Дисертації: "Poétique – 19e siècle"

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Vallas, Jean-Louis. "L'œuvre poétique d'Auguste Angellier." Paris 10, 1986. http://www.theses.fr/1986PA100079.

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2

Dionne, Ugo. "La voie aux chapitres : poétique de la disposition romanesque, 1650-1870." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030020.

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Анотація:

L'objet de ce travail est la disposition romanesque - c'est-à-dire le découpage, l'organisation physique, la segmentation matérielle du roman. Il se concentre sur la fiction en prose d'Ancien régime, celle des XVIIe et XVIIIe siècles, qu'il " déborde " parfois, en amont (vers le Moyen âge et la Renaissance) comme en aval (vers le premier XIXe). Il s'agit d'un essai de poétique historique, qui cherche à concilier les préoccupations typologiques de la poétique avec une analyse des textes réels, restitués dans leurs régimes et leurs contextes. En plus du dispositif lui-même (la segmentation du roman, de l'opus), le domaine de la disposition est composé de l'archidispositif, où l'œuvre unitaire devient à son tour simple " chapitre " d'un ensemble plus vaste (comme le cycle ou la séquence) ; du paradispositif, que génère la publication d'un ouvrage en livraisons périodiques ; et du quasidispositif, découpage " concurrent ", que nous étudions dans ses trois principaux avatars, le recueil, l'anthologisme romanesque et le roman mimétique. .
The subject of this dissertation is the disposition, the physical and material organization of the novel. Our main focus is on seventeenth- and eighteenth-century prose fiction, but we occasionnally overstep these boundaries, by discussing works of the Middle Ages, the Renaissance or the (early) nineteenth century. What we hope to establish is a historical poetics of novelistic division, where the formalist tendencies of traditional structural poetics are counterbalanced by an unremitting stress on " real " texts and novels, considered in all their historical specificity. The domain of the disposition include four different phenomena. There is the dispositif, the way a novel is divided into parts, books and chapters ; but there is also the archidispositif, where the single work (the opus) is federated in a larger ensemble (like the cycle or the sequence) ; the paradispositif, which appears when a novel is published in serial form ; and the quasidispositif, which occupies the same space as the dispositif (the volume), and appears in three main kinds : the collection, the anthological novel, and mimetic fiction. .

3

Terrier, Agnès. "L'opéra français et la modernité poétique au tournant du XXe siècle." Paris 12, 2002. http://www.theses.fr/2002PA120047.

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Анотація:

A la fin du XIXe siècle, le contexte culturel français investit l'art lyrique de nouveaux enjeux. Wagner fascine mais stimule une réaction nationaliste. Comme les musiciens se sont rapprochés des poètes à la faveur de l'épanouissement de la mélodie, certains recherchent la formule d'un art lyrique français dans le langage poétique et remettent en question le livret d'opéra traditionnel. Les Parnassiens Mendès et Saint-Sae͏̈ns veulent faire triompher la poésie au théâtre lyrique. Des musiciens indépendants (Holmès, d'Indy, Chausson, Magnard, Charpentier) s'approprient l'élaboration du livret. Le librettiste Gallet modernise son style pour Massenet. Bruneau, Debussy et Dukas cherchent dans la prose rythmée de Zola et Maeterlinck suggestion symboliste et libération orchestrale. Le théâtre lyrique rend possible la constitution d'un langage personnel à l'intersection du verbal et du musical. La Belle Epoque marque ainsi les retrouvailles du musicien avec la langue littéraire
At the end of the 19th century, the cultural context in France provides new challenges for the lyric art. The fascination for Wagner is linked to a nationalist feeling of rivalry. As musicians become closer to poets, thanks to the developement of melody, some of them look for a model for French lyric art in poetry and revisite the traditional opera libretto. The "Parnassians" Mendès and Saint-Sae͏̈ns want to promote poetry in the lyric theater. Independent musicians (Holmès, d'Indy, Chausson, Magnard, Charpentier) become authors of their own librettos. The librettist Gallet modernizes his style for Massenet. Bruneau, Debussy and Dukas look for the symbolist suggestion and a means of orchestral freedom in the rhythmed prose of Zola and Maeterlinck. .

4

Letourneux, Matthieu. "Poétique du roman d'aventures entre civilisation et sauvagerie : 1860-1920." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040180.

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Анотація:

Le roman d'aventures est un genre fictionnel majeur des XIXe et XXe siècles dans la plupart des pays occidentaux où, malgré les spécificités nationales, se dessinent des propriétés communes qui l'inscrivent dans la tradition du "romance" : organisation des événements violents selon le couple des mésaventures et de l'Aventure qui fournit au genre forme et thèmes, et importance du dépaysement. Le roman d'aventures se situe au croisement d'autres genres romanesques, dont il se distingue par son usage particulier de l'événement aventureux et du dépaysement. Il détermine un espace imaginaire confrontant les valeurs de la civilisation (société, ordre, loi, raison) et de la sauvagerie (nature, force, énergie vitale, chaos) dans une dialectique indépassable. Le genre, pour faire jouer sur un plan différent ces valeurs antagonistes, développe une esthétique de la mauvaise foi, évacuant la sauvagerie par le manichéisme, l'irréalisme du récit, ou une rhétorique de la dénégation
The romance of adventure was a major popular genre during the XIXth and XXth centuries in western countries where, despite national specificities, some common properties clearly appeared, belonging to the romance tradition : violent events organized according to the structure of misadventures and Adventure, which provides its shape and themes, and exotism. .

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Juneau, Véronique. "Poétique et fictionnalisation du reportage de guerre sous le Second Empire." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28645/28645.pdf.

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6

Scepi, Henri. "Sujet et langage : contribution à la poétique de Jules laforgue (1860-1887)." Clermont-Ferrand 2, 1996. http://www.theses.fr/1996CLF20097.

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Анотація:

Tout entière placée sous le signe d'une inlassable quête de l'originalité, et affiliée aux principes recteurs d'une esthétique d'inspiration philosophique et scientifique, l'oeuvre poétique de Laforgue vaut avant tout par son aptitude à poser le sujet créateur dans une situation critique par rapport à la question du langage et au problème subséquent de l'expression. En effet, réfutant une à une les thèses qui affirment dogmatiquement le primat de la clarté, du bon goût et du beau temporel, Laforgue avance l'hypothèse d'une esthétique en devenir qui inscrit au centre de ses préoccupations la nécessité d'inventer une langue idiosyncratique. Certes, une telle postulation rejoint l'impératif de modernité de la génération "décadente" mais elle recoupe aussi le champ de la théorie linguistique du 19e, laquelle s'emploie à problématiser, selon 2 axes distincts, la position du sujet parlant dans l'épaisseur de la langue. Aussi, sa démarche poétique reflète-t-elle 2 postures apparemment contradictoires : d'une part est revendiqué le droit à la subjectivité plénière et à l'autonomie poétique, principes ordonnateurs du discours ; d'autre part, un large crédit est accordé aux doctrines, héritières de Darwin et prolongées par Hartmann, qui asservissent le sujet à l'hégémonie d'une évolution qui le transcende et le dépasse. Mais ces 2 perspectives trouvent à se concilier dans l'élaboration d'une poétique qui entend s'enrichir des apports et des accidents de l'empire comme de l'incessant mouvement de la vie. Dès lors, le discours individuel circonscrit le milieu d'une rupture et assigne à la parole une fonction radicale de contestation qui met en péril aussi bien les poncifs et les conventions du langage poétique que les structures inertes de la langue. C'est donc à l'examen des conditions de possibilité d'un style, à une époque donnée, que nous invite l'oeuvre poétique de Laforgue
Entirely placed under the sign of the never-ending quest for originality, and subordinated to the principles of a philosophically and scientifically jointed aesthetics, jules laforgue's poetic work is first and foremost remarkable for its capacity to place the creative subject in the position of a critic in front of the issue of language and henceforth that of expression. Indeed, denying one after the other all the thesis which dogmatically promote clarity of expression and good taste as well as the timeless beautiful, laforgue ventures the hypothesis of an aesthetics in the making which focusses on the absolute need to develop an idiosyncratic speech. Of course, such a position merges with the imperative of modernity launched by the "decadent" generation; but it also comes across the field of the linguistic theory of the 19 th century, which tends to problematise, according to two different axes, the position of the speaking subject within language. Thus laforgue's poetic stance reflects two apparently contradictory positions: on the one hand, the right to total subjectivity and poetic autonomy is claimed, as principles ordering discourse; on the other hand, a large part is devoted to the doctrines, inherited from darwin and prolonged by hartmann, which subordinate the subject to the hegemony of an evolution which transcends him. But those two perspectives merge in the achievement of a poetics which purports to include the accidents of enpiricism as well as the unceasing movement of life. Thereof, individual discourse circumscrites the locus of a rupture and ascribes to speech a radical function which both deconstructs the cliches and conventions of poetic medium and the lifeless structures of language

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Diong, Maneume. "Aventures et avatars de la modernité poétique : de Baudelaire , Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy." Tours, 2004. http://www.theses.fr/2004TOUR2001.

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Cette thèse est une approche linéaire de la modernité poétique qui n'en est pas une. Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy nous proposent chacun des cheminements différents. Ce sont ces différences qui actualisent leurs poésies et les inscrivent sous la bannière de poètes modernes. En les étudiant, on aboutit à une sorte de parcours poétique à deux vitesses : une modernité du sacré et de Mallarmé qui donne la préférence au signifiant. Breton, quant à lui, assigne une autre mission à la poésie : c'est la quête de l'irrationnel comme moteur de sa création dans la mesure òù il permet d'arriver à une passivité de la conscience pour que l'écrivain se libére des contraintes de la morale puritaine. Avec Bonnefoy, c'est une incessante lutte avec le langage poétique. Pour lui, la poésie, c'est l'affirmation de l'existence de la dérive, du vivre sur l'écrire, en un mot de la recherche du sens sur le plaisir illusoire de la dérive des signifiants, parce que les vrais lieux poétiques sont du côté de la présence, c'est-à-dire de l'existence vécue.

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Karpouzou, Panagiota K. "La poétique de l'ironie dans la nouvelle du XIXe siècle." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030089.

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L'objectif de cette thèse est l'élaboration d'une poétique du discours ironique dans la nouvelle et le recueil du XIXe siècle, valable également pour tout texte littéraire. Notre recherche s'appuie sur un corpus de nouvelles classiques de la littérature anglophone (T. Hardy, H. Melville, E. A. Poe), française (G. De Maupassant, P. Merimée, A. De Villiers de l'Isle-Adam) et grecque (A. Papadiamantis, G. Vizyenos) du XIXe. .
The aim of the present thesis is the elaboration of a poetics of ironic discourse in short stories and short story collections of the 19th c. , a poetics also applicable to any literary text in general. Our research is based on a corpus of classic short stories from Anglophone (T. Hardy, H. Melville, E. A. Poe), french (G. De Maupassant, P. Merimée, A. De Villiers de l'Isle Adam) and Greek (A. Papadiamantis, G. Vizyenos) literature

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Bacard, Haloul. "Poétique de la langue française chez Remy de Gourmont." Paris 8, 2011. http://octaviana.fr/document/160871034#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Une poétique interroge une pratique du discours, qui est le langage en fonctionnement situé. Dans cette perspective, nous nous demandons comment l’invention par Remy de Gourmont de son langage critique et poétique devient une valeur dans la littérature et la culture françaises. Remy de Gourmont est un sujet critique, qui ne perd jamais de vue sa double condition de Français et symboliste, laquelle n'est jamais une attitude de critique nationaliste ou partisane. Pour l'art comme désintéressement, pour la discussion immédiate ou ultérieure des idées, Remy de Gourmont invente, en faisant avancer la critique, le français et sa littérature ; sa méthode dissociative ayant pour principal enjeu de découvrir ou restaurer la valeur de l’effort littéraire en démontant les lieux communs et les stéréotypes qui empêchent de le voir. Cette critique nouvelle des idées, qui est chaque fois une invention du discours, est indissociable, dans sa pratique poétique même, d'une attention au symbolisme, et, chaque fois, à la langue. D'où un vers libre original ayant la capacité de faire voir et entendre ce que le poète fait au langage ordinaire, c’est-à-dire aux mots de tous les jours. Le poème devient ainsi un poste d’observation d’une historicité du langage. Il montre notamment un sentiment de la langue française, qui est cette poétique-même, et que Remy de Gourmont a d’abord créé, puis travaillé à rendre personnel et individuel, autant que l’art symboliste libre qui l’inclut dans la généralité des individualités discursives
Poetics questions a practice of the speech as a manner of language. From this point of view, we wonder how Remy de Gourmont's new critical and poetic language becomes a value in the french literature and culture. Remy de Gourmont, as an original critic, never loses sight of its double French and Symbolist condition, which is never a partisan or a nationalist attitude of criticism. Defending art as disinterestedness, exhibiting the immediate or later discussion of the ideas, Remy de Gourmont creates its dissociating method to put criticism, french and its literature forward. This critical principle has main purpose to discover or restore the value of the literary effort by seeking to reject the "lieux communs" and the "clichés" which cover it up. This new criticism of the ideas, which is always an invention of the discourse, is indissociable, in its poetic practice even, of an attention to the symbolism, and, each time, to the language. Hence, an original "vers libre" (symbolism free verse) having the capacity to make see and hear what the poet made with the ordinary language, that is to say with the usually words. Thus, the poem becomes an observation post of a historicity of the language. It shows in particular a feeling of the french language, which is this poetic-even, and which Remy de Gourmont initially created, then worked to make personal and individual, as much as the free art Symbolist which includes it in the mass of discursive individualities

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Arden, Charles. "Vers une critique musicale créatrice : une redéfinition du concept de critique comme rapport entre le discours sur l’œuvre et la poétique musicale." Paris 8, 2013. http://www.theses.fr/2013PA083939.

