Дисертації з теми "Polyphonie (littérature)"

Après avoir défini la polyphonie et précisé les domaines qui la constituent, le travail présente en quoi la polyphonie sert le projet romanesque. L’étude repose sur l’étude des voix narratives. Les narrateurs ne se positionnent pas en une instance supérieure qui régit les autres personnages. La transcription des pensées des protagonistes interroge l’intervention du narrateur dans la vie intérieure d’un personnage. Les dernières fictions évoluent car il devient difficile de distinguer le discours du personnage de celui du narrateur. Un Balcon en forêt révèle l’emploi particulier de la troisième personne comme distance critique. Les récits à la première personne font entendre un ensemble de paroles individuelles qui donnent aux fictions leur caractère polyphonique. Cela produit un renouvellement du genre diariste avec Un Beau ténébreux qui éclate la parole en de multiples discours. La polyphonie se définit également par l’intertextualité. Gracq s’est senti proche d’André Breton et ses romans l’indiquent, par leur référence au personnage du rêveur éveillé et l’emploi de l’italique. D’autres références, comme celle de Nerval ou de Carroll, font voir un monde opaque que seule la rêverie permet d’approcher. Stendhal fait également partie des intercesseurs dans la distance du narrateur avec le récit et les personnages. Le premier écrivain qui a compté pour Gracq est Jules Verne qui donne la ligne directrice à l’ensemble des fictions : le monde est un cryptogramme à déchiffrer. L’univers est un espace à conquérir. L’écriture gracquienne se caractérise par une influence de la peinture dans le jeu des ombres et des lumières ainsi que par le chromatisme. Les représentations picturales sont annonciatrices des événements. L’écriture gracquienne est également sensible à une influence musicale, surtout wagnérienne avec l’emploi du leitmotiv. La polyphonie tient compte du destinataire. Le premier roman présente des commentaires du narrateur. Si le procédé s’efface, le principe demeure. En témoigne l’usage de l’ironie qui demande au lecteur une participation active dans l’interprétation. Les indices de jugement révèlent également une prise en compte du lecteur. L’attention portée au langage non-verbal signifie que les mots cachent parfois des choses car ils portent en eux un danger. Le sous-entendu permet de faire comprendre sans prendre la responsabilité des paroles.

Geoffrey Chaucer, grand traducteur, rhétoricien et poète courtois, fut longtemps considéré par la critique comme le père de la poésie anglaise. Or, un tel positionnement a non seulement tendance à occulter tout un pan de l'histoire de la littérature anglo-saxonne, mais également à mettre de côté les spécificités mêmes du style de Chaucer. Le but de cette étude est ainsi de démontrer que sa contribution à l'histoire de la littérature est bien plus importante qu'on ne le pensait. Car en décidant d'écrire en moyen-anglais à une époque où l'hégémonie du latin et du vieux-français était incontestée (en particulier à la cour d'Edouard III et de Richard II), Chaucer s'inscrivit dans un mouvement intellectuel visant à rendre aux vernaculaires européens le prestige nécessaire à une véritable production culturelle ayant permit l'émergence du genre romanesque. Ainsi, en assimilant successivement les caractéristiques de la poésie de Chrétien de Troyes, Guillaume de Lorris et Jean de Meun, Chaucer redonna à la poésie anglaise ses lettres de noblesse. Mais ce ne fut qu'après sa découverte de la Divina Commedia qu'il prit conscience du potentiel de la littérature : Dante lui permit, en effet, de libérer son art dialogique et d'ainsi donner à sa poésie une dimension polyphonique de premier ordre. De fait, si Chaucer ne peut être considéré comme le père de la poésie anglaise, il est en revanche le père de la prose anglaise et l'un des précurseurs de ce que Mikhaïl Bakhtine nomme le roman polyphonique
Geoffrey Chaucer, translator, rhetorician and courtly poet, has long been considered by the critics as the father of English poetry. However, this notion not only tends to forget a huge part of the history of Anglo-Saxon literature, but also to ignore the specificities of Chaucer's style. The purpose of this thesis is accordingly to try to demonstrate that his contribution to the history of literature is much more important than we had previously imagined. Indeed, Chaucer's decision to write in Middle-English, in a time when the hegemony of Latin and Old-French was undisputed (especially at the court of Edward III and Richard II), was consistent with an intellectual movement that was trying to give back to European vernaculars the prestige necessary to a genuine cultural production, which eventually led to the emergence of romance and of the modern novel. The assimilation of the specificities of the poetry of Chrétien de Troyes, Guillaume de Lorris and Jean de Meun thus allowed Chaucer to give back to English poetry some of its respectability. Nonetheless, it was his discovery of the Divina Commedia that made him aware of the true potential of literature: Dante thus allowed him to free the dialogism of his creations and to give his poetry a first-rate polyphonic dimension. As a result, if Chaucer cannot be thought of as the father of English poetry, he is however the father of English prose and one of the main artisans of what Mikhail Bakhtin called the polyphonic novel

Ce travail cherche à montrer, d'une part, quel a été l'impact de la "redécouverte" des "Six suites pour violoncelle seul" de Bach au début du XXème siècle sur l'essor de la composition d'oeuvres destinées à ce medium, et d'autre part, en quoi celui-ci a pu correspondre à certaines aspirations propres aux créateurs de notre temps et se faire le reflet des différents courants et tendances esthétiques de ce siècle. La référence à l'oeuvre de Bach s'exprime très clairement à travers le "corpus" considérable de Suites (environ 180) mais transparaît aussi implicitement dans le souci d'inscrire ce type de composition dans un genre issu d'une longue tradition tel que la Sonate (plus de 280). Les techniques d'écriture employées par Bach pour donner une dimension polyphonique à cet instrument ont aussi inspiré les compositeurs de notre siècle, qui ont su par ailleurs leur donner de nouveaux prolongements (polyphonie de timbres, polyphonie gestuelle, utilisation de dispositifs électro-acoustiques). Et, même si le violoncelle est encore bien souvent traité comme un instrument lyrique, conformément à la tradition des siècles passés, il offre, par l'élargissement de ses modes de jeu, une très riche palette de timbres qui répond tout à fait aux exigences des compositeurs du XXème siècle et donne à ce medium instrumental un intérêt renouvelé. Les violoncellistes ont eux-même largement contribué au développement de ce répertoire, stimulant les compositeurs par leur personnalité, leur maîtrise instrumentale, voir même par la mise au point de nouvelles techniques, destinées en particulier à élargir les possibilités de jeu polyphonique sur l'instrument solo (jeu avec deux archets simultanés ou archet courbe).

Plutot que de nous raconter une experience fantastique dans le monde des personnages, les exemples de notre corpus nous offrent une experience qui n'est fantastique que dans la lecture ellememe. Ces cas d'exception reviennent a une veritable enonciation fantastique. Ils sont traites dans le cadre de la theorie polyphonique de l'enonciation de o. Ducrot. Nos propres enquetes nous ont amenes a reviser le statut du narrateur. Nous ne le concevons pas comme une origine omnipresente et unique, differente de l'auteur du fait du caractere fictif du raconte. Nous plus comme inexistant --inexistence expliquee par un enonce sans locuteur. Faire parler un moi fictif ou faire parler "personne" amenent invariablement, dans le cadre theorique qui nous inspire, a mettre en place des enonciateurs. Notre narrateur est donc multiple. Cette "foule racontante" ne peut etre apprehendee que dans une approche linguistique. Elle premet une observation fine qui fait ressortir toute la specificite et la richesses des textes-objets
Rather than narrating a fantastic experience in the world of the characters, the examples of our corpus provide us with an experience which is fantastic only in the reading itself. These exceptional cases amount to a true fantastic enunciatioin. They are examined within the context of the polyphonic theory of enunciation of o. Ducrot. Our own investigations have induced us to revise the status of the narrator. We do not conceive of him as an omnipresent and single origin, different from the author in view of the fictitious nature of what is related. We do not conceive of him either as non-existent --a non-existence explained as an utterance without a speaker. Within our theoretical context, getting an imaginary "i" to speak or getting "nobody" to speak invariably leads to setting up enunciators. Therefore, our narrator is multiple. This "narrating crowd" can only be dealt with by a linguistic approach. It allows for subtle observation which brings out all the specificity and richness of the textual objects

Durant les dernières décennies, l’attention à la « forme dialogue » a ouvert la voie à un renouvellement radical des études platoniciennes et à un intérêt, quoique limité, aux personnages des Dialogues. Cet intérêt s’est toutefois focalisé presque exclusivement sur Socrate et sur la définition des traits de son personnage. En revanche, on n’a guère orienté les recherches sur les interlocuteurs ; cette thèse vise donc à montrer leur rôle fondamental dans la communauté discursive de six dialogues : Alcibiade Majeur, Charmide, Théétète, Gorgias, République (livres I, II et V), Philèbe. Tout d’abord, certains personnages incarnent les antagonistes de Socrate et « représentent les dimensions culturelles et les nœuds théoriques actifs et présents au sein de la société à laquelle Platon renvoie dans son réexamen critique » (Vegetti). À cet égard, leur présence s’avère importante pour observer comment les Dialogues sont moins l’exposition d’une doctrine que la mise en scène d’un autre rapport au savoir, permettant ainsi de définir a contrario la philosophia. À partir de la liste que Socrate lui-même dresse dans l’Apologie, nous avons dès lors établi une typologie qui oppose les rivaux de Socrate et les jeunes. Au sein de ces deux catégories majeures, nous avons pu apprécier des différences concernant l'âge et l'attitude à l'égard du savoir. Avant d’entamer l’analyse des personnages il a été toutefois nécessaire de définir ce que l’on entend par « interlocuteur ». Les textes montrent en effet de nombreuses nuances dans leur interaction ou leur présence et la définition des traits qui caractérisent les interlocuteurs a été fondamentale pour l'analyse des textes. Les termes ont été groupés en deux catégories : ceux qui identifient les interlocuteurs sur la base de la destination de la conversation (public, auditeurs, spectateurs, présents/absents) et d'autres qui décrivent la relation des interlocuteurs avec Socrate et avec le discours. L'analyse du corpus a été ensuite orientée à partir de la définition du dialogue de Diogène Laërce (Diog. Laer. 3.48.7-11.), qui nous a permis de déceler deux éléments fondamentaux des échanges dialogiques : la pratique discursive, à savoir l’enchaînement des questions et réponses, et la caractérisation des interlocuteurs. Nous avons ainsi pu relever que les traits de caractère et les caractéristiques sociales des interlocuteurs déterminent leur capacité de dialoguer. Cet examen a donc confirmé que la typologie de l’Apologie et le lexique définissant l'interlocuteurs ne restent pas lettre morte dans les Dialogues, mais sont avant tout mis en scène grâce aux interlocuteurs. Enfin, nous avons examiné trois phénomènes discursifs qui entravent le dialogue ou qui ne remplissent pas toutes les conditions de l'échange dialectique : le silence, l'ironie et le recours aux images. Si Platon veut sans doute montrer, à travers ces obstacles, l’impossibilité de « tisser un discours commun en l’absence d’un monde partagé de valeurs » (Fussi), c’est aussi parce qu’il reconnaît que la persuasion philosophique ne saurait s’exercer qu'au-delà de la fiction dialogique
Over the last decades the attention to the dialogue form has paved the way for a radical renewal of the Platonic studies and for an interest, although limited, in the Dialogues’ characters. The interest has yet been focused almost exclusively on Socrates and the definition of the traits of his character. Instead, too little attention has been paid to his interlocutors; therefore, this thesis aims to show their crucial role in the discursive community of six dialogues: First Alcibiades, Charmides, Theaetetus, Gorgias, Republic (books I, II and V), Philaebus. Firstly, some characters embody Socrates' antagonists and 'represent the cultural dimensions and the theoretical issues alive in the society to which Plato refers in his critical re-examination' (Vegetti). In this respect, their presence is important to observe how the Dialogues are less the exposition of a doctrine than the staging of another kind of relationship to knowledge, thus defining a contrario what philosophia means to him. Starting from the list that Socrates himself sketches in the Apology, I have established a typology that opposes Socrates' rivals and the young people. Within these two major categories, we could appreciate differences in their age and attitude towards knowledge. Before starting to analyze the characters, it was however necessary to define what being an 'interlocutor' means. Indeed, the platonic texts show many nuances in the interaction or presence of the interlocutors and the definition of their features was fundamental for the subsequent analysis of the texts. The terms have been grouped into two categories: one who identify the interlocutors on the basis of the destination of the conversation (audience, listeners, spectators, presents / absents) and another who describe the relationship of the interlocutors with Socrates and to the discourse. The analysis of the corpus was then guided by the definition of the dialogue of Diogenes Laerce (Diog.Lerer 3.48.7-11.), which allows us to detect two fundamental elements of dialogical exchanges: the discursive practice, that is the sequence of questions and answers, and the characterization of interlocutors (ethopoiia). We could observe that the psychological and social ethos of the interlocutors as well as their knowledge of the dialectical rules determine their ability to dialogue. This review has confirmed that the typology of the Apology and the normative definition of the interlocutor proposed by the Dialogues are really staged thanks to the interlocutors. Finally, we have analyzed three discursive phenomena that hinder dialogue or do not fulfill all the conditions of dialectical exchanges: silence, irony and the use of images. Through them Plato probably wants to show the impossibility of 'weaving a common discourse in the absence of a shared world of values' (Fussi), mainly because he recognizes that philosophical persuasion must be addressed beyond the dialogic fiction

Cette recherche propose de rendre compte de l'invention des Appalaches en tant que région « étrange et particulière ». Les écrivains « couleur locale » du dix-neuvième siècle ont contribué à ancrer dans la conscience nationale l'image oxymorique de l'Appalachien à la fois bon sauvage, mais surtout hillbilly dégénéré. A partir de l'entre-deux-guerres, puis à la fin des années 60 lors de la « Renaissance Appalachienne », des écrivains autochtones, parmi lesquels Mary Lee Settle, Lee Smith, Denise Giardina, se sont dressés pour réfuter cette identité prescrite. Ces trois voix singulières sont celles de femmes rebelles liées par un même combat : dans une démarche de type postcolonial, elles ont revisité l'histoire régionale afin de faire voler en éclats un siècle de représentations essentialistes et de dénoncer la destruction environnementale infligée aux montagnes appalachiennes par l'industrie houillère
The aim of this research is to look into the invention of Appalachia as a « strange and peculiar » region. Nineteenth-century « local color » writers contributed to etching the oxymoronic image of the Appalachian as – the good savage, but mostly as the degenerate hillbilly – in the national consciousness. Starting in the interwar period, then in the late 1960s during the « Appalachian Renaissance », native writers rose up to reject this prescribed identity, among whom Mary Lee Settle, Lee Smith and Denise Giardina. These three singular voices belong to rebel women united in a common fight: using a postcolonial approach, they have revisited the regional history to shatter century-old essentialist representations and to denounce the MTR devastation caused by the coalmining industry in the Appalachian Mountains

Partie création : Le recueil de nouvelles Ambivalences, construit dans une logique de multiplicité des voix, explore le thème des apparences, par le biais d’histoires racontées par des personnages ou des narrateurs différents. Neuf nouvelles contribuant à tisser cinq récits autonomes prennent donc place dans ce recueil, qui cherche à mettre en relief les divergences entre les points de vue des personnages. Partie réflexive : La partie réflexive porte sur la notion de polyphonie telle que présentée et étudiée par Bakhtine, puis par Julia Kristeva, et sur ses manifestations dans le roman polyphonique de Louis Hamelin La constellation du Lynx ainsi que dans le recueil Ambivalences. Après une présentation du cadre théorique portant sur la question de la polyphonie et du dialogisme, cette partie réflexive entreprend une étude du roman de Hamelin, de même qu’une mise en parallèle des nouvelles du recueil Ambivalences.?

