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Дисертації з теми "Poétique – France"
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Duyck, Clément. "Poétique de l'extase (France, 1601-1675)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA130.
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L’objet de cette thèse est de montrer, dans un corpus français compris entre 1601 et 1675, que l’extase est employée comme la condition du sens de ces discours. La première partie, qui porte sur la fin de l’extase mystique, vise à répondre aux besoins préliminaires d’une définition de l’extase au XVIIe siècle, afin de disposer des outils lexicaux, notionnels et historiques pour mener à bien la recherche poétique. Sont précisés le lexique de l’extase, les conséquences induites par la transformation d’un principe métaphysique en un phénomène humain, et la situation de l’extase face au discernement spirituel qui a abouti à sa faillite. La deuxième partie, qui est consacrée aux récits d’extases, permet de mesurer les conséquences poétiques des premières conclusions, en distinguant la poétique narrative de deux objets qui se trouvent à l’un et l’autre bout des mutations de l’extase au cours du siècle, à savoir l’extase visionnaire dans la Vie de Thérèse d’Avila et l’extase devenue invisible dans les relations spirituelles de Claudine Moine. Ces deux extases sont traitées comme des objets sémiotiques, dont les procédures narratives posent à la narration un problème d’ordre temporel qui a pour effet de faire échec au récit de sainteté que Thérèse d’Avila entend mener, et de rendre impossible dans les écrits de Claudine Moine la conjonction du sujet de l’histoire racontée avec le sujet de la narration. Enfin, la troisième partie traite de l’énonciation de l’extase dans un corpus principalement poétique. Elle isole les figures historiques employées pour représenter une telle énonciation, précise la façon dont l’affectivité extatique s’articule à la parole, et éclaire l’incidence de l’économie affective de sujet extasié sur les modes de figuration objective de l’extaseThis dissertation aims to show, through an analysis of a French corpus dating from 1601 to 1675, that ecstasy is used as the condition of the meaning of these speeches. The first part, which focuses on the end of mystical ecstasy, seeks to meet the primary needs of a definition of ecstasy in the 17th century, in order to gather the lexical, notional and historical tools for poetical research. It clarifies the lexicon of ecstasy, shows the results of the transformation of a metaphysical principle into a human phenomenon, and explains the situation of mystical ecstasy facing the discernment of spirits that led to its fall. The second part, which focuses on the narratives of ecstasy, allows to evaluate the poetical consequences of the previous conclusions. It distinguishes indeed between the narrative poetics of two objects located on both ends of the mutations of ecstasy during the century: the visionary ecstasy in the Life of Teresa of Avila, and the invisible ecstasy in the spiritual relations of Claudine Moine. These two kinds of ecstasies are considered as semiotic objects, whose procedures result in a temporal problem: ecstasy stymies the narrative of holiness that Teresa of Avila intends to tell, and hinders the identification between the subject of the story and the subject of the narration in Claudine Moine’s writings. Finally, the third part deals with the enunciation of ecstasy in a corpus that is mainly poetical. It isolates the historical figures that are used to represent this enunciation, specifies how the ecstatic emotions are linked to verbal expression, and determines the impact of the ecstatic subject’s emotional economy on the objective modes of figuration of ecstasy
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Moncelet, Christian. "L'univers poétique de René Guy Cadou." Clermont-Ferrand 2, 1988. http://www.theses.fr/1988CLF20014.
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"poesie la vie entiere", "la vie revee" : deux expressions de cadou qui invitent a explorer son univers poetique en tenant compte de sa biographie, de son profil d'ame et de son esthetique. Naissance et maturite d'un poete mort jeune, destinee d'un homme provincial par vocation, vie blessee d'epreuves et de deuils, parcours irradie d'amour : autant de themes abordes chronologiquement dans vie et passion de rene guy cadou, paru en 1975 aux editions bof. Dans les liens de ce monde (champ vallon, 1982), l'articulation de l'ecrit et du referent spatio-temporel est analysee sous la notion de "realyrisme" et s'integre dans la problematique generale de l'interdependance. Il importe a cadou d'abolir les frontieres, de vivre, dans les mots, des relations multiples entre les regnes, entre les etres, entre le midi et les autres, voire entre le lyrisme et l'humour. La vertu de communication et la fertilite des echanges s'affirment comme une valeur primordiale a travers une thematique tant spatiale (les portes, les fenetres) que verbale (les fonctions du langage, la dynamique comblee des questions et des reponses. . . ). Anti-narcisse, cadou incarne un orphisme genereux, doucement panique, dont la femme, les enfants et des animaux privilegies sont les figures actives. Valeur supreme, l'amour exige une transparence quasi mystique. Homme de toutes les fidelites, le poete a grandi dans son terreau geographique, social et verbal. Issu du peuple, il n'a cesse de temoigner de cette appartenance. L'etude inedite, la poesie et le peuple, montre que cadou fut un conciliateur exemplaire. S'il gouta le populisme (romanesque ou poetique), il se montra aussi friand de culture populaire, litteraire ou paralitteraire. "ecolier de rochefort" ou seul, il s'est "engage", a sa maniere, en s'adressant a tous"poetry as the whole of life" life as a dream" are two phrases of cadou that invite us to explore his poetical universe taking into account his biography, the slant of his soul and his aesthetics. The birth and maturity of a poet who died when young, the destiny of a man who chose to be a provincial, a life injured by trials ans bereavements, love radiating all along on that journey, are as many themes chronologically dealt with in rene guy cadou's life and passion, published by bof in 1975. In the bonds in this world (champ vallon, 1982), the connection of what is written with the spatio-temporal referent is analysed under the notion of "realyricism" and is integrated in the general problematics of interdependence. It is important for cadou to abolish the borders, to live through words the multiple relations between the animal, vegetable and mineral kingdoms, between the beings, the ego and the others, even between lyricism and humour. The virtue of communication and the fertility of exchange asserts itself as a fundamental value through a set of themas which can be as well spatial (doors, windows) as verbal (the functions of language, the fulfilled dynamics of questions ans answers). An anti-narcissus, cadou incarnates a generous orphism, softy "panic" (cf. Pan) in which the whoman, children and privileged animals are active figures. As a supreme value love demands a quasi mystical transparency. An ever-faithful man, the poet grew up out of his geographical, social and verbal fertilizing soil. He was born of the ordinary people and never stopped testifying to that belonging. The unpublished story poetry and the people shows that cadou was an exemplary conciliator. If he enjoyed populism (in novels or poetry) he also showed he was fond of popular, literary or paraliterary, culture. A member of the rochefort school or by himself, he committed himself in his own way by addressing everybody
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Chambefort, Pierre. "Poétique du genre romanesque en France au milieu du XVIIe siècle." Lyon 3, 1993. http://www.theses.fr/1993LYO3A002.
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Debodard, Myriam. "Paul Klee en France : poétique d'une mise en texte critique et littéraire." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030012.
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Les gloses sur la peinture questionnent doublement le langage, sur son contenu comme sur sa forme. Comment décrire, expliquer, interpréter ? Or, ces interrogations se font encore plus aiguës devant une peinture étrangère, notamment celle qualifiée péjorativement en France de " germanique ". L'interprétation esthétique des textes français relatifs à Klee trace des pistes pour justifier ce questionnement et y répondre. En effet, l'annexion initiale, dans les écrits, de Klee par les surréalistes, accentue le rejet de sa peinture ainsi que sa qualification, outrepassant les faits, dans l'avant-garde ; cette annexion réfrène les ardeurs éventuelles d'une certaine partie de l'opinion critique. Le contexte historique entérine cette tenue à l'écart de Klee par la France, jusqu'aux années soixante. Sur le plan formel, la cartographie stylistique de ces discours met en relief l'utilisation plus fréquente de catégories génériques combinées, plutôt qu'une stricte observance des genres. En particulier, le mode démonstratif intervient dans le genre poétique et, à l'inverse, le mode poétique dans l'essai. A l'intérieur de ces cadrages génériques particuliers, le discours esthétique proprement dit se trouve quant à lui " recadré ", eu égard à la pragmatique logiquement entrevue par le lecteur : les descriptions donnent peu à voir, quand, par ailleurs, c'est la tonalité descriptive d'un texte qui permet la survenue de l'herméneutique. Les commentateurs de Klee entretiennent donc avec le signifiant et le signifié de son œuvre un rapport contradictoire : considérant le premier via des œuvres, laissant alors souvent de côté tout souci interprétatif, ils tentent inversement d'atteindre le second via une évocation kaléidoscopique de l'Œuvre dans sa totalitéThe glosses upon painting question the language on two counts – on its substance and on its form. How can one describe, explain and interpret ? This questionning becomes all the more acute when it applies to foreign painting, and in particular when it comes to the painting which the French disparagingly refer to as " Germanic ". The aesthetical interpretation of the french texts regarding Klee gives us insights to justify and answer this questionning. Indeed, the very annexing Klee in the first time by the surrealists in their writings strengthens the rejection of his painting and his qualification, outrunning the facts, as a member of the avant-garde ; it also contriibuted indiscouraging part of the critics. The historical context confirms this keeping Klee out of the public view in France, untill the sixties. When it comes to form, the stylistic mapping of those discourses underlines the more frequent use of combined generic categories, rather than the strict observing of genuses. The demonstrative mode especially occurs in the poetic genus while the poetic mode is present in essays. Inside those particular generic frowmings, the strictly speaking aesthetic discourse gets re-framed by the pragmatic sanction logically foreseen by the reader : the descriptions set out little to be seen, whereas the descriptive tone of a text permits indeed that the hermeneutics might occur. Klee's ccommentators therefore maintain with the significant and the signified of his work a contradictory relationship : regarding the former via works, thus often neglecting any interpretative consideration, and in the opposite, they try and grasp the latter via a kaleidoscopic evocation of the Work in its whole
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Gormezano, Nathalie. "La poétique surréaliste en France et en Espagne : étude de sémiostylistique comparée." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040143.
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Cette étude de sémiostylistique comparée de la poétique surréaliste se propose de mettre à jour les relations qu'entretiennent des œuvres françaises et espagnoles au sein d'un genre, défini comme un usage spécifique constitue d'une norme inhérente à un code. Il s'agit de déterminer, à partir d'un macrotexte, les points d'ancrage et les corrélations des systèmes stylémiques génériques, dans le but de percevoir les différentes interactions possibles entre les littérarités générale, générique et singulière. Partant de deux codes linguistiques distincts au sein d'une poétique, nous dégageons l'existence d'un code intratextuel, inscrit en macrotextualité et constitutif d'une norme générique. Cette première étape nous permet d'observer le processus d'élaboration d'un usage générique dans les lieux textuels et énonciatifs inhérents à tout discours littéraire. Puis, nous examinons les relations entre ces lieux ainsi que les différents phénomènes d'intersections systémiques qui s'y produisent. Pour ce faire, nous étudions des marquages et des dominantes génériques aussi bien au niveau de la production que de la réception. Nos observations nous permettent d'avancer l'idée que la littérarité générique, constituée en degrés, est la source, pour ainsi dire le topos, des autres types de littérarités, et qu'elle est reliée à un usage générique intratextuel et extratextuel fondamentalement mouvant. Ce travail ressortit donc à la fois d'une intersémiotique contrastive et d'une trans-sémiotiqueThis comparative semiostylistic study of surrealist poetry deals with the relationship between certain French and Spanish works inside a generic usage constituted by a norm and a code. The intention is to point out, from a macrotext, the marking points and correlations within stylemic and generic systems in order to discern the different interactions between the general, generic and singular literarities. From two different linguistic codes, we derive the being of an intertextual code inherent in macrotextuality and constituent of a generic norm. Then we are able to observe the process of elaboration of a generic usage within the textual and enunciative loci inherent in all literary speech. In order to point out the relationships between those loci and the various phenomenon of systemic intersections that take place within them, this study examines generic markings and dominants within production and reception. Our observations will allow us to conclude that generic literarity, elaborated by degree, is the base of other types of literarities and is connected with a constantly evolving generic intratextual and extratextual usage. Therefore, this work deals with contrasting inter-semiotics as well as trans-semiotics
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Martin, Marie. "Poétique du rêve : l’exemple de l’avant-garde cinématographique en France (1919-1934)." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100139.
