Дисертації з теми "Pratique muséale"

La thèse contribue à comprendre le rapport qui peut s'établir entre expérience spécifique de la culture et relation à la culture, dans le cas particulier de la visite muséale. C'est la notion d'ajustement qui est proposée pour rendre compte de ce rapport. Celle-ci désigne un régime d'interaction au cours duquel, l'acteur social s'engage dans un corps-à-corps avec un dispositif de communication et interprète la situation en mobilisant des représentations de cette situation et de son rôle de visiteur. Aussi la première partie montre - grâce à un détour par les théories de l'ethnométhodologie, des représentations sociales et de l'interaction médiatisée - comment le cadre méthodologique de la thèse a été construit pour appréhender la pratique du visiteur en train de se déployer. Deux terrains ont été choisis pour cette analyse : une exposition temporaire, dans les salles du musée du Louvre, qui engage une situation postulée comme une expérience de visite ; et un jeu pédagogique sur téléphone portable, mené dans les salles du musée des arts et métiers, qui ébranle, précisément, ce prérequis. La deuxième partie présente ainsi une analyse qui met en regard l'étude de la préfiguration des situations de communication par les dispositifs pour chacun des terrains, et la dynamique de leur redéfinition par les visiteurs, dans un ajustement progressif. L'exemple du texte, en tant qu'il est un opérateur de médiation aux objets et aux savoirs, permet de voir comment le visiteur s'ajuste à une double anticipation (l'activité de lecture et l'activité de visite), dans une tension entre la caractérisation de ses postures de lecture, la retextualisation des propositions et la reformulation permanente du projet général de la visite. La troisième partie consiste alors à regarder comment le visiteur caractérise la situation qu'il est en train de vivre, non plus seulement à partir de son expérience de lecture, mais à partir de sa compréhension de son activité générale de visite. On observe alors que les visiteurs vivent profondément une situation d'interaction médiatisée, c'est-à-dire qu'à la fois ils postulent une forme de dialogue avec un concepteur qui leur " parle " et en même temps ils identifient en permanence le geste expographique qui consiste à mettre en scène un espace. Cette situation est vécue dans un jeu d'attention très forte aux caractéristiques sémiotiques de l'exposition et de suspension volontaire de l'incrédulité. Pour terminer, l'analyse a permis de mettre au jour trois formes d'ajustement caractéristiques : (1) la mobilisation et construction de figures de parcours et de figures de visiteurs qui médiatisent le rapport de l'acteur à sa propre pratique et qui lui permettent de juger la situation de communication qu'il est en train de vivre. (2) La prise de rôle qui s'élabore à partir de la nécessité de trouver un cadre pertinent d'interprétation pour l'activité. (3) Et enfin, le jeu entre description de l'activité et cadre général d'interprétation qui permet au visiteur de construire un rapport plus général à la culture.

Face à la discontinuité et à l’hétérogénéité essentielles – et non accidentelles – de la communication muséale, le spectre des postures adoptées par les acteurs de la médiatisation investis dans ces processus est très large. La présente thèse cherche à examiner la manière dont ces acteurs (autant ceux qui évoluent au sein des musées qu’autour de ces derniers) s’engagent dans un jeu d’anticipations croisées où chacun cherche à s’assurer des prises sur le continuum de la médiation patrimoniale pour poursuivre ses projets respectifs. Conduite dans le cadre d’un financement CIFRE au sein de l’agence prestataire de musées Mazedia, cette thèse se focalise, dans cette situation d’incertitude plus ou moins radicale, sur le recours aux médias informatisés et, plus précisément, aux architextes ; ces outils d’écriture qui conditionnent l’écriture (et, de fait, la lecture) des autres. Dans une démarche à la croisée entre sémiologie des médias et des médiations et économie politique de la communication, deux architextes font l’objet d’une analyse détaillée : DMA Friends (conçu par le musée d’art de Dallas) et Wezit (conçu par l’agence Mazedia). Le premier a été choisi pour la façon dont il illustre un processus d’architextualisation de l’évaluation muséale (appréhendée comme une écriture des pratiques) ; le second, un processus d’architextualisation des pratiques d’écriture de médiation de type « transmédiatique ». Dans une perspective exploratoire est examinée l’articulation possible entre ces deux processus et la manière dont celle-ci est susceptible de reconfigurer la manière dont la médiation patrimoniale peut opérer lorsqu’elle repose sur l’intervention des médias informatisés
When dealing with the discontinuity and heterogeneity of museum communication (which is essential and not at all accidental), the broad spectrum of the positions adopted by the actors of mediatization who are involved in the processes is substantial. This thesis examines the manner in which these actors (i.e. those working in museums and those collaborating with them) anticipate complex interactions and seek to guarantee their place on the continuum of heritage interpretation in order to pursue their respective projects. This thesis was possible thanks to a CIFRE grant and was undertaken within a service provider for museums called Mazedia. In this context of relatively significant institutional instability, its aim is to focus on the reliance on digitized media and, more precisely, on architexts, that is, writing tools which condition the writing (and, as a result, the reading) of others. In a process which is situated at an intersection between media and mediation semiology and political economy of communication, two architexts are analyzed in detail, DMA Friends (conceived by the Dallas museum of Art) and Wezit (conceived by Mazedia) respectively. The first was chosen on account of the way it illustrates a process of architextualisation of museum evaluation (apprehended as practices scripturalization). The second deals with a process of the architextualization of practices of transmedia interpretation writing. It is in an exploratory perspective that this thesis examines the possible articulation between these two processes and the manner in which the latter is susceptible to reconfigure the way heritage mediation can operate when it relies on the use of digitized media

