Добірка наукової літератури з теми "Réceptions – Dans l'art"
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Статті в журналах з теми "Réceptions – Dans l'art":
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Molinié, Georges. "Coda : Topique et littérarité." Lectures 36, no. 1 (March 15, 2006): 151–56. http://dx.doi.org/10.7202/036175ar.
Анотація:
En réintégrant toute oeuvre littéraire dans son ancrage doxal, on peut mettre en valeur l'homologie entre dispositifs topiques et architectures stylématiques, afin de repérer comment se constitue la réception d'une oeuvre comme littéraire. Loin de ne chercher la littérarité que dans les considérations stylistiques internes aux oeuvres, il s'agit de ressaisir la dimension sociale de la réception des oeuvres et de la topicité nécessaire de l'art du langage.
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Moisan, Clément. ""L'art poétique à l'usage du Petit Séminaire de Québec"." Études littéraires 22, no. 3 (April 12, 2005): 77–85. http://dx.doi.org/10.7202/500914ar.
Анотація:
Y-a-t-il un « art poétique » surréaliste ? Si l'on en croit André Breton, non : lui se situe résolument du côté du « Manifeste », où l'art poétique se voit dénié sur ses deux versants - celui de l'artefact (techniques rhétoriques) et celui du poétique, engagé dans une « littérature » marquée ici du sceau de l'infamie. Le rationalisme éclate sous la pression d'une « raison élargie ». Simultanément, l'esprit du manifeste fait triompher les voies du désir : le « il y aura une fois » de « l'imagination ». D'où une téléologie de l'art, orienté vers sa « prophétie », et une épistémologie de sa réception, fondée sur l'éros. Ce qui suppose de ne pas glisser aux « techniques » qui mènent aux poncifs : d'où la Terreur.
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Michaud, Yves. "Redimensionner l’esthétique – et revisiter la philosophie de l’art." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 10, no. 1 (2005): 99–109. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2005.1379.
Анотація:
L'esthétique, en tant que discipline établie, traite des oeuvres d''art, de leur statut et propriétés, de leur réception et des évaluations dont elles font l'objet. En ce sens, son programme est limité, notamment en ce qu'il laisse de côté les questions de production, poétique ou poïétique, qui ont constitué pendant longtemps une part importante de la réflexion sur l'art. Les questions générales d'ontologie, de réception et d''évaluation ont fait l'objet d'investigations approfondies qui sont tributaires de l'idée d'œuvre d''art et ne semblent pas pouvoir être poussées beaucoup plus loin. Il faut surtout remarquer que les conditions dans lesquelles l'esthétique s'est développée sont désormais caduques. L'hyper-muséalisation en relation avec le développement du tourisme, l'industrialisation de la production artistique aussi bien d'élite que courante, la globalisation et la circulation des produits artistiques, l'esthétisation générale de la vie, obligent à revoir la problématique. Il faut d'abord partir des productions de masse en prenant en compte des expériences comme celles du cinéma, du jeu vidéo, de la musique techno, de la bande dessinée, etc. Il faut ensuite développer l'étude de l'expérience esthétique, souvent considérée comme une évidence sans jamais être décrite dans sa diversité à la fois anthropologique et verbale. C'est là redimensionner l'esthétique. Il faut probablement aussi revenir à certains thèmes de la philosophie de l'art, notamment à la dimension du faire artistique – à la poïétique – et à la question inéliminable de la beauté.
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Macours, G. "Het Testament Van Jan Frans Vonck En Het Romeinse Recht (1792-1814)." Tijdschrift voor Rechtsgeschiedenis / Revue d'Histoire du Droit / The Legal History Review 57, no. 3-4 (1989): 375–95. http://dx.doi.org/10.1163/157181989x00065.