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Cette recherche part d'un constat d’adéquation historique au XIXe siècle entre le développement de la presse comme support de l'expression notamment musicale, l'avènement d'une méthode avec les disciplines liées au discours sur l’art, ainsi qu’une production artistique particulière : la musique à programme et le poème symphonique qui révèlent un nouveau lien entre le son et le verbe. Notre choix de la critique musicale comme sujet se porte donc sur un lieu de révélation de tous ces enjeux. Le texte critique repose en effet sur une méthode de jugement qui respecte les catégories propres à son objet et offre une prise de conscience du contexte de son élocution : le discours critique devient dès lors méta-discours, renforçant l’analyse et la compréhension de l'œuvre par tout ce qui peut en être dit, tout ce qui s’offre comme mode de travail du langage avec l'expression d’un ressenti. Afin que ce travail permette de mieux comprendre la musique qui trouve son inspiration et son explication du littéraire pour inspirer la plume critique, nous partons de la connaissance acquise d'une œuvre musicale et observons comment cette connaissance évolue au fur et à mesure des concepts que nous convoquons dans le parcours historique de la discipline. Ainsi l’herméneutique, l’heuristique, l’épistémologie, le structuralisme, le formalisme, la linguistique serviront d’outils à la démonstration musicologique que, partant du musical, nous y revenons après l’étude du texte critique avec d'autant plus de détails, de forces, d’évidence. C’est selon cette même logique que la critique renforce le travail musicologique des apports pluridisciplinaires. Notre contribution se veut ainsi un bilan et une prospective des modalités qui ont été trouvées dans le discours pour comprendre le musical : donnant à l'auditeur des outils pour construire un langage qui renforce son vécu artistique ; donnant au créateur un matériau discursif mais esthétique qu'il pourra confronter à son œuvre pour approfondir son esthétique, amender sa production, continuer à produire ; donnant à leur médiateur une liste de critères qui lui permettront de renforcer son discours d’outils correspondant à l’identité de l’œuvre et de ceux qu’il met en rapport
This research starts from an historical adequacy in the nineteenth century between the development of the press as a medium of expression including music, the advent of a method with the disciplines related to art discourse, and a particular artistic production: programmatic music and the symphonic poem that reveal a new link between the sound and the verb. Our choice of music criticism as subject is therefore oriented towards a place of revelation of all these issues. The critical text is in fact based on a method of judgement that respects its own object classes and provides an awareness of the context of his speech: critical discourse then becomes meta-discourse, enhancing the analysis and understanding of the work by all that can be said, all that is offered as a way of working with linguistic expression of a feeling. In order to enable this work to better understand the music that finds its inspiration and explanation of literary criticism to inspire the pen, we start from the knowledge acquired of a musical work and observe how this knowledge evolves progressively with the concepts that we present in out historical course of the discipline. Hermeneutics, heuristics, epistemology, structuralism, formalism, linguistic tools are used to focus on musicology and demonstrate that, leaving the musical, we come back after the text's critical study with more evidences, details, strengths. This, according to the same logic based on which critique reinforces musicology by multidisciplinary scopes. Our contribution is intended as a review and prospective ways that have been found in the speech to understand the musical: giving the listener the tools to build a language that reinforces his artistic experience, giving the creator a material discursive aesthetic that it can compare his work with to deepen its aesthetic, amend its production, continue to produce; giving the mediator a list of criteria which will enhance his speech tools corresponding to the identity of the work and those it links

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Beneteau, Olivier. "L’Ascension suprême : poétique de l’épopée mystique de Jean-Baptiste Cousin de Grainville à Victor Hugo (1805-1891) »." Electronic Thesis or Diss., Angers, 2024. http://www.theses.fr/2024ANGE0003.

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Sous l’angle de la poétique, la science des principes constitutifs des formes littéraires, l’objectif de notre étude consiste, avant tout, à revaloriser le champ de l’épopée au XIXe siècle en étudiant l’évolution thématique et structurelle du genre épique à la lumière de la théologie mystique. À partir d’une vingtaine d’œuvres sélectionnées au sein d’un corpus foisonnant (dont la plupart, injustement oubliées par la postérité, sont le fruit de minores), nous entendons démontrer que l’épopée du XIXe siècle, loin de se cantonner à la tradition classique des grands modèles totémiques issus de l’Antiquité, subit, au lendemain de la Révolution, ce que nous envisageons comme un changement de paradigme. En passant progressivement d’une épopée « héroïque », pour reprendre le mot d’Henry Corbin, à une épopée dite « mystique », influencée par la revalorisation des œuvres de Dante, Milton et Klopstock, la nouvelle triade romantique, l’épopée du XIXe siècle, censée structurer la société à partir d’un événement fondateur, devient presque exclusivement visionnaire en ce qu’elle déporte son attention de la Terre vers les Cieux, de la politique vers la métaphysique.Là se trouve tout le cœur de notre thèse dont le mouvement, nourri de la « relation critique » entre littérature et mystique, porte en germe l’avenir d’un genre désormais voué à la révélation eschatologique et à la réintégration de l’âme déchue. Au-delà de la philosophie idéaliste, il s’agira surtout de prouver que les auteurs de notre corpus, éduqués dans la plus pure tradition catéchétique et sensibles aux nouveaux courants occultes et illuministes qui travaillent la conscience romantique, font de l’épopée non plus une œuvre guerrière, centrée sur la mémoire historique des hauts faits nationaux, mais une épopée métaphysique qui puise dans les concepts mystiques pour éclairer son propre fonctionnement. Inscrit au cœur du renouveau des études mystiques en Europe depuis la fin du XXe siècle, notre sujet se concentre essentiellement sur la dialectique entre la mystique, traditionnellement spécifique et intimiste, et l’épopée, par définition générique et universelle, en approfondissant l’évolution, la transformation et les limites du genre à travers les trois voies définies par la théologie néo-platonicienne depuis le pseudo-Denys l'Aréopagite –purgative, illuminative et unitive – avant de parvenir à l’ultime apocatastase
From the perspective of poetics, the science of the principles of literary forms, the main goal of our study is to enhance the epic sphere in 19th century by studying the structural and thematic development of the heroic genre through the mystical theology. Working from some twenty rare pieces in an abundant corpus (most of them, unfairly forgotten by posterity, are the result of minores), we intend to prove that the epic of the 19thcentury, far from being confined to the classical tradition of the great totemic models from Antiquity, undergoes, after the Revolution, what we consider as a change of paradigm. Moving from a “heroic” epic, referring to Henry Corbin, to a so-called “mystical” epic, influenced by the revaluation of Dante, Milton and Klopstock’s works, the new romantic triad, the epic of the 19th century, supposed to organize society from a founding event, become exclusively prophetic by shifting its perspective from earth to heaven, from politics to metaphysics.Here is to be encountered the keystone of our dissertation, regarding the “critical relation” between literature and mysticism, which demonstrates the evolution of a genre henceforth dedicated to eschatological revelation and reintegration of the fallen soul. Beyond german idealism, we wish to emphasise that the authors of our corpus, educated in the purest catechetical tradition and affected by the new occult and illuminist currents, make the epic no longer a work of war, focused on the historical memory of national battles, but a mystagogic form that draws on mystical concepts to clarify its own running. Related to the revival of mystical studies in Europe since the late 20th century, our subject highlights the dialectic between mysticism, traditionally individual and intimate, and the epic, by global and universal definition, exploring the transformation and limits of the poetic form through the three ways defined by Neo-Platonic theology – purgative, illuminative and unitive– until the ultimate apocatastasis

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Benitez, Roca Sylvie. "Aben-Humeya et les morisques dans deux oeuvres de la littérature espagnole du XIXe siècle : (dimension poétique et idéologie)." Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30037.

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Sintichakis-Placas, Marie. "L'image poétique dans la poésie symboliste du XIXe siècle : Paul Verlaine." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040242.

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L'œuvre verlainienne a déjà fait l'objet de nombreuses études littéraires. La visée de ce travail est l'étude stylistique des images dans le but de montrer l’originalité de l'esthétique verlainienne. Le traitement du langage figure permet des évaluations expressives appuyées sur les formes dominantes des images. La classification thématique révèle les pôles majeurs de l'univers du poète. L'étude des images se concentre sur le mode de production de la figure, son fonctionnement et sur les valeurs connotatives évoquées. On essaye en même temps de montrer l'évolution de l'esthétique des images à travers les recueils et leurs variantes dans le même recueil. La confrontation parallèle avec les images d'autres poètes du même courant essaie de montrer la particularité du langage verlainien dans la constellation symboliste. Elle met en lumière des affinités et des nuances communes qui unissent les symbolistes dans leur volonté de créer des correspondances entre l'univers sensible et l'âme. Apres une approche théorique de l'"image poétique" on aborde les figures reparties en domaines différents selon leur aspect sensible, concret ou abstrait. L’étude débute par les éléments sensibles des domaines terrestre, liquide, aérien, cosmique et lumineux, elle continue par les figures humaines et termine par les réalités abstraites
The works of Verlaine have constituted the object of numerous literary studies. The aim of this project is to study Verlaine’s imagery from a stylistic viewpoint, in order to demonstrate the originality of the poet's aesthetic concept. The use of figurative diction allows for expressive evaluations based on dominant forms of verlainian imagery. The thematic classification reveals the major poles of the poet's universe. The study of imagery is centered around the way figures are produced and their function, as well as on the evoked values of connotation. At the same time, an effort is made to manifest the evolution of the aesthetic dimension of images across Verlaine’s poetic collections and their variants in each of the collections individually. The parallel confrontation with the imagery created by other poets belonging to the same group as Verlaine is aimed towards a demonstration of the particularity of the poet's language within the constellation of symbolism. Its self-proposed target is to bring to light the common affinities and nuances uniting all symbolists in their desire to create corresponding links between the "sensible" universe and the human soul. After a theoretical approach of the "poetic image", the figures are categorized into different domains, according to their "sensible" aspect, concrete or abstract. First are studied the "sensible" elements of the terrestrial, aerial, cosmic, liquid or luminous domains, then the human forms and finally the abstract realities

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Le, Calvez Eric. "Génétique et poétique de la description : "l'éducation sentimentale de Flaubert"." Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1990PA030056.

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Dans la perspective d'une poétique de la description (pierre d'achoppement de la narratologie),l'analyse génétique des descriptions topographiques, dans "l'éducation sentimentale" de Flaubert, fourmille d'enseignements nouveaux, peu systématiques, et essentiels pour appréhender la création littéraire. Comment et selon quels principes, la description apparaît et se forme, d'abord fragmentaire, dans les manuscrits, comment elle se transforme, s'amplifie puis comment elle se transforme, s'amplifie puis se réduit au fil des corrections qui aboutiront à un texte "définitif ; comment elle s'intègre fonctionnellement dans l'univers diégétique et dans sa trame narrative: tous problèmes théoriques dont la poétique et la génétique, dès lors qu'elles interfèrent, permettent de rendre compte, en apportant un début de réponse à cette question déjà ancienne : "Qu'est-ce qu'une description ?"
Within the framework of poetics of description (stumbling block of narratology), genetic analysis of topographic descriptions in "l'education sentimentale" by Flaubert, is abondant with new teachings which are both unsystematic and essential to an understanting of the rules of literary creation. How, and according to what principles, does an initial fragmentary description appear and take shape in tue manuscripts; how is it transformed, amplified, then reduced, after many drafts that will become a "final text"; how is it functionnally integrated into diegetic universe and its plot. As far as they interfere, poetics and genetics can help to solve such theoretical problems and bring into sharper focus this still current question; "what is a description?"

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Crochu, Mariette. "L’Atelier du lied romantique : poétique de la ballade de la Goethezeit." Thesis, Rennes 2, 2020. http://www.theses.fr/2020REN20022.

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Lorsque l’on se penche sur les poèmes appelés ballades, objets d’une furieuse vogue dans le monde germanique depuis le Sturm und Drang, on se heurte partout à l’absence d’accord sur ce qui fait leur spécificité. C’est en partie dans cet espace poético-musical protéiforme qu’est forgé le lied romantique. Franz Schubert (1797-1828) passe ses premières années de compositeur à mettre en musique de longues ballades, et y revient jusqu’à la fin de sa vie ; Carl Loewe (1796-1869) passe maître de cet art. La ductilité du genre, sa résistance aux tentatives de définition sur le double terrain des lettres et de la musique (Sulzer 1771-1774, Koch 1802, Hegel 1818-1830, Häuser 1833…) mettent en péril sa propre pérennité, mais font aussi de lui un extraordinaire terrain d’expérimentation pour la lyrique musicale en effervescence. Il entre en résonance avec bien des enjeux de la musique du XIXe siècle, parmi lesquels la pratique orale des interprètes, récitants et chanteurs, la question de la narration musicale, et les passerelles entre musique de salon et scène lyrique, entre domaine vocal et domaine instrumental. Cette thèse souhaite contribuer à éclairer le devenir du Kunstlied à travers le prisme d’un de ses lieux privilégiés d’élaboration. Avec la ballade, cet étrange hybride de récit sans conteur identifiable, de drame sans scène et de musique, les dimensions du traditionnel Lied germanique s’élargissent jusqu’à l’émergence du Kunstlied ; mieux, elle fait d’entrée de jeu éclater l’unité émotionnelle de ce dernier. Notre recherche retrace ce parcours imprévisible et les questions qu’il soulève, pour mieux comprendre, non pas l’objet abouti que serait « le lied romantique », mais plutôt le passionnant travail de création artistique, le progressif modelage d’un objet musical, entre-deux des genres, dans ses multiples formes au fil du temps
When we look at the poems called ballads, which have been furiously popular in the Germanic world since the Sturm und Drang, we encounter a general lack of agreement on their specificity. The Romantic Lied was partly forged in this multifaceted poetic-musical space. Franz Schubert (1797-1828) spent his early composing years setting long ballads to music, and was to return to do so until the end of his life; Carl Loewe (1796-1869) became a master of this art. The ductility of the genre and its resistance to all attempts at defining it in the two fields of literature and music (Sulzer 1771-1774, Koch 1802, Hegel 1818-1830, Häuser 1833…) jeopardize its own durability, but also make it an extraordinary experimental field for the vibrant musical lyricism. It is in tune with many of the issues at stake in 19th-century music, including the vocal practice of performers, reciters and singers, the issue of musical narration, and the connections between salon music and lyric stage performance, between the vocal and instrumental realms. This dissertation attempts to shed light on the becoming of Kunstlied through the prism of one of its key development settings. The ballad, a strange hybrid of storytelling without an identifiable storyteller, of music and stageless drama, broadens the dimensions of the traditional German Lied until the emergence of Kunstlied; better still, it shatters the emotional unity of the latter from the outset. Our research retraces this unpredictable process and the questions it raises, in order to better understand not the accomplished object that would be “the romantic Lied”, but rather the exciting work of artistic creation, the progressive modelling of a musical object, between the genres, in its multiple expressions over time

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Girard, Alain. "Une poétique d'"Anecdotes ou Poe͏̈mes" de Stéphane Mallarmé." Aix-Marseille 1, 1997. http://www.theses.fr/1997AIX10089.