La pédagogie muséale est une discipline portant sur l’introduction de l’art et du musée dans le système éducatif et sur l’utilisation particulière des ressources muséales lors des visites au musée par les enfants. L’expérience russe est à cet égard particulière et mérite une étude approfondie que propose cette thèse. En nous concentrant sur l’étude du Musée russe, musée pionnier et chantre de la pédagogie muséale, nous comprenons que le musée est en Russie une institution extrêmement dynamique et porteuse d’innovations originales. Ces avancées sont le fruit d’une forte tradition ancrée dans le monde muséal russe depuis la période soviétique, durant laquelle le musée était un lieu d’éducation majeur. Aujourd’hui, la pédagogie muséale russe a évolué et n’est plus teintée de propagande. Le Musée russe, un des plus grands musées de Russie, a théorisé et développé la pédagogie muséale à un niveau jusqu’à présent inégalé dans le monde. Le Musée russe travaille depuis plus de vingt ans à offrir à l’éducation russe une humanisation de l’enseignement au moyen de l’art. Son programme éducatif « Bonjour musée ! » appliqué dans les écoles, de la maternelle au lycée, donne aux enfants, par l’étude de l’art russe et mondial, les bases culturelles indispensables à une harmonieuse compréhension du monde environnant, alliée à l’éveil du sentiment national, un thème cher aux Russes. L’analyse de l’expérience du Musée russe dans le domaine de la pédagogie muséale vise à montrer d’une part l’impact bénéfique de l’art sur l’épanouissement de l’enfant et d’autre part les multiples applications de l’art pour l’enseignement, par le développement de l’interdisciplinarité : enseignement des mathématiques, chimie, physique et langues étrangères par le biais de l’art
The museum pedagogy is a discipline on the introduction of art and museum resources in the education system. The Russian experience in this regard is particularliar and deserves further study as it is proposed in this thesis. By focusing on the study of the Russian Museum, museum pioneer of museum pedagogy, we find evidence that the museum is an institution in Russia extremely dynamic with original innovations. These advances are the result of a strong tradition rooted in the museum world since the Soviet period that the museum is a major place for education. Today, the Russian museum education has evolved and is no longer linked with propaganda. The Russian Museum, one of the largest museums in Russia, has theorized and developed museum pedagogy at a level far unequaled in the world. The Russian Museum has over twenty years offered the Russian education humanization of education through art. Its educational program "Hello museum! "applied in schools, from childrengarden to high school, gives children, trough the study of Russian and world art, cultural foundations necessary for a harmonious understanding of the surrounding world, coupled with the awakening of national consciousness, a beloved theme for Russians. The analysis of the experience of the Russian Museum in the field of museum pedagogy is to show, first the positive impact of art on the development of the child and secondly the multiple applications of art education for the development of interdisciplinarity: teaching of mathematics, chemistry, physics and foreign languages through the medium of art

Lascaux, Altamira, Chauvet, Cussac, Kapova : nombreuses sont les grottes ornées préhistoriques fermées aux publics pour des raisons de conservation. Pourtant, ces patrimoines invisibles n'ont jamais été aussi accessibles : répliques et visites virtuelles permettent aujourd'hui de proposer l'expérience de la grotte, sans toutefois nécessiter d'en ouvrir les portes. Ces dispositifs constituent ainsi une solution idéale pour concilier les enjeux de préservation et d'accessibilité ; mais peut-on prétendre, par leur intermédiaire, restituer une grotte ornée à l'espace public ? Cette recherche doctorale propose une réflexion sur l'acte de substitution, à partir de l'étude du cas de la grotte de Lascaux, fermée aux publics en 1963 et qui se décline aujourd'hui dans un large éventail d'offres de visites. Le cas de la grotte de Lascaux est à la fois pionnier et représentatif de l'évolution des politiques de gestion patrimoniale des grottes ornées, depuis l'exploitation vers la sanctuarisation. Par l'analyse du contexte d'émergence du projet de facsimilé Lascaux II, dans les années 1970, nous analysons l'articulation complexe de l'acte de substitution aux gestes de sa patrimonialisation. En procédant à l'analyse expographique croisée de sept dispositifs accessibles aux publics en 2021-2022, nous montrons comment l'offre culturelle, par la mise en scène, en dynamiques et en récits de l'espace de visite, décline la grotte de Lascaux dans un paysage de substitution. Aussi et surtout, nous avons choisi de mener l'enquête auprès des professionnels qui opèrent et interagissent aux différentes phases des processus de reproduction, depuis l'acquisition des données dans la grotte jusqu'à l'accompagnement de visites auprès des publics. L'analyse de leurs pratiques et de leurs discours permet d'explorer et de questionner les mécanismes de l'incarnation de la grotte de Lascaux dans ses substituts, entre distanciation, rapprochement et confusion
Lascaux, Altamira, Chauvet, Cussac, Kapova: many prehistoric caves are closed to the public for conservation reasons. And yet, these invisible heritages have never been so accessible: replicas and virtual tours can now offer the cave experience, without the need to open the doors. These devices are thus an ideal solution for reconciling the challenges of preservation and accessibility, but can they be used to restore an ornate cave to the public realm? This doctoral research proposes a reflection on the act of substitution, based on the case study of the Lascaux cave, which was closed to the public in 1963 and which today offers a wide range of visits. The case of the Lascaux cave is both pioneering and representative of the evolution of heritage management policies for decorated caves, from exploitation to sanctuarization. By analyzing the context of the emergence of the Lascaux II facsimile project in the 1970s, we analyze the complex articulation of the act of substitution with the gestures of its patrimonialization. By carrying out a cross-exhibition analysis of seven devices accessible to the public in 2021-2022, we show how the cultural offer, through the staging, dynamics and narratives of the visitor space, declines the Lascaux cave in a substitute landscape. Above all, we have chosen to survey the professionals who operate and interact in the various phases of the reproduction process, from the acquisition of data in the cave to the accompaniment of public tours. By analyzing their practices and discourses, we can explore and question the mechanisms by which the Lascaux cave is embodied in its substitutes, between distancing, rapprochement and confusion

