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Mazéas, Dominique, and Claire Nioche. "Regards partagés sur l’émergence du lien par la danse." Recherches en psychanalyse N° 35/36, no. 1/2 (April 5, 2024): 118–32. http://dx.doi.org/10.3917/rep2.035.36.0118.
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La proposition d’une médiation danse pour de jeunes enfants autistes et leurs parents reçus en groupes multifamiliaux sert d’appui à une réflexion sur la valeur de l’expérience subjective et esthétique dans une démarche thérapeutique, mais aussi de recherche. Le dispositif (EtuDanse) qui en découle, permet un croisement des regards (des danseurs, d’observateurs et de chercheurs cliniciens) et une attention particulière à la potentialité heuristique des émotions esthétiques partagées dans l’appréhension des processus archaïques qui se déploient dans la rencontre dansée. Ces processus archaïques, à la fois éprouvés dans le mouvement dansé improvisé et mis en lumière par une narrativité spécifique issue de l’observation, rendent plus intelligible l’émergence des représentations spatiales et corporelles qui favorisent les échanges intersubjectifs des enfants avec leur environnement.
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Casazza, Yann. "Des vécus de chutes dans l’autisme aux rebonds dansants." Enfances & Psy N° 98, no. 4 (December 7, 2023): 125–36. http://dx.doi.org/10.3917/ep.098.0125.
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Cet article traite de l’utilisation de la médiation danse dans un groupe thérapeutique parents-enfants autistes dans le cadre de la recherche « EtuDanse ». Dans ce dispositif, les enfants autistes rejouent des vécus corporels de chutes sans fin par des mouvements répétés du haut vers le bas et de montées et descentes du mobilier. En se soutenant de souvenirs artistiques, le clinicien-danseur trouve les ressources nécessaires pour percevoir ces vécus de chutes en expression esthétique et poétique du déséquilibre. À partir de ces représentations créatives et artistiques, il accompagne les mouvements de descente du petit danseur vers une réappropriation de l’espace de la pesanteur. Progressivement, la médiation danse permet de transformer les vécus autistiques de chutes en rebonds dansants, par des jeux de synchronie corporels, rythmiques et intersubjectifs.
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Puma, Giulia. "Représentations et fonctions de l’objet-livre dans les enluminures du Paradis du ms Yates Thompson 36." Dante e l'Arte 8 (March 7, 2022): 159–80. http://dx.doi.org/10.5565/rev/dea.148.
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Caractéristique propre au Paradis enluminé par Giovanni di Paolo, absente des enluminures de l’Enfer et du Purgatoire, la représentation de l’objet livre revient dans pas moins de dix enluminures distribuées entre les chants 5 et 28 du Paradis. L’enquête porte sur ce processus de mise en abyme et en démontre le potentiel hexégétique. Le volume, souvent les volumes (une seule enluminure peut contenir jusqu’à sept livres représentés), correspondent aux textes (théologiques, juridiques) mentionnés par Dante dans les vers du grand poème. Toujours chargés de connotations positives, les manuscrits véhiculent le savoir et la sagesse morale promus par Dante. Ils sont en outre un objet de transition, culturelle et esthétique : narrativement reliés aux figures médiévales (Justinien, Denys, Isidore, …), ils exaltent l’appréciation du manuscrit typique de l’humanisme et de la Bibliothèque Alphonsine. En somme, concentrer le regard et l’analyse sur la présence de l’objet livre au sein des enluminures, elles-mêmes insérées dans le manuscrit Yates Thompson 36, permet tout à la fois de saisir l’« intelligence picturale » du peintre et la bibliophilie du commanditaire.
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Mazéas, Dominique. "La médiation danse parents-enfants autistes : un « chant-et-danse »… et regards." Enfances & Psy N° 98, no. 4 (December 7, 2023): 113–24. http://dx.doi.org/10.3917/ep.098.0113.
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En prenant appui sur le dispositif clinique et de recherche EtuDanse, cet article tente de préciser la place et la fonction d’un observateur dans un groupe à médiation danse avec de jeunes enfants autistes et leurs parents. Observer la danse d’enfants qui n’ont pas encore accès à des représentations corporelles et spatiales stables suscite un travail spécifique du regard. Il s’y déploie une réceptivité aux résonances émotionnelles et esthétiques qui apparaissent entre les mouvements des danseurs. Cette réceptivité aide en retour les participants à se représenter les expériences qu’ils traversent. L’observation de ce type de groupe révèle aussi combien les enfants observent eux-mêmes avant de danser. Elle aide à comprendre comment l’échange des regards est soutenu par la composition de traces de mouvements en chacun des partenaires du lien.
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Muller-Pinget, Solange, and Alain Golay. "La danse thérapie pour développer les dimensions perceptives chez les patients obèses." Education Thérapeutique du Patient - Therapeutic Patient Education 12, no. 2 (2020): 20206. http://dx.doi.org/10.1051/tpe/2020014.
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Introduction : Les patients obèses sont enfermés dans une perception d’eux-mêmes amoindrie par le poids de leurs souffrances. Objectifs : Le but de cette étude est d’observer les effets de la danse thérapie sur l’auto-perception et la qualité de vies des patients obèses et ceux ayant bénéficié d’une chirurgie bariatrique. Méthodes : Quatre groupes, similaires en poids et en âge, ont bénéficié de danse thérapie. Un programme de 36 semaines sans groupe contrôle, un de 16 semaines avec groupe contrôle et un groupe post bypass pendant 18 semaines. L’estime de soi, l’estime corporelle, la qualité de vie, la conscience corporelle, les représentations mentales et la représentation de la corpulence ont été mesurés avant et après la danse thérapie dans chaque groupe. Résultats : La danse thérapie améliore tous ces éléments dans les trois programmes sauf la représentation de la corpulence qui reste inadéquate dans les quatre groupes. Le groupe contrôle n’améliore pas la qualité de vie ni l’estime de soi. Conclusion : Les séances de danse thérapie sur une longue ou courte période engagent une transformation de la perception de la personne qui lui permet une amélioration de sa qualité de vie.
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Muller-Pinget, Solange, and Alain Golay. "La danse thérapie pour développer les dimensions perceptives chez les patients obèses." Education Thérapeutique du Patient - Therapeutic Patient Education 12, no. 2 (2020): 20206. http://dx.doi.org/10.1051/tpe/2020014.
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Introduction : Les patients obèses sont enfermés dans une perception d’eux-mêmes amoindrie par le poids de leurs souffrances. Objectifs : Le but de cette étude est d’observer les effets de la danse thérapie sur l’auto-perception et la qualité de vies des patients obèses et ceux ayant bénéficié d’une chirurgie bariatrique. Méthodes : Quatre groupes, similaires en poids et en âge, ont bénéficié de danse thérapie. Un programme de 36 semaines sans groupe contrôle, un de 16 semaines avec groupe contrôle et un groupe post bypass pendant 18 semaines. L’estime de soi, l’estime corporelle, la qualité de vie, la conscience corporelle, les représentations mentales et la représentation de la corpulence ont été mesurés avant et après la danse thérapie dans chaque groupe. Résultats : La danse thérapie améliore tous ces éléments dans les trois programmes sauf la représentation de la corpulence qui reste inadéquate dans les quatre groupes. Le groupe contrôle n’améliore pas la qualité de vie ni l’estime de soi. Conclusion : Les séances de danse thérapie sur une longue ou courte période engagent une transformation de la perception de la personne qui lui permet une amélioration de sa qualité de vie.