Dans la foulée des recherches en histoire littéraire des femmes, cette thèse porte sur Emma Gendron, une femme de lettres canadienne-française qui a entre autres signé une pièce de théâtre, un courrier des lecteurs, deux romans, deux scénarios et de nombreuses nouvelles au Québec entre les années 1920 et 1940. Malgré ce fait, c’est surtout à titre de scénariste qu’elle est mentionnée dans l’histoire parce qu’elle est la première francophone du Québec à pratiquer cette forme d’écriture. Si, de façon générale, les textes dans ces domaines retracent brièvement sa carrière et sa biographie en insistant sur le pan journalistique ou cinématographique, aucun ne propose une véritable analyse de ses œuvres. Il semble que les travaux en histoire littéraire n’aient pas abordé de façon approfondie et spécifiquement littéraire la trajectoire et l’œuvre de polygraphes comme Gendron, ni mis en valeur les enjeux sociolittéraires que soulève leur pratique et ce qu’elle représente dans le champ littéraire, tant du point de vue de la production que de la réception de leurs textes. Cette thèse retrace d’abord la trajectoire d’Emma Gendron. Elle traite de ses collaborations journalistiques et des différentes postures qu’elle a adoptées durant son parcours. Nous analysons ensuite les tendances idéologiques à l’œuvre dans la chronique « Éternel féminin » de La Revue populaire et « Le Courrier de Manon » dans Le Samedi. Puis, nous voyons comment la figure de l’orpheline dans les textes de Gendron ouvre un plus grand monde des possibles dans la fiction et sert de moteur à l’action. La réalisation de soi au féminin, par l’exercice d’une profession ou le choix d’un mari, est une autre piste que cette thèse explore. La position de Gendron à cet égard constitue une forme de médianité entre les modèles anciens et modernes. Enfin, nous nous penchons sur les thèmes de la modernité et de l’américanité. Nous croyons qu’à l’instar du traitement des héroïnes exerçant une profession, la position de Gendron par rapport à l’américanité se situe également dans l’entre-deux. Certaines œuvres véhiculent une idéologie plus conservatrice, alors que d’autres constituent une rupture par rapport au discours dominant.
On the heels of researches in women’s literary history, this thesis focuses on Emma Gendron, a French-Canadian writer, who among others signed a play, a letter to the editor, two novels, two scenarios and many short stories in Quebec between 1920 and 1940. Despite this fact, it is mainly as a writer that she is mentioned in the story because she is the first francophone Quebec to practice this form of writing. If in general, the texts in these areas briefly trace her career and biography emphasizing journalistic aspect or film, none offers a real analysis of her works. It seems that the work in literary history have not addressed thoroughly and specifically literary trajectory and the work of polygraphs as Gendron, nor highlighted the socio-literary issues at work from the point of view of production reception when we try to understand their practice and what they represent in the literary field. First of all, this thesis traces Emma Gendron’s trajectory. It discusses her journalistic collaborations and the different postures that she adopted during her career. We then analyze the ideological tendencies at work in the column “The eternal feminine” in La Revue populaire and “Le Courrier de Manon” in Le Samedi. Then, we see that the recurrence of orphan character in the texts of Gendron opens a larger world of possibilities to this figure in fiction and is used as motor for action. Feminine self-realization, by the exercise of a profession or the choice of a husband is another track that this thesis explores. Gendron’s position in this respect is a form of médianité, a compromise between the old and modern styles. Finally, we look at the themes of modernity and Americanity. We believe that, like the treatment of the heroines who practice a profession, the position of Gendron in relation to Americanity is in-between, in médianité. Some works conveyed a more conservative ideology, while others seem to illustrate a break or some novelty compared to the dominant discourse.

Cette thèse se propose d'aborder la question de la polyphonie telle qu'elle se manifeste dans les romans de l'auteur comorien, Ali Zamir, que sont Anguille sous roche, Mon Étincelle, Dérangé que je suis et Jouissance. Suivant une approche à la fois énonciative et sémiostylistique, nous nous fixons pour objectif de faire ressortir tout ce qui contribue à faire de ces romans des textes polyphoniques : outils linguistiques, mécanismes langagiers, techniques discursives, etc. Ce travail de recherche part de l'hypothèse que la polyphonie est le trait par rapport auquel se définissent tous ceux que Zamir a mobilisés pour la construction de la littérarité de ses textes ; laquelle littérarité - comme cela est indiqué, dans la théorie sémiostylistique dont nous nous servirons, ne peut être déterminée que lors de la réception. C'est ainsi qu'une importance particulière sera accordée à l'analyse du lecteur pour montrer, entre autres objets, quels impacts peut avoir sur son activité de récepteur la combinaison des différentes « voix » convoquées par le scripteur, dont la sienne. Ce travail essaiera d'étudier le processus énonciatif mis en scène dans chaque roman, en analysant les différents rapports entre les actants qui y prennent part : narrateurs, lecteur (et autres destinataires), scripteur et éditeur, tous feront l'objet de l'analyse menée dans cette thèse
This thesis aims to address the question of polyphony as it manifests itself in the novels of the Comorian author, Ali Zamir, which are Anguille sous roche, Mon Étincelle, Dérangé que je suis and Jouissance. Following an approach that is both enunciative and semi-stylistic, we set ourselves the objective of bringing out everything that contributes to making these novels polyphonic texts: linguistic tools, language mechanisms, discursive techniques, etc. This research work starts from the hypothesis that polyphony is the trait in relation to which all those that Zamir mobilized for the construction of the literariness of his texts are defined; which literarity - as indicated, in the semiostylistic theory which we will use, can only be determined during reception. This is how particular importance will be given to the analysis of the reader to show, among other objects, what impacts the combination of the different “voices” summoned by the writer, including his own, can have on his activity as a receiver. This work will attempt to study the enunciative process staged in each novel, by analyzing the different relationships between the actors who take part in it: narrators, reader (and other recipients), writer and editor, all will be the subject of the analysis carried out in this thesis

La thèse se compose de cinq chapitres : dans le premier chapitre, nous dressons un panorama général sur l'état actuel de la littérature de jeunesse en France à partir du concept d'adolescence et du statut de l'adolescent dans les fictions littéraires qui lui sont spécifiquement adressées. Nous nous attachons ensuite à la fiction réaliste et, en particulier, au "roman-miroir", en abordant le thème de l'identification du narrateur avec le héros adolescent. Dans le deuxième chapitre, nous présentons le corpus littéraire et authentique, ainsi que les critères de choix. Dans le troisième chapitre, dédié au "roman par mails", nous mettons en parallèle les trois typologies de correspondances privées d'adolescents : le journal intime, le roman épistolaire et le "roman par mails" en analysant leurs caractéristiques énonciatives. Nous définissons le "roman par mails" et nous analysons les trois romans mails et les quatre romans qui insèrent des extraits de mails, de tchats ou de forums. Nous consacrons le quatrième chapitre à la communication électronique authentique (tchats, courriels, forums), en présentant les nouvelles tendances d'écriture jeune à travers leurs "caractéristiques claniques". Dans le cinquième chapitre, nous dressons un bref aperçu théorique des différentes théories de la polyphonie et du dialogisme, et nous analysons un roman par mails à travers l'étude des "introducteurs de reprise consensuelle et dissensuelle" qui, comme marqueurs dialogiques d'accord et de désaccord, nous permettent d'affirmer la présence d'une double dialogie discursive qui se tisse entre les paroles reprises, répétées ou paraphrasées des adolescents
The thesis consists of five chapters. In the first chapter we present a general panorama on the actual state of the literature for teenagers in France through a general concept of the adolescence and the status of the teenager in the fiction literature, specially addressed to the teenagers. Afterwards we analyse the realistic fiction and, in particular, the novel-mirror, studying the question of the identity of the narrator to his adolescent hero. In the second chapter we present our literary and authentic corpus and the criteria of their selection. The third chapter is devoted to the "email novel". We put in parallel three types of teenager's private correspondance : the private diary, the epistolary novel and the "email novel", and we analyze their typical enonciating characteristics. We give a definition to the "email novel" and we analyze three email novels and four novels including extracts from emails, chats, forums. The fourth chapter is devoted to the authentic electronic communication (chats, emails, forums). We describe new tendencies of teenager's way of writing through their "clan's characteristics". In the fifth chapter we set up a brief overview of different theories of the polyphony and the dialogism. We analyze the email novel through the theory of the "introducers of the echo of agreement". Like the dialogical markers of agreement and disagreement, they permit us to affirm the presence of a double discursive dialogue that is woven with teenager's repeated or paraphrased words

Ecrites en français dans les années 1270, probablement par un franciscain de Venise, les Prophesies de Merlin du pseudo-Richard d'Irlande héritent de près d'un siècle d'écriture en prose. Ce texte protéiforme, à l'image des "muances" qui caractérisent les apparitions de Merlin dans les romans du XIIIe siècle, réfléchit les tensions inhérentes à l'écriture romanesque arthurienne. Le texte est placé sous le signe de la métamorphose : sa tradition manuscrite, sa composition, ses procédés d'écriture travestissent la forme romanesque et donnent naissance à un roman décentré et instable. Au coeur même du récit, le prosateur affiche ses principes d'écriture : la parole prophétique, omnisciente, est transmise par un dispositif fictionnel complexe qui assimile l'héritage de Robert de Boron et de ses successeurs. .
Written in French in the 1270es, probably by a Franciscan monk Venice, the Prophesies de Merlin by the pseudo-Richard of Ireland reflects the influence of almost one century of prose writing. This proteiform text, like the "muances" which feature the appearances of Merin in XIIIth century novels, shows the tensions which are inherent in Arthurian fiction. The text is set under the theme of metamorphosis : the manuscript tradition, the composition, the writin techniques disguise its novelistic form and create a decentred and unstable romance. At the very core of the narrative, the prose-writer displays his writing principles : the prophetic, omniscient speech, is translitted through a complex fictional device which assimilates the legacy of Robert de Boron and his successors. .

Notre corpus, formé des six pièces de théâtre de Nathalie Sarraute, recèle un dédoublement des types énonciatifs dans les répliques des personnages, dédoublement qui est latent et qui est dû essentiellement à la neutralisation des oppositions de personnes et de temps. Le passage d’une couche locutoire à l’autre n’est pas marqué dans la plupart des cas ; sinon, il ne s’agit pas du marquage usuel. Ainsi est complexifiée la tâche de déchiffrage de tout récepteur extratextuel. Ces œuvres sont aussi éminemment polyphoniques tant au niveau énonciatif qu’au niveau sémantique, dans le sens où des voix multiples s’y enchevêtrent et des instances de prises de position y sont mises en scène. Les lecteurs, auditeurs ou spectateurs devraient, par conséquent, identifier les sources énonciatives et les instances « autres » pour les distinguer des voix originelles et pour reconnaître le rôle de cet « ailleurs ». Même des paroles sont rapportées, surtout aux styles direct et direct libre, multipliant ainsi les strates locutoires et les locuteurs. D’autres voix sont aussi perceptibles au théâtre, à savoir l’auctoriale à travers les didascalies et d’autres éléments des textes sarrautiens, et celles des praticiens du théâtre et du metteur en scène à travers la représentation
The corpus is formed of six plays of Nathalie Sarraute; it hides a duplication of enunciation types in the characters’ dialogue. This duplication is latent due to personal pronouns and verb tenses’ neutralization. The transition from an enunciation layer to another is not marked at all or not traditionally marked. Therefore, deciphering will be more complicated to any reader, listener or spectator. These works of art are also highly polyphonic in terms of enunciation as in semantics, as several voices are intertwined and as the characters resort to authorities of point of view. Thus, readers, listeners and spectators should identify enunciation sources and “other” authorities of point of view to distinguish them from the original voices and to know what their contribution to the plays is. Even some speeches are reported and, predominately repeated as direct speech. Therefore, enunciation layers and enunciators are multiplied. We can also notice other voices in plays, as the author’s through what is called “stage directions” and other parts of the texts, the practitioners’ and the director’s through the performance

Comme Karl Marx le résumait, les colonisés « ne peuvent se représenter eux-mêmes ;ils doivent être représentés ». L’Indigène du Brésil a toujours tenu une place de choix dans la littérature brésilienne. Depuis les années 80, il devient sujet de ses oeuvres.A travers Metade Cara, Metade Máscara de Eliane Potiguara (2004) ; La chute du ciel. Paroles d'un chaman yanomami co-écrit par le chaman Davi Kopenawa etl'anthropologue Bruce Albert. (2010) et Geografia indígena rédigé conjointement parles professeurs en formation du Parque Indígena do Xingu (1995), nous abordons laquestion de l'identité indigène et brésilienne, en questionnant la légitimité et la validité de la dénomination « littérature indigène ».De ces publications diversifiées émergent des réflexions éclairantes sur la notiond’identité, notamment en la croisant à la problématique de l’auctorialité. L’adoption de l’écriture alphabétique par les Indigènes du Brésil permet la réappropriation d’un portrait longtemps soumis au regard de l’autre, donc un retour sur les écrits occidentaux et brésiliens.Par ailleurs, la littérature indigène apporte une vision différente de l'Histoire traitée du point de vue du « supersujet occidental » (Saïd, 2000). En nous appuyant sur les théories post-coloniales, nous montrons que la littérature indigène est révolutionnaire car elle propose un angle de vision excentrique (Bhabha, 1994) élargissant le concept européen de l'historiographie (Mignolo, 2003) s'appuyant sur la multiplicité des voix du divers (Glissant, 1981) notamment basées sur l'oralité
As Karl Marx summarized, the colonized "cannot represent themselves; they must berepresented.” The Natives of Brazil have always held a special place in Brazilianliterature. Since the 80s, they have become the subject of their works.From Metade Cara, Metade Máscara Eliane Potiguara (2004); Falling from the sky.Words of a Yanomami shaman co-written by the shaman Davi Kopenawa andanthropologist Bruce Albert (2010) and Geografia indígena jointly by teachers intraining from Parque Indígena do Xingu (1995), we address the issue of indigenous and Brazilian identity, questioning the legitimacy and the validity of the description "indigenous literature". From these diverse publications emerge enlightening reflections on the notion of identity, notably when crossed with the challenge of authorship. The adoption of alphabetic writing by the Natives of Brazil allows the appropriation of a portrait subject to scrutiny from others, thus a return to Western and Brazilian writings.Moreover, indigenous literature brings a different view of history dealt with from a perspective of "Western super subjects" (Saïd, 2000). Drawing upon post-colonialtheories, we show that Native literature is revolutionary because it offers an eccentric viewing angle (Bhabha, 1994) extending the European concept of historiography (Mignolo, 2003) based on the multiplicity of the voices of the various (Glissant, 1981) in particular based on orality

D'une confidence fortuite à la polyphonie bakhtinienne

L'origine de ce projet de thèse est une histoire familiale. J'étais étudiante en lettres lorsque ma mère, au détour d'une conversation, me confie que Camus a écrit sur mon grand-père et qu'on peut trouver ces documents dans les Cahiers Albert Camus. Je m'étonne et prends connaissance du détail de l'affaire. Mon grand-père est le magasinier Mas emprisonné aux côtés d'Hodent, entraîné dans une fausse accusation de malversation et de spéculation par ceux-là mêmes qui agissaient dans la seule finalité de leur profit personnel en modifiant à leur guise le prix du blé fixé par des amendements du Front Populaire. L'intervention de Camus, jeune journaliste à Alger Républicain, permet d'éviter l'erreur judiciaire. Une série de quinze articles est consacrée à ce procès répertorié sous le nom d'« affaire Hodent ».
Je suis le procès en entendant les voix des accusés, celle du procureur, celles des avocats, des témoins cités à la barre et celle de Camus, jeune journaliste passionné et investi dans la recherche de la vérité. Et, dans ce foisonnement, je m'interroge sur le pouvoir de la parole, sur la polysémie du langage, ses zones d'ombre, sur les ambivalences des hommes, sur la foi erronée en une vérité unique. D'où parle-t-on ? À qui les discours s'adressent-ils ? Quelle croyance obsolète supposent-ils dans l'unité du sujet parlant et dans la capacité du langage à restituer une unité originelle ? Je relis Bakhtine. J'explore l'ouvrage de Dunwoodie qui met en parallèle Camus et Dostoïevski. Je découvre les influences, les intertextualités. Ma recherche s'oriente alors vers la polyphonie, vers une réflexion sur le rapport de l'homme au langage, à l'unité, à la vérité. Le procès d'Hodent m'y a conduit.
J'entre dans l'ère du soupçon qui est la marque du XXe siècle. Je lis avec passion L'Anneau de Clarisse de Magris qui retrace les grandes étapes du désenchantement du monde lié à la mort de Dieu. Nietzsche prend alors toute la place. Il est au centre névralgique de cette explosion à la fois jubilatoire et dysphorique. La foi dans l'unité du sujet n'est plus. L'homme est multiple. Il est une myriade d'éclats, il est bigarrures et paradoxes dans un monde marqué par la perte des repères.