Avec le developpement des technologies multimedia interactives, les musees editent des cederoms et des sites web sur l'internet, dans le cadre de la mission de diffusion et d'une logique de communication et de services. L'etude des interactions entre les pratiques de musee et de multimedia de musee permet de relever les relations entre musee et multimedia et entre musee multimediatise et usagers. Pendant un an et demi, une enquete qualitative par observation et entretiens a ete menee aupres de seize participants, abonnes de musee, afin d'analyser leurs usages domestiques ou en contexte public hors musee de multimedia de musee. Une culture technique leur permet de developper de veritables competences multimedia et face aux incontournables problemes informatiques, les usagers elaborent des tactiques et procedent a des detournements par rapport aux usages prescrits. Pour consulter le cederom ou naviguer sur le site web de musee, ils se referent a leurs connaissances du musee et a un ensemble de pratiques culturelles et mediatiques. Mais, l'absence d'interactions entre les pratiques museales et multimediatiques demontre que la posture interactive des usagers participe d'une nouvelle relation mediatisee par ordinateur. Les logiques de retrait, d'altruisme, de distinction, d'introspection, d'utilitarisme, de performance, de jeu et une logique minimaliste, en matiere d'usage de la technologie ont pu etre degagees. Enfin, l'observation des interactions de ces deux pratiques rend possible l'analyse de l'appropriation sociale des technologies multimedia interactives. Il semble pertinent de poursuivre l'etude de l'interactivite informatique et de la mediation technicisee, en sachant que cette recherche doctorale a la volonte de poser les bases d'une approche qui vise a analyser de facon concomitante le communicationnel et le social.

Le public familial représente une part importante et croissante de la fréquentation des musées. Articulant deux enquêtes, quantitative et qualitative, dans trois musées parisiens, cette recherche dresse le portrait des groupes familiaux fréquentant les musées, et saisit leurs motivations, leurs démarches et leurs pratiques de visites. La composition de ces groupes reflète les évolutions de la famille contemporaine, notamment son repli sur la cellule nucléaire, entière ou fractionnée. La visite s'insère dans une multitude de contextes et d'emplois du temps, qui révèle et questionne la plasticité de l'équipement muséal. Face à cette diversité, les motivations font apparaître trois logiques de visites : elles inscrivent les musées comme des lieux éducatifs, de partage et d'épanouissement. La visite participe ainsi tant à la reproduction sociale qu'à la construction personnelle des enfants voire à des phénomènes de cohésion familiale. La pratique familiale de visites nécessite du temps, des expériences et s'élabore par étapes. Elle est aussi un acte identitaire, impliquant les dimensions intime et statutaire de chaque membre. Si cette problématique identitaire peut générer des tensions lors de la visite, elle transforme aussi l'appréhension des musées des adultes. Le statut parental bouleverse ainsi leurs rapports à l'institution. Bien que quantitativement le public familial apparaisse aussi élitiste que l'ensemble des visiteurs, à l'échelle qualitative la parentalité contribue à ce que des adultes peu diplômés et peu familiers des musées y accèdent. La visite apparaît comme un moment clé de négociations des relations au sein de la famille mais aussi d'initiation pour les plus jeunes, de redécouverte (voire de découverte) pour les parents. La prise en compte de ce phénomène constitue un enjeu majeur de la politique culturelle des musées
People going to museums as families is an important and growing segment for attendance. The research presented here––which is drawn from two quantitative and qualitative surveys at three museums in Paris––describes the people making up family groups who visit museums and shows their motivations, strategies and visiting habits. The composition of these groups reflects the change in structure of modern families, particularly the move back to the nuclear family, in whatever configuration. Visiting is a particular context and just one of many options for spending time. It calls into point and questions the aesthetics of museum facilities. Given this diversity, the motivations for visiting can be broken down into three broad categories: the museum as an educational experience, the museum as a means for sharing and the museum experience as way toward self-discovery. In this way, going to museums contributes to both making children members of society and their personal growth. It also adds to various aspects of family building. Family visits to museums require time and experience. They come about in stages. These visits are also an identity confirming behaviour, involving the individuality and status of each person as a family member. As identity related issues may generate tensions during a visit, it also transforms the apprehension of museums on the part of adults. Parental status equally impacts on relationships to museums as institutions. Though in quantitative terms families are shown to be as elitist as visitors as a whole, on the qualitative side, their roles as parents enables those with less education or who are unfamiliar with museums to attend. Visiting has been shown to be a key time for negotiating relationships within families. It also affords an opportunity for initiating the younger members, and, for parents, an occasion for rediscovery (or discovering for the first time). Taking this into account constitutes a major stake in the cultural policy of museums