Анотація:
AbstractLe 1er décembre 1792, l'avocat J.-Fr. Vonck, leader du parti démocrate lors de la révolution brabançonne et un des pères de la démocratie et du libéralisme belges, décède à Lille en exil. Il laisse quelques legs pieux aux pauvres de sa paroisse natale de Baardegem (pays d'Asse dans le comté de Brabant). En dépit de l'affirmation de J. Vercruysse (Lias IV (1977), 261-312), ces legs pécuniaires ne sont pas scrupuleusement respectés mais deviennent l'objet d'une procédure, intentée le 22 juillet 1813 par le bureau local de bienfaisance, l'héritier révolutionnaire de l'ancienne table des pauvres. En s'appuyant sur des textes justiniens: D. 22,1,34, Ulp. lib. 15 ad ed. et C. 1,45,1 et 4 (530), les administrateurs de ce bureau demandent alors la délivrance des capitaux légués, augmentés d'intérêts à compter du décès du testateur, tandis que l'héritière universelle, la soeur du défunt, ne veut payer ces intérêts qu'à partir du jour de la demande en délivrance, en accord avec l'art. 1014 CC, soit une différence d'un laps de 20 ans. En respectant le principe de non-rétroactivité (l'art. 2 CC), le juge décide la question 'd'après les principes du droit écrit, la loi du pays dans le silence des coutumes et des ordonnances'. Ce principe de non-rétroactivité, respecté scrupuleusement par le juge révolutionnaire est un des canaux pour la survivance du droit romain après l'introduction du code. En dépit de l'art. 7 de son titre préliminaire, ce code n'a pas mis fin à la force des lois romaines. Des recherches profondes de la jurisprudence des premières décennies du 19e siècle indiqueront encore beaucoup d'autres beaux exemples de la survivance du droit romain dans des formes modulées par une réception plusieurs fois séculaire.
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Fumaroli, Marc. "Rhétorique d'école et rhétorique adulte: remarques sur la réception européenne du traité "Du Sublime" au XVIe siècle." Revue d'histoire littéraire de la France o 86, no. 1 (January 1, 1986): 33–51. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1986.86n1.0033.
Анотація:
Résumé Nos grands écrivains classiques semblent unanimes dans leur dédain pour la rhétorique, associée à l'idée de pédantisme. On étudie pourtant la « rhétorique » de Montaigne, Pascal, La Fontaine... L'examen de la réception du traité Du Sublime au cours des XVI e et XVII e siècles permet de comprendre comment l'âge de l'éloquence a pu se moquer de l'éloquence et de la rhétorique, en assumant cependant l'une et l'autre. En fait, le « langage des honnestes gens », pénétré de valeurs rhétoriques d'ascendance cicéronienne ou érasmienne, et qui sert de réfèrent à l'art des grands classiques, n'a en rien renoncé au sublime ; mais ces écrivains classiques parviennent à un sublime de la vérité humaine qui résout les contradictions du traité Du Sublime : appel à la grandeur et sommation de la simplicité. La sublime ironie inhérente à l'art classique est d'avoir la force et l'humilité de s'en tenir à ce lieu commun . En concevant la grandeur comme simple révélation de notre nature à la fois familière et étrange, Pascal se sépare des rhétoriciens « baroques » et retrouve l'esprit du traité du Pseudo-Longin
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Siebert, Gérard. "La réception de l'art géométrique grec dans l'historiographie (fin du XIXe-milieu du XXe siècle)." Ktèma : civilisations de l'Orient, de la Grèce et de Rome antiques 35, no. 1 (2010): 299–312. http://dx.doi.org/10.3406/ktema.2010.2505.
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Galtier Marti, Fernando. "Le corps occidental des églises dans l'art roman espagnol du XIe s. : problèmes de réception d'un modèle septentrional." Cahiers de civilisation médiévale 34, no. 135 (1991): 297–307. http://dx.doi.org/10.3406/ccmed.1991.2501.
8
Zimmermann, Tania, and F. Michael Zimmermann. "La spirale, forme de pensée de la création : le Monument à la IIIe Internationale de Tatline et sa réception dans l'art du XXe siècle." Genesis 24, no. 1 (2004): 105–38. http://dx.doi.org/10.3406/item.2004.1318.
Дисертації з теми "Réceptions – Dans l'art":
1
Kim, Sunga. "Le retournement du regard : le spectateur regardé dans les oeuvres théâtrales contemporaines depuis les années 2000." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080067.
