, we will consider the causes and consequences of laughter, the ways that it appeared, the characters who convey it and those who are subjected to it. The mechanisms of the comic brought into play are analysed so as to highlight the mysterious and complex bond that may unite the audience, the playwright and the character embodied by the actor. We will thus endeavour to understand how Lope ritualizes laughter and puts it at the core of a shared social act, making a success of it. The first chapter devoted to the laughter of the characters emphasizes the essential part that they play in the structure of the play itself and the working-out of its meaning. In the second chapter, we will be interested in a form of laughter peculiar to the playwright, based upon sharing, which is infectious, erotic, improper and irreverent. We will show how the comedia specifically associates laughter and solemnity and from one cue to another, upsets and bullies the audience. This observation leads us in chapter three, to broach the relationship between laughter and politics. In chapter four, the importance given to spaces representing the people in their spontaneity, their immediate lives reinforces the harmony within the corral and may enable to superimpose the laughter of the characters on the laughter of the audience. In chapter five, we will demonstrate that the laughter is doubled-sided – centripetal as well as centrifugal – and can impose itself through revisited symbols. In the last chapter, we will eventually study the games that associate controled improvisations and dramatic stakes at key-moments
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Lozes, Guillaume. "Initiation, ésotérisme et vodou en action au coeur de l'oeuvre d'Olympe Bhêly-Quenum : une lecture de l'oeuvre littéraire d'Olympe Bhêly-Quenum." Paris 13, 2002. http://www.theses.fr/2002PA131019.
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La littérature béninoise de langue française a connu une ère de prospérité à l'époque coloniale avec des écrivains formés par les Mission Catholiques. Le premier roman de la littérature béninoise de langue française est l'œuvre de Félix Couchoro. Il a ensuite entraîné dans son sillage d'autres écrivains ayant appartenu à une élite intellectuelle formée par les soins de la France, qui ont ainsi œuvré sans retenue au rayonnement colonial. Néanmoins, les productions littéraires de ces écrivains ont permis de donner leurs lettres de noblesse à la littérature béninoise. Ils ont ainsi ouvert une voie aux écrivains de la génération suivante au premier rang desquels se trouve Olympe Bhêly-Quenum. S'inscrivant dans une pérennité littéraire, Olympe Bhêly-Quenum, malgré le classicisme de son écriture, puise directement aux sources de son terroir les thèmes que le lecteur retrouve dans sa littérature. Il s'est alors fait le chantre des valeurs spirituelles béninoises qu'il exhume inlassablement en se faisant également, au besoin, un contempteur acerbe des traditions qui asservissent. Refusant de s'inscrire dans une tradition de littérature africaine mettant en scène l'itinéraire initiatique des personnages du roman africain, Olympe Bhêly-Quenum préfère dévoiler aux yeux du lecteur un initié saisi sur le vif. De sorte que les étapes franchies au cours de la formation de l'initié, ses doutes, sont occultés et restent souvent un mystère pour le lecteur. Malgré tout, Olympe Bhêly-Quenum demeure un écrivain attachant dont les questionnements collent au temps. Il convient alors de se pencher avec lui sur toutes ces problématiques qui touchent à l'universalité, au conflit entre tradition et modernité, pour tout dire à l'équilibre de l'hommeThe Beninese literature of French language has know an era of prosperity in the colonial time with writers formed by the Catholic Missions. The first novel of the Beninese literature of French language is Félix Couchoro's work. He then entailed in his trail others writers all having belonged to an intellectual elite formed with the aid of France, who so worked without restraint in the colonial brilliance. Nevertheless, the literary productions of these writers allowed to give their letters of nobility to the Beninese literature. They so opened the way to the writers of the following generation in the first row of whom is Olympe Bhêly-Quenum. Joining a literary perpetuity, Olympe Bhêly-Quenum, in spite of the classicism of his writing, draws directly to the sources of his soil the subjects which the reader finds in his literature. It then happened the bard of the Beninese spiritual values that he digs up indefatigably also by being, if necessary, an acerbic denigrator of the traditions which overcome. Refusing to join a tradition of African literature stating the initiatory route of the characters of the African novel, Olympe Bhêly-Quenum prefers to reveal to the eyes of the reader an initiated seizes on the deep. So that the stages crossed during the training of the initiated, his doubts, are darkened and often remain a mystery for the reader. Nevertheless, Olympe Bhêly-Quenum remains a charming writer whose questionings stick on time. It is then advisable to bend with him over all these problems which touch the universality, the conflict between tradition and modernity, all in all the balance of the man
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Passing, Fergombé Amos. "Tadeusz Kantor, le "théâtre de la mort" ou l'écriture de la mémoire (les rites africains aux confluences de la scène Kantorienne)." Valenciennes, 1996. https://ged.uphf.fr/nuxeo/site/esupversions/7cb4d023-f68b-4c64-b345-87549258abd7.
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Tadeusz Kantor (Wielopole, Cracovie 1915 - Cracovie, 1990) metteur en scène, scénographe, auteur et peintre polonais, a marqué durant prés d'un demi-siècle l'univers plastique et théâtral par son radicalisme et par une pratique artistique et scénique singulière. Son œuvre s'inscrit en effet sur le chemin sinueux de la création et les figures de son théâtre reflètent l'étrangeté, les rêves éveillés et les drames du XXème siècle. La thèse tente de rassembler les visages fragmentaires de l'œuvre et de l'analyser sous trois axes : l'espace de sa chambre d'imagination, l'objet du rang le plus bas et le texte scénique. Cette contribution, empruntant à la biographie de l'auteur, à ses manifestes théoriques et à ses œuvres théâtrales, dressera un inventaire des masques et des blasons de la mort dans la perspective d'une écriture de la mémoire. Dans une conjonction de la mort et de la mémoire seront par conséquent retrouvés les fondements du théâtre Kantorien dans lequel la mort, perçue au travers de la décomposition et de la réalité du rang le plus bas, est paradoxalement espérance de vie. Pour que cette pensée de la mort et de la mémoire continue à habiter en nous, la deuxième partie de notre approche proposera une lecture des rites funéraires africains afin de dégager les bases d'une écriture scénique susceptibles d'apporter un éclairage sur une Afrique en détresse. Ainsi la célébration des funérailles du peuple Moundang (Cameroun Tchad) oriente un projet dans lequel, acteurs et spectateurs, espaces, objets et textes, seront mis au service d'une écriture dramatique conservatoire d'une mémoire des vivants, d'un dialogue de la mort avec la vie. A la confluence de Kantor et de l'Afrique, le théâtre de la mort sera enfin porteur d'avenir et fondateur d'une écriture nouvelle qui s'enracine dans la mémoire, d'une conscience des drames de notre mondeTadeusz Kantor (Wielopole, Krakow 1915 - Krakow, 1990), polish director, scenery artist, author and painter, made his mark on the plastic and theatrical universe for almost half a century through his radicalism and his peculiar artistic and scenic practices. His work lies on the twisting path of creation, and the figures of his theatre are a reflection of the 20th century strangeness, waking dreams, and dramas. This thesis seeks to bring together the fragmentary faces of Kantor's work in order to analyse it from three points of view: space and the bedroom of the imagination, the most insignificant and base object, and the scenic text. This contribution, based on the biography of the author, his theoretical manifestos and his theatrical works, will create an inventory of the masks and blasons of death in the light of a writing of memory. It is at the coming together of death and memory that the foundations of Kantor’s theatre will become clear. Death, perceived through decomposition and the basest level of reality, paradoxically gives us hope of life. To keep this thought of death and memory fresh in our minds the second part of our approach will be to propose a certain reading of African funeral rituals in order to establish a basis for a scenic text that could shed light upon an Africa in distress. In this the celebration of the funeral rites of the Moundang people of Cameroon and Chad will be at the heart of a project in which actors, spectators, space, objects and texts will be used for a dramatic form of writing which conserves a memory of the living, and also for a dialogue between death and life. Where Kantor and Africa come together the theatre of death will finally promise a future and found a new form of writing rooted in its awareness of the dramas of our world
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Li, Jia yi. "Madame Bovary et Rides sur les eaux dormantes : deux destins de femmes : étude interculturelle." Thesis, Brest, 2012. http://www.theses.fr/2012BRES0018/document.