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Cette thèse revient sur la question de l’onirisme filmique en envisageant la présence du rêve dans le film moins sous la forme de séquences que d’un défi poétique, un processus de métamorphose indexé sur la notion freudienne de travail du rêve, opérant au niveau de l’image et du récit, en direction du spectateur. Cette ouverture du film au rêve est étudiée sur un corpus issu de l’avant-garde cinématographique en France de 1919 à 1934, site privilégié des expérimentations formelles qui, en retour, sous le prisme analytique de l’onirisme, voit ses frontières et son champ d’action légèrement déplacés (marges et résurgences). La poétique du rêve est donc une notion qui analyse le “travail du film” (Thierry Kuntzel) à l’œuvre dans plus de soixante-dix films des avant-gardes narratives, impressionnistes, surréalistes et même abstraite. Le rêve et son travail (surtout de la figurabilité) apparaissent comme les ferments d’une poétique filmique de la formation/déformation de matériaux génériques, littéraires, picturaux visant à restituer la puissance d’un rêve effectivement rêvé, à savoir l’“effet-rêve”. La poétique du rêve produit donc des fables cinématographiques impures, dans une logique de “contrariété” (Jaques Rancière) des agencements rationnels de la narration aristotélicienne. Le rêve est capturé et transmis au spectateur par les essais oniriques de l’avant-garde des années 1920 en France, où opère la relecture de l’inconscient psychique freudien comme “inconscient esthétique” par Rancière (“le pathos du savoir”), autour de modalités figurales directes ou indirectes comme la contamination, l’écran du rêve, les disjonctions maniéristes, la photogénie ou l’image latenteThis thesis addresses cinematographic onirism by seeing the presence of dream in the film not so much as actual dream sequences than as a poetic challenge, a process of metamorphosis related to the freudian “dream work” operating at the levels of image and narrative, towards the spectator. This poetics of dream is studied through the example of the cinematographic avant-garde in France from 1919 to 1934, a movement defined by its many formal experiments, whose historical and theoretical limits are conversely slightly displaced by the poetics of dream. The poetics of dream is therefore a notion which analyzes the “film work” (Thierry Kuntzel) running in more than seventy films from the narrative, impressionist, surrealist and even abstract avant-gardes. The dream and its work (especially its figurability) appear as the model of filmic formation/deformation of generic, literary, and pictorial materials aiming at rendering the power of a dream that is actually dreamed (the “dream-effect”). Therefore, the poetics of dream produces impure cinematographical fables, following the logics of “contrariété” (Jacques Rancière) against the rational display of aristotelician narration (the “thwarting of fables”). The dream is transmitted to the spectator by the onirical experiments of the avant-garde of the twenties in France. The re-reading by Rancière of the freudian psychic subconscious as an “aesthetic subconscious” allows to explore the dream effect around figural forms both direct and indirect, such as contamination, dream screen, manierist disjunctions, photogeny or latent image
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Terrier, Agnès. "L'opéra français et la modernité poétique au tournant du XXe siècle." Paris 12, 2002. http://www.theses.fr/2002PA120047.
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A la fin du XIXe siècle, le contexte culturel français investit l'art lyrique de nouveaux enjeux. Wagner fascine mais stimule une réaction nationaliste. Comme les musiciens se sont rapprochés des poètes à la faveur de l'épanouissement de la mélodie, certains recherchent la formule d'un art lyrique français dans le langage poétique et remettent en question le livret d'opéra traditionnel. Les Parnassiens Mendès et Saint-Sae͏̈ns veulent faire triompher la poésie au théâtre lyrique. Des musiciens indépendants (Holmès, d'Indy, Chausson, Magnard, Charpentier) s'approprient l'élaboration du livret. Le librettiste Gallet modernise son style pour Massenet. Bruneau, Debussy et Dukas cherchent dans la prose rythmée de Zola et Maeterlinck suggestion symboliste et libération orchestrale. Le théâtre lyrique rend possible la constitution d'un langage personnel à l'intersection du verbal et du musical. La Belle Epoque marque ainsi les retrouvailles du musicien avec la langue littéraireAt the end of the 19th century, the cultural context in France provides new challenges for the lyric art. The fascination for Wagner is linked to a nationalist feeling of rivalry. As musicians become closer to poets, thanks to the developement of melody, some of them look for a model for French lyric art in poetry and revisite the traditional opera libretto. The "Parnassians" Mendès and Saint-Sae͏̈ns want to promote poetry in the lyric theater. Independent musicians (Holmès, d'Indy, Chausson, Magnard, Charpentier) become authors of their own librettos. The librettist Gallet modernizes his style for Massenet. Bruneau, Debussy and Dukas look for the symbolist suggestion and a means of orchestral freedom in the rhythmed prose of Zola and Maeterlinck. .
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Beaucé, Pauline. "Poétique de la parodie dramatique d'opéra au XVIIIe siècle en France (1709-1791)." Nantes, 2011. http://www.theses.fr/2011NANT3035.
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La parodie dramatique d’opéra, réécriture comique d’une œuvre lyrique créée à l’Académie royale de musique, est un genre qui naît véritablement au XVIIIe siècle sur les théâtres forains. Elle se déploie rapidement sur presque tous les théâtres parisiens : Opéra-Comique, Comédie-Italienne, théâtres forains pour marionnettes, les boulevards, théâtres de cour, recevant les foudres de certains, comme l’appui de parodistes de métiers (Fuzelier, Favart, etc. ) et d’amateurs illustres (Louis XVI et son frère). À partir du corpus des deux cent cinquante-trois parodies dramatiques d’opéra que nous avons pu recenser jusqu’à la fin des privilèges des théâtres (1791), nous proposons une périodisation du genre qui sert de cadre à l’analyse des théories des contemporains, qu’ils soient praticiens ou historiens, et à une réflexion sur la production et la diffusion d’une pratique considérée comme éphémère. L’examen de l’évolution de la parodie d’opéra permet de voir comment au cours du siècle, elle revêt diverses formes dramatiques (pantomime, pastiche, etc. ) et musicales (vaudevilles, ariettes, parodies musicales) ; il est significatif qu’elle évolue selon les genres qu’elle prend pour cible (tragédie en musique, opéra-ballet, pastorale lyrique drame lyrique, etc. ) de la pièce critique à l’opéra burlesque. Témoin des évolutions de l’opéra (de Rameau à Gluck en passant par la querelle des Bouffons) et de l’opéra-comique, la parodie dramatique d’opéra garde son statut de genre musical et lyrique comique et devient une des gardiennes du vaudeville. Alors qu’on croyait au déclin du genre, nous montrons combien les parodies sont présentes à la veille de la Révolution, assorties parfois d’une portée philosophique ou moraleDramatic opera parody, a comic rewriting of a lyric work created at the Royal Academy of Music, is a genre truly born in the eighteenth century at the fairground theatres. It spreads rapidly to almost all the Parisian theatres: the Opéra-Comique, Comédie-Italienne, fairground theatres for marionettes, the boulevards, court theatres, receiving the condemnation of some and the support of professional parodists (Fuzelier, Favart, etc. ) and illustrious amateurs (Louis XVI and his brother). Based on the corpus of two hundred and fifty-three dramatic opera parodies that we have inventoried up to the end of the theatre privileges (1791), we propose a periodisation of the genre which will serve as a framework for the analysis of the theories of its contemporaries, whether they be practitioners or historians, and for a reflection on the production and diffusion of a practice considered ephemeral. An examination of the evolution of opera parody allows one to see how during the century it takes on different dramatic forms (pantomime, pastiche, etc. ) and musical forms (vaudevilles, ariettes, musical parodies); it is significant that it evolves according to the genres that it targets (“tragédie en musique”, ballet opera, lyric pastoral, lyric drama, etc. ) from the critical play to the burlesque opera. . Witness to the evolution of opera (from Rameau to Gluck and passing by the Querelle des Bouffons) and of the opéra-comique, dramatic opera parody maintains its status as a musical and lyric comic genre and becomes one of the guardians of vaudeville. While belief tended toward the decline of the genre, we demonstrate how much the parodies are present at the eve of the Revolution, matched with a philosophical or moral impact
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Ducrey, Guy. "Poétique de la danse et de la danseuse à la fin du XIXe siècle." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040060.
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A la fin du xixe siecle, la danse connait en europe une fortune sans precedent dans les textes. Dans des poemes, des romans et des novuelles que l'on peut compter par centaines, les danseuses deviennent un objet legitime et fascinant de representation. Elles constituent pour les ecrivains un enjeu proprement litteraire et ont une valeur heuristique pour le critique d'aujourd'hui. Par leur art du silence suggestif, qui les offre a la libre interpretation, elles somment naturalistes, symbolistes et decadents de prendre position. Mais un examen rapproche des textes revele que ces categories, traditionne llement distinguees par l'histoire litteraire, sont labiles. Considerees a l'aune des ecrits sur la danse, elles peuvent etre remises en question, et maints ecrivains de l'epoque les font coexister dans leur oeuvre. La coherence intime de l'imaginaire fin-de-siecle en matiere de choregraphie se situe donc au dela des courants litteraires: dans une interrogation inquiete sur l'ecriture et le langage, et leurs possibilites memes d'existence. Langage sans paroles, ecriture sans traces laissees, la danse est, dans un imaginaire melancolique et crepusculaire, le lieu d'une reflexion sur l'avenir incertain de la litteratureAt the end of the 19th century, dancing becomes a favourite subject of representation in european literature. Dancers play important, sometimes essential parts in poems, novels and innumberable short stories. For writers, they become a literary stake, and for today's critic, they have an heuristic value. Their art of suggestive silence submits them to free interpretaion, and they summon naturalists, symbolists and decadents to disclose their positions. But in closely considering the texts, those categories, which history of literature has traditionnaly distinguished, appear fluctuating. As studied through the problems of dancing and ballet in literature, they can be put in question : the works of many writers reveal that naturalism, symbolism and decadence may coexist at the end of the century. The intimate coherence of the fin-de-siecle imagination in its relation to dancing thus lies beyond literary movements : in an axious questionnin g of writing and language, whose very conditions of existence are henceforth called in question. As a language without words, as a writing without traces, dancing is, in the melancholic and crepuscular imagination of the fin-de-siecle, the subject of a reflection about the uncertain future of literature
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LePage, Renée. "Essai d'une poétique de l'interprétation, 1953 : chronique d'une naissance annoncée de France Daigle." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp04/mq28220.pdf.
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Ambiana, Simplice. "La production poétique en France de 1580 à 1610 : (Inspiration, écriture et signification)." Bordeaux 3, 1985. http://www.theses.fr/1985BOR3ET03.
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Bacard, Haloul. "Poétique de la langue française chez Remy de Gourmont." Paris 8, 2011. http://octaviana.fr/document/160871034#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
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Une poétique interroge une pratique du discours, qui est le langage en fonctionnement situé. Dans cette perspective, nous nous demandons comment l’invention par Remy de Gourmont de son langage critique et poétique devient une valeur dans la littérature et la culture françaises. Remy de Gourmont est un sujet critique, qui ne perd jamais de vue sa double condition de Français et symboliste, laquelle n'est jamais une attitude de critique nationaliste ou partisane. Pour l'art comme désintéressement, pour la discussion immédiate ou ultérieure des idées, Remy de Gourmont invente, en faisant avancer la critique, le français et sa littérature ; sa méthode dissociative ayant pour principal enjeu de découvrir ou restaurer la valeur de l’effort littéraire en démontant les lieux communs et les stéréotypes qui empêchent de le voir. Cette critique nouvelle des idées, qui est chaque fois une invention du discours, est indissociable, dans sa pratique poétique même, d'une attention au symbolisme, et, chaque fois, à la langue. D'où un vers libre original ayant la capacité de faire voir et entendre ce que le poète fait au langage ordinaire, c’est-à-dire aux mots de tous les jours. Le poème devient ainsi un poste d’observation d’une historicité du langage. Il montre notamment un sentiment de la langue française, qui est cette poétique-même, et que Remy de Gourmont a d’abord créé, puis travaillé à rendre personnel et individuel, autant que l’art symboliste libre qui l’inclut dans la généralité des individualités discursivesPoetics questions a practice of the speech as a manner of language. From this point of view, we wonder how Remy de Gourmont's new critical and poetic language becomes a value in the french literature and culture. Remy de Gourmont, as an original critic, never loses sight of its double French and Symbolist condition, which is never a partisan or a nationalist attitude of criticism. Defending art as disinterestedness, exhibiting the immediate or later discussion of the ideas, Remy de Gourmont creates its dissociating method to put criticism, french and its literature forward. This critical principle has main purpose to discover or restore the value of the literary effort by seeking to reject the "lieux communs" and the "clichés" which cover it up. This new criticism of the ideas, which is always an invention of the discourse, is indissociable, in its poetic practice even, of an attention to the symbolism, and, each time, to the language. Hence, an original "vers libre" (symbolism free verse) having the capacity to make see and hear what the poet made with the ordinary language, that is to say with the usually words. Thus, the poem becomes an observation post of a historicity of the language. It shows in particular a feeling of the french language, which is this poetic-even, and which Remy de Gourmont initially created, then worked to make personal and individual, as much as the free art Symbolist which includes it in the mass of discursive individualities
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Léon, Paul. "Le jeu de la une et du hasard : une approche poétique de l'écriture de presse." Aix-Marseille 1, 1990. http://www.theses.fr/1990AIX10007.
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Cet espace sciptural que constitue la une, nous en avons chapitre apres chapitre esquisse le dispositif, recense les conditions de productivite: i- solidarite des langages cohabitants: differentes parties jouent entre elles - sens ludique et mecanique-, et de leur frottement nait une langue tierce. 2- porosite des cloisonnements: les signes sont instables, migratoires, exposes a toutes sortes de contaminations par le double jeu de la contiguite et de la similarite. 3- stereophonie interxtuelle: les mots et les images sont traverses de references et reminiscences qui en assurent l'epaisseur, la verticalisation. 4- inscription de la partie dans le tout: chaque une vaut comme fragment d'un discours ininterrompu dont la contunuite est assuree par differentes figures de concatenation. 5- fonctionnement autotelique: la une est une vitrine, un espace narcis- sique d'accroche, en contrepartie, elle est le lieu de tous les emprunts et detournementsThe scriptual space of the front page is dosely examined, its devices outlined, its productiveness assessed : i- interdependance of cohabiting languages: that different part move to- gether, this interraction being of a mechanical and playful nature; from this very friction is born a new, anigmatic third language. 2- porosity of apparently distinct compartments: signs are unstable, mi- gratory, exposed to contamination by the interplay of relatedness & similarity. 3- intertextual stereophony: that words and pictures are loaded with re- ferences and recollections, providing them with a certain depth & verticalisation. 4- presence of each element in the whole: each front page is like a frag- ment of an uninterrupted discours whose continuity is assured by a series of united links. 5- autotelio functioning: the front page is a sort of shop window where one exposes ones best slogan, but at the same time acts as a reception area for imitations and parodies
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Scepi, Henri. "Sujet et langage : contribution à la poétique de Jules laforgue (1860-1887)." Clermont-Ferrand 2, 1996. http://www.theses.fr/1996CLF20097.