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L'objet de cette these est une investigation d'anecdotes ou poemes, recueil des poemes en prose de mallarme paru en 1897 dans les divagations. Ce recueil, dont l'elaboration calque l'ensemble de la vie du poete, merite d'etre etudie tant pour lui-meme qu'en relation avec les problematiques esthetiques developpees par la poetique mallarmeenne. Inseparable d'une problematique de l'enonciation poetique, son etude impose une deconstruction de l'opposition classique entre << poesie >> et << prose >> inscrivant l'ensemble de l'ecriture mallarmeenne dans un dispositif esthetique commun, theorise dans crise de vers sous le nom de "disparition elocutoire". Cette esthetique de la disparition est analysee de facon theorique, formaliste et hermeneutique, interrogee tant dans son contenu que dans ses manifestations formelles, tant du point de vue de sa singularite que des traditions poetiques dont elle procede. Confrontant la pratique scripturaire a ce que nous appelons une << ecriture ideale >> caracterisee comme immaterialite sans subjectivite enonciatrice (le livre), elle pose le probleme de la communication poetique, apprehende par une analyse de l'ecriture epistolaire. Ce dispositif esthetique se reflechit dans la litteralite et la textualite des poemes en prose. Leur syntaxe obeit a un principe extremement elabore de disparition progressive des marques de la subjectivite deictique pour aboutir a un suspens investi par l'experience poetique. L'analyse de ce suspens, qui nous oblige a sonder le rapport de ces poemes en prose au narratif, debouche sur un dechiffrement mettant en evidence une problematique du double et du miroir de la lettre. C'est dans la confrontation de ce que le pitre chatie disqualifie comme "histrion" - soit le sujet - et de ce double comme enonciateur ideal que se constitue la problematique mallarmeenne de l'enonciation poetique, le sujet ne se structurant et son ecriture ne s'actualisant que dans le rapport a cet etre de fiction.

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Shin, Ok-Keun. "Poétique de l'aube chez Rimbaud." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2006PA040176.

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Cette étude présente l’analyse des poèmes de Rimbaud qui suivent surtout la tentative du voyant, Ce qu’on dit au poète à propos de fleurs, Fêtes de la patience en 1872, Une saison en enfer, et les Illuminations, en remettant en cause le mythe du silence si souvent attaché au poète. Silence et échec ont suscité à propos de Rimbaud l’image mythifiée d’un génie qui a renoncé à la poésie par dégoût de la littérature et qui s’est enfermé dans le silence. Cette étude conteste le mythe du silence. La série de Fêtes de la patience se met en quête de l’aube rimbaldienne qui se prolonge dans Une saison en enfer et les Illuminations. Pourtant l’auto-condamnation des poèmes cités d’Alchimie du verbe n’est pas plausible, c’est pourquoi tous ces poèmes sont longuement analysés. L’aube rimbaldienne est dissimilée comme l’arrière-pays de la poésie, elle ne signifie pas l’espoir mais la mort bizarre. Cette étude insiste sur la voix fraternelle et critique de Ce qu’on dit au poète à propos de fleurs. L’appel de tous les hommes, voire de l’on, et le sens de l’aube constituent la question fondamentale de ce travail. Il s’agit de la poésie du silence non du silence de la poésie
This study presents the analysis of the poems of Rimbaud which follow particularly the attempt of the ‘voyant’, Ce qu’on dit au poète à propos de fleurs, Fêtes de la patience in 1872, Une saison en enfer, and the Illuminations, while calling in question the myth of the silence so often connected with the poet. Silence and failure caused with regard to Rimbaud the mystified image of a genius who gave up poetry in disgust for the literature and who closed himself in silence. This study contests the myth of silence. The series of Fêtes de la patience make a research for Rimbaud’s dawn, which is prolonged in Une saison en enfer and the Illuminations. However the auto-condemnation of the poems of Alchimie du verbe is not plausible, which is why all these poems are at some length analyzed. Rimbaud’s dawn is dissimilated as the back-ground of poetry; it does not mean the hope but a strange death. This study puts emphasis on the fraternal and critical voice of Ce qu’on dit au poète à propos de fleurs. The call of ‘all men’, in short ‘one’, and the meaning of dawn constitute the fundamental question of this work. The question is the poetry of silence not the silence of poetry

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Montalbetti, Christine. "Le voyage et le livre : poétique du récit de voyage d'écrivain au XIXè siécle." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080722.

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Pris entre les deux aspirations contradictoires de la litteralite et de la litterarite, qu'il s'essaye a conjuguer, le recit de voyage d'ecrivain, au dix-neuvieme siecle, se fait tour a tour ecriture du monde et reecriture de la bibliotheque. A l'ideal d'une ecriture immediate, qui represente son travail sur le modele reprographique du daguerreotype, de la gravure ou de la copie de tableau, et qui mime le mouvement du parcours referentiel, qui fournit d'emblee un ordre au recit, s'oppose la relation complexe aux livres. Confronte, au contraire de l'explorateur, a un espace deja balise par l'ecriture, le narrateur utilise ces formulations prealables comme modeles ou comme figures-repoussoirs, a moins qu'il ne mette en place une economie de la non-redite qui induit les pratique de l'ellipse, du renvoi ou de la citation. Les textes de fiction, en construisant des decors homonymes entrainent des phenomenes de confusion des espaces. L'assimilation du reel au decor, le reappropriation des schemas de la fiction, resolvent la question sans cesse posee de l'insuffisance du voyage reel a constituer un objet litteraire, mais compromettent le travail referentiel. Objet paradoxal, ideal et impossible a la fois, le voyage invite l'ecriture a repenser les equilibres traditionnels du recit et bouleverse la hierarchie entre description et narration, les postulats structurels, le rapport a la citation. .
The nineteenth century author of traval narrative, hesitating between two contradictory ambitions, which he tries to reconcile, to be literal or to be literary, alternatively writes about the world and rewrites the library. Superimposed on the ideal of a direct narrative which is based on the model of the daguerreotype, the engraving or the copy of a painting, and which imitates the movement of the referential journey, immediately furnishing an order to the text, is the knowledge gained form secondary sources. Contrary to the explorer, the writer is faced with a space already stacked out by literature ; the narrator uses preexisting texts as models or as foils, unless he considers litterature as an economic system were nothing must be saind twice, which produces either a lacuna, a bibliographical reference or a quote. Fictional texts, because they construct homonymous setting, lead to phenomena of spatial confusion. The assimilation of true and fictional space and the reappropriation of fictional structures resolve the problem uncessantly posed by the narrator of the insufficiency of the actual voyage to constitute a literary object, but on the other hand the referential work is jeopradized. The voyage, an object paradoxical, ideal and impossible to narrate at the same time, invites the writer to rehink the traditional balance of the narrative and disrupts the hierarchy between description and narration, the structural assumptions and the relationship to quotation

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Frighetto, Aurélie. "Penser le "mot poétique" au XIXe siècle : entre discours lexicographique et pratique littéraire." Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2023. http://www.theses.fr/2023SORUL117.

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À la croisée de l’histoire de la langue, de la lexicographie, de la stylistique et de la littérature, cette thèse se propose de retracer le parcours d’une notion complexe, celle de « mot poétique », qui connaît au XIXe siècle une évolution singulière. Des débuts du Romantisme à la mort de Mallarmé, le lexique poétique est en effet soumis à des bouleversements majeurs, entre héritage postclassique et déni de cet héritage, désir de modernité, expérimentations fin-de-siècle. Afin de mieux cerner les contours de cette évolution, nous avons choisi de faire dialoguer le discours lexicographique et les textes littéraires et de confronter leur pensée du mot poétique. La première partie de ce travail propose un panorama du poétique tel qu’il se donne à lire dans les dictionnaires (du premier Dictionnaire de l’Académie de 1694 à La Grande Encyclopédie de 1885-1902) et détermine un corpus lexical, établi à partir des termes que le Grand Dictionnaire universel du dix-neuvième siècle (1863-1876) de Pierre Larousse définit comme poétiques. La deuxième partie de la thèse analyse les usages de ce lexique dans les textes littéraires et montre comment les mots poétiques traditionnels parviennent à conserver leur aura. Enfin, le troisième temps de la réflexion s’intéresse d’une part aux dérives et aux limites de ce lexique, à son devenir cliché, et d’autre part, à tous les nouveaux procédés de poétisation du mot comme au renouvellement général de la pensée du poétique qui confine, à l’aube du XXe siècle, à la rêverie
At the crossroads of the history of language, lexicography, stylistics and literature, this doctoral dissertation aims to recount the path taken by the complex notion of the "poetic word" which is transfigured like no other in the 19th century. From the beginnings of Romanticism to the death of Mallarmé, the poetic lexicon is subjected to major disruptions, as it is torn between post-classical heritage and the denial of that heritage, between an attachment to modernity and end-of-the-century experimentations. To get a better grasp of the features of this evolution, we decided to put lexicographical discourse and literary texts in conversation with each other and contrast their conception of the poetic word. The first part offers an overview of the poetic as revealed by dictionaries (from the first Dictionnaire de l’Académie of 1694 to La Grande Encyclopédie of 1885-1902) and identifies a lexical corpus based on the terms defined as poetic by Pierre Larousse in his Grand Dictionnaire universel du dix-neuvième siècle (1863-1876). The second part analyses the uses of this lexicon in literary texts, showing how traditional poetic words manage to retain their aura. The third part focuses, on the one hand, on the misuses and limits of this lexicon that trivializes it and makes it cliché. On the other hand, it tackles all the new ways of poetizing the word as well as the renewal of thoughts on the poetic which, on the eve of the 20th century, borders on reverie

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Charrin, Pochtar Anne. "L'image poétique de la Sibérie asiatique dans la littérature russe au XIXe siècle (1819-1859)." Paris 3, 1991. http://www.theses.fr/1991PA030046.

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Après l'exposé des causes qui ont pu provoquer l'apparition d'une image poétique de la Sibérie dans la littérature russe au dix-neuvième siècle, la recherche met en évidence les différents motifs de cette image et en développe les significations. L' étude des oeuvres russes laisse apparaître un tout cohérent, révélateur d'une sensibilité et d'une vision du monde spécifiques de la révolution romantique. La thématique des paysages utilise toutes les possibilités de sa palette: "paysage de l'ame", description "pittoresque", philosophie de la nature narrant l'histoire d'une création "à demi éveillée". A cette nature des temps primordiaux correspond une humanité "a demi dégelée", mais ou l'idée universelle de l'homme est preservée. Du collectif "les barbares" se détache peu a peu un individu, encore mythique, dans les différentes "transformations" qui sont faites du folkore sibérien; puis une véritable "individuation" s'effectue à la "belle indigène" dont l'attrait exotique permet la communication. Mais hommes ou femmes, ces asiatiques semblent n'appartenir qu'au passé et aident principalement à la création d'un imaginaire chamanique. Seule la disparition du principe comparatif montrera la relativité dans l'appréhension des civilisations. L'image s'estompe alors devant un début d'enquête ethnographique. Notre image imaginée de la Sibérie, exploration d'un ailleurs de l'espace et du temps, des modes de vie et des sentiments, apparaît comme le pan de passé de ce que nous appellerons siberitude
After examining the causes which may have prompted the appearance of a oetic image of siberia in nineteenth-century russian literature, the research focuses on this image's various motifs and works out their meanings. The study of the russian texts allows a coherent whole to come into view, revealing the sensibilities and vision of that specific world of the romantic revolution. The landscape theme makes use of the entire range of its possibilities: "the landscape of the soul", "picturesque" description, the philosophy of nature narrating the history of "half-awakened" creation. A "half-thawed out" human race goes hand in hand with this primeval nature, where, however, the universal idea of man has been preserved. A still somewhat mythical individual begins to stand out of the collective entity of "barbarians", in the various "transformations" made of siberian folklore; then a real "individuation" occurs thanks to a "beautiful native" whose exotic appeal makes communication possible. Regardless of whether men or women, these asians merely seem part of the past and mainly just help in the creation of a mythical shamanist world. The disappearance of the comparative principle alone will show relativity in the understanding of civilizations. The image therefore becomes blurry and an ethnographical survey can begin. Our imagined image of siberia, the exploration of an elsewhere of time, space and lifestyles, appears as the face of the past of what we could call siberitude

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Conrad, Thomas. "Poétique des cycles romanesques : de Balzac à Volodine." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00788953.

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Les cycles romanesques sont ces œuvres formées par la réunion de plusieurs récits autonomes : sommes "à la Balzac", suites, séries, trilogies, etc. Il s'agit d'un type spécifique de "transtextualité" (Genette), où s'exprime un désir ambigu de totalisation, qui affirme à la fois l'ouverture et la clôture du texte. Selon une démarche de poétique historique, nous analysons les formes de ces cycles, tout en les inscrivant dans l'histoire de long terme du genre romanesque. D'où un corpus large, s'étendant du XIXe siècle à nos jours : La Comédie humaine de Balzac, le Manuscrit trouvé à Saragosse de Potocki, les trilogies de Dumas, Les Rougon-Macquart, les Trois Villes et les Quatre Evangiles de Zola, le Cycle du Hussard de Giono, les cycles de science-fiction d'Asimov, et les romans " post-exotiques " de Volodine. L'examen des procédés de connexion entre les récits montre que le cycle n'est pas fondé sur la cohérence du monde qu'il représente, mais sur la cohésion des textes qu'il rassemble. Chaque cycle est une totalisation singulière de textes, traversée de tensions et de dysfonctionnements.Mais ces œuvres sont autant de réponses à une question qui subsiste pendant ces deux siècles : comment retrouver une totalité épique adéquate au monde moderne né de la Révolution ? Les cycles romanesques réactivent la " racine épique " du roman (Bakhtine). Cette visée épique, et ses transformations, sont un aspect de ce que serait une histoire de l'idée de totalité en littérature.

