Статті в журналах з теми "Performance/performativité"

Résumé: Cet article aborde la problématique actuelle de la notion de théâtralité, couvrant ses nombreuses définitions, critiques et approches sur la pratique théâtrale en Occident, d'après plusieurs théoriciens et artistes depuis le début du XXe siècle. Appuyé par une approche historique de la théâtralité, l'article revisite notamment ses rapports avec la performance et la performativité, donnant ainsi des fondements pour analyser l'émergence de la théâtralité dans la création de Macbeth (2014) au Théâtre du Soleil.

La poésie-performance peut s’envisager comme une sorte de suture sémiotique entre la poésie et l’art performance. Offrant un compte-rendu de la pratique du poète-performeur Sébastien Dulude, le livre Chambres (2013) soulève des questions sur le statut du livre et de la documentation de la performance. C’est principalement dans le sillage de Philip Auslander que s’inscrit cet article dans lequel interviennent les notions de performativité et celle de documentation. La question de l’ontologie de la performance chez Peggy Phelan, celle de l’archive chez Christophe Kihm et celle du régime ontologique chez Gérard Genette sont aussi convoquées dans cette réflexion. Les enjeux sémiotiques du document et de la documentation textuelle et photographique, de même que l’idée du livre comme performance sont ainsi abordés dans un souci de cerner un peu mieux le statut de ce « livre de poésie-performance ».

L’analyse s’intéresse aux textes d’Édouard Louis à travers le prisme de deux approches de « genre ». D’abord, on introduit le roman d’apprentissage, ou le Bildungsroman, qui raconte l’histoire d’un héros en quête de sa place dans le monde. Ensuite, la problématique du genre littéraire se joint à celle du genre dans le sens de gender. Partant de la théorie de la performativité de Judith Butler, nous envisageons le parcours d’un personnage de fiction comme une recherche de la performance de genre non-problématique. Édouard échappe à la masculinité ouvrière et bourgeoise, en passant par un stade d’homonormativité. Nous suggérons que la performance la plus efficace est celle qui va à l’encontre de la normativité hétérosexuelle, autrement dit, celle du « monstre ».

Pour Hirschman (1983, 1986, 1995), en cas d’insatisfaction, nous n’avons pas que la sortie (exit) ou la loyauté (loyalty) comme capacité d’action, nous pouvons aussi prendre la parole (voice). Mais qu’est-ce qui rend une prise de parole performative ? Nous proposons d’étudier la prise de parole non comme une argumentation ou un signe mais comme une performance (Schechner, 1995, 2002). Une étude exploratoire qualitative, où une prise de parole a consisté simultanément en une grève de la faim et en la dramatisation de cette protestation dans une pièce de théâtre, montre un ensemble de dynamiques performatives. Cinq enseignements quant à la performativité de la prise de parole sont proposés, concernant l’existence de porte(s) de sortie, la théâtralité et la performance, le parasitage de la parole, le rôle des différents contextes et l’ouverture à la conciliation.

Les pratiques reproductives des femmes hindoues vivant dans le nord-ouest de l’Inde et la préférence pour les garçons sont analysées avec le concept de performativité de genre développé par Judith Butler. Les femmes rencontrées pour cette étude ont soulevé l’idée que pour être une « femme complète », la naissance d’un fils est nécessaire et permet l’accomplissement de leur féminité et la performance de genre telle qu’elle est conçue dans leur contexte social. La construction identitaire de genre se met en place dès l’enfance par des gestes actés, ritualisés, répétés dans le temps. Ce processus engendre le désir d’une progéniture mâle comme une volonté personnelle s’inscrivant dans les négociations interactionnelles avec l’entourage familial.

La stigmatisation de la sexualité affecte les jeunes et les personnes âgées de manières diverses, mais toujours interconnectées. Dans cet article, Leah Tidey et Alexandra Haupt partent du principe que l’expression du genre et de l’âge fait l’objet d’une surveillance tout au long de notre vie, le corps jeune, cisgenre et hétérosexuel étant investi d’une plus grande valeur sociale que tous les autres. Or, le théâtre permet d’explorer dans un environnement relativement sûr les attentes associées à la sexualité, au genre et à l’âge. Tidey et Haupt s’appuient sur des théories en lien avec les scénarios sexuels et d’autres sur la performativité du genre et de l’âge pour s’intéresser aux expériences rattachées à la négociation de la sexualité, du genre et de l’âge vécues par des jeunes et des personnes plus âgées à travers la performance. S’inspirant de leur travail avec des personnes de ces groupes d’âge, elles observent comment ce savoir théorique se concrétise dans le cadre d’un projet de théâtre communautaire intergénérationnel.