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Tout entière placée sous le signe d'une inlassable quête de l'originalité, et affiliée aux principes recteurs d'une esthétique d'inspiration philosophique et scientifique, l'oeuvre poétique de Laforgue vaut avant tout par son aptitude à poser le sujet créateur dans une situation critique par rapport à la question du langage et au problème subséquent de l'expression. En effet, réfutant une à une les thèses qui affirment dogmatiquement le primat de la clarté, du bon goût et du beau temporel, Laforgue avance l'hypothèse d'une esthétique en devenir qui inscrit au centre de ses préoccupations la nécessité d'inventer une langue idiosyncratique. Certes, une telle postulation rejoint l'impératif de modernité de la génération "décadente" mais elle recoupe aussi le champ de la théorie linguistique du 19e, laquelle s'emploie à problématiser, selon 2 axes distincts, la position du sujet parlant dans l'épaisseur de la langue. Aussi, sa démarche poétique reflète-t-elle 2 postures apparemment contradictoires : d'une part est revendiqué le droit à la subjectivité plénière et à l'autonomie poétique, principes ordonnateurs du discours ; d'autre part, un large crédit est accordé aux doctrines, héritières de Darwin et prolongées par Hartmann, qui asservissent le sujet à l'hégémonie d'une évolution qui le transcende et le dépasse. Mais ces 2 perspectives trouvent à se concilier dans l'élaboration d'une poétique qui entend s'enrichir des apports et des accidents de l'empire comme de l'incessant mouvement de la vie. Dès lors, le discours individuel circonscrit le milieu d'une rupture et assigne à la parole une fonction radicale de contestation qui met en péril aussi bien les poncifs et les conventions du langage poétique que les structures inertes de la langue. C'est donc à l'examen des conditions de possibilité d'un style, à une époque donnée, que nous invite l'oeuvre poétique de LaforgueEntirely placed under the sign of the never-ending quest for originality, and subordinated to the principles of a philosophically and scientifically jointed aesthetics, jules laforgue's poetic work is first and foremost remarkable for its capacity to place the creative subject in the position of a critic in front of the issue of language and henceforth that of expression. Indeed, denying one after the other all the thesis which dogmatically promote clarity of expression and good taste as well as the timeless beautiful, laforgue ventures the hypothesis of an aesthetics in the making which focusses on the absolute need to develop an idiosyncratic speech. Of course, such a position merges with the imperative of modernity launched by the "decadent" generation; but it also comes across the field of the linguistic theory of the 19 th century, which tends to problematise, according to two different axes, the position of the speaking subject within language. Thus laforgue's poetic stance reflects two apparently contradictory positions: on the one hand, the right to total subjectivity and poetic autonomy is claimed, as principles ordering discourse; on the other hand, a large part is devoted to the doctrines, inherited from darwin and prolonged by hartmann, which subordinate the subject to the hegemony of an evolution which transcends him. But those two perspectives merge in the achievement of a poetics which purports to include the accidents of enpiricism as well as the unceasing movement of life. Thereof, individual discourse circumscrites the locus of a rupture and ascribes to speech a radical function which both deconstructs the cliches and conventions of poetic medium and the lifeless structures of language
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Jarrigeon, Anne. "Corps à corps urbains : vers une anthropologie poétique de l'anonymat parisien." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040065.
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Bien plus souvent décrié que véritablement analysé, l’anonymat urbain semble constitutif de l’expérience de la grande ville. Son fonctionnement au quotidien met en jeu de manière spécifique le corps, les apparences et la communication non-verbale. Cette thèse dessine les contours d’une poétique de l’anonymat, à la croisée de l’anthropologie urbaine et de la sémiotique et visant à interroger, au-delà des effets de présence des corps dans des espaces urbains particuliers, le statut du voir/être-vu contemporain. La lisibilité des corps est ici resituée dans la dynamique des pratiques interprétatives ordinaires et interrogée dans une perspective phénoménologique qui d’un repli sur le lisible invite à une ouverture au visible. La ville n’y est pas un simple décor ni un ensemble de lieux inertes. Abordée par ses espaces publics, elle propose des situations qui font émerger les enjeux politiques à l’oeuvre aussi bien dans les relations entre les sujets sociaux anonymes que dans les processus de disciplinarisation des corps et des regards. Plusieurs explorations empiriques ont été conduites dans cette recherche qui procède par des focalisations liées aux questionnements théoriques. Les enquêtes ethnologiques, souvent réalisées au moyen du film et de la photographie, s’articulent à une lecture sémiotique de documents, objets, dispositifs, notamment architecturaux, retenus pour l’analyse en raison de leur caractère significatif. La Piazza Beaubourg, le Forum des Halles et le Parc de la Villette ont fait l’objet d’une attention particulièreUrban anonymity is generally more criticised than it is analysed and plays an integral role in the way metropolitan life is experienced. Its daily functioning plays in specific ways on bodies, their appearance and non-verbal communication. This thesis elaborates a poetical approach to anonymity at the junction of urban anthropology and semiotics. It questions the status of seeing and being seen beyond the mere effects of the bodies's co-presence in singular urban places. The bodies readability is recontextualised within the dynamic of daily interpretative practices and put into perspective from a phemonological point of view that focused on a problem of readability offers an opening on visibility. The city is not simply a stage setting nor a collection of inert places. Considered through its public area, it creates situations where the political stakes of relations between anonymous social subjects and the process of "disciplinarisation" of the body and the gaze become manifest. In this study, several empirical investigations are focused on questions intimately bound to the theoretical approach. These anthrophological enquiries, mostly based on cinematographic and photographic material, are linked to a semiotic interpretation of documents, objects, and device, especially architectual device, that are particularly relevant to this analysis. Special attention was given to the Piazza Beaubourg, the Forum des Halles and the Parc de la Villette
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Kintzler, Catherine. "Pour une esthétique du théâtre lyrique francais à l'âge classique : fondements philosophiques et système poétique (1659-1765)." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040003.
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Esthétique et poétique ne se réduisent ni à l'étude des sources ni à celle de la morphologie des œuvres. Le concept proposé (l'"esthème") désigne les conditions philosophiques auxquelles un ensemble esthétique est pensable. 1) on dégage le socle philosophique de l'opéra français (1659-1765). Il comprend une éthique de type cartésien et une sorte de philosophie transcendantale. La théorie de la vraisemblance merveilleuse met en place les conditions de possibilité de l'expérience fictive théâtrale. L’outillage élaboré par Aristote est modifié au 17eme siècle (par corneille notamment). 2) construction détaillée du système poétique de l'opéra français en symétrie avec celui du théâtre dramatique (pastorale, tragédie, ballet, etc. ; fonction poétique de la musique chez Lully et chez Rameau). L’opéra fait partie de la pensée classique, la notion de "baroque" est écartée. 3) la critique faite par J. -J. Rousseau permet, en opposant deux ontologies, de penser cette esthétique comme une alliance de l'intellectualisme et du sensualisme, caractéristique de la philosophie des lumièresAesthetics and poetics can be reduced to a study neither of sources nor of the morphology the works in question. The concept we propose -"estheme"- serves to designate the philosophical conditions allowing for an aesthetic whole to be conceived. 1). We have sought to bring out the philosophical ideas underpinning french opera from 1659 to 1765 and which combine Cartesian ethics and a kind of transcendental philosophy. The theory of supernatural verisimilitude creates the conditions for a fictional experience in a theatrical context. The conceptual framework provided by Aristotle is modified in the 17th. Century, notably by Corneille. 2). The elaboration of the poetic system of French opera is paralleled by that of drama (pastoral, tragedy, ballet, etc. ; the poetic function of music for Lully and Rameau). Opera is part and parcel of classical thought, with the notion of "baroque" put to one side. 3). By opposing two ontologies, J. -J. Rousseau’s criticism enables us to conceive this aesthetics as an alliance between the intellectualism and sensualism, characteristic of the Enlightenment
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Verdier, Anne. "Poétique de l'habit de théâtre en France (1606-1680) : contribution à l'histoire du vêtement." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100045.
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Cette thèse se propose d'apporter une contribution à l'histoire du vêtement et à l'histoire du théâtre, en prenant comme objet d'étude un vêtement particulier,le costume de théâtre porté sur les scènes de la ville au XVIIe siècle, afin d'en établir la spécificité. Elle rappelle d'abord le contexte de la société des apparences qui a ses vêtements spécifiques dont le port est codifié et réglementé par la loi. Cette conception générale du vêtement sert de cadre pour appréhender plus spécialement la question du costume de théâtre et celle de sa mise en concurrence avec le vêtement social. L'étude s'organise ensuite autour de trois axes et la méthode se veut résolument transversale. .This dissertation purports to contribute to the history of dress and the history of drama by examining a particular type of dress, i. E. , that worn on the urban stage in the 17th century, in order to establish its specificity. The first section of the dissertation will address the context of a society based on appearances, and characterized by specific dress will serve as the conceptual framework within which to focus more specifically on the question of the theatrical costume, and on that of its competing with the social costume. .
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Visentin, Hélène. "Le théâtre à machines en France à l'âge classique : histoire et poétique d'un genre." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040123.
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La présente thèse porte sur l'histoire du théâtre du XVIIe siècle, plus particulièrement sur le genre du théâtre à machines, forme de théâtre à grand spectacle de source essentiellement mythologique. Nous nous proposons de retracer la révolution du théâtre à machines, d'en comprendre les structures et de définir la nouvelle esthétique que met en place cette forme dramatique afin d'ouvrir des perspectives nouvelles, ou s'affinera notre connaissance particulière du genre, et de là notre perception d'ensemble de l'esthétique théâtrale française du XVIIe siècle. Trois problèmes retiennent notre attention : les questions de poétique et de dramaturgie, les conditions matérielles et la réception par le public. Ce faisant, il s'agit, d'une part, de replacer le théâtre à machines dans son contexte social et culturel, en réhabilitant ce corpus dans la production dramatique du grand siècle ; d'autre part, de réévaluer l'appréciation de la poétiique classique à la lumière d'un genre trop longtemps négligé et pourtant capital pour comprendre les enjeux du théâtre de cette époque.
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Śniedziewski, Piotr. "Mallarmé et Norwid : le silence et la modernité poétique en France et en Pologne." Marne-la-Vallée, 2006. http://www.theses.fr/2006MARN0301.
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Le sujet de la thèse « Mallarmé et Norwid : le silence et la modernité poétique en France et en Pologne » est tout à fait central pour étudier l’évolution de la poésie à la fin du XIXe siècle. Il permet de mieux comprendre la rupture avec une tradition encore bien présente au XIXe siècle (poésie romantique et parnassienne) qui rattache la poésie à l’ordre de la représentation et du discours. Il s’agit à la fois de comprendre les transformations du langage poétique (le rythme et le son, la matière verbale deviennent plus importants que la signification au sens traditionnel du terme) et de mettre en relation cette transformation esthétique avec une crise des valeurs (religieuses en particulier) qui affecte aussi d’autres arts, surtout la peinture. La thèse situe Mallarmé et Norwid dans un contexte littéraire et culturel pour mieux comprendre l’orientation d’une recherche poétique qui fonde un nouveau type de langage et programme un nouveau mode de lecture. Le silence ne conduit pas la poésie à sa fin mais il relève d’une conception différente qui privilégie la matérialité et les relations internes entre les mots (d’où un travail sur la syntaxe) plutôt que les relations des mots au référent (dans la perspective d’une mimésis) et l’organisation d’un discours. Il faut aussi souligner la dimension comparative de la thèse qui aborde l’œuvre d’un poète – Norwid – relativement inconnu hors de la Pologne, même si sa poésie est visiblement liée à la poésie européenne du XIXe siècle et aux transformations philosophiques et esthétiques de la littérature post-romantique. Ainsi, pour la première fois dans la critique polonaise, Norwid reçoit-il un ample commentaire qui souligne plutôt la modernité de son écriture et non pas son engagement idéologique et social. Quant à Mallarmé, la thèse prouve que son projet poétique, sévèrement jugé par certains de ses contemporains, n’est pas si éloigné de l’évolution de la poésie européenne comme nous pouvions le supposerSubject of doctorat Mallarmé and Norwid: silence and poetics modernity in France and in Poland is key issue for researches relative to the poetry evolution under the end of 19 century. It takes to better understand breaching with the present tradition even in 19 century (Parnassian and romantic poetry), which related poetry to the order of representation as well as discourse. So, it is going for a better comprehending transformations of poetry language (rhythm, sound and words matter are much important than the meaning of traditional sense of this word) and relationship those aesthetical transformations with the crisis of value (especially religious values), which wraps also others arts, especially painting. The trial situated Mallarmé and Norwid in the literary and cultural context epoch, what takes better explain poetical researching, which destination is creating new poetry language as well as new type of lecture. So, silence is not the end of poetry, but it is rather related with its new conception, which makes important materialism of words as well as their internals relations (what’s connected with a work under the syntax), but not theirs connects with designate (in the mimesis perspective) or discourse composition. We have to also emphasize the comparative aspect of the trial, in which centre was Norwid, rather unknowing beyond Poland’s boards, whose creative is very close associated with European poetry of 19 century and with the philosophical and aesthetical transformations of post-romantic literature. In this way Norwid received, for first time in the Polish criticism, very spacious comment, which keeps attention especially for modernity of his style and not of his ideological or social commitment. If is going about Mallarmé, the trial has proved that the poetical project, harshly judged by some of his contemporary writers, was not so much distanced from transformations of European poetry how we can suppose
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Juneau, Véronique. "Poétique et fictionnalisation du reportage de guerre sous le Second Empire." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28645/28645.pdf.
