Дисертації: "Représentation (esthétique) – Dans la danse"

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Febvre, Michèle. "Danse contemporaine et théâtralité." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA08A878.

Анотація:

Au cours des deux dernieres decennies environ, la danse contemporaine s'est vue reconduite a l'expression et a la production signifiante et s'est reappropriee des conduites de representation et de narration, produisant entre autres des "effets-theatre". Le travail tente de repondre aux questions suivantes: comment se manifeste la theatralite en danse? comment le corps dansant compose-t-il avec son statut de signe? comment la danse module-t-elle son rapport a l'institution theatre, lieu de la mimesis? la premiere partie fait le point sur l'evolution de la danse contemporaine, tiraillee, comme ses predecesseurs, entre les forces et le pouvoir enonciateur du corps dansant. Elle met egalement en lumiere la polysemie du concept de theatralite. La deuxieme partie met l'accent sur les voies privilegiees pour la production "d'effets-theatre": le retour de l'intentionnalite dans un premier temps; dans un second temps, mise a jour de la theatralite inherente au corps dansant, utilisation d'une gestualite "familiere" reconduite au mimetisme ou produisant un effet-reconnaissance. Jeu de mise en abime, ou la danse representee. Une place particuliere est accordee a l'usage de la voix et du langage, compris entre systeme sonore, expressif et signifiant. La derniere partie pose la question de l'organisation du recit choregraphique et fait ressortir les conduites d'evitement du raconte qui maintiennent la danse en etat d'erethisme signifiant.

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2

Rousselot, Maëlle. "De la transe dans les ballets du XIXe siècle à aujourd’hui : pour un décentrement des regards." Electronic Thesis or Diss., Bourgogne Franche-Comté, 2023. http://www.theses.fr/2023UBFCC037.

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Анотація:

Cette recherche formule l’hypothèse qu’il puisse y avoir des présences de transe au sein des représentations et des perceptions des ballets du XIXe siècle à aujourd’hui. De là, surgissent de nombreuses questions : comment la transe serait-elle représentée et perçue dans ces œuvres ? Qu’est-ce que ces représentations de transe ou au contraire son invisibilité dans ces ballets, disent de nous, Occidentaux ? Comment définir la transe, ce phénomène insaisissable et état aux multiples facettes ? Notre opération méthodologique consiste alors, non pas tant à définir la transe, que de dégager des dimensions et des traits transiques, soit des aspects récurrents relevés au sein d’un corpus ouvert de phénomènes de transes diversement repérés comme tels au fil de l’histoire occidentale du XVIe siècle à aujourd’hui. À la suite, cela nous permet de relever les traits et dimensions transiques au sein des ballets du XIXe à aujourd’hui, cela à travers des analyses d’œuvres et de discours à partir de sources diverses (livrets, textes, images, dessins, lithographies, tableaux, photographies, vidéos) et d’entretiens avec des danseurs. Ainsi, nous pouvons à la fois aborder le phénomène de transe dans toute sa complexité et décentrer nos regards sur les ballets. Nous découvrons un XIXe siècle foisonnant d’aspects transiques, alors que, de la fin du XXe siècle jusqu’à aujourd’hui, les éléments recouvrant et effaçant ces aspects semblent nombreux. Or, le fait de montrer ou au contraire d’effacer ces caractéristiques est porteur de discours sur ces danses, mais aussi de son public. Ce décentrement des regards permet également de possibles relectures « transiques » de ces ballets à l’heure contemporaine
This research formulates the hypothesis that there may be presence of trance in the representations and perceptions of ballets from the nineteenth century to the present day. This raises a number of questions: how is trance represented and perceived in these works? What do these representations of trance, or on the contrary its invisibility in these ballets, say about us as Westerners? How can we define trance, this elusive phenomenon and multifaceted state? Our methodological operation, then, consists not so much in defining trance, as in identifying, dimensions and features, i.e., recurring aspects found within an open corpus of trance phenomena variously identified as such throughout Western history from the sixteenth century to the present day. This then allows us to identify the transic features and dimensions of ballets from the nineteenth century to the present day, through analyses of works and discourses based on various sources such as librettos, texts, images, drawings, lithographs, paintings, photographs, videos and on interviews with dancers. In this way, we can both approach the phenomenon of trance in all its complexity and shift the way we look at ballets. We discover a nineteenth century teeming with trance aspects, whereas from the end of the twentieth century to the present day, there seems to be many elements that obscure and erase these aspects. The fact of showing or, on the contrary, erasing these characteristics conveys information about these dances, but also about their audience. This decentred perspectives also allows possible “transic” reinterpretation of these ballets in a contemporary context

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3

Villeneuve, Roselyne de. "La représentation de l'espace instable chez Nodier : stylistique, esthétique, ontologie." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100071.

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Анотація:

Dans cette étude, nous traitons une problématique à double fond grâce à la convergence de trois méthodes complémentaires. En effet, dans les fictions de Nodier, le problème principal de l'instabilité de l'espace représenté débouche inévitablement sur la question lancinante de la représentation elle-même, fragilisée en ce début du XIXe siècle. La première partie étudie les moyens stylistiques de la représentation de l'espace instable, verbes et figures essentiellement. La deuxième partie se penche sur les axes majeurs d'une esthétique de l'espace instable, à savoir le pittoresque romantique et l'écriture intertextuelle, à la fois agent d'un décentrage spatial et esthétique en acte. La troisième partie explore les présupposés ontologiques qui permettent de dépasser l'instabilité spatiale en la subordonnant à un ordre transcendant : harmonie, au-delà, échelle des mondes. Répercutant les bouleversements d'une époque, l'instabilité affecte profondément, chez Nodier, une écriture en devenir
This work deals with a set of problems appearing at double level, thanks to the convergence of three complementary methods. Indeed in Nodier's fictions the main problem regarding the instability of the represental space comes unavoidably to the lancinating subject of the representation itself, which was weakened at the beginning of the XIXth century. The first part studies the stylistic ways used for the representation of the instable space, chiefly verbs and figures. The second part relates to the major topics of an aesthetics concerning the instable space, namely the romantic picturesque and the intertextual writing, acting agent to remove in the same time the centers of space and aesthetics. The third part analyzes the ontological presuppositions which can outdo the spatial instability by subjecting it to a transcendental order : harmony, otherworld, scale of nature. Reflecting the changes come in an age, the instability affects deeply, in Nodier's work, a writing in progress

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Athanassopoulos, Evangelos. "Esthétique et publicité : l'art contemporain après la crise de la représentation." Paris 1, 2008. http://accesdistant.bu.univ-paris8.fr:2048/login?url=http://www.dawsonera.com/depp/reader/protected/external/AbstractView/S9782296246140.

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Анотація:

Cette étude porte sur l' appropriation d' images et de stratégies publicitaires par l'art contemporain dans le contexte culturel du postmodernisme. L'hypothèse est que dans les sociétés de communication, les rapports de la sphère artistique et de la publicité sont régis par des modalités esthétiques qui convergent vers le principe de spécularité de la représentation. La problématique s'articule autour de trois points: la généralisation de l'élément esthétique, le rôle critique des procédés allégoriques et le rapport de l'oeuvre au public, esquissant les grandes lignes d'une économie politique du regard. A travers l' analyse d' oeuvres de Richard Prince, Barbara Kruger, Dan Graham, John Knight, Victor Burgin, Jeff Wall et d' autres artistes, ainsi que de campagnes publicitaires, il s'agit d'interroger la notion de néo-avant-garde dans le but d' établir un modèle de visualité qui puisse rendre compte de la complexité des implications de sa collusion avec l'industrie du spectacle.

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5

Moquet, Patrick. "L'explicite et l'implicite dans la peinture en représentation." Aix-Marseille 1, 1998. http://www.theses.fr/1997AIX10073.

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Анотація:

Dans la premiere partie, l'etude de quelques oeuvres topiques ou le peintre se met en scene dans son atelier permet de relever un certain nombre de paradoxes. Dans l'atelier de vermeer et dans la lecon de peinture de matisse se decouvrent des ruptures et des decalages, tant du point de vue iconographique que plastique, opposant notamment les effets de profondeur et la planeite du tableau. Cependant la preoccupation essentielle de l'artiste demeure la recherche d'unite et de synthese. La seconde partie est consacree aux realisations plastiques personnelles. Le theme de l'atelier sans maitre associe aux recherches d'effets de discontinuite s'appuie sur l'utilisation du diptyque, du collage (photographies, tissus, toiles), de l'assemblage (integration de pots et du chevalet a l'oeuvre) de facon a mettre en evidence le processus de realisation des oeuvres et a affirmer le statut d'objet du tableau. Ni la representation du peintre au travail, ni la mise en evidence de la procedure technique ne permettent de rendre raison de l'evenement pictural. Il faut, pour atteindre aux caracteres essentiels de la peinture, considerer les agencements de la matiere comme un temps particulier et non comme lieu d'apparition d'une forme.

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Garo, Isabelle. "Reflet et représentation dans la pensée de Marx." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010582.

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Анотація:

On a longtemps débattu de la théorie du reflet en imputant à Marx la thèse que la connaissance serait une image adéquate de la réalité objective. L'analyse de ce débat, qui débute avec Engels et Lénine et se poursuit jusqu'à aujourd'hui, permet et exige qu'on revienne sur l'usage propre que fait Marx des notions de reflet et d'image dans le cadre d'une réflexion plus générale sur la représentation. Cette réflexion le conduit d'une polémique contre les conceptions hégéliennes et jeunes-hégeliennes à la construction du concept d'idéologie, désignant la formation et la fonction sociales des représentations dans le cadre de la lutte de classes en mode de production capitaliste. Soulignant le dynamisme propre de ces représentations, Marx surmontera les tensions inhérentes à sa catégorie d'idéologie en étudiant cette représentation objective qu'est la monnaie, sur le terrain inédit d'une critique de l'économie politique. Il donne alors à la notion de reflet un rôle analogique qui lui permet de prendre en charge comme telles des représentations singulières et concrètes. Cette notion d'un genre nouveau est ainsi l'occasion d'une critique continuée de la philosophie qui ne s'élabore jamais en une nouvelle théorie de la connaissance. L'étude de la conception marxienne de la représentation donne bien accès à un style propre d'investigation et de conceptualisation, qui ne rassemble pas ses conclusions en une synthèse définitive mais aborde de façon à la fois ouverte et nettement definie les représentations les plus diverses, et notamment les notions de théorie et de méthode dans leur relation à une pratique transformatrice. La question de la représentation s'y trouve, d'un même mouvement, élaborée, mise en oeuvre et réfléchie
The theory of reflex has been for long debated granting marx with the argument that knowledge might be a relevant image of the objective reality. The analysis of this proposition, that started with engels and lenin is still going on till now, allows and requires a coming back to the proper use made by marx of reflex and image notions within the scope of a more general reflexion upon representation. This reflexion leads him from a controversy against the hegelian and neo-hegelian conceits to the elaboration of the ideology concept, pointing out social creation and function of representations within the range of class war in the way of capitalist production. Emphasizing the proper dynamism of these representations, marx has overcome the inherent tensions in his type of ideology, studying this objective representation : money, upon the original ground of criticism of political economy. Hence he gives an analogical role to the reflex notion allowing it to take into account singular and concrete representations, such as. So, this notion of a new kind bears the opportunity of a proceeding criticism of philosophy wich never builds up into a new theory of knowledge. The study of the marxism conceit of representation does give way to a proper style of investigation and conceptualism, that does not gather its conclusions in an ultimate synthesis but deal - in a way both open and precisily defined - with the most varied representations and in particular with the notions of theory and method within their relationship to a transforming application. Then, in a unique move, the problem of representation arises as worked out, implemented and reflected

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Hellio, Jean-Michel. "L'ambivalence baroque : une esthétique picturale au service d'une représentation cinématographique." Caen, 2002. http://www.theses.fr/2002CAEN1355.

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Анотація:

La finalité de l'analyse que nous entreprenons repose sur l'examen du principe moteur attaché au courant baroque : l'expérience du mouvement. Cependant, la pensée baroque ne saurait se résumer à l'exacerbation de l'instant vécu pleinement, car le mouvement étudié, sans cesse en voie de métamorphose, multipliant les antagonismes, les paradoxes, masque un enjeu qui concrétise l'expression d'une rupture (signe d'une contestation des règles établies). À partir de la déclinaison que nous venons de préciser, il s'agit de proposer des critères d'appréciation susceptibles de circonscrire une esthétique de la contradiction (la terribilita, le tourbillon, l'illusion, la tension, l'instantanéité, l'hyperréalité, la fragmentation, la décantation). L'examen sera envisagé à travers la connaissance de ce dialecte abondant qu'est la peinture baroque, de manière à faire surgir les signes caractéristiques d'identités multiples. Cette expérience s'inscrit donc dans une logique qui envisage la représentation du mouvement en peinture comme le témoignage inachevé d'une entreprise destinée à s'élargir au cinéma et aux réponses apportées par l'expérience cinétique. Aussi, parmi les cinéastes qui ont inscrit la dialectique de l'ambivalence au coeur même de leur rapport au réel, nous retiendrons ceux dont le mode opératoire parvient à démontrer une esthétique issue de la peinture baroque. Nous examinerons à l'intérieur des oeuvres cinématographiques retenues l'amplitude du mouvement baroque. L'évolution du western étudiée au rythme de ses ruptures historiques (de Ford à Eastwood), l'exercice cinétique contrarié (Kubrick), l'image kaléidoscopique du polar (Scorsese, De Palma), les leurres d'une parole mensongère (Welles, Mankiewicz), la séduction avortée d'un cinéma romantique (Ophuls, Sternberg), enfin, l'expérience d'un cinéma historique et/ou social confronté à l'identité italienne (la noblesse de Visconti, la bohème de Fellini) constitueront les axes directeurs de notre étude.

