Статті в журналах з теми "Pratiques de beaute"

Introduction : La pratique de la dépigmentation cosmétique volontaire est de plus en plus adoptée par les jeunes filles. Ce phénomène de " mode " révèle un certain aspect socio-anthropologique qui assimile la couleur noire de la peau à une vision négative et inférieure de l'être humain. Objectif: l’objectif est de comprendre ce qui motive les jeunes filles scolarisées à s’adonner à une telle pratique plus spécifquement d‘évaluer leurs connaissances, attitudes et pratiques face à la dépigmentation. Méthode : Il s'agit d'une étude transversale réalisée entre Avril et Mai 2023 qui a concerné 1039 étudiantes des écoles et universités du département des Collines sélectionnées par sondage aléatoire simple à plusieurs degrés. Résultats : La moitié des filles enquêtées savaient que la dépigmentation est l’utilisation de produits chimiques dans le but d’éclaircir la peau. Pour la plupart (82,9%) d’entre elles, la couleur de la peau était une représentation de critère de beauté. Une femme à peau claire avait plus de valeur qu’une femme à peau noire selon 43,0% des enquêtées. 78,2% avaient adopté la pratique de la dépigmentation volontaire et le rythme d’application était biquotidien chez 70,6% d’entre elles. La principale motivation des filles était d’uniformiser le teint. Conclusion : La dépigmentations est un phénomene bien connu des élèves et étudiantes du département des collines. La plupart des enquêtées pratique la dépigmentation et le critère de beauté est utilisé pour justifier le phénomène. Introduction: the practice of voluntary cosmetic depigmentation is increasingly adopted by young girls. This "fashion" phenomenon reveals a certain socio-anthropological aspect that assimilates the black color of the skin to a negative and inferior vision of the human being. Objective: was to understand what motivates young girls at school to engage in such a practice more specifically evaluate their knowledge, attitudes, and practices regarding depigmentation. Method: This is a cross-sectional study carried out between April and May 2023 which involved 1039 female students from schools and universities in the Collines department selected by simple multistage random sampling. Results: Half the girls surveyed knew that depigmentation is the use of chemicals to lighten the skin. For the majority (82.9%) of them, skin color was a representation of beauty criteria. A light-skinned woman was more valuable than a dark-skinned woman, according to 43.0% of respondents. 78.2% have adopted the practice of voluntary depigmentation, and 70.6% of them apply their products twice a day. The girls' main motivation was to even out their skin color. Conclusion: Depigmentation is well known among pupils and students in the hill district. Most of those surveyed practice depigmentation and the criterion of beauty is used to justify the phenomenon.

L’objectif de ce texte est de jeter les bases théoriques et pratiques pour la création d’une approche complémentaire à la visite conventionnelle des musées de sciences et de techniques. Le point de vue proposé cherche à (re)centrer, à (re)focaliser encore plus la pédagogie et la didactique muséale sur l’objet. Comment, en effet, redonner à ces objets froids et inertes, généralement placés derrière d’austères vitrines, leur « présence » originelle, qui éveillera en nous non seulement le sens de la vue (la « beauté » esthétique et pratique de l’objet), mais tous les autres, sans lesquels les objets de notre quotidien perdent toute leur signification – leur sens. La clé d’analyse se trouve dans trois concepts : profondeur, procédé et participation. Et au coeur de ces concepts se cache l’habitus, l’apprentissage structuré et structurant de toute connaissance.

La beauté corporelle est un motif esthétique et plastique loué et valorisé durant l’Antiquité. De l’apparence aux manières d’être, comment les anciens Grecs l’ont-ils pensée et représentée dans les pratiques et les discours, au regard des normes politiques, sociales et religieuses, autrement dit culturelles ? Cet article explore les marqueurs de la beauté d’un corps, ses manifestations et ses effets dans l’Athènes classique. Il montre également à quel point la beauté corporelle, si elle fait consensus dans son expression, reste un sujet de polémiques relatives aussi bien à sa définition qu’aux pratiques qui transforment les corps.

Il est généralement admis que la peinture classique – la peinture française du Grand Siècle notamment – n’a pas remis en question sa recherche d’une beauté formelle, largement codifiée par un ensemble de règles académiques. En s’appuyant sur une de ces fameuses conférences à l’Académie de peinture, celle donnée en 1676 par René-Antoine Houasse sur le « Beau naturel », ainsi que sur plusieurs exemples artistiques, cet article tend à montrer que la théorie et la pratique picturales du xvii e siècle se sont, au contraire, confrontées à des antinomies touchant à l’idée même de beauté. Loin d’être simple ou tranquille, la beauté, pour ces artistes, est inquiète.

Décédée en 2011 à l’âge de 82 ans, Dolores Turmel-Rodrigue, artiste peintre, s’était donné pour mission de faire revivre dans ses tableaux les personnes, les lieux et les pratiques de la société traditionnelle de sa région natale, la Beauce. Pour nous la présenter et commenter son oeuvre, Bernard Genest a ressorti ses notes de terrain et des enregistrements réalisés dans le cadre de recherches menées dans les années 1982-1985. Il commence par situer l’artiste dans ses contextes géographique, social et culturel, puis s’attarde à décrire la technique et les thématiques qui caractérisent la production de l’artiste. Sans avoir au départ de plan préconçu, celle-ci voyait comme un devoir de mémoire le fait de témoigner de pratiques et d’un mode de vie pour lesquels elle éprouvait un vif attachement et la conviction profonde d’un héritage à préserver et à transmettre. Son oeuvre, selon l’auteur de l’article, est une contribution importante au patrimoine culturel des Beaucerons et pour l’ensemble des Québécois.

En Beauce, les années 1850 à 1940 sont témoins d’une mutationde la culture religieuse. Si le redressement des conduites pascales — qui conduità des niveaux de pratiques frisant l’unanimité — en représente la manifestationla plus remarquable, elle n’en est pas la seule. L’assistance à la messe dominicale,sans atteindre la même conformité, s’améliore grandement. Les moeursse réforment et les pratiques de dévotion se répandent. En témoignent la fidélitécroissante aux promesses de tempérance, et l’empressement toujours plus grandà gagner les indulgences. Mais pour que s’implante ce nouveau modèle de piété,il aura fallu que le clergé accroisse sensiblement ses moyens d’encadrement.

Utilisés comme un symbole national de modernité et de puissance, notamment sur la scène internationale, ou bien investis par des groupes particuliers et des sous-cultures à l’intérieur des pays, les concours de beauté promeuvent tous des identités collectives. Le regard porté à différents échelons des concours invite immanquablement à s’intéresser aux interactions qui mettent en tension les représentations, les valeurs et les pratiques à l’intérieur des sociétés, et entre le local, le national et le global, et au coeur desquelles se produisent des identités et se jouent des enjeux de reconnaissance. L’objectif dans cet article est donc d’explorer au travers de la littérature scientifique la question suivante : comment les enjeux culturels, identitaires, politiques se traduisent-ils, voire parfois sont-ils exacerbés, dans le contexte des concours de beauté ? Pour répondre à cette question, nous développons trois dimensions que les concours mettent particulièrement à l’épreuve et en tension et sur lesquelles des enjeux tendent à se cristalliser et se localiser : les critères esthétiques retenus et les modèles de beauté produits ; la place et le rôle des femmes en tant que représentantes privilégiées des identités produites dans les concours ; et enfin les dynamiques d’appropriations au-delà de la représentation des identités locales, nationales ou transnationales.

Tout musée est par principe un lieu de partage de la connaissance et de la beauté. Pourtant, les enquêtes sur les pratiques culturelles des Français révèlent la permanence des inégalités d’accès à la culture en général et notamment à ce lieu dont l’essence même est pourtant démocratique. Il faut donc réinventer le musée, selon deux principes fondateurs : donner la priorité au public et moderniser la problématique scientifique patrimoniale qui l’anime.