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Pessolano, Carla. "Subjectivité poétique, credo poétique et résistance dans les pratiques de la scène." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2019. http://www.theses.fr/2019UBFCC006.
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La question du croisement entre pratique et réflexion sur la pratique se trouve actuellement au centre de l’analyse théâtrale. Pour l’étudier, il est important de souligner que la réflexion que les artistes peuvent développer sur leur œuvre ne ferme en aucune manière le sens de l’œuvre en soi. Tout matériel scénique possède une pensée qui lui est inhérente, c’est pourquoi ces réflexions (de l’artiste sur son œuvre et de l’œuvre en tant que telle) cohabitent avec d’autres (celles que peuvent apporter les critiques, les chercheurs, les historiens etc.). Pour cette présente recherche, nous prétendons mettre au centre la réflexion des artistes quant à leurs pratiques car nous considérons que, dans de nombreux cas, ces réflexions sont de réelles théories non formalisées. Nous considérons comme clé le fait de hiérarchiser cette pensée et lui donner un espace spécifique, en prenant en compte que pour le réaliser, il n’en suffit pas seulement de le transcrire mais de le systématiser et pour cela, il est nécessaire que nous puissions avoir des catégories qui soient externes à celui-ci. En suivant cette méthode, nous prétendons échapper aux deux espaces traditionnels dans lesquels se situent habituellement les chercheurs ou les critiques pour travailler avec la matérialité réflexive de l’artiste : ceux qui croient que ce que dit l’artiste est une vérité définitive et ceux qui oublient cet apport car le considèrent comme une médiation inutile entre sa production critique et l’œuvre en soi.L’intention du présent travail sera donc de favoriser un développement théorique qui contemple ces théories et ces cadres d’articulation avec ce que nous avons trouvé au cours de notre parcours et qui, en association avec nos propres concepts, activent un espace de réflexion à partir de la confrontation avec le théâtre de Buenos Aires, duquel nous provenonsThe idea from where we start our research for this dissertation is that there is a strong thinking in Argentine scenic tradition that theory emerges from a reflexive scenic practice (and in most cases not in a systematic manner.) This phenomenon we analyze in several case studies becomes visible through the theoretical problematization of three thematic axes (poetic creed, poetic subjectivity and resistance.) To do so, we take a group we acknowledge as national renowned artists in the field of thought generation about acting practices, considering those practices as a liaison between body and resistance. We intend to work on a certain discursive materiality, focusing on the theory that is generated specially from the scenic practice. By doing it -and through the study of six case studies: Alberto Ure, Eduardo Pavlovsky, Ricardo Bartís, Alejandro Catalán, Bernardo Cappa and Analía Couceyro- we aim to stress that the thought generation about acting practices in Argentine Theater is in force for several years
Para esta investigación de tesis partimos de la idea de que en la tradición teatral argentina hay un profuso pensamiento emanado de la práctica escénica que puede ser concebido en términos de teoría (en la mayoría de los casos no sistemática). Es desde la problematización teórica de tres ejes (credo poético, subjetividad poética y resistencia) que este fenómeno que analizamos en diversos casos testigo se vuelve visible: nos referimos puntualmente a un grupo de artistas que pensamos como referentes nacionales en lo que a reflexión acerca de la praxis de actuación respecta y que tienden a concebir esa praxis como confluencia entre cuerpo y resistencia. Se pretende trabajar sobre determinadas materialidades discursivas, haciendo foco especialmente en el pensamiento que se produce desde la escena. Al hacerlo, buscaremos evidenciar, a través del estudio de seis casos ejemplares (Alberto Ure, Eduardo Pavlovsky, Ricardo Bartís, Alejandro Catalán, Bernardo Cappa y Analía Couceyro) que la reflexión en torno a las prácticas de actuación en el teatro argentino está vigente desde hace años
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Xu, Shuang. "Pour une traduction critique du "Parti pris des choses" de Francis Ponge." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081324.
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La notion de traduction critique pourrait s'entendre de plusieurs manieres. Proche de l'edition critique, elle evoque une forme de traduction accompagnee de l'annotation. Unissant la traduction et la critique, elle indique une nouvelle demarche d'etude contenant simultanement les deux procedes. Une traduction critique pourrait aussi designer une traduction qui a rapport a un changement important, qui se trouve au seuil d'une nouvelle ouverture. Ce qui nous est important dans cette notion, c'est cette coexistence de la traduction et de la critique, leur implication et leur entrelacement. Nous avons choisi l'oeuvre de ponge pour l'objet de cette etude, car le travail ingenieux de ponge dans la langue francaise, le grand decalage entre les langues francaise et chinoise, constituent un cas extreme dans la problematique de notre etude. Notre but consiste a frayer un chemin dans la recherche d'une reprise en consideration de l'intraduisibilite, liee traditionnellement a l'intangibilite poetique de l'oeuvre originale. Notre etude se deroule en trois etapes : une critique de l'oeuvre originale, une traduction en chinois suivie de l'annotation et enfin une critique sur l'oeuvre traduite. Dans la premiere etape, il s'agit d'une "pre-analyse" textuelle en vue de selectionner des traits poetiques fondamentaux, signifiants de l'original. La deuxieme etape concerne une remise en oeuvre de l'original dans la langue chinoise. Nous proposons, en contraste avec le texte original, une traduction chinoise en ideogramme suivie de la transcription phonetique (pinyin). Cette mise en forme a pour but de mettre en scene d'une maniere directe et sensible le decalage langagier entre l'oeuvre originale et l'oeuvre traduite ainsi que la tension poetique due a la disjonction et la conjonction de la forme signifiante de chaque langue. Dans l'annotation, nous mettons l'accent sur l'interpretation semantique des mots particuliers et les cas delicats de la traduction en chinois. Cette partie se caracterise par une forme en mouvement, accompagnee de considerations, d'hesitations et de discussions. La troisieme etape consiste a comparer la version chinoise avec l'oeuvre originale, et a etudier leurs aspects communs et differentiels afin de reveler le role virtuel de la traduction dans le domaine de la litteratureCritical translation could be understood under different meanings: close to the critical edition, it evokes a kind of translation which is followed by annotation. Linking translation to criticism, it shows a new way of study which takes into account two processes. Critical translation could also represent a translation which deals with important changes. The most important for us, is the coexistence of translation and criticism, and their interlacing. Ponge's parti pris des choses was chosen as a subject for this study. Indeed ponge's genius work in french language and the big gap between the french and chinese languages represent a limit case for our study. Our aim is to reconsider the untranslatibilty tied traditionally to the poetical intangibility of the original work. Our study is divided into three parts: criticism of the original work, a chinese translation followed by annotations and finally a criticism of the translated work. The first part consists of a textual analysis in order to select the fundamental poetical features of the original work. In the second part, we suggest a chinese translation using chinese ideograms accompanied by phonetic transcription (pinyin) in order to show directly and noticeably the poetical tension due to the disjunction and the conjunction between the signifying forms of each language. In the annotation part, we put ahead the semantic interpretation of particular words and special cases of the chinese version. This part is characterised by a dynamic form accompanied by reflections, hesitations and discussions the third part consists of a comparison between the chinese version and the original work and the study of their common and differential features in order to enhance the virtual role of translation in the literature field
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Natan, Stéphane. "Les Pensées de Pascal : d'un projet apologétique à un texte poétique." Lyon 3, 2003. http://www.theses.fr/2003LYO31010.
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Chef-d'oeuvre de la littérature française, indépendamment de leur vocation initiale, les Pensées sont en perpétuelle oscillation entre la fermeture et l'ouverture. La fermeture est inhérente au projet apologétique, et l'ouverture est la condition sine qua non à toute oeuvre d'art. Passer de l'un à l'autre est àpremière vue incompatible, et cela ne s'est pas fait sans polémique dans le cas de Pascal. S'il est vrai que Pascal se sert de l'ouverture, il n'en demeure pas moins qu'il place cette dernière au service de l'apologie, qu'il en fait une pseudo-ouverture : d'ailleurs, il y a fort à parier que Pascal n'aurait pas apprécié le destin littéraire des Pensées. Assujettis à leur auteur, les Pensées parviennent aussi àacquérir une vie autonome : les images génèrent tout un univers, nous donnent accès à l'imaginaire de Pascal, et l'inachèvement - si décrié au XVIIe siècle -devient le grand vecteur de l'ouverture : il n' existe plus dès lors une seule lecture mais bien des lectures des Pensées, et les blancs, les secousses, le style fragmentaire agissent comme de véritables électrochocs, réclamant l'intervention de la faculté artistique par excellence que représente l'imagination. Lieu de rencontre des paradoxes, les Pensées deviennent le prototype de toute oeuvre d'art, elles qui sont devenues au jour d'aujourd'hui un texte qu'aucun esprit cultivé ne peut ignorer.
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Kiskira-Soderquist, Martha. "La surréalité dans l'oeuvre poétique de Nicos Engonopoulos : affinités avec le surréalisme français." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1997PA040147.
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La présente thèse examine la relation de l'œuvre poétique de Nicos Engonopoulos avec l'œuvre poétique et théorique des principaux représentants du surréalisme français. La méthode d'approche est basée sur la comparaison des textes sans entrer dans les détails d'une relation historique. La priorité dans l'analyse est donnée aux procédés que le texte met en place et l'effet que ceux-ci produisent dans l'acte de lecture. Ainsi orientée, la comparaison s'effectue sur deux axes: a) stylistique (examen des procédés stylistiques du surréalisme français repérables dans la poésie d'Engonopoulos, dont l'examen de la particularité et de la fonction de l'image surréaliste, du rôle de la syntaxe, le poème en prose, le procédé parodique, les jeux de langue) et b) thématique (thèmes et associations de thèmes dominants dans la pensée et l'écriture surréalistes dont le thème de l'amour, de humour noir, de l'objet utilitaire et de la ville). Il s'est révélé que le rôle de l'écriture automatique, que André Breton a proclamé comme mode d'expression favori du surréalisme, a une place très restreinte dans la poésie d'Engonopoulos et que le poète grec met, en revanche, en œuvre des procédés (utilisation contradictoire de la langue, procédé parodique) qui conduisent à l'effet de l'absurde.
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Broutelle, Marthe. "Honoré Broutelle : Etude de son univers poétique." Angers, 1987. http://www.theses.fr/1987ANGE0007.
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Honoré broutelle, né à nantes, le 16. 04. 1866, décédé à Bois-Colombes, le 19. 01. 1929, médecin, poète et xylographe, chante dans ses volumes de vers le cosmos, alias univers, alias espace-temps, qu'il fait, d'ailleurs, assez rapidement, éclater en espace et temps. D'où divers hommages à l'axe cosmique: l'homme-arbre et à la main; celle-ci considérée comme cordeau de la distance et calculatrice du temps ou négation de l'espace, négation du temps, quand elle est main créatrice, prolongée par l'outil. D'ailleurs, Broutelle fut peintre et, surtout, graveur sur bois original, carrière qui se joue pour lui de 1917 a 1929, il est repertorié dans les dictionnaires et manuels de l'espace (oeuvres acquises par le musée du louvre et divers autres musées nationaux). Par cette hantise de l'espace et du temps, Broutelle traduit, subie par lui dans le vecu, sa problématique profonde de l'absence, de la distance et de la mort, par exemple, à propos de sa filiation directe avec Duguay-Trouin et, surtout, de la disparition de son père, Honore-Salomon Broutelle, capitaine au long cours, lors d'une escale à Sydney. Il apaise partiellement son angoisse par le recours à l'écoute du chuchotement des premières sources : l'eau, la terre, l'air, le feu, créatrices et conservatrices de la vie dont il exalte le grand-prêtre, le paysan, ainsi que les manifestations animales les plus familières. D'ailleurs, la vie, il la sert comme médecin, d'où les poèmes médicaux (édition posthume). Il fait paraitre, en 1922, les poèmes sarthois, ouvrage couronné par l'academie française en 1925. Il devient ainsi, de la Sarthe, le chantre reconnu (des stèles et des rues lui sont, à ce titre consacrées). Jeanne Blin-Lefebvre, fondatrice et présidente de la societe litteraire du Maine, écrit a la fille du poète : son livre est le premier et le plus beau fleuron de la littérature paysanne, historique et descriptive de la province ; il chante les cités et les champs en un tout complet. . . Il sera difficilement égalable dans l'avenir. Dans la premiere partie du volume : bucoliques sarthoises, le poète pratique un réalisme original : poèmes rustiques au vocabulaire évocateur, parsemé de termes dialectaux ; dans la deuxieme partie: la cité vivante, poèmes plus ambitieux de beauté plastique, descriptifs de la capitale, Le Mans, et de son joyau architectural, sa cathédrale, la magnifique, comme, depuis Broutelle, on l'appelle en Sarthe.
