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Дисертації з теми "Poïétique et esthétique"
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Bout, Erwan David Mickaël. "Poïétique et procédure : pour une esthétique de la boîte noire." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010631.
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Cette thèse s'articule autour d'une pratique revendiquant la procédure en tant que forme artistique, c'est a dire un ensemble d'actions prévues dans leur succession et destiné à être appliqué par les spectateurs. Elle met en place des notions: l' esthétique de la boîte noire, aménagement conscient de conditions de création intégrant un abandon partiel de l'auteur permettant l'initialisation d'un système auto nome ; l' échelle d'appréhension, extension de l' échelle traditionnelle ad' autres dimensions; l' intergradation, transposition conceptuelle et interconceptuelle des représentations par changement d'échelle d'appréhension. Elle définit également des outils permettant de caractériser les procédures: finalité, application et destination.
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Chiron, Éliane. "Poïétique du dessin et enracinement culturel." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010524.
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La recherche est une quête des racines et de l'identité, ou 52 dessins s'articulent à un texte théorique (qui contient les extraits d'un cahier de bord). La poïétique, histogenèse de l'instauration, s'attache à l'étude croisée du réel et de la fiction, de la photographie et du dessin, de la technique et de l'alchimie. Le dessin se spécifie par le trait, force plutôt que forme, condensation d'une cause (medium, outil, support), d'une action (geste) et d'un effet (ligne, point). A la différence de la peinture et de la sculpture, il recouvre incomplètement et fugitivement le vide qu'il cerne et traverse. Rythme, figure plutôt que figuration, il abstrait la matière pour en révéler l'énergie, à laquelle participe la couleur, signe de la vie du matériau. Culturel et cultural, l'enracinement culturel suppose le déracinement (rejet de la culture d'origine), l'efflorescence (production d'œuvres), le métissage (des rejets et de cultures d'emprunt), pour inscrire un trajet à fleur de sol : réseau ou les fleurs (les œuvres) se confondent avec les racinesI - any graphic production of sketch is linked with theoretics in a searching process where a poetic analysis founds both reality and fiction, drawing and photography, technicality and alchemy. Ii- drawing is specified by the line, condensing a material cause, an action, an effect. It means stregth, rythm, abstraction; colour means the material is alive. Iii- finding roots in one culture implies being previously uprooted (rejecting one's own culture), efflorescence (producting works of art), crossing cultures (borrowed from others) to produce a creative process in wich the works (the sketches) are flowers as well as roots
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Sagot, Stéphanie. "Design et matériau : la création entre plastique industrielle et pratiques buissonnières." Toulouse 2, 2005. http://www.theses.fr/2005TOU20071.
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Cette recherche explore les relations complexes entre design et création : la notion de design voit se sédimenter au cœur même de son étymologie les postures dématérialisantes du dessein / dessin tout en désignant des pratiques émergentes fondées au contraire sur le matériau et les processus du faire. La notion de création oscille entre d'anciennes conceptions prométhéennes de l'art et leurs remises en cause par les arts impliqués au cœur des systèmes de production. Nous explorons cette relation par le matériau en tant qu'objet d'étude dans une perspective poïétique permettant de considérer le design non pas dans la simple mise en forme d'objets mais dans son implication à la production et à la fabrication. Le poïen est un élément clef de cette recherche qui articule notre propre pratique expérimentale du design à une exploration théoriqueThis research explores the complex relationships between design and creation. The etymology itself of the notion of design, implies the dematerialized positions of design and drawing – dessein/dessin – while it designates new, emerging practices which are based, on the opposite, on material and on the process of making. The notion of creation oscillates between old promethean conceptions of art and their being challenged by arts placed at the centre of production systems. We explore this relationship through the notion of material as an object of study in a poïetic perspective allowing to consider design not as the simple fact of shaping objects but in its implication in production and manufacture. Poïetic is a key element of this research which combines our own experimental practice of design and a theoretical exploration
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Marrakchi, Mohamed. "Couleur et conception lumière dans l'architecture hospitalière en Tunisie : approche esthétique et poïétique." Thesis, Toulouse 2, 2013. http://www.theses.fr/2013TOU20095.
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L’innovation du lieu hospitalier intéresse le domaine de conception et de création dans une lecture et une démarche esthétique et poïétique. Cette recherche vise à alimenter des réflexions en esthétique et en poïétique, par le biais des interrogations sur la couleur et la lumière. La démarche conceptuelle s’achève par un va-et-vient entre pratique et théorie, entre sensibilité et système nerveux, entre complexité et simplicité. Je cherche à travers cette recherche, à trouver une autre identité aux espaces sanitaires en Tunisie, respectant à la fois, les exigences technico médicales et l’identité patrimoniale. Je pose les problématiques de la démarche et de la méthodologie, de la réflexion et de la lecture, du théorique et d’empirique. Les différentes parties de cette recherche doctorale portent sur la relation entre conceptions couleur et lumière et certaines interrogations en matière de poïétique et d’esthétiqueInnovation hospital design interested field and creation in reading and aesthetic and poietic approach. This research aims to contribute to reflections on aesthetics and poietics, through questions about color and light. The conceptual approach ends with a back and forth between theory and practice, between sensitivity and nervous system, between complexity and simplicity. I'm looking through this research, to find another identity sanitary spaces Tunisia, respecting both the technical requirements and medical heritage identity. I put the problems of the approach and methodology, reflection and reading, the theoretical and empirical. The different parts of this doctoral research focuses on the relationship between color and light designs and some questions for poietic and aesthetic
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Poussier, Isabelle. "La question de l'objet : recherches sur les affinités entre l'humain, la machine et l'animal." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010526.
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Cette recherche poi͏̈étique s'appuie sur une démarche artistique en trois temps : rencontre du regard et du corps de l'artiste avec un objet abandonné, puis celle de l'objet avec l'objet, parfois l'animal, par le télescopage, enfin celle de l'objet et du sens grâce aux mots. Le corps manquant au coeur d'une pratique, montrera l'absence qui hante le travail de création. Il faudra revenir en arrière, perdre la frontalité et les repères habituels, recréer une double-distance pour déterminer la fonction sociale de l'oeuvre : excéder toute question. Partant de ces objets hybrides et cherchant les affinités qui se tissent entre l'humain, la machine et l'animal, entre genèse et création, il faudra arriver par l'exposition à l'affirmation d'une révolte créatrice et intime prenant en compte le passé, à celle de l'existence d'un oeil créateur singulier, anadioptre, qui accordé à un corps bisexué se balance entre plasticité et écriture.
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Estay, Stange Verônica. "Poïétique et musicalité : vers une modélisation de la poétique musicale autour du Symbolisme français." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA083374.
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Postulant l’hypothèse de la musicalité comme principe d’organisation des œuvres d’art et de la perception esthétisante (poïétique), cette recherche propose une modélisation sémiotique du paradigme musical qui traverse le Romantisme allemand, le Symbolisme français et le formalisme artistique de la fin du XIXe siècle. La musicalité est d’abord rattachée à l’épistémè des « correspondances » (verticales, horizontales, enchâssées et obliques) qui, dans la Naturphilosophie romantique, déterminent des modes particuliers d’agencement de la signification. Chacun de ces régimes se trouve associé à un motif mythique et à une manifestation spécifique de la musique. Le concept de musicalité est ensuite approfondi en tant qu’opérateur transversal des arts (poésie, peinture, musique), à partir de l’étude de la poétique symboliste. Un modèle est alors proposé qui, de la structure à la tensivité et à la subjectivité de l’acte énonciatif, met en évidence la « profondeur » générative du sensible musicalisé. L’hypothèse générale de ce travail permet enfin de relire sous un éclairage nouveau les œuvres d’écrivains et de théoriciens oubliés qui, à partir de la musique, ont contribué à l’avènement de l’art abstrait : Charles Beauquier, Maurice Griveau, et surtout Jean d’Udine. Surmontant les apories qui sous-tendent les excès formalistes, ces auteurs proposent une ouverture vers la non-figurativité par plongée dans le sensible. La recherche se conclut ainsi par une sémio-phénoménologie de la musicalitéApproaching musicality as organizing principle of work of art and of aestheticising (poietical) perception, this research proposes a semiotic model based upon the musical paradigm that intersects German Romanticism, French symbolism and artistic formalism of the late 19th century. Musicality is initially associated with the episteme of "correspondences" (horizontal, vertical, fitted and oblique) which involve in the Romantic Naturphilosophie particular ways of organizing meaning. Each of these correspondences is related to a particular mythical motif and to a specific manifestation of music. Coming to Symbolist poetics, the concept of musicality is then analyzed as a transversal operator among the arts (poetry, painting, music). A semiotic model is suggested that goes up from the structure to the tensivity and to the enunciative activity, showing the generative “depth” of musicalised sensibility. Finally, the general hypothesis of this work enables a rereading of the forgotten writers and theoreticians who, based upon music, contributed to the emergence of abstract art: Charles Beauquier, Maurice Griveau, and most of all Jean d’Udine. Solving the aporias that underlie in the formalist tendencies, these authors proposed a conceptual way towards nonfigurative art by exploring the sensitive universe. Therefore, the research concludes with a semio-phenomenology of musicality
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Younes, Elhem. "Poïétique de l’indiscernable : approche esthétique de la perception dans les environnements virtuels et oniriques." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080017.
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Poïétique de l’indiscernable est une approche esthétique des modalités perceptives et imageantes déployées dans la relation aux environnements virtuels et oniriques. Elle désigne dans notre recherche-création, un état de conscience singulier et l’ensemble des qualités esthétiques d’une image. L’analyse détaillée des phénomènes du rêve, de l’hallucination, de l’imagination ainsi que des illusions perceptives, fondée sur une étude transdisciplinaire alliant science et phénoménologie, révèle les différents régimes de mise en jeu d’une conscience immersive et d’un sentiment de présence dans leur rapport causal à l’esthétique de l’indiscernable propre aux images oniriques. Le rêve, pris comme modèle de référence pour la mise en place d’une expérience onirique, nous a permis d’apprécier les conditions nécessaires et suffisantes à l’instauration d’un état d’indiscernabilité qu’il fallait compléter par les théories cybernétiques spécialisées en la matière. A partir de cette étape d’investigation les enjeux pratiques liés à notre démarche artistique se sont articulés. Ils concernent le processus même de génération d’un ensemble d’images numériques animées et d’une matière virtuelle destinée à une expérience interactive en temps réel et les dispositifs de mise en relation des spectateurs avec ces dernières. L’esthétique de l’indiscernable doit être le résultat d’une poïétique de l’indiscernable basée sur le principe de conversion créative caractéristique des phénomènes oniriques étudiés. Les images générées doivent éveiller l’imaginaire grâce à la structure intrinsèque et extrinsèque, instaurer une poïétique du regard et donner à vivre un état d’indiscernabilitéPoietics of the indiscernible is an aesthetic approach to perceptual and imaginary modalities deployed in relationship to virtual and oneiric environments. In our research-creation, it designates a singular state of consciousness and a set of aesthetic qualities of an image. A detailed analysis of dreaming, hallucination, imagination and perceptual illusions phenomena based on a transdisciplinary research linking science and phenomenology, reveals different challenging regimes putting at stake both an immersive consciousness and a sense of presence in their causal link to the aesthetic of the indiscernible proper to oneiric images. Dreaming, taken as a model reference for the establishment of an oneiric experience, allowed us to assess the necessary and sufficient conditions for triggering a state of indiscernibility that had to be completed by cybernetic theories specialized in this matter. From this investigation step practical issues related to our artistic approach have been hinged. The latter deals with the creation process of a range of digital animations and a virtual matter intended for a real time interactive experience, and the apparatus for putting spectators through them. The aesthetic of the indiscernible must be the result of Poietics of the indiscernible based on creative conversion, which is the essential principle of the studied oneiric phenomena. The computer-generated images have to awaken one’s imaginary by means of the intrinsic and extrinsic structures, establish a Poietic of gaze and eventually give rise to a state of indiscernibility
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Mouakhar, Nizar. "Le "faire-oeuvre" : poïésis de l'altération, du grattage et du barbouillage dans la peinture." Aix-Marseille 1, 2007. http://www.theses.fr/2007AIX10092.