En utilisant l’angle public-privé et l’angle amateur-professionnel, cet article proposeune analyse des pratiques et mises en scène d’une youtubeuse qui lui permettent des’intégrer dans des communautés différentes. En effet, la Youtubeuse publie sur une deses chaines des vidéos « beauté » et sur une autre elle montre sa vie quotidienne. Dans lepremier cas, elle se met en scène comme une experte dont le jugement professionnel estrespecté ; dans le second, elle se présente en ‘privé’ comme une femme ordinaire. Si les‘publics’ de ses deux chaines souhaitent avoir accès à des contenus différents, layoutubeuse parvient a priori à s’ancrer avec succès dans deux communautés distinctes àtravers ses mises en scène, ainsi que par le biais de son utilisation des potentialités de laplateforme. De telles pratiques permettent ainsi de bien mettre en lumière les processusde construction d’identité au sein de communautés en ligne.

Le roman de Daniela Dröscher, Lügen über meine Mutter (2022), raconte l’histoire d’une famille qui s’installe dans un petit village après la naissance de leur premier enfant. Le père aspire à une ascension professionnelle et sociale, tandis que la mère, qui abandonne presque complètement son travail après la naissance du deuxième enfant, subvient aux besoins de la famille. Le thème central du roman est le corps de la mère. La mère d’Ela, selon le jugement sans équivoque du père, est « trop grosse ». Le père est le représentant d’un idéal de corps et de beauté qui définit la minceur du corps féminin comme idéal. La figure maternelle doit correspondre à cet idéal et contribuer ainsi à asseoir son rang social. Dröscher présente de nombreuses pratiques corporelles issues du discours contemporain visant la réalisation de cet idéal de beauté, et qui, dans la perspective évoquée plus haut, peuvent être lues comme des pratiques d’optimisation de soi. La mère ne se soumet qu’à contrecœur et avec un succès variable à cette forme d’auto-optimisation imposée de l’extérieur. Elle parviendra en définitive à se soustraire au contrôle (du corps) exercé par son mari et, par conséquent, à l’idéal corporel qui lui est imposé. L’article démontre comment Dröscher, en associant l’espace et le poids, dépeint un corps qui, par son extension spatiale, acquiert de plus en plus de pouvoir sur lui-même.

Par les pratiques assurément désuètes de l’artisanat, qu’empruntent les formes répulsives de certaines oeuvres de Magdalena Abakanowicz et de Jana Sterbak, s’exprime obscurément l’inquiétude fondamentale de l’homme. Sans doute, mais encore davantage que cette dimension ontologique, ces procédés artisanaux, s’ils nous touchent si fortement, c’est qu’ils s’offrent comme un antidote possible à l’anxiété que ne manque de provoquer le déferlement triomphant du touttechnologique. À cet égard, Adorno nous l’avait déjà rappelé : à rebours de l’hédonisme de la beauté antique, “dans l’art moderne, l’aspect harmonieux du laid s’érige en protestation”.

Cet article considère les éléments biographiques portant sur le Catholicisme déclaré de Jonson et propose que cette religion encadrait et infléchissait sa poésie. Maintenu à travers ses années de production littéraire les plus importantes, le Catholicisme de Jonson met son art sous une lumière révélatrice. Sa poésie reflète des sympathies et des croyances catholiques autant en panégyrique qu’en satire. Elle met l’accent de façon surprenante sur les bonnes actions et la sainteté de la vierge Marie. Elle représente le monde hostile dans lequel vivaient les Catholiques anglais, assujettis à la trahison et à la persécution. Le Catholicisme offrait à Jonson un cercle d’amis, des traditions d’érudition et de cérémonie, une esthétique de la beauté et de l’image et une gamme de croyances et pratiques dévotionnelles.

Hautement valorisé par la société contemporaine, le secteur de la beauté est en pleine expansion. Le dynamisme de ce domaine interdisciplinaire, ouvert à la recherche scientifique et tourné toujours davantage vers la médecine, la pharmacologie et la chimie, se reflète également dans son langage spécifique, qui mélange les codes et couvre un registre varié d’usages allant de l’ultra-scientifique à l’ultra-vulgarisé, ainsi que dans sa terminologie composite, épatante, foisonnante, marquée par une néologie incessante. Le présent article se propose d’éclairer les problèmes de traduction spécifiques posés par la variété des textes spécialisés du domaine de l’esthétique et de la cosmétologie, et par ce biais de montrer que la pratique traductive, dans ce secteur notamment, doit être envisagée comme une tâche complexe, exigeant de la part du traducteur spécialisé une approche multi-compétences et des solutions globales, les seules qui puissent couvrir les différents aspects terminologiques, sémantiques, sémiotiques, communicationnels et marketing qui se combinent dans le discours multidimensionnel caractéristique du domaine de la beauté.

À l’été 2014, Louise Décarie et Bernard Genest ont rencontré une douzaine d’acériculteurs et acéricultrices de la Beauce dans le but de compléter leurs dossiers de candidature dans le cadre du Programme de valorisation des porteurs de traditions de la Société québécoise d’ethnologie (Sqe). Dans son article, Genest rend compte de ces visites effectuées auprès de producteurs confrontés à l’émergence d’une industrie qui progresse au rythme d’importantes avancées technologiques dans un contexte de mise en marché qui ne favorise ni le savoir-faire, ni l’origine du produit, ni ses propriétés pédologiques. Après une brève présentation des informateurs et de leurs entreprises, l’auteur invite à une réflexion sur le maintien de la pratique à travers le changement et sur l’avenir du sirop d’érable dans un marché mondial de plus en plus compétitif. Le défi ne serait-il pas d’en faire véritablement un produit du terroir emblématique du Québec et de ses régions ?

Les recherches menées par l’auteur durant plus de vingt ans sur l’évolution des territoires l’ont conduit à présenter la culture comme le premier élément à considérer dans le développement urbain ou rural, car elle intègre le respect de l’histoire, le sens du lieu, le patrimoine sous toutes ses formes et les pratiques des habitants. Il a observé que les projets de nature culturelle provoquent des réactions intangibles qui ne sont pas toujours prises en compte dans le développement des territoires. À une époque où les villes et les régions sont en concurrence, la beauté d’un lieu, la fierté et le sentiment d’appartenance qui en découlent sont des facteurs de développement. L’auteur démontre, à partir d’études de cas, la pertinence du recours à une stratégie culturelle, car elle stimule la créativité, l’innovation et la mobilisation des acteurs locaux.

Parmi les diverses pratiques connues sous le terme d’écriture intime, celle de Claude Gauvreau entretient un rapport complexe à l’épistolaire et à l’autobiographie. À partir d’une réflexion portant sur l’interdit posée par Muriel Guilbault peu avant la mort de Gauvreau et les enjeux autobiographiques présents dans le roman moniste Beauté baroque, l’auteur analyse la place que le « secret » occupe par la suite dans la correspondance échangée entre le poète et Borduas. Examinant les conséquences découlant de la rupture par Gauvreau du pacte de confidentialité qui fait passer un document privé de Borduas dans la sphère publique et la nature de « l’étrange querelle » — selon les termes de Jacques Marchand —, qui conduit les deux hommes à interrompre leurs échanges, l’auteur interroge l’effet de cette loi de l’interdit sur la diffusion de l’oeuvre de Gauvreau, longtemps limitée à un cercle d’initiés, et dont seule l’édition posthume de ses écrits pouvait dénouer l’insoluble paradoxe.

Résumé RÉSUMÉ: L’observation des pratiques de flirt au lycée montre que la relation amoureuse entre deux adolescents est fortement dépendante de leur entourage et en particulier des jugements que leurs pairs portent sur eux. Avoir une relation de flirt est un élément constitutif du statut social du lycéen. Chacun d’eux tend à rechercher les partenaires les plus valorisés, c’est-à-dire ceux qui disposent du potentiel de séduction le plus élevé et en particulier d’un fort capital de beauté physique. Lorsqu’un couple déséquilibré se forme, les camarades du partenaire le mieux doté lui font comprendre, par leurs critiques, que cette relation le dévalorise. Les amours des adolescents obéissent ainsi à une logique du prestige qui tend à rendre également improbables une relation avec un partenaire disposant de trop ou de trop peu de ressources. Dans cette perspective, l’amour est la traduction mentale et affective de la rencontre avec un partenaire potentiellement valorisant mais que son capital physique ne met pourtant pas hors d’atteinte.