Le conte populaire (ou conte de tradition orale) est un des premiers objets d’étude en ethnologie-folklore. Il appartient au domaine de l’oralité souvent désigné par l’expression « littérature orale » ou « orature ». Cet article présente dans un premier temps l’historiographie des études sur le conte en ethnologie en montrant comment le regard des chercheurs s’est déplacé du « texte » vers le « contexte », c’est-à-dire de l’objet vers son contexte d’énonciation et vers celui qui raconte. Afin d’exemplifier ce qui caractérise le conte oral et les conteurs d’autrefois, l’examen de la démarche de deux conteurs contemporains, Michel Faubert et Fred Pellerin, tous deux associés à la transmission patrimoniale du conte oral, permet dans un deuxième temps d’illustrer leur conception du conte, leurs influences et leur art de raconter tout en cherchant à savoir s’ils se rattachent à la tradition. Pour ces conteurs, l’art du conte consiste à « faire surgir des images » car c’est dans la performance de l’acte de conter que l’imaginaire se nourrit et c’est dans la relation avec l’auditoire que la forme orale du conte se maintient, que le conte prend vie. Les recherches ethnologiques sur le conte s’intéressent désormais à ses formes modernes, multiples et innovantes, issues d’un processus dynamique de communication et de transmission où la performativité du conteur est centrale. En somme, l’art du conte pour l’ethnologue est une tradition bien vivante qui ne se réduit pas à un folklore muséifié.