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Sintès, Guillaume. "Le manifeste en danse." Études littéraires 44, no. 3 (June 9, 2014): 111–21. http://dx.doi.org/10.7202/1025484ar.
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Force est de constater que la pratique du manifeste en danse ne s’inscrit pas dans une tradition discursive importante, que ce soit en termes de production ou d’analyse critique. À vrai dire, les exemples qui ont marqué, durablement (ou pas), le champ chorégraphique français se comptent sur les doigts d’une main. Il conviendra d’analyser l’évolution d’une pratique qui, si elle reprend les codes identitaires du genre, fonctionne à rebours des autres disciplines artistiques : délaissant une démarche singulière, menée au sein d’un groupe, au profit d’un mouvement collectif prônant la revendication d’une politique culturelle chorégraphique large, et oscillant entre acte de légitimation d’un art (et non d’une esthétique) et volonté d’institutionnalisation et de structuration du champ.
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Seigneuric, Alix, and Hakima Megherbi. "La cognition incarnée : une entrée dans la danse." Enfances & Psy N° 98, no. 4 (December 7, 2023): 79–90. http://dx.doi.org/10.3917/ep.098.0079.
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La cognition incarnée pose un cadre pour le développement de recherches qui partent de l’idée que la cognition est avant tout inscrite corporellement. Si ce courant marque une rupture avec la conception cognitiviste traditionnelle, il peut être vu comme une remise au goût du jour de conceptions déjà présentes dans certaines théories du développement, notamment celle de Wallon. Le courant de la cognition incarnée s’appuie sur un grand nombre de données neurophysiologiques et comportementales recueillies majoritairement chez l’adulte mais aussi chez l’enfant. Ces dernières années, la danse en tant qu’outil privilégié a été utilisée pour étudier plusieurs questions centrales soulevées par la perspective de la cognition incarnée. Dans cet article, nous en présentons plusieurs : la boucle action-perception et le rôle de l’expérience corporelle dans la perception, l’appréciation esthétique de la danse et la dimension sociale en lien avec la synchronisation. Pour finir, nous nous proposons d’ouvrir sur les apports de la cognition incarnée dans l’utilisation de la danse comme médium pédagogique ou thérapeutique.
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Fournier, Marion. "Le cheveu dénoué chez Pina Bausch. Mutation d’une transgression esthétique." Allemagne d'aujourd'hui N° 245, no. 3 (September 28, 2023): 129–42. http://dx.doi.org/10.3917/all.245.0129.
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L’article explore l’importance des cheveux dans l’œuvre de la chorégraphe allemande Pina Bausch (1940-2009) et leur interprétation dans la réception critique. Pina Bausch, connue pour avoir développé le Tanztheater , a opté pour une utilisation des cheveux de ses danseuses allant souvent à l’encontre des normes sociales établies. Dans les années 1970, elle faisait danser ses danseuses les cheveux lâchés, rompant avec un code traditionnel provenant de la danse classique. Les cheveux détachés étaient associés à la liberté, à l’authenticité et à l’individualité du corps, en opposition aux normes de contrôle de la coiffure. Au fil des décennies, le motif des cheveux détachés a évolué, mais est resté transgressif, remettant en question des canons de beauté contemporains. À l’aube des années 2000, les cheveux longs et disciplinés étaient devenus obligatoires pour les danseuses de la compagnie. Les critiques de danse ont comparé cette esthétique capillaire à celle des publicités pour les shampoings. L’article examine la nature et l’intensité du lien entre l’imagerie des cheveux dans les œuvres de Pina Bausch et celle diffusée dans la publicité, reflet de discours sociaux portés sur le corps. Au Tanztheater , la liberté de manipuler ses cheveux n’était pas autorisée, ce qui contrastait avec la tendance en vigueur qui poussait à choisir à sa guise la longueur, la coupe, la couleur de sa chevelure. Malgré les changements de normes esthétiques dans la société, Pina Bausch a maintenu son caractère transgressif en utilisant les cheveux comme moyen de sculpter un imaginaire du corps.
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Guilbert, Laure, Céline Gauthier, and Angela Conquet. "Danser dans un stade. Les chorégraphes aux Jeux de Berlin (1936)." Cahiers de danse N° 1, no. 2 (October 20, 2023): 10–19. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001a.0010.
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Historienne de la danse, Laure Guilbert explore le pouvoir ambigu des célébrations chorégraphiques durant les Jeux Olympiques de 1936. Dans l’espace vertigineux des stades, les artistes ont composé des danses chorales qui rassemblent des milliers de participants. Si ces œuvres cristallisent les techniques rythmiques et l’idéal esthétique de l’Ausdrucktanz, elles font aussi implacablement écho à la doctrine corporelle du régime fasciste.
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Da Nóbrega, Petrucia, and Laís Saraiva Torres. "La boue comme champ expressif : une esthésiologie du corps et la motricité en danse." Movement & Sport Sciences - Science & Motricité, no. 99 (2018): 69–75. http://dx.doi.org/10.1051/sm/2018006.
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Il s’agit de présenter le corps esthésiologique à partir des récits en première personne des participants à la manifestation traditionnelle « Os Cão », pendant le Carnaval de la plage de Redinha, à Natal, au Brésil, en 2017. D’autre part, il s’agit d’évoquer le spectacle « Cão sem plumas » (Le Chien sans plumes), de Débora Colcker pour créer des liens entre l’esthésiologie et l’expérience esthétique de la boue comme un champ expressif pour l’écologisation du corps vers la création de nouveaux sens pour la motricité, notamment dans le domaine de la danse. Une telle proposition nous aide à comprendre la quête de la danse vers une nouvelle fabrication poétique du réel en interaction avec la nature, au mouvement et à la notion du spectacle lui-même au-delà du divertissement ou du simple « loisir » mais comme pourvoyeur de sens existentiel, esthétique et culturel.
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Bilot, Mylène. "Des femmes colosses : performer la virilité? Martin Schoeller, « Female Bodybuilders »." Articles 27, no. 1 (June 4, 2014): 13–29. http://dx.doi.org/10.7202/1025413ar.
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L’étude de l’oeuvre de Martin Schoeller, exclusivement photographique, se révèle particulièrement intéressante dans la perspective de l’exploration de l’ambivalence au coeur du modèle de virilité que donne à voir l’artiste. Dans son article, l’auteure propose une analyse esthétique de cette oeuvre, tout en utilisant le prisme d’une lecture genrée afin de confronter cette ambivalence aux questions de rapports sociaux de sexes qu’elle implique. L’auteure se fonde sur une approche transdisciplinaire centrée sur l’époque contemporaine. Après avoir abordé, dans une perspective esthétique, la question de la représentation du corps extrême, l’auteure parcourt, de ruptures en corrélations, les enjeux engagés par la performance de virilité.
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Laboureyras, Emanuelle. "L’enquête dans le récit contemporain, une représentation esthétique du labyrinthe." Cahiers ERTA, no. 37 (March 22, 2024): 99–115. http://dx.doi.org/10.4467/23538953ce.24.005.19419.