La beauté des joutes languedociennes, fort anciennes, est liée à son esthétique codifiée, reposant sur la justesse des gestes techniques relativement à un certain nombre d’attributs, de séquences et d’activités ritualisées. Or, depuis les années 1960, l’adoption de certains aspects tactiques ou individualistes remet en cause l’essence de cette esthétique dans la foulée de la sportification, définie comme le processus d’adoption des valeurs présidant à la pratique d’activités sportives de haute compétition et des exigences liées à leur expression publique. S’en suit l’inflexion des critères esthétiques liés à la production du spectacle pour répondre aux contraintes de sa diffusion médiatique et aux nouvelles sensibilités des audiences. Or, après analyse, il s’avère que la charge symbolique originelle soit suffisamment forte pour que le spectacle des joutes conserve pour l’essentiel sa signification et son esthétique traditionnelles.

Ce texte met en avant l’idée que le découragement et la désaffection des métiers de l’humain sont plutôt l’un des symptômes particuliers témoignant d’un malaise plus général qui sévit dans notre société. Cet état des lieux problématique, expliqué par le filtre de la cybernétique et de la systémique, donne une perspective particulière pour réfléchir autrement le phénomène. Devant ces constats dramatiques, même si nous savons qu’une intervention au niveau institutionnel peut en grande partie renverser la tendance, il nous a semblé bon de revenir à la genèse de ces métiers en soulignant ce qui a permis leur essor, en réinvestissant leur dimension poétique, c’est-à‑dire la beauté en acte dans leur pratique, jusqu’ici négligée, méprisée ou rendue impossible par le statut dégradant laissé à ces professionnels, notamment en regard des conditions difficiles dans lesquelles ils exercent.

Le rasage et l’épilation font partie du quotidien de nombreuses femmes. La pilosité revêt plusieurs significations. Son absence est une manière de signifier sa féminité, sa beauté, mais aussi de maîtriser l’image de soi que l’on présente aux autres. Cette norme sociale du glabre féminin apparaît comme une contrainte quotidienne que les femmes continuent malgré tout d’accepter. Cette analyse discursive regroupant une quinzaine d’entrevues explore la perception qu’ont les femmes de leur corps, de leur pilosité et de leurs pratiques. L’agentivitédes femmes se révèle être limitée. L’image du corps féminin glabre est intériorisée et façonne les jugements de ces femmes. La norme du lisse induit chez elles des comportements d’autosurveillance en imprégnant leurs désirs et leurs émotions. Certaines s’opposent à cette guerre contre les poils des femmes et revendiquent leur droit de choisir en conservant leur pilosité. Si ce geste symbolique conteste le pouvoir des autres sur le choix des unes, leurs actions ne sont pas isolées, et cette décision politique semble correspondre, elle aussi, à une norme sociale. En revanche, celle-ci est minoritaire et généralement réprimée.

Basé sur une enquête ethnographique, cet article vise à mettre en lumière le déroulement de la conversation publique autour du changement de règlement de zonage sur les souccot à Outremont, avec une attention particulière à la matrice spatiale de la controverse. Ces constructions incarnent en fait pour les uns la spatialisation d’une pratique religieuse, tandis que pour d’autres, outre un risque sécuritaire, elles représentent une menace au patrimoine architectural du quartier et à sa beauté. Cette matrice se décline cependant de façon différente selon que les résidents du quartier – hassidim et non hassidim – s’expriment au micro du conseil d’arrondissement ou dans des conversations en aparté. La dissonance entre ces deux discours nous amènera à des considérations sur la cristallisation de cette discussion publique sur des questions spatiales et juridiques et sur l’évitement de la religion et des enjeux de la cohabitation, à Outremont et au Québec.

Cet article s’ancre dans une recherche de terrain mené à La Havane sur l’entretien des cheveux crépus/ pasa des femmes qui s’autodéfinissent comme mulatas . Les cheveux crépus sont nommés de manière dépréciative « pasa [raisin sec] ». Cet article interroge les imaginaires liés à la « pasa », l’habitus du lissage des cheveux crépus (techniques), l’obligation de « bien se présenter » par des soins constants à partir des quinze ans ainsi que les dynamiques d’interaction sociales permises par l’adhésion à cette pratique. Si les soins des cheveux révèlent le devoir social de se conformer à des idéaux de beauté normatifs, cet acte signifie aussi la réappropriation de cette histoire et de sa lignée métisse. L’article vise à expliciter les négociations entre histoire coloniale et réappropriations contemporaines. Il se concentre sur les aspects créatifs, ludiques, plaisants, de transmission générationnelle, d’intimité sensorielle et d’apprentissage qui ressortent du récit des femmes rencontrées.

RésuméDans la France partiellement alphabétisée des XVIe-XVIIIe siècles, la coexistence des maîtres écrivains jurés et des écrivains publics reflète les tensions vécues par une société toujours plus soumise à l’écrit conquérant, connaissant de ce fait un besoin accru et diversifié de l’écrit, lors même que l’aptitude à écrire demeurait largement déficiente, aussi limitée qu’anarchique, particulièrement dans les franges inférieures de la population. La corporation des maîtres écrivains, experts en calligraphie, vit le jour en 1570 et jouit dès lors du double monopole des écoles publiques d’écriture et des expertises judicaires en matière manuscrite. Les maîtres œ uvraient à normaliser, consacrer et promulguer les graphies, entretenant à cette fin une certaine religiosité du corps écrit. Étrangers à l’art et à la dignité des maîtres, les écrivains publics évoluaient librement dans la rue, où ils offraient leurs services aux personnes qui ne savaient pas ou trop peu écrire, mais qui, en diverses circonstances, avaient recours à un texte écrit. Leurs champs de compétences s’inscrivaient dans deux espaces irréductibles de la lettre — le savoir peindre avec art et beauté, et le savoir dire par écrit — où, dans une lutte silencieuse, se livrèrent concurrence la lettre calligraphique et la graphie du commun, la norme souhaitée et l’usage déviant, le talent d’une minorité et la capacité d’expression élémentaire du plus grand nombre.

Résumé Dans la France partiellement alphabétisée des XVIe-XVIIIe siècles, la coexistence des maîtres écrivains jurés et des écrivains publics reflète les tensions vécues par une société toujours plus soumise à l’écrit conquérant, connaissant de ce fait un besoin accru et diversifié de l’écrit, lors même que l’aptitude à écrire demeurait largement déficiente, aussi limitée qu’anarchique, particulièrement dans les franges inférieures de la population. La corporation des maîtres écrivains, experts en calligraphie, vit le jour en 1570 et jouit dès lors du double monopole des écoles publiques d’écriture et des expertises judicaires en matière manuscrite. Les maîtres œ uvraient à normaliser, consacrer et promulguer les graphies, entretenant à cette fin une certaine religiosité du corps écrit. Étrangers à l’art et à la dignité des maîtres, les écrivains publics évoluaient librement dans la rue, où ils offraient leurs services aux personnes qui ne savaient pas ou trop peu écrire, mais qui, en diverses circonstances, avaient recours à un texte écrit. Leurs champs de compétences s’inscrivaient dans deux espaces irréductibles de la lettre — le savoir peindre avec art et beauté, et le savoir dire par écrit — où, dans une lutte silencieuse, se livrèrent concurrence la lettre calligraphique et la graphie du commun, la norme souhaitée et l’usage déviant, le talent d’une minorité et la capacité d’expression élémentaire du plus grand nombre.

Résumé Claudel ne se réfère pas, pour juger et classer les oeuvres, à une hiérarchie des genres.Ses maîtres et ses modèles - Eschyle, Shakespeare, Virgile, Dante, Rimbaud — appartiennent à diverses époques et à divers styles du théâtre et de la poésie, sans écarter le roman - Balzac, Dostoïevski, Ramuz. Lui-même a pratiqué alternativement ou simultanément plusieurs genres et plusieurs registres, poétiques et dramatiques. L’appréciation, que Claudel portait sur les oeuvres était fondée seulement sur des critères d’ordre esthétique ou spirituel, comme l’inspiration, la composition, l’amour et l’interrogation du monde, enfin le goût de la grandeur humaine et de la beauté divine. C’est l’union de ces qualités qui constituait à ses yeux la définition des poètes « impériaux », universels ou « catholiques », au sens étymologique du terme.