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Gogo, Koffi. "Les extérieurs naturels dans le cinéma français des années trente : de l'impressionnisme au réalisme poétique." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010625.
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La thèse qui s'ordonne selon un plan en cinq chapitres tripartites et qui mixe la peinture et le cinéma dans une option historico-esthétique, vise à élucider les analogies formelles entre ces deux modes d'expression. La première partie qu'occupent les chapitres un et deux fait l'historique de l'impressionnisme procédant du globalisme visuel, en rappelant le développement de sa philosophie fondée sur la lumière naturelle. La seconde partie aborde le cinéma en opérant, par le biais du chapitre trois consacré aux extérieurs naturels, la transition du tableau peint a l'image filmique qu'une partie de campagne de Jean Renoir réalisé en 1936 satisfait à merveille. Le chapitre quatre explicite le concept de réalisme poétique invente des 1875 par Théodore Veron pour qualifier l'œuvre pictural de Daubigny et, dont la connotation au cinéma confère la prédominance des scènes d'intérieur emblématiques de la structure simulée, de l'apparence réaliste plus enclin à la claustration identifiable dans la rue sans nom de Pierre Chenal en 1933, mais qui valorise le studio de cinéma. La troisième partie, se résumant à l'unique chapitre cinq, confronte les deux styles impressionniste et poético-réaliste pour révéler la propension de l'un à un panthéisme écologique au sens symbiotique et a l'apologie du bien-être, celle de l'autre à un idéal créatif certain fondé sur le perfectionnement ornemental. La conclusion confirme l'inaltérabilité de la tradition réaliste et éprouvé, à la faveur du decrescendo spatial, l'ascèse du figurer la nature précède sa transfiguration. Un appendice recense les supports audiovisuels relatifs à notre thème et, qui, ajoutes à la vocation plus classique des musées d'Orsay et Marmottan à Paris, Cceaux dans les Hauts-de-Seine, assurent ensemble la promotion d'un patrimoine nationalThis aesthetics and historical approach, observed through five tripartite chapters, aims at elucidating formal analogies between painting and filming. The firstpart composed by chapters one and two brings back the developpement of impressionnism satisfying visual globalism, and which philosophy exalts natural daylight. The second part takes up cinema with chapter three dedicated to natural exteriors, effects to transition from painting to motion picture easily symbolized by Jean Renoir's film: une partie de campagne dated from 1936. Forth chapter makes clearer poetical realism concept invented as far back as 1875 thanks to theodore veron styling daubigny's pictorial work neighbouring to visual detailism. In movie it finds fame by la rue sans nom shooted in 1933 and expressing simulated structure, realistic look, more disposed to claustral phenomenon while valorizing studio. The third part made of the last and fifth chapter confronts the both styles impressionnist and realistic-poetical with a view to reveal ecological pantheism and wellbeing defence for one, then creative ideal founded on ornemental perfectionnism for the other. The conclusion confirms that realistic tradition is unchanging and tests the asceticism according which figuring nature precedes its transfiguration consecutively to space toning down. We append audiovisual supports linked to our subject, which included to the mission of museums like Orsay and Marmottan in Paris, Sceaux in Hauts-de-Seine a nearby department, promote together a genuine national patrimony
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Chen, Feng Fang. "Poétique du surnaturel : études comparées de la nouvelle fantastique "classique" en Chine et en France." Poitiers, 1999. http://www.theses.fr/1999POIT5013.
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Cette étude se propose de comparer les genres fantastiques de culture française et chinoise, au travers d'une approche descriptive du corpus complétée d'une analyse thématique. On s'attachera également à mieux comprendre le fonctionnement morphologique des récits fantastiques, et à comparer les discours qui y sont développés. Dans une première partie, nous tentons une approche socio-historique des genre fantastique français et zhiguai ("fantastique") chinois, ainsi que de la critique y afférente, à partir d'une simple question : le genre fantastique est-il uniquement occidental ? Dans une deuxième partie, nous nous livrons à une approche thématique du fantastique, en tentant des rapprochements entre des thèmes issus de la culture chinoise et des thèmes plus proprement français. Dans la troisième partie, nous essayons de dégager la morphologie du récit fantastique, en nous intéressant au personnage, au phénomène fantastique (surnaturel), à l'espace et à la temporalité. Dans la quatrième partie, nous nous penchons sur les discours comparés du fantastique. De manière à permettre une typologie des syntaxes du récit, nous proposons un certain nombre de schémas permettant d'exprimer simplement les mouvements du réel (R) et de l'irréel (I). L'acte de narration fantastique a recours à divers modes narratifs, on peut notamment s'intéresser aux encadrements de récits. Pour ce qui est de la situation narrative, elle est plus volontiers homodiégétique en France, et hétérodiégétique en Chine. Le temps de la narration pose le problème du rapport entre le temps de l'histoire et de la narration. La mise en texte fantastique fait appel aux lieux communs, aux figures et aux lieux stratégiques. Dans notre conclusion, nous risquons l'idée de l'existence de structures archétypales des récits fantastiques communes aux deux cultures.
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Rees, Agnès. "La poétique de la "vive représentation" et ses origines italiennes en France à la Renaissance." Thesis, Reims, 2011. http://www.theses.fr/2011REIML013/document.
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Chaque cadre doit contenir un résumé de 1000 caractères maximum, espaces compris. En casde dépassement, la coupure sera automatique.Le doctorant adressera son texte sous forme électronique (disquette, etc.)Pour les modalités pratiques, contactez votre bibliothèques.L'objet de la thèse est de mettre en évidence l'importance de la« vive représentation» dans le renouvellement poétique initié au milieu du siècle, autour de Ronsard et de Du Bellay, par un groupe de jeunes poètes qui se désignera comme « la Pléiade ». Dans un contexte d'émulation et de rivalité avec les arts picturaux, mais aussi avec les poésies néo-latine et italienne, la poétique de la « vive représentation » ou « vive description », expressions empruntées aux poètes et théoriciens des années 1550, est étroitement liée à la volonté d'« illustrer » et d'enrichir la langue française en valorisant le pouvoir d'expression de la poésie. Si elle constitue un héritage de l'enargeia des anciens, c'est par l'emploi de figures spécifiques, comme l'ekphrasis et l'hypotypose, et par le développement d'un langage orné que la vive représentation s'impose dans la poésie lyrique des années 1550, où elle introduit des motifs caractéristiques du style héroïque. Notre travail consiste donc à définir les enjeux et les procédés liés à cette poétique en étudiant son élaboration et sa mise en pratique dans les textes théoriques et poétiques français publiés entre 1547 et 1560, et en retraçant les origines de cette notion dans les arts poétiques et dans les traités d'art italiensThe purpose of this thesis is to emphasize the importance of "vivid description" in the poeticalrevival, which was started in the middle of the sixteenth century around Ronsard and Du Bellay by a group of young poets, who will name themselves "la Pléiade". The poetics of "vivid representation", or "vivid description", expressions borrowed from poets and theoreticians of the years around 1550, is, in a context of competition and rivalry not only with pictorial arts, but also with neolatin and italian poetry, closely bound to the wish to illustrate and enrich the french language by means of enhancing poetry's power of expression. Although vivid description represents a heritage of the energeia of the Ancients, it is by employing specifical figures of speach, such as ekphrasis and hypotyposis, and by developing a florid language, that it asserts itself in the lyrical poetry of the years 1550, where it introduces the typical patterns of heroic style. Our work consists in a definition of the issues and processes linked to this poetry by studying its elaboration and the way it was put into practice in poetical and theoretical french writings published between 1547 and 1560, and by retracing the origins of this notion to italian arts of poetry and treatises
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Langlais, Elena. "L'aurore aux doigts de santal : poétique comparée des modernités épiques en Inde et en France." Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100146/document.
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D'après plusieurs théoriciens (Lukàcs, Bakhtine, Hegel), l'épopée est incompatible avec la modernité. Pourtant, les conceptions récentes du genre laissent apparaître la possibilité d'une modernité épique. L'épopée subit néanmoins un certain nombre de transformations, conséquentes à l'évolution des mentalités. L'Inde de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle offre un terreau idéal au surgissement d'une modernité épique, puisque les auteurs sont confrontés aux bouleversements de la colonisation. Ils sont pris entre l'appartenance à une double culture (Aurobindo, Dutt), et l'affirmation de la culture indienne, bouleversée par la colonisation. Une véritable modernité indienne fait en outre son apparition à cette époque. Façonnée par l'influence occidentale, elle comporte ses propres caractéristiques, nées du contexte colonial et de la culture indienne. Il s'agit donc de comparer la modernité épique indienne avec la modernité épique française de la fin du XIXe siècle. Le Poème de l'Assassinat de Meghanāda de Michael Madhusudan Dutt (1861), Kāmāyanī de Jayśankar Prasād (1936), Savitri de Sri Aurobindo (1950) permettent de saisir différents états de cette modernité. La comparaison avec La Légende des siècles de Victor Hugo fait apparaître des spécificités indiennes, mais aussi des traits communs, afin de dégager les caractéristiques de la modernité épique de l'époque. Un véritable dialogue entre la dimension communautaire de l'épopée d'un côté, l'aspiration à l'universalité et l'introduction d'une subjectivité moderne de l'autre, émerge. La modernité transforme les figures héroïques, les rapports au groupe ou à l'espace, ainsi que la représentation du temps et de l'HistoireAccording to some scholars (Lukàcs, Bakhtine, Hegel), an epic can't be written in the modernity. Nevertheless, the recent conceptions of the genre make appear that an epic modernity is possible. They imply however that the epic undergo some changes, because of the evolution of mentalities. At the end of the XIXth Century and at the beginning of the XXth Century, India becomes an ideal field for modern epic, because the authors go through the transformations caused by colonialism. They experience the dilemma between a double culture (Aurobindo, Dutt) and the need to assert the Indian culture, undermined by colonialism. Besides, an Indian modernity appears in the meantime. Formed by the Occidental modernity, it has its own characteristics, caused by the colonial context and by the Indian culture. Our purpose is to compare the Indian epic modernity with the French epic modernity. The study The Slaying of Meghanāda by Michael Madhusudan Dutt (1861), Kāmāyanī by Jayśankar Prasād (1936), Savitri by Sri Aurobindo (1950) has allowed us to show different aspects of this modernity. By comparing these poems with La Légende des siècles by Victor Hugo, the Indian specificities appear, as do some similarities. There is a dialogue between the collective nature of the epic on the one side, the impulse to universality and the assertion of a modern subjectivity on the other side. Modernity transforms heroes, the representation of groups, of space, of time and of History
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Deslauriers, Rosaline. "Vers une poétique de l'entre-deux." Doctoral thesis, Université Laval, 2011. http://hdl.handle.net/20.500.11794/22401.
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Ling, Min. "Première rencontre poétique entre la France et la Chine : traduction et réception de la poésie classique chinoise en France au XIXème siècle." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040162.
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Si les Poésies de l’époque des Thang (1862) de Hervey-Saint-Denys est apprécié des savants et des poètes, le Livre de Jade (1867) de Judith Gautier touche les non-spécialistes et diffuse la poésie chinoise en Occident. Regardé du point de vue de la poésie classique chinoise, le Livre de Jade porte plusieurs transformations : le changement du lyrisme à la narration, la perte inévitable des images et des formes poétiques classiques chinoises. Considéré du point de vue de la poésie française du XIXème siècle, le Livre de Jade porte les grands thèmes lyriques du romantisme et manifeste les récents développements du Parnasse : son enthousiasme pour le poème en prose et son goût pour la peinture. A la fin nous prendrons à la fois le point de vue de la poésie classique chinoise et celui de la poésie romantique française. Bien que le Livre de Jade possède deux caractéristiques communes à ces deux poésies, nous n’y trouvons pas de point de rencontre idéal. Tant de différences par rapport aux poèmes originaux justifient les réticences, depuis son apparition, à considérer Le Livre de Jade comme une traduction. Nous nous proposons de considérer ce livre du point de vue de la première rencontre poétique entre la France et la Chine. A travers cette rencontre, ces deux poésies se renvoient leur image comme un miroir l’une de l’autre et, ce faisant, leur fait découvrir ce qu’elles ne voyaient pas de leur propre cultureIf Hervey-Saint-Denys’s Poésies de l’époque des Thang (1862) have touched French sinologists and men of letters, the Judith Gautier’s Livre de Jade (1867) properly initiated classical Chinese poetry into the vision of the Western reader. Seen from the perspective of classical Chinese poetry, Poésies de l’époque des Thang can be taken as a reference for the Livre de Jade about what scholars and poets have in common when translating poetry. This demonstrates the influence and limitation that the Chinese and French languages, cultures, and literary traditions exert on poetic translation. Examined from the perspective of the 19th-century French poetry on the other hand, the Livre de Jade possesses qualities of romantic themes, but it also bears Parnassian imprints in its imitation of the newly emerging prose poetry and its transplantation of ideas of painting. Besides, in analyzing the two obvious features of the Livre de Jade, namely its abundant metaphors and the omnipresence of nature, this thesis juxtaposes French romantic poetry keen on figures of speech, especially metaphor, with classical Chinese poetry immersed in its tradition of bi-xing. The above analysis reveals that the Livre de Jade is by no means translation in the strict sense of the word. However we might regard it as the first encounter between Chinese and French poetry which enables them to reflect and rediscover each other before they finally merge into one
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Negishi, Tetsuro. "Paul Claudel au Japon : rencontre diplomatique et poétique." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040026.