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Anger, Violaine. "Musique et langage : contribution à une poétique du mot chanté en français de Rousseau à Mallarmé." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081465.

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Sur l'ensemble du xixe siecle deux constats paralleles peuvent etre faits : d'une part, la metaphore musicale prend une place de plus en plus importante dans la maniere qu'ont les poetes de se referer a leur art ; du point de vue des musiciens, bien que l'air reste important, la difference entre parole et chant tend a etre gommee. D'autre part, on assiste dans les deux domaines a une evolution de la sensibilite metrique et intonative quelles sont les grandes etapes de cette evolution? il faut proceder par sondage, a des periodes choisies. La notion d'accent tonique s'avere centrale, car point de rencontre entre metre et intonation, entre musique et langue. Elle apparait comme une sorte de "lieu musical du langage", autour duquel s'organisent des notions plus obscures, comme celle de "sens". L'histoire croisee de la musique et de la langue se joue autour d'une double dissociation : dissociation entre rythme et mesure, entre vers et unite syntaxique. Tout en s'operant au nom de la nature unitaire de la langue et de la musique, le parallelisme de ces deux mouvements de fluidification met en evidence un divorce entre les deux instances. Les deux bornes retenues, rousseau et mallarme, sont considerees dans leur continuite et dans leur opposition. Rousseau attribue une origine commune a la langue et a la musique, en deca de l'articulation et de l'harmonie, union qui contient le geste physique, et qui est le lieu du sens, l'evolution, introduisant articulation et harmonie, marque la perte de sens, et l'inadequation insurmontable entre languge et musique a l'oppose, mallarme peut apparaitre comme celui qui tire les consequences ultimes de l'impossibilite a trouver une continuite reelle entre langue et musique, en affirmant leur difference, tout en travaillant a partir de cette idee de musicalisation de la langue, et de conception de la musique comme un langage autonome
In the xixth century, music and language have a cross history : rousseau and mallarme, meyerbeer and debussy can be considered as departure and terminus, theoretically as well as in the artistic realizations

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Brieu-Galaup, Florence. "Le refuge Vénitien : espace mythique, poétique de l'espace (1830-1848)." Toulouse 2, 2006. http://www.theses.fr/2006TOU20093.

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Dans la culture contemporaine, Venise exerce une fascination hors du commun. Au XIXe siècle, elle est un des lieux d’élection des voyageurs. De 1830 à 1848, nombre d’écrits, textes référentiels ou œuvres de fiction, célèbrent la ville en même temps qu’ils exploitent son image. La « miraculosissima civitas » de Pétrarque offre un lieu et une Histoire singuliers, sources d’inspiration. Première ville du monde occidental, Venise est à la fois un symbole de liberté et de répression. Son urbanisme atypique, qu’accompagnent réminiscences artistiques ou légendaires, crée un sentiment hybride d’intense dépaysement et de familiarité. Tout naturellement, les valeurs du romantisme vont s’incarner dans cette ville. La République déchue, meurtrie par Napoléon, opprimée par l’Autriche, devient un espace de médiation qui fait écho aux préoccupations artistiques, politiques, morales ou religieuses des voyageurs français. Érigeant Venise en capitale du désenchantement, les artistes qui visitent la ville, à travers elle, expriment leurs hésitations, entre évasion et révolte. Sous le règne contesté de Louis-Philippe, entre deux révolutions, la ville apparaît comme un espace compensatoire, un refuge physique et intellectuel. La littérature produite s’échafaude sur constructions et déconstructions mythiques. Dans les récits de voyage - qui incluent dans notre perspective guides et mémoires – des motifs quasi identiques se répètent inlassablement. Non seulement ils manifestent une volonté de perpétuer la voix orphique du voyageur et la mémoire d’un lieu menacé de disparition, mais ils consacrent en outre Venise comme symbole de la finitude et de la condition humaines. Dans les œuvres de fiction, les mêmes thèmes et les mêmes éléments romanesques rythment des intrigues galvaudées : Venise abrite les mêmes amours malheureuses, les mêmes personnages, aristocrates ruinés et débauchés, gondoliers artistes et vertueux. Dans tous les cas, le besoin lyrique de décrire Venise apparaît irrépressible. Que les textes soient autobiographiques ou romanesques, la ville fait naître et entretient tout à la fois une aspiration au beau, voire au sublime, et une recherche utopique du bien, indissociable d’un dispositif urbain où s’incarne toute une organisation sociale. Venise offre ainsi la matière d’un renouvellement de la littérature de voyage, à partir de stéréotypes surexploités, fondés sur une saturation du sens et de la représentation
From 1830 to 1848, a lot of pieces of wrinting celebrate Venice which seems to be a romantic refuge. The town compensates the political disappointments and the spriritual doubts of this period

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Tholoniat, Yann. ""Tongue's imperial fiat" : les polyphonies dans l'oeuvre poétique de Robert Browning." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030060.

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Cette thèse explore les dimensions polyphoniques de l'œuvre poétique de Robert Browning, depuis Pauline (1833) jusqu'à The Ring and the Book (1868-9). Dès ses premiers poèmes (Pauline, Paracelsus, Sordello, Pippa Passes), Robert Browning expérimente constamment de nouveaux modes d'expression qui combinent les éléments lyrique et dramatique. Les dix années (1837-1846) consacrées à écrire des pièces de théâtre contribuent à l'émergence d'une poétique de l'oralité. Celle-ci s'épanouit dans la forme dite du monologue dramatique qui apparaît dans les recueils phares des Dramatic Lyrics, Dramatic Romances and Lyrics, Men and Women et Dramatis Personae. Dans ces recueils, la polyphonie vocale repose d'abord sur la capacité du poète à poser les voix des différents locuteurs au moyen des paratextes et de l'élément théâtral directement intégré au processus d'expression de soi du locuteur. Le dialogisme, dans ses aspects carnavalesques et intertextuels, développe la mise en écho des différentes voix. Certains tropes, appelés tropes acroamatiques, fonctionnent comme des matrices d'oralité. La typographie et la ponctuation se combinent avec la forme, le mètre et la rime pour créer un rythme ou une identité vocale propre à chaque locuteur. La polyphonie culmine dans l'écriture fuguée qui caractérise The Ring and the Book, œuvre dans laquelle l'intertextualité et le réseau métaphorique renforcent les phénomènes de répétitions avec variations. La voix auctoriale est mise en sourdine mais se profile sur le mode ironique au milieu de la polyphonie des locuteurs
This thesis explores the polyphonic dimensions of the poetical work of Robert Browning from Pauline (1833) to The Ring and the Book (1868-9). From his first poems onwards (Pauline, Paracelsus, Sordello, Pippa Passes), Robert Browning systematically experimented in modes of expression combining lyric and dramatic elements. The ten years he dedicated to stage-writing (1837-1846) paved the way for a poetics of orality. This poetics is predominant in the so-called "dramatic monologues" of the famous Dramatic Lyrics, Dramatic Romances and Lyrics, Men and Women and Dramatis Personae. In these works, the vocal polyphony draws on the poet's capacity to pitch a voice thanks to the paratext and the dramatic element which is directly integrated into the monologist's process of self-revelation. Dialogism, in its carnivalesque and intertextual dimensions, develops the echoing effects among the various speakers' voices. Particular figures of speech, called acroamatic tropes, function as vocal matrices. Typography and punctuation combine with form, metre and rhyme to create a rhythm indicative of each speaker's vocal identity. The polyphony climaxes in the fugue-like composition of The Ring and the Book. In this poem, intertextual and metaphorical networks enhance the phenomena of repetitions with variations. The auctorial voice is muffled but can still be heard on an ironic mode amidst the polyphony of the speakers' voices

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Delattre, Alexandra. "A contretemps : le roman catholique français du second XIXe siècle : histoire et poétique." Electronic Thesis or Diss., Nice, 2016. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=AmlMS01.

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Le roman catholique tel que nous le connaissons est le fruit d’une illusion rétrospective. Nous avons voulu, dans cette thèse, montrer que l’on ne peut lire le roman du second XIXe siècle au prisme de sa popularité au XXe siècle. Le succès qu’il rencontre dans l’entre-deux-guerres est le fruit d’une évolution lente. Des auteurs comme Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans ou Léon Bloy, n’ont été acceptés de leur temps ni par le monde laïque, ni par le monde catholique. Ils occupent une place inconfortable entre le « prophète romantique » et l’« intellectuel catholique ». Si le monde intellectuel chrétien du XXe siècle s’est servi de ces auteurs pour accréditer l’existence du genre, le roman catholique est loin, au XIXe siècle, de constituer une évidence. Nos recherches explorent en conséquence sa visibilité à cette époque. Basées sur un travail d’archives qui se fonde sur le dépouillement des journaux et bibliographies catholiques, elles ont permis de reconstituer les difficiles rapports du monde chrétien avec le roman. Cette approche archéologique contribue à restituer l’ampleur de la tentative de réforme par l’art qu’ont essayé de mener à bien Barbey d’Aurevilly, Huysmans et Bloy. Elle sert de fondement à un travail de poétique qui interroge, dans le cadre de l’évolution de l’écriture romanesque, le sens qu’il faut accorder à cette tentative de révolution esthétique
This dissertation explores the constitution of the Catholic novel as a genre in the second half of the 19th century. It aims to show how Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans and Léon Bloy were misread, partly because of the success of the genre during the 20th century. The popularity of the 20th-century Catholic novelists such as Claude Mauriac or Georges Bernanos has indeed swept away the difficulties encountered by Catholic writers over the course of this anti-clerical period. This work invetigates the reception of the Catholic novel at that time. It is based on historical researches, especially the study of Christian "bibliographies", Catholic press and edition. This provides a better understanding of Barbey d’Aurevilly, Huysmans and Bloy’s conception of Catholic novel as an original theory of art

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Manca, Tania. "Voyages européens en Afrique Subsaharienne (XVIIIe et XIXe siècles) : poétique d'un genre, variantes et évolutions d'un discours : François Le Vaillant, Carlo Piaggia et Mary Kingsley." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040116.

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Cette étude est sous tendue par le projet de définir la poétique du genre littéraire du récit de voyage entre la fin du XVIIIe et la fin du XIXe siècle. En se situant au croisement de la littérature, de l'anthropologie et de l'histoire des idées, cette recherche montre l'existence de discours viatiques sur l'Afrique subsaharienne, qui s'inscrivent à contre courant par rapport à la plupart des discours produits et diffusés en Europe à cette époque. Cette thèse analyse met en avant les différentes phases d'écriture, de publication et de réception des oeuvres étudiées. Issus de pays européens différents et de part leur formation pluridisciplinaire, François Le Vaillant, Carlo Piaggia et Mary Kingsley donne matière à une étude qui se révèle fort pertinente, dans sa perspective d'analyse interdisciplinaire, et qui met en avant une approche nouvelle de types de discours souvent négligés
This research is aimed by the project of defining the poetic of the literary genre of travel account, between the end of eighteenth century and the end of nineteenth century. This work stands at the crossing between literature, anthropology and history of ideas. It shows the existence of travel discourses on Subsaharian Africa, which inscribes against the stream in relation to the majority of the other discourses produced and diffused in Europe during the analysed period. This thesis is focused on the different phases of writing, publication and reception of François Le Vaillant, Carlo Piaggia and Mary Kingsley's works. Coming from different European countries, according to their pluridisciplinary formation, these tree travellers' works represent a subject of research which proves extremely pertinent in a interdisciplinary analysis, and which underlines a new approach of a kind of discourse often neglected

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Aretaki, Marina. "Aspects de la poétique des romans de A. Papadiamantis (1879-1884) : genèse et fin d'un univers romanesque." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2000PA040089.

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Ce travail se veut une lecture de la première période littéraire de l'écrivain grec Alexandros Papadiamantis (1851-1911), période constituée de trois romans-feuilletons, dits historiques : l'Émigrée (1879-1880), Les marchands de nations (1882-1883) et La jeune gitane (1884). Les différents aspects de la poétique des romans qui ont été examinés composent une approche globale qui intègre aussi bien l'étude de l'intrigue et des personnages romanesques que celle de la composition du récit et sa narration. Elle révèle aussi bien le rapport du texte avec le hors-texte que le discours du roman sur lui-même. Au-delà de l'interprétation de chaque roman, les lignes de réflexion qui sous-tendent cette analyse, s'étayant sur la théorie de la littérature, se portent sur les règles de la prose romanesque, sur le roman conçu comme un espace dialogique et sur l'évolution littéraire de l'auteur. Les romans Papadiamantiens marqués par le romantisme, complexes et étonnants, situés dans un passé historique plutôt obscur, forment un ensemble uni mais aussi évoluant. L'auteur, conscient de son art, joue avec les conventions romanesques et les subvertit avant d'abandonner l'écriture de romans pour une longue série de récits brefs.

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Errachidi, Amina. "La poétique du silence dans l'oeuvre de Villiers de l'Isle-Adam." Nantes, 1998. http://www.theses.fr/1998NANT3005.

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Dans l'oeuvre de villiers de l'isle-adam, le silence est selon nous le mot clef. Les procedes de ce silence qui n'ont rien d'artificiel sont l'ambiguite, l'imperfection, l'indetermination liees a tout langage. Un tourment, un vertige metaphysique est en fait partout present dans l'oeuvre. Villiers n'a pas cesse de l'appeler silence, qu'il soit le silence de dieu, le mystere lie a tout phenomene etrange, l'enigme de la mort, plus insupportable encore, celle du langage. Voila ce qui ouvre a villiers de l'isle-adam la voie de la creation. Le silence est au principe de l'oeuvre, la condition de son esthetique, l'expression et l'aboutissement d'une poetique
AIn the works of villiers de l'isle-adam, we regard silence as the key word. The processes of this silence which are not artificial are ambiguity, imperfection and indetermination associated to language. Metaphysical uncertainness exists throughout his works. Villiers de l'isle-adam never stopped calling it silence, whether it be the silence of god, the mystery of any strange phenomenon, the enigma of death, or even more unbearable, the enigma of language. This is what opens the path to creation for villiers. Silence is the cornerstone of the works, the condition of its aesthetics, the expression and completion of its poetics

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Delattre, Alexandra. "A contretemps : le roman catholique français du second XIXe siècle : histoire et poétique." Thesis, Nice, 2016. http://www.theses.fr/2016NICE2014.