Attirés par de beaux salmonidés, la fraîcheur et la beauté des paysages, des pêcheurs à la ligne pratiquent leur loisir dans des zones de rivière ou de canaux classées dangereuses ou interdites car à proximité d’ouvrages industriels. Se confrontant aux risques des industries, sans les dénoncer voire en les minimisant, ils apprennent à en discerner les contours et développent des comportements de prévention qui peuvent les amener à transgresser des règles. Loin de se résumer à une seule explication individuelle, la confrontation aux risques et aux règles résulte de situations rendues ambiguës par des superpositions de lois ainsi que par le positionnement d’acteurs et d’institutions qui cherchent à préserver leurs activités et leurs relations avec les différents partenaires du territoire. Soumis aux limites des mesures classiques de réduction des risques, les différents acteurs du territoire tentent d’élaborer de nouvelles solutions en concertation.

Le sujet de la thèse de Catherine Titeux est le mur en tant qu’élément du « décor », tel que l’Âge classique l’entend. Pour les architectes et les théoriciens du XVIe et du XVIIe siècle, le mur contribue à la beauté de l’édifice. Différentes techniques de finition permettent de l’embellir : appareils en pierre de taille dressés et ravalés, bossages, briques polychromes, enduits qui unifient et enluminent les parements. Qu’il soit nu ou orné le mur n’est jamais neutre. Etudiant un vaste corpus, l'auteur confirme certaines observations sur la façade française : l’effet a-tectonique des ornements, même si ceux-ci structurent la composition. Au principe classique de l’unité de l’organisme architectural, dans lequel rien ne peut être ajouté ou retranché, les architectes français apportent leur réponse : tous les éléments sont des ornements ainsi que le mur lui-même, qui se montre ou se voile de légers ornements. Catherine Titeux est architecte (ENSA de Paris Belleville), Docteur en Histoire de l'art et archéologie (Paris 4 Sorbonne). Elle enseigne à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Montpellier dans les champs Histoire et Cultures Architecturales et Théories et Pratiques du Projet Architectural et Urbain. Ses recherches portent sur le langage de l'architecture, sur l'ornement, sur les figures de la muralité qu'elle a particulièrement étudiées chez Leon Battista Alberti et dans l'architecture classique française.

Le sujet de la thèse de Catherine Titeux est le mur en tant qu’élément du « décor », tel que l’Âge classique l’entend. Pour les architectes et les théoriciens du XVIe et du XVIIe siècle, le mur contribue à la beauté de l’édifice. Différentes techniques de finition permettent de l’embellir : appareils en pierre de taille dressés et ravalés, bossages, briques polychromes, enduits qui unifient et enluminent les parements. Qu’il soit nu ou orné le mur n’est jamais neutre. Etudiant un vaste corpus, l'auteur confirme certaines observations sur la façade française : l’effet a-tectonique des ornements, même si ceux-ci structurent la composition. Au principe classique de l’unité de l’organisme architectural, dans lequel rien ne peut être ajouté ou retranché, les architectes français apportent leur réponse : tous les éléments sont des ornements ainsi que le mur lui-même, qui se montre ou se voile de légers ornements. Catherine Titeux est architecte (ENSA de Paris Belleville), Docteur en Histoire de l'art et archéologie (Paris 4 Sorbonne). Elle enseigne à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Montpellier dans les champs Histoire et Cultures Architecturales et Théories et Pratiques du Projet Architectural et Urbain. Ses recherches portent sur le langage de l'architecture, sur l'ornement, sur les figures de la muralité qu'elle a particulièrement étudiées chez Leon Battista Alberti et dans l'architecture classique française.

Le sujet de la thèse de Catherine Titeux est le mur en tant qu’élément du « décor », tel que l’Âge classique l’entend. Pour les architectes et les théoriciens du XVIe et du XVIIe siècle, le mur contribue à la beauté de l’édifice. Différentes techniques de finition permettent de l’embellir : appareils en pierre de taille dressés et ravalés, bossages, briques polychromes, enduits qui unifient et enluminent les parements. Qu’il soit nu ou orné le mur n’est jamais neutre. Etudiant un vaste corpus, l'auteur confirme certaines observations sur la façade française : l’effet a-tectonique des ornements, même si ceux-ci structurent la composition. Au principe classique de l’unité de l’organisme architectural, dans lequel rien ne peut être ajouté ou retranché, les architectes français apportent leur réponse : tous les éléments sont des ornements ainsi que le mur lui-même, qui se montre ou se voile de légers ornements. Catherine Titeux est architecte (ENSA de Paris Belleville), Docteur en Histoire de l'art et archéologie (Paris 4 Sorbonne). Elle enseigne à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Montpellier dans les champs Histoire et Cultures Architecturales et Théories et Pratiques du Projet Architectural et Urbain. Ses recherches portent sur le langage de l'architecture, sur l'ornement, sur les figures de la muralité qu'elle a particulièrement étudiées chez Leon Battista Alberti et dans l'architecture classique française.

O objetivo do artigo é contribuir para o debate sobre o tema da “cultura popular”, abraçado na universidade por diferentes disciplinas como a Antropologia, a História, a Literatura, a Sociologia e outras. Trata-se de um conceito que, apesar de sua extrema ambiguidade, quando menos se espera, volta a nos interrogar. Considerando o ressurgimento do interesse pelas práticas relacionadas a essa noção, no final do século XX, o texto tenta responder, em que medida elas a transformaram mais uma vez. Partindo do princípio de que o conceito de cultura popular é formulado por intelectuais, como mediadores simbólicos entre as classes populares e outros grupos de interesse, a metodologia adotada foi o estudo dos agentes culturais atualmente envolvidos com a questão, a saber: os próprios folcloristas, as ONGs, gestores culturais do Estado e grupos informais na cidade de São Paulo. Após o exame de algumas práticas e crenças dos novos intelectuais da cultura popular, conclui-se haver mudanças relevantes em relação ao período folclorista, embora vários traços do velho conceito resistam ao tempo e mesmo se fortaleçam com sua associação à causa da “diversidade cultural”.BETWEEN THE BEAUTY OF THE DEAD AND THE LIVING CULTURE: the popular culture(s) in the turn of the millennium and its symbolic mediatorsThe objective of this article is to contribute with the debate about the subject of “popular culture”, studied in the Academia by different disciplines such as Anthropology, History, Literature, Sociology, among others. It is a concept that, besides its extreme ambiguity, when least expected makes us question ourselves again. Considering the resurgence of the interest in practices related to this concept by the end of the 20th century, this text aims to answer in which measure this concept was once again transformed. Starting at the principle that the concept of popular culture is formulated by intellectuals, the methodology used was the study of cultural agents involved with this question which include folklorists, NGOs, State cultural managers and informal groups of the city of São Paulo. After the examination of some practices and believes of the new intellectuals of the popular culture, it is concluded that relevant changes have occurred since the folklorist period, although some traces of the old concept resist the passing of time and get stronger with the association with “cultural diversity”.Key words: Popular culture; Tradition; Brazilian culture; Cultural politics; Intellectuals ENTRE LA BEAUTÉ DU MORT ET LA CULTURE VIVANTE: la(les) culture(s) populaire(s) au passage du millénaire et ses (leurs) médiateurs symboliquesL’objectif de cet article est d’apporter une contribution au débat concernant le thème de la “culture populaire”, thème adopté à l’université par différentes disciplines telles que l’anthropologie, l’histoire, la littérature, la sociologie et d’autres encore. Il s’agit d’un concept qui, malgré son énorme ambiguïté, nous remet en question au moment où on s’y attend le moins. Compte tenu de la résurgence d’un intérêt pour les pratiques liées à cette notion à la fin du XXe siècle, le texte essaie de dire dans quelle mesure elles l’ont à nouveau transformée. En partant du principe selon lequel le concept de culture populaire est formulé par des intellectuels jouant le rôle de médiateurs symboliques entre les classes populaires et les autres groupes d’intérêt, la méthodologie adoptée fut d’étudier les agents culturels actuellement concernés par cette question, à savoir: les folkloristes eux-mêmes, les ONG’s, les gestionnaires culturels de l’état et les groupes informels de Sao Paulo. Suite à l’analyse de certaines pratiques et croyances des nouveaux intellectuels de la culture populaire, on en conclut qu’il y a eu des changements importants par rapport à la période folkloriste, même si plusieurs caractéristiques de l’ancien concept résistent au temps, ou encore se fortifient par leur association à la cause de la “diversité culturelle”.Key words: Culture populaire; Tradition; Culture brésilienne; Politiques culturelles-intellectuelles