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Aussitôt après que les œuvres de Gustave Flaubert ont été traduites en chinois, elles ont tout de suite suscité une grande attention de la part des lecteurs chinois. Ses pensées philosophiques, son objectivité et son exactitude dans l’écriture ont provoqué une résonance dans les milieux lettrés chinois d’alors et ont influencé profondément leurs écrits. Le traducteur-romancier chinois, Li Jieren, qui fut le premier traducteur du roman Madame Bovary, avoue qu’il s’est beaucoup inspiré du style de Flaubert présent dans ce roman. En 1935, dix ans après sa première traduction de Madame Bovary, il a commencé la rédaction de son chef-d’œuvre Rides sur les eaux dormantes, qui est depuis considéré par les milieux critiques chinois comme Madame Bovary en Chine. Nous pouvons constater une similarité surprenante entre les deux héroïnes selon différents aspects. Mais on ne peut tout de même pas apparenter le roman de Li Jieren à une réécriture du roman français, car hormis certains points communs, on observe aussi de nombreuses divergences sur la conception des deux femmes, et en particulier dans leurs destinées. La présente thèse est consacrée à l’étude des raisons expliquant les dissemblances de dénouement, dans l’histoire de chacune des héroïnes. Premièrement au niveau du contenu du roman, les raisons se basant sur les éléments de différenciation des deux femmes et sur leur condition sociale ; puis, sur le plan de l’auteur, les raisons sont abordées sous l’angle interculturel, telles que les objectifs d’écriture, les choix littéraires ainsi que la conception de vie de Gustave Flaubert et de Li JierenAs soon as the works of Gustave Flaubert were translated into Chinese, Chinese readers immediately paid great attention to them. His philosophical thoughts, objectivity and accuracy in writing caused a resonance in Chinese literary circles of the time and profoundly influenced their writings. Chinese translator and novelist, Li Jieren, who was the first translator of Madame Bovary, admitted he was much inspired by the style of Flaubert in this novel. In 1935, ten years after the first translation of Madame Bovary, he began writing his masterpiece Ripples across stagnant water which has been considered by Chinese critics as the Chinese Madame Bovary. Astonishing similarities can be noticed between the two main characters from various aspects. Despite these similarities, Li Jieren’s novel is not just a simple rewriting of the French novel, for there are also many differences in the perspectives of the two women and especially in their fate. This thesis is focusing on the reasons that can explain the major differences in the outcome of each heroine’s story. First within the content of both novels, reasons based on elements differentiating the two women and on their social class. Then, studying at the author’s level, we will look at reasons from a cross-cultural perspective, such as the writing objectives, literary choices and living concepts of Gustave Flaubert and Li Jieren
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Quichaud, Laurence. "L'organicité du performer dans un "théâtre" rural chinois : le dixi du Guizhou." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082076.
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Prenant pour exemple le dixi du Guizhou, pratiques performatives d'origine rituelle, qui ont lieu dans le Sud-Ouest de la Chine, l'auteur de cette thèse tente de définir l'organicité du performer dans une perspective ethnoscénologique. La première partie du travail, théorique, analyse les caractéristiques de ces pratiques, leur corrélation avec la langue chinoise d'une part et l'importance des rites dans la société d'autre part. Il s'agit en fait de mettre en évidence le contexte dans lequel ces pratiques sont nées afin d'en éclairer leur approche très physique. La seconde partie de l'étude est constituée par un exposé détaillé de ces pratiques. Elle contient divers textes rituels ainsi que la description de la gestuelle et des différents pas.
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Viain, Elisabeth. "Pourquoi le théâtre contemporain ne ferait-il pas rire ? : humour, subversion et crise de la réception dans la création théâtrale contemporaine française, anglaise et allemande." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL067.
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Notre travail trouve son origine : d’une part dans la mauvaise réputation du théâtre contemporain auprès du public qui ne le fréquente pas ou plus et qui le juge violent, ennuyeux ou incompréhensible ; d’autre part dans le caractère très circonscrit, sur le plan socio-culturel, du public de ce théâtre. Nous tâchons de faire le lien entre ces deux constats, en utilisant la question du rire comme un révélateur. Notre hypothèse est que la dilution de la perception du rire dans le théâtre contemporain et les efforts ponctuels des spectateurs pour réinjecter du rire dans leur expérience spectatorielle constituent un symptôme de blocage du potentiel subversif de la création théâtrale. Mais, plus profondément encore, il nous semble que cette espèce de dysfonctionnement du rire s’inscrit au cœur d’un problème plus vaste de renouvellement, qui se pose aussi bien pour les formes du spectacle que pour la composition socio-culturelle du public. En effet, le rapport du public et de la scène au rire/à l’humour apparaît lié à certains aspects essentiels du fonctionnement théâtral actuel, notamment : à un refus implicite ou explicite du divertissement, à la systématisation de l’esthétique du choc, à la mise à l’épreuve du spectateur et au traitement des tabous. Il s’agira donc, en interrogeant le déploiement du rire (notamment dysfonctionnel), côté salle et côté scène, d’identifier et d’analyser ce qui relie, en filigrane, les différents obstacles au renouvellement rencontrés par la création théâtrale contemporaine et ce qui contribue réellement à la désaffection du grand public pour un art devenu, au cours du XXème siècle, extrêmement marginal dans la vie quotidienne des individusMy research was motivated on the one hand by the bad reputation of contemporary theatre among the people who do not or no longer attend it and who think it is violent, boring or hard to understand; on the other hand by the fact that its audience is socio-culturally extremely circumscribed. I try to make a link between those two observations by using the laugh as a revelatory tool. My hypothesis is that the increasing difficulties to perceive laugh in contemporary theatre and the audience’s punctual efforts to reinsert laugh in their theatrical experience are symptoms of a general limitation of the subversive potential in contemporary creation. Most of all, I think that this kind of laugh’s malfunction is a part of a bigger problem affecting the renewal capacity of theatre, in the aesthetic aspects as well as in the socio-cultural audience’s composition. In fact, the relation between the audience or the scene and laugh/or humour seems linked to some essential aspects of the actual theatrical working: the explicit or implicit refusal of entertainment; the systematization of the “shocking effects’ aesthetic”; the audience’s physical or psychological trial; the way taboos are managed. By exploring the way laugh/humour works or malfunctions, from the scene’s and the audience’s perspectives, I want to identify how the different obstacles to theatrical renewal are related and what really contributes to the audience’s disaffection for an art which, along the 20ieth century, has become more and more marginal in people’s day-to-day life
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Rapenne, Catherine. "Rire et fantastique dans la littérature romantique, de 1821 à 1869." Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAC026.