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Cette thèse trouve d'abord ses racines dans la poïésis d'une approche picturale personnelle. En première partie, elle propose de traiter des potentialités typologiques de la main, lui octroyant le statut de l'organe humain par excellence. Ainsi, l'univers de l'outillage n'est en quelque sorte qu'un agrégat protéiforme d'ersatz manuels ad hoc. Elle évoque ensuite la thématique du "faire" en mettant en relief ses interférences avec la création artistique en général, ainsi qu'avec la notion de "repentir" : dé-faire, re-faire. Aujourd'hui, le "faire" est constamment mis en crise, au travers de pratiques artistiques de plus en plus cybernétiques et donc acheiropoïètes. En deuxième partie, et partant du corpus de mes oeuvres, la thèse interroge trois techniques plastiques majeures : "altération", "grattage" et "barbouillage". Elles ont comme paragon figuratif une anatomie du corps humain. Ce dernier, transgressant l'"autarcique autorité" de la mimesis, devient un véritable truchement d'expérimentation plastique. L'heuristique de ces techniques tente de distinguer - exemples à l'appui -, l'implication de chacune d'elles dans le continuum visuel de l'histoire de l'art. D'où l'invocation d'artistes comme : Mona Hatoum, Georges Noël, Franta, Arnulf Rainer, Antonin Arthaud, Henri Michaux, Cy Twombly, Wols, etc. Il s'agira de tisser des corrélations avec d'autres thématiques tant pratiques que théoriques telles que : temps, enfance, peau dé-peindre, main gauche ou à la pâte, haptisch. Le fameux conte balzacien "Le chef-d'oeuvre inconnu" (1831), y joue le rôle de file conducteur.
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Morignat, Valérie. "Poi͏̈étique des transversalités : entrelacs du dessin et du numérique." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010631.
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La poi͏̈étique, en ouvrant la voie de l'analyse des processus créateurs, trouve son propre devenir à travers une pensée perpétuellement mise en mouvement par l' oeuvre. Née au coeur de celle-ci et portée à l'exploration de sa genèse, elle confirme une puissance indépendante située au-delà : celle du trajet. L'instance du trajet, sa transversalité, permet d'aborder l'oeuvre comme une succession de couches sédimentaires à traverser, dont la surface porterait en intervalles, en failles, les stigmates d'une voie enlisée. Ainsi l'exploration de l' oeuvre devient un mouvement risqué et discontinu, non plus essence mais dynamique. Le créateur lui-même lierait chaque fois l'instauration de l'oeuvre à une prise de risque. Comme une forme d'initiation magique, l'acte créateur en tant qu'acte différentiateur ouvrirait au passage d'un corps réel à un corps virtuel: le corps créateur de l'artiste. Il est dans l'oeuvre un vestige, une image résiduelle capable d'une infinie variabilité. Le Numérique offre, dans son espace de création, ce passage vers une corporéité virtuelle en induisant un échange virtuel et indirect entre les propriétés du corps (et du sujet) et les propriétés technologiques (mais aussi symboliques) de l'oeuvre. Sa matière est une matière en mouvement, invitation désormais faite à la découverte de nouvelles modalités de création et de réception
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Tilea, Monica. "Henri Michaux : déplacements et interventions poïétiques." Roumanie, Universitatea din Craiova, 2006. http://www.theses.fr/2006ARTO0004.
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Henri Michaux se trouve constamment en mouvement dans un univers fluctuant, avec des limites mobiles et déroutantes qu'il détruit et qu'il re-invente sans cesse. Pour analyser les effets que cette propension constante à se diriger ailleurs a sur le travail créateur, nous avons pris en considération, d'une part, ses voyages dans des espaces (réels ou rêvés) extérieurs à la création proprement dite, et, d'autre part, le déplacement a l'intérieur même des activités créatrice, à savoir le passage du faire scriptural au faire pictural. Notre réflexion sur le processus créateur de l'écrivain-peintre Henri Michaux reprend le modèle de lecture offert par celui-ci au moment où, dans le texte " Aventures de Lignes ", il refait la genèse des tableaux de Paul Klee en partant de leur apparence formelle. La Lecture poïétique/poétique que nous avons proposée dans notre thèse a permis l'analyse des interventions d'un artiste qui transforment les espaces parcourus en fonction des ses besoins et de ses attentes poïétiques et de conclure que, chez Michaux, le travail créateur suppose un échange constant avec le dehors et qu'il est dominé parla sensibilité kinesthésique et visuelle. De plus, nous avons constaté que les déplacements poïétiques engendrent des déplacements poétiques qui déterminent l'apparition, dans les poèmes d' "épreuves, exorcismes ", d'une écriture du cri située à mi-chemin entre la peinture et l'écriture par son instauration ainsi que par sa poétique. Contrairement à la représentation conventionnelle d'un Michaux autocentré, notre thèse met ainsi le devenir du créateur sous le signe des expériences physiques d'un corps sensoriel et de la dialectique de l'introspectif et du perceptifHenri Michaux is in permanent motion in a fluctuating universe with mobile and confusing frontiers that he permanently destroys and re-invents. In order to analyse the effects that this constant propensity for the elsewhere has upon his poiein, we took into account Michaux's voyages within real and imaginary spaces, which are exterior to creation, as well, as his circulation within creative activities represented by the passage from writing to painting. Our reflection on the creative process of the writer and painter Henri Michaux starts from his own reading pattern identified in “Aventures de lignes”, where he recomposes the genesis of Paul Klee's paintings beginning from their formal appearance. This poietic/poetic approach, suggested by Michaux himself, allowed the analyses of the interventions of an artist who transforms the spaces he traverses according to his creative needs and expectations and led to the conclusion that Michaux's creative process implies a constant exchange with the outside and that it is dominated by kinesthetic and visual perception. Moreover, it became evident that the discussed poietic displacements undergo poetic changes which determine the emergence, in “Épreuves, Écorcismes”, of a scream-writing situated half-way between painting and writing by its instauration as well as by its poetics. Contrary to the conventional representation of a self-centered Michaux, our thesis places his poietic/poetic becoming under the sign of introspective and perceptive actions, physical experiences energising his creative gesture and maintaining its dynamism
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Azzouz, Karima. "Esthétique et poïétique de la coloration dans l'architecture traditionnelle et contemporaine dans les villes du sud tunisien." Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00944011.
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Dans le cadre d'une création-recherche, la question initiale qui présidait cette réflexion épistémologique était de savoir comment penser la couleur et la coloration dans l'architecture traditionnelle et contemporaine dans les villes du sud tunisien. Ma thèse est fondée sur l'interprétation empruntée d'une propre expérience sur le terrain. J'ai élaboré une analyse chromatique rétrospective du site, de la ville et de l'architecture dans leurs dimensions économiques, sociales et culturelles. Ce travail d'invention de la couleur est, dans le fonds de ses parties, formé pour comprendre l'identité chromatique du lieu culturel. Ma recherche consiste à l'application de la méthode de planification scientifique à partir de laquelle les enjeux objectifs de la classification des couleurs ont été dégagés sur la base des facteurs sensoriels et des notions rationnelles. Elle regroupe toutes les activités qui consistent à structurer, fonder et évaluer un savoir chromatique en s'ouvrant sur des expériences de coloristes professionnels. Une pensée du développement a été établie au niveau de la couleur qui s'intègre dans une progression dynamique du secteur particulier du design environnement et développe ses propres concepts, usages et finalités au sein d'un milieu culturel spécifique. À travers cette recherche, j'ai développé le concept de la couleur locale comme étant un souci individuel, une pratique socioculturelle, un savoir scientifique et enfin comme un matériau et un processus de développement durable. Comment la couleur locale représente-t-elle un équilibre savant et permanent entre dimensions culturelles et axes d'acculturation ?
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Maatoug, Safa. "Peinture et cinéma d'animation : investigation en poïétique chromatique." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20050.
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Cette thèse en poïétique chromatique porte sur les relations entre peinture et cinéma d’animation. Elle s’intéresse en particulier à l’œuvre picturale et cinématographique de Florence Miailhe. Fondamentalement, cette thèse repose sur une pratique artistique personnelle, nourrie de nombreuses et diverses expériences ; elle a pour objectif de participer aux approches contemporaines de la création et de la réflexion artistique et dans l’objectif de donner à mon travail une visibilité infinie aux pratiques artistiques cinématographique.Il s’agit d’une recherche expérimentale qui permet d'approfondir des connaissances sur l’originalité de l’expérience des artistes cinématographiques, d’expliquer et d’analyser leurs films, de montrer le sens et l’étude poïétique chromatique de leurs créations et son impact dans le domaine des arts plastiques ainsi dans le cinéma. Ma volonté est de dégager le caractère innovant et d’étudier les répercussions techniques, scénaristiques et esthétiques. Il en ressort que cette investigation se veut prioritairement poïétique sans pour autant négliger les aspects esthétiques et symboliques. Par conséquence, la recherche dépend de penser à la couleur esthétiquement, symboliquement ainsi que sociologiquement. Les enjeux de la couleur ainsi les notions de coloris, d’invention, des créations seront questionnéesThis thesis in chromatic poïétic focuses on the relation between painting and animated cinema. it is particularly interested in Florence Miailhe's pictorial and cinematographic work.This thesis is based on a personal artistic practice, nourished by many different experiences; it aims to participate in contemporary approaches to artistic creation and reflection and in the objective of giving my work infinite visibility to cinematographic artistic practices. It is an experimental research which allows to deepen knowledge on the originality of the experience of the cinematographic artists, to explain and analyze their films, to show the meaning and the poetic study chromatic of their creations and its impact in the field of visual arts and cinema. I want to identify the innovative character and to study the technical, scenic and aesthetic repercussions. This investigation is primarily poetic without neglecting the aesthetic and symbolic aspects. the stakes of color and the notions of color, invention, creations will be questioned
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Cornu, John. "Art contextuel et création." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010567.