La violence qui jadis évoquait l’horreur s’est au fil des ans développée une facette récréative et s’est infiltrée progressivement dans le domaine du sport qui compte pour une partie importante des activités de loisir. La société canadienne n’a malheureusement pas échappé à ce phénomène. Le hockey, ce sport adulé des Canadiens, offre un exemple regrettable d’infiltration de la violence récréative, violence à la fois néfaste, pernicieuse et prompte à l’escalade. À cause de l’ampleur du phénomène et des coûts sociaux qui en découlent, une prise de conscience individuelle et collective apparaît comme un véritable prérequis à l’adoption de mesures correctives efficaces. Les moyens traditionnels de contrôle et de prévention tels le droit sportif, le droit civil et le droit pénal n’ont pas produit les résultats escomptés et, de toute façon, ne sont destinés à servir que des fins précises et limitées. La province de Québec a innové en créant une Régie de la sécurité dans les sports. Cet organisme public indépendant s’est vu conféré des fonctions conseil, d’assistance, d’éducation, de contrôle, d’information ainsi que d’analyse et recherche. À ces fins la Régie a été dotée de pouvoirs d’inspection des centres sportifs et de l’équipement utilisé, d’émission de permis aux promoteurs d’activités sportives, d’adoption et d’approbation de règlements de sécurité tant pour les spectateurs que les participants et de pouvoirs d’enquête sur toute situation qui risque de mettre en danger la sécurité des personnes lors de la pratique d’un sport. Après un début lent dû à la phase laborieuse d’implantation administrative et de pénétration du milieu, la Régie s’est impliquée auprès de la population et du réseau scolaire par des campagnes publicitaires et d’information visant à promouvoir la sécurité et l’esprit sportif dans la pratique des sports. Elle s’est associée aux diverses fédérations sportives dans l’analyse et la révision de la réglementation applicable aux sports et aux loisirs afin de prévenir les accidents. L’action concertée de la Régie et des intervenants des milieux sportifs et récréatifs ont contribué grandement à la « responsabilisation » individuelle et collective en cours et devrait, à moyen et à long terme, permettre au sport de revenir à son but principal, c’est-à-dire favoriser le développement harmonieux du corps et de l’esprit ainsi que la recherche d’un équilibre entre ces deux composantes humaines ou mieux encore, selon l’idéal rêvé de de Coubertin, apporter le calme, la philosophie, la santé et la beauté.

L’inscription sanscrite dite de Lovek, lieu présumé de son origine, a pour objet de relater la donation d’une statue et d’un palanquin à un temple dans Dviradapura au Cambodge par Śaṃkara Paṇḍita, chapelain des trois grands rois du royaume khmer qui ont rempli presque tout le xie siècle de notre ère, Sūryavarman Ier (1002-1050), Udayā-dityavarman II (1050-1066), Harṣavarman III (1066-1080). L’acte de donation est formulé dans la dernière strophe du texte en sanscrit, puis en khmer dans un appendice énumérant toutes les donations pieuses faites par le donateur au cours de sa longue carrière de chapelain royal. Cela est précédé d’un long panégyrique du personnage et de sa famille, dont plusieurs membres de génération en génération au long de trois siècles (du ixe au xie), ont exercé d’importantes fonctions à la cour royale. La charge la plus haute, et la plus influente, parce que la plus proche du pouvoir, a été celle de guru, aussi appelé hotṛ ou purohita, maître dirigeant les rites royaux et conseiller personnel du roi. Il devait avoir une compétence dans trois domaines, pratique du rituel, érudition en langue, littérature et scolastique sanscrites, service du dharma, bon ordre en morale, droit et coutume profane et religieuse. Śaṃkara Paṇḍita fut le guru accompli dans les trois sphères. La conception théologique et l’ordonnan-cement du temple-montagne du Baphuon doivent lui être attribués aux côtés de Sūryavarman Ier et Udayādityavarman II. Il officia lors de la grande cérémonie d’installation d’un Liṅga d’or dans le sanctuaire sommital du Baphuon, qui est le second monument en taille, complexité et prestige après Angkor Vat. Ce texte est composé dans le style de la poésie savante sanscrite. Il est manifeste qu’une inscription sanscrite est composée au Cambodge, comme en Inde, avec égalité de méthode et d’esprit. Mais l’application des con-naissances issues des sources indiennes dans la pratique religieuse et dans les arts au Cambodge est manifestement khmère. Il n’en reste pas moins que la grandeur et la beauté de la conception, comme de la réalisation, sont également partagées entre la stèle inscrite et le monument. Une bonne approche des inscriptions sanscrites du pays khmer est sans conteste la confrontation du texte avec la discipline sanscrite de l’ornementation poétique (alaṃkāraśāstra) et la littérature religieuse tantrique de l’école du Śaivasiddhānta.

RESUMENEl objetivo de este artículo es reflexionar sobre los mecanismos de financiación y de control de las instituciones religiosas por los laicos en las primeras décadas de la conquista y colonización de Hispanoamérica. Investigar sobre la inversión laica en lo sagrado supone en un primer lugar aclarar la historiografía sobre laicos, religión y dinero en las sociedades de Antiguo Régimen y su trasposición en América, planteando una mirada desde el punto de vista de las motivaciones múltiples de los actores seglares. A través del ejemplo de restituciones, donaciones y legados en losAndes, se explora el papel de los laicos españoles, y también de las poblaciones indígenas, en el establecimiento de la densa red de instituciones católicas que se construye entonces. La propuesta postula el protagonismo de actores laicos en la construcción de un espacio cristiano en los Andes peruanos en el siglo XVI y principios del XVII, donde la inversión económica permite contribuir a la transición de una sociedad de guerra y conquista a una sociedad corporativa pacificada.PALABRAS CLAVE: Hispanoamérica-Andes, religión, economía, encomienda, siglos XVI y XVII.ABSTRACTThis article aims to reflect on the mechanisms of financing and control of religious institutions by the laity in the first decades of the conquest and colonization of Spanish America. Investigating lay investment in the sacred sphere means first of all to clarifying historiography on laity, religion and money within Ancien Régime societies and their transposition to America, taking into account the multiple motivations of secular actors. The example of restitutions, donations and legacies inthe Andes enables us to explore the role of the Spanish laity and indigenous populations in the establishment of the dense network of Catholic institutions that was established during this period. The proposal postulates the role of lay actors in the construction of a Christian space in the Peruvian Andes in the sixteenth and early seventeenth centuries, when economic investment contributed to the transition from a society of war and conquest to a pacified, corporate society.KEY WORDS: Hispanic America-Andes, religion, economics, encomienda, 16th and 17th centuries. BIBLIOGRAFIAAbercrombie, T., “Tributes to Bad Conscience: Charity, Restitution, and Inheritance in Cacique and Encomendero Testaments of 16th-Century Charcas”, en Kellogg, S. y Restall, M. 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With the advent of the global information age, Japanese youth today are required to have authentic abilities to communicate with different peoples from different countries in the English language, rather than simply a good knowledge of practical and functional American English. Affective learners of English are created through aesthetic reading, especially English poetry, when moved or inspired by the authenticity of the content implying the profound but subtle meaning of human emotion in life. In this sense, the way of affective and aesthetic English learning follows the traditional Japanese appreciation of ephemeral beauty. As an authentic incentive to intellectual activities, this sensitivity leads to a deep, accurate, and rapid understanding of different peoples in the global world. American English education in Japan therefore should be aimed at a broader goal of English as a shared language for Internet-based communication, fostering a greater sense of traditional Japanese beauty for a more affective English-learner in the global community. Avec l’avènement de l’ère de la mondialisation, la jeunesse japonaise d’aujourd’hui est tenue d’avoir des capacités authentiques afin de communiquer avec différents peuples de différents pays dans la langue anglaise, plutôt que de simplement avoir une bonne connaissance, pratique et fonctionnelle, de l’anglais américain. Des apprenants affectifs de l’anglais sont stimulés par la lecture esthétique, particulièrement la poésie anglaise, lorsqu’ils sont émus ou inspirés par l’authenticité du contexte impliquant la signification profonde mais subtile de l’émotion humaine dans la vie. Dans ce sens, la manière affective et esthétique de l’apprentissage anglaise suit l’appréciation japonaise traditionnelle de la beauté éphémère. Comme incitation authentique aux activités intellectuelles, cette sensibilité mène à une compréhension profonde, précise et rapide de différents peuples dans le monde globalisé. L’éducation de l’anglais américain devrait alors viser à un objectif plus général de l’anglais non seulement comme langue partagée pour la communication par Internet, mais aussi favorisant un plus grand sens de beauté traditionnelle japonaise afin de produire des apprenants affectifs dans la communauté globale.