Анотація:
La thèse porte sur l’étude d’un phénomène de renversement de l’attention du spectateur vers lui-même, observé dans les œuvres contemporaines à forte théâtralité et nommé le « retournement du regard ». Survenant ponctuellement ou traversant une œuvre comme principe conceptuel, le retournement du regard remet en question la hiérarchie des présences théâtrales et les enjeux de responsabilité liés au regard induits par la fonction spectatorielle. Ce phénomène, transversal et imprégnant beaucoup de pratiques artistiques actuelles, peut être compris à la fois comme un lien entre des modes d’expression hétérogènes et souvent transdisciplinaires, dont la classification générique devient de plus en plus difficile, mais aussi comme un outil dramatique pour introduire dans les œuvres un des sujets qui y semble aujourd’hui récurrent : le spectateur lui-même. L’étude sera composée de trois mouvements pensés pour une approche progressive et chronologique de l’ensemble du phénomène. Une analyse contextuelle d’abord, une définition du retournement ensuite, passant par un point théorique sur le regard, une catégorisation des différents déclencheurs du retournement et l’analyse d’exemples issus des pratiques artistiques contemporaines (Castellucci, Bernat, Rimini Protokoll, Jatahy, etc.), et une projection enfin des hypothétiques conséquences du retournement, sur les créations théâtrales, la figure du spectateur et la nature même du théâtre. Cette thèse se veut donc à la fois un état des lieux de la fonction spectatorielle au début du XXIe s., mais aussi une analyse des modalités selon lesquelles le théâtre s’adresse à lui et prend en compte les problématiques de son époqueThe thesis focuses on the study of a phenomenon of the reversal of the spectator's attention towards himself, as observed in contemporary works with strong theatricality and called the "gaze's turnaround". Occurring punctually or spanning throughout work as a conceptual principle, the gaze's turnaround questions the hierarchy of theatrical presence and the issues of responsibility related to the gaze induced by the spectator's function. This phenomenon, transversal and impregnating many contemporary artistic practices, can be understood both as a link between heterogeneous and often transdisciplinary modes of expression, whose generic classification is becoming increasingly difficult, but also as a dramatic tool for introducing into works one of the subjects that seems to be recurrent in them today: the spectator himself. The study will be composed of three movements designed for a progressive and chronological approach to the whole phenomenon. First, a contextual analysis, then a definition of the reversal, passing through a theoretical point on the gaze, a categorization of the different triggers of the reversal and the analysis of examples from contemporary artistic practices (Castellucci, Bernat, Rimini Protokoll, Jatahy, etc.), and finally a projection of the hypothetical consequences of the reversal, on theatrical creations, the figure of the spectator and the very nature of the theater. This thesis is therefore intended to be both an overview of the spectator function at the beginning of the 21st century, but also an analysis of the ways in which the theater addresses the spectator and takes into account the problems of his time
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Coavoux, Samuel. "Sociologie de l'expérience esthétique. Contextes et dispositions dans les réceptions muséales d'un tableau de maître." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSEN009.
Анотація:
À partir d'une enquête ethnographique sur les réceptions situées d'un tableau de Nicolas Poussin conservé au musée des beaux-arts de Lyon, cette thèse interroge la place de la visite au musée d'art dans les répertoires de loisir des classes moyennes et supérieures. Elle s'appuie sur trois matériaux principaux : environ 50 journées d'observations in situ de l'activité des visiteurs, 45 entretiens de réceptions menées au musée, et 18 entretiens biographiques portant sur les habitudes de visite de visiteurs occasionnels ou réguliers aux profils sociaux similaires à ceux arrêtés au musée. La thèse met en évidence l'importance du statut des œuvres dans l'orientation et dans l'allocation de l'attention des visiteurs. Cet usage pratique de la légitimité culturelle produit un paradoxe : le tableau examiné est considéré comme un chef-d'œuvre, mais il suscite peu d'intérêt esthétique. L'examen lexicométrique d'un corpus d'articles de presse consacrés au tableau confirme que cette réaction s'étend à des publics professionnels comme les journalistes. Le malaise que provoque cette contradiction témoigne de l'importance de la compétence artistique statutaire. La thèse examine alors la place des dispositifs de médiation dans la réduction de cet écart. On peut interpréter la tendance à la déconnexion entre leur usage et la contemplation des œuvres comme un signe de l'importance du discours autorisé de l'institution pour les visiteurs faiblement ou moyennement dotés en ressources spécifiques. Enfin, l'analyse des biographies de visiteurs montre le poids de l'injonction normative à la visite ainsi que l'importance de son inscription dans des routines de loisirsDrawing on an