Une voix dans le fracas du monde

Camus s'efforce de faire entendre sa voix dans le fracas du monde et dans la multitude des voix d'autrui, voix des habitants de Belcourt, voix silencieuse de la mère, voix autoritaire de la grand-mère, voix des maîtres qui guident l'enfant, voix des premiers romanciers lus avec émotion et éblouissement, voix des « grands auteurs », des Classiques, voix de la Grèce antique et de la Rome latine, voix des philosophes de l'ère chrétienne, voix du messie qui crie sa déréliction et sa souffrance de l'incarnation, voix des penseurs solitaires, des créateurs de concepts, voix des comédiens sur les planches, des amis chaleureux, des femmes aimées, de celles qui ont trahi, de celles qu'il a trompées pour dire ailleurs d'autres mots, se nourrir d'autres murmures, voix des orateurs aux tribunes de l'actualité, voix des maîtres à penser, des moralisateurs, voix des traîtres, voix des lâches, voix qui se sont tues à jamais sous les fusillades aveugles qui fauchent sans pitié la jeunesse, la bravoure. Camus reste vivant après le cataclysme de la guerre, heureux et honteux, n'ayant plus alors que le témoignage comme seule justification. Les voix des morts résonnent dans le silence bruyant de la Libération et la voix de la vengeance est impérieuse avant de s'adoucir dans l'évidence du pardon et de l'oubli. Il est un homme labyrinthique qui façonne une œuvre en costume d'Arlequin. Il est un pantin tournoyant dans les orages du siècle, restituant, jusqu'au mutisme, les clameurs du siècle. Mais il est aussi un artiste qui ne renonce jamais totalement à l'exigence d'une voix personnelle, d'une voix du secret de l'intime, de l'opacité lumineuse du renoncement aux autres et de l'acceptation de soi comme condition de la création.
Voilà posée la tension camusienne entre le désir d'unité et d'harmonie, la course folle vers la fusion avec le monde, l'ardeur consacrée à rétablir la paix entre les peuples, le respect et la reconnaissance d'autrui dans son altérité et dans sa mêmeté d'une part, et d'autre part, la lucidité parfois effarée face à l'éclatement de l'être, à la victoire de la confusion et du désordre, au règne du paradoxe, de l'aporie, de la guerre. L'élan enthousiaste ou désespéré vers le désir d'harmonie s'incarne dans le choix d'être un écrivain et de porter, par les mots agencés, l'unité de l'homme et du monde. L'écriture tente de lutter contre l'éclatement, la fragmentation, la diversité. Mais les mots jaillissent et restituent le désordre, la confusion, la complexité de l'homme. L'écrivain fait l'expérience dysphorique et vivifiante, jubilatoire et angoissante de la polyphonie. Par qui suis-je habité quand je parle ? C'est la question que chaque « sujet parlant » ne peut manquer de se poser à la suite de Bakhtine ou de Ducrot. Quels échos résonnent dans une voix, quels dédoublements en abyme habitent l'auteur qui prend la plume ? Quel chemin peut conduire l'individu vers la singularité authentique dans le fracas assourdissant des voix d'autrui qui se mêlent et s'emmêlent? L'uni et l'unique ne sont-ils que des leurres, des fantômes aveuglés par l'orgueil et l'outrecuidance ? Comment livrer l'intime sans impudeur ? Comment être à la fois héraut de son temps, chantre de la justice et « politiquement et affectivement incorrect » ?
Faut-il chercher un fil conducteur ? Y a-t-il un fil d'Ariane menant à une vérité ultime ? Il ne semble pas que Camus se soit jamais imposé cette contrainte. La lecture des Carnets témoigne, malgré l'évolution programmatique annoncée très tôt par l'auteur, d'une œuvre qui avance au gré des lectures et des événements et restitue une pensée vibrante, frémissante, curieuse et avide, toujours en mouvement, toujours à l'affût d'une nouvelle rencontre, d'un nouvel éblouissement, toujours à l'écoute de cette palpitation intérieure que ne fait pas taire la clameur du monde. Ce paradoxe tensionnel et fécond de l'unité ontologique et de la fracture discursive se retrouve dans les différentes dimensions de l'œuvre camusienne, dans le rapport à l'histoire de son temps, dans le désir du chant de l'intime, dans la volonté de restituer l'authenticité de l'homme dans ce temps qui est le sien, sur cette terre qu'il a voulue sienne.
Pour, à l'instar de Camus, ne renoncer à rien, pour réunir tous les paradoxes, pour faire entendre la multitude des voix, le foisonnement des œuvres, j'ai choisi de placer mon parcours sous l'œil attentif et bienveillant de trois figures tutélaires. J'ose espérer que Camus aurait emprunté, non sans déplaisir, cette route que j'espère inexplorée, qui n'exclut pas les incursions inattendues, les chemins de traverse, les explorations imprévues.

Salomon, constructeur du Temple

Ce personnage biblique recèle en lui les ambitions de l'homme présent dans sa cité, acteur de son destin et de celui de ses compagnons. Il est le roi d'une justice immanente, inscrite à hauteur d'homme, évidente car elle sollicite la vérité du cœur. Il est un roi de sagesse qui règne dans un temps de paix. Mais on lui attribue également L'Ecclésiaste qui oriente sa pensée vers une philosophie liée au temps présent et à la perception aiguë de la précarité. L'ambivalence non contradictoire entre le temps de l'action et l'évidence de la nécessité de construire d'une part et d'autre part la conscience d'un absurde lié à la fugacité de la vie rend compte de la tension de l'œuvre de Camus où le désenchantement n'entraîne pas la désespérance. La figure de Salomon permet d'envisager les engagements politiques de Camus, d'observer comment il a contribué à maintenir debout les fondations de notre civilisation occidentale mise à mal par la fureur des hommes et la violence des guerres.
Je distingue trois temps dans cette dimension de l'œuvre. Le premier temps est un temps de l'engagement dichotomique. Il permet l'émergence d'une poétique de l'innocence. Camus a la volonté d'édifier un monde équitable. Il dénonce les injustices dans son reportage sur la Kabylie. Il fustige les excès d'une Droite sûre de ses droits en choisissant le ton acerbe du satiriste. Le verbe engagé prend place sur les planches, trouvant là une autre tribune pour énoncer son désir d'un monde de justice et dénoncer les vilenies des hommes et des régimes, des partis, des gouvernements. Il dénonce les tyrannies dans des adaptations théâtrales – Malraux, Gorki – ou dans des créations collectives – Révolte dans les Asturies.
Plus tard – c'est le deuxième temps, le temps de la parole héroïque – il s'engage avec Pia dans la grande aventure de Combat. Sa parole est édifiante. Il fait entendre la voix de l'honneur, en appelle à la justice des nations. Il dénonce les hypocrisies face à l'Espagne franquiste et défend la République en exil. Il s'afflige du silence des Occidentaux devant la dictature. Il en appelle au patriotisme dans ses éditoriaux de Combat. Il s'engage contre l'invasion soviétique en Hongrie. Il poursuit son engagement journalistique et met en place un théâtre engagé, en Algérie, avec des moyens de fortune, puis à Paris dans un moment de sa carrière où il a gagné, par ses romans, ses essais et sa présence à la tribune des journaux, une vraie notoriété.
Puis vient le temps du doute et du désenchantement. Camus se trouve dans la nécessité du silence et d'un retour sur soi. Il s'isole et se marginalise. Il fait l'expérience des limites de l'efficacité du discours. Il adapte les Possédés de Dostoïevski. Cette œuvre magistrale et complexe est le miroir des paradoxes contemporains et d'un climat délétère de manœuvres et de suspicions, de mensonges et d'hypocrisies. Ses dernières interventions journalistiques, obtenues par l'habileté et l'opiniâtreté de Jean-Jacques Servan-Schreiber et la médiation de Jean Daniel, témoignent d'un accroissement du doute et du désenchantement et cultivent l'art du décalage, de la marge, de l'inattendu. Camus déconcerte. On ne le comprend plus.

Orphée, poète de l'absence

Orphée chante la perte de l'être aimé et charme tous les êtres vivants. C'est la voix singulière de l'homme qui se fait entendre ici. Non plus celle qui s'offre à la communauté mais celle qui s'octroie le droit à la singularité. Camus laisse vibrer la corde sensible du lyrisme, il s'autorise le désir d'harmonie et de fusion au sein d'une nature flamboyante et généreuse, pleine de promesses. Il révèle la fascination féconde pour la tension nietzschéenne entre Apollon et Dionysos et l'exploration d'une forme nouvelle de poésie au plus près de l'homme. La lecture du Nietzsche de La Naissance de la Tragédie lui permet de comprendre la tension féconde entre le beau figé, hiératique, éternel et l'éclatante fulgurance d'une vie qui ne se saisit que dans l'éclair, le fugace, le transitoire, le désordre, la folie. L'antique alliance de l'apollinien et du dionysiaque a permis l'émergence de la tragédie. Cette lucidité ne laisse guère en repos. Elle est exigence de tous les instants et ne cesse de contraindre le sujet à s'interroger sur sa place dans le monde, sur l'origine de la parole, sur l'identité de celui qui parle et sur la coïncidence entre ce qui est senti, ce qui est pensé et ce qui est dit. À moins que le verbe n'ait valeur d'authenticité du fait même qu'il est proféré, sorti de soi. Ces questions hantent Camus qui s'interroge au cœur même de son œuvre, qui fait de ce questionnement une matière poétique. Il s'interroge également, sans être le seul dans ce siècle de guerres, d'hégémonies destructrices et de génocides, dans ce monde où la bravoure cède le pas à la lâcheté et à l'hypocrisie, sur la pertinence d'une parole poétique. Les poètes de ce milieu du XXe siècle, Jabès, Jaccottet, Bonnefoy, Char bien sûr, l'ami intime, n'ont pas éludé l'horreur de leur temps. Au contraire, ils l'ont regardée avec la lucidité des artistes et l'ont inscrite au cœur même de leur œuvre sans renoncer pour autant au réel de la beauté.
Camus poursuit les mêmes exigences que ses contemporains sur une voie qui est la sienne, sur une route où il va, solitaire, sombre et solaire, à la croisée des chemins, dans le clair-obscur des cultures qui se côtoient sans se comprendre. Ces exigences multiples ne sont pas aporétiques. Je les explore en écoutant le son envoûtant de la flûte de Dionysos. C'est une musique de l'insoumission, une musique non régie par le logos. Elle s'approche du mystère des origines et de l'effroi de la mort, elle est au plus près des pulsations intimes, du sang qui bat dans les tempes quand il fait trop chaud ou que l'émotion est trop intense. Elle nous fait entendre l'aulos de la Grèce antique. Elle est l'accord mineur, la gamme de l'être mi-homme, mi-dieu, du satyre, de Pan. Mais ce souffle ne saurait exister sans l'intervention d'Apollon. L'homme jaillit de l'informel dionysiaque. Il devient un individu. Il se saisit du logos. Il chante la beauté du monde accompagné du son mélodieux de sa lyre. L'instrument à cordes remplace l'instrument à vent. La gamme en accord majeur impose sa puissance et son unité harmonieuse. Le poète est alors celui qui cherche la vérité et la beauté, l'équilibre et la vérité. Il est celui qui poursuit l'éternité dans le chant de l'Un retrouvé. Dionysos et Apollon s'équilibrent, ou plus exactement s'offrent l'un à l'autre le pouvoir d'exister. J'ai ajouté un dernier chant, un peu inattendu à ces deux accords premiers, le mineur et le majeur, celui que produit l'arc d'Ulysse alors même que le héros retrouve son arme et se venge des prétendants indignes. Ulysse est présent dans l'œuvre de Camus. Il est l'homme du nostos, l'homme de la nostalgie et de l'exil. Il est celui qui ne renonce jamais. Il est ce héros à la fois brave et faible, invincible et vulnérable, fidèle et infidèle. Il est celui qui a renoncé à l'immortalité que lui offrait Calypso pour retrouver sa femme, son fils, son royaume. Il fait le choix de la précarité. Il est un homme. Il est, dans la métaphore musicale, l'accord dissonant dont parle Clément Rosset, cet accord qui, au contact de l'accord parfait, permet la fugace révélation de l'harmonie perdue.

Adam, le premier homme.

Placé sous le signe d'une temporalité inexorable, il est l'homme de la faute originelle, le père de Caïn, le premier meurtrier, le premier errant. Il rappelle le poids du réel et de l'irrémédiable. Le roman apparaît comme le domaine privilégié pour l'expression de la faute. L'ontologique s'inscrit dans le temporel, le précaire, l'incertain. Je retrouve le même cheminement qui conduit de l'innocence à l'édification et au désenchantement – c'est le parcours que j'ai suivi sous l'égide de Salomon. Je retrouve le désordre fusionnel dionysiaque qui prend ici la forme de la carnavalisation bakthinienne, le goût de l'unité dans la tentation épique, et le désir intact de se maintenir au plus près de l'humaine condition. Les tensions sont les mêmes et s'entrecroisent. L'art du roman inscrit l'homme dans un temps linéaire. Ce temps, dans notre tradition judéo-chrétienne, commence avec la faute originelle qui conduit Dieu à chasser Adam et Ève du paradis où le temps ni la mort n'existent.
La matière fictionnelle peut être un succédané à l'effroi face à la mort et à la culpabilité. Le jeune Camus est d'abord tenté par une forme d'idéalisme. Ses œuvres de jeunesse, influencées par Bergson et Nietzsche, sont teintées de symbolisme métaphysique, d'idéalisme et d'onirisme. Mais, peu à peu, les voix des habitants de Belcourt s'imposent et trouvent un écho plus puissant. L'écriture s'allège. La phrase se densifie en même temps qu'elle accède à une plus grande simplicité. La banalité du quotidien devient la matière première de l'œuvre fictionnelle. Le fait divers devient source de l'inspiration. La création se déploie dans l'ordinaire et délaisse les marges oniriques. Camus s'éloigne d'une conception symbolique de la littérature et d'une approche rousseauiste de l'homme. En réalité, ce parcours n'est pas chronologique. Camus aborde la question du mal dès ses premières œuvres. Dans son Mémoire sur Plotin et saint Augustin, il examine la conception du mal chez les agnostiques puis exprime pour la première fois l'intérêt qu'il porte au christianisme qui est la religion de la souffrance et de la mort. C'est ce moment qui cristallise un imaginaire lié à la souffrance, au sang mais aussi à l'abandon.Une remise en question de la notion du souverain Bien kantien entraîne Camus sur les chemins périlleux de l'exploration des zones obscures, des morts éthiquement inacceptables comme celles des enfants. Il est l'auteur de La Peste mais aussi du « Renégat », de La Chute. Il est l'auteur du meurtre gratuit, de cet acte inacceptable et incompréhensible, dans La Mort heureuse et L'Étranger. Il n'élude pas les monstruosités de la guerre d'Algérie dans Le Premier homme et s'immerge dans les affres slaves, depuis sa mise en scène des Frères Karamazov dans ses jeunes années, jusqu'à celle des Possédés à la fin de sa vie.
Mais l'importance de Dostoïevski ne doit pas oblitérer la place capitale de Tolstoï dans la gestation de l'œuvre. La fréquence des citations de l'auteur de Guerre et Paix montre la très grande fidélité à cet autre géant de la littérature russe du XIXe siècle. Tolstoï excelle dans la représentation de l'homme dans le monde, sous son double aspect, familier et héroïque. Il recherche l'équilibre, la règle, l'intelligibilité, l'ordonnance, l'organisation, l'agencement limpide, la structure, la causalité, le déterminisme. Dostoïevski cultive le désordre, la débauche, la rupture, le bouleversement, la confusion, la violence, l'excès, l'incohérence, le trouble. Il étonne et ravit dans son exploration de l'âme humaine. Tolstoï est du côté de l'épopée, Dostoïevski se situe au cœur de la ménippée. Je trouve là une opposition fondamentale dans la genèse romanesque camusienne, un paradoxe entre l'attrait de l'ordre et du monologisme, le plaisir de la sentence, de l'axiome, le goût de la vérité et de la hauteur de vue – son versant solaire, son adret apollinien et, d'un autre côté, sa tentation du désordre fécond, de la polyphonie, son versant obscur, son ubac dionysiaque.