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De Nodier à Baudelaire, nombre de romantiques ont clamé leur désenchantement ou leur mélancolie ; on les a trop souvent pris au mot, oubliant « la puissance d'être à la fois soi et un autre » qui est la leur. Confrontés à un réel en voie d’uniformisation qu’ils méprisent ainsi qu’aux tourments d’une intériorité qu’ils découvrent duelle et déchirée, ils font du rire et de l’imagination, « reine des facultés », les leviers d’une résistance et d’une créativité renouvelée, cette dernière s’appuyant sur un recyclage humoristique de formes oubliées et visant à restaurer une sensibilité perdue tout en l’adaptant à leur époque. Ils inventent le fantastique moderne et font du rire le principe de son écriture. Le rire, paradoxal, y prend en charge les contradictions du réel et du langage, l’oblicité de l’ironie en révélant la réversibilité et la polysémie, dans un esprit malicieux et retors qui fait circuler partout, jusque sous les apparences les plus macabres les serpenteaux d’artifice du Witz. Le rire des fantastiqueurs n’est pas un rire « réduit » mais un rire intériorisé, un rire galvanisé par la découverte de l'épaisseur et de l'étrangeté des choses, un rire qui contribue à donner naissance à la bienveillance distanciée de l’humour moderneFrom Nodier to Baudelaire, numerous romantic poets and writers claimed their disillusionment in human existence or their melancholy. Much too often, they have been taken at their words, one neglecting the ''power to be oneself and someone else at one and the same time” which was theirs and constituted their dual nature. Facing up a reality on its way to standardization, which they despised, as well astorments of their inner self which they experienced and felt as agonizingly dual and tornapart, they turned laughter and imagination, being “the most dignified faculty of mind”, into power of resistance and renewed creativity, the latter being based on a humorous adjustment and re-use of old forms, highlighting this way the revival of lost sensitivities while updating these to their time.They were the inventors of the modern fantastic literature and made out of laughter the principle of this new form of writing. There, laughter, paradoxical, takes on and assumes the internal contradictions of reality, the oblique and indirect nature of irony by disclosing the reversibility and the polysemy of their surrounding world, in a mischievous and cunning spirit which disseminates the pharaoh's serpent fireworks of the Witz all over the place, and which emit sparks even from the most macabre appearances such as the grim reaper of death.The laughter of the fantastic authors is not a "subdued" laughter, a restrained laughter, but an inner laughter, exalted by the consciousness of the density and weirdness as well as through the uncanny nature of things, a laughter which contributes to the emergenceof modern humor, because it takes a step back while paying benevolent attention to the other
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Jang, Insook. "Le theatre coreen contemporain et ses sources : etude ethnoscenologique." Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA081151.
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Cette etude consiste a explorer un aspect fondamental d'une culture coreenne qui comporte a la fois une dimension symbolique, religieuse, affective et spectaculaire afin de decouvrir une nouvelle perspective du theatre coreen d'aujourd'hui grace a la methodologie interdisciplinaire de l'ethnoscenologie qui permet d'aborder les divers aspects de l'objet d'etudeThis study is based on the investigation of one fondamental element of the korean culture. It is built on symbolic, religious, affective and spectacular dimensions in the aim of discovering a new vision for the korean contemporary theatre. It will be applied with the interdisciplinary methodology of the ethnoscenology wich allows to approach the different aspects ot this work
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Dia, Makhmouth. "Comique et tragique : la dramaturgie de Wole Soyinkia à l'épreuve d'une problématique théâtrale africaine." Caen, 2009. http://www.theses.fr/2009CAEN1560.
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Cette thèse étudie le comique et le tragique dans le théâtre de Wole Soyinka. D'une part, elle analyse les représentations ainsi que les rapports dramaturgiques de ces catégories génériques dans son œuvre et, d'autre part, les place dans le contexte idéologique et sociologique africain moderne. Selon la critique, l'alliance du comique et du tragique constitue un des plus grands piliers du théâtre africain contemporain. Ce travail évalue la nature, les formes et les enjeux de cette alliance chez Soyinka. Dans la même optique, l'objectif est de déterminer le rôle du comique dans la tragédie africaine. Le dramaturge nigérian a proposé une tragédie africaine, à travers la cosmogonie, le rituel et la métaphysique yorouba. Mais comme souvent dans les propositions de tragédie africaine, il a sous–estimé le comique dans ce processus. Pourtant la complexité du comique dans son œuvre incite à une autre approche. D'une manière générale, la critique a semblé mal apprécié l'aspect comique dans la tragédie africaine. Pourtant, même si c'est un sujet insuffisamment étudié, les tragédies font rire le spectateur africain. On dit également que le rire et la célébration accompagnent la vie quotidienne en Afrique, même pendant les moments tragiques. L'œuvre de Soyinka illustre que ce comique, ce rire et cette célébration sont l'expression d'une tragédie de l'homme moderne. Le but de ce travail est aussi, à cet égard, d'identifier une tragédie africaine à travers la dramaturgie du comique. Le texte dramatique, le processus historique et esthétique et la poétique de la réception sont les axes sur lesquels repose cette expressionThis research is a study of the comic and the tragic in the theatrical work of Wole Soyinka. It analyses, on one hand, the depiction and the dramaturgical relations between the comic and the tragic in his drama and, on the other hand, relates them to the sociological and ideological context of modern Africa. The association of the tragic and the comic is one of the most important pillars of contemporary African drama, according to critics. The aim of this research is to examine the nature, the forms and the meaning of this association in Soyinka’s drama. From the same viewpoint, the aim is to determine the place of comedy in African tragedy. The Nigerian dramatist has proposed an African tragedy based on Yoruba cosmogony, rituals and metaphysics. However, as it is usually the case with propositions of African tragedy, Soyinka has underestimated the comic in the process. Yet, the complexity of this comic invites to a different approach. Broadly speaking, critics seem to have misjudged the comic aspect in African tragedy. Although it is less researched area, it is known that African audiences laugh during representations of tragedies. It is also said that laughter and festivity are part of daily life, including during its tragic moments. On this respect, the aim of this research is to identify an African tragedy through the drama of comic. Soyinka’s drama shows that this comic aspect, this laughter, and this festivity are at the expression of man’s modern tragedy. The dramatic text, the historical and aesthetic process, and the poetics of its reception are the pillars of this expression
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Manco, Clara. "« In Earnest or Jest » : rire, pouvoir et politique dans les Comédies de la Restauration (1660-1688)." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses.paris-sorbonne.fr/2020SORUL048.pdf.