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Cette recherche affirme la notion d'art contextuel du point de vue de l'artiste. Il s'ensuit un premier mouvement sémiologique qui démontre que la notion même de signification ne peut pas se soustraire d'un ensemble contextuel. Le contexte est bien un opérateur à part entière du signe. C'est en partant de l'étude de la perception que nous étayerons cette proposition, et ce de la manière la plus objective possible. La compréhension de l 'oeuvre comme objet ou de l' oeuvre comme ensemble d'une situation devient donc centrale, et oriente cette recherche sur la question des modes ontologiques. Il s'agit alors de mieux comprendre les déterminations qui interviennent durant l'acte créateur et la position qu'occupe «l'artiste contextuel» dans ce paysage. Dès lors, nous tentons de dégager une sorte de mode opératoire tout en analysant le rapport à l'économique et au politique. Le mode opératoire avance dans cette étude implique des boucles récursives et des couples notionnels - présentation vs représentation / objet vs situation - qui ne sont pas pensés comme des notions antithétiques mais davantage comme autant de pôles d'un même ensemble. De même, les investigations artistiques réfléchies sur un mode plus intuitif ne peuvent réellement se couper des constructions théoriques qui les précédent. Les oeuvres seront aussi pensées - dans leur phase de création - sur ce même socle de connaissances. Ainsi, la question du contexte ne devient pas un « maniérisme » supplémentaire mais une liberté d'utiliser autrement sa situation de créateur. Dans ce cas, les oeuvres investiront aussi bien les notions de prolifération. De fiction, de dessin dans l'espace, d'architecture moderniste, de voyage, d'urbanisme ou de greffe comme pour consentir à la diversité du monde
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Khoujet, El Khil-Gharbi Neïla. "Esthétique de la création verbale dans l'oeuvre poétique de Jules Supervielle." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040023.
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Nous nous sommes donné comme objectif d'étudier dans cette thèse le procès de création superviellienne qui se définit d'abord comme une appropriation ludique du passé faisant du texte l'espace d'un travail sur les représentations collectives. La récriture distancée du discours collectif est de fait nécessaire à l'émergence de la parole du sujet, située au point de croisement entre le lieu commun et le désir singulier qui se cristallise dans l'image poétique. Le faire poétique superviellien met par ailleurs en scène l'expérience radicale d'une énonciation dont le caractère dialogique entame les frontières conventionnelles entre le sujet et l'objet, entre le je et le tu. Le poème théâtralise en effet la parole du sujet qui ne peut s'appréhender qu'en inscrivant l'Autre dans la configuration énonciative. Cette instance fondamentale peut s'incarner dans la figure du sujet-lecteur, double antinomique du sujet-scripteur, mettant en débat, par le mouvement réflexif de sa parole, le discours du créateur. Les manuscrits de Jules Supervielle nous font ainsi assister à l'inconnu du mécanisme de la production littéraire. L'énonciation poétique superviellienne ouvre à cet égard la voie secrète qui permet d'accéder aux " sentiers de la création ", voie que devra alors emprunter le lecteur, qui apparaît comme un élément déterminant du texte superviellien, lui donnant existence et sens, étant en effet impliqué dans la configuration énonciative. Ce travail nous conduit ainsi au cœur de la scène poïétique superviellienne qui se définit à cet égard comme une dynamique traversée par une énonciation en acteThe central statement of the dissertation is that Jules Supervilien's poetic vein is essentially a playful re-appropriation of the past that transforms the text into a poetic space and parole destined to re-inscribe the collective representations and foci of universal culture. This distancing is a necessary stance for the subject to emerge at the criss-cross of both the collective substratum and the specific desire crystallized into poetic images. The poetic act displays the radical experience of a dialogy that explodes the conventional boundaries of subject and object, of the subjectvum, I, and alterity, You. Thus poems enact the parole of the subject that would only comprehend itself if it inscribes the Alter in its enunciative configuration. This fundamental enunciative moment may also be incarnated in the subject-reader, a yet another antinomic double of the subject- inscriber, who, by way of the reflexive character of his parole , disrupts the discourse of its author ; for Supervielle's manuscripts draw us closer to the unknown of the secret ways and alleys of " poetic creation ", which in turn are taken by the reader, an essential part of the Supervillian text, who gives it its existence before granting it a meaning; as he too is a part of the enunciative configuration. Our investigation takes us to the heart of the Supervillian poetics, that metamorphoses the text into a living stage, transversed by the stronghold of the poetic line
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GONCALVES, FERNANDES MARIA GUILHERMINA. ""la ligne dans la sculpture : relation entre l'homme et le materiau." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010594.
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Notre theme de dissertation, c'est : "la ligne dans la sculpture - relation entre l'homme et le materiau. Nous avons toujours ete passionnee par la beaute de la ligne. Pour cette raison, nous avons decide de faire une recherche plus profonde, en analysant les travaux d'autres sculpteurs, ainsi que le mien, tout en faisant une reference speciale a la philosophie de gaston bachelard et a la poetique. Nous prenons comme biais vassily kandinsky qui fait l'analyse de la ligne et du point sur le plan, c'est a dire, dans la peinture et le dessin. Nous aborderons la ligne et ses trois dimensions, dans la sculpture. Les objectifs de cette recherche sont : 1 - reveiller l'importance de la ligne, des sa naissance ou presence, dans le materiau brut. 2 - mieux observer les formes de la nature, a travers leurs lignes. 3 - apporter, peut-etre, une contribution efficace aux ecoles d'art, et aux sculpteurs. 4 - faire une recherche sur la ligne dans la sculpture, d'apres l'oeuvre de gaston bachelard, ayant comme source la nature et demontrer que l'eau, l'air, la terre, le feu et les reves, sont des elements importants dans la creation. 5 - reunir des elements en intime relation avec la pratique du sculpteur. 6 - mettre en rapport l'oeuvre d'art et la poietique. Dans notre recherche, nous mettons en evidence, une etude sur la poietique, sur gaston bachelard et les sculptures que nous executons, en ce moment, pour la these. Chez gaston bachelard, nous etablissons une relation entre les phenomenes de la nature, et les sculptures, puis nous l'interpretonsAs reference, we have used the work of vassily kandinsky who studed lie and point in painting and drawing. The aim of our research is the line and its three dimensions in sculpture: 1. To emphasize the stroke from the origin in the raw material ; 2. To discern the forms of nature through their lines ; 3. To contribute to school of arts and sculpture; 4. To set up a research on the line in sculpture according to gaston bachelard who had shown the significance of water, air, earth, fire and dreams in creation ; 5. To collect components in close relationship with sculture's practice ; 6. To link art and poietics
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Bouratsis, Sofia Eliza. "Esthétiques et poïétiques du corps. Le Bioart en questions(s)." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010581.
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Ma recherche sur les esthétiques et les poïétiques du corps dans le Bioart se situe à l'interface de trois univers-limites : les images du corps, l'art et la science. Le Bioart, en explorant les limites du corps humain et du vivant animal et végétal, réactualise toute une série de questions philosophiques, esthétiques et scientifiques en ouvrant un horizon de possibilités insoupçonnées - du fantasme à la monstruosité en passant par le cyborg, le devenir-animal de l'homme ou le plantimal. Parce que la temporalité éphémère de ses œuvres s'inscrit dans la dialectique de la vie et de la mort, le Bioart questionne également nos rapports aux diverses altérités et altérations - humaines, non humaines, supra humaines. Nous sommes ici dans l'univers de l'art, ce qui implique d'abord une approche esthétique - qui pose la question du goût et du dégoût et interpelle la sensibilité. Il s'agit dès lors de dégager les idéologies et les figures du corps qui, dans toutes leurs nuances, provoquent la répulsion, l'angoisse, la fascination, la jouissance, la pulsion de savoir ou le désir d'expérimentation. Le Bioart, en utilisant de manière insolite les avancées biotechnologiques et les biomatériaux, permet d'interroger les images du corps véhiculées par les esthétiques et les poïétiques du corps contemporain - et donc de comprendre de manière critique le contexte socio-anthropologique, idéologique, philosophique et artistique qui les suscite. La méthode transdisciplinaire et complémentariste de ma recherche tient compte de la singularité même de la corporéité, qui fait constamment rhizome en échappant à toute assignation disciplinaire et à toute clôture conceptuelleMy research into the aesthetics and poïetics of corporeality within Bioart is situated at the interface of three bordered universes: images of the body, art and science. Bioart recapitulates a series of philosophical, esthetical and scientific questions about the limits of the human body and of animal and plant life, opening horizons to unsuspected possibilities, from phantasms to monstrosities, from Cyborgs to men becoming-animal or plantimal. As the ephemeral temporality of these artworks is inscribed in the dialectic of life and death, Bioart also questions our relationship to alterity and alterations - of the human, non-human or supra-human. We are here in a universe of art, which firstly implies an aesthetic approach, posing questions of delight and disgust and calling for sensitivity. We then have to extricate the ideologies and the figures of the body, which in all of their nuances provoke repulsion, fear, fascination or pleasure and stimulate an urge to experiment and to seek knowledge. By its unusual use of advances made in biotechnologies and biomaterials, Bioart facilitates the questioning of body images, as conveyed by the aesthetics and poïetics of the contemporary body, thus helping us understand critically the socioanthropological, ideological, philosophical and artistic contexts from which they emerge. The transdisciplinary and complementary method of my research takes into account the peculiarity of body awareness in itself, which is constantly expanding - as a rhizome -and so escaping ail disciplinary allocation and conceptual closure
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Zorzal, Bruno. "Esthétique de l'exploitation photographique de photos déjà existantes." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080105/document.
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Au moment où les artistes revendiquent la totalité des objets composant la réalité comme source matérielle pour l’art, on se voit dans la nécessité de réfléchir sur les usages et appropriations créatives spécifiques d’images photographiques. En avançant ainsi d’un cadre général vers le particulier, on vise à instaurer une réflexion centrée sur l’utilisation de photos déjà existantes dans les pratiques artistiques visant la fabrication d’une œuvre photographique. Cependant, le fait de créer à partir d’un objet déjà créé qui ici est une photo, n’étant pas sans problèmes, qu’en est-il d’une forme photographique, de même que d’une expression subjective qui garderait un rapport de dépendance avec la nécessité de l’existence préalable d’une image technique ? Que se passe-t-il quand voit le jour, dans ce contexte, une image d’image ? En ce sens, quand le faire photographique devient un refaire à partir d’une photographie déjà existante, nous rapportons-nous de la même manière aux photos, aux processus et procédés photographiques en art et finalement aux œuvres photographiques, voire à la photographie et à l’art lui-même ? Les problèmes élaborés, dans ce contexte particulier, face aux œuvres et à l’aide de théories et notions nous permettent de repérer des éléments en vue d’une esthétique de l’exploitation en photographie de photos déjà existantes, et nous exposent à des aspects politiques, légaux, éthiques, etc. de ces actions, qui placent les photos au centre des processus et procédés en photographieIn a time when artists claim the totality of objects composing reality as a material source for art, we find it necessary to reflect on the uses of and creative appropriations specific to photographic images. In moving thusly from a general framework to a specific one, we intend to introduce a reflection centered on the use of pre-existing photos in artistic practices that themselves are directed towards the creation of a photographic oeuvre. However, and given the problematics associated with creating from an already-created object, in this case a photo, what is in it of a photographic form that as a subjective expression keeps a link of dependence with the necessity of existence that is precondition of a technical image? What happens when an image of an image enters the world in this context? In this sense, when doing photography becomes redoing from a pre-existing photograph, do we approach photos, photographic processes and procedures in art and finally photographic oeuvres, or even photography and art itself in the same manner? The questions that are developed in this specific context, in response to artworks and with the aid of theories and notions, permit us to identify elements towards an aesthetics of the photographic use of pre-existing photos, and expose us to political, legal, ethical, and other aspects of these actions, placing photos at the center of processes and procedures in photography
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Douche, Sylvie. "Essai philologique pour l'étude comparée d'une poïétique : les arts aux salons des XX et de la Libre Esthétique (Bruxelles, 1884-1914)." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040072.