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Le roman catholique tel que nous le connaissons est le fruit d’une illusion rétrospective. Nous avons voulu, dans cette thèse, montrer que l’on ne peut lire le roman du second XIXe siècle au prisme de sa popularité au XXe siècle. Le succès qu’il rencontre dans l’entre-deux-guerres est le fruit d’une évolution lente. Des auteurs comme Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans ou Léon Bloy, n’ont été acceptés de leur temps ni par le monde laïque, ni par le monde catholique. Ils occupent une place inconfortable entre le « prophète romantique » et l’« intellectuel catholique ». Si le monde intellectuel chrétien du XXe siècle s’est servi de ces auteurs pour accréditer l’existence du genre, le roman catholique est loin, au XIXe siècle, de constituer une évidence. Nos recherches explorent en conséquence sa visibilité à cette époque. Basées sur un travail d’archives qui se fonde sur le dépouillement des journaux et bibliographies catholiques, elles ont permis de reconstituer les difficiles rapports du monde chrétien avec le roman. Cette approche archéologique contribue à restituer l’ampleur de la tentative de réforme par l’art qu’ont essayé de mener à bien Barbey d’Aurevilly, Huysmans et Bloy. Elle sert de fondement à un travail de poétique qui interroge, dans le cadre de l’évolution de l’écriture romanesque, le sens qu’il faut accorder à cette tentative de révolution esthétique
This dissertation explores the constitution of the Catholic novel as a genre in the second half of the 19th century. It aims to show how Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans and Léon Bloy were misread, partly because of the success of the genre during the 20th century. The popularity of the 20th-century Catholic novelists such as Claude Mauriac or Georges Bernanos has indeed swept away the difficulties encountered by Catholic writers over the course of this anti-clerical period. This work invetigates the reception of the Catholic novel at that time. It is based on historical researches, especially the study of Christian "bibliographies", Catholic press and edition. This provides a better understanding of Barbey d’Aurevilly, Huysmans and Bloy’s conception of Catholic novel as an original theory of art

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Bercegol, Fabienne. "La poétique de Chateaubriand : le portrait dans les "Mémoires d'outre-tombe"." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040069.

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Ce travail veut redonner aux portraits leur juste place dans l'appreciatioin de l'oeuvre et de la poetique de chateaubriand, ainsi que dans la reflexion theorique sur l'art de la description. Il procede a l'elaboration d'une definition du portrait a partir de ses caracteristiques formelles et examine ensuite sa genese dans l'oeuvre de chateaubriand, ses techniques descriptives, ses sujets et ses composantes. L'etude de la description physique aborde la question de l'unite des arts, essentielle a la theorie du portrait litteraire ; elle revele les talents de caricaturiste de chateaubriand, son gout pour le grotesque, mais aussi son choix d'une esthetique de la grace dans les portraits feminins. Celle de la description morale decouvre sa pensee politique et litteraire, son habilete dans le panegyrique et surtout dans la satire et dans la polemique. Le but de ses portraits reste neanmoins de ressaisir, a travers les structures du mythe et de l'epopee, la puissance symbolique des personnages, et particulierement de napoleon, dont le portrait devient l'incarnation exemplaire du heros romantique et illustre au mieux les principes historiographiques de chateaubriand
This work intends to give again to the portraits their proper place in the judgment of chateaubriand's work and poetics, as well as in the theoretical reflection on the art of description. Il deals with the elaboration of a definition of the portrait based on its formal characteristics ; it then considers its evolution in chateaubriand's work, its descriptives techniques, its subjects and its components. The study of the physical description touches on the question of the unity of arts, which is essential to the theory of literary portrait ; it reveals chateaubriand's gifts for caricature, his taste for the grotesque, as well as his choice of an aesthetics of the grace in his portraits of women. The study of the moral description reveals his political and literary thought, his cleverness at writing panegytics, and most of all, satires and polemics. Yet, the aim of his portraits remains to seize, through the structures of the myth and of the epic, the symbolic power of the characters, and espacially of napoleon, whose portrait becomes the best embodiment of the romantic hero, and shows at best chateaubriand's historiographic principles

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Ngone, Dzene Delphine Dielle. "Les pastiches - Zola : poétique et critique." Electronic Thesis or Diss., Toulon, 2018. http://bu.univ-tln.fr/userfiles/file/intranet/travuniv/theses/lettres/2018/These_Ngone.pdf.

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Les pastiches-Zola constituent un signe de réception de l’œuvre zolienne. Le style de l’auteur des Rougon-Macquart est toujours ciblé plus d’un siècle après sa mort par les auteurs de ce type de réécriture. Notre travail de recherche pose le problème de l’appropriation mimétique et/ou différentielle des pastiches-Zola postérieurs à sa mort. La question centrale à traiter est celle de savoir comment Zola est imité dans ces pastiches. Le pastiche implique le phénomène de reprise textuelle qui est caractérisé par l’existence de deux types de textes : l’hypertexte (texte dérivé) et l’hypotexte (texte imité). Une approche comparative associée aux théories de l’intertextualité et de l’hypertextualité nous a permis de découvrir que les pasticheurs de Zola s’inspirent de ses romans et des œuvres d’autres auteurs célèbres. Ils produisent ainsi des pastiches à hypotexte simple, double ou multiple. Les pastiches-Zola se distinguent aussi par leur visée interne (littéraire) ou externe (politique, publicitaire). Les pastiches à visées externes montrent que leurs auteurs documentent les faits sociaux de leur époque comme le faisait Zola. Certains pasticheurs font preuve d’engagement (littéraire) en s’attaquant, mais de manière indirecte, aux personnalités politiques de leur époque. En plus de leurs intentions, leur représentation du style de Zola diversifie leurs productions écrites. Chaque pasticheur obéit à certaines règles d’imitation liées de manière générale aux principes de ressemblance et de différence. Certains pastiches sont ainsi plus inventifs et/ou plus représentatifs du style zolien que d’autres. L’étude des manières imitantes des pasticheurs permet de mener une réflexion sur la notion du style dont les définitions paraissent floues. Les pasticheurs ne s’attardent plus seulement sur la thématique zolienne qui a été très critiquée de son vivant et même après sa mort. Ils allient les thèmes aux procédés stylistiques et expriment, de ce fait, une reconnaissance des qualités poétiques de l’œuvre du chef de file du naturalisme. Les pastiches-Zola produits au XXe et à l’aube du XXIe siècles apparaissent donc, non seulement comme une analyse critique de cette œuvre, mais aussi comme une critique des critiques partielles ou partiales qui ont précédé le renouvellement de la lecture des textes de l’auteur de Médan. L’imbrication des procédés stylistiques et des thèmes zoliens repris et adaptés aux contextes des pasticheurs montre que le style littéraire convoque à la fois les dimensions idiosyncrasiques et sociologiques des façons d’écrire propres à un écrivain, le style n’étant pas un phénomène abstrait mais une série de choix formels et thématiques historiquement situés et dont l’imitation est grandement déterminée par des représentations
Zola-pastiches are a sign of reception of Zola’s literary works. More than a centuryafter his death, his style is still targeted by the authors of this type of rewriting. Our researchposes the problem of mimetic or differential appropriation of Zola-pastiches posterior to hisdeath. How the author of Les Rougon-Macquart is imitated in these pastiches is our mainresearch question. A pastiche is a writing that implies a textual repeat characterized by theexistence of two types of texts: the hypertext (derived text) and the hypotext (source text). Acomparative approach linked to the theories of intertextuality and hypertextuality has enabledus to discover that the imitators of Zola draw inspiration from his writings and also from thewritings of other authors. They thus produce pastiches with single, double or multiplehypotexts. The distinction between Zola-pastiches is also based on their internal (literary) orexternal (political, advertising) aim. The authors of pastiches with external aims documentthe social facts of their era just like Zola did in his novels. Some authors show a literaryengagement by attacking political leaders but indirectly. In addition to their aims, theirrepresentation of Zola’s style diversifies their writings. Each writer conforms to someimitation rules which are generally related to the principles of similarities and differences.Some pastiches are therefore move creative and/or more representative of Zola’s style thanothers. The study of the imitative ways of pastiches’ writers implies a reflection on theconcept of style whose definitions seem unclear. These writers no longer focus only onZola’s thematic which has been highly criticized during his life time and even after his death.They blend themes and stylistic devices, thus acknowledging the poetic quality of the literaryworks of the naturalism founder. The Zola-pastiches written during the 20th and at thebeginning of the 21st centuries therefore appear to be a critical analysis of these works as wellas the criticism of the partial or one-sided criticism that preceded the renewed interest in thereading of the author of Medan’s texts. The imbrication of stylistic devices and themesborrowed from Zola and adapted to new contexts shows that the literary style convokes theidiosyncratic and sociologic dimensions of an author’s specific way of writing, given that,style is not an abstract phenomenon but a series of formal and thematic choices which arehistorically located and whose imitation is highly determined by representations

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Song, Hongjin. "Spécularité et réflexivité poétique : esthétique et poétique du miroir baudelairien." Thesis, Paris 10, 2020. http://www.theses.fr/2020PA100033.

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Peut-on rêve "dictionnaire de miroir" de Baudelaire ? Notre thèse a pour but d'imaginer ce dictionnaire en revisitant et exploitant pleinement le thème du miroir chez Baudelaire. Notre travail s’articule en quatre parties qui exploitent les diverses facettes du thème du miroir chez Baudelaire. La première partie est consacrée à expliquer comment le XIXe siècle s’est engoué des jeux optiques et ses illusions, et comment Baudelaire était fasciné par le thème du miroir. À commencer par la remise en question la thématique traditionnelle du miroir littéraire, nous allons toucher à l’engouement pour toute la gamme des miroirs sous le Second Empire dans une perspective sociohistorique et à l’origine du miroir baudelairien. Dans la deuxième partie, nous explorons l’expérience onirique du miroir de Baudelaire ; la puissance surnaturelle du miroir magique, particulièrement, des Paradis artificiels, qui attire le regard de Baudelaire. Et ensuite, l’image des yeux-miroirs qui paillettent les Fleurs du mal y est la cible de nos regards. La troisième partie nous dirige vers le miroir du dandy comme conscience, gouffre lumineux en tant que lieu dialectique où se révèlent la superficialité d’une sorte du matérialisme poétique et l’inquiétude qui se trouve à l’intérieur des miroirs profonds, et nous faire plonger dans la dualité ou la duplicité au miroir d’univers baudelairien en ayant la prise en considération de la dimension esthétique à l’égard du miroir comme « hypersigne ». Dans la quatrième partie, enfin, nous aboutissons à la réflexion sur la réflexivité de la littérature elle-même. Certes, Baudelaire, avant Rimbaud et Mallarmé, est un des phares précurseurs de la pensée moderne de l’autonomie de la poésie, l’autoréflexivité de la littérature ou plutôt l’art pur. Ici, à travers le motif ou la métaphore du miroir dans sa critique artistique, nous examinons son hostilité contre la tradition mimétique, sa défense de l’imagination créatrice, son intérêt pour la nouvelle relation lecteur-auteur-texte, et dévoilons la « ruse spéculaire » qui est cachée dans son texte
Can we imagine a “dictionary of mirror” by Baudelaire? This thesis aims to build an imaginary dictionary by revisiting and fully exploiting the mirror themes in the Baudelairian world. This dissertation consists of four parts: the first part explores the infatuation with the mirror in French literature and in the real life of the 19th century. Starting with questioning the traditional themes of the specular metaphors among French writers, the initial part investigates Baudelaire’s attitude to the proliferation of optical instruments which profoundly influenced the artistic creations during the Second French Empire. The second part delves into “the supernatural powers of matters” in Baudelaire’s works. This is the dreamlike experience of mirror, especially in Artificial Paradises, where the almost supernatural specular visions and scintillating images are prevalent. The image of mirrors-eyes that intersperses throughout The Flowers of Evil constitutes one of the particularities in Baudelairian aesthetics. He dedicated himself to give concrete material forms to his dreams. The third part relates the inner struggle of the dandy who has a reflective consciousness in front of his mirror. After demonstrating the dandy's anxiety through the image of the double, a major theme of the time, this part follows the journey of the Beau du dandy in the concepts of love and prostitution while considering the aesthetic dimension of the mirror as "hypersign". Ultimately, the fourth part examines if Baudelaire's way of thinking coordinates with his way of working, i.e. conceiving and writing mirror poems. The final part shows how Baudelaire structured his poems, and how his specularity and poetic reflexivity extend to poetic forms and versification in his poems

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Sitayeb, Stéphane. "Liturgie et Esthétique dans la prose poétique fin-de-siècle d’Arthur Machen." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040148.