ethnographic study of the receptions of a Nicolas Poussin's painting curated at the Fine Arts Museum in Lyon, France, this dissertation analyses the position of museum visiting in the leisure repertoire of the middle and upper-middle classes. Three main data sources are used: about 50 days of observation of the activities of museum visitors, 45 reception interviews carried out inside the museum, and 18 biographical interviews on visiting habits with occasionnal or regular museum visitors. The dissertation sheds light on the central role of the artwork's status in their orientation and the distribution of their attention. This practical use of cultural legitimacy leads to a paradox: the painting is considered a masterpiece, but it has little aesthetic appeal. A lexicometric analysis of a corpus of newspapers articles confirms that this perspective may be extended to professional audiences, such as journalists. The unease this contradiction provokes in the audience is a reminder of the centrality of statutory artistic skill. The dissertation then analyses how mediation devices are used to fill this gap. The disconnection between the use of devices and the contemplation of the painting might be interpreted as the sign of how important the authorized, institutional discourse on the artwork is for visitors with low to average levels of specific resources. Finally, an analysis of visitors' biographies demonstrates that a normative injunction to visit greatly weights in visitors' practices, but that visits mostly occurs when they are embedded into leisure routines
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Bessette, Anne. "Du vandalisme d’œuvres d’art. Enjeux et réceptions. Destructions, dégradations et interventions dans les musées en Europe et en Amérique du Nord depuis 1970." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA120.
Анотація:
La dégradation ou la destruction volontaire de biens symboliques est un phénomène omniprésent dans l'histoire humaine. Souvent, les œuvres ont été endommagées parce qu’elles incarnaient des divinités, des représentants du pouvoir, un imaginaire spirituel ou social. Avec l’avènement des musées et la transformation du statut des œuvres qu’ils conservent, ce phénomène adopte de nouvelles formes.Les atteintes portées intentionnellement à l’intégrité d’œuvres d’art, lorsqu’elles se produisent dans des musées, sont porteuses d’enjeux spécifiques, que cette thèse a pour objet d’analyser. Aujourd’hui, elles sont généralement désignées par le terme de vandalisme, qui véhicule des représentations qu’il s’agit d’interroger. Cette recherche, prenant appui sur l’analyse d’un corpus de cas de vandalisme perpétrés entre 1970 et 2014 sur des œuvres exposées dans des musées d’art, en Europe et en Amérique du Nord, s’attache, dans une perspective sociologique, à examiner les ressorts de ces actes, mais aussi les diverses réactions qu’ils suscitent. Celles-ci peuvent être saisies dans leur variabilité ; la confrontation de discours et de points de vue recueillis au cours d’entretiens avec divers acteurs concernés par le phénomène contribue à porter au jour des dispositions contrastées à l’égard des œuvres d’art. L’analyse de la réception sociale de ces actions constitue une voie d’accès privilégiée pour appréhender certains mécanismes de disqualification, y compris au sein du champ artistique. Certains de ces gestes sont en effet réalisés dans une optique de création ou de dialogue artistique : ils font ici l’objet d’une attention particulière en raison de ce qu’ils peuvent mettre en lumière du fonctionnement du milieu de l’artWillful degradation or destruction of symbolic goods is omnipresent in Human history. Most of the times, works were damaged because they embodied deities, symbols of power, spiritual or social constructs. With the advent of museums and the transformation of the status of the works they preserve, this phenomenon shaped into new forms.Deliberate attacks on the integrity of works of art, when they occur in museums, carry specific issues that this thesis aims to analyze. Today, they are generally referred to as vandalism, which conveys representations that are to be questioned. This research, based on the analysis of a body of cases of vandalism perpetrated between 1970 and 2014 on works exhibited in art museums in Europe and North America, focuses, from a sociological perspective, on examining the causes of these acts as well as the various reactions they generate. The confrontation of discourses and points of view gathered during interviews with various actors concerned by this topic reveals diverse dispositions towards works of art. The analysis of the social reception of these actions constitutes a privileged approach to specific processes of disqualification, including some within the artistic field. Parts of these gestures are meant to initiate an artistic dialogue or even to create; therefore, they will be looked upon with particular attention as they can highlight some of the mechanisms of the artistic scene
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Ortega, Orozco Adriana. "Les expositions d’art mexicain dans l’espace transnational : circulations, médiations et réceptions (1938 – 1952 – 2000)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA024.