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Quel rôle joue le rire dans l'économie symbolique du pouvoir ? Comment reflète-t-il, et dans quelle mesure contribue-t-il en retour à structurer les imaginaires politiques contemporains ? Le moment historique situé entre la Restauration et le changement dynastique de la Glorieuse Révolution constitue un épisode privilégié de l'histoire du théâtre anglais pour aborder ces questions. Après les tourments de la guerre civile et le hiatus des années Cromwell, la scène entretient des liens institutionnels plus étroits que jamais avec le pouvoir de la Couronne. Parallèlement, une opposition émerge et se structure sous la forme du parti Whig. Celle-ci investit aussi très tôt l'institution théâtrale en tirant profit, entre autres, de la dépendance économique de nombreux dramaturges et du personnel théâtral. La comédie s'adapte ainsi à cette triple contrainte (économique, sociale, institutionnelle) en politisant pour l'occasion les stéréotypes qu'elle hérite de traditions antérieures, comme celui du cocu, du dévot ou du débauché. Ces types établis, qui sont le matériau propre de la comédie, deviennent à la fois des images des différents acteurs de l'échiquier politique et des armes au service de ces luttes d'influence. De ces exigences contradictoires émerge alors un mode de production et de réception comique unique, influencé par les pratiques satiriques, et fondé sur l'ambiguïté. Cette étude comparative s'appuie sur un corpus de quarante pièces de vingt et un auteurs différents, allant de figures canoniques comme Dryden, Shadwell et Behn à d'autres moins connues comme D'Urfey, Crowne et RavenscroftWhat is the role of laughter in the symbolic economy of power? How does it reflect and shape the minds and political imagination of contemporary society? The historical period between the Restoration and the dynastic shift of the Glorious Revolution constitutes a pivotal point in the history of English theatre in which to explore these questions. Following the violence of the Civil War and the hiatus of the Cromwellian years, the institutional links between the theatres and the Crown become tighter than ever. Meanwhile, the political opposition consolidates itself, becoming the Whig party, and invests in theatrical institutions by taking advantage inter alia of the financial dependence of playwrights and stage personnel. Comedy adapts to these economic, social and institutional constraints by politicising the stereotypes inherited from previous traditions, such as the « cuckold », the « zealot » or the « rake ». These comedic vehicles are used both as mirror images of the actors of political life and as tools serving specific agendas in contemporary power struggles. From these contradictory demands emerges a distinctive mode of comic production and reception, heavily influenced by satiric practices and structured with deliberate ambiguity. This comparative study is based on forty plays by twenty-one different authors, from canonical figures such as Dryden, Shadwell and Behn, to lesser-known authors like D'Urfey, Crowne and Ravenscroft
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Kamar, Abdulkarim. "Le sentiment de dérision dans le théâtre de Jean Anouilh." Besançon, 2001. http://www.theses.fr/2001BESA1001.
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Nous nous chargeons, dans notre étude sur le théâtre de Jean Anouilh, d'analyser le sentiment de dérision dans le théâtre de Jean Anouilh. Le premier volet de ce travail est consacré à l'expression de la dérision dans l'oeuvre de jeunesse d'Anouilh. Nous mettons en lumière la manière dont l'angoisse se traduit dans cette première période : d'abord, par une révolte et un refus foncier de l'ordre du monde. D'autant plus que le pessimisme, qui jalonne les pièces de l'auteur ne s'arrête pas aux limites d'un simple refus des personnages du monde tel qu'il est, mais il devient la cristallisation d'une noirceur humaine. Le théâtre constitue en effet, une bouée pour échapper à la solitude. Toutefois, l'auteur transmet ses idées de la société et de la vie par le jeu du théâtre : théâtre comme la vie comme une éternelle scène de théâtre et le théâtre comme le meilleur endroit pour jouer la vie. . .
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Calin, Anemarie. "Nature Et Fonction Du Portrait Chez Molière : Le Misanthrope Et Le Tartuffe." Digital Archive @ GSU, 2010. http://digitalarchive.gsu.edu/mcl_theses/11.
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Nous nous proposons de suivre l’histoire du portrait littéraire et la place de Molière en tant que portraitiste dans deux de ses piè ces les plus célèbres, Le Tartuffe et Le Misanthrope. Molière déplace l’intérêt de l’action dans ses comédies vers les portraits des personnages. S’appuyant sur les principes des Anciens : « castigat ridendo mores », Molière rév èle à travers les portraits, les vices, surtout l’hypocrisie, et l’importance du masque dans la société du XVIIe siècle. La grande varié ;té des portraits sera illustrée de nombreux exemples. Nous nous intéressons aux diverses fonctions des portraits. Ils dévoilent l’intérêt pour le réalisme psychologique et témoignent d’une mode de divertissement mondain. En mettant l’accent sur les défauts et le ridicule des personnages, avec les portraits, les pièces se chargent d’une dimension satirique.
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Baills-Talbi, Nathalie. "Sentiment de l'enfance et reconnaissance sociale : la place des enfants en bas âge (0-4 ans) dans les Trois Gaules (Ier s. av. J.-C. - Ve s. ap. J.-C. : étude des comportements au travers des sources littéraires, iconographiques, anthropologiques, archéologiques et ethnologiques." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010552.
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Ce travail de recherche se propose d'étudier la place des tout petits enfants (0-4 ans) dans la société gallo-romaine, du 1er s. Av. J. -C jusqu'au Ve s. Ap. J. -c. , en particulier dans les Trois Gaules (Lyonnaise, Belgique et Grande Aquitaine), afin de faire apparaître, à travers le témoignage de leurs tombes, l'existence de statuts sociaux qui expliqueraient les différents traitements funéraires dont ils ont fait l'objet. Il s'agit notamment de remettre en cause l'idée selon laquelle certaines pratiques funéraires, réservées aux enfants en bas âge, témoigneraient de leur nature malfaisante. Les sites retenus dans le cadre de cette étude, au nombre de 119, s'inscrivent dans des contextes funéraires (nécropoles) mais également dans des espaces voués à la vie quotidienne. Grâce aux apports de l'archéologie et de l'anthropologie, primordiale dans ce travail pour observer si l'âge au moment de la mort a pu influer sur les pratiques funéraires, nous nous sommes interrogées sur la manière dont les rites destinés aux deux premières classes d'âge (0 et 1-4 ans) se distinguaient du reste de la population. Cinq domaines principaux ont pu être définis : le mode d'ensevelissement (l'inhumation), le mode de dépôt (les vases funéraires et les imbrices), les dépôts funéraires (le mobilier à caractère apotropaïque), la localisation des sépultures (hors des nécropoles communautaires) et la représentativité au sein des aires funéraires communautaires (sous-représentation). Ces pratiques n'ont pas concerné de la même manière les classes 0 et 1-4 ans. Nous avons en effet établi des distinctions importantes entre ces classes d'âge, l'âge d'un mois, six mois et deux-trois ans ayant donné lieu à des comportements différents liés à leur intégration sociale.
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Bana, Jeanne. "Rituel du Séké chez les Akan lagunaires en Côte d’Ivoire : approche dramaturgique de l’exemple Krobou." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0552.