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Investigation in contemporary narrative : an aesthetic representation of the labyrinth Contemporary narrative features a number of investigative authors who are part of a dynamic of inquiry : investigations in archives, both genealogical and judicial, field research, testimony gathering, trial chronicles. The labyrinth motif not only blurs the lines of enquiry, demonstrating how difficult it is to grasp reality, but also renews the territories of fiction and non-fiction. In this article, we show how contemporary authors engaged in a quest for missing persons or the unveiling of a truth, use the labyrinth motif in their investigative narratives. The labyrinth motif expresses the complexity of the investigations carried out by the authors in their role as investigators. In this way, the labyrinth becomes a metaphor for the authors' creative work, in contact with past and present time.
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Guzski, Carolyn, and Violetta Donini. "Le ballet américain au Metropolitan Opera: The Dance in Place Congo de Henry F. Gilbert." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (September 21, 2012): 43–50. http://dx.doi.org/10.7202/1012349ar.
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La création de Dance in Place Congo (1918) du compositeur américain Henry F. Gilbert par la compagnie de danse en résidence et l’orchestre du Metropolitan Opera a été la première production sur un thème africano-américain à être présentée dans l’enceinte du Metropolitan Opera. Il s’agit aussi de la toute première prestation de musiques vernaculaires noires et de la première présence d’artistes de couleur sur la scène légendaire du Met. Le résultat, cependant, est davantage un reflet des rivalités entre compositeur, chorégraphe et gestionnaires, et d’un choc de visions artistiques en réponse à une esthétique moderniste émergente en musique, danse et scénographie.
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Bouliane, Claudia. "Le temps du Monde réel. La temporalité romanesque au service du réalisme socialiste." Études littéraires 45, no. 1 (July 15, 2014): 21–34. http://dx.doi.org/10.7202/1025937ar.
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Résumé Cet article aborde la question de la temporalité romanesque dans la théorisation du réalisme socialiste par Aragon. La lecture de ses textes non fictionnels publiés entre 1935 et 1938 permet de mettre en lumière le problème singulier que pose la représentation du présent aux auteurs qui inscrivent leurs oeuvres dans cette esthétique littéraire importée de l’URSS.
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Humphreys, Derek, and Martin Lamadrid. "Arpenter le milieu pour faire paysage L’émotion esthétique dans l’avènement de l’image dans la clinique de l’exclusion." psychologie clinique, no. 54 (2022): 57–69. http://dx.doi.org/10.1051/psyc/20225457.
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Le paysage, production imaginaire bien cadrée, est une métaphore utile de l’interprétation en psychanalyse qui permet de situer le travail sur la représentation et ses transformations. Dans le champ de l’exclusion, où le rapport entre le réel et sa représentation est toujours instable, un travail qui précède l’organisation imaginaire du paysage est nécessaire pour accéder à la relation thérapeutique. C’est à partir de la démarche de Deligny que nous proposons une approche clinique dans le champ de l’exclusion : établissant des repères cartographiques référés à la contingence des mouvements des individus. Ces repères organisent la relation de l’individu à son territoire en deçà du registre représentationnel et nous permettent de suivre les émotions esthétiques susceptibles de faire advenir une représentation. Cette découverte de réalités nouvelles issues de la contingence permet d’échapper à une relation immuable à l’environnement. Ce travail sur l’image, dans lequel on crée des repères du quotidien pour que des objets puissent prendre forme afin d’accéder à un paysage, a un effet ré-humanisant dans ces conditions extrêmes, si l’on accepte que ce qui constitue la spécificité de l’Humain est sa capacité de rêver, de construire un monde à partir d’une l’illusion.
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Jan, Corentin. "Un Tanztheater pour le XXI e siècle ? Pratiques corporelles et grotesque queer-féministe dans les spectacles de Florentina Holzinger." Allemagne d'aujourd'hui N° 245, no. 3 (September 28, 2023): 143–54. http://dx.doi.org/10.3917/all.245.0143.
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La jeune chorégraphe autrichienne Florentina Holzinger, développe depuis une dizaine d’années un Tanztheater qui fait la part belle à l’exploration critique de pratiques corporelles contemporaines et plus anciennes, en convoquant et détournant par exemple les chorégraphies du ballet classique et moderne. Au sein de spectacles presque toujours interprétés par des femmes, ces pratiques se trouvent réagencées, déplacées et insérées dans des univers où se mêlent des références aux grands récits occidentaux ( La Divine Comédie de Dante, Hamlet de Shakespeare…) et à des formes spectaculaires plus contemporaines ( Freak Show , concours de télévision…). La démarche de Florentina Holzinger cherche moins une esthétique du choc et de la violence qu’elle ne joue en acte avec les pratiques corporelles présentes et passées ainsi que leurs significations culturelles. Il s’agit de montrer en quoi la démarche de la chorégraphe vise à s’approprier, à détourner et à observer d’un œil critique les pratiques corporelles du présent et du passé et les imaginaires qui leur sont associés. Deux spectacles, A Divine Comedy (2021) et Ophelia’s got Talent (2022), sont au cœur de l’analyse qui considère la danse comme un lieu de travail esthétique sur les pratiques et les imaginaires sociaux du corps. Les deux spectacles détournent ces pratiques et ces « images corporelles » en les soumettant à un registre grotesque au sens bakhtinien du terme et en les détournant vers des pratiques sexuelles, scatologiques ou qui, plus largement, prennent appui sur la matérialité des corps en présence. Cet esthétique grotesque s’inscrit dans un projet artistique queer-féministe et dans une filiation critique de l’histoire de la danse et de la performance.
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Guévremont, Francis. "Cinéma, littérature et esthétique dans Neige noire de Hubert Aquin." Globe 8, no. 1 (February 22, 2011): 207–20. http://dx.doi.org/10.7202/1000901ar.
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Neige noire incorpore une double représentation de sa propre narrativité : cinématographique, par l’utilisation de la forme du scénario, et littéraire, notamment par la mise en scène du rapport entre l’auteur et le lecteur. Cet article démontre que, par la confrontation de ces deux structures différentes, Aquin a pu explorer les limites de l’écriture et de la narration, et chercher à exprimer son idéal esthétique d’une écriture totale.
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Bénard, Julie. "En attendant Godot (1952) de Samuel Beckett et Gerry (2002) de Gus Van Sant au prisme de Gilles Deleuze." Samuel Beckett Today / Aujourd'hui 35, no. 2 (October 19, 2023): 209–23. http://dx.doi.org/10.1163/18757405-03502005.
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Résumé Alors que la première représentation publique d’En attendant Godot s’inscrit dans un contexte d’après-guerre, Gerry de Gus Van Sant voyait le jour au tournant du XXe et XXIe siècles. Si les deux œuvres partagent les mêmes thématiques, c’est leur esthétique qui les rapproche en reposant sur un même principe : l’épuisement. Tout comme Gilles Deleuze qui déterminait dans son essai “L’Épuisé” (1992) trois sortes d’épuisements chez Beckett, Fabien Boully en identifie également trois chez le cinéaste. Cet article propose de faire dialoguer les deux œuvres à l’étude autour de l’épuisement du langage, de l’espace et de la représentation.