Анотація:
S’inscrivant à la croisée de l’histoire des expositions et des relations culturelles internationales, la thèse a pour principal objectif l’étude de la construction d’une certaine image de la nation mexicaine à l’étranger à travers l’art et de la manière dont celle-ci a été perçue par des audiences diverses dans différentes contrées. Pour ce faire, la thèse propose une étude de la présence de l’art mexicain dans l’espace transnational analysant des phénomènes de circulation, médiation et réception autour de la première grande exposition d’art mexicain itinérante en Europe. Entre 1952 et 1953, l’exposition Art mexicain du précolombien à nos jours a été présentée successivement à Paris, Stockholm, Londres et Mexico. Cette manifestation culturelle participe d’une longue génèse qui remonte aux années 1920. Après plusieurs tentatives échouées, l’idée de présenter une exposition d’art mexicain en Europe émerge à nouveau dans le monde de l’après-guerre, impulsée par le gouvernement mexicain et une constellation d’acteurs européens étatiques et non-étatiques qui ont fait que le projet se concretise en 1952. La thèse étudie les enjeux que cette manifestation a répresentés pour ses promoteurs, ainsi que la manière dont son discours curatorial consacre une certaine rhétorique nationaliste qui insiste sur la continuité du génie artistique mexicain à travers les époques. L’étude des réceptions et des va-et-vient au sein de l’espace euro-américain est alors menée à travers l’analyse des diverses représentations autour du Mexique exprimées par les publics européens, ainsi que par les manières dont la société mexicaine resignifie les réactions européennes vis-à-vis de l’art mexicain afin de les adapter au contexte local. Ensuite, ce travail se concentre sur les adhésions et les rejets exprimés au Mexique par rapport à ce portrait de lo mexicano impulsé depuis l’État. La thèse démontre comment cette exposition est devenue par la suite un modèle pour la présentation de l’art mexicain à l’étranger, décliné à plusieurs reprises dans les décennies suivantes comme le fer de lance de la diplomatie culturelle mexicaineLocated in the intersection of the fields of History of Exhibitions and History of International Cultural Relations, this thesis studies the construction of a particular image of the Mexican nation abroad through the medium of art, and the ways in which this image was perceived by diverse audiences in different countries. The thesis analyzes the circulation, mediation and reception of Mexican art in a transnational context for the first major traveling exhibition of Mexican art in Europe.Between 1952 and 1953, the exhibition Art mexicain du précolombien à nos jours (Mexican art from pre-Columbian times to the present day) was successively presented in Paris, Stockholm, London and Mexico City. This cultural event draws upon a long prehistory that dates back to the 1920s. After several failed attempts, the idea of presenting an exhibition of Mexican art in Europe reemerges in the postwar period driven by the Mexican government and a constellation of European state and non-state actors, leading up to the opening of the exhibition in Paris on May 20, 1952.The thesis studies the stakes that various promoters had in the exhibition as well as the ways in which its curatorial discourse crystallized a nationalist rhetoric that stresses the continuity of the mexican artistic genius through the ages. It further investigates the different receptions and interactions within the Euro-American space by analyzing the various representations of Mexico articulated by the European publics; conversely, it examines the ways in which Mexican society resignifies the European reactions vis-à-vis Mexican art and adapts them to the local context. Moreover, this work scrutinizes the approvals and rejections expressed by the Mexican public with regard to the particular image of lo mexicano promoted by the state. The thesis demonstrates how this exhibition became a model for the display of Mexican art abroad, reappearing several times in various declensions over the following decades as a trademark of Mexican cultural diplomacy
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Pinto, Maria Helena. "Devenir(s) contemporains : émergence et évolution de la figure du danseur contemporain mozambicain d'après les trajets, les discours, les œuvres et leur réception localement et à l'étranger." Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA084158.