Abstract: When considering questions of sexual citizenship and independence in Jamaica, undoing the lethal histories of colonialism remains a Sisyphean project. Since Britain's terrifying reign, over-prescriptive laws govern "appropriate" colonial subjects. Jamaican queer bodies face difficulties in their aspirations to a queer politics devoid of persecution. Against discourses of sovereign power, biopolitics, performativity, state apparatuses, habitus, homonationalism, and sexual citizenship in Jamaica, I seek to delineate how the Buggery Act of 1533 gets embedded in the sexual mores of Jamaican normative practices. I discuss how the singularization of Jamaicanness forecloses other ways of being and knowing. Against the protracted notions of "fabricated homogeneity" (Walcott 99), I question who gets to partake in the "independence" project. I ask how we see (to borrow from Rinaldo Walcott) "the social classifications that allocate human worth according to differential racial markers and sexual practices" (Walcott 184) playing out in post-emancipation/independence in Jamaica. I answer these questions by offering a contemporary reading of David Myers, a deceased citizen of Britain in the 1800s, who was executed because he broke the country's code of conduct of "appropriate" sexuality. I use the account of Myers's violent punishment to trace erasure and the performativity of the law in determining who lives and who dies in the nineteenth-century and the contemporary performance of exclusion in the here and now of Jamaica's sexual politics. Resumen: Al considerar las cuestiones de la ciudadanía sexual y la independencia en Jamaica, deshacer las historias letales del colonialismo sigue siendo un proyecto de Sísifo. Desde el aterrador reinado de Gran Bretaña, las leyes excesivamente prescriptivas rigen a los súbditos coloniales "apropiados". Los cuerpos cuir jamaicanos se enfrentan a dificultades en sus aspiraciones a una política cuir libre de persecución. Contra los discursos del poder soberano, la biopolítica, la performatividad, los aparatos estatales, el habitus, el homonacionalismo y la ciudadanía sexual en Jamaica, intento delinear cómo el "Buggery Act" de 1533 se incrusta en las costumbres sexuales de la normativa jamaicana. Analizo cómo la singularización de la jamaicanidad excluye otras formas de ser y conocer. Contra las nociones prolongadas de "homogeneidad fabricada" (Walcott 99), cuestiono quién puede participar en el proyecto de "independencia". Me pregunto cómo vemos (según Rinaldo Walcott) "las clasificaciones sociales que asignan el valor humano de acuerdo con marcadores raciales y prácticas sexuales diferenciales" (Walcott 184) en la posemancipación/independencia de Jamaica. Respondo a estas preguntas ofreciendo una lectura contemporánea de David Myers, un ciudadano británico fallecido en el siglo XIX, que fue ejecutado por quebrantar el código de conducta del país sobre sexualidad "apropiada". Utilizo el relato del violento castigo de Myers para rastrear la supresión y la performatividad de la ley a la hora de determinar quién vive y quién muere en el siglo XIX y la exclusión en el aquí y ahora de la política sexual de Jamaica. Résumé: En examinant les questions de citoyenneté sexuelle et d'indépendance en Jamaïque, défaire les histoires mortelles du colonialisme reste un projet sisyphéen. Depuis le règne terrifiant de la Grande-Bretagne, des lois excessivement normatives régissent les sujets coloniaux "appropriés". Les corps queer jamaïcains rencontrent des difficultés dans leurs aspirations à une politique queer dépourvue de persécution. Dans le cadre des discours sur le pouvoir souverain, la biopolitique, la performativité, les appareils d'État, l'habitus, l'homonationalisme et la citoyenneté sexuelle en Jamaïque, je tente d'expliquer comment la loi sur la sodomie de 1533 est ancrée dans les moeurs sexuelles de la normativité jamaïcaine. J'analyse comment la singularisation de la jamaïcité exclut d'autres façons d'être et de savoir. Contre les notions persistantes d'un "homogénéité fabriquée" (Walcott 99), je me demande qui peut participer au projet de l'indépendance. Je demande comment nous voyons (pour reprendre les termes de Rinaldo Walcott) "les classifications sociales qui attribuent une valeur humaine en fonction de marqueurs raciaux et de pratiques sexuelles différentielles" (Walcott 184) dans la Jamaïque de l'après-émancipation/indépendance. Je réponds à ces questions en proposant une lecture contemporaine de David Myers, un citoyen britannique décédé au XIXe siècle qui a été exécuté pour avoir enfreint le code de conduite du pays en matière de sexualité "correcte". J'utilise le récit de la punition violente de Myers pour retracer la suppression et la performativité de la loi dans la détermination de qui vit et qui meurt au dix-neuvième siècle et l'exclusion dans l'ici et le maintenant de la politique sexuelle jamaïcaine.

Nul n’oserait soutenir que le savoir de l’architecte n’est pas un savoir critique. La critique du monde est en effet inhérente à tout projet qui vise à le transformer. Néanmoins, l’ampleur de la perspective ouverte par la conscience critique est un produit historique, qui change avec le temps. Depuis une quarantaine d’années (au moins depuis qu’on a accusé les architectes italiens d’opérer un « repli stratégique de l’architecture moderne »), une certaine notion de savoir « critique » assume une fonction de plus en plus prépondérante. Après la crise du lien supposé par les modernes entre langage architectural, programme de transformation sociale et perspectives éthiques, le concepteur n’agit plus seulement en fonction d’une disposition déterminée dans l’espace et le temps ; mais à travers le projet il ouvre un discours sur le monde qui présuppose d’autres espaces et temps futurs invérifiables. C’est ce qui s’est passé en Italie entre les années 1950 et 1980, où le projet a été interprété comme le véhicule neutre d’un discours élaboré principalement dans la tête de l’architecte. La prévalence de l’intention permet ainsi à l’architecte de proposer sa propre « vision du monde », dont la légitimité, fondée sur l’origine et non sur les effets, n’a pas besoin d’être négociée avec quiconque, et court constamment le risque d’être autoréférentiel. Si en revanche le projet se comprend comme le produit d’une stratégie continuellement déviée par un certain nombre d’instances, alors la condition critique perd son statut de tierce partie, et entre dans le jeu de l’action comme un outil parmi d’autres de la performance du projet. Placer le savoir critique à l’intérieur, et non au-dessus, du travail pratique permet d’ouvrir une réflexion systématique sur la puissance du projet. Cela implique un déplacement de l’attention du sujet-auteur vers l’objet-projet, et permet un traitement analytique et vérifiable des pratiques projectuelles. L’action projectuelle peut en effet se comprendre comme un ensemble spécifique de compétences et de pouvoirs à mi-chemin entre technique et politique, dimension bureaucratique et symbolique, prévision et narration.