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Ces travaux entendent soumettre à l’épreuve des textes fin-de-siècle d’Arthur Machen (1863-1947) deux hypothèses : celle d’une appartenance au décadentisme et au symbolisme, d’une part, et celle d’un principe de consistance régulant les tensions qui sous-tendent son œuvre mineure, d’autre part, celle-ci mêlant les pratiques issues des corpus sapientiaux de la Bible et des récits intertestamentaires aux rites thérianthropiques du totémisme primitif. Le syncrétisme entre christianisme et paganisme ainsi que l’oscillation entre ascétisme apollonien et esthétisme dionysiaque reflètent aussi bien la résilience que les pathologies de l’artiste, qui façonne à la manière d’un homo faber des Künstlerromane et des autoportraits révélant sa nature protéenne. Inspirés des multiples courants artistiques jalonnant l’époque victorienne, les textes de Machen composés au tournant du siècle font de lui un auteur difficile à classer et trop souvent étiqueté parmi les écrivains gothiques et fantastiques – indétermination générique notamment due à l’anthologisation de son œuvre et nécessitant un travail de fouille dans des domaines variés tels que l’archéologie, l’anthropologie et l’ethnologie. La nouvelle, le roman par épisodes, le conte et le poème en prose en particulier deviennent des formes expérimentales où les diaristes établissent les prémices de l’écriture automatique des surréalistes. Perçu tantôt comme l’emblème de la contagion héréditaire, tantôt comme le héraut d’une civilisation décadente, l’artiste porte plusieurs masques que parasitent les fausses pistes laissées par l’auteur. Ayant exploré l’hypothèse d’un Machen poète, théologien, puis essayiste et théoricien du Beau, il sera possible, dès lors, de comprendre le décalage qui oppose la fiction et la vie de ce fervent anglican de la Haute Église, de cet époux fidèle qui cultive néanmoins, dans ses textes, des fantasmes paraphiliques, des rêves de l’Orient et de la Grèce ou, au contraire, des itinéraires pénitentiels douloureux régis par une tradition galloise médiévale supposant autoflagellation et jeûnes anorexiques. Loin de représenter un « calice vide », la liturgie devient chez Machen un pouvoir sacré, comme l’atteste la corrélation entre l’humiliation du corps et l’élévation de l’esprit dans The Hill of Dreams. En revendiquant également la richesse d’une culture galloise minoritaire, Machen participe au « Celtic Revival » et compose des chroniques du Gallois déraciné, exilé à Londres, tentant de survivre à un environnement urbain hostile en le reterritorialisant, spatialement et temporellement
The present study sustains an analogy between the fin-de-siècle texts of Arthur Machen and the aesthetics of Decadence and Symbolism, first, and a principle of consistency regulating the tensions that underlie his minor works – id est, the customs originating from the sapiential corpus of the Bible and the intertestamental narratives being blended with the therianthropic rites of primitive totemism. The syncretism between Christian and Pagan rites and the oscillation between Apollonian ascesis and Dionysiac aestheticism mirror the resilience as well as the pathologies of the artist in his Protean Künstlerromane and self-portraits. Inspired by the numerous artistic currents of the Victorian age, Machen’s turn-of-the-century texts are quite complex to classify and account for the too frequent association made between his style and that of Gothic or Fantastic authors. This generic indetermination, notably triggered by the anthologization of Machen’s texts, requires a work of investigation in diverse domains such as archaeology, anthropology and ethnology. Episodic novels, short stories, tales, and prose poems, in particular, become experimental diaries foreshadowing the Surrealists’ automatic writing. Deemed to be either the emblem of hereditary contagion or the herald of a decadent civilization, the artist wears several masks which are further distorted by the author’s misleading autobiographical hints. After showing that Machen is not only a poet but also a theologian and an essayist and a theorician on aesthetics, it will be possible to understand the discrepancy between the fiction and the life of a fervent High-Branch Anglican, a faithful husband who nevertheless cultivated, in his texts, paraphilic fantasies, dreams of a new Orient and an Ancient Greece, or quite the contrary, extreme penitential itineraries grounded in a Medieval Welsh tradition requiring self-flagellation and anorexic fasting. Far from representing a “chalice empty of wine”, liturgy becomes a sacred power as the correlation between physical losses and spiritual gains in The Hill of Dreams shows. By championing the beauty of a minor Welsh culture, Machen partook in the “Celtic Revival” and wrote the chronicles of uprooted Welsh subjects exiled in the hostile environment of fin-de-siècle London and striving to reterritorialize its spatial and temporal constitution

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Moncelet, Christian. "L'univers poétique de René Guy Cadou." Clermont-Ferrand 2, 1988. http://www.theses.fr/1988CLF20014.

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"poesie la vie entiere", "la vie revee" : deux expressions de cadou qui invitent a explorer son univers poetique en tenant compte de sa biographie, de son profil d'ame et de son esthetique. Naissance et maturite d'un poete mort jeune, destinee d'un homme provincial par vocation, vie blessee d'epreuves et de deuils, parcours irradie d'amour : autant de themes abordes chronologiquement dans vie et passion de rene guy cadou, paru en 1975 aux editions bof. Dans les liens de ce monde (champ vallon, 1982), l'articulation de l'ecrit et du referent spatio-temporel est analysee sous la notion de "realyrisme" et s'integre dans la problematique generale de l'interdependance. Il importe a cadou d'abolir les frontieres, de vivre, dans les mots, des relations multiples entre les regnes, entre les etres, entre le midi et les autres, voire entre le lyrisme et l'humour. La vertu de communication et la fertilite des echanges s'affirment comme une valeur primordiale a travers une thematique tant spatiale (les portes, les fenetres) que verbale (les fonctions du langage, la dynamique comblee des questions et des reponses. . . ). Anti-narcisse, cadou incarne un orphisme genereux, doucement panique, dont la femme, les enfants et des animaux privilegies sont les figures actives. Valeur supreme, l'amour exige une transparence quasi mystique. Homme de toutes les fidelites, le poete a grandi dans son terreau geographique, social et verbal. Issu du peuple, il n'a cesse de temoigner de cette appartenance. L'etude inedite, la poesie et le peuple, montre que cadou fut un conciliateur exemplaire. S'il gouta le populisme (romanesque ou poetique), il se montra aussi friand de culture populaire, litteraire ou paralitteraire. "ecolier de rochefort" ou seul, il s'est "engage", a sa maniere, en s'adressant a tous
"poetry as the whole of life" life as a dream" are two phrases of cadou that invite us to explore his poetical universe taking into account his biography, the slant of his soul and his aesthetics. The birth and maturity of a poet who died when young, the destiny of a man who chose to be a provincial, a life injured by trials ans bereavements, love radiating all along on that journey, are as many themes chronologically dealt with in rene guy cadou's life and passion, published by bof in 1975. In the bonds in this world (champ vallon, 1982), the connection of what is written with the spatio-temporal referent is analysed under the notion of "realyricism" and is integrated in the general problematics of interdependence. It is important for cadou to abolish the borders, to live through words the multiple relations between the animal, vegetable and mineral kingdoms, between the beings, the ego and the others, even between lyricism and humour. The virtue of communication and the fertility of exchange asserts itself as a fundamental value through a set of themas which can be as well spatial (doors, windows) as verbal (the functions of language, the fulfilled dynamics of questions ans answers). An anti-narcissus, cadou incarnates a generous orphism, softy "panic" (cf. Pan) in which the whoman, children and privileged animals are active figures. As a supreme value love demands a quasi mystical transparency. An ever-faithful man, the poet grew up out of his geographical, social and verbal fertilizing soil. He was born of the ordinary people and never stopped testifying to that belonging. The unpublished story poetry and the people shows that cadou was an exemplary conciliator. If he enjoyed populism (in novels or poetry) he also showed he was fond of popular, literary or paraliterary, culture. A member of the rochefort school or by himself, he committed himself in his own way by addressing everybody

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Girard, Christelle. "La Comédie humaine : une poétique en fictions." Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC293.

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La pensée d'une réflexion consubstantielle à l'œuvre artistique - qu'elle soit formulée par les premiers romantiques allemands ou, de manière différente, par les romantiques français - prend de l'ampleur à la fin du XVIIIe et au siècle suivant. Or, de manière a priori paradoxale, la métatextualité ne s'affaiblit pas lorsque s'impose l'esthétique réaliste au XIXe siècle. Le métadiscours ne brise certes pas l'immersion fictionnelle comme dans le roman parodique et ses avatars, mais il perdure sous des formes nouvelles incorporées à la fiction. Balzac incarne cette tendance. En ce sens, nous défendons l'idée que Balzac est un des premiers à transposer dans le contrat réaliste ce que firent avant lui ou en même temps que lui les romanciers parodiques et excentriques. Bien plus, il assigne à la catégorie du romanesque une fonction réflexive au sein d'un pacte spécifique avec le lecteur. Le prologue de la thèse remarque les insuffisances du discours préfaciel sur la question du romanesque. Mais une intentionnalité de la réflexivité balzacienne est palpable à travers l'étude exhaustive du lexique poétique, dans la première partie. Les années 1839 à 1844 apparaissent comme le point culminant dans la méditation sur le roman et comme un moment de passage du vocabulaire métacritique du discours préfaciel aux intrigues fictionnelles. L'analyse des fictionnalisations, objet de la deuxième partie, suppose alors un enrichissement du débat sur le romanesque. La troisième partie observe un déplacement crucial : Balzac ne narrativise plus tant l'emprise du romanesque sur le lecteur, que son pouvoir réflexif. Le romanesque émancipe ainsi le lecteur et l'intègre dans le pacte métatextuel
The idea of mise-en-abyme in an artistic work - whether formulated by the first German Romantics or, in a different way, by the French Romantics - gained momentum at the end of the eighteenth century and during the nineteenth century. However, paradoxically, its metatextuality did not weaken when Realist aesthetics were imposed later in the nineteenth century. The metadiscourse does not interrupt the fictional immersion, as it does in parodic novels and their avatars, but it remains, albeit in new forms that are incorporated into the fiction. Balzac embodies this trend. In this sense, we support the idea that Balzac was one of the first to transpose into a Realist contract what parodic and eccentric novelists did before him or during his time. Moreover, he assigns a reflexive purpose to the category of the novel, making a specific pact with the reader. The prologue to my thesis notes the inadequacies of the prefatory discourse on the subject of the novel. But an intentional Balzacian reflexivity is palpable through an exhaustive study of the poetic lexicon, in the first part of the thesis. The years 1839 to 1844 appear as the culmination of a meditation on the novel and as a moment when metacritical vocabulary from prefatory discourse moves towards fictional intrigues. The analysis of fictionalizations, which is the subject of the second part, supposes, then, an enrichment of the debate on the novel. The third part observes a crucial shift : Balzac no longer narratizes both the novel's hold over the reader and its reflexive power. The novel thus emancipates the reader, bringing him or her into the metatextual pact

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Yasukawa, Takashi. "Poétique du support et captation romanesque : la « fabrique » de son lecteur par le roman de la victime de 1874 à 1914." Limoges, 2013. http://aurore.unilim.fr/theses/nxfile/default/15b8c6aa-4701-4945-8cfd-9fff4d0d6bb5/blobholder:0/2013LIMO2017.pdf.

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À la fin du XIXe siècle, lorsque la France entre pleinement dans une culture écrite, le roman à tendance sentimentale fait l’objet d’une immense diffusion, liée à l’industrialisation culturelle. Ces textes romanesques qu’on baptisera a posteriori sous l’étiquette générique de « roman de la victime » constituent alors une mode littéraire auprès des femmes lectrices fraîchement alphabétisées et scolarisées. Ce travail vise donc à étudier le roman de la victime en termes de réception et de lecture. L’analyse investigue trois domaines : les contextes empiriques dans lesquels les oeuvres du roman de la victime ont été diffusées, consommées et reçues ; les stratégies auctoriales et textuelles de guidage de la lecture ; le travail éditorial qui participe à l’encadrement de la lecture. Cette approche multiscalaire nous paraît la seule à même de reconstruire l’histoire de la lecture du roman de la victime, rendue difficile par la rareté des traces écrites valant pour témoignage direct
When France moved firmly into written culture at the end of the Nineteenth century, the sentimentalist novel was very widely spread largely thanks to cultural industrialisation. These Romanesque texts that are later known as "Victim's novels" by the generic phrase are part of a literary trend amongst newly educated and alphabetised female readers. This is a study of how these works were received and read. The analysis covers three axis : the empirical context in which the "Victim's novels" were spread, used and perceived ; the authorial and textual strategies of reading guidance ; and last the editorial work surrounding reading. This is the multi-scalar means by which we may attempt to rebuild the history of reading the victim's novel. It is difficult to do so regarding how few written accounts of such exist therefore denying access to first hand knowledge

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Ngone, Dzene Delphine Dielle. "Les pastiches - Zola : poétique et critique." Thesis, Toulon, 2018. http://www.theses.fr/2018TOUL3003/document.