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A Bruxelles, en octobre 1883, une vingtaine d'artistes, autour d'Octave Maus, co-signent la charte d'une future organisation qui allait s'avérer être un des lieux les plus représentatifs de l'art européen avant-gardiste. En effet, durant trente années consécutives (jusqu'en 1914), le groupe des XX (devenu Libre esthétique en 1893) s'emploiera à organiser des expositions annuelles, doublées d'un cycle de conférences, puis des 1888, d'un cycle de musique nouvelle où de nombreuses œuvres furent auditionnées en première mondiale. Les peintres, sculpteurs et tous les artistes intervenants, provenaient de divers pays même si la Belgique et la France étaient encore les plus représentés. Ils affichaient ainsi ouvertement leur désir de synesthésie, en créant de telles conditions de proximité entre les arts. Notre travail s'est employé à rechercher ces points de contact entre les œuvres présentées aux salons des XX et de la Libre esthétique et relevant de catégories artistiques différentes. Nous avons désiré élaborer une méthodologie d'analyse comparée interartielle et avons conséquemment établi quelques outils instaurant des équivalences, nous facilitant le travail analogique. Parallèlement, nous avons cherché à insérer les pratiques de nos artistes dans une époque, dans un contexte, social, théorique et philosophique essentiellement. C'est ce qui nous amena à étudier le comportement du corpus d'œuvres sélectionnées, tant musicales que picturales, sculpturales ou littéraires, relativement à quatre grandes notions : la volonté, le travesti, la rétractation, la réceptivité. Celles-ci nous paraissaient être, en effet, assez représentatives de l'époque et nous avons pu dégager quelques constantes. D'une part, le principe de réitération, d'autre part, celui du décalage ou de la contradiction, assez symptomatique de l'époque. Les XX et la Libre esthétique étaient donc en tous points, parfaitement intégrés au paysage culturel ambiant.
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Azéma, Claire. "Objet-chose et corps poi͏̈étique : recherches sur les modalités d'un usage créateur." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010644.
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À partir de la théorie de la chose de Heidegger, nous définissons l'objet-chose qui permettrait de restaurer la proximité dans l'usage quotidien. Nous analysons l'habitude quotidienne pour voir comment elle structure de manière invisible l'individu et son corps qu'elle maintient au silence. L'inconsistance des corps est pour nous une des causes de la perte de proximité dans "usage. À l'aide de notre production d'objets, nous proposons un réveil du corps quotidien et sensible de l'usager. Puis, à travers notre pratique qui met en jeu le corps en mouvement comme créateur de l'oeuvre, nous élaborons concrètement la définition du corps poi͏̈étique comme moteur de la pensée de la chose. Le but de ce corps est de mener l'être en son coeur et en sa verticalité, en lui permettant de mesurer la Dimension. L'objet-chose, créé par le corps poie͏̈tique transmet celle-là à l'usager et lui permet d'habiter en poète et de créer son propre trajet vers la verticalité.
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Leclercq, Jean-Luc. "L'ordinaire comme catégorie esthétique." Thesis, Saint-Etienne, 2013. http://www.theses.fr/2013STET2174.
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La thèse se centre sur une terre de Picardie, le Vimeu et porte un regard sur le paysage. Elle interroge le patrimoine vernaculaire et industriel et pour l’architecture, la prégnance de la maison. Ces recherches s’appuient sur plus de 20 ans d’intérêt pour cette région avec un corpus photographique et des archives personnelles. Ce corpus vient de toute une série de collections, un catalogue constitué de plusieurs classeurs.Cette thèse est une interrogation sur la valeur de l’ordinaire. Elle met en oeuvre la forêt obscure des signes dans une approche globale. La problématique esthétique se soulève par l’apprendre à voir, le regard sur toute chose, le sentir et le paraître. Elle ne concerne donc pas spécifiquement le paysage exceptionnel mais se préoccupe du peu, de l’infime et de ses habitants. L’ordinaire forme la majorité du territoire, contrée inconnue. Il n’y a pas plus habituel que ce paysage. Il est vulnérable et n’attire pas l'attention des grandes instances, car il ne porte que sur des enjeux sans profits. Je cherche à déterminer si la notion d'ordinaire accède au statut de catégorie esthétique.Le catalogue, véritable dispositif documentaire, rentre dans une démarche d’accumulation et d’archives proche de l’ethnologie muséale. Ici apparait toute la dimension artistique du travail. Il interpelle la mémoire, dans cette vision sensible des visages et des images multiples du paysage global où l’instrument s’affirme autant poétique que rationalisme logique. L'approche privilégie la raison poétique, esthétique, de l’ordinaireThe PhD centers on a place in Picardy, the Vimeu and considers the landscape. The PhD examines the vernacular and industrial heritage, and the pregnancy of houses, as far as architecture is concerned. This research is the fruit of a twenty-year interest for this region and relies on some photographic corpus, some personal archives, and a whole series of collections about the local vernacular.This PhD is a questioning about the value of the ordinary. It puts into practice the obscure maze of signs within a global approach. The aesthetic problematic is conjured up by learning how to look, by looking at everything, by perception and appearance. Thus, it does not specifically concern the amazing landscape, but concentrates on the little, the tiny, and its inhabitants. The ordinary constitutes the major part of this unchartered territory. Nothing is more common than this landscape. It is vulnerable and does not draw the attention of the highest authorities, because it only has non-profitmaking stakes. I want to determine whether this notion of the ordinary acquires the status of an aesthetic category.The catalogue which is a real documentary device is part of an accumulative and archiving process that comes close to museum ethnology. The entire artistic dimension of the work appears there. It appeals to memory through the perceptible vision of the various sides and multiple images of the surrounding landscape, where the instrument asserts itself as poetic, as well as pertaining to logical rationalism. This approach lays great store upon the poetic, aesthetic reason of the ordinary
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Benabda, Rachida. "L'avènement de la surface à travers une poïetique de la peinture." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010508.
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« L’avènement de la surface à travers une poïétique de la peinture » qu’est-ce que ce titre contient comme mystère de la création ? Préserve-t-il l’énigme d’une recherche artistique ? Et, l’expression « avènement de la surface » prend-t-elle le sens d’« un événement-avènement (qui) est une déchirure dans la connexité de l’étant ; et de cette déchirure l’art est le jour » selon Henri Maldiney ? Comment discerner ses multiples champs, voire distinguer ses divers sens ? Quels sont les opérateurs, quels sont les fondements et les références qui consistent à analyser la trilogie : « avènement- surface- peinture » ? Sachant que la peinture signifie « soit l’action de peindre, soit la matière appliquée, soit l’œuvre ainsi obtenue» selon la pensée d’Etienne Souriau. S’agit-il alors seulement de ces définitions et/ou d’autres approches de la peinture pour suggérer « l’avènement de la surface » ? À vrai dire, s’agit-il de l’acte de peindre conventionnel ? En effet, l’« avènement de la surface » est-t-il issu d’un « palimpseste » d’une peinture qui intercepte, variablement, des instants vibratoires, et/ou d’un « entr’ouvert » d’une surface transparente qui, ouvertement, articule l’ouvert fermé et le fermé ouvert, et/ou d’un « passage » d’une peinture qui se base, simultanément, sur l'imprévu et le guidé, sur l'arbitraire et le contrôlé ? Qu’advient-il alors quand il s’agit d’une analyse de trois œuvres personnelles y compris diverses œuvres d’arts ciblées, plutôt d’une approche analytique plastique, littéraire, poïétique et poétique qui se joue dans un « entre-deux » (selon l’expression de Daniel Sibony), entre ce qui est pratique artistique et ce qui est théorique réflexif, où se manifeste l’expression du mot, les contradictions illimitées et les questions sans cesse qui en Arts et Sciences de l’Art, précisément, en Arts Plastiques, particulièrement dans cette thèse, tentent de s’éclairer et de s’éclaircir ?
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Guzda-Rivière, Frédéric. "L' au(c)torité de l'artiste et ses paradoxes : tentative de relecture historique, critique et poïétique du statut de l'artiste." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H303/document.
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Le premier travail de cette thèse a consisté à envisager l'artiste, essentiellement, comme un auteur. Il nous a conduit à suggérer, quant à l'auteur, que sa mort jadis annoncée imposait de penser sa résurrection à partir d'autres catégories et outils conceptuels que ceux qui ont permis de constater son décès. Après avoir démontré, d'une part, que l'auctorité (authorship) définissait exemplairement l'artiste, et s'être acquitté, d'autre part, d'un indispensable rappel historique permettant de comprendre les conditions de son apparition, nous avons tâché de faire jouer entre eux (au double sens de mettre en relation et de donner du jeu) les éléments qui structurent le phénomène artistique, ses doctrines et ses discours associés. Nous avons cherché à déceler, dans cet espace non ajusté, propice aux paradoxes et aux contradictions, le lieu d'une possible redéfinition de l'artiste-auteur, bâtie sur une rationalité plus large que celle d'une simple causalitéThe initial task of this thesis consisted in considering the artist mainly as an author. As for the author, this led us to suggest that his death, once announced, required to think of his resurrection from other criteria and conceptual tools than those which made it possible to bury him. Having established, on the one hand, that authorship defines the intrinsic status of the artist, and put forward, on the other hand, a necessary historical reminder in order to encompass the conditions of its emergence, we attempted to clear up (in the sense of displaying interactions and leaving a clearance between) the elements which structure the artistic phenomenon, its doctrines and related discourses. We sought to uncover, in this unadjusted space full of paradoxes and contradictions, the place of a possible redefinition of the artist-author, built on a rationality broader than that of a mere causality
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Mahiou, Cécile. "Poétique du quotidien : art de vivre et non-art, Filliou, Kaprow, Perec, Spoerri." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010546.
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Ce travail de doctorat s'attache à montrer comment le quotidien, notion dont la naissance est moderne, s'invente et se pense comme objet conceptuel à partir des travaux d'Henri Lefebvre el plus tard de Michel de Certeau. L'investigation du quotidien s'effectue à la croisée de l'art et des sciences humaines et sociales et fait de la question, paradoxale, d'une vie quotidienne créative un enjeu théorique et politique pour la pensée critique comme pour les pratiques artistiques des années 1960 à 1980. En expliquant comment le quotidien, d'objet conceptuel, devient un projet, la thèse éclaire les pratiques non-art de Robert Filliou, d'Allan Kaprow et des artistes Fluxus. C'est dans les écrits d'artistes 'lut' se lit leur geste paradoxal d'affirmation et de négation de l'art qui invite à inscrire les pratiques créatives dans la vit' quotidienne, plutôt que de faire entrer celles-ci au musée. Il s'agit de mettre en évidence ces démarches qui se détournent des institutions artistiques pour investir le quotidien comme le lieu de l'émancipation. La thèse se penche dans le même temps sur l'étude de pratiques d'écriture qui relèvent de ce projet, en expliquant comme Perec et Spoerri mettent en place des configurations discursives permettant de faire l'inventaire poétique d'un quotidien partageable. L'anecdote enfin, dont use Kaprow, interroge les pratiques quotidiennes par leur mise en récit, dans une visée épistémique qui distingue les poïétiques du quotidien des processus d'esthétisation de l'ordinaire par l'artDesigned as an interdisciplinary study of artistic and theoretical sources, this work addresses the construct of the everyday [quotidien], a key notion for modernity, specifically in Henri Lefebvre’s and later Michel de Certeau's writings from the 1960s to the early 1980s. The dissertation argues that the investigation or the everyday, which led to its conceptualization, is done at the crossroads of social sciences and art. It brings about the paradoxical question of a creative life, which is a theoretical and political concern for critical thinking and for the period's artistic practices, By explaining how the everyday, once a conceptual notion, becomes a project, the work sheds light on the non-art practices of Allan Kaprow, Robert Filliou and Fluxus. It contends that the everyday is paired with the notion of non-art, to which these artists resort to describe their own work. ln their writings and practices, they invite to inscribe creative practices in evervday life, rather than place them within the institutions of the art world, This thesis also draws on an analvsis or the writing or the everyday, by explaining how Georges Perec and Daniel Spoerri elaborate discursive practices which allow them to create a poetic inventory of a collective memory. Finally, the anecdote, of which Allan Kaprow makes use, questions the practices or the everyday by turning them into narratives. These sources raise a philosophical question pertaining to the epistemical value of art and literature that distinguishes the poietics or the everyday from processes that aestheticize the ordinary
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Mougenel-Chantereau, Robert. "Faille fragile : questionnement poïétique de l'ouvert dans les arts visuels." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010687.