À partir d'une enquête ethnographique sur les réceptions situées d'un tableau de Nicolas Poussin conservé au musée des beaux-arts de Lyon, cette thèse interroge la place de la visite au musée d'art dans les répertoires de loisir des classes moyennes et supérieures. Elle s'appuie sur trois matériaux principaux : environ 50 journées d'observations in situ de l'activité des visiteurs, 45 entretiens de réceptions menées au musée, et 18 entretiens biographiques portant sur les habitudes de visite de visiteurs occasionnels ou réguliers aux profils sociaux similaires à ceux arrêtés au musée. La thèse met en évidence l'importance du statut des œuvres dans l'orientation et dans l'allocation de l'attention des visiteurs. Cet usage pratique de la légitimité culturelle produit un paradoxe : le tableau examiné est considéré comme un chef-d'œuvre, mais il suscite peu d'intérêt esthétique. L'examen lexicométrique d'un corpus d'articles de presse consacrés au tableau confirme que cette réaction s'étend à des publics professionnels comme les journalistes. Le malaise que provoque cette contradiction témoigne de l'importance de la compétence artistique statutaire. La thèse examine alors la place des dispositifs de médiation dans la réduction de cet écart. On peut interpréter la tendance à la déconnexion entre leur usage et la contemplation des œuvres comme un signe de l'importance du discours autorisé de l'institution pour les visiteurs faiblement ou moyennement dotés en ressources spécifiques. Enfin, l'analyse des biographies de visiteurs montre le poids de l'injonction normative à la visite ainsi que l'importance de son inscription dans des routines de loisirs
Drawing on an ethnographic study of the receptions of a Nicolas Poussin's painting curated at the Fine Arts Museum in Lyon, France, this dissertation analyses the position of museum visiting in the leisure repertoire of the middle and upper-middle classes. Three main data sources are used: about 50 days of observation of the activities of museum visitors, 45 reception interviews carried out inside the museum, and 18 biographical interviews on visiting habits with occasionnal or regular museum visitors. The dissertation sheds light on the central role of the artwork's status in their orientation and the distribution of their attention. This practical use of cultural legitimacy leads to a paradox: the painting is considered a masterpiece, but it has little aesthetic appeal. A lexicometric analysis of a corpus of newspapers articles confirms that this perspective may be extended to professional audiences, such as journalists. The unease this contradiction provokes in the audience is a reminder of the centrality of statutory artistic skill. The dissertation then analyses how mediation devices are used to fill this gap. The disconnection between the use of devices and the contemplation of the painting might be interpreted as the sign of how important the authorized, institutional discourse on the artwork is for visitors with low to average levels of specific resources. Finally, an analysis of visitors' biographies demonstrates that a normative injunction to visit greatly weights in visitors' practices, but that visits mostly occurs when they are embedded into leisure routines

La relation entre les peintures chinoise et occidentale apparait comme une rencontre entre l’eau et l’huile. Mélanger les deux étant impossible, comment, dès lors, un artiste entre deux cultures, peut-il faciliter leur dialogue et devenir un passeur ? Cette recherche tente d’associer la technique des matériaux occidentaux avec l’expression du pinceau et de l’encre liés au concept du plein et du vide afin d’explorer des oppositions complémentaires, en créant une réalité diluée dans un contraste harmonisé. La réflexion s’est concrétisée par des peintures en trois formats : la série, le rouleau et l’album, intitulées Musée en peinture. Formats qui permettent d’aborder aussi bien les questions de l’écoulement du temps, de la circulation du regard, de la dynamique spatiale, que celles de l’extension et de la suggestion. Ces peintures interrogent le phénomène du musée en portant un regard ironique, critique et empathique sur les spectateurs et leurs travers. Elles témoignent aussi de la conversation avec les maîtres anciens et d’un cheminement dans les musées. La réalisation de ce musée des musées consiste en un processus de transfert de la photographie vers la composition photographique, puis vers la peinture. Ce processus se rapproche de la structure cinématographique, à partir du montage filmique d’Eisenstein, et de la notion de continuité et de discontinuité de Raoul Ruiz. Avec la boîte de Poussin numérique, on joue à la fois le rôle de peintre, de metteur en scène et de documentariste. Exploré, le passé se mue en espace, en reconstituant le passage du monde réel au monde virtuel, du ça-a-été de Roland Barthes à la notion du ça n’a pas été
The relationship between Chinese and Western painting appears as a meeting of water and oil. Mixing the two seems impossible, so how can an artist create a dialogue between two cultures and media, effectively becoming a cultural conduit ? This research attempts to combine the techniques of Western materials with the expression of Chinese brush and ink, which is linked to the concept of fullness and tangible versus emptiness and abstract. From here, we explore the complementary opposition, create a “diluted reality” in a harmonized contrast. This reflection, entitled Museum in Painting, is represented in three different formats: the series, the scroll, and the album. These formats allow us to explore ideas of the flow of time, the circulation of the gaze, the spatial dynamics, as well as the topic of Extension and Suggestion. From the satirical, critical, and empathic point of views, we investigate the audience and their quirks, questioning the phenomenon of museum. These works exhibit my intellectual journey through the museum, and the conversation with the old masters. The realization of this museum of museums is a transfer process from photography to digital composition, and then to the painting. It takes the concepts of Eisenstein's film montage and Raoul Ruiz’s continuity and discontinuity to explore its relevance to the cinematographic composition and structure. With the “Digitized Box of Poussin”, we played the role of painter, director and documentary filmmaker to explore the idea of past events becoming a space to re-create a pathway from the real world to the virtual world, from Roland Barthes’ concept of “what happened” to the concept that is put forward that “it didn’t happen”