Tahar Ben Jelloun est très vraisemblablement l’un des écrivains de la francophonie les plus traduits dans le monde. Marocain d’origine, et philosophe de formation, il écrit en français mais trouve son inspiration principalement dans la culture maghrébine qui est la sienne. Le dessein de cette thèse a pour objectif de relier cette dualité chez l’écrivain à travers les thèmes qui lui sont chers : la société, la femme, la religion, mais aussi le rêve et l’imaginaire. Nous avons en effet cherché à dévoiler ce qui compose à la fois la volonté d’engagement de l’écrivain dans la réalité contemporaine, mais aussi son refuge dans le rêve et la parole poétique. Nous avons tenté par notre travail de rechercher dans ses premiers romans que sont Harrouda (1973), Moha le fou, Moha le sage (1978), et le diptyque L’Enfant de sable (1985) et La Nuit sacrée (1987), la genèse de l’écriture Jellounienne, aujourd’hui reconnue comme éminemment sociale, tout en étant consacrée pour sa sensibilité poétique et sa qualité littéraire. La démarche s’est voulue progressive, afin d’approcher toutes les facettes de cet écrivain, à la fois populaire et complexe, par le repérage de l’intertextualité et des dialogismes à travers les mythes, les références au corpus littéraire occidental et arabo-islamique, ainsi qu’à travers les discours divers appartenant à l’oralité. Notre étude s’est particulièrement intéressée aux effets de ces dialogismes et du travail d’interaction entre la langue française et la langue maternelle de l’écrivain, comme point d’orgue
Tahar Ben Jelloun is certainly one of the most francophone countries writer translated in the world. Moroccan by bis country of origin, and philosopher by training, he writes in french but mainly draws bis inspiration from the culture of the maghreb where he corne from. The intention of this thesis aims to linic up this duality in the writer through his favorite following themes: society, women, religion, but also the dream and imagination. In fact, we have sought to uncover what made both of commitment of the writer in the contemporary reality, but also bis refuge in dreams and the poetic word. We tried to search in bis first novels which are : Harrouda (1973), Moha le fou, Moha le sage (1978), and the diptych L’Enfant de sable (1985) and La Nuit sacrée (1987), the genesis of Jellounienne writing, currently recognized as eminently social, while being devoted to bis poetic sensibility and literary quality. The approach was intended progressive, to collect ail faces of this writer, both popular and complex, through the identification of intertextuality and dialogisms through myths, references to the western and arab-islamic literary corpus, as weil as through various discourses belonging to orality. Our study is particularly interested in the effects of this dialogism and work of interaction between the french language and the native one of the writer, as the highlight

Les processus de la mise en scène reposent nécessairement sur une réalité humaine complexe, faite de dialogues et de rapports de force en constante redéfinition. Afin de les théoriser, plusieurs travaux ont institué en corpus les documents produits en cours de réunion ou de répétition, pour leur appliquer les méthodes issues de la génétique des textes. Or le transfert s’avère problématique : vestiges lacunaires, ces supports ne sauraient témoigner à eux seuls de la vie organique et polyphonique de la mise en scène en gestation. Une première solution consiste à opter pour une approche radicalement intermédiale des archives d’un spectacle : dans la mesure où la mise en scène fait interagir plusieurs disciplines artistiques, pourquoi ne pas la penser en confrontant activement les différents media générés lors de son élaboration ? Complémentaire de la première, une seconde proposition suppose que le chercheur s’implique dans une observation in vivo de réunions et de répétitions afin de disposer d’une matière plus complète. À cette clarification épistémologique succède un essai de théorisation des processus de la création scénique. Il apparaît tout d’abord que l’espace de travail est aussi bien un contenant physique de la recherche des artistes qu’un catalyseur : c’est en se l’appropriant à plusieurs qu’un groupe de collaborateurs donne corps à la mise en scène. L’espace de création révèle par là même une dimension polyphonique que l’on retrouve sur le plan du temps : dans la mesure où il engage un ensemble d’artistes, un processus ne possède pas de linéarité chronologique homogène ; il se compose d’une multitude de temporalités propres à chacun des répétants, qu’il s’agit de faire converger pour élaborer un spectacle commun à tous. Les processus de la mise en scène se caractérisent ainsi par leur dimension fondamentalement sociale. Réunie dans un espace-temps donné, la petite société formée autour du metteur obéit à un mode de création dialogique, où les propositions des uns et des autres s’agrègent pour former un discours foisonnant dont la force et l’unité sont garanties par une instance surplombante.
A complex human reality, based on dialogues as well as power relations which are permanently being redefined, is at the heart of the process of performance creation. So as to theorize such processes, several studies have been building a corpus compiling the documents which are produced during meetings or rehearsals. However, such a transfer has proven questionable : as it is made of incomplete traces, such material is necessarily too incomplete to bespeak of the organic and polyphonic life of a performance in gestation. A first solution is to elect a decidedly intermedial approach of a performance’s archives : since various artistic disciplines interact in the process of a performance’s production, one may analyze it by actively comparing and contrasting the different media which are generated during its elaboration. As a complement to the first proposal, a second approach will lead the researcher to get involved into an in vivo observation of meetings and rehearsals so as to have at his disposal a more comprehensive research material. This epistemological clarification paves the way for an attempt to theorize the processes of stage creation. First, it appears that the stage or work space is as much of a physical receptacle for the artists’ research as it is a catalyst : it is in the course of getting to own this space collectively that a group of collaborators gives substance to the production. The creative space thus reveals a polyphonic dimension which is also true regarding time : since it involves an ensemble of artists, a creative process has no uniform chronological linearity ; it comprises a whole array of relations to time which are specific to each of the participants, and one has to bring these temporalities together to give birth to a performance that belongs to all. There is therefore a fundamentally social dimension to any staging process. As it is gathered in a given space and time, the small society which is formed around the stage director has to follow a creative process based on dialogue, where the suggestions of the different individuals coalesce to produce a prolific discourse whose strength and unity are guaranteed by the presence of the director.

Étudier les plaisirs féminins dans la littérature française de la Renaissance, c’est d’abord faire le constat d’une pluralité de représentations qui se regroupent autour d’un même enjeu, celui de l’honnêteté. En raison d’une forte tradition misogyne, il est en effet difficile pour une femme de concilier cet impératif social avec le plaisir. Les textes que nous étudions (récit, poésie, littérature d’idées) sont toutefois portés par une dynamique entre voix féminines et voix masculines, qui contribue à faire émerger un discours nouveau sur le plaisir féminin que nous nous proposons d’étudier. La première partie étudie les plaisirs dans l’espace conjugal. Celui-ci fait de la volupté féminine, dans la relation entre époux et dans l’adultère, à la fois une nécessité et une déviance. La deuxième partie s’attache à l’espace social et interroge les plaisirs de cour : les échanges amoureux influencés par l’amour courtois, le néo-platonisme et le pétrarquisme, et les divertissements collectifs, de la danse à la conversation. La troisième partie, consacrée à l’espace de soi, se dégage de la morale sociale dont les deux premières parties sont tributaires pour proposer une réflexion sur le plaisir comme accomplissement de soi dans la maternité, le savoir, la spiritualité et l’écriture
The study of feminine pleasures in the sixteenth-century French literature leads to a multiplicity of representations. All of them coincide with the idea of honesty. Because of a strong misogynist ideology, women could hardly reconcile these social and moral requirements with the notion of pleasure. Nevertheless, the texts studied in this thesis (narratives, poems, essays and treatises) show a dynamic between feminine and masculine voices that gives way to new discourses on pleasure. The first part focuses on pleasure within marriage. Be it within their relationship with their spouses or in adultery, feminine sensual pleasure was considered both an honest need and a déviance. The second part deals with social pleasures: public amusements (from dance to conversations) as well as encounters between lovers, which were influenced by amour courtois, neoplatonism, and, petrarquism. The third part, dedicated to the self, breaks away from the social morals attached to the first two parts in order to study pleasure as self-accomplishment through motherhood, knowledge, spirituality and writing

Cette thèse consacrée à l’oeuvre narrative de l’écrivain suisse contemporain Adolf Muschg a pour ambition de faire apparaître la spécificité de son style, tout en démontrant la cohérence de sa démarche. Abordant un corpus encore peu connu, elle donne la priorité au texte dans sa singularité, sans renoncer aux outils d’analyse fournis par la narratologie, la stylistique et la narratologie énonciative. Les travaux de M. Bakhtine constituent un fil directeur de l’étude qui s’appuie en particulier sur la notion de « polyphonie » pour analyser les différents modes de combinaison des « voix » qui assument la narration, à l’échelle du texte comme de la phrase. Ces analyses permettent de montrer que l’oeuvre de Muschg, en plaidant pour une nouvelle conception de la réalité, devient une réflexion en acte sur le rôle de la littérature dans la société contemporaine. Une deuxième partie s’attache à l’aspect « anthropologique » de l’oeuvre qui présente l’homme comme un « être dialogique », tourné vers l’échange avec autrui. L’étude des récits que les personnages se font les uns aux autres montre que l’acte de narration est présenté comme la forme de communication humaine par excellence, tandis que la littérature est conçue comme un espace de dialogue : avec le lecteur d’une part, invité à participer à la création de l’oeuvre ; avec les auteurs d’autre part, qui sont cités, parodiés ou simplement évoqués. La présence de nombreuses références à des poètes justifie le choix du dernier axe de la thèse, qui montre que Muschg cherche à renouveler les règles de la narration en y laissant entrer les procédés de la poésie
This thesis deals with the work of the contemporary Swiss writer Adolf Muschg and focuses on his writing technique. Since this corpus has never been studied in France yet, we have paid particular attention to the text, using the methods of narratology, stylistic and statement linguistics. Mikhail Bakhtine’s theory, especially the notion of “polyphony” has guided the study of the different “voices” contributing to the narration. The result of these analyses leads us to conclude that Muschg wants to underline the crucial role of literature in a world dominated by technical concerns and material cares. By showing reality under an original point of view and enhancing the ambivalence of all phenomenons, literature becomes a way of resisting. The second part of this study sets out to investigate the “anthropological” aspect of Muschg’s work. The author shows that man is in first place a “dialogical being”, thus giving high significance to the act of narration, which he presents as the best medium for communicating. Consequently, he tries to leave much space for the reader in his works, inciting him to take part in the creation of the novels. His texts are also opened to the influences of other writers and can be studied under the aspect of intertextuality: not only does Muschg evocate and quote many writers, he also tries to subvert the rules of narration by inserting poetry into it

L´écriture du moi a pu apparaître comme l´écriture de ce qui justement n´est pas un seul mais multiple, et le monologue au sens défini par Dujardin comme une forme inadaptée ou incomplète pour traduire ce clivage du sujet. De l´enfermement en soi auquel le monologue classique semblait contraindre l´être, on est passé à une ouverture à l´Autre permise par le dialogue et permettant la représentation du moi dans sa discontinuité. Cette thèse a pour objet d’étudier cette écriture à plusieurs voix dans des oeuvres comme les Vagues de V. Woolf, Malina de Bachmann ou Enfance de Sarraute. Le travail mené considèrera les différents aspects de cette mise en scène disglossique et polyphonique du sujet en s’intéressant plus particulièrement à ses conséquences sur l’écriture narrative. Cette forme de dialogue ou de conversation intérieure permet au protagoniste de s´exprimer sans se restreindre aux règles d´un seul échiquier langagier. Les prises de paroles des différents locuteurs laissent émerger d´autres langues. La parole devient plurielle, polyglotte, exogamique. Cette alternance de langages, de discours permet à l´auteur de créer une respiration nouvelle dans l´écriture même, ouvrant sur une réinvention de l’usage de la parole et du mode langagier personnels où les frontières des genres sexuels et littéraires s’effacent pour laisser place à un absolu de l’écriture
Writing about the self could not have seemed unique but multiple and the monologue as qualified by Dujardin not adjusted or an incomplete form to demonstrate the distinction of the subject. From the total self confinement, in which the classic monologue seemed to condemn the subject, we eventually made overtures to the other one thanks to the dialogue and we managed to represent the self in its discontinuity. This thesis intends to study the several writing voices in masterpieces such as The Waves by V. Woolf, Malina by Bachman and Enfance by Sarraute. The work will consider the different sights of the disglossic and polyphonic production of the subject and more precisely of the consequences on the narrative writing.This form of dialogue or internal talking allows the protagonist to express himself without applying the rules of only one model. The speaking of different people creates other idioms. The speaking becomes plural, polyglot, exogamous. The reciprocation of languages or speeches gives the author the power to create a new breath in the writing, leading to the reinvention of speech and of the personal language mode, when the borders of sexual and literary genders vanish to leave room to absolute writing

Ma thèse porte sur l'altérité dans les œuvres de Milan Kundera et Agota Kristof. Leur style opposé est lié par leur méfiance vis-à-vis du lyrisme et de la mimésis. De plus, les auteurs ont une biographie similaire ayant vécu la guerre, le totalitarisme soviétique et l'exil. Dans cette étude comparative, j'interroge l'altérité et son rôle dans la construction des œuvres. Ma recherche se déploie sur quatre axes : l'écriture, le discours, le corps et la création. Je tisse parfois des liens avec la philosophie, la peinture et le cinéma. La philosophie et la linguistique sont les "voies royales" vers une définition de l'altérité et des notions associées. Elles révèlent leurs implications directes dans l'écriture. La fragmentation mêle différents points de vue, niveaux narratifs et types de récits. Une perpétuelle construction/ déconstruction des éléments de la fiction retranscrit l'altérité. L'altérité fait la part belle à la pluralité des discours. L'opposition entre les différents discours (interne/externe, direct/indirect) au sein du Moi expose ainsi son altérité interne. A contrario, le dialogue exprime sa perte. Tandis que la polyphonie et le dialogisme mêlent et/ou opposent plusieurs voix: du moi, de l'autre, de la société et dans le cas de Kristof, le discours officiel. La troisième partie définie ce que je nomme l'écriture corporelle. Différents discours mènent à différentes acceptions et expériences du corps. Il peut alors être l'autre, l'étranger voire l'ennemi possédant d'ailleurs son propre discours révélateur
The subject of my thesis is the otherness in the work of Agota Kristof and Milan Kundera. Their opposite styles are link by their defiance towards lyricism and mimesis. Moreover, they have a similar biography for they underwent the war, the soviet totalitarianism and exile. In this comparative study I interrogate the notion and its role in the shaping of the authors' writing. My inquiry focuses on four main subjects divided into fourth parts: the writing, the discourse, the body and creation. My method is interdisciplinary for I use the work of critics such as levinas, Lacan or Bakhtine. In the first part, I define and present the implications of the otherness and related notions regarding the construction of the novel. The writing relies on fragmentation by mixing different points of view, levels of narration and narratives (dream sequences, autobiography, anecdotes). Various elements are constructed and deconstructed expressing the split dynamic. The second part deals with the discourse regarding otherness. Seemingly opposite speeches (internal/external, direct/indirect) express that of the self. Paradoxically, the dialogue leads to the loss of otherness. Polyphony intertwines several voices: of the self, of the other, of society and in Kristof's case, of the officials. Does Otherness rely on their equilibrium? Yet, otherness begs the question regarding the link between the body and the discourse. The third part defines a corporal writing. Different discourses invite various understandings and experiences of the body for he can also appear to be the other

Cette thèse rapporte les résultats de la lecture approfondie de dix-neuf romans américains de la première moitié du 19e siècle, à la recherche des divers modes de représentations des Indiens qu'ils proposaient. Les onze oeuvres de Cooper couvrent tous ces types de représentations. Des investigations croisées ont montré que les auteurs, bien informés sur le passé violent et les anciens habitants de leurs territoires, présentaient les Indiens surtout dans des romans à caractère historique..Là, les Indiens, nobles ou ignobles, sont relégués dans le passé, et ne se voient donner aucune place dans la nouvelle nation : pourtant l'ironique Paulding, le chrétien Cooper ou l'humaniste Strange les dépeignent en personnes semblables aux envahisseurs. Dans la mouvance gothique et romantique, C.B. Brown, Neal et Bird, pourtant plus réaliste, les montrent incarner le moi négatif et les rejettent, tandis que les voix féminines de Child et de Sedgwick projettent sur eux un idéal de valeureux chevaliers. Quant à Simms et Cooper, ils les campent tantôt dans la violence d'une épopée d'où surgira le nouvel Adam, tantôt dans la beauté sublime des primitifs paysages américains. Ainsi, dans la nation comme dans la fiction, la seule place accordée aux Indiens ne relève que de l'imaginaire
This work results from the close reading of nineteen American novels written in the first half of the 19th century, in a search of the various representations of the Indian they might display. Crossed investigations proved that the authors, well-informed about the violent past of their familiar areas and about their former inhabitants, mostly chose the forms of the historical romance and tale : either noble or ignoble, Indians were rejected out of the new nation. Yet, the ironical Paulding, the Christian Cooper and the humanist Strange styled their Indian characters in an open and human way. Following the gothic and romantic influences, C.B. Brown, Neal, Bird despite a more realistic tone, pictured Indians as the negative part of the self which is to be repelled. On the contrary, the woman's voices of Child and Sedgwick sketched them as ideal knights. Simms and Cooper sometimes set them in the violence of an epic drama out of which the new Adam will arise, sometimes in the sublime beauty of pristine American wilderness. So, no national destiny is left for the Indian but one buried in fancy

Cette thèse apporte un éclairage esthétique sur un ensemble de romans polyphoniques du canon francophone contemporain. Des formes de féminisme autour du prophète de l’islam dans Loin de Médine d'Assia Djebar aux formes de l’individualisme dans un village guadeloupéen dans Traversée de la mangrove de Maryse Condé en passant par les voix multiples de la créolité dans Solibo Magnifique de Patrick Chamoiseau, ces romans sont engagés dans des stratégies littéraires novatrices. Or les études postcoloniales ont laissé dans l'ombre le travail des formes qui est pourtant le mode opératoire de la pensée littéraire. Il faut donc remédier à ces lacunes par une analyse narratologique et stylistique des techniques de représentation du discours et de la pensée. En dégageant les formes et les enjeux de la relation fascinante qui se joue entre la parole de l’autre et les voix narratives, notre thèse apporte une contribution attendue dans les études francophones autant que dans les théories narratives.Trois pensées majeures nourrissent cette recherche : d’abord le concept de contrepoint d’Edward Saïd, envisagé dans sa dimension dialogique, ensuite la vision sociale du langage chez Voloshinov/Bakhtine qui préside aux développements sur le dialogisme, enfin l’approche politique de la littérature de Jacques Rancière, qui donne un tout nouvel éclairage aux désormais traditionnels bénéfices de l’« estrangement ». C’est ainsi sans quitter la zone ténue où se rencontrent formes esthétiques et formes sociales que ce travail traverse les débats les plus actuels des études francophones
This dissertation casts an aesthetic light on a selection of polyphonic novels from the Francophone contemporary canon. From the forms of feminism around the prophet of islam in Far from Madina by Assia Djebar, to the multiple voices of Créolité in Solibo Magnificent by Patrick Chamoiseau, to the forms of individualism in a Guadeloupean village in Crossing the Mangrove by Maryse Condé, these novels are involved in innovative literary strategies. Nonetheless, postcolonial studies left in the shadow the work of forms that is yet the operatory mode of literary thought. To bridge this gap, we need a narratological and stylistic analysis of the techniques of representation of speech and thought. By disentangling the forms and the stakes of the fascinating relationship that is at work between the other’s speech and narrative voices, my dissertation brings a welcomed contribution to Francophone studies as well as to narrative studies.Three major thoughts foster this research: first the concept of counterpoint of Edward Said, seen in its dialogical dimension, the social approach to language in Voloshinov/Bakhtin, that presides to developments on dialogism, and the political approach to literature of Jacques Rancière, that casts a new light on now traditional benefits of “estrangement”. It is thus, without leaving the tenuous zone where esthetic forms meet social forms that my dissertation spans the most actual debates in Francophone studies