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Cette étude tente de poser un nouveau regard en déconstruisant le rituel classique enfermé pour la plupart du temps dans un imaginaire folklorique. En faisant l’analyse dramaturgique du séké tchédi, le rituel est replacé dans son cadre ethnologique, en se positionnant en tant que fait culturel, religieux, politique et un espace ludique de libération de tensions. Plusieurs interrogations ont permis de conduire la réflexion sur cette approche dramaturgique : en quoi le séké tchédi se révèle-t-il comme une création dramatique ? Quelle est la part de jeu et celle du vécu ? Quelles représentations créatives pouvons-nous établir entre l’art dramatique et le séké tchédi ? En tentant de répondre à ces interrogations, nous essayons de mettre en lumière le rapport entre le théâtre et le rituel et leurs modes de transposition scénique. Ainsi, l'analyse dramaturgique du séké tchédi s’impose comme le tremplin pour mieux saisir son caractère à la fois sacré et profane, celui de l'imprévisible en complémentarité avec une certaine mise en abîme. En examinant les différents éléments et leurs techniques de mise en spectacle du séké tchédi, ce travail se réclame d'une démarche plurielle et participe de la dynamique d'une réflexion sur l’intérêt social et dramaturgique du séké tchédi. Nous nous attachons à montrer dans cette recherche que ce rituel est conçu et représenté par la communauté et pour la communauté. Il se révèle sur le plan esthétique comme une création collective, un drame où s’affrontent la vie et la mort, un jeu visible et invisible où se jouent le rééquilibrage social et la confrontation des pouvoirs, un moment de restauration de lien entre les hommes et l’invisibleThe study aims to offer a new perspective by deconstructing conventional analysises, which most often remain confined to conceptions of imaginary folklore. Through a dramaturgical analysis of séké tchédi, the ritual is resituated in its ethnological framework as a cultural, religious, and politcal phenomenon, and as playful, tension-relieving space. Multiple questions have enabled reflection on this dramaturgical approach: how does the séké tchédi reveal itself as a dramatic creation? What is the role of play and of lived experience? What creative representations may we establish between the dramatic arts and séké tchédi? In responding to these questions, we aim to shed light on relations between theater and ritual and their modes of theatrical transposition. Thus, dramaturgical analysis of séké tchédi acts as a springboard for grasping for grasping the ritual's nature as simultaneously sacred and profane, in which the unexpected exists complimentaryly with a certain mise-en-abîme. --In examining the different elements and theatrical techniques of séké tchédi, this study adheres to a plurality of approaches as well as to a relation on the social and dramaturgical aspects of séké tchédi. Through this research we attempt to show that the ritual is conceived and represented by the community and for the ccommunity. Aesthetically, it reveals itself as a collective creation, a drama through which life and death collide, a game both visible and invisible through which social rebalancing and confrontation of powers take place, a momentary restoration of links between human beings and the invisible
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Dardompré, Carey. "La lodyans, un romanesque haïtien perspectives historique, poétique and didactique. Perspectives historique, poétique and didactique." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA027.
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Cette recherche tente de montrer comment la lodyans (en créole) ou « l'audience » (en français) est un genre littéraire typiquement haïtien. La lodyans peut être décrite comme l'art de raconter des histoires. Elle commence avec cette définition donnée par Georges Anglade : « La lodyans est un genre littéraire spécifiquement haïtien dont les racines plongent au plus profond de la culture haïtienne, au même niveau que la langue créole d'Haïti et le vodou haïtien. La personne qui raconte la lodyans ou les histoires est appelée un lodyanseur ». De 1905 jusqu'à nos jours, de nombreux écrivains haïtiens se sont servis de la lodyans comme d'un arrière-plan pour leurs œuvres littéraires. Parmi eux, on peut citer Justin Lhérisson, Fernand Hibbert, Maurice Sixto, et Gary Victor. Ce groupe comprend aussi Georges Anglade, le premier à avoir écrit une théorie du genre ; René Depestre, Frank Etienne et Dany Laferrière, sans être des lodyanseurs, ont été très influencés par le style de ceux qui se sont reconnus comme tels. En nous appuyant sur l'œuvre de ces lodyanseurs, et sur la critique de Mikhaïl Bakhtine, nous souhaitons prouver que la lodyans est un genre classique, même lorsqu'il frôle le grotesqueThis study will seek to explore lodyans (in Creole) or « l’audience » (in French) as a Haitian literary genre. Lodyans can be described as the art of telling stories. Hughes St. Fort in his review of Haitian Laughter written by Georges Anglade (2006), cites the writer who describes it as follows: ‘‘The lodyans is a uniquely Haitian literary genre whose roots are found in the deepest soil of Haitian culture, at the same level as Haitian Creole language and Haitian vodou. The person who tells the lodyans or stories is known as a lodyanseur’’. From the 1905 to present, many Haitian writers have been used loydyans as a background for their literary works. Among them we cite the following: Justin Lhérisson, Fernand Hibbert, Maurice Sixto, and Gary Victor. This group also includes Georges Anglade, the first to write a theory of the genre; René Depestre, Frankétienne and Dany Laferrière who are not lodyanseurs, but are very influenced by the writing style of those known as such. Based on the works of these lodyanseurs, and the critique of Mikhail Bakhtin, we wish to prove that lodyans is a classical genre even when it borders on the grotesque
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Triolaire, Cyril. "Fêtes officielles, théâtres et spectacles de curiosités dans le 11ème arrondissement théâtral impérial pendant le Consulat et l'Empire." Clermont-Ferrand 2, 2008. http://www.theses.fr/2008CLF20009.