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Les pastiches-Zola constituent un signe de réception de l’œuvre zolienne. Le style de l’auteur des Rougon-Macquart est toujours ciblé plus d’un siècle après sa mort par les auteurs de ce type de réécriture. Notre travail de recherche pose le problème de l’appropriation mimétique et/ou différentielle des pastiches-Zola postérieurs à sa mort. La question centrale à traiter est celle de savoir comment Zola est imité dans ces pastiches. Le pastiche implique le phénomène de reprise textuelle qui est caractérisé par l’existence de deux types de textes : l’hypertexte (texte dérivé) et l’hypotexte (texte imité). Une approche comparative associée aux théories de l’intertextualité et de l’hypertextualité nous a permis de découvrir que les pasticheurs de Zola s’inspirent de ses romans et des œuvres d’autres auteurs célèbres. Ils produisent ainsi des pastiches à hypotexte simple, double ou multiple. Les pastiches-Zola se distinguent aussi par leur visée interne (littéraire) ou externe (politique, publicitaire). Les pastiches à visées externes montrent que leurs auteurs documentent les faits sociaux de leur époque comme le faisait Zola. Certains pasticheurs font preuve d’engagement (littéraire) en s’attaquant, mais de manière indirecte, aux personnalités politiques de leur époque. En plus de leurs intentions, leur représentation du style de Zola diversifie leurs productions écrites. Chaque pasticheur obéit à certaines règles d’imitation liées de manière générale aux principes de ressemblance et de différence. Certains pastiches sont ainsi plus inventifs et/ou plus représentatifs du style zolien que d’autres. L’étude des manières imitantes des pasticheurs permet de mener une réflexion sur la notion du style dont les définitions paraissent floues. Les pasticheurs ne s’attardent plus seulement sur la thématique zolienne qui a été très critiquée de son vivant et même après sa mort. Ils allient les thèmes aux procédés stylistiques et expriment, de ce fait, une reconnaissance des qualités poétiques de l’œuvre du chef de file du naturalisme. Les pastiches-Zola produits au XXe et à l’aube du XXIe siècles apparaissent donc, non seulement comme une analyse critique de cette œuvre, mais aussi comme une critique des critiques partielles ou partiales qui ont précédé le renouvellement de la lecture des textes de l’auteur de Médan. L’imbrication des procédés stylistiques et des thèmes zoliens repris et adaptés aux contextes des pasticheurs montre que le style littéraire convoque à la fois les dimensions idiosyncrasiques et sociologiques des façons d’écrire propres à un écrivain, le style n’étant pas un phénomène abstrait mais une série de choix formels et thématiques historiquement situés et dont l’imitation est grandement déterminée par des représentations
Zola-pastiches are a sign of reception of Zola’s literary works. More than a centuryafter his death, his style is still targeted by the authors of this type of rewriting. Our researchposes the problem of mimetic or differential appropriation of Zola-pastiches posterior to hisdeath. How the author of Les Rougon-Macquart is imitated in these pastiches is our mainresearch question. A pastiche is a writing that implies a textual repeat characterized by theexistence of two types of texts: the hypertext (derived text) and the hypotext (source text). Acomparative approach linked to the theories of intertextuality and hypertextuality has enabledus to discover that the imitators of Zola draw inspiration from his writings and also from thewritings of other authors. They thus produce pastiches with single, double or multiplehypotexts. The distinction between Zola-pastiches is also based on their internal (literary) orexternal (political, advertising) aim. The authors of pastiches with external aims documentthe social facts of their era just like Zola did in his novels. Some authors show a literaryengagement by attacking political leaders but indirectly. In addition to their aims, theirrepresentation of Zola’s style diversifies their writings. Each writer conforms to someimitation rules which are generally related to the principles of similarities and differences.Some pastiches are therefore move creative and/or more representative of Zola’s style thanothers. The study of the imitative ways of pastiches’ writers implies a reflection on theconcept of style whose definitions seem unclear. These writers no longer focus only onZola’s thematic which has been highly criticized during his life time and even after his death.They blend themes and stylistic devices, thus acknowledging the poetic quality of the literaryworks of the naturalism founder. The Zola-pastiches written during the 20th and at thebeginning of the 21st centuries therefore appear to be a critical analysis of these works as wellas the criticism of the partial or one-sided criticism that preceded the renewed interest in thereading of the author of Medan’s texts. The imbrication of stylistic devices and themesborrowed from Zola and adapted to new contexts shows that the literary style convokes theidiosyncratic and sociologic dimensions of an author’s specific way of writing, given that,style is not an abstract phenomenon but a series of formal and thematic choices which arehistorically located and whose imitation is highly determined by representations

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Ducos, Pascale Laurence. "Poétique de la chronique dramatique de Catulle Mendès (1895-1897)." Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/28945/28945.pdf.

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Gordeeva, Anna. "L’écriture poétique de Tristan Corbière : l'étrange étranger." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040052.

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Tristan Corbière est l’auteur de l’unique recueil des "Amours jaunes" écrit en 1873. Le poète breton aborde dans ses vers avec cynisme les rêves brisés d’enfance, l’amour échoué, la difficulté à se faire connaître et même à exister. Il se sens incompris, mal aimé, marginalisé, rejeté. Cette douleur est transmise à travers l’écriture "torturée", en somme antipoétique. Ses vers sont hachés, coupés ; ce qui traduit le bégaiement de sa langue et de ses sentiments. C’est le creux qui sonne, le vide qui parle chez Corbière. Les "Amours jaunes" est en somme une série de poursuites et refus de l’amour, d’humiliations subies ou infligées, d’insolences et de supplications qui s’inscrivent sur une large palette de ce recueil. A travers ses provocations, son sarcasme, ses agressions, son éternelle insatisfaction, ses nombreuses ambiguïtés, il tente d’exprimer sa profonde détresse et une grande souffrance. Privé de ses racines, de nom, d’amour, de reconnaissance, il se retrouve marginalisé. Il vagabonde En dehors de l’humaine piste et il reste étranger au monde et à lui-même
Tristan Corbière is the author of the only collection of poems named "Les Amours Jaunes" written in 1873. The breton poet speaks with cynisme about his children’s broken dreams, failed love, the difficulty to become outstanding and even ton exist. He feels misundersood, unloved, rejected. His pain is translated by the "tortured" and antipoetic style. His verses is chopped off ; what shows the stammered language and his feelings. The emptyness and the hollow are expressed in his poems. "Les amours jaunes" représents actually the pursuit, the plea and the refusal of love, his humiliations. His sarcasm, agressions, perpetual insatisfaction, his numerous contradiction show his deep sufferings and distress. Devoid of roots, name, glory, he feels out of society, he wanders out of the human world, he stays a stranger to the universe and to himself

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Froudière, Julie. "Littérature et aliénisme : poétique romanesque de l'Asile (1870-1914)." Thesis, Nancy 2, 2010. http://www.theses.fr/2010NAN21011/document.

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Au XIXème siècle, la perception de la folie évolue de façon sensible : des méthodes thérapeutiques sont déterminées, un plan architectural est arrêté, des médecins spécialistes de la folie sont nommés, une loi est promulguée. L'asile, lieu de la folie, subit nécessairement ces évolutions, et devient un lieu culturellement disponible : le peuple le visite, les romanciers l'investissent. Aux confluents de l'imaginaire collectif et des travaux aliénistes, les incursions de la littérature dans le monde asilaire se multiplient. A travers un corpus varié, cette thèse se propose d'étudier comment, entre 1870 et 1914, les écrivains mettent en place une représentation poétique de l'asile. Elle montrera comment cette poétique se forme dans l'usage commun, dans toutes les oeuvres asilaires, d'un substrat culturel et scientifique que des exigences personnelles et un travail de construction scripturale vont modifier au gré des romans. Ainsi, l'esthétique du paysage asilaire se dessine par les descriptions des lieux, par les symboles qui lui sont attachés, par la représentation de ceux qui l'habitent, mais aussi de ceux qui y officient. Se révèlent alors une typologie de l'Asile, définie par une série de paradigmes, ainsi qu'une taxinomie de l'aliéné et de l'aliéniste, et de leurs discours respectifs. A travers l'étude stylistique et rhétorique de ces éléments, une écriture asilaire se dégage, et la poétique naît de la tension entre clichés et singularité de l'écriture. L' « asile » se fera ainsi « Asile » au creux des romans
In the XIXth century, the perception of madness goes through significant evolutions : therapeutic methods are determined, an architectural plan is settled, specialists of madness are appointed, a law is promulgated. The asylum, place of madness, inevitably undergoes these evolutions, and becomes culture free scenes : people visit it, the novelists invest it. At the crossroad of collective imagination and the works of the alienists, the explorations of the literature in the asylum multiply. Through a varied corpus, this thesis deals with the question of novelists developing a poetical representation of the asylum between 1870 and 1914. It will expound how this poetics takes shape in the common sense and in the literary work, from a cultural and scientific substratum which personal requirements and work of scriptural construction will modify as novels come out. Thus, the aesthetics of the asylum?s landscape is drawing out of the descriptions of the place, the symbols attached to it, and the representation of those who live in it, but also of those who work there. A typology of the Asylum shows itself then, defined by a series of paradigms, as well as a taxonomy of the madman and the alienist, and their respective speeches. A writing of the asylum appears through the stylistic and rhetoric study of these elements, and the poetics arise from the tension between clichés and the singularity of the writing. The ?asylum? will thus be ?Asylum? in the novels

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Amela, Amelavi Edo. "L'Afrique comme thème poétique dans la littérature française au XIXe siècle : V. Hugo, Nerval, Baudelaire, Rimbaud." Paris 12, 1987. http://www.theses.fr/1987PA120002.

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L'inconscient collectif europeen est fortement impregne d'images stereotypees qui donnent de l'homme noir et de son cadre de vie, notamment au xixeme siecle, des representations peu valorisantes. Les recherches recentes en imagologie ont suffisamment mis en evidence, a travers la litterature dite coloniale, ces tendances negrophobiques qui sont des confirmations des theories racistes naissantes. Le present travail est contradictoire et cherche a montrer que ces deviations sont generalement le fait d'ecrivains mineurs, alors que les representants les plus marquants des courants majeurs de la poesie francaise au xixe siecle, hugo, nerval, baudelaire, rimbaud, ont evoque le continent africain et l'homme noir avec sympathie, lyrisme et nostalgie. Notre demarche est resolument chronologique : la palingenesie du mythe, c'est-adire le processus de son eternelle resurgence a travers un siecle donne, voila l'objet de notre enquete. Le chapitre introductif etablit les prolegomenes a une etude comparee a travers la litterature europeenne et determine les conditions etiologiques de la formation des cliches et des stereotypes. Ce developpement liminaire traite egalement des problemes de methodologie et passe en revue, pour les besoins de la demonstration, les notions de mythe, de theme ou de motif, et montre en meme temps les rapports intimes qui lient les etudes thematiques, psychocritiques et les recherches sur les mythes. L'individuation du theme africain et ses aspects proprement ethiques, sa dimension mystique, son versant erotique et son option revolutionnaire ont ete successivement analyses. Ces aspects correspondent, dans l'economie de notre recherche, aux diverses tendances qui recouvrent tout le xixeme siecle litteraire. Le dernier chapitre etudie l'usure du theme et des deviations racistes et montre comment la naissance de la poesie de la negritude est etroitement liee a la necessite d'une prise de parole trop longtemps tue. La negritude est un droit de reponse calibanesque a l'orgueilleux monologue de prospero
Since shakespeare, daniel defoe and aphra behn the african continent and blacks people appear in european literature : africa is the subject of a great number of poetry and fiction's books. This thesis studies the subject of africa in 19th century's french poetry, particularly with v. Hugo, nerval, beaudelaire and rimbaud. Four aspects are analysed : ethic, esoteric, erotic and metaphysical. In conclusion, it seems that racism doesn't appear in 19e century's french poetry

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Majeune-Girodias, Christine. "Théophile Gautier : poète, poésie, poétique." Clermont-Ferrand 2, 2001. http://www.theses.fr/2001CLF20002.

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Ce travail organisé en trois axes aborde l'oeuvre de Théophile Gautier dans sa globalité, même s'il est plus précisément centré sur les compositions poétiques. Nous avons tenté de mettre en évidence les différentes figures du poète représenté à l'intérieur des textes, où se mêlent tour à tour satire, humour et éloge. La présence d'une intertextualité récurrente constitue la marque de l'écriture de l'auteur dont les diverses productions se font l'écho d'autres écrits qui enrichissent et ornent la fiction ou la réflexion. Nous avons également choisi d'analyser au sein de l'oeuvre poétique des thèmes qui nous paraissaient essentiels : la nature, l'intimité, l'évasion, le désenchantement, la mort et dieu. Enfin, nous avons essayé de démontrer que Gautier a constamment poursuivi son rêve de l'art total

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Borie, Charlotte. "La poétique de l'intériorité chez Charlotte et Emily Brontë." Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20041.

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Au cœur de l'écriture de Charlotte et Emily Brontë se trouve la question de la formation de l'identité et du saisissement de soi par le sujet (essentiellement féminin). Dans Jane Eyre, Villette, Wuthering Heights et la poésie d'Emily Brontë, le lecteur suit personnages principaux et personae tout au long d'un parcours qui les amène à prendre possession d'eux-mêmes, à trouver leur place dans le monde, à s'y inscrire et à pouvoir transmettre une vision de leur intériorité. Le processus d'intériorisation comprend quatre phases. La première s'organise autour de la perception. Les sujets découvrent le monde et apprennent à son contact la nécessité de rechercher, voire de créer la sensation d'appartenance pour atteindre le bonheur. Déçus par le monde, ils se replient alors sur eux-mêmes, et commence alors la phase de ressenti. Les sujets passent de la perception à l'intellection, forment leurs schémas mentaux, et tentent de recréer en eux-mêmes, virtuellement, les conditions du bonheur. L'imagination joue un rôle majeur dans cette entreprise, mais à terme, le refuge intérieur devient un enfermement, par l'expansion pathologique de l'intériorité et le manque de réel. Les sujets ressentent alors l'impérieuse nécessité d'extérioriser. La troisième phase s'amorce donc autour des problématiques d'expression. Les sujets, à travers la prise de parole, l'écriture et la pratique picturale, trouvent des canaux pour épancher leur intériorité autant que pour la mettre en forme. Le résultat de leur extériorisation donne lieu à la quatrième phase, celle du reçu, au cours de laquelle les lecteurs intimes et performants continuent l'entreprise de construction de l'identité
The development of identity and the process of self-possession is at the heart of Charlotte and Emily Brontë's writing. In Jane Eyre, Villette, Wuthering Heights and Emily Brontë's poetry, the reader follows the characters and personae (who are essentially female) through the life-voyage which brings them to get to know themselves, find their place in the world, inscribe themselves in it and transmit a vision of their interiority. The process of interiorisation consists in four phases. The first phase is about perception. The subjects discover the world and learn from this contact the necessity of searching for, and even recreating, the sense of belonging in order to gain happiness. Disappointed in the world, they withdraw into themselves, and the phase of feeling starts. The subjects shift from perception to intellection, shape their mental patterns, and try to recreate within themselves, virtually, the conditions of happiness. Imagination plays a major part in this process, but eventually, the inner shelter becomes a prison through the pathological expansion of interiority and the lack of reality. The third phase then begins, revolving around the idea of expression. The subjects, through speech, writing or painting, find ways to let out as much as frame their interiority. The result of their exteriorisation brings about the fourth phase, that of reception, during which intimate and competent readers carry on the process of the construction of identity

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Nizard, Lucie. "Poétique du désir féminin dans le roman de moeurs français du second XIXe siècle (1857-1914)." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2021. http://www.theses.fr/2021PA030078.