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Spencer, Judith. "L’eurythmie paradoxale : la métaphore de la danseuse comme allégorie esthétique chez Baudelaire." Études littéraires 29, no. 1 (April 12, 2005): 71–81. http://dx.doi.org/10.7202/501148ar.
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Nous prenons comme point de départ le flux rythmique d'un cosmos organique caractérisé par ce que Friedrich Schlegel appelle son agilité éternelle. Conformément à cette doctrine métaphysique, l'ironie romantique articule le moment funambulesque où l'objet esthétique vacille entre l'autocréation et l'autodestruction. Cette étude examinera l'application de la théorie de l'ironie romantique à l'esthétique baudelairienne, notamment dans la danse cosmique de la « vibrativité » organique telle qu'elle apparaît dans « la grande symphonie du jour » (« De la couleur », Salon de 1846), ainsi que dans l'architecture cinétique de « la Fanfarlo ». La métaphore de la danseuse, avec son eurythmie paradoxale, doit se comprendre en fin de compte comme le répondant allégorique du texte cinétique qui ne peut s'affirmer que dans son auto-anéantissement.
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Leroux, Georges. "De la mémoire des traces au visage de l’éveil. La question de l’origine de l’image du Bouddha." Protée 29, no. 3 (April 12, 2005): 73–85. http://dx.doi.org/10.7202/030639ar.
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Le passage à la représentation du Bouddha au tournant de l’ère chrétienne n’a pas reçu d’explication entièrement satisfaisante dans les études d’iconographie et d’archéologie orientale. Pourquoi le bouddhisme a-t-il renoncé à l’aniconisme qui avait marqué ses origines ? Plusieurs hypothèses, discutées depuis les grands travaux d’A. Foucher sur l’art du Gandhara, engagent la recherche vers un fondement à la fois esthétique et théologique, et non seulement vers une influence stylistique provenant de la Grèce hellénistique. Dans cet essai, les principaux enjeux de cette esthétique sont passés en revue et rapportés aux oeuvres produites dans le Gandhara. Ainsi se trouvent éclairés les principaux canons du style propre à cet art et une réponse partielle est apportée à la question de l’origine de l’image du Bouddha.
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Bellavance, Éric. "« C’est devant YHWH que j’ai dansé »." Thème 25, no. 1 (January 7, 2019): 87–102. http://dx.doi.org/10.7202/1055241ar.
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Le comportement du roi David « devant YHWH », alors que l’arche de Dieu est transportée vers Jérusalem, dans un premier temps, puis dans Jérusalem, dans un deuxième temps, a fait couler beaucoup d’encre. De quelle nature est la danse qui y est décrite ? Pourquoi le roi agit-il de la sorte ? Et pourquoi sa femme Mikal, la fille de l’ancien roi Saül, est-elle choquée au point de le mépriser et de lui reprocher de s’être comporté comme un homme sans valeur ? Nous sommes d’avis que la femme du roi réagit négativement parce que David a eu une conduite qui s’apparente à celle d’un prophète extatique. L’hypothèse que nous avançons pour expliquer pourquoi David adopte une attitude semblable aux prophètes extatiques est inédite : le roi danse en présence non seulement de l’arche, mais d’une représentation de YHWH, possiblement sous forme de statue.
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Guinebault-Szlamowicz, Chantal. "Fondements de la scénographie moderne : étymologie, histoire et esthétique." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 18, no. 1 (2010): 23–36. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2010.887.
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Parler de scénographie, induit de parler de scène et donc faire référence au modèle scénique de l’espace dont le caractère serait d’être profondément unitaire (cf. J. Aumont, in L’Image, Nathan Université). L’élaboration sur plusieurs siècles (XVe-XIXe), du modèle italien de la scène théâtrale, montre comment l’application de la perspective dans le domaine du spectacle, met en jeu une corrélation technique-esthétique qui donne à la scénographie ses premiers enjeux en tant que dispositif. Une scène n’est pas un espace ordinaire, c’est pourquoi le travail du scénographe consiste avant tout à définir “la scène”, c’est-à-dire à définir les limites de la représentation. Ces limites – autrement dit ce cadre – peuvent être poreuses ou souples, et l’au-delà (coulisses voire même espace spectatoriel) contaminés par la représentation, mais pour cela il doit exister et le parti pris doit être volontaire. Pour qu’il y ait jeu avec le hors-scène, encore faut-il qu’il y ait “scène” ! (cf. Louis Marin sur Pollock et le dripping, in De La Représentation : au départ, il faut bien qu’il y ait la toile !) Une scène est également un espace unitaire parce que c’est un espace qui montre et qui démontre, d’où le lien depuis l’Antiquité avec la dramaturgie retrouvée aujourd’hui sous d’autres appellations : scénario, parcours, direction, etc., à condition de rappeler son étymologie, “drama” : action.
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Bryant-Bertail, Sarah. "Préface." Theatre Research International 19, no. 2 (1994): 97–98. http://dx.doi.org/10.1017/s0307883300019325.
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Les articles dans ce numéro sont consacrés à l'analyse et la théorie de la représentation théâtrale. Jusqu'à ces dernières années la notion d'études théâtrales était un oxymore et, dans le meilleur des cas, l'histoire du théâtre se contentait de décrire et d'établir la chronologie des représentations. La théorie de la mise en scène occupait une place incertaine entre le discours esthétique et l'anecdote. Les études sur l'art du théâtre côtoyaient livres d'histoire et anthologies de théâtre sur les rayons des bibliothèques, sans qu'il y ait dialogue entre eux. Les anthologies présentaient les pièces de théâtre comme des textes littéraires à interpréter et à replacer dans leur contexte historico-littéraire; et seule l'œuvre imprimée était considérée digne d'étude. On considérait que la représentation théâtrale était trop éphémère pour constituer une véritable œuvre d'art, encore moins un texte authentique. Même la pièce imprimée ne constituait pas le véritable texte primaire, le discours académique en situant toujours la source ailleurs. Une pièce n'était en définitive qu'une illustration ou une concrétisation d'un autre discours: biographique, philosophique, théologique, psychologique ou historique. Il y avait bien des descriptions de représentations dans certaines anthologies et, pour des auteurs canonisés tels Shakespeare ou Ibsen, il existait même une histoire des représentations les plus importantes. Mais, en général, il n'y avait théorie ou analyse de la représentation que si l'auteur en avait publié une, tels Strindberg ou Brecht, ou si le dramaturge faisait partie d'un mouvement esthétique tel que le naturalisme, l'expressionisme, le Théâtre de l'Absurde, etc…Cet état de fait s'explique aisément puisque les Etudes Universitaires Théâtrales furent longtemps rattachées aux départements de littérature.
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Perrot, Edwige. "Pour une esthétique de la dissidence : dire du corps et dire du discours au service d’une polyphonie hétéromorphe dans les solos de Pol Pelletier." Voix divergentes du théâtre québécois contemporain, no. 47 (August 16, 2011): 37–52. http://dx.doi.org/10.7202/1005614ar.