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Comment créer une œuvre picturale qui pourrait s'animer? A partir du jeu de cache-cache de la vidéo "Augenblick", l'analyse poïétique de la sculpture OUI-NON de Markus Raetz confrontée aux peintures du Retable de Genève de Konrad Witz révèle une surprenante logique d'animation, Les procès de création de ce retable du 15e siècle déterminent l'actualisation de visions dynamiques dans ce type de construction picturale, également rencontré chez Lorenzo Veneziano, Henri Bellechose, Filippo Lippi ou Sandro Botticelli et dans différents édifices médiévaux. Ainsi, des éléments picturaux souvent considérés comme archaïques participent d'un système poïétique dynamique raisonné proposant des animations significatives au cours d'une vision active autrement dit, d'un déplacement du regard. Le concept plus global de vision à point de vue dynamique étend la réflexion à différents modes de déplacements du point de vue. La vidéo permet une forme d’objectivation des enchainements d'images de ce type de construction picturale vis-à-vis de dispositifs déterminés par ces peintures. Ces tentatives d'objectivation fonctionnent sur un plan didactique mais n'engagent pas un partage sensible en interaction avec l'image. Cette perte de l'interaction dans les films engage une réflexion sur l’indissociabilité du couple faille-fragile qui retrouve une possibilité oubliée d'interaction active avec une image fixe. En dehors de toute dissociation artificielle d'une perception et de son mouvement pour regarder une œuvre, cette interaction engage le questionnement poïétique de l'ouvert par différentes installations et performancesHow to create a painting which could animate itself ? Starting from the game of hide and seek in the Augenblick video, a poietic analysis of the OUI-NON sculpture by Markus Raetz, confronted with Konrad Witz's paintings of the Geneva altarpiece, reveals an animation logic. The creation process of 15th century reredos determines the actualization of dynamic visions in this type of pictural construction that is also found in works of Lorenzo Veneziano, Henri Bellechose, Filippo Lippi and Sandro Botticelli as well as in medieval edifices. Thus, some pictorial elements often considered (until the end of the 20th century) as archaic, integrate a reasoned dynamic poietic system offering effective animation during an active vision, that is, the displacement of the viewer during the observation. The broader concept of vision with a dynamic point of view widens the analysis to different modes of displacement of the point of view. Video allows for a form of objectification of the sequences perceived in such pictorial constructions through devices determined by these paintings. These objectification attempts succeed on a didactic level, but fail to engage a sensitive perception though interaction with the image. This loss of interaction in the filmed sequences forces thinking about the inseparability of the "faille - fragile" couple which recovers a long lost possibility tor an active interaction with a still image. Without any artificial dissociation of the perception and the associated movement tor looking at a work, this interaction engages poietic questioning of the open through various installations and performances
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Mahiou, Cécile. "Poétiques du quotidien : art de vivre et non-art, Filliou, Kaprow, Perec, Spoerri." Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010546.
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Ce travail de doctorat s'attache à montrer comment le quotidien, notion dont la naissance est moderne, s'invente et se pense comme objet conceptuel à partir des travaux d'Henri Lefebvre et plus tard de Michel de Certeau. L'investigation du quotidien s'effectue à la croisée de l'art et des sciences humaines et sociales et fait de la question, paradoxale, d'une vie quotidienne créative un enjeu théorique et politique pour la pensée critique comme pour les pratiques artistiques des années 1960 à 1980. En expliquant comment le quotidien, d'objet conceptuel, devient un projet, la thèse éclaire les pratiques non-art de Robert Filliou, d'Allan Kaprow et des artistes Fluxus. C'est dans les écrits d'artistes 'lut' se lit leur geste paradoxal d'affirmation et de négation de l'art qui invite à inscrire les pratiques créatives dans la vit' quotidienne, plutôt que de faire entrer celles-ci au musée. Il s'agit de mettre en évidence ces démarches qui se détournent des institutions artistiques pour investir le quotidien comme le lieu de l'émancipation. La thèse se penche dans le même temps sur l'étude de pratiques d'écriture qui relèvent de ce projet, en expliquant comme Perec et Spoerri mettent en place des configurations discursives permettant de faire l'inventaire poétique d'un quotidien partageable. L'anecdote enfin, dont use Kaprow, interroge les pratiques quotidiennes par leur mise en récit, dans une visée épistémique qui distingue les poïétiques du quotidien des processus d'esthétisation de l'ordinaire par l'artDesigned as an interdisciplinary study of artistic and theoretical sources, this work addresses the construct of the everyday [quotidien], a key notion for modernity, specifically in Henri Lefebvre’s and later Michel de Certeau's writings from the 1960s to the early 1980s. The dissertation argues that the investigation or the everyday, which led to its conceptualization, is done at the crossroads of social sciences and art. It brings about the paradoxical question of a creative life, which is a theoretical and political concern for critical thinking and for the period's artistic practices, By explaining how the everyday, once a conceptual notion, becomes a project, the work sheds light on the non-art practices of Allan Kaprow, Robert Filliou and Fluxus. It contends that the everyday is paired with the notion of non-art, to which these artists resort to describe their own work. ln their writings and practices, they invite to inscribe creative practices in evervday life, rather than place them within the institutions of the art world, This thesis also draws on an analvsis or the writing or the everyday, by explaining how Georges Perec and Daniel Spoerri elaborate discursive practices which allow them to create a poetic inventory of a collective memory. Finally, the anecdote, of which Allan Kaprow makes use, questions the practices or the everyday by turning them into narratives. These sources raise a philosophical question pertaining to the epistemical value of art and literature that distinguishes the poietics or the everyday from processes that aestheticize the ordinary
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Bled, Grégory. "Le "vide structure" : enquête sur la structure plastique du décor de cinéma à travers ses racines et sa poïétique." Thesis, Toulouse 2, 2015. http://www.theses.fr/2015TOU20029.
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Le thème central de la recherche est la place du vide constructif dans la dimension spatiale du décor de cinéma. Il s’agit de mettre en évidence, à travers les racines et le processus de création du décor de cinéma, la notion d’objet espace vide comme source d’informations et comme « troncage narratif » en sus de sa spatialité et de sa dépendance au construit et au visible. En s’appuyant sur la notion de tressage, on observe le jeu du visible et de l’invisible qui devient, pour le décorateur, le jeu du construit, de l’intervalle et du vide. Cette poïétique du décor de cinéma nous fait voyager en aller-retour entre image et espace. L’image de création, l’image iconographique devient matière, ontogénèse à double sens. L’étude des processus de perception des images met en évidence des notions que le créateur d’espace, le décorateur plasticien utilisera dans la modélisation de son espace poétique et la mise en place de sa vraisemblance, émergence de nos jeux d’enfance. Espace de la feinte théâtrale et cinématographique, espace poétique sensible au scopique, véritable installation panoptique du sens dont le processus de perception a été expérimenté par certains artistes du Quattrocento avec la naissance de la perspective puis ensuite par des artistes contemporainsThe central theme of my research is the importance of constructive emptiness in the spatial dimension of the film set. My intent is to highlight, through the roots and processes of the creation of the film set, the notion of empty space object as a source of information and as a “narrative truncation" besides its spatiality and dependence on what is constructed and visible. By relying on the notion of interweaving, one can observe the interactions of what is visible and invisible, which becomes, for the set designer, the interactions of what has been constructed on the set, as well as the intervals and the empty spaces. This poietics of the film set makes us go back and forth between image and space. The creative image, the iconographic image becomes material, a two-way ontogeny. The study of the process of image perception highlights the concepts that the creator of the space, the artistic decorator, will use in the modelling of their poetic space and the establishment of their likelihood, which is the emergence of our childhood games. It is the crafty space of theater and film, the poetic space sensitive to the scopic, a true panoptic installation of meaning whose processes of perception have been experienced by some artists of the Quattrocento with the birth of perspective and now by contemporary artists
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Tao, Yu. "La poétique de l'océan en musique contemporaine : de Debussy à nos jours." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080015.
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Dans la création contemporaine, les musiciens s'inspirent parfois de l’océan dans leur pratique de la composition. Cette thèse a pour but d'observer leur façon de faire à travers l’analyse d'oeuvres dont le titre ou le sujet évoquent l'environnement océanique. Elle part de l’hypothèse que la poétique, c’est-À-Dire l’inspiration à partir de la mer, sert la poïétique, donc sert les manières de faire la musique, de l'écrire, sans pour autant servir nécessairement le rendu esthésique. Dans le chapitre I, l’analyse est basée sur des oeuvres de Claude Debussy, André Boucourechliev, Kaija Saahario et Yoshihisa Taira. Le chapitre II consacre une importante partie de son développement à l’étude des oeuvres de Tristan Murail inspirées de l'océan. Enfin, dans le chapitre III, deux des propres compositions de l'auteur sont analysées. Finalement, cette thèse révèle l'existence de cycles partant de l'esthésique, c'est à dire le ressenti devant la mer vers la poétique puis la poïétique et enfin l'esthésique, c'est à dire le ressenti du rendu musical. Par ailleurs, le travail d'analyse réalisé au cours de cette thèse a permis de mettre en valeur l'importance de la notion d'objet, c'est à dire une pensée de la composition orientée par la manipulation de l'objet musical. L'approche de Debussy, telle qu'interprétée par Barraqué, ouvre le siècle. Le modèle de la mer au sens des objets sur le plan dynamique est très cohérent avec la notion d'objet musical. Nous ne pouvons que constater cette présence et c'est en cela que la conclusion de la thèse est un peu ouverte. C'est avec cela que nous allons composer nos futures pièces. La thèse nous a servi finalement aussi à formaliser notre musiqueIn the genre of contemporary music, musicians sometimes take their inspiration from the ocean when addressing take their compositions. The goal of this thesis is to observe method of these composers by analyzing works which evoke the ocean's environment in their subject. This study claims that the poetic inspiration which is engendered by the ocean ends up by providing the poietics of the projects themselves, which is to say, ways of creating music, of writing it, without necessarily treating the aesthesic of the final product. In Chapter I the analysis is based on the works of Claude Debussy, André Boucourechliev, Kaija Saahario and Yoshihisa Taira. Chapter II consecrates a large part of its development to the study of works by Tristan Murail which are inspired by the ocean. Finally, in Chapter III, two of the compositions of the thesis' author are taken into analytical consideration. This thesis reveals the existence of cycles coming from the aesthesic, which then moves towards poietics and returns to aesthesic. It also needs to be taken into account that the analyses produced during the course of this study focus on the musical object itself. This is to say that the study is geared towards the manipulation of the musical object. Debussy's approach, as it is interpreted by Barraqué, serves as the overture of the century. The model of the sea as a dynamic objet coincides with the notion of the musical object. We can only propose this stated presence and this is why the conclusion of the thesis is somewhat open-Ended. Nonetheless, it is this point of departure which allows us to compose future works. It is thesis, in the end, that formalizes our music
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Thoma, Foteïni. "L’esthétique du premier romantisme Allemand et quelques épigones : René Char, Jean Giono, Julien Gracq, Léopold Sédar Senghor et la réinvention de la poïèsis romantique." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30018.