Cette étude répond à l’intitulé suivant : La fiction romanesque de la postmodernité et ses labyrinthes. L’exemple des textes d’Alain Robbe-Grillet (France, 1922-2008), de Juan José Saer (Argentine, 1937-2005) et de Boubacar Boris Diop (Sénégal, 1947-). Elle se propose de cerner, sous l’autorité méthodologique de la poétique textuelle, les diverses modalités par lesquelles le motif du labyrinthe s’impose comme substrat privilégié de la poétique du récit chez trois écrivains appartenant à des aires linguistiques et culturelles différentes. Le choix et l’examen des textes de ces trois écrivains reposent sur la volonté de montrer le déploiement de ce motif dans l’organisation interne de la fiction romanesque postmoderne. En effet, intégré dans la dynamique interne de l’oeuvre de manière très diversifiée, le motif du labyrinthe surgit dans toutes les problématiques qui traversent l’écriture romanesque postmoderne. Par commodité méthodologique et rigueur scientifique, cette étude se déploie suivant trois axes complémentaires. Tandis que le premier qui s’intitule « Le labyrinthe comme invariant obsessionnel de la fiction romanesque de la postmodernité » s’attache à faire ressortir les diverses facettes sous lesquelles ce motif se déploie dans la dynamique textuelle du récit fictionnel postmoderne ; le deuxième qui a pour titre « Le labyrinthe comme modalité constitutive de la narrativité du récit : la fiction romanesque de la postmodernité à l’épreuve de la discontinuité », s’attèle quant à lui, à examiner en quoi ce motif participe d’un projet d’écriture qui revendique la discontinuité comme principe narratif ; enfin, le troisième qui a pour intitulé « Le labyrinthe comme modalité caractéristique de l’interdiscursivité et de l’intergénéricité de la dynamique textuelle : la fiction romanesque de la postmodernité à l’épreuve de la polyphonie », entreprend pour sa part de démontrer en quoi ce motif est constitutif de la polyphonie qui gouverne la dynamique textuelle du récit fictionnel postmoderne
This study answers the following title: Romantic fiction of postmodernity and its mazes. The example of the texts of Alain Robbe-Grillet (France, 1922-2008), of Juan José Saer (Argentina, 1937-2005) and of Boubacar Boris Diop (Senegal, 1947-). It intends to identify, under authority methodological of poetic text the various modalities by which the pattern of the labyrinth becomes established as privileged substrate of the poetic narrative in three writers belonging to different linguistic and cultural areas. The choice and examination of the texts of these three writers rest on the will to show the deployment of this pattern in the internal organization of the postmodern romantic fiction. Indeed, integrated in the internal dynamic of writing in a very diversified way, the pattern of the maze appears in all the problems which cross the romantic writing. For methodological convenience and scientific rigour, this study deploys according to three complementary axes. While the first is entitled "The labyrinth as obsessive invariant of the romantic fiction of postmodernity" sets out to bring out the different aspects in which this pattern unfolds in dynamic textual postmodern fictional narrative, the second which is entitled "The labyrinth as constitutive modality of the narrativity of the story : romantic fiction of postmodernity to the test of discontinuity", gets down to examine how this pattern is part of a writing project that claims the discontinuity principle as narrative, and the third which is entitled "The labyrinth as a characteristic modality of interdiscursivity and intergenericity textual dynamic : romantic fiction of postmodernity to the test of polyphony" undertakes to show how this pattern is constitutive of polyphony which governs the dynamic of textual postmodern fictional narrative

Le roman négro-africain de dénonciation que nous appelons " roman subversif " et que d'aucuns insèrent dans la catégorie dite roman de la rupture, en tant que macro-acte de langage, comporte bien une visée illocutoire subversive. Cela est vrai même si le discours littéraire négro-africain d'après les indépendances, à l'instar de tout discours, reste contraint, c'est-à-dire en grande partie déterminé par le contexte sociopolitique, mais également le champ littéraire francophone où entrent en concurrence divers " positionnements " et " postures " d'auteurs. Nous montrons dans ce travail que cette visée qui est une entreprise de dévoilement des dérives des nouveaux régimes politiques et/ou religieux, résultante de l'intrication du contexte non verbal négro-africain et de l'intérieur des romans, et qui se traduit par la construction littéraire de divers ethos individuels et collectifs, peut s'étudier, entre autres, au moyen de la méthode d'analyse du discours. En reliant extérieu r et intérieur du texte littéraire, ce qui écarte l'immanence structuraliste, nous abordons le roman négro-africain d'après les indépendance comme un dispositif d'énonciation dont le centre déictique et modal est le garant du discours, à savoir le narrateur principal qui est le plus souvent " homodiégétique " dans notre corpus à l'exception de Perpétue où il est " extradiégétique ". Ainsi, la thèse ruine la conception romantique qui distingue le moi social de l'écrivain et le moi créateur. Nous considérons donc que les romans de notre corpus sont des activités sociales s'insérant dans les pratiques discursives d'une société, ce qui consacre définitivement la relation texte et société en mettant en branle des notions de la problématique de l'énonciation à grande portée socioculturelle comme la " scénographie ", la " scène générique ", la " scène validée ", la " paratopie ", etc. Nous confirmons donc la possibilité d'un enrichissement des approches de la littéraire négro-afric aine considérant l'histoire littéraire composée de trois entités séparées (l' " homme ", l' " uvre " et le " milieu ") et qui sont restées plus ou moins classiques, c'est-à-dire thématiques, souvent sociologiques. En recourant systématiquement aux outils de la linguistique de l'énonciation, de la pragmatique, de la linguistique textuelle, de l'argumentation, de la linguistique interactionniste, etc., nous appliquons à quelques romans négro-africains d'après les indépendances et à plusieurs séquences textuelles que nous avons sélectionnées et tirées de ce corpus, la méthode de l'analyse du discours telle qu'elle est théorisée dans la sphère européenne par des chercheurs tels que Dominique Maingueneau et Patrick Chareaudeau, mais également d'autres qui ont développé des problématiques linguistiques proches ou similaires : Jean Michel Adam, Ruth Amossy, Emile Benveniste, Catherine Kerbrat-Orecchioni, Oswald Ducrot, etc., pour ne citer que ceux-là. L'étude de la polyphonie pour la détermination des voix en présence dans les romans nous conduit à l'étude, d'une part, de la double énonciation qui se traduit par les dialogues en tant que modalité narrative où plusieurs énonciateurs sont mis en scène, de l'autre, de tous les types de discours rapporté, mais également de la manifestation verbale du peuple négro-africain. Ces voix définissent des identités énonciatives, celles des camps opposés, à savoir le pouvoir politique et/ou religieux et les opposants qui sont sans cesse en conflit dans les romans. Bannissant l' " authenticité " qui était la visée des conceptions identitaires négro-africaines comme la Négritude, les auteurs du corpus utilisent le discours rapporté et la double énonciation non pour restituer la réalité crue, comme dans le roman à thèse, mais pour dénoncer en dictant, en creux, au lecteur modèle ce qu'il faut penser ou croire. La tourmente politique et/ou religieuse est décriée par la présentation au lecteur de " patrons discursif " et d'un code langagier qui s'insérèrent dans l' " interdiscours " et qui montrent différents ethos populaires ou individuels fonctionnant comme des repoussoirs utilisés pour la dénonciation. Le lecteur modèle arrive à produire l'effet discursif attaché aux textes par l'activité d'" incorporation " de ces ethos qui se manifestent par une certaine corporalité et une vocalité précise.Mots clés :Énonciation, polyphonie, " scène d'énonciation ", genre, dialogue, interaction, argumentation, " posture ", " paratopie ", ethos, discours, texte, contexte.

Généralement considérée comme le fruit d’un déclin voire d’un renoncement créatif, l’œuvre poétique du second Verlaine tend à être mise entre parenthèses par les éditeurs et les commentateurs. Cet ensemble hétérogène témoigne pourtant d’une réflexion continue sur les enjeux de l’expression et de la réception littéraires. À partir de la publication de Sagesse en 1880, le poète exacerbe la culture du déconcertement qu’il a mise en place dans ses premières compositions. Non content de déployer une écriture du contre-temps à rebours des normes et des conventions de la doxa, il cultive un art de la contradiction qui exploite à la fois les ressorts explicites et implicites des textes. Cette recherche propose de montrer comment Verlaine élabore une parole instable, palinodique et polyphonique, afin de surprendre les lecteurs en quête d’une image unifiée du sujet poétique, tout en les confrontant de façon malicieuse à leur liberté et à leur responsabilité interprétatives
Generally considered to be the result of poetic decline, or even creative renunciation, the later poetry of Verlaine tends to be forgotten by publishers and critics. This corpus, albeit heterogeneous, offers a constant reflection on literary expression and reception. From the publication of Sagesse in 1880, the poet emphasizes the art of disconcerting the reader created in his earlier poems. He writes outside of his time, against the standards and conventions of public opinion, but also uses explicit and implicit self-contradictions. This thesis proposes to show how Verlaine elaborated unstable, contradictory and polyphonic poetry, to surprise readers and confront them with their freedom and their responsibility with regard to the interpretation of texts

Le présent travail s’attache à montrer comment, dans l’œuvre balzacienne, la représentation de la foi, pensée comme un sentiment religieux, est fondée sur un principe actif de retournement que nous appelons ironisation. Distincte de l’ironie et fondamentalement non humoresque, l’ironisation construit une problématique de la valeur qui, dans la société du premier XIXe siècle confrontée au désordre et à l’instabilité du sens, semble être la seule forme apte à traduire les fluctuations du réel et à donner à lire la non-coïncidence entre l’ordre du sujet et l’ordre du monde. Dynamique narrative, esthétique et poétique, l’ironisation consiste en une force de déplacement et de déstabilisation, en un nouveau mode critique qui installe la réversibilité des interprétations au cœur des récits, réfute toute hiérarchisation des axiologies contraires et engage une vision du monde où la vérité ne se fonde plus sur une transcendance, celle de Dieu, du sens ou du vrai. Assumant la solitude radicale dans laquelle elle laisse le lecteur, l’ironisation brouille les repères, renverse constamment les significations et refuse toute tentative d’unification systématique : elle constitue ainsi une véritable prise de contact avec le réel et interroge la croyance en déterminant une troisième voie qui échappe à la dialectique stérile nihilisme/spiritualisme.Si Balzac invente toute une théologie originale et personnelle qu’il développe et exemplifie notamment dans Le Livre mystique, et s’il ménage dans ses romans des scènes récurrentes qui voient les personnages confrontés à l’apparition du sacré, il cherche néanmoins à représenter le sentiment religieux dans l’Histoire et à intégrer sa pensée du spirituel au sein d’un dispositif général fondé sur un projet matérialiste et une poétique de type « réaliste ». Cette double postulation se traduit par l’ironisation qui, en procédant à une mise en tension des opposés, le religieux et le matérialisme, le doute et la spiritualité, donne naissance à une unité radicalement polyphonique qui invite à repenser la représentation de la foi dans le monde contemporain à la lumière de catégories nouvelles. Rendant indécidable un sens univoque et faisant cohabiter des réalités incompatibles, le geste d’ironisation détermine alors un nouveau rapport au temps et interroge le phénomène religieux ainsi que le devenir de l’individu moderne et de l’Histoire
The present work endeavours to demonstrate in Balzac’s Comédie humaine just how the representation of faith, considered as a religious feeling, is based upon an active principle of reversal that we will call « ironisation ». Distinct from irony and inherently non-comical, « ironisation » is bound to the issue of value and seems to be, in the early 19th-century society faced with disorder and the instability of meaning, the only form able to convey the unsteadiness of the real and to manifest the rift between the order of the subject and the order of the world. As a narrative, an aesthetic and a poetic dynamic, « ironisation » consists in a displacing and unsettling force, in a new critical mode which puts the reversibility of interpretations at the heart of stories, denies every axiological hierarchy and entails a worldview where truth isn’t tied to transcendence anymore, be it the transcendence of God, of meaning or of truth. Accepting the radical aloneness to which it condemns the reader, « ironisation » troubles our standards, constantly overturns significations and refuses all attempts at systematic unity: as such, it is a true confrontation with reality and it undermines beliefs while forming a third way escaping from the fruitless dialectic between nihilism and spiritualism.If Balzac invents his very personal and original theology, which he expands and exemplifies especially in Le Livre mystique, and if he makes room in his novels for recurring scenes where characters are faced with the appearance of the sacred, he nevertheless tries to represent the religious felling within the bounds of history and to situate his ideas about the spiritual inside of a general framework based upon a materialist project and « realist » poetics. These two premises lead to « ironisation » which, by creating tension between pairs of opposites, the religious and the materialistic, doubt and spirituality, gives birth to a resolutely polyphonic unity, inviting us to rethink the representation of faith in the contemporary world in light of new categories. Since it makes meaning undecidable and forces conflicting realities to cohabit, the gesture of « ironisation » shapes a new relation to time and questions the religious phenomenon as well as the becoming of the modern individual and history

Cette thèse se propose d’étudier l’énonciation poétique dans les Poemetti de Giovanni Pascoli. Dans le cadre d’une poésie narrative qui ménage une très large part au discours rapporté, multipliant ainsi les sujets de l’énonciation, le sujet poétique se constitue dans une polyphonie qui, loin d’être l’apanage du roman, interroge aussi bien les formes de narration traditionnelles que le modèle monologique lyrique. Alors que les voix qui traversent ses recueils les plus étudiés, Myricae et Canti di Castelvecchio, participent au développement d’une réflexion métalinguistique comme en témoigne le titre de l’essai fondateur de G. Contini, « Il linguaggio di Pascoli », les voix présentes dans les Poemetti attirent l’attention sur la fonction métadiscursive de la poésie. C’est en s’inscrivant dans un discours partagé et collectif que le sujet biographique et allégorique peut se constituer et échapper au sentiment d’égarement et de solitude qui le définit. Le sujet cherche alors dans la collectivité des voix familiales ou communautaires, locales ou nationales, une réponse au sentiment d’exclusion qui l’habite, en particulier dans la communauté familiale autarcique et idéale du « roman géorgique ». Parler de polyphonie ou d’une forme de dialogisme dans le cadre d’un epos ou dans celui d’une poésie lyrique pourrait paraître paradoxal. L’epos reposerait en effet sur une vision du monde commune aux personnages, au narrateur, et au lecteur. Le lyrisme se fonderait sur l’expression d’une subjectivité individuelle et intime. C’est sans compter sur la volonté de Pascoli de faire de sa voix poétique un point d’orgue entre l’individuel et le collectif. Il veut en effet s’adresser à tous, jusque dans sa poésie autobiographique. La polyphonie qui traduit le rapport que le sujet individuel entretient avec le collectif définit le sujet comme étant toujours et déjà pluriel. Le poète invente alors avec le poemetto un genre novateur qui mêle à la narration d’une histoire commune propre à l’epos, la mise en question de la subjectivité propre au lyrisme
This thesis aims to study poetic enunciation in Giovanni Pascoli’s Poemetti. Within the framework of a narrative poetry that gives ample space to reported speech, thus multiplying enunciatory subjects, the constitution of the poetic subject occurs via a polyphony which, far from being the prerogative of the novel, interrogates both traditional narrative forms and the monological lyrical model. The title of G. Contini’s foundational essay, « Il linguaggio di Pascoli », indicates that the voices that are heard in Pascoli’s most studied collections, Myricae and Canti di Castelvecchio, participate to the development of a metalinguistic process ; however, the voices that occur in the Poemetti draw attention to poetry’s metadiscursive function. It is its inscription within a shared, collective discourse that enables the biographical and allegorical subject to constitute itself and to overcome the feelings of bewilderment and solitude that define it. The subject then searches for an answer to the feeling of exclusion that haunts him in the collectiveness of family or community voices, either local or national, and especially in the autarkic and ideal family community of the “georgic novel”. It might seem paradoxical to emphasize polyphony and a form of dialogism in the context of an epos, or of lyrical poetry. The epos should indeed presuppose a world-view that is common to the characters, the author and the reader. Lyricism, on the other hand, should be founded upon the expression of an individual and intimate subjectivity. But we should not discount Pascoli’s will to fuse the singular and the collective in his poetic voice. Even his autobiographical poetry is indeed addressed to all. The polyphony, which expresses the individual subject’s relation to the collectivity, defines the subject as being initially and irrevocably plural. Thus the poemetto appears to be an innovative genre that combines the narration of a common story, characteristic of the epos, with the questioning of subjectivy that is specific to lyricism