Анотація:
Un mouvement de danse contemporaine mozambicaine s’exprime depuis 1995 porté par des artistes chorégraphiques. Il s’agit d'une danse de création en rupture avec les danses traditionnelles et les modèles de spectacles du passé. Nous étudions l’émergence et l’évolution de la figure du danseur contemporain. Un terrain de quinze danseurs a été choisi pour l’hétérogénéité de leurs parcours, la diversité de corps, de pensées, de matières gestuelles et leur implication dans la fabrique de la danse contemporaine mozambicaine. La première partie, Etre danseur, s’arrête sur Augusto Cuvilas, Virgilio Sitole et Pelina Sitoe. La seconde partie, Etre contemporain, aborde la figure singulière de la danseuse contemporaine mozambicaine : comment ces artistes construisent, revendiquent et s’affirment dans le contexte local ? Le processus de création de la pièce Um solo para cinco d’Augusto Cuvilas est analysé comme un laboratoire d’où émerge une contemporanéité. La nudité de la femme mozambicaine présente dans cette pièce crée d’autres acceptions du contemporain et de la manière d’être contemporain. La troisième partie, Etre artiste, définit plusieurs identités artistiques individuelles selon leur relation à l’étranger et au local. Dans le contexte d’un regard fortement Eurocentrique sur l'art venu d'Afrique, le concours Danse l’Afrique Danse illustre la problématique des marchés chorégraphiques. Le(s) devenir(s) (danseurs, artistes) contemporain(s) confrontent des valeurs, des représentations de l’art et de la danse du Nord et du Sud. Les artistes mozambicains transforment l’art chorégraphique local dans une attitude de résistance et créent un espace de débat sur des enjeux sociétauxA contemporary Mozambican dance movement expresses itself since 1995. Through a creative choreography it explores the distancing from traditional dances and performances of the past models. We study the emergence and evolution of the figure of the contemporary dancer. A field of fifteen dancers were chosen for the heterogeneity of their course, the diversity of body, of thoughts, of gestural material and their involvement in the contemporary Mozambican dance factory. The first part, 'being dancer' focuses on Augusto Cuvilas, Virgilio Sitole and Pelina Sitoe. The second part, 'being contemporary,' addresses the singular figure of the contemporary Mozambican female dancer: how do these artists construct and assert themselves in the local context? The creative process for the piece 'Um solo para cinco' by Augusto Cuvilas is parsed as a laboratory from which emerges a contemporaneity. The nakedness of the Mozambican woman treated in this piece, creates other contemporaneity meanings and new ways of being contemporary. The third part, 'being artist,' defines several individual artistic identities according to their relation to the abroad and to the local. In the context of a strongly Eurocentric look at art from Africa, performances of the “Danse l’Afrique Danse” meeting illustrates the problem of choreographic markets. The processes of ‘becoming’ contemporary dancers, artists, bring face to face values, representations of art and dance of North and South. Mozambican artists transform the local choreographic art in an attitude of resistance and create a space of debate on societal issues
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Caliandro, Stéfania. "Le métavisuel dans l'art." Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0096.
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Laborde, Cécile. "L'effet pornographique : sémiostylistique pour une réception physiologique de l'art (verbal)." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040220.