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Garcia, Tristan. "Arts anciens, arts nouveaux : les formes de nos représentations de l'invention de la photographie à aujourd'hui." Amiens, 2008. http://www.theses.fr/2008AMIE0028.

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Анотація:

Cette thèse est une tentative de redéfinition de ce que peut être tout art humain. En considérant la double impasse qui a conduit dans l'esthétiqùe moderne, à considérer de manière privilégiée soit l'Art soit l'objet d'art, il apparaît qu'une troisième voie a été négligée, celle des arts. Un art se trouve alors défini comme une forme de représentation. Les formes picturale, narrative ou musicale apparaissent ainsi comme des arts anciens, indissociables de la définition même de toutes les cultures humaines. Or, de nouvelles formes de représentation sont ici examinées, à partir du XIXe siècle : dénaturalisées, elles correspondent à l'usage de techniques, d'âges de la vie ou de communautés en tant que moyens inédits - irréductibles aux précédents - de représenter le monde, c'est-à-dire d'échanger « absence » et « présence » à l'occasion d'objets ou d'événements. Le statut d'arts nouveaux - ni plus ni moins arts que les arts anciens - est donc discuté autour de différents cas contemporains
This thesis is an attempt to redefine what any human art can be. By considering the double dead end which led, in modem aesthetics, to focus either on Art or on the Work of art as such, a third option appears to have remained ignored : to acknowledge the diversity of all artistic human practices and their agreement or opposition with each other. This work is a philosophical and aesthetical inquiry based on that specific option. Each art is then defined as a form of representation. The pictorial, narrative, musical forms appear to be Old Arts. However, new forms of representation are examined here, which emerge from the XIXe Century on : these « denaturalized » forms are produced by uses of techniques, of ages in life, of communities, as brand new possibilities - irreductible to the previous ones - to represent the world, to reverse absence and presence while modeling objects or creating events. The statute of New Arts is thus discussed through various cases

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9

Katz, Stéphanie. "La représentation de la voix en peinture, figures de l'infigurable." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082066.

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Анотація:

Dans la réalité, dans le rapport que nous entretenons quotidiennement avec elle, la voix échappe évidemment au regard. A ce titre, la représentation de la voix relève de l'infigurable. Choisir d'interroger la représentation de la voix en peinture, c'est, dès les origines du projet, poser la question de l'avènement de l'invisible dans le visible de l'image peinte. Il y a donc un parti pris initial fondant notre recherche, qui considère qu'il existe fondamentalement deux sortes d'images. Les premières parient sur les capacités de l'image à doubler le monde. Les secondes, essentiellement frustrantes, envisagent de signaler ce en quoi elles ne sont précisément que des images, incapables de doubler le réel et de combler ce manque. Indicielles par définition, ces autres images insisteront sur ce qui leur échappe, plutôt que sur ce qu'elles représentent. C'est dans le cadre de cette distinction initiale que nous sommes remonté aux premières définitions philosophiques de l'image proposées au IXe siècle par les Pères de l'Eglise. Or, ce corpus patristique a envisagé la manifestation de la voix dans l'image, non pas comme une simple modalité de l'avènement de l'invisible dans le visible, mais comme son paradigme même. Souffle du Verbe divin accueilli par un corps, la voix tendue entre abstraction spirituelle et Incarnation, est définie dans la scène de l'Annonciation comme étant la figure même de ce qui échappe au regard. Ainsi définie comme n'étant ni le seul Verbe, ni uniquement le son produit par un corps, la voix acquiert une ambivalence structurante qui fait d'elle le véritable laboratoire de l'invisible dans l'image. Du Moyen-Age à la modernité, la représentation de la voix fondera le travail de déconstruction de la logique mimétique qui obsède la peinture.

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Garcia-Porrero, Juan. "Figures de l'anti-image : vers une définition de la représentation picturale moderne." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010660.

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Анотація:

Cette étude s'attache à montrer que la notion de représentation n'a jamais été pensée sans présupposé d'un certain «système classique» précédant la « modernité» comme catégorie historico-philosophique. Or, cette « modernité» a précisément montré à travers le champ spécifique de la peinture une autre transformation dans le concept de représentation. En jouant à l'intérieur de la tradition picturale, la modernité s'est développée jusqu'à produire les conditions d'un changement dans la compréhension du concept de représentation à partir de la prise de conscience de ce qu'est la peinture. La peinture, dans son cheminement vers la modernité, a réussi à montrer que la pensée qui relègue le fait de représenter à la simple imitation d'une réalité préalable est forcément aporétique face aux mécanismes objectifs de la représentation - c'est-à-dire son expression, qui met en évidence la représentation comme un acte capable d'instaurer la figure paradoxale de l'anti-image

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Bernard, Paul. "Corps indéfinis : la représentation des corps dans l'art d'après Auschwitz." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0188.

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Анотація:

Cette thèse intitulée Corps indéfinis. La représentation des corps dans l'art d'après Auschwitz vise à démontrer que l'événement en question a profondément rompu les formes de représentation du corps humain dans les arts plastiques, et plus particulièrement dans la peinture. Une telle rupture engage aussi bien les modes de représentation dits traditionnels, et dont on soutient ici qu'ils relèvent d'une esthétique du discernement, que les modes hérités de la modernité artistique en rendant précisément ces corps indéfinis, c'est-à-dire indiscernables. Dans une perspective à la fois historique et théorique, il s'agit donc de proposer un examen approfondi d'un certain nombre d'œuvres, aussi bien d'avant Auschwitz que d'après, en faisant droit pour ce qui touche à ces dernières aux multiples formes que suggère cette temporalité du « d'après », selon une dialectique qu'on définit comme celle de la traduction : à la fois transmission et trahison de l'événement. Il s'agit donc aussi bien de reconsidérer un corpus d'œuvres déjà constitué (celui de l'art contemporain) que de définir les outils d'analyse à même de définir les contours conceptuels et herméneutiques dudit corpus. Examen et analyse visant en toute fin de compte à repenser aussi bien les modes de représentation du corps humain que la façon dont un certain habitus s'est développé à ce sujet d'après Auschwitz
This doctoral dissertation, untitled Undefmed Bodies : The Representation of Bodies in Art after Auschwitz, aims to demonstrate that this event deeply ruptured the forms of representation of the human body in the plastic arts ; especially in painting. Such a rupture engages the so-called traditional modes of representation (for which we argue that they belong to an aesthetics of discernment), as well as those inherited from the artistic modernity, by making this bodies undefined, i. E. Undiscernible. In a perspective both historical and theoretical, this dissertation proposes a deep examination of several artworks, from before and after Auschwitz, trying to question for the latter the multiple forms of the temporality determined by the term "after", following then a dialectic close to the notion of translation : transmission as well as treason of the event. Therefore, the main purpose of the dissertation is to reconsider an artworks' corpus (already existing since it derives from contemporary art) and to define analysis devices able to define the conceptual and hermeneutic outlines of such a corpus. Both examination and analysis aim at rethinking the modes of representation of the human body as well as a kind of habitus which has been developed around them in the aftermath of Auschwitz

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Allouche, Raoudha. "La représentation de l'architecture dans l'oeuvre de Théophile Gautier." Phd thesis, Université Blaise Pascal - Clermont-Ferrand II, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00705328.

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La représentation architecturale est pérenne dans l'oeuvre de Théophile Gautier. Afin de déterminer les enjeux de l'expérience architecturale et d'appréhender le texte gautiéresque dans la dynamique de son élaboration, une approche éclectique s'est imposée. Loin d'être une simple reproduction, la description architecturale néglige la représentation mimétique et se soumet au prisme ,de la subjectivité. Critique d'art imprégné de peintures et d'oeuvres d'art, esthète dilettante et éclectique, Gautier perçoit l'objet architectural à travers un ensemble de considérations esthétiques etartistiques. Il cherche à reconstituer le triumvirat du peintre, du sculpteur et de l'architecte et à, défendre la primauté de l'architecture. Dans sa relation de voyage, il rejette les architectures modernes auxquelles il reproche leur uniformité, et leur préfère le cachet singulier des constructions andalouses ou le caractère exotique des palais orientaux. Appréciant la ligne courbe et spiralique aux dépens de la ligne droite, Gautier défend le génie d'invention et cherche non pas l'utilité mais la beauté de la forme pure. Prônant une esthétique du caprice et de l'arabesque, il s'attaque au fléau de l'européanisation et n'hésite pas à embellir le réel, à l'" artialiser ". Cette sensibilité esthétique est encore plus perceptible dans son oeuvre poétique. Obélisques, château et cathédrale sont ciselés de manière à répondre à l'idéal de l'esthète. Ce faisant,reconstruction architecturale et construction textuelle sont menés de front faisant du poème une architecture verbale qui prend forme dans et par les mots. L'architecture prend part également dans l'organisation de l'espace de la narration. D'un récit à l'autre, l'édifice architectural change de statut sémiotique (ancrage spatial, opposant, adjuvant, embrayeur de l'action,...). Mais souvent, la représentation architecturale jette les assises de la construction romanesque et en détermine le processus évolutif. La reconstitution des architectures gréco-romaines ou de la grandeur égyptienne à travers la restauration archéologique de Pompéi et la reconstruction de Thèbes illustre parfaitement cette fièvre de construction qui anime Gautier. Le projet de reconstitution se double d'un processus de création langagière ; la re-construction, se faisant réinvention, subvertit les frontières traditionnelles entre histoire, archéologie et fantasmagorie. L'architecture fantastique, rattachée à une perception subjective met en doute toute représentation sclérosante de l'espace et " donne à voir " un espace-temps mouvant et multiple. Délire, ivresse, haschisch, miroir, tapisserie murale, eaux-fortes sont les ingrédients de l'alchimie fantastique. Mais l'hallucination architecturale ne se résorbe pas en aventure spatiale ; elle nous introduit dans le périple labyrinthique de la psyché et exorcise les fantasmes personnels. Conjurant les cauchemarsarchitecturaux pianésiens, Gautier architecte met en exécution son rêve d'architecture. Composant les richesses exotiques de l'Orient et le confort douillet de l'Occident, il ne peut dissocier bonheur et architecture et construit son Eldorado conformément à ses exigences esthétiques. Faute de réaliser son rêve architectural sur le mode du réel, Gautier se tourne vers l'Art et se love dans son microcosme. Charriant un ensemble de modèles (de l'Antiquité, de la Renaissance, du Romantisme allemand,...), il construit son monument et associe l'" archè " à la " tecture ", l'idée à la forme. Au-delà de ses fonctions référentielle, socio-historique, métaphorique, symbolique ou esthétique, la représentation architecturale est un acte fondateur grâce auquel se dégagent l'unité et l'harmonie de l'oeuvre gautiéresque.

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Le, Corre Latuille Sandrine. "Esthétique de la vitrine." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080085.

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À l’intersection du design et de la muséographie, la vitrine est un objet d’étude hybride rarement abordé d’un point de vue esthétique, d’où cette thèse intitulée Esthétique de la vitrine. La vitrine est conçue, habituellement, comme décor, display et écrin. Une telle approche, en minimisant le rôle actif de la vitrine dans l’économie de la monstration, donne lieu à un esthétisme de la vitrine, dont la présente thèse souhaite se départir. Pourquoi ? Car, la transparence de la vitrine est un mythe. Bien qu’elle le soit matériellement, la vitrine est un élément interférant entre le regardeur et l’objet regardé. Elle prend part activement à la relation qui s’instaure, ou plutôt qu’elle instaure, entre l’un et l’autre. Le problème directeur de la recherche consiste à questionner ce rôle interférent, sa nature, son mécanisme et la possibilité d’une esthétique.Comment ? Par le questionnement des œuvres. Cette thèse prend pour objets d’étude les œuvres, principalement des installations et des performances – de Wall, Hirschhorn, Koh, Mayaux, Dion, Gette seront particulièrement étudiés - qui ont pour point commun de s’approprier une vitrine, soit de type commercial, soit de type muséal, pour en faire un élément à part entière de leur dispositif. Pour quelles conclusions ? L’interférence de la vitrine, par le biais de son appropriation artistique, apparaît à trois niveaux. Elle est un espace d’expositions (1er moment), un cadre de perceptions (2ème moment) et un écran de représentations (3ème moment) interférant dans le triple jeu de l’exposition, de la perception et de la représentation qu’elle met en œuvre
At the intersection of design and museography, the showcase is an hybrid study, rarely raised in terms of aesthetic appeal, hence this thesis is titled Aesthetics of the showcase. The showcase is usually designed as a decor, a display and a case. Such a perspective, minimizing the active role of the showcase in the economy of the demonstration, gives rise to an aesthetism of the showcase, which the present thesis wants to get rid. Why ? Because the transparency of the showcase is a myth. Although it is physically, the showcase is something that interfering between the Watcher and the watched object. It participates actively into the relationship that is established, or rather that it establishes between one and the other. The problematic orientation of this study is to inquire this interfere role, its nature, its mechanism and the possibility of an aesthetic.How ? Through questioning of the art-works. My doctoral thesis, mainly, focuses on installations and works performance - Wall, Hirschhorn, Koh, Mayaux, Dion, Gette will be particularly studied - who both of them, appropriates a showcase either commercial kind or Museum kind, to make them an integral part of their device.What conclusions ? The interference of the showcase, through its artistic appropriation, appears at three levels. It is a space for exhibitions (1st time), a framework of perceptions (2nd time) and a viewing of representations (3rd time) interfering in the triple set of exposure, perception and representation that it implements

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Bykova, Dognon Oksana. "La mafia russe et le crime organisé dans le cinéma : (1988-2010) : représentation, communication et esthétique." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2018. http://www.theses.fr/2018UBFCH034.