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Dans la lignée des fêtes dionysiaques, la musique, le chant, la danse, le corps, le récit sont au coeur de l’oeuvre théâtrale de Pol Pelletier. Au premier abord, tant l’hétéromorphie que la polyphonie semblent caractériser le théâtre de Pol Pelletier. Comment les solos de Pol Pelletier s’inscrivent-ils dans une esthétique de la divergence, voire de la dissidence ? Pourquoi l’hétéromorphie chez Pelletier ne se mesure pas uniquement à la surface de ses oeuvres, mais raisonne jusqu’aux fondements mêmes de tout ce qui y est dit, de tout ce qui y est montré, de tout ce qui y est joué ?
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Guhéry, Sophie. "La danse contemporaine, laboratoire d’une action nouvelle?" Dossier — Mutations de l’action, no. 36 (May 6, 2010): 44–57. http://dx.doi.org/10.7202/041575ar.
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Parmi toutes les formes d’art qui actuellement nourrissent un théâtre « en crise », la danse contemporaine nous apparaît comme un formidable laboratoire d’une « action nouvelle ». On remarque en effet que beaucoup d’éléments qui la façonnent correspondent aux préoccupations d’un théâtre « postdramatique ». Il s’agit essentiellement du rapport étroit qu’elle entretient avec la notion d’immanence, de son détachement par rapport au sens prédéterminé et de sa capacité à être comme aux sources d’un « drama pur ». Que cela soit recherché ou pas par ceux qui la font, la danse est productrice « d’effets théâtre ». Une action physique et non pas « active » s’y révèle, tenant aussi bien au traitement du corps, de l’état, de la situation et de l’espace qu’au potentiel déployé par la représentation spectaculaire dans son ensemble, stimulant l’activité réceptrice.
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Tirel, Astrid. "L’analyse dramaturgique autochtone comme nouvel objet de la sociologie." Cahiers de recherche sociologique, no. 59-60 (June 15, 2016): 245–57. http://dx.doi.org/10.7202/1036796ar.
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Si la sociologie peut faire son objet de tout phénomène social, elle ne peut faire abstraction des changements d’appréhension, de perception et de représentation qui interviennent entre les acteurs concernés. Or la dramaturgie autochtone nécessite un décentrement du regard pour apprécier un modèle esthétique qui, s’il s’inscrit fort bien dans les schèmes occidentaux du genre, propose une esthétique ancrée dans des savoirs culturels dont les principes et valeurs lui échappent. À ce titre, l’étude de cette dramaturgie se situe au confluent de diverses disciplines telles que les études sociologiques, anthropologiques, politiques, théâtrales, post-culturelles ou théologiques qu’elle mobilise. En bousculant la légitimité du savoir, elle exige de nouveaux outils méthodologiques susceptibles de rendre compte des réalités contemporaines de la diversité et de leur impact sur la vie en société.
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Böhmisch, Susanne. "De l’extrême à l’agonal dans l’univers chorégraphique de Pina Bausch." Articles 27, no. 1 (June 4, 2014): 145–60. http://dx.doi.org/10.7202/1025420ar.
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L’esthétique de l’excès dans la danse-théâtre de la chorégraphe allemande Pina Bausch, pionnière dans son genre, a eu un impact considérable sur la scène contemporaine en Europe. En partant de l’analyse de quelques pièces choisies, l’auteure met en évidence deux modalités majeures de cette esthétique : l’agonalité et la répétition. L’extrême s’y inscrit, d’une part, sous forme de surenchère – notamment dans les images de femmes enragées et révoltées – et, d’autre part, sous forme d’antagonismes entre deux forces. Cependant, le traitement de l’agonal chez Pina Bausch, loin de confirmer les stéréotypes du genre, révèle la fonction créatrice du conflit ainsi qu’une dimension féministe qui consiste à transformer la lutte des sexes en compétition et jeu à base d’égalité.
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Cyr, Catherine. "Entre convoitise et abjection : la représentation suspendue." L’Annuaire théâtral, no. 43-44 (May 25, 2010): 113–23. http://dx.doi.org/10.7202/041710ar.
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Soumise à l’impermanence des définitions, la notion de représentation a connu, en art, plusieurs bouleversements. Affranchie de l’impératif mimétique, désormais entendue plus largement comme « évocation », cette notion n’en continue pas moins, aujourd’hui, de se trouver bousculée, notamment lorsque certaines oeuvres performatives sont traversées par diverses trouées de réel, de présence, voire de surprésence. Émaillée de quelques exemples puisés dans la pratique immédiatement contemporaine (théâtre, performance), le présent article s’intéressera à une forme particulière d’ébranlement de la représentation, attribuable aux manipulations de la nourriture sur la scène. En effet, très fréquent dans la pratique actuelle, le jeu avec les aliments — répandus, piétines, triturés, apprêtés, mâchés, régurgités — n’est pas sans conséquence sur l’ordre représentationnel. De même, du côté du spectateur, la réception de l’oeuvre se trouve-t-elle souvent perturbée, « augmentée », par cette dimension du jeu. Ainsi, j’aborderai cette question de la réception du spectateur qui, confronté à ce qui semble excéder la représentation, se trouve soumis — souvent bien involontairement — au surgissement de la convoitise ou de l’abjection. Enfin, ce parcours se terminera par quelques réflexions sur ce qui advient de l’expérience esthétique au théâtre, ou devant une performance, lorsque l’oeuvre — ne serait-ce qu’un bref instant — ne paraît plus s’enraciner dans le système de la représentation, mais semble le déborder et l’engloutir tout à la fois.
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André, João Maria. "As Artes do Corpo e o Corpo como Arte." Philosophica: International Journal for the History of Philosophy 10, no. 19 (2002): 7–26. http://dx.doi.org/10.5840/philosophica20021019/202.
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Dans ce texte, en partant du double sens de l’expression «arts du corps» et après un parcours bref sur la présence du corps dans la culture occidentale, on essaye de caractériser, premièrement, les arts du corps qui font du corps son objet ou instrument (génitif objectif) de travail, exposition et manipulation, tels que la chirurgie esthétique, les marques du piercing et du tatouage (elles-mêmes de double sens), le «body building», quelques excès du «body art», les divers types de prothèses mécaniques qui font du corps un cyborg et, finalement, ce qu’on peut appeler les prothèses chimiques qui modèlent le désir et le tempérament et qui sont administrés par une médicine psychiatrique au service d’un bien-être normalisé. Dans un second moment notre regard se tourne vers les arts du corps dans lesquels le corps se présente en tant que sujet de création artistique (génitif subjectif), en relevant surtout les arts de la scène et, en spécial, la danse et le théâtre: on essaye, ainsi, de montrer dans quel sens on peut parler du corps en tant que sujet, tant dans la danse classique que dans la danse contemporaine, et on traverse aussi le développement du théâtre, surtout après Artaud, en passant par Grotowski, Barbas et Peter Brook, pour souligner le passage du corps au premier plan de la scène. Nous concluons en soulignant le rapport intrinsèque entre ces arts, le corps et le mouvement, ce qui nous permet de dire que, s’ils sont sont les plus éphémères de tous les arts, c’est parce que dans ces arts tout se passe comme si on faisait l’amour avec le temps.