Les pratiques du multimédia muséal et artistique sont enpreintes de deux univers : celui de la culture légitime, par son contenu, et celui de la technique, par son contenant. L'entrelacement de ces deux univers lui assigne une caractéristique hybride, tant du point de vue de sa nature que des valeurs qui lui sont associées. Le multimédia d'art et de musée est le support d'une pratique qui prolonge des pratiques déjà structurées, notamment celles du multimédia, mais aussi de pratiques légitimes telle que la visite de musées d'art. Les logiques d'appropriation différenciées dont il fait l'objet tiennent à la construction de ces pratiques antérieures comme elles résultent de puissantes variables telles que le capital sulturel, le sexe, et la culture technique de l'individu. Cette pratique s'entremême à un corps de pratiques culturelles hétéroclites, c'est-à- dire à des pratiques qui occupent des positions inégales dans la hiérarchie traditionnelle des légitimités. Cette dernière apparaît cependant de plus en plus fragile. Les individus témoignent en effet d'un systéme d'activités composite plus que monolithique, contestant l'idée d'une seule norme sous-jacente à l'exercice des pratiques culturelles. L'analyse des pratiques du multimédia culturel combinées à d'autres pratiques culturelles et de loisir révèle un rapport à la culture où la norme dominante n'apparaît plus uniquement gouverner les comportements culturels. L'usage du multimédia culturel, conjonction de la technique et de la culture légitime, semble ainsi symptomatique d'une évolution des comportements culturels qui tendent à reposer sur un métissage des pratiques, attestant de positionnements différents à l'égard de l'échelle des légitimités culturelles.

L’administrateur de la manufacture de Sèvres, Alexandre Brongniart, ouvrait au public en 1824 le musée royal céramique et vitrique, envisagé dès 1802, et qui se voulait d’un genre nouveau. À vocation encyclopédique, dans l’esprit des Lumières, il ambitionnait de présenter les céramiques de tous les lieux et de tous les temps afin de former les ouvriers et les artistes. L’histoire de l’institution, que nous avons souhaité retracer et analyser sur plus d’un siècle, n’est pas linéaire et son évolution se dessine au gré des changements économiques, esthétiques ou des bouleversements politiques. Dès lors, notre étude entreprend de montrer de quelle manière se construit le passage d’un musée technique créé par un naturaliste évoluant au sein du Muséum, vers une construction vouée entièrement à l’art, à la mise en patrimoine de la céramique, au monde du collectionnisme. Les nombreux legs et donations d’amateurs, la nomination du collectionneur Champfleury à sa direction, le développement de recherches historiques sur ce domaine artistique, sont autant de facteurs qui vont contribuer à façonner le musée en ce XIXe siècle fasciné par l’objet manufacturé. À travers ces pistes de recherche, notre approche consiste à étudier le rôle de cet établissement dans un contexte d’essor industriel et d’un intérêt nouveau pour les « arts mineurs ». Ainsi, nous proposons, par le biais de ce travail, de contribuer aux réflexions, toujours actuelles, sur les interactions entre l’art et l’industrie
The Musée Céramique et Vitrique was opened to the public in 1824 by Alexandre Brongniart, the administrator of the Sèvres manufactory. The museum was conceptualized in 1802, and aimed to be of a new sort. In the spirit of the Age of Enlightenment Brongniart aimed to create an encyclopaedia of ceramic education and skills for future ceramics workers and artists. We have attempted to redraw and analyze the history of the institution for over a century, and we have discovered that it does not follow a linear path. The evolution of the institution was influenced by economic, aesthetic, and political upheavals. Our current study attempts to show how a museum, created by a naturalist and dedicated to technical knowledge, evolved to what it is now, an institution focused on the art and history of ceramics, with a lesser emphasis on collectibles. Many factors shape the museum in this XIXth century, including; the legacy and donations of amateurs, the management of collector Champfleury, and historical research on the art of ceramics. Our approach will be to study the role of the museum in the context of industrial development, and a renewed interest in the “minor arts”. Through this study, we aim to show the interactions between art and the industry

Cette thèse propose d’examiner les façons dont l’expérience de visite peut être transformée dans le contexte d’une culture numérique qui touche les publics réels et les publics potentiels du musée. On s’interroge plus précisément sur les processus d’appropriation et de partage qu’entraine la pratique muséale à l’époque de la culture numérique. Pour explorer cet objet de recherche, nous construisons un appareil méthodologique interdisciplinaire ad hoc entre l’informatique et les sciences de l’information et de la communication. Il permet d’élaborer un cadre analytique susceptible de saisir des pratiques qui se partagent et se combinent entre un espace numérique et un espace physique. De la sorte, nous proposons des protocoles de recherches hybrides et exploratoires qui offrent la possibilité de saisir, par leur association, des pratiques multiples de l’expérience de visite dans la triple temporalité de l’avant, du pendant et de l’après visite du musée. À travers cette thèse nous mettons en évidence la façon dont le numérique intervient dans les pratiques de l’expérience de visite comme un objet technique spécifique et un système d’échange avec et dans lequel le visiteur et le visiteur potentiel reconfigurent leur relation à l’institution muséale, à sa collection, aux expositions et aux autres visiteurs et visiteurs potentiels
In the context of a digital culture that affects the actual audiences and potential audiences of the museum, this thesis proposes to examine the ways in which the visitor’s experience can be transformed. We wonder specifically about the appropriation and sharing processes that induce the museum practice in the era of digital culture. To explore this research item, we build an interdisciplinary methodological device between IT and Communication Sciences. It helps us to develop an analytical framework able to capture practices that are divided and combined between cyberspace and physical space. In this way, we propose hybrid and exploratory research protocols that provide the ability to capture, through their association, multiple practices of the visitor’s experience in a triple temporality of the before, the during and the after visit of the museum. Through this thesis, we highlight how digital devices and culture play a part in the practices of the visitor’s experience as a specific technical object and an exchange system and in which the visitor and potential visitor reconfigure their relationship to museum, its collection, exhibitions and other visitors and potential visitors