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Aujourd'hui, bien que la mafia russe soit officiellement démantelée, elle continue à influencer et à transformer l’identité de son «fidèle» spectateur par la voie cinématographique. Dans ce cas comme dans sans doute beaucoup d’autres, comme le rappelle à juste titre Valérie Pozner, « le cinéma doit être replacé au sein d’un vaste réseau de pratiques spectaculaires et de stratégies éducatives, politiques et informatives hétérogènes ».1Cette thèse revient en premier lieu sur les participants et les engagements de cette coopération entre la mafia et le cinéma. Avant de retracer les principaux traits de ce mariage ciné-mafia-politique, nous allons aborder les formes nouvelles qui apparaissent dans ce nouveau style de cinéma criminel très populaire et répandu dans la société russe. Pour cela faire, dans un premier temps, la recherche donnera certaines détaillées nécessaires pour illustrer les principaux acteurs et principaux événements de la véritable guerre sanglante des groupement criminelles pendant la Grande Révolution Criminelle Russe de 1988-1994. Dans un deuxième temps, nous analyserons les mécanismes de propagande, véhiculés par le cinéma du genre mafieux et criminel russe dont une partie appartient à l’héritage soviétique. Ces mécanismes de propagande, explicites ou masqués, mais surtout ayant un rôle de promotion pour la toute-puissance Russie, accompagnent cette brutalité d’un style de vie que les occidentaux étudient, afin de le comprendre, depuis des siècles. Un Etat « à part » ainsi que son cinéma, que l'on peut aimer ou détester, mais face auquel on ne peut rester indiffèrent !Ce travail de doctorat s'appuiera sur trois hypothèses :Hypothèse 1 : L'arrivée de la Mafia russe dans les circuits de financement du cinéma est aussi une médiation, une communication entre la vie de l'Organisation et le grand public. Elle s'exprime notamment par la mise en place de ce que nous pourrions appeler une « esthétique mafieuse ».Hypothèse 2 : Les attributs de cette esthétique mafieuse profitent des attributs de l'esthétique à laquelle elle succède : l’esthétique soviétique, le socialisme. La question de la conscientisation de ces transformations est une question cruciale.Hypothèse 3 : Cette esthétique mafieuse, cinématographique opère une communication publique et, donc, une évolution des représentations sociales des spectateurs. Nous allons faire l'évaluation de ces valeurs par le public
Today, although the Russian mafia and organized crime community is officially defeated, it continues to influence, transform the identity of his « faithful » viewers through by the way of cinema. It's necessary to understand the exchanges between the cinema said « criminal fiction » and its influence on the public reality. On the one hand the Russian mafia identity of cinema was built across the international market and international audiovisual film.The originality of Russian fictional crime genre, in particular, that it was in some cases produced, directed and performed by former criminals, who also faced historical changes, and were influenced by Hollywood mafia movies lived a period of transformation in « cinema professionals », as also the professionals in the field of other arts such as literature, publication, music, television. Such was the case of Vitaly Demochka 1, the former criminal, who became director, producer, actor and writer. The particularity of his case, that he directed and performed his own « life story » on the screen, as well the members of his former criminal team became the fictional heroes of his film « Spets ».In parallel, our work is focused on the study of “communicating objects”, such as a music, behavior, language, dress code, tattoos. Which have become representative as the 'weapon' of mafia propaganda, projected in the cinema and widely recycled in reality, and vice versa. It operates not only the mythification of public communication but therefore, the evolution of the social representations and even transformation of the spectators

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Gülgönen, Séline. "La mimesis musicale dans l'oeuvre de Platon." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100039.

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Ce travail se propose de déterminer la nature, le fonctionnement et les enjeux de la mimesis musicale dans les Dialogues de Platon. Il souhaite donc contribuer aux études de la pensée platonicienne de la musique en prenant pour point d'appui le concept de mimesis, qui se trouve par là même éclairé d'un jour nouveau. Pour Platon en effet, la musique ne se définit pas, ou pas essentiellement, comme “art des sons” mais elle est avant tout une imitation sensible des mouvements de l'âme, et elle a pour charge d'en transmettre certains aux autres âmes. Car la pensée platonicienne ne sépare jamais ce que peut faire la musique de ce qu'elle doit faire, tant sur le plan psychologique que politique – comme on le voit dans la République et dans les Lois. Mais le pouvoir imitatif de la musique ne se limite pas aux âmes individuelles : la musique imite aussi en effet les mouvements cosmiques – comme on le voit dans le Timée. Par son pouvoir imitatif, la musique peut alors devenir une véritable technique hygiénique et thérapeutique qui relie l'âme et le corps aux mouvements du monde, lui-même pourvu de qualités musicales. Ainsi articulée au concept de mimesis, la musique se révèle être un intermédiaire essentiel entre l'intelligible et le sensible, qui lui permet de jouer un rôle central dans la théorie de l'âme, de la Cité et du monde
This work focuses on the nature, the operating and the goals of musical mimesis in Plato's Dialogues. It should contribute to the study of platonician thought, while also shedding a new light on the concept of mimesis. In Plato's thought, music is not – or not essentially – an “art of sounds”. It is primarily a tangible imitation of the movements of the soul, an can also serve to propagate them to ether souls. Platonician thought never separates what music can do from what it should do, as can be seen in the Republic and the Laws. But the imitative power of music is not limited to individual souls : music can also imitates cosmic movements, as can be seen in the Timeaus. Through this imitative capacity, music can therefore become hygienic and therapeutic technique, linking the soul and the body to the movements of the world, which is also invested with musical qualities. In the light of mimesis, music proves to be an essential mediator between intelligible and sensible, thus playing an important role in the theory of the soul, the City and the world

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Bertin, Marjorie. "Le pirandellisme dans le théâtre de Jean Genet. Poétique et esthétique." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030156/document.

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Cette thèse a pour objectif de mettre en évidence et d'analyser les thématiques pirandelliennes dans le théâtre de Jean Genet. Á cet effet, elle propose une redéfinition du pirandellisme, qui était sujet à de nombreuses controverses depuis sa première définition d'inspiration philosophique par le critique italien Adriano Tilgher en 1923. La nouvelle définition du pirandellisme proposée ici est construite à partir de cinq caractéristiques principales: le dualisme entre la vie et la forme, l'humorisme pirandellien, la suprématie de l'œuvre d'art sur la vie, l'impossibilité d'être un soi unifié et la métathéâtralité. Cette nouvelle modélisation dramaturgique du pirandellisme sert à analyser les pièces métathéâtrales de Pirandello et l'ensemble du théâtre de Genet dans le but d'appréhender l'historicité des textes, leur ancrage - et parfois absence d'ancrage - par rapport à leurs contextes de production et les liens qu'ils tissent entre eux. L'un des plans théoriques pris pour analyser l'influence de la dramaturgie et de l'esthétique de Pirandello sur le théâtre de Genet est de nature historique, portant précisément sur l'histoire du théâtre et des formes scéniques en Italie et en France au XXe siècle. Ce travail est étroitement lié à la question de l'auteur et à celle de l'influence. Outre le pirandellisme, la déconstruction du réalisme, le renoncement au mimétisme psychologique ou gestuel, aux effets d'illusion, la mise en espace d'un nouvel univers fictionnel et l'abondance des textes divers et didascalies qui dessinent et préconisent la mise en scène avec une précision méticuleuses sont autant de caractéristiques qui réunissent ces deux auteurs
This thesis highlights and analyzes the Pirandellian themes in Jean Genet's plays. It proposes a redefinition of Pirandellism, which was the subject of much controversy from the time of its first definition, of philosophical inspiration, by the Italian critic Adriano Tilgher, in 1923. The new definition put forward here is based on five main characteristics: dualism between life and form; Pirandellian humourism; the supremacy of the art work over life; the impossibility of being a unified self; and metatheatricality. This new dramaturgical modelling of Pirandellism serves to analyze Pirandello's metatheatrical plays and all of Genet's theatre, with a view to understanding the historicity of the texts, that is, their anchorage – and sometimes absence thereof – in relation to their contexts of production and the relationships they weave between them. One of the theoretical frames of reference taken to analyze the influence of Pirandello's dramatic art and aesthetics on Genet's theatre is historical and precisely relevant to the history of theatre and scenic forms in 20th century Italy and France. This work is closely linked to the question of the author and of influence. Apart from Pirandellism, the deconstruction of realism, the giving up of psychological or gestural imitation and of the effects of illusion, the spatial framing of a new fictional world, and the abundance of varied texts and forms of stage direction that outline and recommend staging with meticulous precision are all characteristics common to these two authors

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Granger-Mathieu, Geneviève. "Modalités de la représentation dans l'oeuvre narrative de Tommaso Landolfi." Montpellier 3, 2002. http://www.theses.fr/2002MON30064.

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Tommaso Landolfi, écrivain italien contemporain (1908-1979), parle souvent de sa peur du monde réel. Cette réalité peut-elle être appréhendée à travers les mots, auxquels elle est intimement liée, et qui seraient à la fois écrans protecteurs et agents de transmission ? C'est la grande question qui, depuis Platon et Aristote, préoccupe la littérature : la capacité de celle-ci à représenter la réalité. Cette question, Landolfi la pose particulièrement dans ses romans et ses nouvelles, et sa position est toujours ambiguë, entre réalisme et imaginaire, illusion et lucidité désespérée, virtuosité du style et abandon au hasard, qui, s'entrecroisant sans cesse, forment la trame de son œuvre narrative. Pour lui, la littérature est essentiellement impropre. Mais comme, l'écrivain n'accepte pas cette impossibilité du rapport au réel, il essaie d'explorer, dans une langue souvent archaïsante mais profondément originale, toutes les modalités de représentation, du réalisme excédé au fantastique
Tommaso Landolfi who is a contemporary writer (1908-1979) often talks about his fear of the real world. Can that reality be dreaded through the words it is closely linked to and which may act as protective screens and transmitting agents at the same time ? It is the great question that has been bothering literature since Plato and Aristote that is to say : its ability to represent reality. Landolfi has set up that particular question in his novels and short stories, especially. His position is still ambiguous, between realism and imaginary, illusion and desperate clearness. The virtuosity of his style and the abandon to fate intertwining endlessly form the shape of his narrative work. According to him, literature is mainly inappropriate. In the meantime, the writer can't accept this unability about the connection to reality. He tries to investigate in an often archaic but deeply original language, all modalities of representation from a weary realism to fantasy

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Labrusse, Rémi. "Esthétique décorative et expérience critique : Matisse, Byzance et la notion d'Orient." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010677.

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Ce travail part du lien, affirmé par Matisse, entre ses recherches esthétiques, fondatrices de la modernité dans les arts visuels occidentaux, et ce qu'il nomme lui-même "la connaissance et l'influence des arts de l'orient". A partir de là, l'étude cherche à répondre à trois questions : quelles étaient exactement les traditions que matisse nommait "orientales" et par quels aspects l'sont-elles retenu ? En quoi peuvent-elles avoir joué un rôle pour l'aider à bouleverser les données de l'image classique, telle qu'elle lui avait été transmise par la tradition européenne ? Enfin, dans quelle mesure de tels rapprochements peuvent-ils nous permettre, aujourd'hui, de mieux comprendre la nature de ses ambitions esthétiques ? Pour répondre à ces questions, un large usage est fait des archives personnelles du peintre, afin de suivre de manière parallèle l'émergence de son esthétique et l'évolution du contexte intellectuel et visuel dans lequel celle-ci a pris place (critiques et collectionneurs avec lesquels il a été en contact, visites et voyages qu'il a entrepris). La thèse défendue est que la réflexion autour des arts d'orient incarne tout autre chose qu'un simple aspect de l'œuvre de Matisse. D'une part, elle est indissolublement liée, chez lui, au développement de la notion de décoratif, elle-même constitutive de son esthétique. D'autre part, elle ne peut être abordée comme une influence parmi d'autres : plus que d'une influence, il s'agit d'un paradigme théorique qui permet au peintre de mieux définir sa propre position dans l'histoire et d'être alors encourage dans la réalisation de ses exigences esthétiques. Or ce besoin de compréhension de soi, ce constant effort de distanciation critique constitue l'autre grande polarité de l'esthétique matissienne. C'est pourquoi, dans le champ oriental, la référence à l'art byzantin est apparue particulièrement éclairante : héritière directe de l'antiquité gréco-romaine, la civilisation byzantine a en effet conçu un art fonde sur une esthétique totalement opposée a celle de l'antiquité, une esthétique non-mimétique qu'on peut, avec Georges Dutuit (gendre de Matisse et byzantiniste lui-même), qualifier de "haute décoration figurative". Elle a donc fourni au peintre et peut également fournir au critique contemporain des éléments conceptuels pour mieux comprendre la relation à la fois conflictuelle et féconde entre souci de création décorative et souci d'investigation critique.