La coprésence de langues dans le roman antillais contemporain. Le roman francophone est souvent considéré comme le lieu d’enjeux stratégiques concernant la coprésence d’usages de langue(s). À cet égard, les Antilles présentent une situation tout à fait originale dans laquelle une “cacophonie” pourrait être envisagée comme un moyen d’expression des différentes tensions (narratives, énonciatives ou linguistiques) qui habitent le texte, avec toutes les conséquences que cela peut entraîner pour les lecteurs potentiels. Il s’agit pour les rédacteurs de L’Éloge de la créolité d’aller à l’encontre des attentes de clarté du lecteur pour préserver sans altération aucune une identité multiple. Cependant, d’autres auteurs antillais francophones tels que Simone Schwarz-Bart, Maryse Condé et Daniel Maximin, ne partagent pas le point de vue des signataires de l’Éloge. Bien que leur écriture soit marquée par une certaine présence créole, ils considèrent que l’identité linguistique antillaise ne peut pas se réduire à une confrontation du créole et du français. Pour ces auteurs, il ne s’agit pas de reconquérir le français en le créolisant. Par conséquent, ce travail de thèse consistera à analyser la structure linguistique du roman antillais francophone en prenant autant en compte les différents partis pris des auteurs ainsi que la réception et les transpositions tentées par les traducteurs. Cette étude propose une mise en perspective de l’écriture en coprésence de langues en mettant en relation les œuvres des auteurs antillais contemporains avec des tentatives antérieures de superposition de langues et des écritures créolisées issues d’autres sphères linguistiques. Ces recherches permettront de saisir les influences et la portée de l’écriture en coprésence de langues des romanciers antillais contemporains
The Pluri-language Writing in the Contemporary West Indian NovelThe francophone novel is often regarded as field of strategic issues as to the pluri-language writing. In this respect, West Indies offer a very peculiar situation in which “cacophony” could be considered as a way for various strains (narrative, enunciative and linguistic) to express themselves within the textual frames, with many consequences for the potential readers. For the writers of In Praise of Creoleness, it means deceiving the reader’s expectations of clarity to preserve unaltered a multiple identity.Nevertheless, other West Indian francophone writers such as Simone Schwarz-Bart, Maryse Condé and Daniel Maximin, do not share this point of view. Although their writing is marked by a certain Creole presence, they assert that West Indian linguistic identity can not be summarised in the confrontation of Creole and French. According to them, the point is not to reconquer French through creolization.This thesis thus aims to analyze the linguistic structure of West Indian francophone novel with respect both to its different writers’ stances, its reception and the transpositions tempted by the translators.This study proposes a contextualization of the plurilingual texts through a confrontation of the works of the contemporary West Indian authors with the previous overlapping languages attempts and creolized writings stemming of the other linguistic spheres.This research will allow to seize the influences and impacts of the pluri-language writing of the contemporary West Indian novelists

Alfred de Musset polémiste ? Le sujet a de quoi étonner quiconque connaît un tant soit peu l’oeuvre du poète, qui n’a cessé de revendiquer son indépendance à l’égard des partis et son refus d’être « pamphlétaire » ou d’endosser la posture hugolienne de « l’homme du siècle et de ses passions », ou quiconque s’en tient à l’image stéréotypée de « poète léger » et de citoyen indigne longtemps véhiculée par ses détracteurs et les manuels scolaires. Et pourtant, une bonne partie de son oeuvre, poésie, théâtre et prose, fait le procès de son époque, fustige les nouveaux dogmes et les clichés du siècle, et retrouve la tradition de la satire classique.La posture de retrait qu’adopte Musset à l’égard des écoles ennemies, néoclassiques et romantiques, est plus largement une posture polémique, et en même temps Musset opte là aussi pour l’écart : il polémique tout en niant polémiquer. Cette dimension agonistique apparaît particulièrement dans les OEuvres en prose de Musset, et notamment dans ses articles critiques et ses chroniques journalistiques, mais elle parcourt aussi, à la façon d’éclairs fugaces et incandescents, ses romans (La Confession d’un enfant du siècle est aussi condamnation du siècle), tandis que ses Nouvelles et ses Contes retrouvent les chemins de la satire classique.La présente étude se propose d’interroger les liens qui unissent, chez Musset, polémicité et généricité. Elle opte pour une approche stylistique de l’oeuvre, une oeuvre riche en formes et en genres dont l’analyse est inséparable de la prise en compte du contexte de leur production (la monarchie de Juillet et la « bataille romantique ») comme de celle du support journalistique qui les accueille : les Mélanges de littérature et de critique comptent des formes et des genres où Musset se fait écrivain journaliste malgré son aversion pour la presse. Musset retravaille ces formes et ces genres au gré des polémiques qu’il y insère, et réciproquement adapte les formes du polémique, le degré même de polémicité, au genre investi. Il refuse de se faire âpre polémiste mais recourt à divers procédés et intertextes propres aux registres polémique et satirique. Il polémique paradoxalement contre les polémiques et opte pour un éthos de « dandy bouffon », volontiers railleur et désinvolte, pariant sur la connivence avec le lecteur, et méfiant envers la violence du langage des formes polémiques contemporaines.Maître ironiste, habile à subvertir les genres de l’intérieur par une fictionnalisation des formes journalistiques et par la polémisation de genres a priori non polémiques, à réfuter les contre-discours aussi bien au moyen de la parodie et du pastiche qu’à celui d’une rhétorique subtile de réfutation, Musset laisse cependant entendre derrière la dérision une voix ambigüe, désenchantée et duelle, où l’énoncé s’en prend à l’énonciation au point de brouiller parfois la lisibilité de la polémique, dans une logique d’ironie « dix-neuvièmiste ». En définitive, le polémique mussétien s’attaque au « prêt à penser » de son époque, mais se retourne bien souvent aussi contre le Moi, cet « enfant du siècle », dans la logique d’une ironie romantique
Alfred de Musset polemicist? The subject could surprise anyone who knows the slightest bit of the work of the poet, who has continued to assert his independence from the parties and his refusal to be a "pamphleteer" and to endorse the hugolian posture of “the man of the century and its passions”, or anyone who sticks with the stereotypical image of "light poet" and unworthy citizen long mediated by his detractors and scholar textbooks. And yet, a good part of his artwork, poetry, drama and prose, makes the trial of his era, denounces new dogmas and cliches of the century, and joins to the tradition of the classic satire. Withdrawal posture adopted by Musset against enemy schools, neoclassical and romantic’s one, is more widely a controversial posture, and at the same time Musset opts there also for the distance : he’s involved in controversy while denying argue. This agonistic dimension appears particularly in the prose works of Musset, and particularly in his critical articles and journalistic chronicles, but it crosses also, like lightning fleeting and glowing, his novels (The Confession of a child of the century is also a harsh condemnation of the century), while his Short-Stories and his Tales get back to the paths of the classic satire. The present study proposes to examine the links that bind, in Musset’s works, polemicity and genericity. It opts for a stylistic approach of the work, which is rich in forms and genres whose analysis is inseparable from taking account of the context of their production (the July monarchy and the "romantic battle") as of the journalistic media that welcomes them: Mixtures of literature and criticism are forms and genres where Musset turns out to be a “writer- journalist” despite his dislike of the press. Musset reworks these forms and these genres according to the polemics he inserts, and reciprocally adapts forms of the controversy, even the degree of polemicity, with the invested genre. He refuses to be bitter controversialist but uses various stylistic devices and intertexts specifics to polemical and satirical modes. He paradoxically attacks the controversies and opts for an ethos of "jester dandy", willingly mocking and flippant, betting on the connivance with the reader, and suspicious of the violence of the language of contemporary polemic’s forms.Master ironist, adept at subverting the genres from the inside by a fictionnalisation of journalistic forms and by the polemisation of a priori not polemical genres, to refute the counter-discourse as well through parody and pastiche as a subtle refutation’s rhetoric, Musset suggests however behind derision an ambiguous, disenchanted and dual voice, where the utterance lashes out against the enunciation to the extent of blurring sometimes the readability of the controversy, in a logic of "nineteenth’s" irony. As it emerges, Musset’s controversy tackles "ready to believe" of his time, but often also turns against himself, this “child of the century”, in the logic of a romantic irony

Les nouvelles du XVIe siècle sont souvent lues comme de simples passe-temps, loin derrière les livres de Rabelais. Pourtant, cette littérature labile est dotée d’une « grande variété de formes narratives qui témoignent de [s]a souplesse et de [s]a plasticité […], laboratoire des expériences romanesques à venir » (D. Souiller, La nouvelle en Europe de Boccace à Sade). Il est ainsi difficile de conférer une identité générique à ces textes. En l'absence d’arts poétiques contemporains, la critique propose des définitions discutables. Trop restrictives ou partiales, elles aboutissent à un compromis : donner des caractéristiques majeures (brièveté, moralité, bon tour, bon mot, « réalisme », etc.), sans nettement distinguer le genre de formes narratives voisines (discours bigarrés, histoires tragiques). Pourtant, une autre piste est possible : adopter le point de vue des auteurs de romans comiques pour profiter d'une pratique d'écriture nourrie des conteurs de la Renaissance et d'une réception littéraire plus proche de celle des lecteurs du XVIe siècle, soit affiner les analyses modernes pour aspirer à établir la première liste de critères génériques fiables et opératoires
Read short stories from XVIth french century, it’s like reading fancy stories or recreations, far away from Rabelais’books. However, this unsettled literature has a « grande variété de formes narratives qui témoignent de [s]a souplesse et de [s]a plasticité […], laboratoire des expériences romanesques à venir » (D. Souiller, La nouvelle en Europe de Boccace à Sade). It’s difficult, indeed, to give a set generic identity at these texts. Without contemporary arts of poetry, modern critics suggest debatable definitions. Too restrictive or partial, those definitions end up at a compromise : to give main characteristics (brevity, moral, good trick, good word, « realism », etc.) without make a clear distinction with close narrative forms (« discours bigarrés », « histoires tagiques »). Yet, there is another path : take the point of view of « romans comiques »’ authors in order to take advantage of a writing fed from Renaissance’s storytellers and of a reading closer with XVIth century’s readers, that is to say refine modern studies in order to draw up the first list of reliable and operating generic criteria

La présence du dialogue romanesque ne peut en aucun cas se résumer dans un souci d’effet-de-réel dans la littérature du XXè siècle, de manière générale, et dans l’œuvre gracquienne de manière particulière. Il s’ensuit que l’un des objectifs de notre investigation revient à questionner le(s) rôle(s) joué(s) par le dialogue romanesque gracquien dans la représentation littéraire dans l’ensemble de son œuvre de fiction, mais également dans chacun des récits gracquiens étudiés pour voir s’il y a un changement et, par là, une spécificité au niveau du statut de cette forme d’écriture relative à chacun de ces récits ou au genre auquel il appartient. Notre principal souci consiste, donc, à montrer que le dialogue romanesque gracquien joue un rôle fondamental dans la construction du texte narratif. D’ailleurs, nous verrons que l’analyse de cet espace discursif précis permettra de relever un certain nombre de problèmes relatifs à l’interprétation et à la signification au sein du texte littéraire
In the literature of the twentieth century, in a general way, and in the fictions of Julien Gracq, in a particular way, the presence of the dialogue cannot limit itself in the objective to represent the reality. It follows that one of the objectives of our investigation means questioning the roles played by the written dialogue in the representation within the novels of Julien Gracq but, at the same time, the diverse functions played by the written dialogue within the same novel. These operations are made to see if there’s a change and, consequently, a specificity in the status of the dialogue relative of gender of text from which the dialogue is extracted. Our main concern consists, thus, in showing that the written dialogue plays a fundamental role in the construction of the narrative text. Moreover, we shall see that the analysis of this discursive space will allow enumerating some problems relative to the interpretation and to the meaning within Julien Gracq’s text

Cette étude comparée s'intéresse à deux auteurs francophones, J. MG. Le Clézio et A. Maalouf, qui appartiennent à deux sphères géoculturelles éloignées l'une de l'autre et différentes, et dont les œuvres n'ont jamais fait l'objet jusque-là d'une recherche comparatiste. La confrontation des textes porte sur deux thématiques d'actualité : l'altérité et la marginalité et bénéficie de l'éclairage apporté par l'étude de la poétique et le vécu des auteurs, eux-mêmes, marginaux à plusieurs égards. L'altérité se présente comme la cause de la situation marginale des personnages ; elle met en lumière leurs différences physiques, la vulnérabilité de leur situation sociale, leurs problèmes identitaires et leur relation particulière avec l'espace. D'un autre côté, c'est la confrontation deu personnage avec l'autre ( en tant qu'adjuvant ou opposant ) et avec l'ailleurs ( à travers la quête des origines et la réalisation d'un parcours initiatique ) qui lui permet de dépasser sa marginalité et son mal-être. La poétique de l'altérité et de la marginalité étudiée dans ce travail trouve son accomplissement dans l'esthétique scripturale adoptée par les auteurs. Fondée sur l'éclatement, le dépassement des limites, l'hétérogénéité générique et l'oralité, l'écriture devient la traduction de la marginalité et de l'hybridité qui caractérisent les personnages. Deux auteurs, deux univers romanesques mais une idéologie et une sensibilité scripturale communes au service d'un même combat : favoriser l'interculturalisme et lutter contre toutes les formes de discrimination. Corpus : Poisson d'or, Hasard, Révolutions, Le Rocher de Tanios, Les Echelles du Levant, Origines
The following study on two French-speaking authors from two distant and different geo-cultural spheres, whose works have never been subject to a comparatvie study so far. J. M. G. Le Clézio and A. Maalouf. The comparison of the texts covers two current sets of themes : Otherness and marginality. It takes advantage of the light shed by the poetic inspiration and true life authors who are themselves ill-integrated in different. Otherness appears at the root of the marginal situation of the characters : it brings to light their physical differences, their social defencelessness, their identity problems and their special relationship with space. On the other hand, it is about the confrontation of the character with the 'other' (as an auxiliary or an opponent) and the 'outer space' (through the quest of identity and the fulfillement of a learning journey) which would allow him/her to overcome his/her lack of integration and well-being. The poetics of Otherness and marginality considered in this work are being achieved through the scriptural aesthetics assumed by the authors. Their style of writing has translated the marginality and hybridity of the characters through disruption, the overtaking of boundaries, generci heterogeneousness and the oral character. They are two authors with two fiction worlds, but there is only one ideology and scriptural sensitivity used for the one and same strife : to further interculturalism and oppose all kinds of discrimination. Corpus : Poisson d'or, Hasard, Révolutions, The Rock of Tanios, Ports of Call, Origins

Cette étude est une recherche herméneutique qui implique une critique génétique se propose d’éclaircir le déploiement de la conscience intérieure des sujets à travers la structure intrinsèque de l’œuvre de Samuel Beckett. Il est courant de mettre en valeur la perte a posteriori de l’identité d’un sujet dans l’univers beckettien avec des termes négatifs liés au désespoir. Cependant, d’après les réécritures entre version anglaise et française, entre manuscrit et texte publié, nous pouvons affirmer que l’important réside dans l’interchangeabilité ou le décalage de nombreux sujets à l’intérieur de l’espace microcosmique. Ces sujets atomiques n’ont rien à voir avec les fonctions humaines telles que la volonté, le sentiment et la communication ; ils sont originellement absents, mais murmurent sans l’aide de la langue donnée. En nous appuyant notamment sur les notions de polyphonie (Bakhtine) et de multiplicité (Deleuze), nous avons analysé principalement les textes romanesques selon trois axes : 1. Lutte / Carnaval, 2. Polyphonie / Univers, 3. Imagination inclusive. Beckett a tout d’abord essayé de distinguer son récit des normes narratives, puis, a fait plusieurs expériences langagières en fixant un espace clos, et a finalement conféré de l’intensité à cet espace. Avec les nouveaux canons qui se sont imposés au cours des rédactions, il en est arrivé à réduire les systèmes langagiers à un état de suspension. Ses textes, ses écrits et ses personnages ne sont pas des entités finies ; ils restent toujours dans une relation dynamique
This is a hermeneutical study which encompasses genetic criticism in an attempt to reveal the development of inner consciousness of the subjects by analysing the intrinsic structure of Samuel Beckett’s work. It is common to emphasize the loss a posteriori of the identity of a subject in the Beckett’s world with negative terms connected with despair. However, according to the rewritings of English and French versions of his works, and of both manuscripts and published texts, we can stress the importance residing in the interchangeability or the discrepancy of many subjects in the microcosmic space. These atomic subjects have no relationship with human functions such as will, feelings or communication; they are originally absent, but murmur without the assistance of a given language. By drawing, in particular, on the concepts of polyphony (Bakthin) and multiplicity (Deleuze), we have mainly analysed Beckett’s novels and proses according to the following chapters: 1. Struggle / Carnival, 2. Polyphony / Universe, 3. Inclusive imagination. Beckett first tried to distinguish his story from a normative narrative, then made several linguistic experiments by setting up a closed space, and finally gave intrinsic powers to that space. With the new canons which were imposed on himself while writing, he got to keep the linguistic systems suspended in the air. His texts, his writings and his characters are not finished entities; they always remain in a dynamic relation to one another

Cette thèse consacrée à Die Ausgewanderten de W.G. Sebald (1992) procède à une étude microscopique et détaillée de l'écriture dans sa singularité, une radiographie du texte et de sa matérialité hétérogène. L'étude montre la structure binaire sous-jacente de l'ouvrage, la complexité des stratégies stylistiques et narratives, la manière dont le signifiant se soumet à l'impératif catégorique du signifié mais aussi la prééminence de signes tangentiels et obliques ; elle s'intéresse également à la singularité de l'enchaînement des discours rapportés et met en lumière le geste mélancolique du narrateur sébaldien. Il apparaît que l'intertextualité revêt une spécificité particulière puisque la polyphonie sébaldienne est orientée différemment de celle envisagée par M. Bakhtine. La deuxième partie s'attache à étudier la critique de la civilisation (Kulturkritik) dans une œuvre fortement marquée par la constellation idéologique de l'École de Francfort et plus précisément par " La Dialectique de la Raison " de Horkheimer et d'Adorno. La prose allemande muséale de l'auteur, qui rappelle celle d'Adalbert Stifter mais aussi, par ses emboîtements narratifs, emprunte la virtuosité bernhardienne, est incrustée de " moments " de bonheur ou de beauté qui mettent en évidence et soulignent l'inouï du monde concentrationnaire. Les thématiques de l'exil et du pays natal sont au centre des intérêts de la troisième partie. L'étude s'attache à montrer que l'ouvrage réécrit en quelque sorte une littérature de l'exil que l'auteur, professeur de littérature de langue allemande, a eu l'occasion de fréquenter mais aussi d'analyser. C'est un " chœur d'exilés " qui se fait entendre dans Die Ausgewanderten et qui manifeste la tragédie de l'homme moderne.