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Bak, Hans. "Flights to Canada : Promised lands and imaginary homelands in Jacob Lawrence, Ishmael Reed and Lawrence Hill." Recherches anglaises et nord-américaines 46, no. 1 (2013): 57–74. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.2013.1445.
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On se penche, dans cet essai, sur la représentation visuelle et littéraire du Canada qui serait cette utopie imaginée comme le terme de l’exil et du déracinement expérimentés dans la fuite loin de l’esclavage que l’on trouve dans l’œuvre de trois artistes Nord-Américains contemporains : (a) Harriet and the Promised Land (1967), une série de peintures narratives par l’artiste Noir Américain Jacob Lawrence ; (b) Flight to Canada (1976), une replongée postmoderne dans l’écriture de l’esclavage par le romancier noir Américain Ishmael Reed ; et (c) The Book of Negroes (2007) du Canadien Lawrence Hill. En considérant ces trois œuvres comme un triptyque intertextuel réunissant différents modes de représentation de la quête d’une «terre promise», d’une «patrie imaginaire» de liberté et d’appartenance, je vise à mettre en évidence la dynamique de la représentation, dans la mesure où chacune de ces œuvres revisite l’histoire de l’esclavage et de la traite à sa manière et offre une relecture différente des motifs de l’exil et du retour, de la diaspora et de la patrie en fonction du genre narratif adopté : une série de tableaux à visée éducative se nourrissant d’une esthétique moderniste, une narration ironiquement subversive d’un sombre comique postmoderne, et, sur un mode épique, des épisodes de réalisme transnational.
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Howes, David. "Le sens sans parole : vers une anthropologie de l'odorat." Anthropologie et Sociétés 10, no. 3 (September 10, 2003): 29–45. http://dx.doi.org/10.7202/006362ar.
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Résumé Le sens sans parole : vers une anthropologie de l'odorat L'article adopte l'idée que le symbolisme des odeurs occupe un espace à mi-distance entre le sensoriel et l'intelligible, entre le stimulus pur et simple et la représentation culturelle (le concept). Une distinction est faite entre les cultures odoriphiles, qui valorisent l'odorat comme source importante de connaissances systématiques, et les cultures odoriphobes, qui s'occupent moins d'interpréter le signe olfactif que de le dominer, le domestiquer et l'éliminer, sauf dans certains contextes particuliers. Dans ces deux sortes de cultures, toutefois, la position de l'olfaction dans le sensorium tient également à sa fonction esthétique.
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Meerzon, Yana. "Pour une esthétique de la représentation utopique : son, signe et langage théâtral international chez Michael Tchekhov." Pratiques & travaux, no. 38 (May 6, 2010): 119–37. http://dx.doi.org/10.7202/041619ar.
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L’utopie, en tant que lieu d’enquête philosophique ou artistique, crée l’image d’un futur parfait. Or, sur scène, la représentation de l’utopie est cantonnée par la réalité que l’événement théâtral se déroule dans un « présent appuyé », celui du public et des interprètes. Donc, si le théâtre ne peut faire abstraction de la présence physique du corps du comédien lors de la représentation, ses mouvements, ses gestes et sa voix sont des lieux d’enquête importants au moment d’analyser l’utopie et ses manifestations scéniques. L’auteur analyse les stratégies scéniques exploitées par les comédiens et rattachées à la notion de l’utopie, des stratégies utilisées par ces derniers pour évoquer l’avenir. Elle étudie également l’idéal proposé par Tchékhov d’un théâtre international, compréhensible par n’importe quel public, peu importe ses origines linguistiques ou nationales. Des exemples seront tirés de la production Le château s éveille : essai d’un drame rythmé / The Castle Awakening (1931). Cet article s’attaque donc à la définition du « futur » dans une pratique artistique enracinée dans le présent et la notion des normes esthétiques et des fonctions de l’idéal représenté.
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Ndiaye, Christiane. "Ollivier : le baroque au féminin (Vers une nouvelle esthétique du roman haïtien)." Études littéraires 34, no. 3 (February 25, 2004): 61–71. http://dx.doi.org/10.7202/007758ar.
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Résumé L’oeuvre d’Ollivier présente plusieurs caractéristiques pouvant être qualifiées de « baroques ». Cette étude examine le rôle que jouent les personnages féminins dans la construction du baroque dans Mère-Solitude et Les urnes scellées. Par ailleurs, pour mieux évaluer l’évolution de l’esthétique du roman haïtien telle qu’elle se manifeste dans ce baroque chez Ollivier, cette lecture cherche à faire ressortir l’écart qui se manifeste par rapport à la représentation du personnage féminin dans l’esthétique du réalisme merveilleux. Ainsi apparaît-il que le féminin participe à l’élaboration d’un univers imaginaire déchiffrable, sensé et porteur d’espoir, dans le réalisme merveilleux, alors que le baroque crée des « urnes scellées » impénétrables à travers lesquelles s’exprime l’angoisse devant l’inconstance du monde, un monde insaisissable, insensé. Le baroque apparaît alors, chez Ollivier, comme une esthétique de l’incertain et du questionnement qui déconstruit les discours rassurants par une technique de fabrication d’images incongruës.
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Simard, Mathieu, and Isabelle Kirouac Massicotte. "Les rappeuses québécoises sur le devant de la scène : autorité lyrique de la voix féminine chez Donzelle et MCM." Analyses 16, no. 2 (July 26, 2022): 123–37. http://dx.doi.org/10.7202/1090843ar.
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Si le rap accède de nos jours à une certaine légitimité culturelle, le travail des rappeuses reste encore largement dans l’ombre. Ce sont les voix masculines qui se sont imposées dans le milieu du rap québécois, comme en témoigne l’intérêt que leur manifestent les maisons de disques (labels) et les stations de radio commerciales. Cet article propose une analyse des textes de deux rappeuses, MCM et Donzelle, afin d’observer comment elles construisent leur autorité lyrique, c’est-à-dire la crédibilité de leur prise de parole, la validité idéologique de leurs propos et la valeur esthétique de leur chant. Trois stratégies sont mises en place. Les rappeuses intègrent d’abord à leur rap un point de vue sexiste afin de reproduire le contexte social et discursif dans lequel elles oeuvrent. Ensuite, elles proposent une autre représentation des femmes afin de répondre à l’imaginaire sexiste dont s’est parfois nourrie la parole rap. Enfin, MCM et Donzelle créent leur propre esthétique, jouant pour ce faire avec les codes du trash, prégnant dans leur art.
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Khapaeva, Dina. "L'Occident Sera Demain." Annales. Histoire, Sciences Sociales 50, no. 6 (December 1995): 1259–70. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1995.279430.
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La chute du système soviétique s'est accompagnée de l'idéalisation de l'Occident. L'image de l'Occident est une vague représentation de la société, libre de tous les défauts du système soviétique et, donc une incarnation de la perfection morale et esthétique de l'existence et des rapports humains. Dans la vision russe de l'Occident, l'idéalisation actuelle marque une toute nouvelle étape. La « nouvelle occidentalophilie » est séparée de celle du 19e siècle par une rupture qui a duré presque un demi-siècle.
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Cailler, Bernadette. "Le personnage historique en littérature antillaise : la question du genre (Delgrès, Schoelcher, L’Oubliée)." Études littéraires 43, no. 1 (February 14, 2013): 117–33. http://dx.doi.org/10.7202/1014064ar.