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Cette enquête propose d'étudier les fêtes officielles, les théâtres et les spectacles de curiosités dans le onzième arrondissement théatral impérial durant le Consulat et l'Empire. Grand amateur de tragédies, assumant les héritages de la Révolution et renouant ouvertement avec les cérémoniaux monarchiques, le premier consul bientôt empereur use d'un art immodéré de la propagande. Fêtes officielles et spectacles sont abondamment sollicités pour mettre en scène le pouvoir, gouverner et surveiller les esprits. Au coeur de l'Empire, cette étude s'intéresse au développement du culte impérial dans les espaces de vie de la majorité des français et aux voies festive et théâtrale qu'il emprunte entre l'an VIII et 1815. Elle tente de saisir les effets de la loi de février 1806 sur l'affermissement de la dévotion napoléonienne et ceux des décrets de juin 1806 et avril 1807 sur la vie théâtrale dans les départements. Cette enquête interroge sur les rapports politiques entre la province et Paris, soulignant les résistances marquées dans l'application du calendrier des fêtes ou le respect de la censure théâtrale. Elle dessine donc une géographie de la diffusion de la culture officielle, mise en relation avec les contraintes économiques et budgétaires, avec les traditions et les opinions locales. Elle reconstruit une sociologie des acteurs principaux des divertissements, étudie les espaces aménagés, rend compte des répertoires et des discours, s'intéresse aux formes de diffusion de la vulgate officielle et essaie d'apprécier leur réception. Ce travail tente ainsi de renouveler l'histoire culturelle du politique et des pratiques culturelles sous le Consulat et l'EmpireThis study aims analyzing the official festivals, the theatres and the "spectacle de curiosités" in the eleventh theatrical and imperial district uring the Consulate and the First Empire. He was a tragedy lover who took on the legacy of the Revolution and yet who openly revived the monarchic ceremonials, the First Consul resorted immoderately to propaganda. Official festivities and shows were abundantly used so as to stage power, to control and watch people's minds. Inthe heart of the Empire, this study focuses on the way the imperial worship was developed thanks to the festivals, the theatres and the companies between the year VIII and 1815. About strengthening the devotion for Napoleon and those of the decrees voted in June 1806 and April 1807 about the theatrical life in the departments. This work studies the political relations between Paris and the provinces, highlighting people's obvious reluctance to respect the calendar of the festivals or the theatrical censorship. It shows how the official culture was spread connected to the economical and financial constraints and the local traditions and opinions. Is presents e new sociology of the main actors in the festivities. It studies the planned places, the repertoires and the speeches. And it shows how the official messages were transmitted and how they were received by the people : their approval or their objection as well as the dramatic criticisms. This study thus tries to present a new cultural history of the politics and of its cultural practices at the time of the Consulate and of the First Empire
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Razaimiandrisoa, Nirina. "Représentations de la société malgache dans les nouvelles d'un auteur malgache des années 30, Alfred Ramandiamanana (1886-1939)." Thesis, Paris, INALCO, 2013. http://www.theses.fr/2013INAL0028.
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La thèse porte sur les représentations de la société malgache dans les nouvelles d’un auteur des années 30, écrivant en malgache, Alfred RAMANDIAMANANA (1886-1939). Ecrivain, poète et nouvelliste au début de l’époque coloniale à Madagascar de 1906 à 1939, Ramandiamanana, nostalgique de l’époque précoloniale va s’affilier à une société secrète nationaliste découverte vers la fin de 1915 qui fut un mouvement intellectuel dont les principaux objectifs étaient de préserver l’unité nationale et la lutte pour le développement de Madagascar. Pendant presque trente ans il a publié soit des poèmes, soit des textes d’analyses, soit des nouvelles, dispersés dans les premiers journaux non confessionnels malgaches du début du XXe siècle. D’où l’intérêt de s’interroger sur le sens que prennent ses diverses formes d’écrits tout en les remettant dans leur contexte historique.La thèse se présente en deux volumes. Le volume I Analyse étudie l’articulation entre l’histoire et le contexte politique ainsi que le statut de la langue malgache par rapport à la langue française introduite par la colonisation. Durant cette période de pacification coloniale, la presse étant muselée par la censure, la répression étant sévère, l’analyse porte sur les façons dont les intellectuels se sont approprié la langue en intégrant la critique de la société coloniale et de la société malgache de l’époque en utilisant un langage codé. L’auteur utilise également le rire pour faire passer son message aux lecteurs. Ses œuvres expriment l’engagement culturel de l’auteur. Le deuxième volume comprend les 48 textes en malgache avec la traduction française réalisée par Nirina Vololomaharo RAZAIMIANDRISOA. Le vocabulaire utilisé, ainsi que le contexte d’écriture n’est pas toujours connu du public actuel, des explications détaillées dans des notes de bas de page sont fourniesThe thesis focuses on the representations of the Malagasy society in the short stories of the writer of the 30s, writing in Malagasy, Alfred RAMANDIAMANANA (1886-1939).Writer, poet and short story writer at the beginning of the colonial era in Madagascar from 1906 to 1939, Ramandiamanana, nostalgic of the pre-colonial era joined a secret nationalist society discovered towards the end of 1915. The secret society turned out to be an intellectual movement whose main objectives were to preserve the national unity and the struggle for the development of Madagascar. For nearly thirty years, he published either poems, or text analysis, or short stories, dispersed in the first Malagasy non-denominational newspapers of the early twentieth century. It becomes therefore interesting to reflect on the direction taken by these various forms of writings while putting them in their historical context.The thesis is presented in two volumes. Volume I, the Analysis, examines the relationship between history and politics as well as the status of the Malagasy language in relation to the French language introduced by colonialism. During this period of colonial pacification, the press was muzzled by censorship and the repression was severe. Thus, the analysis focuses on the ways in which the intellectuals took over ownership of the language while taking into account the critique of the colonial society and the Malagasy society of the time, using a coded language. The author also uses laughter to get his message across to the readers. His works express the cultural commitment of the author.Volume II consists of 48 texts in Malagasy with the French translation by Nirina Vololomaharo RAZAIMIANDRISOA. Granted that the language used and the context are not always known to the public today, detailed explanations are provided in footnotes
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Bailey, Marianne Wichmann. "Le Théâtre rituel d'Aimé Césaire : les structures mythiques de l'imaginaire dramatique." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040025.
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Glinska, Klementyna Aura. "La "comédie latine" du XIIe siècle : rhétorique et comique." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040163.
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Le corpus des ‘comédies élégiaques’ ou ‘comédies latines’ du XIIe et du XIIIe siècle a été perçu comme un ensemble de textes étranges, dont la place dans la tradition littéraire était, pourtant, clairement définie. La notion de ‘comédie élégiaque’ désigne en effet la tradition théâtrale comme point de référence essentiel dans la formation du ‘genre’. L’objectif de la présente thèse est de déconstruire le concept de ‘comédie élégiaque’ et de décrire les textes du corpus, composés au XIIe siècle, tout en respectant leur historicité. Le mot ‘comique’ se rapporte ici à comoedia en tant que phénomène historique et non pas aux catégories anthropologique, philosophique ou psychologique ; ‘faire rire’ n’est ici qu’une des réponses possibles. La révision des sources fondamentales pour la formation des savoirs médiévaux de la comédie antique, ainsi que la lecture des poetriae du XIIe et XIIIe siècle, permet de préciser le sens du terme comoedia, employé par les auteurs des comoediae du Val de Loire et par leurs lecteurs. L’étude des rapports des comédies élégiaques avec la tradition de la comédie antique implique, en outre, l’examen de leurs paratextes et de leurs cotextes, dont l’ensemble est déterminé par les manuscrits conservés. Ainsi, l’analyse du contexte historique, idéologique et théorique, ajoutée à l’étude des manuscrits des comédies élégiaques, permet de définir ces compositions en tant que textes qui forment et incarnent les règles rhétoriques et éthiques exposées dans les poetriaeThe corpus of ‘elegiac comedies’, or 12th and 13th-century ‘Latin comedies’, was perceived as an anthology of some curious texts, the literary tradition of which was, nevertheless, clearly defined. Indeed, the notion of 'elegiac comedy’ designates the theatrical tradition as a point of reference, which is essential for the formation of' the ‘genre’. The objective of this thesis is to deconstruct the concept of ‘elegiac comedy’ and to describe the 12th-century texts of the corpus in exact accordance with their historicity. The word ‘comic’ refers here to comoedia as a historical phenomenon and not to some categories of anthropological, philosophical or psychological nature; the ‘laughter’ is not but one of the possible answers. The revision of the sources fundamental for the formation of medieval knowledge of ancient comedy as well as the interpretation of 12th- and 13th-century poetriae help to shed light on the meaning of the term comoedia employed both by the authors of comoediae from the Loire Valley and by their readers. The study of the relations of the elegiac comedies with the tradition of ancient comedy involves, moreover, the examination of their paratexts and co-texts, the body of which is determined by the preserved manuscripts. Thus, the analysis of the historical, ideological and theoretical context, as well as the study of manuscripts of the elegiac comedies, define these compositions as the texts that form and embody the rhetorical and ethical rules exhibited in the poetriae
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Négrel, Éric. "Théâtre et carnaval, 1680-1720 ˸ coutume, idéologie, dramaturgie." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA123.