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Notre thèse se consacre au double aspect de Paul Claudel, grand poète français et aussi diplomate compétent, en nous limitant à l’examen de ses activités de 1921 à 1927 au Japon. Une partie importante de la recherche est consacrée à l’analyse de ses réalisations diplomatiques. Nous les envisageons dans les domaines économique, politique et culturel, en nous référant aux instructions officielles qui permettent de saisir ses missions. Nous insistons sur ses entreprises, le voyage du Gouverneur Général de l’Indochine, ainsi que la fondation des établissements français au Japon, auxquels il a consacré beaucoup d’efforts. Notre recherche visera ainsi à en rendre compte et à en dégager les caractéristiques qui témoignent autant de sa fidélité au Quai d’Orsay qu’à l’engagement de sa pensée politique dans le nouveau régime international. L’autre partie est consacrée à sa rencontre avec le Japon. Nous abordons ce sujet en trois étapes : une analyse des textes sur le séisme de 1923 qui introduit à la comparaison des textes littéraires avec ses écrits diplomatiques, ainsi qu’à son approche de la littérature japonaise, qui donnera lieu à des tentatives originales. Puis une analyse de l’écriture de ses innovations littéraires en rapport avec ses thèmes personnels. Et enfin une analyse de la forme des livres publiés au Japon, à propos de laquelle il développe une réflexion sur l’importance du support matériel du poème: un livre ou un papier faisant appel à un caractère chinois, une peinture ou une calligraphie. En bref, nous tentons de dégager ce chemin de la création claudélienne qui suit sa double vision diplomatique et poétique qu’enveloppe son intuition majeure, celle de la co-naissanceThis paper addresses the literary and diplomatic works of Paul Claudel (1868-1955), a great French poet and competent diplomat, during his stay in Japan from 1921 to 1927. The first approach is to study his economic, political and cultural efforts as French Ambassador in Tokyo and the relationship between France and Japan, by consulting the ministerial directives that inform us on the task taken up by Claudel. The focus in this part is on the major activities he directed: the Governor General of Indochina’s official visit and the foundation of two French institutions in Japan. This research clarifies the characteristics of his efforts that are not only faithful to his duties but also reflect his personal political vision in the new international system after World War I. The other approach aims at his encounter with Japan. The research is conducted from three perspectives : the first is an analysis on his works concerning the Great Kanto Earthquake in 1923, which show us not only the different style between his literary works and the diplomatic documents, but also his approach to Japanese literature. The second is an analysis of his literary innovation that originates from his personal thesis. And the final part is on the important material sources for his poetic works: books or papers with Chinese characters, pictures or calligraphy on them. In short, we define Claudel’s process of creation which stems from his diplomatic and poetic vision based on his personal philosophy of “co-naissance”
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Richard, Marie-Eve. "De la pensée sauvage à l'idéation de l'objet poétique révolutionnaire." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/29610/29610.pdf.
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Morita, Naoko. "La poétique du fantôme - Tradition et modernité du récit de fantômes en France et au Japon." Paris 7, 2000. http://www.theses.fr/2000PA070108.
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La présente étude a pour but d'analyser le rôle du personnage du fantôme dans la structure du récit, de chercher le lien entre la notion de fantôme et l'imagination littéraire, et enfin de discerner la source du plaisir de raconter des histoires de fantômes. Ces questions sont abordées à travers la comparaison entre les littératures d'Occident et d'Extrême -Orient, et plus particulièrement entre celles de la France et du Japon. Nous tentons de définir la modernité de l'histoire de fantômes de la fin du XVIIIè jusqu'au début du XXè siècle, qui donne naissance à ce que nous appelons la poétique du fantôme. La premier chapitre est consacré à une comparaison théorique des idées sur le fantôme par moyen de l'étude des vocabulaires concernant "le mort qui revient", des notions d'esprit et d'illusion, et de l'Espace et du Temps que l'homme attribue aux fantômes. Dans les deuxième et troisième chapitres, nous examinons quelques récits représentatifs de fantômes du point de vue thématique. Certains fantômes sont bienveillants : c'est une motivation bien "humaine" qui pousse ces morts à "revenir". Mais au fond peu de fantômes sont démunis de marques inquiétantes de l'autre monde. La plupart des motifs typiques comme l'annonce de la mort ou de la maison hantée, soulignent l'effroi de l'autre monde et la difficulté de la communication entre deux mondes. Dans le quatrième chapitre, nous relevons des récits de statues et peintures maudites, qui évoquent à la fois cet effroi et la nature du fantôme en tant qu'image. Le cinquième et dernier chapitre est consacré à la question de l'écriture des histoires de fantômes. Nous démontrons que l'autonomie artistique de l'histoire de fantômes est fondée à travers l'évolution de l'esprit scientifique, de la notion de la littérature, de l'art du spectacle et des médiasThis essay aims to analyse the role of the ghosts in the structures of the stories, to explore the relationship between the notion of ghost or phantom and the literary imagination, and finally to discover the origin of the pleasure of telling ghost-stories. I will approach these questions through a comparison of occidental and oriental texts, in particular of French and Japanese writings. I will try to define what I call the "poetic of the ghost", and the modernity of the ghost story from the end of the eighteenth century to the beginning of the twentieth. In the first chapter, I compare ideas of ghosts in different cultures by means of a study of vocabularies, of notions of the spirit and of illusion, and of ideas of those realms of space and time which supposedly belong to ghosts. In the second and third chapters, some representative ghost stories are analysed from the point of view of their themes. Some ghosts are benevolent and their motivation is human, though they are hardly exempt from the sinister marks of the other world. Most typical ghost-stories, such as those which feature announcements of death or haunted houses, emphasize the frightening nature of the other world and the difficulty of communication between the two worlds. In the fourth chapter, I will examine some stories about evil statues and pictures which evoke not only the horror of ghosts but also the illusory nature of phantoms. The fifth and last chapter is about the writing of ghost-stories. I will argue how the autonomy of the ghost-story as art is provided by the evolutions of science, of the notion of literature, of performance art and of the media
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Teulade, Anne. "Le théâtre hagiographique en France et en Espagne au dix-septième siècle : essai de poétique comparée." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040179.
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Cette thèse propose une étude comparative du théâtre hagiographique français et espagnol du dix-septième siècle. Dans une première partie, nous abordons les enjeux théoriques soulevés par les deux genres : l'examen des terminologies génériques, des lieux de représentation des œuvres et des discours des contemporains (théoriciens et dramaturges), nous permet de dégager les contours d'un théâtre travaillé par l'hybridité. L'association d'une vie de saint et d'une forme théâtrale apparaît contradictoire dans les deux pays. La deuxième partie présente une étude dramaturgique des œuvres ; elle montre comment les auteurs ont contourné les difficultés inhérentes à la tentative d'inscrire le saint, personnage sans passions, dans une intrigue dramatique. Les pièces peuvent être articulées autour d'un conflit entre le saint et son entourage, d'une conversion du héros lui-même, ou enfin d'une succession d'aventures qui transforment le saint en héros épique. Cette partie montre que ce théâtre emprunte de nombreux traits à la dramaturgie profane, et que les formes adoptées par les Français et les Espagnols sont moins antinomiques que les différences essentielles entre les esthétiques française et espagnole de l'époque auraient pu le suggérer. Enfin, la troisième partie s'intéresse au spectacle de la sainteté. Elle étudie comment les dramaturges se sont efforcés de faire du saint, personnage intériorisé et peu spectaculaire, un acteur qui se produit sous les yeux des autres personnages. Il ressort de cette dernière partie que ce héros spécifique, qui ne peut, de par sa perfection, susciter la crainte et la pitié préconisées par Aristote, a, en France comme en Espagne, permis d'écrire des œuvres où l'effet esthétique dominant est l'admiration. Ces œuvres singulières qui adoptent un héros peu habituel au théâtre reposent donc sur une poétique originale, que nous nous attachons à dégagerThis dissertation presents a comparative study of the French and Spanish seventeenth century hagiographic drama. The first part is devoted to the theoretical problems raised by the two genres : a study of the generic terminologies, of the places where the plays were staged, and of the way their contemporaries (theorists and playwrights) considered them thus allows us to draw the outline of an essentially hybrid theatre. Indeed, in the two countries, it seems contradictory to associate a saint's life and a theatrical form. The second part presents a dramatic analysis of the plays. We show how the authors managed to integrate the figure of the saint in a real dramatic plot despite his passionless nature. The structures of the dramas rely on a conflict between the saint and his circle, on a conversion of the hero himself, or on a series of adventures through which the saint becomes an epic hero. This part reveals that the theatrical forms created by the French and the Spanish authors are less divergent than the traditional opposition between Spanish and French aesthetics of this period suggests. Finally, the third part deals with the spectacle of saintliness. We study how the playwrights succeeded in transforming the inward and unspectacular character of the saint into a living spectacle before the other characters' eyes. Being a perfect character, this specific hero cannot arouse the fear and pity Aristotle described and generates instead works in which admiration is the prominent aesthetic effect. These works thus rely on specific poetics which this dissertation attempts to define
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Guillot, Catherine. "Histoire et poétique de l'image du théâtre en France (1600-1651) : contribution à l'histoire de l'illustration." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030155.
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Cette étude effectuée au sein de l'édition illustrée de la première moitié du XVIIème siècle montre combien les images sont le produit de nombreux facteurs susceptibles d'analyses multiples. L'édition illustrée croise plusieurs champs de force : littéraire, éditorial, politique, artistique. L'injonction première donnée par Horace dans l'Ut pictura poesis rend l'image complémentaire de l'écrit à tous les niveaux : interne et iconotextuel du frontispice, externe dans sa relation avec les éléments liminaires ou dans son rapport au texte dramatique qu'elle illustre dans un sens littéral et allégorique, visant l'édification du lecteur. Il existe en fait autant de rapports entre la peinture et la poésie (Ut pictura poesis) qu'entre la peinture et le théâtre (Ut pictura theatrum). Le parallèle s'effectue de trois façons : métaphorique (mode comparatif), esthétique (réflexions croisées entre la dramaturgie et la peinture), scénique (la scénographie s'appuie sur le modèle pictural)This study realized during the era of illustrated editing in the 17th century examines how images are the product of a number of factors suseptible to multitude of analysis. This illustrated editing crosses several fields of expertise : literary, editorial, political, artistical. The first idea given by Horace in the Ut pictura poesis enables the image to become complementary to the written material at every level : internally with the icon context of the frontispiece, externally in relation to the introductory elements or, in its link to the dramatical text that it represents, in a litteral and allegorical level that aims for the uplifting enlightenment of the reader. There exists as intimate a connection between painting and poetry (Ut pictura poesis) as there is between painting and drama (Ut pictura theatrum). The parallism is made is three ways : metaphoric (comparative mode), esthetical (crossed thoughts between drama and painting) and scenic (scenography based on pictoral models)
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Aucagne, Julie. "L'Auteur, sa vie, son oeuvre : vers une poétique de la biographie d'écrivain (France-Angleterre / 1918-1989)." Dijon, 2006. http://www.theses.fr/2006DIJOL013.
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Cavalli, Evelyne. "L'éternel féminin dans l'oeuvre poétique de Frédéric Mistral." Nice, 1998. http://www.theses.fr/1998NICE2025.
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La présente étude se propose d'approcher un thème de réflexion « l'éternel féminin », aux résonances encore actuelles, dans l'oeuvre du poète provençal qui a marqué son siècle par son génie et sa vie : Frédéric Mistral. Depuis la première strophe de Mireille jusqu'aux derniers vers des Olivades, la femme associée à la Provence traverse en l'orientant de façon décisive l'écriture mistralienne. A travers l'héroïne, envisagée dans sa beauté binaire physique et animique - le poète retrouve le destin de la langue, de la race, de la patrie. La tension d'écriture de l'oeuvre est interprétée selon des axes distincts mais qui peuvent se lire en surimpression : à l'image de la dame et de l'idéal courtois, à la rencontre de l'Ève nouvelle, sur les traces de Dante et de Pétrarque, des apparences et archétypes, l'Anglore ou le retour d'Ophélie, Mireille ou l'aventure spirituelle de la vierge rustique, amour, nature et poésie, le mariage du ciel et de l'enfer, la confrontation du bien et du mal, la part du diable et le mérite de l'héroïne. L'oeuvre est perçue sous les angles complémentaires de l'histoire, de la légende, de la religion, de la philosophie. Le travail, qui repose essentiellement sur l'analyse de texte et l'interprétation comparative, suit l'odyssée du félibre. S'inspirant de la méthode psychanalytique de Charles Mauron, le commentaire passe par les pensées freudiennes, par les archétypes jungiens, et tente de discerner le caché dans le visible. Il introduit aussi l'étude poétique de l'esprit humain à l'instar des essais bachelardiens. Il débouche sur une symbolique, acquiert une polyvalence de significations et conduit à l'unité du moi. Au terme de la recherche s'insère un aperçu de la femme dans la vie du poète. Le mythe féminin engendre une réflexion sur le message et l'actualité du barde maillanais
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Neymarck, Emmanuelle. "Maurice Ravel : une poétique de l’orchestration." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040192.