En se fondant sur les apports des Sciences de l'éducation et de la sociologie de la culture, de l'éducation, de l'enfance, de l'action publique et de la socialisation, cette thèse cherche à montrer comment se construisent précocement les dispositions des enfants vis-à-vis des « mondes de l'art », pour parler comme Howard Becker, ou autrement dit comment l' « amour de l'art » vient (ou non) aux individus, et ce dès l'enfance. Nous cherchons en particulier à répondre aux questions suivantes : comment peut s'imposer très tôt un arbitraire culturel et des catégories de perception et d'appréciation comme celles d' « art », d'« œuvre d'art », de « culture » ou d' « artiste » ? Comment façonne-t-on, dès l'enfance, des êtres sociaux ayant incorporé les attitudes et habitudes, les dispositions mentales et comportementales, associées au discours dominant du prosélytisme culturel ? Comment parvient-on à imposer des modes d'appropriation légitimes des biens culturels ? Comment différentes catégories d'agents de socialisation s'approprient-elles ces normes et comment contribuent-elles à l’entreprise d’inculcation d’un rapport de déférence à l’art ? Et comment peuvent émerger des espaces de résistance à l'ordre culturel, tant du côté des agents socialisés que des agents de socialisation ? Pour explorer ces questions, nous nous appuyons sur une série d’enquêtes ethnographiques menées dans trois musées d'art et plusieurs écoles primaires, articulant observation directe et entretiens, permettant de décrire et d’analyser des dispositifs (non seulement les lois, les institutions mais aussi, dans une perspective foucaldienne, les règles, les discours ou encore les aménagements architecturaux), des acteurs (institutions nationales et supranationales, agents muséaux et de l'Éducation nationale, personnel politique, parents) et des pratiques socialisatrices (dans le cadre des musées d’art en particulier, en lien avec l’institution scolaire et les familles). Cela nous amène à reposer la question de la « démocratisation culturelle », en tant que catégorie d’action publique, dans un contexte scolaire marqué par l’injonction à développer l’éducation à et par l’art, et dans un contexte économique où les institutions et les biens culturels occupent une place importante dans la production de richesses
Our thesis is situated at the crossing of education sciences and sociologies of culture, childhood, public action and socialization. It seeks to show how dispositions toward « Art worlds », to speak like Howard Becker, are early built. In other words, we are trying to know how the « love of art » comes (or not) to people from childhood. We are particularly interested in answering the following questions : how a cultural arbitrariness is early imposed ? How categories of perception and appreciation as « art », « artwork », « culture » or « artist » are built ? How children are shapped to incorporate attitudes and habits, mental and behavioral dispositions which are associated with the dominant discourse of cultural proselitism ? How norms of legitimate appropriation of cultural goods are imposed ? How differents categories of socialization agents appropriate these norms to inculcate a respectful report to art ? And how spaces of resistance to cultural order can emerge on the side of adults and children too ? To explore those questions, we relied on a fieldwork in three art museums and several primery schools, articulating direct observations and interviews. With this qualitative approach, we described and studied what Michel Foucault calls « dispositifs » (not only laws, ordonnances of institutions but also rules, speeches and spacial and architectual developments), actors (national and supranational institutions, museums, schools and political agents, parents), and pratices of socialization (particularly in art museums, in connection with school institution and families). That brings us to ask the question of « cultural democratization », as a type of public action, in a school context marked by an injonction to develop education to and by art. We also paid attention to an economic context where cultural institutions and goods occupy an important place in wealth production

Dès l'indépendance, l'Algérie traça une politique culturelle visant la prise en charge globale de son patrimoine culturel. L'état des lieux montra des conditions de développement culturel déplorables, héritées de l'époque coloniale. Une politique d'institutionnalisation des différents aspects du patrimoine national fut progressivement mise en œuvre, accompagnée d'un dispositif juridique important. Les débuts de l'archéologie algérienne se singularisent par des pratiques empiriques, eu égard aux carences en ressources humaines qualifiées, à l'absence de savoir-faire dans le domaine des métiers du patrimoine. Une attention particulière fut accordée à l'archéologie musulmane eu égard au retard accusé par rapport à l'époque antique. Cependant, des difficultés inhérentes aux approches et stratégies mises en œuvre (mode de gestion centralisée, carence en formation, insuffisance de moyens,...) ont contribué à maintenir le développement du secteur patrimonial à un cap qui n'eut pas l'ampleur souhaitée par les acteurs de la culture. Une étude de cas porte sur deux musées de sites, les musées archéologiques de Cherchel ; l'un est de conception et de création coloniale ; l'autre est de programmation algérienne. Cette étude de cas met en exergue les stratégies, les approches et les pratiques muséologiques algériennes
After the independence, Algeria developed a cultural policy for the overall management of its cultural heritage. An assessment of the former indicated deplorable cultural development conditions which were inherited from the colonial era. A policy of institutionalization of the different aspects of the national heritage was implemented gradually, accompanied by the implementation of important laws. The beginnings of Algerian archeology were characterized by empirical practices that typically arose from the lack of qualified human resources. A special attention was given to the Islamic archeology with regard to the significant delay that occurred in the ancient times. However, the difficulties inherent to the implementation of training, insufficient resources, etc...) have contributed to maintain the development of the heritage sector, unfortunately no to the desired extent. A case study that focuses on two the museums, the archeological museums of Cherchel ; the first site museum is of colonial design and creation and the second one is of an Algerian design. This case study highlights the strategies, approaches and practices of the Algerian museums