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La représentation du désir sexuel féminin dans le roman de mœurs du second XIXe siècle soulève des enjeux cruciaux : elle fait apparaître les paradoxes d’un second XIXe siècle écartelé entre des visions des femmes contradictoires, créatures hantées par la sexualité ou vierges-mères ; elle nous renseigne sur les processus de construction des genres masculins et féminins ; elle nous fait réfléchir aux scandales d’hier et d’aujourd’hui que suscitent le corps féminin désirant et les regards portés sur lui ; elle interroge la poétique de ce genre littéraire et ses prétentions à l’objectivité. Nos romans ambitionnent de tout dire du réel, revendiquant une rationalité scientifique. Et pourtant, ils se livrent lorsqu’ils abordent le désir féminin à un voilage stylistique, exigeant du lecteur un travail de décodage. Nous avons entrepris d’analyser ce voile de mots qui recouvre les corps féminins, afin de percer les ressorts de cette mauvaise foi. La méthode sociocritique permet de montrer les interactions entre nos romans et les différents discours sociaux de leur temps (médicaux, religieux, juridiques ou encore pédagogiques), et ainsi de faire apparaître un imaginaire social complexe et cohérent du désir féminin, dont le roman tout à la fois reconduit et déjoue les stéréotypes. Dans les textes littéraires, les théories scientifiques se muent en matériau poétique, et le double-sens devient un véritable art. Ces représentations érotiques obliques font des descriptions du désir féminin un terrain miné de sous-entendus, élaboré le plus souvent par et pour des hommes. Certains romans ménagent toutefois déjà une place à une parole et à un regard de désir au féminin, voire par-delà le genre
The representation of female sexual desire in the novel of manners of the second half of the 19th century raises critical issues – it highlights the paradoxes at play in the second half of the 19th century, torn between contradictory representations of women, as either sexually haunted creatures or virgin mothers ; it informs us about the construction of masculine and feminine gender roles ; it makes us reflect on the scandals, past and present, caused by the desiring female body and the gaze cast upon it ; it interrogates the poetics of this literary genre as well as its claims to objectivity. The ambition of the novels analysed here is a comprehensive account of reality, with a claim to scientific rationality. And yet, when they deal with female desire, they indulge in a form of stylistic veiling that requires the reader to unpack the meaning. The purpose of this thesis was to analyse this veil of words covering female bodies, in order to lay bare the mechanisms behind the mendacity. The socio-critical method makes it possible to show the interactions between the novels and the various social discourses of their time – medical, religious, legal or even pedagogical – and thus to reveal a complex and coherent social imagery of female desire, whose stereotypes the novel both upholds and thwarts. In literary texts, scientific theories morph into poetic material, and double entendre becomes an art. These oblique erotic representations turn the descriptions of female desire into a minefield of innuendo, mostly developed by and for men. Some novels, however, already make room for a female voice and gaze of desire, sometimes even beyond gender

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Cho, Jae-Ryong. "Les enjeux théoriques du poème en prose : filiation historique (d'Alphonse Rabbe, Aloysius Bertrand à Charles Baudelaire) et théorique (Aloysius Bertrand, Charles Baudelaire et Stéphane Mallarmé)." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082061.

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Le poème en prose a posé et pose encore un problème épistémologique dans le champ critique littéraire. Car, non seulement, le poème en prose tend vers l'avenir du poème dans l'interaction des discours, mais aussi, la spécificité de cette écriture ne peut pas se construire à partir du repérage des effets "poétiques" qui situent le discours à l'extériorité du langage. La problématique montre ainsi une tendance à réduire son impensé au statut de genre littéraire. Il y a donc des enjeux, c'est-à-dire que le poème en prose pose le questionnement de sa définition et de la reconnaissance de sa pensée. Dans le lien générique qui se révèle entre le poème en prose et les tentatives de prose poétique, s'ouvre la possibilité d'y voir le fonctionnement du langage dans l'ensemble du texte. Par conséquent, quand apparaît au dix-huitième siècle, la notion de poème en prose, relevant de la narration en prose, se rencontre déjà chez certains écrivains. . .

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Galand, David. "Poétique de l'élégie moderne, de C.-H. de Millevoye à J. Reda." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA066/document.

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L’élégie connaît une vogue manifeste à l’aube de notre modernité, au sein de ce qu’il est convenu d’appeler le préromantisme et le romantisme. Mais cet engouement ne va pas sans susciter de profondes interrogations sur la dimension générique de l’élégie. En effet, depuis son acclimatation en français, l’élégie ne peut plus être définie par le seul critère formel, devenu douteux. En outre, dès l’âge classique, deux dangers minent le genre : sa variété thématique qui gêne sa définition et une évolution sclérosante qui le fige en clichés. Émerge donc le souci de rédimer un certain babélisme de l’élégie et d’en refonder le pouvoir expressif par le recours à la notion plus souple d’ « élégiaque ». La modernité de l’élégie s’adosse à cet héritage problématique et réclame une perspective d’étude résolument historique : la vitalité de l’élégie au seuil du XIXe siècle s’autorise d’une nouvelle saisie du genre, qui promeut l’élégiaque au rang de critère premier, ramenant peu à peu l’étiquette d’élégie à la portion congrue. L’œuvre de Millevoye permet de dater ce point de bascule, qui ouvre la voie à l’élégie romantique, attachée à la notion naissante de « lyrisme » et magnifiée par Lamartine sous les auspices de la méditation. Mais en refondant l’élégie sur l’expressivité élégiaque, la modernité romantique l’a soumise aux aléas des sollicitations du sujet par l’histoire, qui le déstabilisent. D’où un déplacement de l’écriture élégiaque durant la seconde moitié du XIXe siècle, dans le repliement intimiste, le dédoublement parodique et humoristique, ou encore la polyphonie, manifestations diverses d’une remise en cause de la source subjective de la plainte élégiaque. Quand revient à la surface du champ littéraire l’élégie revendiquée comme telle, à l’occasion du traumatisme de la Seconde Guerre mondiale, c’est pour cristalliser en un genre labile les doutes, les deuils et les sourires d’un lyrisme incertain de son propre chant comme de l’existence du sujet qui le hante plus qu’il ne le chante
The elegy was fashionable at the dawn of modernity, during the periods which are known as Pre-Romanticism and Romanticism. But this infatuation with elegy was not without raising deep questioning on its generic dimension. Indeed since the French had appropriated the genre, the elegy can no longer be just defined by a formal criterion which has become disputable. Furthermore, as early as the classical period, two dangers have been subverting the genre: its wide range of themes which is an obstacle to our grasping its quintessence and an evolution at a standstill condemning it to stereotyped perceptions. And from this came the worry to amend the confusion existing around the elegy as well as the urge to revivify its expressive power around the more flexible notion of "elegiac". The modernity of the elegy relies on this problematic heritage and requires a study in historical perspective: the vitality of the elegy at the beginning of the XIXth century allowed itself to provide a new interpretation of its genre that promoted the elegiac as a decisive criterion. Millevoye’s works enables us to date this turning point which paved the way to the romantic elegy linked to the rising notion of "lyricism" and glorified by Lamartine under the auspices of meditation. But while revivifying the elegy on elegiac expressiveness, romantic modernity compelled with the subject having to respond to historical vagaries that were eventually unsettling. Hence a shifting away from elegiac writing during the second half of the XIXth century into intimist withdrawal, parodic splitting or polyphony, all of them being various utterances of a questioning of the elegiac complaint’s subjective source. When the elegy as such resurfaced the literary scene owing to the trauma of the Second World War, it featured a shifting genre to crystallize the doubts, mournings and smiles of a lyricism as uncertain of its own song as the very existence of a subject that haunted its lines more than he inhabited them

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Fantini, Stéphane. "Loups-garous, goules et vampires : poétique de l'espace et des éléments chez trois croque-mitaines de la littérature fantastique du dix-neuvième siècle." Grenoble 3, 2003. http://www.theses.fr/2003GRE39049.

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Dans les histoires de loups-garous, de goules et de vampires du dix-neuvième siècle, la poétique de l'espace et des quatre éléments (eau, air, terre et feu) est rarement anodine. La première s'inscrit dans l'héritage de pensée du roman gothique, de la théorie des climats, du tourisme, établit un lien symbolique entre mobilité, métamorphose et immortalité et témoigne de discours initiatiques spécifiques à chaque figure. La seconde déclenche une réflexion symbolique sur la mort (heureuse ou redoutable), la pureté, l'impureté, la pesanteur et l'archéologie. Fondamentalement, elle réactive l'imaginaire du basilic et du dragon. La poétique de l'espace et des éléments permet ainsi de contourner le discours frontal sur certaines questions existentielles délicates (Temps, Mort, altérité, sexualité). Plus ou moins délibérément, l'espace dramaturgique fantastique ruse : il approfondit la réflexion existentielle sur la place de l'homme dans le monde.

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Barrucand, Michel. "Sidney Lanier (1842-1881) : un poète musicien." Nice, 1995. http://www.theses.fr/1995NICE2021.

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L'œuvre de Sidney Lanier (1842-1881) se singularise par l'utilisation des principes de composition musicale adaptes à la création poétique. Le but de ce mémoire est double : premièrement, faire resurgir dans la critique littéraire une œuvre poétique négligée depuis une cinquantaine d'années aussi bien aux Etats-Unis qu'en France ; deuxièmement, décrire par le biais de l'analyse musicale des poèmes qui sont fondés sur une technique d'écriture originale. Deux chapitres introductifs servent à apprécier les aspects biographique et psychologique du poète, ainsi qu'à offrir au lecteur une analyse rigoureuse du traité poétique de Lanier, The science of english verse. Les chapitres suivants sont consacrés a l'explication de l'œuvre même, la méthodologie employée reposant sur les principes de l'analyse musicale appliquée à des partitions. Par conséquent, les questions abordées sont la combinatoire des sonorités phonémiques au sein des vers, les rythmes, l'harmonie, les mélodies, la juxtaposition des thèmes en fugues et contrepoint. La poésie est ainsi décrite dans sa dimension purement musicale, l'œuvre devenant un poèmepartition
Sidney Lanier's poetry is characterized by the principles that composers use in musical composition but adapted to the poetic creation. The aim of this book is twofold : first, to re-introduce into literary criticism a poetical work which has been neglected for over fifty years in the United States as well as in France ; and second, thanks to a musical analysis, to describe the poems which are based on an original writing technique. Two introductory chapters deal with the biographical and psychological aspects of Lanier, the man and the poet. Then, the reader is given an in-depth and rigorous analysis of Lanier's poetical treatise, entitled the science of english verse. The next chapters are about the explanation of Lanier's poetical works themselves, the methodology used resting on the principles of musical analysis applied to musical scores. Consequently, the questions deal with the combination of the phonemic sounds within the line and verses, the rhythms, the harmony, the melodies, the juxtaposition of the themes into fugues and the use of the counter-point. Thus Lanier's works are described in their purely musical dimensions, the poem becoming a scorepoem

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Dupas, Pierrard Solenn. "L'art du déconcertement dans l’œuvre poétique du second Verlaine (1880-1896)." Rennes 2, 2009. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=http://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=sdsMS01.

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Généralement considérée comme le fruit d’un déclin voire d’un renoncement créatif, l’œuvre poétique du second Verlaine tend à être mise entre parenthèses par les éditeurs et les commentateurs. Cet ensemble hétérogène témoigne pourtant d’une réflexion continue sur les enjeux de l’expression et de la réception littéraires. À partir de la publication de Sagesse en 1880, le poète exacerbe la culture du déconcertement qu’il a mise en place dans ses premières compositions. Non content de déployer une écriture du contre-temps à rebours des normes et des conventions de la doxa, il cultive un art de la contradiction qui exploite à la fois les ressorts explicites et implicites des textes. Cette recherche propose de montrer comment Verlaine élabore une parole instable, palinodique et polyphonique, afin de surprendre les lecteurs en quête d’une image unifiée du sujet poétique, tout en les confrontant de façon malicieuse à leur liberté et à leur responsabilité interprétatives
Generally considered to be the result of poetic decline, or even creative renunciation, the later poetry of Verlaine tends to be forgotten by publishers and critics. This corpus, albeit heterogeneous, offers a constant reflection on literary expression and reception. From the publication of Sagesse in 1880, the poet emphasizes the art of disconcerting the reader created in his earlier poems. He writes outside of his time, against the standards and conventions of public opinion, but also uses explicit and implicit self-contradictions. This thesis proposes to show how Verlaine elaborated unstable, contradictory and polyphonic poetry, to surprise readers and confront them with their freedom and their responsibility with regard to the interpretation of texts

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Blondeau, Isabelle. "La sculpture dans La Comédie humaine de Balzac : poétique, politique et esthétique." Thesis, Reims, 2013. http://www.theses.fr/2013REIML012.

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Si la peinture dans l'œuvre balzacienne a beaucoup occupé la critique, la sculpture moins. C'est pourquoi elle fait l'objet de cette thèse. Il s'agit de montrer que la représentation de la sculpture dans La Comédie humaine est au cœur de la création balzacienne. En résonance (en résistance aussi parfois) avec les discours de l'époque, la représentation de la sculpture chez Balzac implique une réflexion sur la représentation politique et figure la fin du fondement sacré du pouvoir, liée à la Terreur, dans la première moitié du XIXe siècle. Articulant représentation politique et poétique de la représentation, le romancier met ainsi au jour une crise de la mimèsis, trop souvent invoquée à propos de son œuvre. En deuil du sacré et de la réalité de l'Idée, Balzac fait de la sculpture le lieu de l'articulation entre Idée et Image et la place au cœur de son énergétique et de son esthétique. Née de la mort, la sculpture devient pour Balzac art premier, capable de redéfinir les fondements du réel et du roman. À la croisée du politique, de la poétique et de l'esthétique, cette réflexion sur la sculpture dans La Comédie humaine voudrait allier histoire des représentations et histoire de la représentation
If painting in Balzac's work has interested many critics, sculpture less. This is why this is the theme of this thesis. Indeed, it is a question of demonstrating that sculpture's representation in La Comédie humaine stands at the heart of Balzac's creation. In resonance (sometimes in resistance) with the speeches of that period, sculpture's representation in Balzac's novels implies particular thought on political representation, and represents the end of the sacred foundation of power, linked to Terror, in the first part of the nineteenth century. Articulating political representation and poetics of representation, the novelist highlights a crisis of mimèsis, too often mentioned regarding his work. In mourning of the sacred foundation and the reality of the Idea, Balzac considers sculpture as the place of the link between Idea and Image, and puts it at the heart of his energetic and his aesthetics. Coming from death, sculpture becomes for Balzac the first art, able to redefine the foundations of reality and fiction. At the crossroads of politics, poetics and aesthetics, this thought on sculpture in La Comédie humaine aims to combine history of representations and history of the representation

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