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Orchestrateur de référence du XXe siècle, Maurice Ravel, avec la Rapsodie espagnole, Daphnis et Chloé, Ma Mère l’Oye, La Valse ou encore avec l’orchestration des Tableaux d’une exposition, ne cesse de nous égarer dans des domaines sonores inattendus. Des réductions pour piano aux enseignements reçus au Conservatoire de Paris, en passant par la lecture des traités d’instrumentation et d’orchestration, Maurice Ravel apprend, dompte et confère à son orchestre une couleur unique qui le place au rang des plus grands orchestrateurs de son temps. Réalisée à partir de quinze œuvres symphoniques du compositeur, une analyse approfondie des aspects de l’instrumentation et de l’orchestration ravélienne a mis en lumière les principaux traits stylistiques de cet orchestrateur. Mais définir la poétique orchestrale de Maurice Ravel ne se limite pas à dresser un inventaire des seuls éléments techniques : c’est également comprendre le rôle et l’impact de ses transcriptions pour orchestre sur son langage et son œuvre. Les orchestrations ravéliennes sont-elles en définitive une simple parure de la version pianistique ou un moyen de créer une œuvre nouvelle ?Maurice Ravel, a reference among the 20th century composers, has always led his audience into unexpected musical fields with works such as the Rapsodie espagnole, Daphnis et Chloé, Ma Mère l’Oye, La Valse or the orchestration of the Tableaux d’une exposition. While writing piano reductions, while studying at the Conservatoire de Paris and reading treatises on instrumentation and orchestration, Maurice Ravel learned, tamed and gave his orchestra a unique tint, the tint that has made him one of the greatest composer of his time. Based on the study of fifteen of his symphonic works, a thorough analysis of the aspects of Ravelian orchestration has highlighted his main stylistic features. However defining Ravel’s poetical orchestration cannot be restricted to a mere listing of technical elements; it is also trying to understand the role and impact of his orchestra transcriptions on his language and on his work. Are Ravelian orchestrations simply an ornament of the piano version or the creation of a new work?
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Dupuis, Vincent. "La femme au théâtre. Les figures féminines et la poétique de la tragédie en France (1550-1660)." Thesis, McGill University, 2014. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=121212.
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This thesis focuses on the female characters of the tragedy since the genre's rebirth in the mid-sixteenth century until the 1660s, and more specifically on how they are involved in the constitution of the poetics of tragedy. It is striking that the tragedy of the classical period stages mainly female subjects. From 1552, the date of the composition of Jodelle's Cléopâtre captive, until the end of the next century, there are no less than five versions of the story of this Egyptian queen. Sophonisbe, a character now largely forgotten, is probably one of the most important figures of the tragic corpus: she is the subject of more than seven tragedies written between 1559 and 1663, including the plays of famous dramatists like Mairet and Corneille. This phenomenon is highly significant. It reveals that some female figures naturally agree with the poetics of tragedy, that the forms and the representations of "feminity", by some kind of mimicry, correspond to the playwright's conceptions of the tragic spectacle. More specifically, the relationship between the woman and the tragedy falls into three categories: aesthetic, ethical, political. The first category relates to issues of representation ; the second, to the feminine traits ; the last, to the civilizing role of both women and the theatre. Furthermore, because they repeat at various times in its history the tragedy's fundamental principles, the heroines of the tragic stage rely on self-reflexivity. More than just characters, they concern the very nature of theatre : is through them that the theatre - the tragedy - is conceived and thought.Cette thèse porte sur les personnages féminins de la tragédie depuis sa renaissance au milieu du XVIe siècle jusque dans les années 1660, et plus spécifiquement sur la façon dont ils interviennent dans la constitution de la poétique tragique. Il est frappant de constater que la tragédie de l'âge classique privilégie majoritairement des sujets féminins. De 1553, date de création de la Cléopâtre captive de Jodelle, jusqu'à la fin du siècle suivant, on ne compte pas moins de cinq versions de l'histoire de cette reine égyptienne. Sophonisbe, personnage aujourd'hui oublié, est sans doute l'une des figures les plus importantes du corpus tragique : elle est le sujet de plus de sept tragédies entre 1559 et 1663, parmi lesquelles se trouvent des pièces de dramaturges aussi célèbres que Mairet et Corneille. Ce phénomène s'avère hautement significatif. Il révèle que certaines figures féminines s'accordent naturellement à la poétique de la tragédie, que les formes et les représentations du « féminin », par une sorte de mimétisme, correspondent à l'idée que se font les dramaturges du spectacle tragique. Plus spécifiquement, les liens entre la femme et la tragédie sont de trois natures : esthétique, éthique, politique. La première catégorie concerne les questions de représentation ; la seconde, les caractères du héros ; la dernière, le rôle civilisateur du théâtre de la femme. Aussi, parce qu'elles redoublent à divers moments de son histoire les principes fondamentaux de la poétique tragique, les héroïnes de la tragédie obéissent à un principe d'autoréflexivité. Plus que de simples protagonistes, elles concernent la nature même du théâtre ; c'est au travers d'elles que le théâtre – la tragédie – se conçoit et se réfléchit.
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Alduy, Cécile. "Les "Amours" en France : poétique et génèse d'un genre français nouveau (1544-1560) : le leurre de l'unité." Reims, 2003. http://www.theses.fr/2003REIML008.
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De 1544 à 1560, la vogue du recueil amoureux pétrarquien signe la naissance d'un véritable genre, doté d'une poétique propre, les "Amours". De Délie de Scève (1544) à L'Olive de Du Bellay (1549) et aux diverses Amours de Ronsard (1552-1560), ces recueils se distinguent par leur aspiration à l'unité, qui contrebalance la nature composite et fragmentée du recueil par une disposition rhétorique minutieuse. Du modèle explicite, Pétrarque, aux sources inavouées (anthologies vénitiennes, Marot), la généalogie du genre souligne la nouveauté d'un projet qui, malgré son importation d'Italie, impose une poétique de la variation spécifiquement française. La genèse des œuvres est ensuite analysée à travers leurs éditions successives. Enfin, la poétique des recueils montre comment ils se structurent et ce qu'ils signifient à travers les tensions qu'implique leur forme paradoxale, une et discontinue, exploitée au profit d'un projet collectif de "Défense et Illustration de la langue française"With the success of petrarchan sonnet sequences such as Délie by Scève (1544), L'Olive by Du Bellay (1549) or the Amours by Ronsard (1552-1560), a new genre is born between 1544 and 1560: the "Amours". These works differ from other poetic collections of the time by their strong longing for formal, lyrical, stylistic and thematic unity, achieved thanks to a minute rhetorical dispositio. From their explicit model, Petrarch, to hidden sources (Venetian anthologies, Marot), the genealogy of this genre exposes the novelty of a platform that, in spite of its Italian origins, imposes a specifically French poetics of variation. The genesis of the works is then analyzed through a comparison of their successive editions. Finally, the poetics of the sonnet sequences shows how they are structured and what they signify through the tensions of their paradoxical form, at once unified and discontinuous, exploited in favor of a collective agenda, that of "Defense and Illustration of the French Tongue"
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Campanella, Casas Lucia. "Poétique de la domestique en France et au Río de la Plata, de 1850 à nos jours." Thesis, Perpignan, 2016. http://www.theses.fr/2016PERP0023/document.
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La recherche se focalise sur l’étude d’un corpus composé d’œuvres littéraires françaises et de la région du Río de la Plata (Amérique du Sud), qui vont de la seconde moitié du XIXe siècle jusqu’à 2015. L’étude s’appuie aussi sur l’analyse d’images iconographiques, pour analyser l’image du personnage de l’employée domestique qui se dégage dans la convergence entre la littérature et les arts plastiques. Dans une perspective comparatiste, le travail explore les formes de la représentation de cette figure d’un point de vue stylistique, thématique et politique. Les contiguïtés entre les deux corpus nationaux montrent non seulement l’existence d’une dynamique d’échanges entre le Río de la Plata et la France en ce qui concerne les débats esthétiques et politiques, mais aussi l’existence d’un partage du sensible commun. L’étude établit une périodisation des modes de représentation du personnage, depuis son accès au rôle principal, à travers l’analyse de la construction littéraire de sa voix, de son parcours de vie, de son intimité et du regard qu’il porte sur le monde. Cette recherche se fonde sur la conviction que la domesticité est un fait social total, dont l’analyse mène à une radicale interrogation ontologique. Cela marque de son empreinte le personnage et les rapports qui se tissent autour de lui et résulte dans sa puissance politique, dont les auteurs se sont emparés. Finalement, et suivant une tradition d’études qui se font sur la longue durée et en prenant compte d’une certaine « transnationalisation » de la figure, nous entendons encourager l’étude de la domestique dans le domaine de la littérature comparéeThis research focuses on the study of a corpus composed of French literary works, as well as those from the Latin American region of Río de la Plata, ranging from the mid-nineteenth century to the year 2015. The study is also based on the analysis of some iconographic images, in order to analyse the image of the housemaid’s character that emerges in the convergence between literature and visual arts. From a comparative perspective, the work explores the forms which represent this figure from a stylistic, thematic and political point of view. Adjacencies between the two national corpora show not only the existence of exchanges between the Río de la Plata and France regarding the aesthetic and political debate, but also the existence of a common distribution of the sensible. The study establishes a periodization of the character representation modes, from the character’s access to the main role, through to the analysis of the literary construction of her voice, her course of life, her intimacy and the view she has of the world. This research is based on the belief that domestic service is a total social fact, whose analysis leads to “a radical ontological questioning”. This leaves a mark on the character and on the plot that develops around her. As a result, the authors capture an image of political power. Following on from a tradition of studies that are made in the long term and also taking into account a certain "trans-nationalisation" of the character, we intend to promote the study of housemaids and domestic service in the field of comparative literature
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CAMPANELLA, CASAS Lucia. "Poétique de la domestique en France et au Río de la Plata, de 1850 à nos jours." Doctoral thesis, Università degli studi di Bergamo, 2016. http://hdl.handle.net/10446/79148.
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La recherche se focalise sur l’étude d’un corpus composé d’oeuvres littéraires françaises et de la région du Río de la Plata (Amérique du Sud), qui vont de la seconde moitié du XIXe siècle jusqu’à 2015. L’étude s’appuie aussi sur l’analyse d’images iconographiques, pour analyser l’image du personnage de l’employée domestique qui se dégage dans la convergence entre la littérature et les arts plastiques. Dans une perspective comparatiste, le travail explore les formes de la représentation de cette figure d’un point de vue stylistique, thématique et politique. Les contiguïtés entre les deux corpus nationaux montrent non seulement l’existence d’une dynamique d’échanges entre le Río de la Plata et la France en ce qui concerne les débats esthétiques et politiques, mais aussi l’existence d’un partage du sensible commun. L’étude établit une périodisation des modes de représentation du personnage, depuis son accès au rôle principal, à travers l’analyse de la construction littéraire de sa voix, de son parcours de vie, de son intimité et du regard qu’il porte sur le monde. Cette recherche se fonde sur la conviction que la domesticité est un fait social total, dont l’analyse mène à une radicale interrogation ontologique. Cela marque de son empreinte le personnage et les rapports qui se tissent autour de lui et résulte dans sa puissance politique, dont les auteurs se sont emparés. Finalement, et suivant une tradition d’études qui se font sur la longue durée et en prenant compte d’une certaine « transnationalisation » de la figure, nous entendons encourager l’étude de la domestique dans le domaine de la littérature comparée.
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Avocat, Éric. "La Révolution française comme tragédie : une culture politique à la lumière de la poétique et de la dramaturgie." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082657.
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La mémoire historique a enregistré une affinité essentielle entre la Révolution française et le drame tragique. Témoins et commentateurs soulignent les analogies entre les enjeux de l'événement et la structure des sujets tragiques : le régicide et le "surgissement de la violence au sein des alliances" (Aristote). On cherchera à démonter les mécanismes de ces représentations partagées. La rhétorique des acteurs de l’événement puise dans la poétique tragique pour légitimer un ordre politique d'exception, la Terreur. Mais la référence nourrit aussi, par sa puissance critique, la dynamique du conflit politique. Ce travail recueille les échos de la mémoire culturelle de la tragédie sur la scène oratoire de la Convention, dans la littérature de fiction (Hugo, A. France, Vigny, R. Rolland), et dans l’historiographie (Michelet, Aulard). Comment penser les paradoxes de la démocratie dans le moment de sa crise fondatrice, au moyen de « la tragédie comme art politique » (Ch. Meier)?Historical memory has recorded an essential similarity between the French Revolution and tragic drama. Witnesses and commentators have underlined the analogies between the stakes of the event and the structure of tragic topics : regicide and the ‘sudden appearance of violence amidst the alliances’(Aristotle). The mecanisms of such representations shall be exposed. The rhetoric of the revolutionary actors draws on tragic poetics to justify an exceptional political order, the Reign of Terror. But through its critical force, such a reference also nourishes the dynamic of political conflict. This work surveys and highlights the echoes of the cultural memory of tragedy on the oratory stage of the Convention, in fictional literature (Hugo, A. France, Vigny, R. Rolland) and in historiography (Michelet, Aulard). How to apprehend the paradoxes of democracy at the very time of its founding crisis, thanks to “tragedy as a political art” (Ch. Meier) ?