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Premier Romantisme Allemand : Idéalisme magique, das Unbedingte, poursuite de l’infini, sont autant d’expressions de l’esprit de ce mouvement littéraire et philosophique, qui n’a connu qu’une brève existence dominée par des figures comme les frères Schlegel et Novalis, qui œuvrent pour redonner à la création le sens d’une émergence événementielle, et dont les métamorphoses se rencontrent chez des écrivains, tels que René Char, Jean Giono, Julien Gracq et Léopold Sédar Senghor qui revendiquent par des voies très diverses d’effectuer une réappropriation des concepts de l’esthétique du premier romantisme allemand. Rencontrant les survivances de celui-ci chez Char, Giono, Gracq et Senghor, on doit se demander : s’agit-il d’une relecture, d’une réinvention ou de la constitution d’une vision esthétique pour la formation de laquelle le premier romantisme allemand s’avère être une référence inévitable ?Early German Romanticism : Magic idealism, das Unbedingte, the quest of the Infinite constitute multiple expressions of this short-lived litterary and philosophical movement dominated by Novalis and the Schlegel brothers who aspire to give to the act of creation the aspect of a radical event, the transformations of which appear in the works of René Char, Jean Giono, Julien Gracq et Léopold Sédar Senghor who revendicate to effectuate a reappropriation of the concepts of the Early German Romanticism. Is it a rereading, a reinvention or the constitution of an aesthetic vision for the construction of which the Early German Romanticism proves to be an indispensable reference ?
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Assayas, Eva. "De l'expressivité du geste à la nécessité du mouvement : la danse créatrice du lieu intérieur." Electronic Thesis or Diss., Université de Lille (2022-....), 2024. http://www.theses.fr/2024ULILH026.
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Cette recherche-création en danse se fonde sur un travail de transmission : celle qui, à partir de l'expérience d'un solo, procède à la création d'un trio. Il s'agit d'analyser la capacité d'un tel geste à expliciter des sensations intérieures, et de définir les moyens d'approfondir cette connaissance sensible en faisant l'économie d'une transmission de mouvements de corps à corps. La recherche est donc guidée par une pratique chorégraphique qui en constitue le champ épistémique. En suivant une approche pragmatique, l'attention se porte sur l'expérience de la pratique de création et sur la réflexivité de cette expérience : connaître renvoie ici à une activité située et incarnée. Dans la même perspective, la dimension esthétique de la recherche doit être appréciée selon sa capacité à rendre compte d'une expérience sur et avec l'art : le trio Dans le creux de l'absence est à la fois une production artistique et le moyen de mieux connaître les conditions de cette production. Initiée par l'hypothèse d'un « lieu intérieur » nécessaire à l'expansion du geste dansé, cette recherche déplie l'acte de création pour mettre au jour le trajet allant de l'expressivité à la nécessité du geste. En articulant les approches poïétique et esthétique et en entrecroisant les espaces sensibles et réflexifs, ce cheminement a permis de cerner l'état de danse du solo Le Vrai lieu et de le dissocier de son corps d'origine. Définir l'écriture et la sensation d'espace caractéristiques de cet état de corps a ainsi contribué à forger des outils chorégraphiques pour le créer et le transmettre. En retour, ces outils ont découvert le fil d'une esthétique et révélé le rôle joué par l'espace dans la création d'une gestuelle commune. La sensation d'un « lieu intérieur » s'est ainsi clarifiée par sa transformation en un espace interstitiel, produit et façonné par une chorégraphie d'émulations. La « partition corps-espace » exposée dans cette thèse reflète l'élaboration progressive de ce savoir-chercher/transmettre/créer. Sans prétendre rationnaliser la création artistique, ni éclairer les zones d'incertitude qui contribuent à sa réalisation, cette recherche-création propose un chemin pour dépasser l'idiosyncrasie de l'œuvre-corps : frayant à travers les multiples voies d'une pratique heuristique, elle travaille à désopacifier, à questionner et à transformer, dans l'entrecroisement des corps, les éléments caractérisant l'identité d'une œuvre chorégraphiqueThis practice-led dance research is based on a transmission work: the passing on of a solo experience leading to the creation of a trio. The aim is to analyse the ability of such a gesture to make explicit inner sensations, and to identify how this sensitive knowledge can be deepened while avoiding passing on choreographic movements from body to body. The research is thus led by a choreographic practice which defines its epistemic field. Following a pragmatic approach, attention is given to the experience of choreographic work and to the reflexivity of this experience: in this context, knowledge is to be understood as the result of a situated and embodied practice. Similarly, the research's aesthetic dimension is assessed through its ability to share an experience with and upon art: Dans le creux de l'absence trio is both an artistic creation and a way to explore the conditions of the creation process. Based on the hypothesis that a gesture can only burgeon from an “inner territory”, this research breaks down the act of choreographic creation in order to reveal the path from expressive motion to inner necessity. Following both poietic and aesthetic approaches as well as sensitive and reflexive paths, the research led to identify a certain state of dance in Le Vrai lieu solo's and to separate it from its body of origin. Defining the writing and sense of space underlying this state of body then helped build the necessary choreographic tools to its creation and transmission. These tools, in return, unveiled a certain aesthetic form and underlined the importance of space in creating this common gesture: they helped turn the inscrutable sensation of an “inner territory” into that of an “interstitial space”, created and shaped by a choreography of emulations. The “body-space score” laid out in this thesis reflects the development of this “search/transmit/create know-how”. This practice-led research doesn't claim to rationalise artistic creation nor to pinpoint the places of uncertainty that contribute to its development. It suggests a path to overcome the idiosyncrasy of the body as a work of art: navigating through the multiple ways of heuristic practice and the intertwining bodies of three dancers, it aims to clarify, question and transform the characteristic elements of a choreographic work
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Besbes, Fehmi. "Improvisation et dramaturgie, l’« Improturgie » en Tunisie : poïétique de l’œuvre en devenir à l’exemple d’Otages par le Théâtre organique." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100132.
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L’objet de cette étude est d’interroger la place de l’improvisation dans la création théâtrale tunisienne, depuis ses origines – où elle apparaît dans des formes parathéâtrales, (el-Fdawi le conteur solo, Jha le blaguer sage, le théâtre d’ombre, etc.), jusqu’à nos jours. L’accent est mis sur les rapports organiques entre improvisation et dramaturgie, dans la formation et la création théâtrales en Tunisie, durant les dernières décennies. La notion d’"improturgie", qui traverse toute la thèse, rend compte d’une poïétique propre à de nombreux créateurs – tels Ezzeddine GANNOUN et Fadhel JAÏBI – qui consiste à construire une œuvre à partir du travail de plateau, à la recherche d’une écriture dramatique qui témoigne du contexte historique, culturel, social, idéologique et politique dans lequel elle s’inscrit. En l’absence d’un répertoire dramatique, l’"improturgie" apparaît ainsi non seulement comme un moteur d’activation dramaturgique sur la voie d’un théâtre militant – luttant contre l’impérialisme d’État et contre toute forme d’intégrisme – mais aussi comme un laboratoire de recherche pour des formes théâtrales encore inédites dans le monde arabo-musulmanThe subject of this study is to investigate the place of improvisation in the Tunisian theatrical creation since its inception, as it appears in many paratheatrical forms (such as el-fedawi, the solo storyteller, Jha, the wise joker, underground theatre, etc.), until nowadays. The focus is laid on the organic relationship between improvisation and dramatic art in Tunisian theatrical formation and creation throughout the last decades. The concept of "improturgie", which spans the whole dissertation, accounts for a poietic which is specific to particular playwrights such as Ezzeddine GANNOUN and Fadhel JAÏBI, and consists of making a play by drawing on the work on stage in the search for a playwrighting which reflects the historical, cultural, social, ideological and political context of the play. In the absence of a dramatic directory, "improturgie" appears not only as a catalyst towards a militant drama – fighting against state imperialism and all forms of fundamentalism – but also as a research laboratory for more novel theatrical forms in the Arab and Muslim worlds
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Favard, Maxime. "Manières de faire le projet et manières de faire des mondes." Thesis, Strasbourg, 2016. http://www.theses.fr/2016STRAC033/document.
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Cette recherche s’inscrit dans le contexte particulier d’une étude en design portant sur la multiplicité des conduites de projet. Des origines gréco-latines, de « mania » à « manuarius », le terme « manière » nous prédispose ici au sens d’une « habile folie ». Une acception qui permet alors d’interroger les « manières de faire le projet » de design comme des pratiques de l’écart. Invités ainsi à cheminer sur le terrain de polarités divergentes, dans une discipline faite à la fois de ruptures et d’accompagnements, nous sommes conviés par cette aporie à un nécessaire dépassement dogmatique. Des singularités à l’unicité plutôt que de l’universalité à l’unité, cette recherche construit l’hypothèse d’un dessein commun : faire-monde par des manières de faire des mondes. L’analyse de quelques projets qui intéressent la multiplicité nous conduit aussi à dégager la tension que peut entretenir le design à l’égard de l’environnement. À partir d’un intérêt critique envers des projections qui évoquent l’idée d’un paradigme de « centrement et de séparation » de l’homme dans le monde, la thèse interroge ensuite son renversement par des valeurs de « décentrement et d’inséparation »This research is part of a study in design on the multiplicity of ways in project management. The word « manner », with its Greco-Latin origins from « mania » to « manuarius » inclines us to take it as « skilful folly ». This meaning allows us to question the various « manners to conduct the design project » as gap practices. Thus, we are invited to explore the field of divergent polarities in a discipline made of breaches and guidance. This aporia leads us to consider a necessary dogmatic passage. From singularities to unicity rather than from universality to unity, this research is constructed on the assumption of a common purpose: make the world through manners of making worlds.The analysis of a few projects related to multiplicity leads us to bring out the tension between design and the environment. Taking a critical stance toward projections evoking the idea of a « centering and separating » paradigm, this research questions afterwards its inversion through « de-centering and de-separating » values
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Abdelkader, Yamna. "Poétiques de la rive : la forme en jeu : la poésie de langue française issue du Maghreb (1995-2005)." Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30054.