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Pasquier, Pierre. "La Mimesis dans l'esthétique théâtrale française du début de l'âge classique à la fin de la période romantique." Caen, 1987. http://www.theses.fr/1987CAEN1022.

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Fiori, Sandra. "Le représentation graphique dans la conception du projet d'éclairage urbain." Phd thesis, Université de Nantes, 2001. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00399027.

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Par ses implications cognitives et pragmatiques, la représentation graphique constitue un outil privilégié du projet architectural et urbain par lequel se manifestent et opèrent les manières de faire. Partant de cette hypothèse méthodologique, cette recherche tente de mieux définir le renouvellement des modes de production et de pensée de l'éclairage urbain à travers l'étude des usages de la représentation graphique chez les concepteurs lumière, principaux acteurs de ce renouveau issus de milieux professionnels divers. Trois types de sources sont utilisés : observation du travail d'agence, entretiens semi-directifs et surtout corpus graphique extrait de vingt projets (mises en lumière urbaines, plans lumière), analysé sur un mode monographique puis typologique. Les entretiens révèlent une démarche commune de type scénographique ainsi que l'importance du mouvement d'acculturation à la maîtrise d'oeuvre traditionnelle par lequel se construit la nouvelle profession de concepteur lumière. La production graphique des concepteurs lumière reflète largement ces caractéristiques, tirant sa spécificité d'un processus d'hybridation entre les formes graphiques de l'éclairagisme technique et celles du projet architectural et urbain, comme le montre l'analyse typologique du corpus. Plus largement, l'analyse graphique met en évidence le caractère actuel (Cauquelin, 1992), c'est-à-dire à la fois traditionnel et contemporain, des pratiques des concepteurs lumière. Cette actualité, questionnant les modes d'appréhension courant du projet architectural et urbain, a ainsi trait : - à leur champ de compétence et d'intervention, ni tout à fait technique ni tout à fait artistique, témoignant en outre d'une hybridation entre disciplines ; - sur le plan graphique, à leur usage de techniques mixtes et au brouillage de la frontière entre conception et communication ; - sur le plan esthétique, au mélange entre retour aux origines de la scénographie et création de dispositifs spatio-lumineux inédits.

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Bernard-Faivre, Dominique. "Esthétique de l'oeuvre et/ou esthétique des effets. Continuité et/ou rupture dans les arts plastiques contemporains : vers une esthétique de la réception ?" Thesis, Besançon, 2012. http://www.theses.fr/2012BESA1001/document.

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Notre thèse aborde la question de la beauté dans les arts plastiques d'aujourd'hui. Celle-ci en effet ne va pas de soi, si l'on en croit notamment les multiples publications manifestant un rejet de l'art contemporain. Peut-on parler, actuellement, d'une esthétique de l'œuvre renvoyant à une science du beauté à une satisfaction d'ordre essentiellement intellectuel? Soit de beauté intrinsèque qui, comme dans l'art de la Renaissance, relève tant de l'harmonie et de la justesse de ses formes que de la légitimité de son contenu, grâce à la mise en évidence du bien-fondé de la mimêsis, de la perspective ou des motifs religieux ? Ou bien faut-il plutôt, pour pouvoir juger de la valeur esthétique de l'art contemporain, accorder une place de choix à la singularité de ses causes et effets, en opérant notamment un inévitable glissement vers une science du sensible ? Or notre parallélisme entre "esthétique de l'œuvre" et "continuité" dans l'histoire de l'art d'une part, puis "esthétique des effets" et éventuelle "rupture" d'autre part, nous a conduits à interroger d'abord ces éléments de rupture tels que le refus de la profondeur ou de la représentation figurative, mais aussi celui de la réalisation ouvragée et de la matière noble. Mais il nous a aussi amenés, malgré des conditions politiques ou techniques spécifiques de réalisation, à nous pencher sur une véritable poiêsis contemporaine. Car avec les œuvres plastiques de notre époque, il s'agit bien, toujours et incontestablement, d'art et même "d'épiphanie", dès lors que l'on s'en réfère à la vision ontologique et apologétique du philosophe François Dagognet
Our thesisconcerns the question of beauty in the contemporaries plastic arts. But this one does not without saying, if we consider the simple fact of the numerous publications concerning the rejection of contemporary art. May we speak, today, of a "work's esthetic" which refers to a "science of beauty" and to an essentially intellectual satisfaction? We mean an intrinsic beauty, like the one of the Renaissance's art, concerning as much the harmony as the exactness of the forms or the legitimacy of its contents. We mean an art which puts in a prominent position the mimêsis, the perspective's method or the religious motifs. Or would not it be better, in the intention to become able to judge of the esthetic value of contemporary art, to give a first place to the singularity of his causes and effects, at the same time we slide towards a "science of the sensibility" ? In fact, our parallelism between "work's esthetic" and "continuity", then between "effect's esthetic" and a possible "breaking" makes us think about reasons of this breaking, such as the refusal of profundity or as the figurative representation, as well asthe rejection of construction works or noble material. However, we have succeded to consider contemporary art as a real and new poiêsis, in spite of his specific political and technical ways of realisation. And we may assert that, today, undeniably, it is the matter of real art, and even of "epiphany", as soon as we refer to the ontological and laudatory point of view of the philosophe François Dagognet

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Chantoury-Lacombe, Florence. "Les images des maux : étude de la représentation de la maladie dans les arts visuels de la Renaissance." Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0039.

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Cette thèse consiste à étudier un corpus d'images qui réunit des représentations de la maladie, des états pathologiques dans la production artistique de la Renaissance. La question principale est de savoir à quelles conditions il a pu y avoir une expression plastique de la maladie en fonction de deux données essentielles, soit, le fait que les artistes de la Renaissance travaillaient à élaborer une esthétique conforme aux théories de l'art de leur époque, en terme d'équilibre, de mesure et d'harmonie, et deuxièmement, le fait que la maladie constitue, par définition, un effet de force en perpétuelle transformation. Notre travail vise à montrer le déplacement que produit cet ordre de représentation par rapport au sens mimétique de l'oeuvre, ces écarts par rapport aux critères de ressemblance et d'imitation perturbant le modèle rhétorique qu balise le concept de représentation. Cette étude est une mise en rapport avec les théories de l'art et avec la pensée de Louis Marin
This thesis is a study of the representation of disease in the visual arts of the Renaissance. The principal question which guided this reflexion is to learn under what conditions there could have been a plastic expression of disease according to two essential given points : firstly, the fact that the artists of the renaissance tried to create an esthetics in conformity with the theories of art of their time in terms of balance, measurement and harmony, and secondly, the fact that disease constitues, by definition, an effect of force in perpetual transformation. Starting from the idea that the representation of the pathological states in Renaissance art serves an apologetic function which largely exceeds that of simple descritpion, the thesis aims at showing the displacement which produces this order of representation compared to the mimetic direction of the image. Our study of the images will be put in connection with both the theories and also the thought of Louis Marin

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Arias, Martín. "Représentation, monde fictionnel et obscénité dans la littérature d'Osvaldo Lamborghini." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080032.

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La littérature de l’Argentin Osvaldo Lamborghini (1940-1985) est traversée par un paradoxe. D’un côté, elle a été décrite comme le produit d’un « auteur abstrait » héritier des avant-Gardes. D’un autre côté, on y reconnaît la présence des formes représentatives extrêmes, notamment celles qui ont pour objet l’exhibition de la sexualité et de la violence politique. Au lieu d’isoler l’un des aspects de ce paradoxe, cette étude tâche de rendre compte des deux pôles dans leur interaction. Le deuxième livre de Lamborghini — Sebregondi retrocede (1973) — est ainsi analysé comme un dispositif double constitué d’un « centre » où la représentation est épuisée dans ses possibilités de sens, et un pôle marginal où s’accumule ce qui reste du langage une fois que ses fonctions représentationnelles ont été menées à l’extrême. Le modèle de ce dispositif provient de la notion rhétorique d’hypotypose, mais aussi d’une conception du langage comme négativité. Dans le roman Tadeys (1983), l’effort narratif le plus ambitieux de l’auteur, le dispositif représentationnel fonctionne comme un monde fictionnel, concept qui désigne la macrostructure sémantique dans laquelle les histoires narrées ont lieu. Dans le dernier projet de Lamborghini — le Teatro proletario de cámara (1983-1985) —, qui combine littérature, photographie et dessin, la représentation acquière une forme plus radicale : celle de la pornographie. La présence dans cet ouvrage d’images pornographiques (et aussi de quelques photographies d’hommes politiques) oblige à poser à nouveaux frais la question du rapport entre littérature, politique et représentation
The works of Osvaldo Lamborghini (Buenos Aires 1940- Barcelona 1985) present a curious paradox. On the one hand, his literature has been defined by critics as the products of an abstractionist artist close to the avant-Gardes of the 20th century. On the other hand, his texts develop radical forms of representation, related mainly with sex and violence in a political context. Instead of isolating one aspect of this paradox, this thesis explores the interaction between both poles. Thus, Lamborghini’s second book —Sebregondi retrocede (1973)— is analysed as a two-Pronged device in which a “centre”, where representational possibilities are exhausted, is in connection with a “marginal” zone. In this margin, what remains of language once its representational possibilities have been exhausted is accumulated. This device works according to a rhetorical model —that of hypotyposis— and rests upon a conception of language as negativity. In Lamborghini’s novel Tadeys (1983), his most ambitious narrative work, representation takes the form of fictional world construction, i.e., the construction of a semantic macrostructure where stories may take place. In Lamborghini’s last project, the Teatro proletario de cámara (1982-1985), which combines writing, photography, and drawing, representation takes a more radical shape, that of pornography. The presence in this work —whose form is that of an archive— of pornographic images (and also a few of Argentinean politicians) raises challenging questions about the relations between photography, politics and literature. These questions are tackled from the point of view of Dominique Maingueneau’s theory of pornographic discourse

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Ebguy, Jacques-David. "Pour une esthétique du personnage : Balzac et le problème de la représentation dans les 'Scènes de la vie privée'." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040135.

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Le présent travail examine, à partir de l'analyse des personnages des 'Scènes de la vie privée' de Balzac, les modes de création de "figures esthétiques", produits d'une composition et d'une vision. Il s'articule en trois grands mouvements. Une première partie, à valeur introductive, procède d'abord à un rapide bilan des principales conceptions du personnage et définit ensuite notre mode d'approche de la notion. Enfin, et surtout, elle envisage en quels termes Balzac pense cette question du personnage. La représentation est conçue chez lui comme une réponse à l'uniformisation de l'espace social : le roman, en quête des différences, doit adopter un nouveau régime de représentation. Mais le travail de compositeur du personnage ne consiste pas seulement à rendre la représentation possible, mais aussi à la compliquer d'une part, à l'outrer de l'autre. D'un côté, le mode de construction balzacien défait les procédures traditionnelles d'attribution de l'identité. Le personnage devient illisible, est l'objet d'une enquête mais demeure fondé sur un mystère. Son identité apparaît de surcroît plus accidentelle que substantielle. L'autre voie explorée par Balzac consiste à construire ses personnages comme des différences absolues. Ces figures sont "héroi͏̈sées". Surtout, c'est autour d'une "problématique existentielle", révélée dans des scènes dramatiques, qu'elles conquièrent leur unité et leur singularité. D'où une nouvelle définition du personnage : au-delà de la paralysante opposition monde-langage, il met en texte une possibilité de vie, à la fois abstraite et sensible, ou mieux encore, un univers virtuel, issu d'une composition esthétique et habité par une Idée. De l'identité décomposée au personnage "idéel" : la figure représentée accède à l'éternité
The following work aims at examining the various ways of creating "aesthetic figures" - which are the product of a composition and a vision - in Balzac's 'Scènes de la vie privée'. It's broken down into three parts. .

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Brignone, Patricia. "Les nouvelles pratiques du corps scénique : pour une approche élargie des rapports danse, arts plastiques, performance." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20008/document.