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Guichon, Jean-Philippe. "André Rolland de Renéville critique et théoricien : sources et développements d'une poétique." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040134.
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Né en 1903 et mort en 1962, André Rolland de Renéville a construit son œuvre autour d'un noyau de convictions métaphysiques irréductibles dont il a cherché la vérification dans les prestiges de l'Orient, dans les sciences occultes et surtout chez les poètes. De ces convictions, Rimbaud le Voyant, écrit en 1927, constitue le premier terrain d'expression. Par ses thèmes et par ses méthodes, l'ouvrage annonce les deux orientations majeures de la carrière littéraire suivie par Renéville. Ce dernier apparaît d'abord comme un spécialiste de la critique et de l'œuvre rimbaldienne. Mais il est aussi un théoricien qui poursuit l'approfondissement de ses convictions métaphysiques à travers l'aventure collective du Grand Jeu et dans ses compte rendus de lecture. Sa réflexion s'attache alors avant tout à interroger la nature des relations unissant mystique et poésie. Cette question, dont Renéville a déterminé les termes et posé les enjeux dans L'Expérience poétique, s'inscrit dans une réflexion sur l'essence du langage et le sens de la destinée humaine qui assigne au geste d'écrire un horizon prométhéen : reconquérir l'homme dans un dépassement de l'humainBorn in 1903 and deceased in 1962, André Rolland de Renéville wrote his work around a central core of irreductible metaphysical convictions whose verification he searched for in the magic of the Orient, the occult sciences, and, most of all, in the reading of the poets. Rimbaud le Voyant, written in 1927, is the first expression of these convictions. By its themes and its method, this work announces the two major orientations of the literary career of Renéville. He appears at first to be in fact an expert and a critique of Rimbaud. But he is also a theoritician who pursues his metaphysical convictions through the collective journey of Le Grand Jeu as well as in his books reviews. His reflection essentially articulates itself around the dominant question of the critics of this period, that of the nature of the relation between the mystical and the poetic. This question whose stakes and terms were determined by Renéville in L'Expérience poétique participates in a reflection on the essence of language and the meaning of human destiny that assigns to the act of writing a promethean horizon : reconquer man who dares to confront the odds
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Nzondo, Léonard. "La poétique romanesque de Michel Rio : essai sur l'oeuvre romanesque de Michel Rio." Clermont-Ferrand 2, 2003. http://www.theses.fr/2003CLF20014.
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Distante des modes et des courants majoritaires, l'oeuvre romanesque de Michel Rio se situe entre la littérature et la philosophie, l'art et la science. Cette thèse donne les moyens de pratiquer une lecture ouverte de cette oeuvre, ouverte à ses enjeux théoriques et aux thèmes (art, érotisme, dandysme, mélancolie, mort) qui la structurent. En débordant le champ littéraire spécifique, en opérant des rapprochements interdisciplinaires, l'oeuvre de Michel Rio revisite un rêve fondateur de la littérature, celui de l'unité du savoir. Cette oeuvre déploie un vaste et complexe système de personnages récurrents et fait de la description une composante textuelle essentielle. L'oeuvre de Michel Rio revisite également la légende arthurienne à travers la réécriture du mythe de Merlin, Morgane et Arthur. Cette réappropriation de la légende arthurienne opère un décalage historique ; elle transplante la légende dans la Bretagne du IVe et Ve siècle et non pas au XIIe siècle comme le veut la tradition littéraire. Cette libre réécriture confère à la légende une dimension poétique nouvelleFar to the fashions and the main trends, the Michel Rio's romanesque work takes place among literature and philosophy, art and science. This doctoral thesis gives the means to achieve an open reading of this work, careful to its theorical stokes and its topics (art, eroticism, dandysm, melancholy, death). Overstepping the field of literature, working about interdisciplinary approaches, Michel Rio's romance rexamine a founding dream of literature. Michel Rio's work also reconsider the arthurian legend through the rewriting of Merlin, Morgan and Arthur's Myth. This appropriation bring forward Arthur's legend in the history. It transposes the legend in the Brittany of the IVth and the Vth century and not the XII one, as usual in literary tradition. This free analysis givens an new poetic dimension to the legend
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Sintichakis-Placas, Marie. "L'image poétique dans la poésie symboliste du XIXe siècle : Paul Verlaine." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040242.
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L'œuvre verlainienne a déjà fait l'objet de nombreuses études littéraires. La visée de ce travail est l'étude stylistique des images dans le but de montrer l’originalité de l'esthétique verlainienne. Le traitement du langage figure permet des évaluations expressives appuyées sur les formes dominantes des images. La classification thématique révèle les pôles majeurs de l'univers du poète. L'étude des images se concentre sur le mode de production de la figure, son fonctionnement et sur les valeurs connotatives évoquées. On essaye en même temps de montrer l'évolution de l'esthétique des images à travers les recueils et leurs variantes dans le même recueil. La confrontation parallèle avec les images d'autres poètes du même courant essaie de montrer la particularité du langage verlainien dans la constellation symboliste. Elle met en lumière des affinités et des nuances communes qui unissent les symbolistes dans leur volonté de créer des correspondances entre l'univers sensible et l'âme. Apres une approche théorique de l'"image poétique" on aborde les figures reparties en domaines différents selon leur aspect sensible, concret ou abstrait. L’étude débute par les éléments sensibles des domaines terrestre, liquide, aérien, cosmique et lumineux, elle continue par les figures humaines et termine par les réalités abstraitesThe works of Verlaine have constituted the object of numerous literary studies. The aim of this project is to study Verlaine’s imagery from a stylistic viewpoint, in order to demonstrate the originality of the poet's aesthetic concept. The use of figurative diction allows for expressive evaluations based on dominant forms of verlainian imagery. The thematic classification reveals the major poles of the poet's universe. The study of imagery is centered around the way figures are produced and their function, as well as on the evoked values of connotation. At the same time, an effort is made to manifest the evolution of the aesthetic dimension of images across Verlaine’s poetic collections and their variants in each of the collections individually. The parallel confrontation with the imagery created by other poets belonging to the same group as Verlaine is aimed towards a demonstration of the particularity of the poet's language within the constellation of symbolism. Its self-proposed target is to bring to light the common affinities and nuances uniting all symbolists in their desire to create corresponding links between the "sensible" universe and the human soul. After a theoretical approach of the "poetic image", the figures are categorized into different domains, according to their "sensible" aspect, concrete or abstract. First are studied the "sensible" elements of the terrestrial, aerial, cosmic, liquid or luminous domains, then the human forms and finally the abstract realities
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Anger, Violaine. "Musique et langage : contribution à une poétique du mot chanté en français de Rousseau à Mallarmé." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081465.
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Sur l'ensemble du xixe siecle deux constats paralleles peuvent etre faits : d'une part, la metaphore musicale prend une place de plus en plus importante dans la maniere qu'ont les poetes de se referer a leur art ; du point de vue des musiciens, bien que l'air reste important, la difference entre parole et chant tend a etre gommee. D'autre part, on assiste dans les deux domaines a une evolution de la sensibilite metrique et intonative quelles sont les grandes etapes de cette evolution? il faut proceder par sondage, a des periodes choisies. La notion d'accent tonique s'avere centrale, car point de rencontre entre metre et intonation, entre musique et langue. Elle apparait comme une sorte de "lieu musical du langage", autour duquel s'organisent des notions plus obscures, comme celle de "sens". L'histoire croisee de la musique et de la langue se joue autour d'une double dissociation : dissociation entre rythme et mesure, entre vers et unite syntaxique. Tout en s'operant au nom de la nature unitaire de la langue et de la musique, le parallelisme de ces deux mouvements de fluidification met en evidence un divorce entre les deux instances. Les deux bornes retenues, rousseau et mallarme, sont considerees dans leur continuite et dans leur opposition. Rousseau attribue une origine commune a la langue et a la musique, en deca de l'articulation et de l'harmonie, union qui contient le geste physique, et qui est le lieu du sens, l'evolution, introduisant articulation et harmonie, marque la perte de sens, et l'inadequation insurmontable entre languge et musique a l'oppose, mallarme peut apparaitre comme celui qui tire les consequences ultimes de l'impossibilite a trouver une continuite reelle entre langue et musique, en affirmant leur difference, tout en travaillant a partir de cette idee de musicalisation de la langue, et de conception de la musique comme un langage autonomeIn the xixth century, music and language have a cross history : rousseau and mallarme, meyerbeer and debussy can be considered as departure and terminus, theoretically as well as in the artistic realizations
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Baude, Jeanne-Marie. "Création poétique et création romanesque dans l'oeuvre de Georges-Emmanuel Clancier." Rouen, 1994. http://www.theses.fr/1995ROUEL214.
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Cette thèse a pour but d'éclairer la démarche créative de Georges-Emmanuel Clancier, qui ne cesse d'osciller entre poésie et roman. L'évolution de la littérature française depuis le début du XIXème siècle a établi entre ces deux genres littéraires une dichotomie contestée par G. -E. Clancier dans son œuvre critique et sur laquelle il convient d'abord de s'interroger avant d'analyser la façon dont la thématique propre à l'auteur s'informe, en les informant, dans le poème ou dans le roman. L'étude de la mémoire légendaire et du moi hanté montre que l'élaboration romanesque féconde la création poétique et alimente un lyrisme pluriel. La peinture de la société occupe une place essentielle dans les romans qui tendent vers un "réalisme poétique"; la poésie, elle, en présence des drames de l'histoire, se fait cri d'indignation ou élan d'espoir. La dynamique de l'œuvre repose sur l'idée d'une promesse qui oriente le destin des personnages romanesques mais aussi l'interrogation génératrice du poème. L'écriture a une fonction salvatrice : le roman veut surtout capter le rythme des vies humaines et le langage s'y tient en retrait, alors que l'écriture poétique, placée dans le double éclairage de Narcisse et d'Orphée, s'engage, sous des formes multiples (allant d'un lyrisme marqué par une poétique de l'incertitude au jeu avec des contraintes créatrices), dans l'aventure du langage et l'exploration du silenceThe thesis deals with Georges-Emmanuel Clancier's creative process, which oscillates between poetry and fiction. His critical writings will be examined first, with the way he challenges the poetry fiction dichotomy established by the development of french literature since the beginning of the XIXth century. Then, the way his personal themes come to life in poetry and fiction as well as the way they inform those two genres will be analyzed. The study of the memory of legends and of the haunted self shows that poetic creation originates in fiction-writing, which also strengthens a multifaceted lyricism. The painting of society occupies an essential part of the novels leaning towards "poetic realism". When it faces the tragedies of history, poetry becomes a scream of indignation or a wave of hope. The dynamic principle of G. -E. Clancier's writings rests on a promise that gives the destiny of the fictional characters as well as the questioning that generates the poem their particular approach. The writing has a saving function : language is held in check in the novels, which capture the rhythm of human life, whereas poetic writing, poised between the two illuminating images of narcissus and orpheus, plunges into the adventure of language and the exploration of silence, using multiple devices, ranging from a type of lyricism tinged with the poetics of uncertainty to the playful use of creative constraints
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Bianco, Jean-François. "La poétique de l'expérience dans l'œuvre de Diderot ou les aventures de l'idéal." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040197.
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Ce travail cherche à établir la valeur philosophique, épistémologique et littéraire de l'expérience chez Diderot. Il s'efforce de déterminer la fonction de cette notion, de distinguer et d'articuler ses différents sens, de la mettre en évidence dans le texte en la confrontant à un corrélat révélateur, l'idéal. L'expérience permet une triple critique. Dans le domaine philosophique, d'abord, elle sert surtout à la réfutation de l'idéalisme et d'un certain scepticisme. Diderot remplace le pyrrhonisme de la raison et le solipsisme idéaliste par un scepticisme matérialiste de la recherche et par un nouvel idéalisme de l'écriture. Ensuite dans le contexte épistémologique, l'expérience, flambeau de la critique, devient aussi l'objet même de la discussion. Enfin dans l'ordre rhétorique, l'expérience, qu'elle soit expérimentation scientifique ou rencontre philosophique, entre dans le jeu du texte et de l'argumentation. Il s'agit ici d'observer comment l'expérience montre et comment elle se montre dans le style. Diderot ne se contente pas d'une philosophie de la sensation passive, il la complète par une pensée de l'activité expérimentale. On la suit dans la correspondance où Diderot élabore une écriture de la maladie qui conjugue le regard médical et la sensibilité du malade. On la perçoit dans la confrontation de Diderot à l'utopie quand il s'agit de penser l'homme entre nature et histoire. On la voit enfin dans l'orbite de l'esthétique, où l'expérience se lie au « modèle idéal » dans un dialogue difficile mais fructueux. Diderot est à la fois ancien et moderne car il exprime l'expérience « de la vie » tout en pratiquant l'expérimentation littéraire. Il accueille le réel, y compris dans sa folie, tout en gardant confiance en la raison. Sa poétique de l'expérience est une poétique ouverte de la rencontre et du passage qui explique en partie la résonance actuelle du philosophe.