Alors que l’objet d’étude « beauté » a été principalement pensé par les sociologues via un angle macro-social, analysant le corps et le travail esthétique des individus comme un « capital », « miroir » du social et des inégalités, nous tenterons ici d’interroger la pertinence de cette approche. En nous appuyant sur une enquête qualitative de thèse (2013-2014), nous mettrons en évidence qu’il existe des situations, notamment pour les femmes, lors desquelles la beauté est vectrice de « tensions », voire susceptible d’être stigmatisée (entrée en maternité, cadre professionnel). Ces exemples nous permettront de souligner les lacunes des analyses sociologiques étudiant les pratiques esthétiques dans une unique perspective d’accumulation de capital. En outre, nous détaillerons dans quelle mesure une sociologie de l’apparence qui considère cet objet avant tout comme une expérience réflexive à laquelle chacun se trouve confronté nous semble la plus pertinente ; le rapport au corps constituant un support identitaire central pour l’individu contemporain ayant à cœur d’exprimer une authenticité esthétique.

Après la crise post-électorale de 2010-2011, la prostitution sur les réseaux sociaux s’est développée à Abidjan. Face à la complexité de cette nouvelle forme de prostitution, les acteurs ont développé des stratégies d’adaptation, comme consommer des drogues et utiliser des compléments alimentaires et corporels. Cette étude vise à analyser les perceptions qui entourent l’usage des produits dopants et des compléments corporels chez les prostituées. L’enquête s’est déroulée à Abidjan et a porté sur cent-vingt-deux prostituées. Les données ont été recueillies à partir d’un entretien non directif. Les résultats montrent que les prostituées associent de multiples significations à leurs pratiques qui constituent non seulement un dernier recours pour atténuer les difficultés liées à la prostitution, mais aussi un moyen pour répondre aux critères de beauté et accroître la visibilité sur les sites de rencontre.

Introduction : la pratique de la dépigmentation cosmétique volontaire est de plus en plus adoptée par les jeunes filles. Ce phénomène de " mode " révèle un certain aspect socio-anthropologique qui assimile la couleur noire de la peau à une vision négative et inférieure de l'être humain. Méthode : il s'agit d'une étude transversale réalisée entre avril et mai 2023 qui a concerné 1039 étudiantes des écoles et universités du département des Collines sélectionnées par sondage aléatoire simple à plusieurs degrés. Résultats : la prévalence de la dépigmentation chez les filles enquêtées est de 78,2%. Les principaux produits utilisés sont les savons à base de dérivé mercuriel et d'hydroquinone (21,55%) et les lotions à base d'hydroquinone et de corticoïdes (75,65). 50% de ces filles savaient ce qu'était la dépigmentation. Pour 82,9% d'entre elles, la couleur de la peau est une représentation d'un critère de beauté et 14,5% l'associent à un critère de classe sociale. Les principales motivations sont entre autres : être plus belle (58,8%) ; unifier le teint (23,0%) ; plaire aux hommes (15,5%) ; à l'occasion d'événements sociologiques tels que le mariage ou le baptême (1,7%) et la rivalité (0,8%). 49,8 % avaient pour complication principale une dyschromie, 24,1 % des vergetures, 14,9 % des dermatites allergiques, 3,3 % de l'acné et 3,0 % des mycoses. Conclusion : la prévalence des dépigmentations enregistrées est très élevée et les actions de sensibilisation ainsi que la rigueur dans le contrôle des produits dépigmentants doivent être renforcées. Introduction: the practice of voluntary cosmetic depigmentation is increasingly being adopted by young girls. This “fashion” phenomenon reveals a certain socio-anthropological aspect, which equates the black color of the skin with a negative and inferior vision of the human being. Method: this is a cross-sectional study carried out between April and May 2023 which involved 1039 female students from schools and universities in the Collines department selected by simple multistage random sampling. Results: the prevalence of depigmentation among the girls surveyed was 78.2%. The main products used were soaps based on mercurial derivative and hydroquinone (21.55%) and lotions based on hydroquinone and corticosteroids (75.65). 50% of these girls knew what depigmentation was. For 82.9% of them, skin color is a representation of a beauty criterion and 14.5% relate it to a social class criterion. The main motivations are among others: to be more beautiful (58.8%); even out the complexion (23.0%); pleasing men (15.5%); on the occasion of sociological events such as marriage or baptisms (1.7%) and rivalry (0.8%). 49.8% had dyschromia as the main complication; 24.1% had stretch marks, 14.9% had allergic dermatitis, 3.3% had acne; and 3.0% had mycoses. Conclusion: the prevalence of depigmentation recorded is very high and awareness-raising actions as well as rigor in the control of depigmenting products should be increased.

Nous sommes envahis non seulement par les médias électroniques de toutes sortes, mais également par un discours pédagogique enjoignant les enseignants à revisiter leur pédagogie de façon à en tenir compte. Cet article se présente comme une réflexion préliminaire à l’adoption des modalités d’un tel changement de paradigme, plus spécialement dans les études littéraires, où a cours la notion de « classique », avec ce qu’elle suppose d’adhésion aux valeurs de beauté et d’universalisme, de tradition héritée du passé. Le propos est divisé en cinq sections. Après une interrogation sur le sens des nouvelles humanités issues du numérique suivent deux développements très liés, l’un portant sur les mutations de la lecture en fonction des nouveaux supports textuels et l’autre, sur l’appréciation du texte littéraire à l’heure de la lecture à l’écran. Les deux dernières sections, elles aussi dans le prolongement l’une de l’autre, abordent les pratiques informelles des jeunes à l’ère du numérique et comment l’école a commencé à en tenir compte.

Résumé : En Bourgogne, le clos est intimement lié à l’image de la viticulture, mais son sens, son origine et son histoire restent encore peu étudiés. Cet article propose une enquête dans les sources médiévales et modernes visant à interroger la chronologie de la pratique, et la ou les valeurs de cette clôture sur les Côtes de Nuits et de Beaune. Sur le coteau bourguignon, le rythme d’apparition des clos est discontinu, marqué par deux temps forts majeurs, l’un à la charnière des XIIème et XIIIème siècles, l’autre entre les XIXème et XXème siècles. S’ils se traduisent de la même manière dans le paysage, les valeurs sous-jacentes qu’ils recouvrent, leur rôle ou leur charge symbolique diffèrent. Pour le Moyen Âge, l’analyse historique souligne la valeur de droit et de fiscalité d’une clôture qui permet d’extraire une partie de terre d’un mode d’imposition ou de justice appliqué à un territoire plus vaste. Après la Révolution, la clôture perd ce sens premier mais, loin de disparaître, sa valeur est remotivée. Le clos devient alors progressivement l’expression d’une viticulture d’exception.