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On assiste depuis ces dernières décennies à l’émergence de pratiques artistiques qui nous incitent plus que jamais à repenser les catégories cloisonnées auxquelles on aurait tendance à les rattacher : arts plastiques, danse, performance. Ces pratiques attestent du dépassement de l’idée de pluridisciplinarité (qui a longtemps prévalu) et investissent desmodalités et des espaces de travail (physiques et mentaux) radicalement autres. Ces porosités du genre artistique témoignent parfois de problématiques communes, telles que la question du « je » ; la représentation et la mise en scène de soi ; une investigation particulière des codes ; l’exploration de corpus de gestes. Le constat d’une certaine déterritorialisation des pratiques ne saurait toutefois faire l’économie d’un éclairage historique, fourni en particulier par les activités du Judson Dance Theater élargi au contexte artistique new yorkais des années 1960. Il constitue un laboratoire de recherches inédit pour ces nouvelles stratégies du corps en mouvement, dont la portée rayonne encore. Si aujourd’hui ce n’est plus tant le rapport aux gestes ordinaires qui aimante les artistes, certaines procédures d’expérimentation continuent d’être opérantes, qu’il s’agisse du corps en interaction avec l’objet ou encore du recours à un dispositif spécifique. Ce sont ces approches plurielles, croisant aussi bien les démarches de Jérôme Bel, Alain Buffard, Ulla von Brandenburg, Boris Charmatz, Hélène Delprat, Esther Ferrer, Nicolas Floc’h et bien d’autres, que nous avons souhaité cartographier sous l’intitulé de « nouvelles pratiques du corps scénique »
Since the last few decades, we are witnessing the emergence of artistic practices that lead us to rethink more than ever the cloistered categories we’re used to fit them into: visual arts, dance, performance. These practices testify the override of the idea of multidisciplinarity (which has been a long-term focus) to invest new physical and mental modalities and spaces.The artistic genre porousness often attests common issues like the question of the « I », the representation and the staging of the self ; a specific code investigation ; the exploration of a gestural corpus.Stating a kind of deterritorialization of practices cannot however prevent from an historical enlightening, mainly to be found in the Judson Dance Theater and its broader context, the New-York avant-garde scene of the sixties. This unprecedented field of experimentation shaped new strategies for the body in motion whose reach is still seminal today.Though relationships to ordinary gestures are no more what artists are striving for, some experimental processes are still operating, regarding either the interactions of the body to objects or to particular devices. This open realm of relationships, crossing the work of artists like Jerôme Bel, Alain Buffard, Ulla von Brandenburg, Boris Charmatz, Helène Delprat, Esther Ferrer, Nicolas Floc’h and so many others, is what we sought to map under the term of “the new practices of the scenic body”

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Kattan, Ali. "La réalité virtuelle immersive comme outil de représentation dans le processus de design. Application au programme INTERREG "Design dans la ville"." Thesis, Vandoeuvre-les-Nancy, INPL, 2009. http://www.theses.fr/2009INPL029N/document.

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Notre recherche s’inscrit dans le domaine du génie industriel et se positionne plus précisément dans le design. L’objet général de cette thèse est d’intégrer la Réalité Virtuelle immersive comme outil de représentation dans le processus de conception des produits nouveaux, afin d’améliorer la boîte à outils du designer, de le comparer et d’analyser son influence par apport aux outils de représentation Traditionnels (T) et Numériques (N), d’aide à la création et à la communication des idées utilisés en Design. Pour les outils T et N, nous analyserons plus particulièrement le dessin, la maquette physique et les logiciels de Conception Assisté par Ordinateur (CAO). Notre but est de proposer une méthode destinée à aider plus particulièrement deux acteurs de la conception (le designer et l’architecte) à mieux choisir leur outil de représentation durant le processus de design. Nous montrerons l’utilité d’intégrer la Réalité Virtuelle RV comme une nouvelle technologie à leur démarche de travail. Les expérimentations menées nous permettent ainsi de dégager les rapports de la RV dans le processus de design. Ainsi, de montrer : - une influence positive de la RV sur l’évaluation esthétique (selon la vision du designer) et technique (selon la vision des acteurs de la conception) du produit nouveau. - une meilleure compréhension de l’objet par les intervenants spécialistes (industriels, décideurs..) et les non-spécialistes (utilisateurs, consommateurs..). Notre recherche ouvre des perspectives pour élargir l’application de la RV dans d’autres projets et d’améliorer l’outil à travers de la naissance d’une série d’applications réservées au designer
Our research is in the field of industrial engineering and it is positioned specifically in the design. The general purpose of this thesis is to integrate the immersive Virtual Reality as a tool of representation in the process of new products design to enhance the toolkit of the designer, to compare and analyze its influence by providing the tools of traditional (T) and digital (N) and to support the creation and communication of ideas used in Design. For these tools of T and N, we will analyze in particular drawing, mock-up and software for computer aided design (CAD). Our goal is to propose a method to help especially the two actors of design (the designer and the architect) to choose the best tool for representation during the design process. We show the usefulness of integrating Virtual Reality VR technology as a new approach to their work. The experiments conducted allow us to identify the relationship of VR in the design process. Thus, to show: - A positive influence of VR on the aesthetic evaluation (according to the vision of the designer) and technology (according to the vision of those involved in design) of new product. - A better understanding of the subject specialists by stakeholders (industry, policy makers ...) and non-experts (users, consumers ...). Our research offers a potential to broaden the application of VR in other projects and improve the tool through the birth of a number of applications available to the designer

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Bernard, de Courville Florence. "Problématique du double cinématographique dans Oedipe roi de Pier Paolo Pasolini, Hiroshima mon amour d'Alain Resnais et dans les analyses critiques d'André Bazin." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030144.

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Анотація:

Œdipe roi de Pier Paolo Pasolini (1967), Hiroshima mon amour d’Alain Resnais (1959) et les textes critiques d’André Bazin se donnent à la fois comme les témoins et les acteurs d’une relation théorique en acte qui se propose de réfléchir à la notion de mimesis dans la modernité cinématographique. Ces trois systèmes sont le fondement d’une interrogation sur la représentation et l’imitation cinématographiques au sein de ce que Jacques Rancière nomme « le régime esthétique de l’art », à partir d’un retour vers ce qui constitue l’essence de la mimesis : les textes de Platon et ceux d’Aristote. Une hypothèse est ici avancée : du cinéma moderne émergerait un paradoxe, celui du double cinématographique, suivant lequel le cinéma serait à la fois présenté comme une duplication, la reproduction parfaite de son modèle, reproduction qui double le monde jusqu’à se confondre avec lui, et comme le double grotesque des corps, ressemblance trompeuse, épuisée, imitation dérisoire d’un modèle. Ce double statut implique que la duplication cinématographique soit régie par une logique du même et de l’autre, de l’identité et de la différence, de la présence et de l’absence. Cette émergence de la mimesis au cœur du cinématographique soustrait la copie cinématographique, le double, à la valeur de l’imitation ontique, saisie comme imitatio, comme action de reproduire ou de chercher à reproduire suivant la logique de l’homoïosis, d’où la nécessité d’étudier les conséquences de l’immersion de ce concept antique dans la notion de modernité cinématographique
Edipo Re by Pier Paolo Pasolini, Hiroshima mon amour by Alain Resnais and reviews by André Bazin are the testimonies of a theory which tackles the problem of mimesis in the ²cinema modernity ²; this modernity has been raised by Gilles Deleuze. Those three systems are the basis of a questioning about the representation and imitation in cinema, within Jacques Rancière calls ² the ‘aesthetic’ form of art², a questioning based on the first texts dealing with mimesis : the works by Plato and Aristotle. Let’s bring forward the following hypothesis : modern cinema has emphasized a paradox entitled ² double cinématographique ², implying that cinema is both a duplication – a perfect reproduction of an original, a reproduction which copies the world to become one and the same thing – and a grotesque replica of a matter, a misleading resemblance, and a derisory imitation of an original. This double status implies that the cinema duplication is ruled by a logic of similarity and difference, a logic of presence and absence. This emergence of mimesis leads to the following awareness : the cinema replica does not only mean reproducing or trying to reproduce according to the homoïosis logic, hence the necessity of studying the consequences of the insertion of this antiquity concept in the "cinema modernity" notion

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Vidal, Romain-Laurent. "Réalisme et rationalité de 1960 à nos jours dans les oeuvres d'expression française." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080837.

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Анотація:

Le domaine d'etude de la these porte sur le debat philosophique en france concernant les nouvelles formes de realisme et de rationalite, c'est a dire les nouvelles formes de lecture du reel, de 1960 a nos jours. Le travail de recherche a pour cadre la theorie de la connaissance, d'un point de vue transdisciplinaire. Le point de depart est l'importance de l'ouverture de perspective operee par le nouveau realisme dans les arts; puis la problematique traverse les nouvelles tendances de la philosophie; et ensuite la conclusion aboutit au nouveau statut realiste de la conscience dans les sciences actuelles
The domain of study of the thesis deals with forms of realism and of rationality, that is to say the new ways of reading the real, from 1960 until nowadays. Research have for frame the theory of the knowledge, from a transdisciplinary point of view. The starting point is the importance of the opening of perspective led by the new realism in arts; then the question occurs to the new current of the philosophy; and afterwards the conclusion leads to the new realistic statue of consciousness in moderne sciences

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Suret-Canale, Michel. "D'un atelier à l'autre : au regard des faits." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010641.

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Анотація:

La thèse consiste en une auto-analyse critique et en la mise au point d'une relation dialectique théorie pratique étayant le travail de son auteur. Ce qui est visé par cette recherche, formalisée par un dialogue entre la vue et la vision, pourrait se résumer par cette formule : dans l'image, montrer la part de l'ombre, cette cécité d'où vient le regard et dont l'image critique garde la mémoire. L'objectif, incertain, est de parvenir, par hybridations successives des techniques et par une réflexion critique, à la création d'images composites. Images composites, images qui témoignent banalement d'un ça a été, images quotidiennes débarrassées des enjeux stratégiques de l'art, libres de retrouver le lieu commun, non pas celui des cliches de l'art mais lieu commun du quotidien, espace de rassemblement ; parce que désœuvrée, l'image se met à nous ressembler, à nous rassembler. L'échec n'est pas redouté, il semble paradoxalement une condition de la réussite du projet
The thesis consists of a critical self-analysis and the clarification of the dialectical relationship (theoretical practical) supporting the artistic work of the author. The aim of this research, formalised by a dialogue between sight and vision, could be resumed as follows : in an image, to show that part which is shadow, the blindness from which one's viewpoint emerges and of which the critical image preserves the memory. The objective, uncertain, is to succed, both through the successive hybridzation of techniques and critical reflection, in the creation of composite images. Composite images, images which attest banally to a ça a été, everyday images that have rid themselves of the strategic stakes of art, free to return to a common ground, not on the grounds of artistic cliche, but rather the common ground of everday life, espace de ressemblement ; because once idle, the image comes to resemble us, to bring us together. Failure is not feared, it appears, to the contrary, to be a necessary condition to the succes of the project

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Shakhnova, Maria. "Représentation de l’oral dans l’écrit. Le cas de l’interjection dans les bandes dessinées francophones et russophones." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL143.

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Анотація:

Qu’on la considère comme faisant partie de la langue ou à la limite de celle-ci, l’interjection a toujours attiré l’attention des chercheurs. Aujourd’hui, l’étude de l’interjection relève d’un champ de disciplines vaste, et son rôle crucial dans la communication n’est plus mis en doute : l’interjection est inscrite dans le discours, et ses fonctions y sont nombreuses. Dans ce travail de thèse, nous étudions l’interjection en tant que marque d’oralité dans un texte écrit, sur l’exemple des bandes dessinées francophones et russophones, le but étant d’appliquer les conclusions traductologiques à la théorie de l’interjection. Cette analyse contrastive permet non seulement de définir les techniques de sa traduction, allant de la traduction littérale à l’adaptation ou la compensation, mais également d’enrichir sa théorie linguistique en confirmant son caractère conventionnel, sa polysémie, sa similitude avec la phrase, et son aspect fonctionnel. En complémentarité avec l’approche linguistique et traductologique, nous nous intéressons à l’étude de la plasticité de l’interjection : la visualité étant un facteur déterminant dans la construction du sens de l’interjection qui introduit les interrogations sur la poétique de l’interjection et l’élaboration du style à travers l’interjection dans la bande dessinée. Enfin, ce travail débouche sur d'intéressantes perspectives sur la comparaison de la traduction de l’interjection dans plusieurs paires de langue : cette étude de l’interjection dans un espace traductologique élargi permettant de contribuer à repenser, dans la continuité de notre travail, la définition linguistique de ce phénomène dans les langues
Whether it is considered as part of the language or on its borderline, the interjection has always attracted the scientific attention. Today, the study of interjection includes a vast field of disciplines. Its crucial role in communication is no longer in doubt: interjection is indeed inscribed in the discourse, and its functions are diverse. In this thesis work, we study interjection as one of the marks of orality in a written text, on the example of the French and Russian comics, the aim being also to apply the translatological conclusions to the interjection theory. This contrastive analysis allows not only to define various techniques of its translation, ranging from literal translation to adaptation or compensation, but also to enrich the linguistic theory of interjection by confirming its conventional character, on the one hand, its resemblance to the sentence and its functional aspect. In complementarity with the linguistic and translatological approach, we are particularly interested in the study of the plasticity of the interjection: the visuality being a determining factor in the construction of the meaning of the interjection which introduces the interrogations on the poetics of the interjection and the elaboration of the style through the interjection. Finally, this work leads to some interesting perspectives, especially on the comparison of the translation of the interjection in several language pairs: this study of the interjection in a broader traductological space allowing to contribute to reconsider, in the continuity of our work, the linguistic definition of this phenomenon in languages

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Choi, Massart Young-Ju. "Perception et expression de la couleur dans l'art pictural moderne." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010718.