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La poésie maghrébine francophone demeure peu étudiée notamment en ce qui concerne son fonctionnement esthétique, malgré une production importante et la consécration de certains auteurs. Ce travail de recherche propose d’identifier les traits formels constitutifs du poème situé entre culture première et culture seconde, en s’attachant aux recueils de six poètes originaires du Maghreb qui ont franchi l’autre rive de la Méditerranée pour s’établir en France : Malek Alloula, Jamel Eddine Bencheikh, Abdelwahab Meddeb, Zaghloul Morsy et Amina Saïd. La période retenue, de 1995 à 2005, permet d’interroger la nouveauté formelle et l’écriture poétique dans son rapport à la double tradition franco-maghrébine, telles qu’elles se présentent à l’aube du nouveau millénaire. Par une approche croisant les études linguistiques et littéraires, mettant en œuvre une poétique et une intersémioticité, les dynamiques visuelles du poème sont mises en évidence, ainsi que ses formes vocales et ses diverses stratégies énonciatives. Il en ressort des spécificités de la poésie de langue française issue du Maghreb, tant par rapport à la poésie française en général, que par rapport au poème maghrébin francophone du terroirThe French-language poetry from Maghreb, and more notably its aesthetics, remains a poorly researched subject, despite the numerous works produced by several dedicated authors. The following research document aims to identify the native and acquired cultural elements constituting a poem, basing itself in a collection belonging to six poets who have crossed the Mediterranean and have established themselves in France: Malek Alloula, Jamel Eddine Bencheikh, Abdelwahab Meddeb, Zaghloul Morsy and Amina Saïd. The chosen period (1995 – 2005) allows a comparison between the formal novelty and poetry writing and their relevance to the duality of both French and Maghreb tradition, such as they are present in the dawn of the new millennium. The visual elements of a poem, as well as its vocal form and its enunciation techniques, are highlighted by means of a linguistic and literary study approach, using poetics and inter-semiotics. These indicate the elements specific to Maghreb poetry written in France, in contrast to both French poetry in general and French-language poetry from Maghreb
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Henry, Céline. "L’atelier photographique, poïétiques et fictions." Thesis, Toulouse 2, 2011. http://www.theses.fr/2011TOU20121.
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La création photographique fonde et se fonde sur des conditions et des conduites d’émergence et de développement, que l’image ne saisit pas toujours, ou dont elle choisit de se dessaisir. Notre travail propose d’explorer les modalités et les enjeux du dévoilement des instances poïétiques dans l’image photographique. Par le biais d’une mise en tension des termes propres à l’atelier et au laboratoire photographique, nous situons ces deux espaces d’actions au coeur d’un territoire plastique ouvert aux interactions et aux circulations des éléments en jeu dans les divers processus et procédures suivis ou tracés. Notre pratique plastique engage le procédé photographique vers des dispositifs archaïques et vers de nouvelles fonctionnalités qui privilégient les voies de l’élaboration plastique, de l’expérience et de la réflexivité. Les motifs réflexifs mettent en question les fictions en construction et en éclairent en même temps les fondations ou les fondements. Le processus ne tend plus vers la restitution d’un résultat visé, mais vers des visions singulières qui retracent les expériences menées et vécues dans le laboratoire-atelier. Les ressorts poïétiques de la dissémination, de la sédimentation et de la fiction participent d’un chantier d’instauration plastique et photographique qu’ils donnent à voir et qu’ils redéfinissent sans cesseCreative photography implies and is based on conditions and emerging and developing behaviours, that the image does not always seize or chooses to impart. Our work aims to explore the modalities and goals of poietic disclosure inside the image. Through the opposition of terms specific to the studio and photographic laboratory, we set both spaces at the heart of an artistic territory, open to interactions and flows of the elements involved in the various processes and procedures followed or traced. Our fin art practice engages the photographic process to archaic devices and new functionalities that focus on developing artistic work, experience, and reflexivity. The reflexive patterns disturb fictions in construction, and point to their foundation. The process does not tend anymore towards the restoration of a preexistent outcome, but rather to singularities reflecting the experiments made or experienced in the photographic studio. Poietic methods of dissemination, sedimentation and fiction are part of en establishing fine art and photographic site, they present and remodel
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Morimoto, Atsuo. "Paul Valéry : l'imaginaire et la genèse du sujet." Clermont-Ferrand 2, 2005. http://www.theses.fr/2005CLF20004.
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Comment concevoir la singularité d'un penseur, si nous sommes tous déterminés par l'espace discursif dans lequel nous pensons ? Question majeure, qui dirige toutes les recherches de cet ouvrage sur Paul Valéry. Bien qu'il manque souvent des preuves directes ou des témoignages précis, les traces laissées dans les "Cahiers" et les textes inédits, comme "Agathe" et le "Mémoire sur l'attention", montrent que Valéry s'intéressait vivement autant aux arguments psychologiques de son époque qu'aux réflexions des philosophes tels que Kant. Mais à travers ses recherches ainsi influencées par l'associationnisme, le kantisme, la réflexologie ou la théorie motrice, Valéry s'est déplacé peu à peu vers la production poétique (1917, La Jeune Parque). Nos travaux interrogent, en une concordance systématique, cette imbrication fondamentale psychologie/ poïétique, creuset de la genèse du sujet jusqu'ici contourné par la critique valéryenne et mettent en regard pensée théorique et inventivité du poète
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Félix-Fromentin, Clotilde. "Entre habit et habitacle, design de l'habiter : penser l'enveloppe, vers un paradigme de la texilité." Thesis, Lille 3, 2013. http://www.theses.fr/2013LIL30010.
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Dans le cadre du projet de « maintenir ou accroître l'habitabilité du monde » (Ezio Manzini, 1991), nous interrogeons la manière de penser l’habiter par le design, qui rencontre de notre point de vue la question des enveloppes de l'homme, artificielles versus biologiques, matérielles versus virtuelles. Le cas de l’habit, hypothétique enveloppe habitable dérivée du vêtement, première architecture selon Gottfried Semper et le « principe du revêtement », retient tout particulièrement notre attention. Le sujet est abordé par une théorisation située à partir d’un projet expérimental personnel de conception et fabrication d’enveloppes textiles, qui attesta d’une rationalité et d’une expansivité tout à fait singulières. Son étude est conduite par une méthode poïétique, au sens de Paul Valéry, qui combine une étude herméneutique des productions, une exégèse de la nature systémique de la démarche (programme et émergences), ainsi qu’une exégèse complémentaire du travail technique en actes (facture et irrégularités). La transdisciplinarité inhérente à la problématique est ainsi envisagée à partir de la pensée de l’art textile de Semper, la pensée poétique et épistémologique de Valéry, et la pensée esthétique complexe issue des sciences du vivant. La construction théorique nous emporte à suggérer, en regard de l’habitabilité, la perspective d’un nouveau paradigme, la textilitéIn context of the project intended to « maintain or increase the habitability of the world » (Ezio Manzini, 1991), we question the way of thinking the dwelling by design, which meets, according to us, the question of human envelopes, artificial versus biological, material versus virtual. The case of the habit, hypothetical inhabitable envelope derived from garment, primary architecture according to Gottfried Semper and the “theory of clothing”, particularly focuses our attention. The subject is approached by a situated theorizing from a personal experimental project of conception and manufacture of textile envelopes, which demonstrated a rationality and expansiveness quite singular. The study is leaded by a poïetic method, as defined by Paul Valéry, combining an hermeneutical study of production, an exegesis of the systemic nature of the process (program and emergences), and an additional exegesis of the technical work through the acts (craft and irregularities). The inherent transversality of the problem is thus considered with means of the thought of textile art of Semper, the poetic and epistemological thought of Valéry, and the complex aesthetic thought outcome from of the life sciences. The theoretical construction takes us to suggest, in comparison with the one of habitability, the way to a new paradigm of textility
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André, Laury Nuria. "Formes et fonctions du paysage dans l'épopée hellénistique et tardive." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2012. http://www.theses.fr/2012ENSL0779.
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Notre travail se propose d'analyser les formes et les fonctions que peut revêtir le paysage dans un corpus de textes épiques posthomériques. Les Argonautiques d'Apollonios de Rhodes et leur réécriture tardive anonyme, les Argonautiques Orphiques, les Posthomériques de Quintus de Smyrne, la Prise d'Ilion de Triphiodore et les Dionysiaques de Nonnos de Panopolis nous offrent un champ d’investigation fructueux pour analyser les représentations littéraires du paysage de manière transhistorique. Nos textes opèrent une première transformation du paysage épique archaïque qui est d'abord l'image du monde avec laquelle il se confond (adéquation posée entre bouclier, île et monde) en détachant de cette équation le paysage pour lui conférer une plus grande autonomie. Le monde devient une mosaïque de paysages autonomes qui gagnent en épaisseur du fait qu'ils se chargent d'une dimension identitaire. La polymorphie du paysage donne alors sa texture mouvante au monde des Grecs : c'est la dimension plastique et artiste que le texte de poésie épique emprunte pour mettre en mots ces images du monde qui révèle les formes du paysage épique. Une diversité de schèmes paysagers émergent et ouvre l'intertexte littéraire à l'hétérogénéité des formes artistiques. De cette fusion de processus et de formes naît une singularité bien antique de perception et de traduction du paysage : la merveille. Paysage et merveille s'entremêlent étroitement au point de se substituer l'un à l'autre : c'est là une définition possible du paysage antique à partir de la période hellénistique. Mais le paysage ainsi identifié et construit appartient aussi au monde dont il contribue à imager la forme. Il est clairement localisé d'un point de vue géographique : image vivante d'une partie du monde il lui offre son identité par ses caractéristiques topiques singulières. Il est une forme d'identification régionale et confine au vernaculaire. Le paysage devient un instrument de promotion intellectuelle et culturelle. Entre diversité formelle et singularité locale, le paysage voyage entre fiction et réel : ses modalités de construction empruntent au littéraire et à l'artistique et s'étendent ensuite grandeur nature. Le genre épique, marqué par l'intertextualité innovante, fait du paysage l'image même du processus de transposition et d'adaptation. Manifestation de l'exercice d'une subjectivité antique singulière puis collective, instrument de mesure du travail de l'imaginaire à l’œuvre dans les processus complexes de réception littéraire et culturelle, le paysage antique entre transmission et invention, s'ouvre à l'expérience quotidienne et sociale. Son existence antique est effectiveThe undertaking of this work is to analyze the forms and functions that the landscape can take in a corpus of posthomeric epic texts. The Argonautica of Apollonius of Rhodes and its late anonymous rewriting The Orphic Argonautica, the Posthomerica of Quintus Smyrnaeus, the Ilioupersis of Triphiodorus, and The Dionysiaca of Nonnus Panopolitanus provide us with a fruitful field of investigation for the analysis of the literary representations of the landscape as transhistorical. Firstly, our texts operate one transformation of the archaic epic landscape that is first the image of the world with which it merges (the conformity placed between shield, island, and world) by separating the landscape from this equation and giving it greater autonomy. The world is a mosaic of autonomous landscapes that gain texture as they take on a dimension of identity. The polymorphism of the landscape then gives its moving texture to the world of the ancient Greeks : the plastic and artist dimension is borrowed by the Epic text to put into words the images of the world, which reveal epic landforms. A variety of landscape patterns emerges and opens the literary intertext to the heterogeneity of artistic forms. From this fusion of process and forms, a singularity arises, a singularity particularly antique of the perception and the translation of the landscape : wonder. Landscape and wonder mingle so narrowly as to substitute one for the other : this is a possible definition of the ancient landscape from the Hellenistic period. But the landscape as thus identified and constructed also belongs to the world the image of which it contributes to form. It is clearly localized in a geographical perspective : the landscape becomes a vivid picture of the world and the former offers the latter its identity by its unique topical characteristics. It is a form of regional identification and it is sometimes confined to the vernacular. The landscape becomes an instrument for intellectual and cultural promotion. Between formal diversity and local singularity, the landscape travels between fiction and reality : its construction methods borrow from the literary and artistic and then extend to nature. The epic genre, characterised by innovative intertextuality, makes the landscape the image of the process of transposition and adaptation. As a manifestation of the exercise of a singular and then a collective ancient subjectivity, the landscape is an instrument for measuring the unfolding of the imagination at work in the complex process of literary reception and cultural transmission ; the ancient landscape between transmission and invention, opens itself up to the everyday and social experience. Its ancient existence is effective
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Moreaux, Marielle. "L'instant plasticien : des temporalités poïétiques dans une pratique de la céramique raku." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010572.