Cette thèse étudie les spécificités du discours produit par les femmes écrivains de la diaspora afro-caribéenne au Canada et aux Etats-Unis, notamment chez Edwidge Danticat, Nalo Hopkinson, Jamaica Kincaid, Paule Marshall, M. NourbeSe Philip, et Olive Senior. La position ambivalente de ces auteures qui sont culturellement dedans et dehors influence leurs écrits, en prose comme en poésie, dans lesquels elles revendiquent leurs histoires, leurs corps et leurs langues. La discussion s’attache à observer les opérations discursives en démontrant que les auteures étudiées articulent de nouvelles formes de subjectivité et prouvent que la formation des identités culturelles ne dépend pas d’un territoire stable, mais plutôt d’un espace culturel mobile, voire volatile. D’une part, ces femmes réécrivent le passé dans un discours qui déstabilise les versions hégémoniques de l’histoire et d’autre part, elles cherchent à représenter leurs corps en dépassant leur dimension matérielle et choisissent d’embrasser leur schizophrénie culturelle. Leurs projets brisent le silence et libèrent les subjectivités incontrôlées à travers la création de polyphonies incarnées, de multiples contre discours et d’énoncés non-conformistes. Les constructions discursives de leur moi ne pouvant en effet se manifester qu’à l’extérieur des terminologies canoniques, ces auteures s’inscrivent dans une démarche de résistance au discours unique et privilégient a fortiori une rhétorique hétéroglossique. En somme, cette analyse comparative est innovante en ce qu’elle démontre que mémoires, langues et identités diasporiques sont intimement liées, et qu’au delà de leurs démarches respectives et des stratégies discursives qui leur sont propres, ces auteures sont des écrivains du limbo qui, à la manière des danseurs de limbo, transforment l’instabilité en une expérience de recréation artistique. Elles placent leurs représentations au coeur d’une dynamique empreinte de mouvement, de fluidité, de pluralité et d’hybridité, et prouvent clairement que la diaspora féminine caribéenne peut faire entendre sa voix
This dissertation examines the specific discourse produced by diasporic African Caribbean women writers in Canada and the USA, namely Edwidge Danticat, Nalo Hopkinson, Jamaica Kincaid, Paule Marshall, M. NourbeSe Philip, and Olive Senior. These authors’ ambivalent positions as both cultural insiders and outsiders are conveyed through their prose and poetry, in which they reclaim their histories, bodies and tongues. The thesis highlights discourse operations in demonstrating that the selected authors articulate new forms of subjectivity, hence proving that cultural identities do not depend on static territories but rather on mobile and even volatile cultural spaces. Besides reconstructing the past through a discourse that truly unsettles hegemonic versions of history, African Caribbean diasporic women writers represent their bodies beyond materiality and choose to embrace their cultural schizophrenia. Their projects consist in un-silencing the unruly selves through the creation of embodied polyphonies, multiple counter-voices and anti-conformist utterances. The discursive constructions of the self therefore occur outside of canonical terminology, as these women writers resist single-voiced discourse and favour heteroglossic rhetorics. Ultimately, this comparative literary analysis is innovative as it proves that diasporic memories, tongues and identities are interlinked, and that beyond their respective agendas and personal discursive strategies, these authors are limbo writers who, like limbo dancers, transform instability into a recreative and artistic experience. They inscribe their self-representations into a powerful dialectic of movement, fluidity, plurality and hybridity, and truly demonstrate that the feminine Caribbean diaspora can speak

Cette recherche propose d'examiner les marqueurs de l'anglais à la lumière du concept de polyphonie, abondamment utilisé en linguistique du français. Cette étude du cas de l'interro-négative en anglais questionne le caractère opératoire de ce concept : renseigne-t-il aussi le fonctionnement de la langue anglaise ?Pour répondre à cette question, nous proposons tout d'abord un retour sur les bases théoriques qui ont inspiré notre travail, pour les mettre ensuite à l'épreuve de nos occurrences d'interro-négatives extraites de notre corpus de nouvelles de Raymond Carver. Nous analysons ainsi, dans un premier temps, les interro-négatives sans pronom interrogatif, introduites par isn't, don't et didn't. Dans un deuxième temps, nous portons notre attention sur la question ouverte introduite par le pronom interrogatif why. Enfin, les question-tags sont abordées : elles permettent d'asseoir notre thèse quant à la place importante qu'occupe l'interlocuteur dans la construction de message. A cet égard, nous réhabilitons son rôle dans le processus de construction de message en lui attribuant celui de co-constructeur

Cette étude se propose d’inscrire le plurilinguisme qui caractérise les deux tétralogies historiques de Shakespeare dans un cadre interprétatif unifié. Elle entreprend de démontrer que les pièces historiques de Shakespeare peuvent être considérées comme un ensemble polyphonique, marqué par une pluralité d’idiomes, et qui fonde sa cohérence dans une évolution progressive. Nous plaçons la variété des registres linguistiques au centre de l’analyse. C’est elle qui propulse l’action des pièces. La Renaissance dans son ensemble est marquée par le plurilinguisme de sa culture. Nous reconstruisons cette « hétéroglossie », signalant par ce choix terminologique le cadre bakhtinien dans lequel s’inscrit notre recherche. En effet, le but de notre étude est double : d’une part, il s’agit d’appliquer à notre corpus la théorisation bakhtinienne de la multiplicité stylistique, d’autre part, nous tentons de préciser un certain nombre de termes bakhtiniens en les articulant aux défis interprétatifs que posent les drames de Shakespeare. Shakespeare subordonne la mise en scène de l’hétéroglossie à l’élaboration d’un mythe historique qui consacre l’identité de la nation anglaise
This study sets out to analyse the plurilinguism which characterises the two historical tetralogies of Shakespeare within a unified interpretative framework. It undertakes to show that the historical plays of Shakespeare can be regarded as a polyphonic unit, marked by a plurality of idioms, progressively conveying a sense of coherence. The variety of the linguistic registers is at the centre of the analysis. This linguistic diversity propels the dramatic action of the plays. The Renaissance as a whole is marked by the plurilinguism of its culture. The focus of this study is on heteroglossia, the terminological choice revealing the Bakhtinian framework in which the research is situated. The goal of this study is twofold: on the one hand, the aim is to apply Bakhtin’s theories of stylistic multiplicity to the Shakespearean corpus; on the other hand, a certain number of Bakhtinian terms are specified within the context of the interpretative challenges which the dramas of Shakespeare pose. Shakespeare subordinates the dramaturgy of heteroglossia to a historical myth which contributes to the elaboration of the identity of the English nation

À la fois procédé artistico-littéraire et réflexion intellectuelle, la mise en abyme est une des stratégies de création favorites du romancier Umberto Eco. Certains auteurs ont utilisé cette technique uniquement pour de créer de « simples » jeux de miroirs (comme c’est le cas des Nouveaux Romanciers). Chez Umberto Eco, la mise en abyme est destinée à faire saillir aussi bien l’intelligibilité que la structuration de l’oeuvre. Elle est un principe récursif de la génération de figures et de formes narratives fractales : elle est pour ainsi dire le raisonnement servant comme base dans la création d’un univers romanesque par excellence autoréflexif. Selon une représentation très succincte (mais essentielle), la mise en abyme est ce dispositif narratif consistant à insérer un (ou plusieurs) récit(s) dans le Récit, qui, en reproduisant les caractéristiques de ce dernier va (vont) l’illustrer, l’expliquer et mettre en évidence le/les thème(s) de l’oeuvre
An artistic and literary procedure and, at the same time, an intellectual reflexion, mise en abyme is one of the favorite strategies of creation of the novelist U. Eco. Certain authors have used this technique just to create "simple" games of mirrors (such as the French writers called "Nouveaux Romanciers"). In the case of Umberto Eco, mise en abyme is destined to emphasize both the intelligibility of his work, as well as its being structured in multiple layers of narrativity. We reckon that this is the recursive principle, serving at the generating of fractal shapes and characters: this is therefore the reasoning laying at the foundation of creating a fictional universe self-reflective par excellence. If we want a very concise (but essential) representation, we will say that the mise en abyme is that device consisting of the insertion of one or many more stories into The Story, which, by reproducing the characteristics of the latter, provides us with an explanation and will shed light on the theme / themes of the work

L’objectif de la présente recherche est double: il s’agit dans un premier temps de proposer une autre lecture de Mein Jahrhundert de Günter Grass à partir des manuscrits en adoptant une perspective génétique au plus près du texte. À partir d’un corpus d’étude restreint, mais représentatif, recelant des documents sources explicites et montrant les différentes phases rédactionnelles nous avons mis en évidence un certain nombre de procédés caractéristiques de l’écriture grassienne et de phénomènes tant endogénétiques qu’exogénétiques révélant le recours à une intertextualité protéiforme déclarée ou dissimulée. Cette entreprise descriptive et interprétative s’est ensuite doublée d’une démarche herméneutique destinée à vérifier si l’ouvrage satisfait aux ambitions didactiques affichées par l’auteur en matière de transmission de l’Histoire, une transmission à finalité civique visant à prévenir ses bégaiements. En optant pour la polyphonie et le récit par le bas Grass entend également combler les lacunes du discours historiographique officiel. À l’issue d’un travail de recherche des sources avérées ou hypothétiques, nous avons mis en évidence que Grass a essentiellement recours à des sources journalistiques lui permettant d’ancrer le récit dans la réalité historique et d’inscrire son livre dans une veine populaire. La présence d’une matière documentaire implicite souvent dense requiert toutefois un savoir extratextuel de la part du lecteur, ce qui va à l’encontre d’une écriture populaire de l’Histoire, même si plusieurs degrés de lecture sont possibles. Le recours à la polyphonie prétendument garant d’une narration pluriperspective est un leurre en raison du marquage axiologique négatif de certains narrateurs laissant transparaître la position idéologique de l’auteur. Le choix des narrateurs, qu’ils soient empruntés à la réalité historique ou fictifs, comme celui des événements s’inscrit dans un système de valeurs univoque faisant constamment référence au discours épitextuel de l’auteur qui peut faire figure d’intertexte. L’écriture de l’Histoire s’appuie ainsi sur une rhétorique de la répétition polymorphe et transversale qu’elle soit autotextuelle, thématique, picturale ou concerne les procédés narratifs, ce qui accrédite la thèse d’un haut degré d’autoréférentialité de l’ouvrage et d’une perception autocentrique du siècle
Our research has a dual aim: first to offer a new reading of Mein Jahrhundert by Günter Grass from the manuscripts and from a genetic perspective while remaining as close as possible to the text. Using a restricted but representative corpus of studies with explicit source documents and pointing to various phases of writing, we have highlighted a certain number of procedures which are characteristic of the way Grass wrote, as well as phenomena of both an endogenous and exogenous nature which show his recourse to declared or hidden proteiform intertextuality. This descriptive and interpretative undertaking was then doubled with a hermeneutic approach aimed at establishing whether the work fulfils the didactic ambitions the author asserts regarding the conveying of History with a civic agenda aimed at overcoming the author’s stuttering. By opting for polyphony and a narrative from below, Grass also intends to fill gaps in the discourse of official historiography. After researching proved or hypothetical sources, we were able to demonstrate that Grass essentially uses journalistic sources which allow him to anchor his narrative in historic reality while writing his book in a popular vein. The presence of often dense implicit documentary material nevertheless makes far‐reaching extra‐textual knowledge on the part of the reader necessary, even if various layers of reading are possible.Recourse to the polyphony which is put forward as a guarantee for a narration from differing perspectives is misleading because of the negative value judgements of certain narrators revelatory of the author’s ideological position. The choice of narrators, whether borrowed from historic reality or fictional, just as the choice of the events is part of an unequivocal value hierarchy which constantly refers to the author’s epitextual discourse, which may be read a an inter‐text. The writing of History thus is based upon a rhetoric which consists of polymorphous and transversal repetition, ranging between autotextual, thematic, and pictorial and absorbed by narrative procedures. This corroborates the hypothesis that the work is highly self‐referential and based upon a self‐centred perception of the century

Ce travail cherche à préciser la manière dont sont réunies la « musique naturelle » (la poésie) et la « musique artificielle » (la musique) dans la lyrique poétique française du XIVe siècle, à travers une anthologie de ballades du manuscrit de Chantilly (musée Condé 564). Cette union est envisagée à trois points de vue : prosodique, formel et sémantique. L’examen de la prosodie sur le mètre le plus fréquent, le décasyllabe, montre une tendance à la diversité qu'on ne peut ramener à un paradigme, en particulier dans les pièces très mélismatiques. Mais certaines idées directrices permettent de trouver des solutions pragmatiques. Cette tendance à la diversité au sein d'une « forme fixe » se confirme dans une certaine mesure dans l'association des formes poétiques et musicales. Toutefois ce sont plus particulièrement la conception du refrain et sa relation à la strophe qui témoignent, sur le plan du genre, d'une orientation du discours musical qui se rapproche de celle du discours poétique : formellement plus libre que dans les autres formes de la lyrique poétique dont il constitue ici le point central, le refrain tend musicalement à une récapitulation de la strophe, par divers procédés, mais peut aussi entrer en contradiction avec elle. La dimension du sens peut être engagée sur chacun de ces trois plans, sans être l'objet d'un système, mais dans des relations parfois riches et complexes entre texte et musique. A ce titre, la notion de « subtilité » peut désigner ces relations, et doit être entendue dans un sens plus large que celui des simples complexités du langage musical.