Анотація:
L’idée-force de cette thèse est que littérature et sexualité ont partie liée, mais également et surtout, que la potentielle sexualisation de l’art verbal, à l’écriture comme à la lecture des textes, ne se limite pas à un genre spécifique d’écrits (qui irait du sentimental, au pornographique, en passant par l’érotique). La sexualisation à réception, toujours aléatoire, dépend de la force du style et de la sensibilité des lecteurs. La théorie de la réception que nous tentons de construire postule qu’il n’y a ni grand, ni petit art, ni arts majeurs, ni arts mineurs. L’art est un effet produit par la rencontre entre une oeuvre et un public ; il se manifeste intégralement en sensations. L’effet de l’art atteint son paroxysme lorsqu’il se fait pornographique. Cet effet pornographique de l’art, dont nous souhaitons cerner les conditions de déclenchement et de matérialisation à réception, émane de créations littéraires dont le style attire, séduit, aimante, captive et ravit les lecteurs, en leur offrant une vision de l’humain dans ce qu’il a de plus fragile et fascinant : son intimité la plus profonde et la plus cachée, son sexe. Pour appréhender ce vécu si intense et si rare qu’offrent certains textes, nous tendrons à définir l’idée de style pornographique, au sens de création par le style d’un effet pornographique. Puis, nous nous intéresserons plus largement à la portée et à la valeur de ce style, en proposant une typologie des principaux phénomènes qu’il déclenche à réception. Enfin, si l’effet pornographique est l’horizon vers lequel tout écrit littéraire tend, cet effet ne demeure, cependant, qu’un horizon. De ce fait, il conviendra de préciser, dans un troisième temps, les limites et les dangers du pornographiqueThe main idea of this thesis is not only that literature and sexuality are related, but also that the sexualization of art, during the writing and the reading as well, is not restricted to specific literary genres (sentimental, erotic, or pornographic). The sexualization, always uncertain, is both due to the strength of style and to the readers’ sensitivity. The theory of reception we intend to elaborate is based on the idea that there is neither high art nor low art. Art is an effect caused by the encounter of a work and a public. Art is nothing but sensation. Art can recreate some reality by means of invoking sensations.The effect of art reaches its paroxysm when it becomes pornographic.This pornographic effect is derived from literary texts whose style attracts, seduces, captivates and ravishes readers, by revealing the most deep and the most secret intimacy of humans : their sex. We intend to see where, when and how this effect may happen. First, we’ll try to define what we mean by “pornographic style”, in other words what in style manages to create a pornographic effect on readers. Then, we'll attempt to bring to light the many phenomena it induced. However, even if the pornographic effect is the main purpose of art, it has to remain an horizon. Therefore, we'll have to consider the limits and risks of all pornography
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Riado, Benjamin. ""Parergon" : une herméneutique documentaire dans l'art contemporain : le cas du Land Art." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010518.
Анотація:
L'objet de ce travail est la façon dont se pensent les œuvres qui, à l'image des sculptures de l'art contemporain ou du Land Art, ne se suffisent pas à elles-mêmes mais réclament des enregistrements ou d'autres documents venant les compléter. Quoique tangibles, ces œuvres restent en effet difficiles à exposer, parce qu'elles sont solidaires d'un lieu reculé auquel on ne peut les soustraire, parfois éphémères ; les documents qui les accompagnent permettent alors de rendre compte de leur forme auprès de l'institution. Nous appelons du mot grec « parergon » (« accessoire ») le document par lequel l'oeuvre apparaît sous la forme d'un enregistrement qui engage le spectateur sur la voie de la réception esthétique. Le paradoxe est alors que ce qui permet cette expérience esthétique n'est pas l'oeuvre elle-même mais bien un élément hors d'oeuvre. Pour justifier l'application de ce terme antique à une situation contemporaine, ce travail s'est d'abord attaché à ses usages anciens afin de mettre en évidence que le « parergon » ne se rencontre que dans des cas de malentendu entre ce qui est essentiel et accessoire sans un œuvre d'art – la méprise dans ce cas ne peut être dissipée que par l'interprétation. Philosophiquement, ce problème est ressaisi par la question des limites de l'oeuvre d'art : où commence et finit une oeuvre qui se présente sous plusieurs formes ? L'étude montre que c'est au prix d'un travail de déconstruction de la présence immédiate de l'oeuvre dans les musées que se sont engagées les pratiques Land Art. Cependant la photographie n'est pas seulement le prolongement de la sculpture dans l'institution : c'est aussi un mode d'apparaître de l'oeuvre qui réduit parfois celle-ci à être un lieu reconnu par l'artiste comme digne d'être artificiellement exposé. L'analyse d'exemples précis permet finalement de montrer que le « parergon » ne consiste pas seulement dans la photographie d'oeuvres sculpturales, mais est aussi une façon documentaire de faire œuvre photographique.