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À partir d’une méditation concernant divers genres et modes pouvant être choisis pour la représentation de personnages considérés comme hautement historiques par un peuple, voire plusieurs, voire dans l’imaginaire mondial contemporain, et compte tenu, aussi, du projet créatif entrepris par un auteur ou l’autre, cette étude en vient à analyser, dans Un dimanche au cachot de Patrick Chamoiseau, la figure de Victor Schoelcher, en relation aux autres personnages de l’oeuvre, en particulier ceux de L’Oubliée et de Caroline. Proéminente est ici la question qui, née d’une analyse de l’oeuvre, révèle des rapports étroits entre esthétique, politique, et éthique.
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Harbec, Jacinthe. "Le Train bleu : déraillement stylistique entre danse et musique ?" Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (September 21, 2012): 51–60. http://dx.doi.org/10.7202/1012350ar.
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Sous-titré « opérette dansée », le ballet Le Train bleu, élaboré à partir du livret de Jean Cocteau, de la musique de Darius Milhaud et de la chorégraphie de Bronislava Nijinska, est une parodie burlesque de la nouvelle société moderne des années 1920, axée sur l’hédonisme. Au lendemain de la création du 20 juin 1924, les critiques, tout en applaudissant les idées novatrices présentées dans l’argument, signalent une incohérence esthétique au sein de la production. Il est alors à se demander si la thématique de la modernité traitée sous l’angle de la frivolité poussée à son paroxysme a pu provoquer un déraillement stylistique entre le livret avant-gardiste, la musique passéiste à la Offenbach et la danse fondée essentiellement sur la pantomime. Avant de nous pencher sur cette problématique, nous examinerons brièvement les divers constituants artistiques du ballet, pour ensuite jeter un regard stylistique et formel sur la composition. Par la suite, nous aborderons la question d’indépendance entre la musique, le texte et la danse, nous menant finalement à discuter de la disparité stylistique et cinétique qui se crée entre la musique et la danse.
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Légeret, Katia. "Briller, obscurcir ou aveugler ? La lumière dans le théâtre et la danse contemporaine." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 17, no. 1 (2009): 259–74. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2009.883.
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Dans certaines mises en scène contemporaines du spectacle vivant, fondées sur l’interculturalité, les dispositifs lumineux n’éclairent plus une dramaturgie préétablie mais ils participent activement au processus de création collective, invitant le public à en multiplier les lectures possibles. En effet, lorsque la lumière est perçue par son concepteur comme un élément essentiellement aveuglant, toute instrumentalisation la réduisant à un objet ou à une technique est ainsi évitée. Dès lors, la lumière se situe entre les arts et entre les corps des acteurs et des danseurs, tel un matériau ou un environnement transculturel, résistant à certaines pratiques et conceptions du signe. Cultivant la réception d’un spectateur qui accepte de ne plus rien voir a priori, ces performances risquent cependant de préférer à la lumière son contraire. La mise en œuvre d’une telle esthétique de la disparition, notamment dans des mises en scène de Pina Bausch, de Carolyn Carlson et de Bartabas, remet en question l’idée d’un corps qui serait à la fois visible et voyant, et joue sur les limites de ses formes sensibles et de ses transformations possibles.
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Thibault, Sara, and Hervé Guay. "Sorties du théâtre : pratique de l’interartistique chez Brigitte Haentjens." L’Annuaire théâtral, no. 61 (August 28, 2018): 131–48. http://dx.doi.org/10.7202/1051030ar.
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Cet article s’intéresse à la partie du travail de Brigitte Haentjens où celle-ci rompt avec une esthétique purement dramatique pour pénétrer dans des zones interartistiques. Dans plusieurs oeuvres de ce corpus, Haentjens fait appel à une approche non textocentriste ou encore recourt à des matériaux non dramatiques. Cet ensemble de mises en scène opère ainsi des percées du côté de la performance, de la danse, de la choralité et du théâtre environnemental afin de proposer un contrat spectaculaire légèrement différent que dans le reste de sa production, c’est-à-dire qui oscille entre plusieurs pôles artistiques au lieu de rester simplement théâtral. C’est une façon particulièrement efficace de rendre compte, par le corps, des tensions entre les individus et le groupe, de miser sur un dialogisme convergent et d’approfondir au contact d’autres arts la perspective critique, féministe, qui est la sienne.
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Wien, Iris. "The Opaque Nature of John Constable’s Naturalism." RACAR : Revue d'art canadienne 41, no. 2 (November 25, 2016): 44–61. http://dx.doi.org/10.7202/1038071ar.
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Situant les dessins de Constable dans un contexte épistémologique post-Berkleyien, cet article suggère que le basculement vers une structure représentationnelle, qui met l’accent sur l’écart entre les fonctions figuratives et picturales, avait été nécessaire pour assurer la prétention à la vérité du naturalisme de l’artiste. Nous soutenons que les modulations réalistes dans la conceptualisation sémiotique de Berkeley de la perception visuelle furent instrumentales à une esthétique qui s’efforçait d’enligner le langage de la nature avec le sentiment, réconciliant ainsi l’expression subjective et les demandes de l’objectivité. Pourtant, ainsi que nous le démontrons, la rupture d’un ordre de représentation « transparent » qu’opéra Constable eut des implications non seulement scientifiques, mais également idéologiques.
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Scarpulla, Mattia. "Archives, danse1 et recréation. Une introduction2." Archives 46, no. 1 (March 22, 2016): 15–34. http://dx.doi.org/10.7202/1035720ar.
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Dans son article, Mattia Scarpulla s’intéresse aux archives courantes et historiques du milieu professionnel de la danse qu’il nous décrit à travers les fonctions de transmission et de diffusion. Les archives administratives de ce milieu prennent différentes formes et sont autant de moyens de transmission, que ce soit lors de la création de la chorégraphie, de sa représentation ou encore de sa recréation. Le document d’archives, ainsi transmis, est porteur de la mémoire de la danse et du potentiel créatif des oeuvres. L’auteur explique qu’à la base de la mémoire de la danse, il y a sa disparition, d’où la nécessité de la conserver pour une nouvelle création. Quant aux archives historiques du domaine, elles possèdent également ce fort potentiel créatif qui se manifeste, entre autres, par la diffusion d’archives qui deviennent des oeuvres en elles-mêmes.Scarpulla nous présente trois institutions vouées à la conservation de ces archives, chacune possédant ses propres enjeux et approches, soit la bibliothèque de la danse Vincent-Warren, le Centre national de la danse et le Musée de la danse, situé à Rennes. Par ces exemples, l’auteur évoque la question des archives en lien avec la nécessité de produire de nouvelles mémoires, de nouvelles danses et aborde des sujets tels que le pouvoir de dire, les enjeux politiques institutionnels et les enjeux personnels propres à ce milieu. Ces derniers aspects sont des ouvertures vers des considérations sur la production d’archives, en tenant compte du facteur humain et créatif à la base d’un choix ou d’une action.
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Trentini, Bruno. "Immersions réelles et virtuelles : des expériences esthétiques modifiant perception et corps propre." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 26, no. 1 (2014): 153–64. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2014.1631.