Cette recherche a pour titre Fonctionnement du triangle de la subjectivité intériorisée dans le roman moderne. Elle a pour but d’étudier la parole et les pensées intérieures du sujet de l’énonciation dans des œuvres romanesques souvent marquées par le décrochage et le "brouillage" des pistes énonciatives. Les trois procédés discursifs et narratifs ciblés sont le monologue intérieur (MI), le discours indirect libre (DIL) et le point de vue (PDV). L’examen des trois piliers du langage intérieur prend appuie sur les apports de la linguistique de l’énonciation, de la polyphonie et de la pragmatique. Cette recherche cible neuf œuvres romanesques que nous plaçons sous l’étiquette de "roman moderne". Ces romans appartiennent à trois auteurs français qui ont développé des récits dont la source locutrice et énonciatrice pose problème. La difficulté de traiter de l’énonciation romanesque dans un corpus choisi en l’occurrence est due essentiellement à l’effacement des frontières entre discours citant et discours cité. Marcel Proust, Claude Simon et Nathalie Sarraute n’appartiennent certes pas aux mêmes courants esthétiques et idéologiques, mais ils ont ceci de commun qu’ils offrent une configuration romanesque qui conduit à s’interroger sur le statut du locuteur et de l’énonciateur dans une forme d’expression qui n’est pas toujours verbalisée
This research is entitled Functioning of the Triangle of Internalized Subjectivity in the Modern Novel. It aims at studying the speech and the inner thoughts of the subject of enunciation in fiction often marked by the "interference" in enunciation tracks. The three targeted discursive and narrative processes are internal monologue (MI), free indirect speech ( DIL) and the point of view (PDV) . The examination of the three pillars of the inner language relies on the contributions of linguistics of enunciation, of polyphony and pragmatic. This research targets nine novels that we can classify as belonging to the "modern novel" category. These novels belong to three French authors who have developed narratives in which the source of speaker and enunciator is a cause of ambiguity. The difficulty of dealing with the novelistic enunciation in a textual corpus chosen in this case is mainly due to the blurring of boundaries between reporting speech and reported speech. Marcel Proust, Claude Simon and Nathalie Sarraute do not belong to the same aesthetic and ideological trends, but what they have in common is that they all offer a novel configuration that makes us raise questions about the status of the speaker and the enunciator in a form of expression that is not always verbalized

Ce travail se propose d’étudier les sources classiques présentes dans la Cité de Dieu d’Augustin selon une approche poétique. Plus précisément, il étudie les traces visibles de cette culture, dans laquelle les œuvres de Cicéron, Varron, Salluste et Virgile occupent les premiers rangs. Cette perspective conduit dans un premier temps à parler de la citation, notion définie en termes d’altérité textuelle, et comme coprésence de deux énoncés. Dans la deuxième partie, les citations sont analysées en relation étroite avec leur contexte d’accueil, dans lequel elles s’insèrent et laissent entendre des voix secondes, créant ainsi une polyphonie au service du dessein apologétique de l’œuvre. L’ensemble des emprunts classiques et des références possibles construisent un « substrat » fécond qui tisse dans l’œuvre des liens intratextuels cohérents et participe de l’ordre du discours. C’est l’objet de la dernière partie de l’étude, qui s’attache d’abord à la figure du locuteur, régisseur d’une polyphonie discursive d’autant plus efficace qu’elle fait entendre ou qu’elle tait ses sources. L’étude montre, en dernier ressort, que le texte augustinien développe une forme renouvelée du dialogue philosophique, fondé sur un dialogue intériorisé et théâtralisé, qui tire profit des ambigüités des textes classiques pour conclure, partiellement du moins, à l’aporie de la philosophie païenne. Elle s’accompagne d’un relevé des citations classiques insérées dans leur contexte d’accueil et comprenant des annotations philologiques
This work intends to study classical sources in Augustine's City of God with a poetic approach. More precisely, it examines the visible traces of that culture in which the works of Cicero, Varro, Sallust and Virgil prevail. That perspective leads in the first place to deal with the quotation, a notion which is defined as textual alterity, and as the simultaneous presence of two utterance. In a second part, the quotations are analyzed in close relationship with the context in which they are embedded, in which they integrate and allow secondary voices to rise, thus cerating a polyphony serving the work's apologetic design. All the classical borrowings and the possible references produce a fertile substrate which interweaves coherent intratextual links in the work under analysis and partakes in the organization of the discourse. This is the focus of inquiry in the last part of the study which first dwells on the figure of the utterer who is in charge of a discursive polyphony which is all the more efficient as it discloses or hides its sources. The study shows, to finish with, how the Augustinian text develops a new form of philosophical dialogue based on an internalized and dramatized dialogue which takes advantage of the ambivalences in classical texts in order to come to the conclusion, at least in part, that pagan philosophy is an aporia. The study also comprises a list of classical quotations embedded in their new context and philological comments

La théâtralité travaille l’œuvre entière de Witold Gombrowicz, elle est à la base de sa dialectique sur la Forme et l’immaturité, elle est la source de sa vision de l’homme artificiel, de l’homme-acteur. L’étude du personnage dans son œuvre dramatique apparaît comme le meilleur moyen d’appréhender, par le geste singulier de l’auteur, à la fois la mise en doute du personnage caractéristique de l’ensemble du théâtre moderne depuis la fin du XIXème siècle, ainsi que la représentation que l’homme se fait de lui-même dans le désert d’un monde dénué de sens. Les personnages gombrowicziens réduits à des voix, à des silhouettes, sortes de figures ou de créatures grotesques ne renvoient plus à des « caractères », ils ne reflètent pas un être individualisé, une entité psychologique et morale. Sortes de spectres, projections de la subjectivité exacerbée du protagoniste, ces fantoches nous font pénétrer dans le monodrame polyphonique de l’homme sans Dieu. Mais si le protagoniste déforme les autres personnages en les réduisant à des doubles, il est également déformé par eux et par la situation dramatique. Nous sommes ainsi en présence d’un théâtre du moi qui renvoie au théâtre du monde, au jeu de rôles, à la ronde des masques, à la déformation perpétuelle des hommes-acteurs. Pourtant, malgré les duels, les meurtres, les stratégies de manipulations mises en scène, ce théâtre semble inviter le lecteur-spectateur à la régénérescence d’un désir de fraternité de l’homme n’existant qu’envers et pour l’homme. Il propose finalement, par le biais du personnage dramatique, la célébration ludique de l’humaine théâtralité, du sujet relationnel, de l’homme rhapsodique moderne
Theatricality is omnipresent in the whole of Witold Gombrowicz’s work. It is at the root of his dialectic of conventional form and immaturity ; it is the source of his vision of the artificial man - of the “man as actor”. Studying characters in his plays seems to be the best way of grasping, through the playwright’s characteristic approach, both the problematisation of his characters, as is typical in modern drama as a whole since the end of the 19th century, and the representation man has of himself in the desert of a meaningless world. Gombrowiczian characters reduced to voices, to silhouettes, or to grotesque creatures do not refer to “characters” any more. They are not the reflection of individualised human beings, or those with a psychological or moral dimension. As if spectral creatures, reflections of the exaggerated subjectivity of the protagonist, these puppets lead us into the polyphonic monodrama of man without God. But as the protagonist deforms the other characters by reducing them to mirror images, he is himself also deformed by them, as well as by the dramatic situation. It is clearly a “theatre of the ego” that echoes the theatre of the world, and also role-playing, the round of masks, and the never-ending distortion of “man as actor”. Nevertheless, in spite of the duels, the murders, the strategies of manipulation put on stage, these plays seem to invite the spectator-reader to the regeneration of a desire for brotherhood in man existing only towards and for man. In the end, they put forward, through the vehicle of their dramatic characters, the playful celebration of human theatricality, of man in his relationship with others, and of man as the subject of modern rhapsody

L’observation de la présence des arts non verbaux au cœur des œuvres de Marguerite Duras, Lawrence Durrell, Elfriede Jelinek et Péter Nádas nous invite à considérer la musicalité et l’iconicité des écritures dramatiques et romanesques contemporaines en termes de modèle mais aussi de dispositif. Des phénomènes de dialogue, d’hybridation, de polyphonie, de dialogisme, d’intermédialité, de ce que Jacques Rancière nomme « l’impurification » au cœur d’un « régime esthétique de l’art » révèlent les rêves, désirs et pulsions du verbal pour d’autres arts, mais aussi pour des représentations à l’artisticité discutable. La fabrique d’un corps organique, sexuel, érotique voire pornographique par les écritures contemporaines nous convie à envisager le métissage entre art et non-art en termes de dispositif performatif et à proposer une lecture queer des œuvres. À l’heure du postmodernisme, le recours des écritures au non-verbal se donne à lire à la fois comme la manifestation d’une crise du logos et de la représentation et comme l’enjeu d’une rénovation esthétique et politique de la littérature. Qu’ils modélisent le verbal ou fassent brutalement irruption et déchirure en son sein, les arts non verbaux concourent au renouvellement des formes littéraires, mais aussi à leur politicité et au renouveau de la fiction. Cette étude ambitionne donc d’explorer le carrefour esthético-politique que dessinent, entre le milieu du XXe siècle et ce début de XXIe siècle, les relations plurielles entre les arts verbaux et non verbaux dans l’art verbal par excellence, la littérature
The observation of the presence of non verbal arts within the works of Marguerite Duras, Lawrence Durrell, Elfriede Jelinek and Péter Nádas leads us to examine the musicality and the iconicity of contemporary dramatic and novelistic writings in terms of model, pattern and devices. Dialogue, hybridization, polyphony, dialogism, intermediality, and what Jacques Rancière calls “impurification” within the “Aesthetic Regime of Art”, display the dreams, desires and longings of verbal art for other arts, but also for representations whose artistic content is arguable. The fact that contemporary writings produce an organic, sexual, erotic, even pornographic body invites us to focus on the interactions between arts and non-arts with regard to their performative devices and to propose a queer reading of the works. In Postmodernism, the fact that writings draw on non verbal forms can be understood as the expression of the failure of Logos – both language and reason – and of representation. Moreover, what is also at stake is an aesthetic and political reform of literature. Whether they tend to impose new verbal models or break into them, non verbal arts contribute not only to reshape literary forms but also to emphasize their political substance and renew their fictional content. This dissertation aims to investigate the crossroads between aesthetics and politics that the various relationships between verbal and non-verbal arts display, from mid-20th century to the beginning of the 21st century, within Literature, the verbal art par excellence

Résumé Ce travail cherche à révéler les stratégies utilisées dans Palinuro de México (1977) de Fernando del Paso pour représenter l’histoire du mouvement étudiant de 1968, qui se termina par le massacre de Tlatelolco. Afin de protéger son image, le gouvernement censura cet événement, qui compte parmi les plus marquants de l’histoire contemporaine du Mexique. Nous situons Palinuro de México dans un corpus littéraire qui résiste au silence imposé par les autorités avec la création d’une poétique capable de raconter l’histoire et de dénoncer la censure. Notre hypothèse s’appuie sur les réflexions de Paul Veyne et Jacques Rancière, qui démontrent que l’écriture de l’histoire ne possède pas de méthode scientifique, mais procède plutôt d’une construction littéraire. Cela nous permet d’affirmer que l’histoire, puisqu’elle relève de la littérature, peut aussi être racontée dans un roman. La théorie de la littérature carnavalesque de Mijail Bajtin, qui se caractérise par le rire, la liberté d’expression et l’opposition aux règles officielles, nous sert à identifier les procédés utilisés dans Palinuro de México pour créer une mémoire de Tlatelolco. Ce style rappelle la vitalité du mouvement étudiant, en soulignant la joyeuse subversion des valeurs. De plus, son caractère polyphonique permet d’inclure une pièce de théâtre dans un roman et de confronter les différentes idéologies qui s’opposaient durant le conflit.
Summary This work aims to reveal the strategies used in Fernando del Paso’s Palinuro de México (1977) to represent the history of the 1968 student movement, which ended with the massacre of Tlatelolco. In order to protect its image, the government censored this event, among the most significant of Mexico’s contemporary history. We approach Palinuro de México as part of a literary corpus that resists the silence imposed by the authorities with the creation of a poetics capable of recounting the student movement’s history and denouncing the regime’s censorship. Our working hypothesis borrows from research by Paul Veyne and Jacques Rancière, who demonstrate that the writing of history does not possess a scientific method, but is instead a form of literary construction. It allows us to assert that history, because it uses literature, can also be told in a novel. Mijail Bajtin’s theory of the carnavalesque, which is characterized by its humour, liberty of expression, and opposition to official rules, allows us to identify the literary processes used in Palinuro de México to create a memory of Tlatelolco. This style recalls the vitality of the student movement by underlining their merry, non-violent subversion of values. Its polyphonic element also allows the author to include a theatrical play within the novel and to represent the different ideologies opposed during the conflict.
Sumario Este estudio busca revelar las estrategias utilizadas en Palinuro de México (1977) de Fernando del Paso para representar la historia del movimiento estudiantil de 1968, que terminó con la masacre de Tlatelolco. Para proteger su imagen, el gobierno censuró este acontecimiento, que cuenta dentro de los más destacados de la historia contemporánea de México. Situamos a Palinuro de México dentro de un corpus literario que resiste al silencio impuesto por las autoridades con la creación de una poética capaz de contar esta historia y de denunciar la censura. La hipótesis que sostenemos se apoya en las reflexiones de Paul Veyne y Jacques Rancière, que demuestran que la escritura de la historia no tiene un método científico, sino que resulta de una construcción literaria. Esto nos permite afirmar que si la historia utiliza la literatura, puede también ser contada en una novela. La teoría de la literatura carnavalesca de Mijail Bajtin, que se caracteriza por la risa, la libertad de expresión y la oposición a las reglas oficiales, nos sirve para identificar los procedimientos literarios utilizados en Palinuro de México para crear una memoria de Tlatelolco. El estilo carnavalesco recuerda la vitalidad del movimiento estudiantil, subrayando la alegre subversión de los valores. Además, su carácter polifónico permite incluir una pieza de teatro en una novela y confrontar las distintas ideologías que se oponían durante el conflicto.

Mon essai et mon roman se font l’écho l’un de l’autre, ils se répondent et reflètent ainsi le sujet de ma recherche : la polyphonie. Dans L’évolution du procédé polyphonique chez Suzanne Jacob, je m’attarde à trois romans de Suzanne Jacob, L’obéissance, Rouge, mère et fils et Fugueuses, œuvres chorales et teintées par la musique dans lesquelles la prose se décline en plusieurs voix. Puisque j’étudie la polyphonie dans son aspect musical et, parallèlement, dans une perspective littéraire, il est possible d’admettre que je fais moi aussi, au cœur de mon essai, l’exercice du contrepoint. Cet essai est précédé par Messe solennelle pour la famille Lebel, roman polyphonique qui, à la manière de Fugueuses, où la musique est déjà implicite dans le titre, se donne à lire comme une partition musicale. J’y présente quatre membres d’une même famille, deux hommes et deux femmes, qui doivent faire face à la mort de l’un des leurs. Ils se partagent une narration en contrepoint dans un récit à plusieurs voix (inspirées par les quatre catégories vocales principales en musique) dont la structure rappelle celle du requiem ou messe des morts.
My essay and my novel echo and dialogue with one another, thus mirroring the subject of my research: polyphony. In L’évolution du procédé polyphonique chez Suzanne Jacob, I study three choral novels by Suzanne Jacob (L’obéissance, Rouge, mère et fils and Fugueuses) in which musical references are omnipresent and stories are told by many voices. Since I study the musical aspect of polyphony in parallel with its literary counterpart, it can be said that I also use the counterpoint at the heart of my essay. This essay is preceded by Messe solennelle pour la famille Lebel, a polyphonic novel in which, like that of Fugueuses, the musical references are implicit in the title itself and can be read like a musical score. It tells the story of four family members – two men and two women – who have to face the death of one of their own. They share a counterpoint narration in a story told through many voices (inspired by the four main vocal categories in music) whose structure is reminiscent of the requiem, also known as Mass for the dead.

Ce mémoire en création littéraire se compose de deux parties. La première, un roman intitulé « Dieu reconnaîtra les seins », suit les aventures de Caroline, jeune femme dans la trentaine qui, ayant subi une ablation des seins, voit sa vie basculer alors qu'elle tente de trouver une solution médico-esthétique à sa situation. Le ton enjoué du roman permet d'aborder l'aspect tragique de la vie de Caroline de façon légère. Il permet également, sous forme d'humour ironique, absurde ou même noir, de soulever des thèmes universels tels que l'amour, la solitude, le désespoir, la pauvreté et la mort. Ainsi porté, le récit évolue vers une vision tant impitoyable que bienveillante de l'humain qui, à travers les événements à la fois médiocres et grandioses de la vie de Caroline, trouve sa place dans un univers pourtant hostile. La deuxième partie du mémoire se consacre à l'étude de l'humour dans « Au bonheur des ogres » de Daniel Pennac, et plus particulièrement, à l'humour inséré entre parenthèses. Pennac utilise abondamment ce procédé humoristique, créant ainsi un récit polyphonique où plusieurs niveaux narratifs entrent en dialogue. Trois types d'humour présents dans les parenthèses sont analysés, à savoir l'humour noir, l'humour absurde et l'ironie. Cet essai fait donc écho au roman en ce qu'il se penche sur l'humour et l'ironie comme procédés littéraires.
This thesis in creative writing is composed of two parts. The first one, a novel entitled Dieu reconnaîtra les “seins”, follows the adventures of a young woman in her thirties named Caroline who, having had her breasts surgically removed, sees her life plunge into chaos as she tries to find a cosmetic and medical solution to her situation. The light tone of the novel allows for an humorous look at the tragic cirucumstances Caroline finds herself in. Following the trials and tribulations of her life, the story touches on such universal themes as love, loneliness, hopelessness, poverty and death, and evolves toward a vision of humanity that is both merciless and benevolent. The second part of the thesis is an study of humour in Daniel Pennac's Au bonheur des ogres, and more specifically, the use of parentheses as a humoristic device. Pennac frequently uses parentheses as a way to create humour, thus building a polyphonic narrative in which various levels of discourse communicate with each other. Three types of humour are present within parentheses: black humour, absurdist humour and irony. As such, the essay echoes the novel in that it looks at humour and irony in literature.