Depuis quelques années, les États cherchent à diversifier leurs sources d’énergie par le développement de nouvelles formes de production de masse, afin de limiter l’exploitation des usines thermiques au charbon, au pétrole ou nucléaires. Cette tendance a mis de l’avant de nouvelles technologies, comme celle de l’éolien, qui ont des répercussions notables sur les territoires et les paysages. Ces développements soulèvent notamment des questions en termes de durabilité et d’influence sur les activités existantes comme le tourisme. En effet, la beauté des paysages et des panoramas compte parmi les principales ressources – sinon la principale dans bien des cas – sur lesquelles est construite l’attractivité touristique d’une région. La question se pose donc toujours de savoir si l’implantation de turbines de grande taille ne modifiera pas le paysage à tel point que cette attractivité et, par extension, l’économie touristique s’en trouveraient affectées. Les études sur les impacts du développement éolien ont fait l’objet de nombreuses publications ces dernières années, mais celles sur leurs conséquences sur le tourisme se font plus rares. Celles recensées suggèrent qu’il n’y a pas nécessairement d’incompatibilité entre ces deux secteurs, quoiqu’elles mettent en évidence un impact mineur de ces infrastructures sur les perceptions des touristes. L’objectif de la présente recherche était de mesurer, par une étude quantitative, l’impact des éoliennes sur la représentation que des touristes se font de la Gaspésie et de ses paysages, pour ainsi saisir si l’attractivité de cette région s’en trouve modifiée. Le cadre d’analyse repose sur trois concepts principaux que sont le « paysage », en tant que ressource pour le tourisme, et « l’horizon d’attente » qui, conjointement avec le « champ d’expérience », permettent l’intégration des pratiques touristiques dans un ensemble plus large socialement et temporellement. Bien que les résultats d’enquête fassent ressortir des nuances quant à l’influence de l’emplacement des éoliennes, cette recherche confirme que leur présence a en réalité peu d’impact sur l’expérience touristique et sur le désir de fréquentation future.

En une formule d’une belle densité, Simone de Beauvoir a résumé cette attitude négative à l’égard du vieillissement qu’est l’âgisme : « Si les vieillards manifestent les mêmes désirs, les mêmes sentiments, les mêmes revendications que les jeunes, ils scandalisent; chez eux, l’amour, la jalousie semblent odieux, la sexualité répugnante, la violence dérisoire. Ils doivent donner l’exemple de toutes les vertus. Avant tout on réclame d’eux la sérénité » (1970, p. 9-10). L’âgisme repose sur une vision stéréotypée et dépréciative des personnes âgées, perçues comme déclinantes et dépendantes, malades et peu attirantes, conservatrices et incapables de s’adapter aux changements (sociaux ou technologiques). Inutiles, ces personnes représentent un fardeau pour les plus jeunes; déclinantes, elles n’ont plus aucune passion ou projet; dépassées et incompétentes, elles doivent se tenir en retrait. Cette vision se traduit par des comportements condescendants ou d’évitement, de la discrimination et de l’exclusion de certains espaces ou sphères d’activités, comme le travail, les discussions politiques ou la sexualité. Elle a des effets délétères sur les personnes âgées (image de soi négative, retrait et isolement), ainsi que des coûts économiques et sociaux (Puijalon et Trincaz, 2000; Nelson, 2002; Billette, Marier et Séguin, 2018). L’âgisme repose sur une homogénéisation (les personnes âgées sont toutes semblables), une dépréciation (le vieillissement est toujours négatif, il est décrépitude et dépendance) et une essentialisation (cette décrépitude et cette dépendance sont naturelles et inévitables). On ne peut expliquer l’âgisme uniquement par la valorisation de la jeunesse, de la nouveauté et de l’indépendance, même si ces valeurs jouent un rôle, non plus que par l’ignorance ou l’anxiété que provoquent le déclin, la confusion et la mort, quoique cela fasse aussi partie de l’expérience du vieillissement (Ballanger, 2006). L’âgisme – du moins les formes les plus étudiées et pour lesquelles le terme a été forgé – émerge en Occident dans un contexte social et politique particulier. Quatre grands phénomènes doivent être pris en considération. Le premier est démographique. Le vieillissement de la population dans les sociétés occidentales et industrialisées a fait des personnes âgées un groupe toujours plus important de consommateurs, d’électeurs et de bénéficiaires de services. Très tôt, cette importance numérique a soulevé un ensemble d’inquiétudes et de controverses touchant la croissance des coûts de santé, le financement des caisses de retraite et l’équité fiscale entre les générations, le soutien des personnes dépendantes. Ces débats contribuent à faire de la vieillesse un problème social, ainsi qu’une menace et un poids pour les plus jeunes générations en l’associant au déclin, à la dépendance et à des coûts (Katz, 1996). Le second phénomène est l’invention de la retraite dans les sociétés salariales. En fixant une limite d'âge pour le travail (65 ans, par exemple), on a créé une nouvelle catégorie sociale, les retraités, et déterminé à quel âge on devient vieux. Le vieillissement s’est trouvé du même coup associé à l’inactivité et à la non-productivité, au retrait du travail et de l’espace public. Le troisième phénomène est la production de savoirs sur le vieillissement. Après la Seconde Guerre mondiale, «une constellation d’experts se déploie avec force et autorité autour des personnes âgées», comme le dit si bien Aline Charles (2004 : 267) : médecins, travailleurs sociaux, ergothérapeutes. Deux nouveaux champs d’expertise se développent, la gériatrie et la gérontologie, qui vont faire du vieillissement un domaine spécifique de savoirs et d’interventions. Ces expertises participent étroitement à la manière dont le vieillissement est pensé, les enjeux et les problèmes formulés (Katz, 1996). Elles contribuent à renforcer l’association faite entre le déclin, la dépendance et l’avancée en âge. Elles le font par le biais des politiques, des programmes et d'interventions visant à évaluer la condition des personnes, à mesurer leur autonomie, leur vulnérabilité et les risques auxquels elles sont exposées (Kaufman, 1994), et par une médicalisation du vieillissement, qui en fait un problème de santé appelant des mesures préventives et curatives. Enfin, le quatrième phénomène est politique. La reconnaissance et la dénonciation de l’âgisme apparaissent dans la foulée du mouvement des droits civiques et des luttes contre les discriminations raciales aux États-Unis (Butler, 1969). Elles s’inscrivent dans le mouvement de défense des droits de la personne. Plus largement, elles prennent naissance dans un contexte où l'égalité des droits devient centrale dans la représentation des rapports sociaux : l'âgisme contrevient à un idéal d'accès aux biens et aux services, il engendre des inégalités dans la participation à la parole et aux décisions ainsi que l'exclusion. (Dumont, 1994). Reprise par différents groupes d’intérêts, ainsi que par des institutions nationales et internationales, la critique et la dénonciation de l'âgisme conduisent à l’énonciation de droits pour les personnes âgées et à la mise sur pied de mécanismes pour garantir le respect de ces droits, à des campagnes d’éducation et de sensibilisation, à l’adoption de plans d’action, de lois et de règlements pour prévenir les discriminations. Elles rendent le phénomène visible, en font un problème social, lui attribuent des causes et des effets, proposent des mesures correctives ou des visions alternatives du vieillissement. Les représentations et les attitudes négatives à l’égard du vieillissement ne sont pas propres à l’Occident, tant s’en faut. Mais l’âgisme ne doit pas non plus être confondu avec toute forme de classification, de segmentation ou de division selon l’âge. Il émerge dans des sociétés individualistes, qui tendent à disqualifier ceux qui répondent moins bien aux valeurs d’indépendance, de productivité et d’épanouissement personnel. Des sociétés où il n’y pas à proprement parler de classes ou de groupes d’âge, avec leurs rites, leurs obligations et leurs occupations spécifiques (Peatrik, 2003), où les catégories d’âge sont relativement ouvertes et ne comportent pas de frontières nettes et de statuts précis, hormis la retraite pour la catégorie des «aînés», favorisent un redéfinition du vieillissement en regard des normes du travail et de la consommation; des sociétés où les rapports et les obligations entre les générations ne sont pas clairement définis, et donnent lieu à des débats politiques et scientifiques. Les anthropologues peuvent s'engager dans ces débats en poursuivant la critique de l’âgisme. Cette critique consiste à relever et à déconstruire les discours et les pratiques qui reposent sur une vision stéréotypée et péjorative du vieillissement et des personnes âgées, mais également à montrer comment les politiques, le marché de l’emploi et l’organisation du travail, la publicité, les savoirs professionnels et scientifiques, la médicalisation et les transformations du corps, comme la chirurgie plastique ou les usages des médicaments, reposent sur de telles visions. Elle porte égalerment sur les pratiques discriminatoires, en examinant leurs répercussions sur la vie et le destin des individus, comme la réduction des possibilités d’emploi ou la perte de dignité, ou encore sur la manière dont l’âgisme se conjugue à des stéréotypes sexistes et racistes, pour déprécier et marginaliser davantage des catégories spécifiques de personnes âgées. Elle permet de mieux comprendre quels intérêts matériels et symboliques servent ces représentations et ces pratiques, et dans quel contexte l'âgisme apparait. Mais la critique peut être élargie à l’ensemble des discours du vieillissement. Très vite, des représentations concurrentes de la vieillesse ont émergé dans les pays occidentaux. La critique de l’âgisme a conduit à l’apparition de nouveaux modèles, comme la vieillesse «verte», le vieillissement «actif» ou le vieillissement «réussi» (successful aging), donnant une image positive de la vieillesse et proposant aux personnes âgées de nouveaux idéaux (demeurer indépendant et actif), de nouvelles aspirations (authenticité, expression de soi et développement personnel) et de nouveaux modes de vie (actifs et socialement utiles). Ces nouveaux modèles font la promotion de conduites qui favorisent la santé et retardent le déclin, comme la participation sociale ou les activités intellectuelles et sportives (Biggs, 2001; Charles, 2004; Raymond et Grenier, 2013; Lamb, 2017). Ces nouveaux modèles ne sont toutefois pas exempt de clichés et de stéréotypes, ils sont tout autant normatifs et réducteurs que les représentations âgistes, et servent aussi des intérêts politiques (réduction du soutien aux ainés dépendants) et économiques (développement d’un marché de biens et services pour les aînés). Surtout, ils reposent sur les mêmes normes que l’âgisme, dont ils inversent simplement la valeur : l’activité plutôt que le retrait, l’autonomie plutôt que la dépendance, la beauté plutôt que la décrépitude. On demeure dans le même univers culturel de référence. Ces modèles traduisent en fin de compte un refus du vieillissement, entretenant ainsi une aversion envers celui-ci. On peut pousser la critique encore plus loin, en comparant ces représentations et ces modèles avec ceux qui prévalent ailleurs qu’en Occident. Cela permet notamment une analyse des formes de subjectivation, c’est-à-dire de la manière dont les individus font l’expérience de l’avancée en âge. L’anthropologie peut ainsi contribuer à mieux comprendre les représentations culturelles et les modèles du vieillissement et les pratiques qui leurs sont associées, les politiques et les formes d’organisation des relations entre les individus, d’aménagement de l’espace et du temps qu’elles favorisent. Elle peut contribuer à mieux comprendre comment ces représentations et ces modèles façonnent l’expérience des individus : leurs rapports à soi, aux autres, au monde, la manière dont ils reconnaissent et réagissent aux signes de la vieillesse (rides, douleurs, lenteur), de la sénescence ou de la démence, la manière dont ils anticipent leur vieillissement et s’y préparent, les responsabilités et obligations qu’ils se reconnaissent, leurs attentes à l’égard des plus jeunes, les activités qu’ils s’interdisent ou s’obligent à faire, le type d’indépendance qu’ils recherchent (Leibing, 2004; Lamb, 1997, 2017). La comparaison permet de dégager la variété des expériences et des formes alternatives de vieillissement. Elle permet de mettre en lumière le caractère très relatif des signes du vieillissement, mais aussi des qualités par lesquelles un individu est reconnu comme une personne, un sujet ou être humain.