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Ce travail porte sur la perception et l'expression de la couleur: y seront envisagées l'expression de la couleur par le peintre et sa perception par le spectateur, mais aussi la couleur telle qu'elle est perçue, envisagée et théorisée par le peintre, et les réactions qu'elle suscite chez le spectateur. Nous avons, pour dégager des constantes, points communs et/ou oppositions, étudié le regard porté sur la couleur par le philosophe, le physicien, l'opticien, le chimiste, le psychologue, pour ensuite envisager le point de vue croisé de l'artiste et du spectateur. La perception de la couleur d'une œuvre picturale s'effectue à partir des connaissances de l'artiste et du spectateur, de leurs émotions, leur histoire propre et de l'Histoire elle-même, au gré des progrès techniques, des modes et modèles dominants. La perception de la couleur apparaît comme un phénomène autant culturel que psychologique et physiologique. Notre perception du réel n'est pas neutre: la couleur n'est pas qu'une donnée s'imposant à nous de façon abstraite et purement physique, elle est aussi, pour le spectateur comme pour l'artiste, une construction intellectuelle et, pour ce dernier, l'expression d'un choix, le résultat d'une recherche, voire l'élaboration d'un système. La couleur nous stimule en permanence, génère de nouvelles interrogations et sensations et peut revêtir de multiples significations. D'où une approche pluridisciplinaire de la couleur, intégrant la science de la couleur, son histoire (vision objective) et sa perception (vision subjective), afin de comprendre et déterminer comment la couleur peut rendre un tableau signifiant et stimulant aux yeux du spectateur.

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Bayon, Estelle. "Vers une esthétique de l'humilité : visions du monde en présence de la terre dans les cinémas contemporains." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010694.

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Depuis une trentaine d'années, un certain cinéma se penche vers la terre et le végétal avec une intense attention, favorisée par un ascétisme de la mise en scène et de la narration qui tend le récit vers ses catalyses ordinaires. Cette sensibilité à l'égard du tellurique cherche davantage à restituer des "présences" du et au monde qu'à créer des "représentations", obligeant à une mutation des habitudes du voir qui sort la mise en scène de la nature du format paysager post-renaissant, encore largement influent sur les arts visuels malgré ses récentes remises en cause. L'influence du (géo)poétiqne et de la phénoménologie, favorisant l'affranchissement des catégories traditionnelles qui conditionnent la représentation, ouvre l'image filmique à une expérience d'habitation du monde. Car à cet abaissement vers l'herbe ou la boue se conjuguent des figures filmiques d'élévation au tout du monde, dans sa grâce comme son désastre. Alors, on parle d'une "esthétique de l 'humilité", laquelle, par-delà son sens commun de modestie, va chercher dans l'humus une élévation par abaissement, dessinant un cheminement patient que le film épouse vers une vision "écologique" du monde. Une vision non pas agitée par les problèmes environnementaux abandonnés au Sublime des films catastrophistes, mais inquiétée par un "oikos" fragilisé par l'(hyper)modernité qui nous a éloigné du monde. Roberto Rossellini, puis Andreï Tarkovski, ont ainsi ouvert cette voie cinématographique, qui tend à se mondialiser dans les œuvres de Béla Tarr, Bruno Dumont, Terrence Malick, et certains films de Naomi Kawase, Albert Serra, Jonas Mekas, Louise Bourque, Abbas Kiarostami, Agnès Varda ou Jean-Daniel Pollet.

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Souchet, Audrey. "La représentation du baiser dans les romans de Mary Shelley : pour une éthique du corps." Caen, 2013. http://www.theses.fr/2013CAEN1717.

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L’œuvre romanesque de Mary Shelley est surtout connue pour le roman qui en forme l’ouverture, Frankenstein ; or, the Modern Prometheus (1818), qui possède une force esthétique et fantasmatique indéniable. L’une des scènes marquantes de ce roman est le baiser que Victor Frankenstein donne à sa cousine et fiancée Elizabeth lors d’un cauchemar, car ce baiser tue la jeune femme pour lui donner ensuite l’apparence du cadavre de la propre mère de Victor. Le baiser amoureux ou érotique semble en fait être une figure de choix dans la construction de la personnalité littéraire en devenir qu’est alors Mary Shelley puisqu’il est présent dès les brouillons d’un manuscrit qui connut pourtant de nombreuses manipulations jusqu’à sa publication. Le projet de cette thèse consiste à étendre cette hypothèse esthétique pour la faire rayonner vers les six autres romans, encore aujourd’hui peu connus, que Mary Shelley produisit pendant une vingtaine d’années : la figure du baiser se présentera, alors, comme une métaphore du parcours de la femme écrivain. Que nous dira la représentation d’une figure qui appartient à la fois au domaine de l’esthétique et de l’érotisme au sujet des relations que l’écrivain féminin entretient avec les catégories de pensée de son temps ? En mettant au jour l’idée que l’esthétique et l’érotisme tels qu’ils sont conçues par la société moderne ne sont plus des modes de pensée productifs mais, surtout, en proposant de réinvestir le sens du baiser à travers une éthique du souci du corps de l’autre, c’est la pensée littéraire d’un auteur, une œuvre romanesque, une anthropologie, mais aussi la finalité de la littérature qui seront redécouverts
Mary Shelley’s work as a novelist is best known for her first novel, Frankenstein; or, the Modern Prometheus (1818). This novel shows strong, graphic scenes which have had a deep impact on modern society’s imagination. One of the most striking scenes in Frankenstein is the moment when Victor gives a kiss to his cousin, who is also his fiancée, while having a nightmare, because this kiss kills Elizabeth and turns her into the corpse of Victor’s dead mother. It seems that the erotic kiss as a literary motif played a decisive role in the making of Mary Shelley as a novelist because it appears in the first drafts of Frankenstein, whose content, as we know, was heavily modified until the novel was published. The project underlying this study consists in displacing this aesthetic hypothesis and applying it to the other six novels which Mary Shelley wrote and which have been almost completely eclipsed by Frankenstein: the kiss as a literary motif will then be considered as a metaphor for the making of the woman writer. If the literary kiss can be considered as a motif belonging to the philosophical categories of aesthetics and eroticism, what can the kiss as it appears in the work of a female writer indicate about this writer’s relation to the conceptual categories of her time? As Mary Shelley’s novels suggest that aesthetics and eroticism as they are conceived by modern society are no longer productive, and as they reinvest the meaning of the literary kiss with an ethic of caring for the body of the other, bringing these novels together will help rediscover a writer’s vision of literature, her vision of Man, and most of all our own vision of what literature is about

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Ney, Hugues-Olivier. "Techné et Mimésis dans le livre II de la "République" de Platon." Aix-Marseille 1, 2002. http://www.theses.fr/2002AIX10007.

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Halimi, Carole. "Le tableau vivant de Diderot à Artaud, et son esthétique dans les arts visuels contemporains (XXe-XXIe siècles)." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010655.

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Le tableau vivant, qui est à l'origine une pratique théâtrale articulée à la représentation picturale et artistique en général, est ici abordé comme un médium de l'image, au sens où l'entend Hans Belting, à savoir une modalité de captation des images. Le corps, singulier ou collectif, est conduit, dans la pratique du tableau vivant à « faire tableau », en regard d'une référence iconique, textuelle, mémorielle. Le vivant se modélise sur ce qu'Alain Roger a nommé des « schèmes artialisants », qui revêtent la plupart du temps, l'aspect de références culturelles connues. L'objet de cette thèse est à la fois de retracer l'histoire du tableau vivant en tant que pratique depuis le milieu du XVIIIe siècle, pour en examiner l'usage dans les arts visuels contemporains, plus particulièrement à partir des années 1980, où il apparaît que le tableau vivant opère un retour, légitimé surtout par sa nature de simulacre. Trois approches nous paraissent en effet déterminantes dans la nature de cette forme: son caractère de représentation, en relation avec le regard et la complicité d'un spectateur; sa nature de simulacre, qui entraîne le corps humain sur le terrain d'une déréalisation ; et enfin le jeu établi avec la frontière du tableau. L'étude de ces différents aspects nous a conduit à concevoir le tableau vivant comme une forme située sur un espace frontalier, entre le réel et l'illusion. Les usages du tableau vivant, servent par conséquent souvent à produire de l'hétéroclite, de l'hybridité, à rendre l'œuvre d'art à sa qualité de créature, de simulacre, c'est-à-dire d'image vivante.

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Martin-Lavaud, Virginie. "Présence et fonctions du monstre dans la vie psychique des enfants." Paris 13, 2005. http://www.theses.fr/2005PA131010.

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Cette recherche porte sur la présence et les fonctions du monstre dans la vie psychique d'enfants de 6 à 11 ans engagés dans un travail psychothérapique. Elle situe d'abord le monstre dans une dimension historique et esthétique et interroge ensuite le statut de sa représentation. Sont traitées les questions relatives à la régression formelle propre à la vie onirique ainsi que les modes de constructions esthétiques du monstre par métamorphose, déformation et collage-assemblage. Dans la seconde partie sont examinés, à partir de situations cliniques, trois modes d'introduction du monstre dans le discours des enfants : voir un monstre, être monstre, devenir monstre. Dans la troisième partie sont développées quatre fonctions du monstre : la fonction apocalyptique qui porte sur la vérité subjective inconsciente, la fonction phallique qui engage la sexuation, la fonction topographique édificatrice de limites, enfin la fonction esthétique qui met en forme le menaçant et l'inconnu
This research relates to the presence and the functions of the monster in the psychic life of children from 6 to 11 years old, who engaged in a psychotherapy work. At first, it locates the monster in a historical and aesthetic dimension and examines after the statute of its representation. The questions treated concern the formal regression characteristic of dreams and the aesthetic methods of constructions of the monster by metamorphosis, deformation and “assemblage-collage”. In the second part are examined, starting from clinical situations, three introduction modes of the monster into the speech of the children : see monster, to be monster and to become monster. In the third part, four functions of the monster are developed : the apocalyptic function which relates to the unconscious's subjective truth, the phallic function which engages the sexuation, the topographic function who's builds limits, and the aesthetic function which organises the threatening and unknown

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Barbéris, Isabelle. "Copi : le texte et la scène : mimèsis parodique, mise en scène de soi et subversion identitaire dans les années parisiennes (1962-1987)." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100050.

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Chaque pièce de Copi se présente comme un coup de dés. Son oeuvre dramatique ressemble à un kaléidoscope d'influences contradictoires, de sensibilités hétérogènes et d'étincelles de traditions diverses. Copi a voyagé à l'intérieur du champ du théâtre en pratiquant tous les gestes, en s'essayant à toutes les postures : ses différents Moi ont joué avec les différents Moi du théâtre. La dramaturgie copienne théâtralise de manière ironique la relation conflictuelle de l'étranger face au public, du dominé face au dominant, mais aussi du créateur face à ses chimères. Le théâtre extériorise, de manière chaotique et débordante, le conflit interne au geste créateur, exprime la division existentielle du faux inclus. Le champ de forces du théâtre permit à Copi de conduire des gestes symétriques de dissémination et de rassemblement. Sa manipulation des moyens du théâtre rend palpable la jubilation de l'artiste à faire et à défaire, à apparaître et à disparaître, à déballer et à remballer ses fantasmes. La scène et ses moyens frustes offrent un terrain de jeu dans lequel l'homosexuel argentin peut rassembler les signes épars d'une identité en exil, et la problématiser sous les yeux d'un public représentatif de la norme dominante. Oscillant entre la stigmatisation identitaire et l'effacement derrière l' « empire des signes », le théâtre de Copi pousse à bout le paradoxe de la sincérité de l'acteur en se présentant comme une décharge distanciée. La démarche de l'acteur en quête de stabilisation de l'image de soi consiste alors à s'opposer au public tout en s'offrant inconditionnellement à lui. La théâtralisation du malentendu, de la non-communication cherche une réponse sur scène, montrant par-là la nature transitionnelle de cette pratique en ordre dispersé. Dans cette approche du théâtre réfractaire à tout achèvement des formes et au-delà, à tout achèvement de la relation théâtrale elle-même, sortir du temps de la représentation et du temps du paraître équivaut à mourir, comme s'il n'y avait aucun au-delà à la mise en scène de soi. La manipulation des signes du théâtre, parce qu'elle est aussi manipulation de soi, prend l'artiste au piège du jeu avec les signes et les images. Derrière le jeu de masques et les oripeaux du travesti, derrière le recyclage subversif des signes, la pratique théâtrale de Copi est une manière d'éprouver, sur scène, son étrangeté à soi-même. Page blanche à remplir, espace à habiter, la scène est un lieu où le sujet exilé tente, par la manipulation des bribes de soi, de transformer les traces d'un monde perdu en instantanés et en présence scéniques.

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Yang, Chorong. "Graffiti et Street art : étude des discours historiographiques et de la critique esthétique d'une forme sociale de modernité visuelle." Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENH016/document.