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La rencontre du théâtre et du carnaval est aussi ancienne que le carnaval lui-même. D’une part, les cérémonies et les comportements collectifs possèdent, en propre, une dimension spectaculaire ; d’autre part, les jeux dramatiques font partie intégrante du rituel. Dans la France d’Ancien Régime, les réjouissances du carnaval sont un temps fort du calendrier, qui occupe toute la société pendant plusieurs semaines, des Rois au Carême. Les comédies créées pendant cette période, au Théâtre-Italien, à la Comédie-Française, à la Foire Saint-Germain, se rattachent explicitement à la coutume et s’insèrent dans son cycle cérémoniel. Plus largement, tirant parti de cette proximité calendaire, les dramaturges recourent au langage symbolique du carnaval, à celui du charivari, pour inventer un système de représentation du réel qui en offre un mode d’intelligibilité spécifique. Une langue pleine d’équivoques scabreuses et de saillies ordurières, des lazzis outrés et obscènes, un univers fantaisiste et bouffon, des personnages extravagants et burlesques : les modèles comiques qui se développent, de 1680 à 1720, sont à rattacher à la culture carnavalesque et à son imaginaire mythico-rituel. Les croyances et les pratiques symboliques innervent la création dramatique et participent à la construction de son sens, en lien étroit avec le contexte historique dans lequel s’inscrivent les œuvres. Il convient de restituer à ce théâtre la dimension anthropologique qui est la sienne, si l’on veut accéder à sa raison esthétique. La comédie de mœurs offre alors un nouveau visage : représentant la société contemporaine comme un monde à l’envers sur lequel règnent des souverains parodiques, elle revêt des enjeux idéologiques et possède une portée politique. Parallèlement, c’est aussi le concept critique de « carnavalesque » qui apparaît sous un jour inéditThe meeting of theatre and carnival is as old as carnival itself. On the one hand, ceremonies and collective behaviour have a spectacular dimension in themselves; on the other hand, dramatic performance is an integral part of the ritual. In the early modern France, celebrating carnival was a key moment of the year, and kept the whole society busy for several weeks from Epiphany (or Twelfth Night) to Lent. The comedies created during that period at the Théâtre-Italien, at the Comédie-Française or at the Saint-Germain Fair, are explicitly related to the custom and fit into its ceremonial cycle. More generally, playwrights took advantage of the calendar proximity and used the symbolic language of carnival, that of charivari, to invent a system of representation of reality that offers a specific mode of intelligibility. A language full of lewd ambiguities and bawdy sallies, offensive, obscene lazzi, a fanciful, farcical universe, extravagant and burlesque characters: the comic models that developed, from 1680 to 1720, are to be related to the carnivalesque culture and to its mythical and ritual imaginary world. Symbolic beliefs and practices pervade the dramatic creation of that time and partake in the construction of its meaning, in close connection with the historical context within which the works are framed. It is necessary to restore their anthropological dimension to these plays to grasp their aesthetic purpose. The comedy of morals after Molière then offers a new face: as the plays represent the contemporary society as a world that has been turned upside down and that is ruled by parodic monarchs, they tackle ideological issues and have a political significance. It is also the critical concept of "carnivalesque" that appears in a new light
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Crepiat, Caroline. "Le sujet lyrique dans la poésie du Chat Noir (1882-1897)." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20008.
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La fin du XIXe siècle voit éclore un grand nombre de « petites » revues littéraires et artistiques, liées aux avant-gardes et à la bohème. Parmi elles, Le Chat Noir (1882-1897), créée par Rodolphe Salis et Émile Goudeau pour assurer la promotion du désormais célèbre cabaret éponyme. On y publie des contes, des histoires drôles et sans paroles, mais aussi de la poésie. Le présent travail entend étudier de plus près ces poèmes, à la lumière de la crise qui agite alors la production littéraire. Il s’agit plus précisément d’analyser le traitement qui est fait de la notion de sujet lyrique, « principe structurel » (Käte Hamburger) du lyrisme. Dire " je" semble en effet perdre tout sens aux yeux de ces poètes, non seulement du fait du poids de la tradition qu’il est de bon ton de subvertir au nom de l’esprit fumiste dont ils se réclament, mais encore du régime collectif au sein duquel ils s’expriment. Toutefois, les multiples provocations à son encontre permettent aussi à ces artistes de disséquer et de questionner cette notion, et même de se la réapproprier, tant collectivement qu’individuellement. Une réflexion croisée, à la fois poétique, esthétique et sociopoétique, nous amènera à définir les logiques, enjeux et stratégies d’un tel positionnementThe end of the 19th Century is a key period for the « little » literary and artistic journals, produced by avant-garde and bohemian groups. One of them, Le Chat Noir (1882-1897), created by Rodolphe Salis and Émile Goudeau to promote the famous and eponymous cabaret. Tales, humoristic texts, illustrations or poetry appear in its columns. The present thesis aims for a closer study of these poems, in the light of the crisis which troubles the literary production. It is more precisely to analyse how the notion of the lyric subject, which is considered as the « structural principle » (Käte Hamburger) of lyricism, is treated. Indeed, saying « I » seems to lose sense for these poets, not only because of a tradition that is to subvert for the « fumiste » spirit’s sake which they claim, but also because of the collective context in which they find a space of expression. However, those provocations against the lyrical « I » is also for these artists a way to question and dissect it, and even to reappropriate it, for the collective as much as the individual distinction. A mixed reflexion, based on poetic, esthetic and « sociopoétique » analysis, will lead us to define the logics, stakes and strategies of such a position
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Roth, Salomé. "Quand les dieux entrent en scène : pratiques rituelles afro-cubaines et performances scéniques à La Havane au lendemain de la Révolution." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA150/document.