Cette recherche cherche à comprendre comment le musée d'art de l'université du Ceara (MAUC) est devenu un nid de frelons. Afin d'étudier ce phénomène, nous avons analysé les cinquante premières années de sa trajectoire (1961-2011), en partant de l'intrigue sur les modèles de musée en dispute à la fin du XXème siècle dans la ville de Fortaleza, et aussi à parti des controverses autour de sa mémoire. Nous avons organisé notre récit en Neuf temps pour neuf Atlas, en analysant ce nid de frelons de l'intérieur et de l'extérieur, en le prenant à l'envers à rebrousse-poil. Pour cette raison, nous présentons le MAUC au travers de ses coulisses, en observant par-derrière les vitrines quels sont les caractéristiques et les mouvements propres de cette désignation. Pour nous, un musée nid de frelons est traversé par la mise sous silence, en même temps qu'il développe des pratiques communautaires et collaboratives qui sont constitutives de sa trajectoire, contribuant à l'élaboration conceptuelle élargie de ses processus curatoriaux. Dans cette thèse, nous démêlons les aspects conceptuels qui justifient la création du MAUC. Au travers d'une lecture de la circulation de savoirs, d'œuvres d'art et d'exposition nous établissons une cartographie des réseaux de relations mobilisés par ce musée au travers de son programme structurel. Nous enquêtons sur les possibilités de création artistique dans l'espace physique du musée et sur les dimensions de collaboration proposées par l'institution en ce qui concerne la fabrique d'expositions et d'œuvres d'art. Nous cherchons aussi à identifier les formes de voir et d'être des visiteurs dans le MAUC au travers du regard des photographes de vue d'exposition
This research sought to understand how Museum de Arte da Universidade do Ceara (MAUC) has become a Hornets House. In order to elaborate this explanation, we observed fifty years of it history (1961-2011), starting from the intrigue about the museum models in dispute in the late twentieth century, in Fortaleza city, as well as about the controversies involving its memory. So we organized our narrative in Nove Tempos para Nove Atlas, trying to analyze this Hornet House inside out, against the grain, and for this reason we present the MAUC through it scenes, watching from behind the windows, which are the characteristics and movements to this adjective. We understand that a Hornets House Museum goes through silence, while develop community and collaborative practices that take part of its history, contributing to the broad conceptual elaboration of its curatorial process. In this thesis we unfold its conceptual aspect that justified the creation of MAUC. We traced through a reading on knowledge circulation works of art and exhibitions, a mapping of relationships networks mobilized by this museum through its structural program. We investigate the possibilities of artistic creation in the physical museum space and the dimensions of cooperation proposed by the institution regarding expositions and works of art. We also try to identify the ways of seeing and being of the visitors at MAUC through the eyes of photographers while viewing exposures

À partir de mes différentes implications sur le terrain de l’éducation, cette recherche expose une analyse ethnographique d’utopies situées, définies comme des contre-espaces aux lieux institutionnels (Foucault, 2009). Créées par des artistes et des militants associatifs, ces hétérotopies proposent des dispositifs de pratiques artistiques et ludiques aux enfants, à l’école, au musée et dans l’espace public. Au croisement des cadres de l’éducation formelle, non-formelle et informelle (Brougère & Bézille, 2007), ces terrains multi-situés, en France et au Danemark, offrent dans leur comparaison, un accès au point de vue des enfants et à la façon dont il s’exprime.L’engagement pour l’enfance dans la recherche passe, par des méthodes d’analyse, avec les acteurs sur le terrain, c’est à dire les enfants dans la relation qu’ils entretiennent à un monde partagé avec les adultes. Dans ce sens cette thèse s’inscrit dans une épistémologie qui définit l’enfant comme « auteur » de sa propre histoire (Go, 2011) et l’enfance comme productrice de sa propre culture (Arleo & Delalande, 2011), à l’intérieur du paradigme d’une Éducation tout au long de la vie, (Le Grand & Colin, 2008) centrée sur l’expérience. Par une approche transdisciplinaire, il s’agit de comprendre l’enfance en lien avec la société qui l’entoure, afin de dégager l’enfant d’une relation éducative prise dans ce qui serait bon ou mauvais pour lui a priori, pour accéder à sa réinterprétation du monde (Corsaro, 1992). Entre un idéal de l’enfance, et la réalité des contraintes institutionnelles, les enfants sont pris dans des enjeux contradictoires inhérents à une relation éducative contextualisée. Néanmoins nous verrons comment à l’intérieur de ces injonctions paradoxales sur le terrain du jeu et de la pratique artistique, ils créent une ligne de fuite (Guattari, 2011), qui peut nous révéler un monde partagé
Based on my various involvements in the educational landscape, this thesis presents an ethnographic analysis of situated utopias, defined as counter-spaces to institutional establishments (Foucault, 2009). Designed by artists and social activists, these heterotopias offer artistic and recreational practices for children at school, in museums and outdoor public spaces. At the intersection of formal, non-formal and informal education (Brougère & Bézille, 2007), these multi-situated field in France and Denmark, by contrast, offer insights into the point of view of children and the way in which it expresses itself. Commitment to childhood in research comes through analytical methods with the different actors in the field, that is to say the children by the relationship that they maintain with a world shared with adults. In this sense, this thesis subscribes to an epistemology that defines the child as “ the author ” of his own story (Go, 2011) and children as producers of their own culture (Arleo & Delalande, 2011) within the paradigm of an Education lasting a lifetime, (Le Grand & Colin, 2008) that is based on shared experience. Through an interdisciplinary approach, we will understand childhood in relation to the society which surrounds it, and free the child from an educational relationship concerned by what may be good or bad for him, in order to enable his re-interpretation of the world (Corsaro, 1992). Between a childhood utopia and the reality of institutional constraints, children are faced with contradictory issues, inherent to a contextualised educational relationship. Nevertheless, we will see how within these paradoxical injunctions on the playground and in artistic activities, they create an escape path (Guattari, 2011), that may reveal to us a shared world