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Nous définissons l’instant plasticien en céramique comme l’unité temporelle d’un processus formel – à la main - d’une pièce d’argile qui subira une cuisson. Maillon syntaxique du présent plasticien, il est geste cogito-sculpteur qui recouvre différentes modalités. Habité de multiples composantes, nous analyserons son contenu en exposant d'abord ses contraintes techniques. Nous prendrons appui sur un exemple personnel pour expliquer sa composante lest cognitif – les connaissances techniques, artistiques, scientifiques et historiques -, nous analyserons également les constituants de la culture gestuelle. Ces deux composantes distinctes modèlent plus ou moins sciemment cet instant spécifique comme l’esthétique des formes qu’il promeut. Nous préciserons la spécificité de celui personnel en puisant dans l’Histoire de l’Art céramique ; nous aborderons la culture raku du Japon médiéval d’où provient le mode de cuisson employé pour les œuvres personnelles en référence. Si depuis le début de l’Art céramique, chacun des domaines qui constituent le contexte sociétal a autant modelé ses arguments poïétiques que l’esthétique qu'il promeut, celui personnel puise ses arguments créatifs et sa posture d’apologie des beautés de la planète, d’un questionnement sur l’origine des désordres et déséquilibres environnementaux qui forment le fond de notre contemporanéité. Motivé d'une intention réceptionnelle – autre composante -, celui personnel espère susciter chez le regardeur une réflexion sur les causes probables de la dégradation des biotopes existants comme sur la gestion actuelle d’une entité qui est au fondement du faire technique céramique, à savoir le respect du temps de la natureWe define the plastician instant in ceramic work as temporal unit of a formal process - by hand – of a work in clay, which will necessarily be subjected to firing. Syntactic link of the plastician present, it is a cogito-sculptor's gesture which covers different modalities. Filled with multiple components, we’ll analyze its content by first exposing its technical constraints. We'll refer to a personal example to explain its lest cognitive component – the technical, artistic, historical and scientific knowledges -, and we'll analyze the constituents of the gestural culture. These two distinct components model more or less knowingly this specific instant, as well as the resulting aesthetic shapes. We will identify the specificity of the personal one by exploring the History of ceramic Art ; we will address the raku culture's past, born in medieval Japan where the firing technique used for personal art works in refer comes from. If, since the beginning of Ceramic Art, each of the domains that constitute the societal context modeled its poïetic arguments as well as the aesthetic this special instant constitutes, this particular one on which we’ll base our analysis draws its creative arguments and its planet beauty's vindication posture from a questioning about the origin of disturbances and environmental imbalances which are the essence of our contemporary world. Filled with a receptional intention – another component –, this personal one intents rouse the viewer to reflect on the probable causes of the existing biotopes' degradation, as well as on the current management of an entity which is fundamental in the ceramic technical work, namely the respect of nature's time
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Honnorat, Julien. "L'esthétique fonctionnelle de l'appareillage informatique comme ancrage phénoménologique de l'oeuvre à l'époque des immatériaux." Thesis, Aix-Marseille 1, 2011. http://www.theses.fr/2011AIX10035/document.
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Nous ne sommes plus à l’âge où les destructions poétiques d’appareils se voient car les régimes d’appareils sont devenus transparents : lorsque nous pressons un écran tactile, nous touchons ce que nous ne voyons plus, nos empreintes, et nous voyons ce que nous ne toucherons jamais, le plan numérique. Pour l’artiste contemporain, l’interface haptique – point d’orgue d’une technologie stéréotypée de la percussion – est le parergon d’une échelle inédite, toute tactile. De la machine à écrire aux claviers de plus en plus fins du design informatique, à mesure que l’on croit voir le bloc imaginaire céder sous la pression ergonomique de l’empire cybernétique, se palpe en fait un réel d’emblée en dehors des formes et à l’intérieur de notre doigté. C’est l’espace de la corne aux doigts. Ce transfert, cette remontée du point d’impact dans son élan, ce retour de la forme dans sa structure font du moment de touche – de l’appareillage comme manœuvre de départ – un isolat capital pour reposer la question de la sculpture à l’époque des immatériaux. Bien en face et à contre-courant de la surface informatique, une épaisseur sensible fonctionnelle aurait lieu et pourrait donc faire œuvre ; telle est la thèse proposée ici. Le comportement machinal de l’utilisateur d’interfaces sera considéré comme un modèle poïétique ou pensé comme une partie de l’imagination en attente de traduction plastique. Pendant que se joue l’expérience rythmique de l’interactivité, le corps ne doit-il pas fournir un effort perceptif pour ne pas s’absenter dans une partition photo-digitale jouée par avance ? Ne doit-il pas exprimer son ancrage particulier, calleux et bruissant – nous l’appellerons dactylo-phonique – au contact de la matière du monde ? Sans cette expression, jamais le design technologique contemporain, bi ou tridimensionnel, modélisé et assisté par ordinateur, n’entamera de rapport véritablement efficient avec le réel de nos habitudes et de nos démarches ; bref avec tout le poids incarné de notre conscience imageante : la perte d’indicialité instaurerait-elle un type introverti de phénoménalité ?Poetic destructions of apparatus are no longer visible as regimes of apparatus have become transparent: when we press a tactile screen, we touch what we cannot see anymore – our fingerprints – and we see what we will never be able to touch – the digital space. For contemporary artists, haptic interfaces are the finger-tipping point of a technological dynamics of percussion but also the parergon of a new and entirely tactile scale. From the first typewriters to the latest ultra thin keyboards designed by computer manufacturers, we may think imagination is yielding under the ergonomic pressure of the cybernetic world. But in fact, existing outside of the shapes and right under our fingertips lies a palpable reality – the space of calluses. This transfer, this sensory feedback, this return of the form to its structure turns this casting off of the apparatus into an essential isolate to rethink sculpture in the age of immateriality. Right in front of the computer surface but working against it, there would be a functional sensitive thickness – an art-making place. This is our thesis. The machine-like behaviour of the interface user will be considered as a poietic model or regarded as a part of imagination waiting for plastic translation.We may wonder whether the rhythmic experience of interactivity does not entail a perceptual bodily effort on our side in order not to remain absent during the performance of a somewhat predictable photo-digital score.Doesn't this peculiar, callous and rustling – or dactylo-phonic – anchoring of the body to the substance of the world need to express itself? Without this expression, contemporary technological design — whether bi or tri-dimensional, modeled or computer-assisted — will never initiate a truly efficient relation with the real experience of our habits and actions, i.e. with all the embodied strength of our image-making consciousness: does the loss of indiciality create an introverted type of phenomenality ?
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Lachance-Provençal, François. "La poïétique de l'ivresse : discours et pratiques modernes interpellés par l'intoxication créatrice." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/19293.
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« Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire [de cette thèse] a été dépouillée de certains documents visuels et audio‐visuels. La version intégrale du mémoire [de la thèse] a été déposée à la Division de la gestion des documents et des archives »Cette thèse s’intéresse à la présence opérante, dans plusieurs discours fondateurs du modernisme et dans certaines de ses pratiques, de l’ivresse comme concept, c’est-à-dire comme façon de penser la création artistique, ou comme méthode concrète d’intoxication permettant d’y accéder. Dans la première partie de la thèse, nous observons comment, au 19e siècle, les spéculations sur les états de conscience modifiés (alcool, opium, haschich, etc.) ont croisé les considérations poïétiques et esthétiques. Pour ce faire, nous mettons en rapport le développement d’un imaginaire de l’ivresse nourri de références à la peinture et des écrits sur la création artistique faisant bon accueil aux dérèglements psychophysiologiques. Afin de problématiser ce rapport de l’art et de l’ivresse qui est pour nous constitutif de l’esprit du modernisme, nous sollicitons les points de vue de quatre auteurs qui ont adopté une perspective physiologique sur l’art : Stendhal, Balzac, Baudelaire et Nietzsche. Notre traitement vise à préciser le développement d’une pensée de l’ivresse spécifique à chacun sans perdre de vue le contexte sociohistorique élargi dans lequel ils ont respectivement évolué. Il nous est ainsi possible de retracer l’émergence de la figure de l’artiste intoxiqué et d’en déterminer les résonances idéologiques. Dans la seconde partie de la thèse, nous observons les incidences de cette construction sur les pratiques artistiques elles-mêmes au cours du 20e siècle. En premier lieu, nous constatons les défis et les problèmes concrets qu’ont pu poser les états d’intoxication dans l’exercice du métier de peintre. Nous mettons ainsi à jour les raisons qui ont conduit les artistes des premières avant-gardes à tenir l’ivresse à distance. Nous nous intéressons ensuite à des peintres qui, à partir de l’entre-deux-guerres, ont plutôt recherché les états d’ivresse et développé des stratégies pour les exploiter à des fins créatrices : S.I. Witkiewicz, Josef Sima, André Masson, Jackson Pollock et Kazuo Shiraga. Nous remarquons d’abord que ces démarches tendent à se détacher d’un formalisme pictural rigoriste en accordant plutôt une fonction déterminante à l’empathie dans la création et dans la réception de l’œuvre d’art. Nous proposons ensuite de distinguer deux types d’expressions picturales de l’ivresse : l’une qui nécessite encore l’expédient de la figuration, l’autre qui s’appuie sur une mise en mouvement spontanée du corps de l’artiste. Les notions de trace et d’aura théorisées par Walter Benjamin nous permettent de rattacher ces deux façons de pratiquer l’ivresse à des manières d’envisager la création artistique à une époque marquée par le taylorisme ainsi que par les technologies de reproduction de l’image.
This thesis examines the operating presence of intoxication as a concept in many of modernism’s founding discourses as well as in some of its practices. Intoxication is considered both as a way to understand artistic creation and as a chemically-induced state allowing artists to access a specific kind of creativity. The first part of the thesis shows how, in the 19th century, speculations about altered states of consciousness (alcohol, opium, hashish, etc.) intersected with poietic and aesthetic considerations. To demonstrate this, we link the development of an imaginary construct of intoxication that is filled with references to painting with writings on artistic creation that celebrate psychophysiological disorders. To support our hypothesis that the relationship linking art and intoxication is constitutive of the spirit of modernism we solicit the points of view of four writers who have adopted a physiological perspective on art: Stendhal, Balzac, Baudelaire and Nietzsche. Our aim is to elaborate notions of intoxication that are specific to each without losing sight of their respective sociohistorical contexts. By doing so, it becomes possible to delineate the emergence of the figure of the intoxicated artist and to analyze its ideological character. In the second part of the thesis, we observe the implications of this construct on artistic practices during the 20th century. We begin by attesting to the challenges and material difficulties which states of intoxication can pose to painters. We thereby identity reasons why artists from the early avant-gardes kept their distance from intoxication. We then turn to painters who, from the inter-war period on, instead sought states of intoxication and developed strategies to exploit them to creative ends: S.I. Witkiewicz, Josef Sima, André Masson, Jackson Pollock and Kazuo Shiraga. First, we observe how these processes tend to detach themselves from a rigorist pictorial formalism, granting instead a determining function to empathy in the creation as well as the reception of the artwork. We go on suggest two distinct types of pictorial expression of intoxication: one which still requires the expedient of figuration, the other which is grounded in a spontaneous involvement of the artist's body. The notions of trace and aura theorized by Walter Benjamin allow us to tie these two modes of practicing intoxication to ways of conceiving artistic creation during a period distinguished by Taylorism as well as by image reproduction technologies.