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Ce travail porte sur les performances scéniques qui naquirent à Cuba de la rencontre entre l'idéologie marxiste, officiellement adoptée par le gouvernement depuis 1961, et les religions afro-cubaines, pratiquées sur l'île depuis l'arrivée des premiers esclaves africains. D'un côté, le gouver-nement révolutionnaire entreprit de transformer les rituels afro-cubains en folklore national, tout à la fois pour en neutraliser la portée religieuse et pour les intégrer au patrimoine d'une nation en pleine construction. De l'autre, il exigea au fil des années un militantisme croissant de la part des artistes et notamment des dramaturges, auxquels il était demandé de produire un théâtre social, au service d'une cause politique résolument athée. Ces deux univers, celui des rituels afro-cubains et celui du théâtre engagé, étaient donc a priori bien distincts. Certains dramaturges entreprirent cependant de les mettre en contact : Carlos Felipe (Réquiem por Yarini, 1960/1965), José Ramón Brene (Santa Camila de la Habana Vieja, 1962), José Triana (Medea en el espejo, 1960 et La muerte del Ñeque, 1964), Eugenio Hernández Espinosa (María Antonia, 1964/1967) et José Milián (Mamico Omi Omo, 1965). Leurs approches et leurs objectifs sont très variés mais d'une manière ou d'une autre tous en vinrent, par le détour théâtral, à restituer au langage rituel l'efficacité qu'il avait perdue sur les scènes folkloriques et à produire, le plus souvent involontairement, un théâtre qui s'apparente à de maints égards au théâtre de la Cruauté théorisé par Antonin Artaud, ce théâtre de « l'invisible rendu visible » - théâtre justement décrié par les autorités révolutionnairesThis work studies on stage performances created in Cuba as a result of the encounter of Marxist ideology, officially adopted by the government in 1961, and Afro-Cuban religions, practised in the island since the arrival of the first African slaves. On one hand, the revolutionnary government set out to transform Afro-Cuban rituals into a national folklore in order to both neutralize its religious significance and insert it within the heritage of a nation in building; on the other hand, artists, playwrights in particular, were ordered over the years to be the activists of a staunch atheist political cause. Therefore these two worlds, Afro-Cuban rituals and socially engaged theater, were a priori quite distinct. However, some playwrights took on bridging the gap between them : Carlos Felipe (Réquiem por Yarini, 1960/1965), José Ramón Brene (Santa Camila de la Habana Vieja, 1962), José Triana (Medea en el espejo, 1960 and La muerte del Ñeque, 1964), Eugenio Hernández Espinosa (María Antonia, 1964/1967) and José Milián (Mamico Omi Omo, 1965).Their approaches and goals were diverse but, somehow or other, by the detour of theater, they all came to restore the effectiveness of the ritual language, lost in the context of folk scenes, and to create, often unwittingly, a theater similar to the Theater of Cruelty theorised by Antonin Artaud, the theater of « the invisible made visible » – the one precisely criticized by the revolutionary authority
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Larivière, Annie. "De la condamnation au rire : modalités comiques, carnavalesques et parodiques des transformations axiologiques dans Les onze mille verges de Guillaume Apollinaire." Thèse, 2011. http://constellation.uqac.ca/2167/1/030268725.pdf.
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Ce mémoire de maîtrise porte sur le roman Les Onze mille verges de Guillaume Apollinaire, et plus spécifiquement sur la réception singulière des contenus sexuels scabreux qu'il met en scène. En effet, le lecteur, face à l'étalage de pratiques et comportements socialement marginaux et parfois fort anxiogènes, ne s'insurge pas mais rit - ou à tout le moins sourit -, le roman semblant lui imposer une nouvelle évaluation des contenus, annihilant d'une certaine façon le jugement / le sentiment (négatifs) qu'ils génèrent habituellement. Ce sont les modalités - essentiellement comiques - de ce renversement des valeurs, de cette transformation de la réaction lecturale qui nous intéressent ici.
Dans le premier chapitre, nous cherchons à révéler le phénomène comique dans sa grande complexité, à en dévoiler les rouages importants dans l'optique de rendre compte de la façon dont ces derniers contribuent au détournement ou encore à la désensibilisation du lecteur. Nous analysons, en tant que ressorts comiques observables dans plusieurs séquences et motifs du roman d'Apollinaire, la parodie d'une légende chrétienne, le jeu et ses déploiements, la contradiction axiologique, la mise en évidence du physique, la déshumanisation, l'interférence de séries et le comique de mot.
Nous montrons dans le deuxième chapitre qu'un système de valeurs relatif au carnaval d'antan structure l'oeuvre, et que, dans cette axiologie propre, certains contenus particuliers des Onze mille verges - la sexualité infantile, la satisfaction des besoins naturels, la confusion des genres sexuels, la souffrance, la mort et ses circonstances atroces -, de même que plus généralement le bas corporel, ont une signification et des accents singuliers, joyeux.
Nous nous intéressons, dans le troisième chapitre, à la parodie du roman de chevalerie dont l'analyse nous permet de signaler d'autres mécanismes importants du repositionnement lecrural inhérent aux contenus sexuels dans le roman d'Apollinaire, à savoir la culbute parodique par laquelle la sexualité se voit sporadiquement projetée vers le haut, ainsi que la déviation du contenu - au fort potentiel scandaleux - vers la forme - à la charge émotive quasi nulle - qu'entraîne la présence d'éléments parodiés.
Il s'agit en fait pour nous de montrer qu'ils sont autant de puissants moyens déployés par le texte pour faire littéralement basculer - du moins le temps de la lecture - une axiologie relative aux pratiques sexuelles, et qui reste, dans bien des cas, encore aujourd'hui fortement ancrée.
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Gauvin, Francis. "La confusion chez Arrabal : exploration des labyrinthes dans Fêtes et rites de la confusion." Mémoire, 2011. http://www.archipel.uqam.ca/4246/1/M12146.pdf.
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Ce mémoire a pour but d'observer le rapport labyrinthique qui se déploie entre le sujet et l'imaginaire dans le roman Fêtes et rites de la confusion, de Fernando Arrabal. Figure de proue du mouvement panique, Arrabal intègre le hasard au sein de sa démarche artistique afin d'exprimer la totalité de son être. Ce faisant, ses œuvres proposent un reflet de l'homme qui est tout à fait fascinant, parfois même terrifiant. Le roman à l'étude met en scène une confusion propre à l'imaginaire. Étrangement, cette confusion ne mine en rien le sens de l'œuvre; au contraire, elle lui donne chair. Et c'est parce qu'elle en organise le sens qu'elle est problématique. Pour comprendre comment la confusion peut servir de ligne directrice, nous éclaircirons d'abord les logiques illogiques de la philosophie esthétique du panique. Nous remarquerons que l'invocation du hasard ne sert pas qu'à des fins esthétiques, mais également à une connaissance de soi. À cet égard, le parcours labyrinthique sert de métaphore à l'exploration de son imaginaire. En convoquant la théorie du sujet d'Agamben, nous comprendrons que ce parcours, étant imaginaire, est toujours déjà dans le langage. Conséquemment, il ne recouvre pas la totalité de ce que le narrateur est en tant qu'homme, puisque lorsque ce dernier se constitue comme sujet, une part de son expérience tombe dans le silence. À l'aide de la psychologie des profondeurs de Jung, nous examinerons la relation que l'inconscient entretient avec l'imaginaire et, par la suite, nous comprendrons dans quelle mesure la représentation de soi est déterminée par elle. Nous montrerons alors comment le texte d'Arrabal suggère que son héros accède à une connaissance approfondie de lui-même suite à une expérience qui relève de l'indicible, ce qui lui permet de se reconnaître dans sa totalité.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Arrabal, Panique, Confusion, Rite, Hasard, Imaginaire, Labyrinthe.