Cette thèse examine les convergences et divergences le long de l'histoire de la documentation muséale dans trois galeries nationales en Angleterre, au Canada et aux États-Unis. Elle met en évidence un modèle commun, émanant plus particulièrement des deux types d'institutions apparues en Angleterre au 17e siècle : les musées publics, fondés sur des principes scientifiques et populistes, et la galerie privée, ancrée dans des traditions élitistes. Les galeries nationales analysées constituent un modèle hybride, en conflit avec ces deux formats antagonistes, mais leurs similitudes les plus frappantes résident dans l'évolution de leurs pratiques respectives de la documentation des œuvres d'art. La lutte continue afin d'intégrer véritablement la technologie dans la documentation d'art trahit l'héritage difficile entre ces deux modèles opposés. Tout au long des trajectoires uniques à chacune des institutions étudiées, peu de preuves montrent que les technologies optiques ou numériques ont eu des répercussions importantes sur les méthodologies ou les philosophies de la documentation des œuvres d'art. Au contraire, on observe que la documentation de forme numérique repose toujours sur une approche minimale de recueil de données, sur un groupe restreint de personnes habilitées à les collecter et sur un accès limité à ces données. Cette recherche renforce l'argumentation pour une redéfinition de la documentation des œuvres d'art pour repenser ses stratégies et ses philosophies directrices, pour poser un nouveau regard sur la recherche dans les collections et pour élargir l'intégration des technologies numériques dans ces processus
This research examines the divergences and convergences across the histories of three national galleries, in England, Canada and the United States, providing evidence of a common model that emanates particularly from two types of institutions that appeared in England during the 17th century: public museums founded on scientific and populist principles, and private art galleries anchored in elitist traditions. The national galleries compared in this study constitute hybrids in conflict with the original antagonistic models. But their most striking similarities reside in the evolution of their respective documentation practices. The continued struggle to truly integrate technologies in the documentation of art betrays the difficult heritage between these two opposing models. Throughout the unique historical trajectories of these institutions, there was little proof that optical or digital technologies had had important repercussions on the methodologies or the philosophies of the documentation of works of art. On the contrary, it was observed that documentation, even in digital form, continued to rely on minimal standards of data gathering, restricted groups of persons trained to collect data, and limited access to any data captured. This research reinforces the need to redefine museum documentation in order to rethink its strategies and guiding philosophies, to enable new research into museum collections, and to enlarge the integration of digital technologies into the process

Cette thèse entend entreprendre un making of de la photographie de mode, sur plusieurs décennies, et à l’échelle internationale. Un déplacement épistémologique est ainsi opéré. En effet, l’enjeu de cette étude n’est pas de procéder à une analyse esthétique de la photographie de mode, mais de déconstruire certaines idées reçues sur l’identité de ces images de mode principalement étudiées jusqu’ici par le prisme de la sémiotique, du genre, ou du paradigme identitaire. Tout en révélant différentes sources annexes qui gravitent autour de l’image, cette recherche tend à débusquer des matériaux documentaires qui n’ont pas été considérés dans l’histoire de l’art et de la photographie ; elle analyse ses porosités, en décelant les manques et les lacunes. De ce fait, il s’agit de révéler l’envers du décor pour explorer trois moments de la vie de ces images de mode, à une période donnée, en montrant les coulisses d’élaboration d’une photographie de mode, les conditions de collecte, de conservation, et enfin les pratiques d’exposition. Le propos de cette étude n’est donc pas de transcrire le parcours singulier d’un art dit « appliqué » en quête de légitimation artistique, mais de mettre en lumière les significations polysémiques et valeurs culturelles de la photographie de mode. Le terme makingof est ainsi entendu au sens élargi : il ne fournit pas seulement des informations et descriptions détaillées en montrant à voir la façon dont une photographie de mode ou une série éditoriale est réalisée, mais il s’intéresse aussi aux mécanismes internes de l’industrie de la mode, aux processus créatifs, aux réseaux, aux procédés de circulation, et aux processus institutionnels concourant à la création de valeur culturelle. Cette étude propose de percevoir le making of comme le résultat de pratiques, de négociations, d’échanges et de hiérarchies qui caractérisent, et vont au-delà de l’action même de produire et de publier une photographie de mode
This doctoral thesis intends to explore the ‘making-of’ of fashion photography, over several decades and geographies. The aim is to operate an epistemological displacement to rethink fashion photography beyond certain interpretations that identified its scope with semiotic, gender or identarian paradigms. Rather, this study proposes to think the ‘making of’ as a result of practices, negotiations, exchanges and hierarchies that characterize – but also move beyond – the very action of producing and publishing a fashion photograph. By shedding light on the multiple and overlooked sources produced around the production and circulation of the fashion image, the research explores three moments in the life of fashion photographs: the making of a fashion photograph; the collecting and conserving practices; and its exhibition. Therefore, the ‘making-of’ is here understood in a broad sense. This term is not only used to identify the descriptions and detailed information showing creative processes behind the production of a fashion photograph or an editorial series, but it also takes into consideration the mechanisms of circulations beyond the industry, the networks and the institutional processes concurring to the formation of the cultural value of an image. In doing so, this thesis sheds light on the polysemic meanings and values of fashion photography, moving beyond an interpretational path that has restricted this practice into an “applied” art in search of artistic legitimization