L’intention de ce numéro de Regards économiques est d’explorer le principe d’une taxe portant exclusivement sur la terre. Comme son nom l’indique, la taxe terrienne porte sur la terre proprement dite, et non sur les fruits que l’homme peut en tirer grâce à son travail (par exemple les récoltes de l’agriculteur), ni sur les bâtiments éventuellement construits dessus. A travers la taxe terrienne, c’est l’occupation privative du sol qui est visée. La terre présente en effet la particularité de ne pas être produite par l’activité économique, mais d’être une ressource naturelle «fournie gratuitement» par la nature. En conséquence, son appropriation privée pose le problème de légitimité suivant : de quel droit un individu peut-il s’approprier une parcelle de terre qu’il n’a pas produite et ce faisant, d’en monopoliser les services? Les services offerts par la propriété terrienne sont multiples et variés : il peut s’agir par exemple de la beauté du site, de la fertilité du sol ou d’avantages offerts en termes de proximité de services publics locaux (écoles, hôpital,...). En monopolisant ces services, le propriétaire exclut d’autres personnes de la possibilité d’en jouir, ce qui peut justifier qu’une contrepartie soit exigée par la collectivité, contrepartie qui peut prendre la forme d’une taxe terrienne. En principe, toutes les terres, urbaines, agricoles ou autres, sont susceptibles de faire partie de la base de la taxe. Celle-ci peut être calculée en fonction de critères différents. L’article envisage trois cas, selon que la taxe porte sur la surface, la valeur ou le revenu de la terre (ce qu’on appelle la rente terrienne). Ces trois formes de taxe ne sont bien sûr pas équivalentes, notamment en termes d’équité ou au niveau des informations nécessaires pour les appliquer. La taxe terrienne est à la fois une idée ancienne et toujours d’actualité. Elle est appliquée à des degrés divers ou fait l’objet d’études dans différents pays. Elle a eu dans le passé des partisans illustres, à l’exemple d’Adam Smith. Elle bénéficie encore aujourd’hui du soutien de plusieurs «prix Nobel d’économie». Plusieurs arguments sont en effet avancés en sa faveur par ses défenseurs. Le premier est qu’elle porte sur un facteur immobile et donc non éludable. Un deuxième argument est qu’elle pourrait constituer un instrument de politique foncière, en particulier pour lutter contre la spéculation et les pratiques de rétention de terre (une réalité présente en Wallonie). Elle pourrait aussi constituer un mécanisme de compensation financière (au moins partiel) des propriétaires en cas d'installation d'une «nuisance» dans leur voisinage (par exemple une éolienne), ce qui serait susceptible d'atténuer des attitudes du type «pas chez moi !». Un autre argument en faveur de la taxe terrienne, tout particulièrement en milieu urbain, est qu’elle inciterait le propriétaire d’une parcelle à tenir compte des coûts de congestion qu'il crée dans son environnement. L’intérêt passé et présent relatif à la taxe terrienne s’explique aussi par les questions et enjeux autour d’une telle taxe. Son application pose dès le départ le problème fondamental de son but et de son «ambition». A titre d’exemple, doit-elle concerner tout le territoire d’un pays ou seulement certaines zones en fonction de leurs affectations ? Doit-elle être conçue de façon isolée, ou dans le cadre d’une vaste réforme de la fiscalité (le fameux tax-shift) ? A quel niveau doit-t-elle être fixée ? L’application d’une taxe terrienne peut avoir un caractère limité et local, ou au contraire être beaucoup plus ambitieuse et globale. Les enjeux financiers, notamment pour les pouvoirs publics, seront évidemment très différents. Enfin, comme tout instrument fiscal, l’application d’une taxe terrienne pose la question de ses impacts sur les activités économiques, en particulier sur la viabilité des exploitations agricoles. Vu l’ampleur du sujet, il était impossible d’étudier tous les aspects de la taxe terrienne dans le cadre de cette étude. Aussi se termine-t-elle par une invitation à une étude beaucoup plus approfondie et nécessairement multidisciplinaire à son propos.