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Comprendre les processus immersifs ne peut se faire sans avoir une idée précise de la manière dont l’individu perçoit le monde extérieur et se perçoit dans le monde extérieur. Les nouveaux dispositifs immersifs ont permis une meilleure compréhension de la représentation du corps propre. C’est à partir de ces données et de leur confrontation à l’expérience esthétique qu’il est possible de proposer une définition de l’immersion rendant compte de la pluralité des expériences : l’immersion passerait par une modification des associations perceptives fondant la relation de soi au monde.
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Paiva, Roberta Kelly. "O universo do grotesco e do monstruoso retratado no Ciclope de Eurípides e na Centauromaquia de Ovídio." Nuntius Antiquus 3 (June 30, 2009): 136–54. http://dx.doi.org/10.17851/1983-3636.3..136-154.
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Mikhail Bakhtin disait déjà à propos du corps grotesque: “[corps] monstrueux, horrible et déformé. C’est un corps qui n’a pas de place dans ‘l’esthétique du beau’”. Celle-ci est une des manières par lesquelles on peut comprendre cette autre esthétique connue comme celle du “grotesque”, c’est-à-dire sous la perspective de la monstruosité. Et c’est exactement ce que nous proposons dans cet article: offrir un regard sur le grotesque et le monstrueux comme des domaines passibles d’être conçus sous une même et seule logique. Dans ce but, nous attirons l’attention sur quelques entités rustiques de la mythologie dont la représentation sera centrée sur deux oeuvres littéraires d’origine grecque et latine respectivement: le Cyclope d’Euripide et l’épisode de la “Centauromaquie” telle comme il est raconté dans lês Métamorphoses d’Ovide.
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Vianna Neto, Arnaldo Rosa. "La représentation de l’ethos underground et l’inscription de la pluralité dans l’oeuvre de Réjean Ducharme." Globe 2, no. 1 (December 16, 2010): 57–74. http://dx.doi.org/10.7202/1000091ar.
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En s’appuyant sur l’analyse de L’Avalée des avalés de Réjean Ducharme, cet article se propose d’étudier la représentation de l’ethos underground dans l’univers de l’auteur où elle se dégage de pratiques privilégiées comme l’exercice de la ruse et des détours, la flânerie outsider et d’autres formes de mouvance à travers les frontières. À partir de la perspective de l’invention du quotidien de Michel De Certeau et des essais d’autres auteurs comme Lise Gauvin et Régine Robin, la lecture met en relief la déroute du sens dans les rapports entre les personnages et le langage canonique (cf. l’invention du bérénicien). Il est question aussi de penser le développement d’une esthétique pluriculturelle en tant que réaction à l’orthodoxie du sens.
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Caron, Pascal. "L’hiver de force de Réjean Ducharme : les enjeux d’une adaptation théâtrale." Études 28, no. 1 (July 9, 2003): 113–25. http://dx.doi.org/10.7202/000837ar.
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Résumé L’hiver de force occupe une place particulière dans l’oeuvre de Réjean Ducharme. La pléthore de noms propres, marques, enseignes, etc., peut être interprétée comme l’intrusion d’une réalité circonstancielle, d’un contexte socio-historique donné, à l’intérieur du texte. Mais celui-ci n’est pas réductible à la peinture du Québec des années soixante-dix. L’adaptation théâtrale de Lorraine Pintal et la présentation de la pièce au Québec et en France permettent de prendre la mesure des changements idéologiques qu’une volonté de motivation historique et politique peut provoquer. La transformation, soumise aux exigences de la représentation, montre en retour que la singularité esthétique de L’hiver de force ne réside pas dans le témoignage univoque d’une lutte pour l’identité culturelle.
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Bellini, Danielle. "La fabrique des possibles." Revue internationale animation, territoires et pratiques socioculturelles, no. 13 (March 9, 2018): 89–100. http://dx.doi.org/10.55765/atps.i13.264.
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Aborder le rapport à l’art et penser le possible élargissement des publics à travers la relation entre différents acteurs d’un territoire, tel est le défi qu’une équipe culturelle s’est fixée. L’observation de la conduite d’un projet dans un foyer de travailleurs migrants montre la façon dont les processus de création, de diffusion et de médiation s’inscrivent dans d’autres dimensions de l’espace et du temps que celles proposées par les logiques classiques de fréquentation des équipements. Cette étude pose le rapport à l’art en tant qu’expérience esthétique, dans une dynamique relationnelle de confiance et d’échange. Elle propose ainsi d’ouvrir de nouvelles pistes de recherche où le déplacement des lignes classiques de la représentation artistique accompagne le dépassement des formes classiques de l’analyse sociologique pour envisager une construction des possibles.
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Monaci, Ludovico. "« Un formidable tonneau de vidange » : les figures et les formes de l’abjection dans À la recherche du temps perdu." Articles, no. 121 (March 27, 2023): 19–32. http://dx.doi.org/10.7202/1097949ar.
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Cette contribution se penche sur la représentation de l’abject dans À la recherche du temps perdu. À travers la présentation de certains passages tirés des premiers travaux de Marcel Proust nous prouverons que l’écrivain français travaille cette thématique dès ses débuts littéraires. Ensuite, l’analyse des attestations de la série morphologique d’« abject » dans la Recherche mettra en relief la manière dont l’auteur exploite le champ sémantique du mot en dépit de la rareté des occurrences qu’il convoque dans le texte. Enfin, à la lumière du lien entre la matière abjecte et la violence verbale, les caractéristiques formelles des insultes et des médisances présentes dans l’œuvre proustienne seront ciblées sur l’aventure romanesque de (l’amie de) Mlle Vinteuil. L’objectif de cet aperçu est de montrer comment la matière basse peut converger vers le sublime, et devenir donc un vecteur de conversion esthétique.
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Gantrel, Martine. "Une esthétique de la surimpression: la représentation des repas de famille dans Combray." L'Esprit Créateur 44, no. 1 (2004): 38–50. http://dx.doi.org/10.1353/esp.2010.0439.
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Cecilia D'ercole, Maria. "Savoir vendre. Les pratiques de la vente en Grèce classique, entre visibilité, esthétique et performance." Dialogues d'histoire ancienne S 27, Supplément27 (October 12, 2023): 149–66. http://dx.doi.org/10.3917/dha.hs27.0149.
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À travers l’analyse du lexique de la vente en Grèce classique, cet article se propose de montrer à quel point le commerce mobilise certaines catégories conceptuelles (montrer, disposer) et certains savoir-faire qui relèvent de la performance, dans le cadre d’espaces déterminés : le deigma dans les espaces portuaires, les installations temporaires dites skenai dans l’agora, etc. L’accumulation et l’ordonnance spatiale des choses influencent la perception des biens et infléchissent les comportements des acquéreurs. La temporalité éphémère des installations et des expositions accentue, quant à elle, l’aspect de performance et de représentation qui concerne aussi bien les vendeurs que leurs clients. Les espaces marchands montrent ainsi une contiguïté avec plusieurs autres savoirs de la cité, de l’art de la spéculation à la rhétorique et à la théâtralité. Ils sont de ce fait les lieux de la construction d’une image publique et de la respectabilité sociale.