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De nombreuses œuvres plastiques sont nées d'une réflexion théorique et pratique influencée par les questions politiques et sociales. Hormis des différences dans les procédés utilisés, elles sont fédérées par un esprit de rébellion et de contestation. A travers l'examen des rapports entre l'art et la culture populaire, le street art et les phénomènes socio-critiques dans la société de consommation, notre sujet est organisé sur trois axes en quatre parties. Notre intention première va montrer que les artistes modernes ont découvert la valeur artistique des graffitis et de certaines expressions anonymes inscrites sur les murs avec un caractère intellectuel. Ensuite, nous explorerons le sujet dans la perspective de la culture populaire, du regard critique sur l'époque, et de certains critères plastiques qui ont eu de l'influence sur les street artistes en France. Enfin, dans les troisième et quatrième parties, nous étudierons les querelles posées quant à la fonction sociale de l'œuvre d'art, le rôle de l'artiste, le problème éthique de l'artiste, et la valeur artistique véritable dans la culture industrielle et l'art commercial, en déroulant le panorama des activités des street artistes. C'est sur le fondement de cette hypothèse que nous nous sommes posé la question des contenus sociaux/critiques de ce street art et de ses rapports avec la sphère socio-critique qui, lui, est une représentation de l'ère contemporaine. Quant aux deux axes de « la valeur artistique » et de « l'acte rebelle », traitant de la modernité propre à l'art contemporain et des rapports qu'elle entretient avec la vision critique, ceux-ci fondent le mouvement street art, le caractère rebelle ou activiste de cet art et son approche critique du monde de l'art ou de notre société étant indispensables à sa survie en tant que tel. Les méthodologies visent à analyser et à critiquer l'influence politique et sociale de l'image de telle sorte qu'elles permettent de réfléchir sur le champ pratique et théorique de notre étude
Many plastic works were born from a theory and practice influenced by political and social issues. Apart from differences in the methods used, they are united by a spirit of rebellion and contestation. We examined the relationship between art and popular culture, street art and socio-critical phenomenon of this period. Our hypothesis is that this relationship can be defined by the concept of street art, understood as an artistic practice whose connotations are both aesthetic and social a critique and order. It is on the basis of this hypothesis that we questioned the social content / critique of street art and its relationship with the socio-critical sphere which is a representation of the contemporary era. Our first intention was to show, through the graffiti testimony that the modern artists discovered the artistic value of graffiti and some anonymous registrant walls with intellectual expression. Then, this part concerns the prospect of popular culture, critical look at the age and plastics criteria that have had an influence on the street artists in France. Finally, the third and fourth parts deepen the street art movement that became the graffiti art in the history of contemporary art. We study the quarrels offered by the social function of works of art, the ethical problem of the artist's work social function, role, and real artistic value in the industrial culture and commercial art, unrolling a panorama of street artists activities. The two axes of “the artistic value” and “rebellious act”, dealing with contemporary art and its relationship with its critical vision of modernity, those are the foundation of the street art movement, which activist and rebel practice, as an art, and a critical approach towards the art world or our society are essential to its survival as it is. This subject will therefore give us the opportunity to question the true art in our society, a consumer society. Any image that is concerned with the meaning of the pictorial discourse is contentious and feeds on cultural and political antagonisms

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Blanc-Benon, Laure. "La question du réalisme en peinture : les approches contemporaines à l'épreuve de l'histoire de l'art." Nancy 2, 2004. http://www.theses.fr/2004NAN21012.

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La querelle entre Ernst H. Gombrich et Nelson Goodman porte sur la question du conventionnalisme pictural. Elle semble opposer une conception psychologique et une conception sémiologique de la représentation. Elle s'est poursuivie dans le cadre de la philosophie analytique de l'art et de l'esthétique analytique. Partant de l'histoire de la question de la mimèsis, nous examinons les principaux arguments de cette querelle et nous proposons une théorie de la représentation picturale inspirée de Dominic Lopes. Cette théorie permet de dépasser l'alternative entre sémiologie et psychologie, et de défendre une forme élaborée de réalisme pictural, qui renouvelle la notion problématique de ressemblance. Cette approche permet aussi d'expliquer la perception propre aux images picturales, qu'elles soient abstraites ou figuratives, ou qu'elles se situent par-delà cette distinction, comme les toiles de Nicolas de Staël ou Francis Bacon
The debate between Ernst H. Gombrich and Nelson Goodman focuses on the question of pictorial conventionalism. It seems to contrast a psychological with a semiological account of representation, and has been developed further within the context of the analytical philosophy of art and analytical æsthetics. Starting from the history of the mimesis concept, we study the main arguments of this debate and suggest a theory of pictorial representation inspired by Dominic Lopes. This theory is a way of getting over the alternative between semiology and psychology, and to support an elaborated form of pictorial realism, which throws new light on the problematical notion of resemblance. Through this approach, it becomes possible to account for the specific perception of pictorial images, whether they are abstract, figurative, or lie beyond this distinction, like the paintings of Nicolas de Staël or Francis Bacon

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Gaudin-Bordes, Lucile. "Du figural et du représentatif : approche rhétorique et intersémiotique dans la littérature du XVIIème siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040130.

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Au XVIIème siècle, peinture et littérature sont mimétiques à double titre : d'abord parce que, dans la tradition aristotélicienne, elles se définissent toutes deux comme des arts d'imitation ; ensuite parce qu'elles se prennent mutuellement pour modèle. C'est dans cette perspective que l'on comprend généralement la célèbre formule d'Horace : ut pictura poesis. Notre but est de montrer que l'on peut faire différentes lectures de cette formule, qui correspondent à différentes conceptions de la représentation. En effet, si l'on pense la représentation comme une praxis particulière, caractérisée par certains traits sémantiques, syntaxiques et rhétoriques communs aux deux sémioses verbale et picturale, l'ut pictura poesis définit une zone d'interférence, ou d'intersection entre les deux systèmes. Afin de cerner au plus près cette zone d'échange entre les deux systèmes, notre approche est largement lexicologique : étude de notices de dictionnaires du XVIIème siècle, exploitation de la base de données Frantext. Nous sommes partis du concept de « figure », et de son fonctionnement dans Le Songe de Vaux de Jean de la Fontaine, puis nous avons travaillé sur les mots qui désignent le processus représentatif ou son résultat : les verbes « dépeindre », «décrire », « peindre », « représenter », ainsi que les substantifs qui leur sont associés. Ce travail sur les termes montre que le mode de fonctionnement de l'ut pictura poesis n'est pas seulement mimétique, mais pragmatique, orienté vers l'effet à réception. Les relations entre les sémioses ne sont pas cependant symétriques. La littérature utilise l'isotopie picturale comme comparant, et sans l'actualiser ; il s'agit moins d'en faire un modèle que le prétexte à une réflexion sur la représentation verbale elle-même. La peinture, d'abord prisonnière des modèles rhétoriques issus de l'art verbal, prend progressivement son autonomie, comme le montre l'évolution des références verbales entre Félibien et de Piles.

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Godard, Anne. "La Renaissance dialogique : imitation et dialogisme dans les dialogues de la Renaissance." Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0042.

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Belkahla, Ilhem. "La représentation des marges sociales dans l’œuvre de Rétif de La Bretonne." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL180.

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La présente thèse invite à prendre la pleine mesure de tout ce que doit l’œuvre de Rétif de La Bretonne au motif de la prostitution, une composante essentielle des marges sociales au XVIIIe siècle. Afin d’illustrer les différentes représentations de la prostituée chez Rétif et de saisir son attachement direct au sujet, il sera question d’analyser les ouvrages où celle-ci est mise au devant de la scène, et où les obsessions personnelles et intimes de l’auteur avec elles révèlent au mieux ses tendances et ses objectifs. Dans notre propos, la marginalité sert de fil conducteur et souligne la cohérence de l'ensemble du corpus, en témoignant de sa productivité à différents niveaux : place de l'auteur ; personnel romanesque et espace ; usage de la langue et remise en cause des formes romanesques et des canons littéraires. Ainsi la visée de notre recherche n’est pas seulement esthétique, elle mobilise aussi des outils littéraires et historiques
The present thesis aims to study with full measure all that the work of Rétif de La Bretonne owes to the motive of prostitution. It is an essential component of social margins in the eighteenth century. In order to illustrate the different representations of the prostitute in Rétif and to grasp her direct attachment to the subject, it will be a question of analyzing the works where this one is put in the front of the stage, and where the personal and intimate obsessions of the author with them best reveal his tendencies and goals. ,we consider that the marginality serves as a guideline and underlines the coherence of the whole corpus by indicating its productivity at different levels: place of the author; romantic staff and space; use of language and inquesting the novelistic forms and the literary canons. Therefore, the aim of our research is not only aesthetic, it also mobilizes literary and historical tools

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Imbert, Anne-Laure. "Terres de Sienne, problèmes de représentation de la nature et du paysage dans la peinture siennoise (1270-1480)." Dijon, 2003. http://www.theses.fr/2003DIJOL025.

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Lee, Kyoung-Yul. "L'imagerie photographique floue et la représentation mnémonique (autour des oeuvres photographiques chez Christian Boltanski, Gerhard Richter et Andy Warhol)." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010551.

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Dans l'art contemporain, l'image photographique floue se comprend par la représentation visuelle des souvenirs vagues qui disparaissent dans l'espace du temps, c'est-à-dire la réminiscence où l'image-souvenir floue qui se présente alors comme indice mnémonique de l'amnésie collective. L'illusion mnémonique sur laquelle se basent les oeuvres photographiques comme le cas du jeu de texte-image chez Boltanski, éveille notre croyance aveugle attachée toujours à la connexion logique, scientifique et mathématique qui absorbe confusement tous les souvenirs vrais ou faux. L'interférence mnémonique est une des causes principales de l'amnésie collective au sein de la société d'information. Notre mémoire historique est intrinsèquement destinée à la disparition comme si les souvenirs d'enfance disparaissaient en laissant un sentiment de nostalgie chez chacun de nous. Les effets de flou servent aussi à representer une mémoire historique à la fois refoulée dans l'inconscience collective et falsifiée ou censurée par un pouvoir. Pourtant leurs messages artistiques ne sont ni commémoratifs ni impératifs, mais plutôt une réflexion mnémonique. Le manque de souvenirs au sens positif peut être un atout qui nous permet de reconstruire ou restaurer une nouvelle image de notre société dans l'assomption du passé à laquelle s'attache l'image photographique floue utilisée dans la représentation mnémonique chez les artistes.

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Nativel, Valerie. "La représentation de l’intimité dans le travail de Patrice Chéreau 1982-2010." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030140.

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L’intime est un défi lancé à la représentation : comment montrer ce qui est par essence caché, ce qui échappe à l’espace public pour se loger dans le privé, entre les murs des foyers, ou dans le for intérieur ? A ce questionnement esthétique – que peut la représentation face au paradoxe de l’intime ? – s’ajoute un enjeu éthique : qu’a-t-on le droit de montrer de cette sphère régie par le secret et la pudeur ? Notre recherche se propose comme objet l’oeuvre du metteur en scène et cinéaste Patrice Chéreau. A la scène comme à l’écran, les corps y sont exposés jusqu’à l’excès, suscitant chez le spectateur malaise et fascination. Deux postures s’y dessinent : intrus ou voyeur, le spectateur est appelé à réfléchir son activité. Au théâtre, c’est l’articulation d’un dispositif scénique épuré et d’un jeu d’acteur puissamment charnel qui place le spectateur dans une proximité physique dérangeante à un corps débordant. Au cinéma, c’est en donnant à voir une nudité suintante, loin des standards lisses des images photoshoppées, que le cinéaste en appelle à une pulsion scopique qui met en branle une fonctionnalité haptique du regard. Ainsi, la représentation de l’intime suscite un besoin d’outrepasser la vision pour palper le visible. Or c’est précisément par le relais du directeur d’acteur que ceci est rendu possible. Ce que nous regardons, en dernière instance, est la relation qui unit Patrice Chéreau à ses comédiens, relation au sein de laquelle se joue une érotique de l’acteur, mais aussi une éthique de l’intime, entendue comme le moyen de dépasser obscénité, exhibitionnisme ou pornographie qui caractériseraient la représentation de l’intimité
Privacy is a challenge launched to representation: how do we show what is hidden in essence, that which escapes the public sphere to find place in the private realm, between the walls of homes, or in conscience? In this aesthetic questioning - what can the representation accomplish in front of the paradox of privacy ? – here, an ethical stake is added: what can we show of this sphere governed by the secret and the decent ? The basis of our research is the work of the director and film-maker Patrice Chéreau. Both on stage as well as on screen, bodies are given to be seen until excess, creating embarrassment and fascination in the audience. Two postures take shape here: intruder or Peeping Tom. The spectator is called to reflect his activity. To the theater, it is the link between an uncluttered scenic device and a powerfully carnal act, that places the spectator in disturbing physical proximity to an overflowing body. In the cinema, by exposing the audience to a secreting nudity, far from the standards of images produced by Photoshop, the film-maker calls forth a magnified drive which creates a haptic feature of the glance. So, the representation of privacy arouses a need to exceed the vision in order to feel the visible. This is made possible via the director. In the final analysis, we look at the relationship between Patrice Chéreau and his actors, the relationship where not only the actor’s erotic, but also the ethics of privacy, take shape, both considered as the means to overtake obscenity, exhibitionism or pornography, characterizing the representation of intimacy

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Moussaron, Jean-Pierre. "A défaut - la littérature : (Baudelaire, Flaubert, Proust, Deguy)." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA08A001.