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Kim, Sang-Sook. ""In transit" : la place vide de l'installation appréhendée de visu dans son contexte." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010669.
Анотація:
La thèse In transit se compose d'une pratique artistique articulée avec sa théorie, ainsi que de la réflexion sur le jugement esthétique et la pensée philosophique. Cette recherche traite du regard sur l'œuvre d'art, de son double jeu. Car, l'enjeu du regard est alternatif. Le regard va et vient entre l'objet présenté et son environnement. Il s'agit d'une dialogique instable, d'un échange qui s'effectue dans l'espace de l'œuvre. Cette dialogique permet de retrouver le parcours "conversationnel" qui s'amorce dans la production critique. Il faut en rechercher les formes dans l'espace de l'œuvre, entre l'objet installe et son environnement. Le jeu du regard implique le lieu présence, que l'on trouve dans ma recherche comme dans mon travail personnel (intitulé In transit), mais aussi chez d'autres artistes. Le regard s'y déploie sur la présentation de quelque chose, dans un entourage topologique. Nous touchons là la question de la présentation et de la représentation dans l'œuvre. La problématique consiste à découvrir ce qui est dominant en art plastique : l'objet ou l'entourage. Je répondrais : les deuxThe empty place is an aesthetic of the returning. The work is there called in question by its very environment. The empty place implies an aesthetic of the returning, which could have, as its metaphorthe ball game where the ball is thrown to and received back. This aesthetic of reciprocity intervenes after the work has bieng received by the spectator and forms the very relationship in the exbition of the work. This aesthetic of the returning reflects the characteristis of the empty place in three dierent ways: first of all, the aesthetic of the returning proposes a relation between the object and the architectural space as far as this space is linked in its source to a representation. It is the topic of the investigations of andre bazin under the name of "doing a turn" between the spectator and the object shown. Secondly, the aesthetic of the returning of the empty place expresses it self in the shifting of the critical function. In the aesthetic of the returning the eyes no longer cling to a centre but to the parergon, we are referred there fore our ability to express an aesthetic judgment. Thirdly, the aesthetic of the returning of the empty place implies a altural conflict. By very meeting of and in the empty place, this "presence-place", we may think afresh about the essence of the cultural consensus. The empty place, being the space where all the posibilities in the realm of communication can be composed- a composition that is actualized by the spectator-so produces a philosophical discourse, which ends in describing the empty place itself
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Daengklom, Sayan. "Érotique et réception de la peinture dans les salons de Diderot." Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0118.
Книги з теми "Réceptions – Dans l'art":
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[Exposition. Fontainebleau, Musée national du château de Fontainebleau. 2004-2005]. Le Pape et l'Empereur: La réception de Pie VII par Napoléon à Fontainebleau, 25-28 novembre 1804. Paris: Somogy, 2005.
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Christophe, Beyeler, and Musée national du Château de Fontainebleau., eds. Le pape et l'empereur: La réception de Pie VII par Napoléon à Fontainebleau, 25-28 novembre 1804. Paris: Somogy, 2005.
3
Giroud, Nicole. Une mosaïque de Fr. Bartholomé de las Casas (1484-1566): Histoire de la réception dans l'histoire, la théologie, la société, l'art et la littérature. Fribourg: Editions Universitaires Fribourg Suisse, 2002.
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Giroud, Nicole. Une mosaïque de Fr. Bartholomé de las Casas (1484-1566): Histoire de la réception dans l'histoire, la théologie, la société, l'art et la littérature. Fribourg: Editions Universitaires Fribourg Suisse, 2002.
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France) Forum l'art sur la place (1998 Lyons. L'art contemporain: Champs artistiques, critères, réception : actes du colloque du Musée d'art contemporain de Lyon, 16, 17, 18 octobre 1998, organisé avec la collaboration de l'Observatoire des politiques culturelles dans le cadre du Forum l'art sur la place. Paris, France: Harmattan, 2000.
6
Rancière, Jacques. The emancipated spectator. London: Verso, 2011.
7
Rancière, Jacques. The emancipated spectator. London: Verso, 2009.
8
Mouchtouris, Antigone. Sociologie Du Public Dans Le Champ Culturel Et Artistique. Harmattan, 2003.