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Parmi de nombreuses publications (articles et livres) concernant toutes le problème de la représentation artistique, on a choisi de centrer la réflexion sur la littérature, en prenant pour textes tuteurs le spleen de paris de Baudelaire, l'éducation sentimentale et Bouvard et Pécuchet de Flaubert, du coté de chez Swan de Proust, et l'oeuvre poétique et théorique de M. Deguy, selon la perspective polysémique du défaut. Où l'on s'efforce de montrer que, devant la non-coi͏̈ncidence du langage et du réel, le véritable écrivain écrit son oeuvre selon la motion d'un désir qui ne tient que par le défaut du réel qu'il vise, en opérant dans la langue la représentation (ou mimesis) du dit réel comme une transaction avec ce défaut. Par quoi, il apparaît que la littérature (roman et poésie), n'ayant lieu qu'au défaut de jonction entre les mots et les choses, se produit aussi comme représentation de ce défaut, tout en étant mise en défaut par la subversion de la représentation inhérente a celle-ci. Enfin, l'écrivain oeuvre a cette tache avec ce qui lui fait défaut : la maîtrise de la langue qu'il maneuvre tout en étant maneuvré par elle. Des lors, face à cet ensemble de défauts, la véritable condition de la littérature, qui doit parler de cela sauf a se condamner a ne rien dire, se révèle etre la fragilité. Pour assumer cela, tout en préservant son "minimum spécifique" que demeure, si subvertie soit-elle, la représentation en langue, la littérature peut aller jusqu'au rien comme perte de sens et mesure du néant. Mais elle doit, aussi, reposer la question du bonheur, selon la recherche poétique du semblable, comme un vivre-ensemble plus fraternel des humains, en actualisant la conception stendhalienne de la beauté "comme promesse de bonheur".

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Benech, Bernard. "Le théâtre et la voix des origines : quête et retours d'une parole proférée dans les pratiques de la représentation au XXe siècle." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA080918.

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L'etude porte sur la fonction de la voix dansles differents modes de representation (tragedie, bouffonnerie, marionnettes et conte), et plus particulierement sur les pratiques afferentes aux effets proprement sonores du langage. La preoccupation n'est donc pas ici etrangere aux domaines de la poesie qui, proferee, temoigne d'un retour aux forces vivantes du verbe et de la parole. La demarche a consiste a mettre en evidence une evolution significative de la quete artistique propre au domaine vocal. Sont ainsi presentees, entres autres, vis a vis de traditions significatives, certaines conceptions poetiques (symbolisme, expressionnisme, futurisme), le traitement du verbe par barrault, claudel et le cartel, ainsi que la remise en corps des voix, sous l'impulsion d'artaud, par les tentatives originales de grotowski, du living, de kantor, de brook et de robert wilson, une place a egalement ete accordee aux plus recentes creations. La visee essentielle de cette recherche est de susciter, par une mise en regard d'experiences variees, une reflexion sur l'usage des voix dans les arts de la representation au xxe siecle
The study concerns the function of the voice in the different kinds of representations (tragedy, buffonnery, puppets and tale), and particularly upon the pratices bounded to sonority of language. The preoccupation is not far from poetry which, uttered, shows a return to the living forces of verb and speech. The process intends to clarify the evolution of the artistic quest proper to vocal training. So are presented, among other exemples, in regard to some significant traditions, some poetic conceptions (symbolism, expressionism, futurism), the verbal work effected by barrault, claudel and the cartel, and the embodiment of voices, under artaud's impulse, by the originals attempts and creations of grotowski, kantor, brook, wilson and of the living theater. The recent creations also are not avoided. The essential intention of the research, by confronting various experiments, was to call a reflexion on the use of voices in the performances of the xxth century

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Robin, Diane. "Paradoxes de la mimésis : Conceptions et représentations du laid dans les textes et les images français et italiens au seuil de la modernité." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040218.

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La thèse analyse les conceptions pré-modernes du laid en confrontant les traités philosophiques, rhétoriques, poétiques et artistiques italiens et français de la Renaissance à la première moitié du dix-septième siècle. En tant que difformité physique, le laid est considéré comme une transgression des normes du corps : il met en question la conception de la mimésis comme imitation idéalisante et permet de repenser la nature de la représentation. Le laid est en outre conçu comme le signe du vice : l’étude cherche à reconstituer le paradigme physiognomonique qui sous-tend cette interprétation traditionnelle du corps et s’interroge sur ses limites en examinant le paradoxe de la laideur de Socrate. Les interprétations morales de la difformité mettent en jeu différentes fonctions sémiotiques de la représentation. Dans la topique héritée de la scolastique, la mimésis du laid vise à stigmatiser les défauts moraux, comme le montrent les allégories des vices et les satires ; de son côté, la difformité paradoxale donne lieu à une herméneutique du texte et de l’image. Enfin, le laid tient à son effet sur le destinataire. Si le laid est traditionnellement appréhendé comme un objet repoussant, sa représentation vise à susciter l’effet inverse, selon les poétiques et les traités d’art inspirés d’Aristote. L’analyse de ce plaisir paradoxal met en lumière les qualités cognitives et esthétiques de la mimésis. Au seuil de la modernité, la question du laid est à la croisée des problématiques morales héritées de l’Antiquité, et des réflexions esthétiques qui se développeront pleinement du dix-huitième siècle à nos jours, notamment dans les théories de la fiction
Through cross-analysis of French and Italian philosophical, rhetorical, poetic, and artistic treatises from the Renaissance to the first half of the seventeenth century, this study seeks to understand what the early modern period conceived of the ugly. In terms of physical deformity, the ugly is considered as a transgression of the norms of the body: it questions the concept of mimesis as an idealised imitation and allows a reconsideration of the nature of representation. Furthermore, the ugly is seen as the sign of vice: this study looks to reconstruct the physiognomical paradigm which underlies this traditional interpretation of the body and to question its limits through examining Socrates’ paradoxical ugliness. Moral interpretations of deformity bring different semiotic functions of representation into play. In the topic inherited from scholasticism, mimesis of the ugly aims to stigmatise moral defects, as they are represented in allegories about vice and satire. Paradoxical deformity, for its part, gives rise to hermeneutics of text and image. Finally, the ugly is concerned with its effect on its recipient. If the ugly is traditionally understood as a repellent object, its representation aims to arouse the inverse effect, according to the poetics and treatises on art inspired by Aristotle. Analysis of this paradoxical pleasure highlights the aesthetic and cognitive qualities of mimesis. At the brink of modernity, the question of the ugly is at the crossroads of moral issues that stem from the Antiquity, and of aesthetic reflections which develop more fully from the eighteenth century to the present day, notably in theories on fiction

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Canet, Géraldine. "L’émotion esthétique aux frontières du lien : accordages, perceptions et représentations des limites dans le groupe art-thérapeutique à médiation plastique, en psychiatrie." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCB012/document.

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Notre thèse se propose de définir l’action de l’émotion esthétique dans le processus art-thérapeutique à médiation plastique, auprès de sujets souffrant de troubles psychotiques ou de problématiques de limites. Nous l’observons dans sa relation à la perception des limites psycho-corporelles, dans un contexte de prise en charge en groupe en institution hospitalière. Notre étude relate ainsi une spécificité de la situation d’artiste dans le lien art-thérapeutique, qui inclut sa sensibilité esthétique, en miroir aux questionnements esthétiques du sujet créant. Notre hypothèse générale est que l’émotion esthétique est reliée aux processus d’accordage (Stern, 1989) entre l’art-thérapeute et les sujets du groupe art-thérapeutique, et qu’elle signifie la mise en mouvement des perceptions et représentations de contenance et de limites chez ces sujets. La recherche s’est déroulée en deux étapes, auprès de quatre groupes de sujets adolescents et deux groupes de sujets adultes. Une première phase a permis de recueillir des résultats préalables à notre recherche principale qui s’est déroulée auprès de trois groupes, et où nous avons animé les ateliers d’art-thérapie en présence d’une observatrice et d’une soignante. Le recueil de données a comporté deux objectifs : comprendre le rôle de l’émotion esthétique dans les mouvements transférentiels au sein du groupe et les effets thérapeutiques de ces processus, en relation aux processus créatifs et aux représentations formelles dans les œuvres (grilles d’observation, auto-questionnaires, notes cliniques) ; et enrichir l’objectivation de l’effet thérapeutique de cette démarche, avec des tests avant/après (tests projectifs pour les six groupes, et, pour l’un d’entre eux, tests de perception esthétique avec eye-tracking, dont nous présentons les premiers résultats en développement). Il est apparu notamment un négatif d’éprouvés entre l’art-thérapeute (étrangeté dans l’émotion esthétique) et les sujets (bien-être dans l’émotion esthétique, souvent en rapport au geste), ainsi qu’un lien potentiel entre ce négatif et l’apparition de frontières ou de contenants dans les œuvres, aux moments forts des séances. Nous avons développé particulièrement cet aspect dans notre thèse, en prenant en compte la dimension pulsionnelle en lien à notre approche de l’émotion esthétique, à la rencontre entre pulsion scopique, regard esthétique et regard en miroir
Our thesis aims to define the influence of aesthetic emotion in the process of visual art therapy, on subjects suffering from psychotic disorders or boundary issues. We shall observe the way it relates to psycho-corporal boundaries, in a context where leadership of a group is assumed in hospital institution. Our study thereby details a peculiarity specific to the situation of the artist in art-therapeutic relationship, which involves his or her aesthetic sensibility, creating a mirror-effect with the aesthetic questions of the subject expressing their creativity. Our overall hypothesis is that of a link between aesthetic emotion and the bonding process (Stern, 1989) between the art-therapist and the subjects within the art-therapy group, and that this triggers perceptions and representations of boundaries among these subjects. The research took place in two stages, on four groups of adolescent subjects and two groups of adult subjects. The first phase enabled the collection of results produced prior to our initial research which focused on three groups, and during which we held art-therapy sessions in the presence of an observer and a carer. Data was collected for two goals : to understand the role of aesthetic emotion in transferential movements within the group and the therapeutic effects of these processes, in relation to the creative processes and on the formal representations in the artistic work (observation sheets, self-administered questionnaires, clinical notes) ; and to enrich the objectification of the therapeutic effect of this approach, with tests before/after (projective tests for the six groups, and, for one of them, aesthetic perception tests with eye-tracking, the first results of which are presented under development). An element of mirroring became apparent between the art-therapist (a strangeness in the aesthetic emotion) and the subjects (well-being in the aesthetic emotion, often in relation to gestures), as well as a potential connection between this mirroring and the appearance of boundaries within artistic works, at pivotal moments during sessions. We have paid special attention to this aspect in our thesis, by considering drive aspect in accordance with our examination of aesthetic emotion, at the meeting point between the scopic drive, the aesthetic gaze and its mirror effect

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Tuaillon, David. "Les War Plays d'Edward Bond et leur mise en scène par Alain Françon : invention d'une nouvelle perspective dramaturgique et découverte d'un espace de représentation." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30047.

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La trilogie des War Plays (1983-1985) constitue l’œuvre théâtrale majeure d’Edward Bond et marque un tournant dans son écriture ainsi qu’un renouvellement significatif du théâtre épique. Elle traite de l’éventualité d’une guerre nucléaire sous un angle politique et social. Sa mise en scène en France par Alain Françon sous le titre Pièces de guerre (1994-95) fut une étape fondatrice dans la carrière de celui-ci et une date marquante pour le théâtre français contemporain. Le présent travail étudie ces deux œuvres de façon autonome. La première partie est consacrée à l’écriture des War Plays. Après un état des lieux historique de la menace d’une guerre nucléaire au milieu des années 1980, suivi d’un portrait de l’auteur et d’un descriptif de la forme et de la place de son œuvre à l’époque, chacune des trois pièces, Red Black and Ignorant, The Tin Can People et Great Peace est examinée dans les circonstances qui ont amené son écriture, dans ses sources, dans sa composition tant thématique, que narrative discursive ou stylistique, avec une attention particulière au fonctionnement des systèmes de signes dans la perspective de leur propos. La seconde partie est consacrée à la création de Pièces de guerre par Alain Françon. Après un portrait du metteur en scène et de ses collaborateurs, suivi d’une étude de sa mise en scène antérieure de La Compagnie des hommes, elle décrit tous les aspects de la création du cycle pour rendre compte du projet et de la signification de ce spectacle : production, distribution, dramaturgie, traduction, esthétique (décor, costume, lumière, son), répétition, circonstances des représentations, réception publique et critique. Un accent particulier est placé sur le dialogue entre l’auteur et le metteur en scène
The War Plays trilogy (1983-1985) is Edward Bond’s major dramatic work and a turning point in his writing as well as a significant advance in epic theatre. It deals with the possibility of nuclear war in both a political and a social key. Its French production by Alain Françon as Pièces de guerre (1994-95) was a founding work in his career and a stand out in French contemporary theatre. The present study deals with theses two works autonomously. Part one is about writing The War Plays. After an historical look out of the nuclear holocaust menace in the mid-80s, a description of the author, his work and its place in its time, each play, Red Black and Ignorant, The Tin Can People and Great Peace is examined with the circumstances of its writing, its founds, its thematic, narrative, discursive, stylistic composition, with an emphasis on their semantic system as part of their meaning prospects. Part Two is about producing Pièces de guerre. After a description of the director and its artistic contributors, followed by a study of his previous staging of In the Company of Men, it gives an account of the intentions and meaning of this production by describing every aspect it: organisation, cast, dramaturgical study, translation, aesthetics (set, costume, lights, sounds), rehearsals, circumstances of the performances. A specific emphasis is made on the dialogue between the author and the director

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Дисертації з теми "Représentation (esthétique) – Dans la danse"

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