Cet article étudie les effets d’un accélérateur régional de projets de développement territorial sur la capacité d’action des porteurs de projets accompagnés, en termes économiques et de développement durable. Le projet accéléré retenu pour une première étude est celui du développement de la Filière Amande en Provence. Deux courants de recherche sont articulés. Le courant des capacités régionales d’innovation où quatre catégories du capital (humain, relationnel, structurel et social) sont données comme principaux ingrédients dans la construction d’une capacité régionale d’innovation. Le deuxième courant s’appuie sur le concept de performativité issu de la théorie sociale autour de l’agence permettant d’exprimer que la capacité d’action du porteur de projet et donc son capital se transformerait à travers l’expérience et les opportunités offertes dans l’accompagnement par l’accélérateur. La méthode qualitative est celle de l’étude de cas enchâssés combinée à une démarche auto-ethnographique. Différents types de données ont été collectées sur la période juin 2018-juin 2019. Le résultat montre les effets du travail de l’accélérateur sur la transformation et la combinaison dans le temps, des capitaux et capacités du porteur de projet. Il suggère un équilibre complexe et parfois contradictoire, entre un effort de transformation concrète issue d’une première transformation du capital relationnel au niveau national du porteur de projet et la réponse à des enjeux territoriaux de développement durable qui dépassent cette ambition initiale, requérant un capital social plus diversifié en région.

Les concepts de « performatif », de « performativité » et de « performance » ont été interprétés de différentes façons dans un ensemble relativement vaste de théories s’inspirant les unes des autres. C’est à Austin qu’il revient d’avoir caractérisé en premier la notion d’énoncé performatif et de poser ainsi les jalons pour une étude des actes de langage. Après lui, Searle propose de considérer le langage dans son contexte d’énonciation et, parallèlement, Derrida réinterprète l’idée austinienne de performatif à l’aune du concept d’itérabilité, ce qui relance cette notion. Si Bourdieu veut réinscrire la performativité dans une logique plus « rituelle », Lyotard tente de la comprendre comme un jeu où les « joueurs » sont impliqués dans un calcul complexe d’interactions. Devenue incontournable avec Butler et du côté des Gender Studies, la performativité ne doit toutefois pas se réduire à une performance théâtrale du genre ni en être totalement exclue pour autant. Dans Excitable Speech, Butler soutient que son idée de la performativité se situe quelque part entre Bourdieu et Derrida et, selon Anne-Emmanuelle Berger, dans un chiasme entre « interprétation linguistique » et « interprétation théâtrale ». En outre, Parker et Sedgwick ont envisagé une nouvelle manière de penser ensemble performatif et performance qu’il faut mettre en parallèle avec certaines considérations récentes sur le rôle actif du spectateur.

Resume :À l’heure où la littérature contemporaine est invitée à se rendre utile en sauvant ou en réparant ses lecteurs, que faut‑il penser des œuvres de Édouard Levé et de Bernard Lamarche‑Vadel, qui thématisent le suicide et accompagnent celui, effectif, de leurs auteurs ? Doit‑on s’inquiéter de l’effet de tels textes sur leurs lecteurs ? Pour répondre à ces questions, on convoquera les contenus mêmes de ces textes, selon le rapport qu’ils entretiennent au monde de l’art dont leurs auteurs sont issus, puis selon leurs caractéristiques fictionnelles et énonciatives. De la performance à la performativité, il s’agira ensuite de définir le statut de ces productions littéraires au regard des théories des actes de langage de John L. Austin et de Stanley Cavell. On en déduira que la performativité de ces textes ne se situe pas dans l’acte même du suicide, mais dans le dépôt littéraire qui le précède, par lequel les auteurs renouvellent la tradition littéraire de l’ars moriendi.

inging est une performance créée en 2010 par la chorégraphe new-yorkaise Jeanine Durning, durant son Master de chorégraphie à Amsterdam. Simon Tanguy performe ce solo en français depuis 2016. Étudiant au sndo d'Amsterdam, il a rencontré Jeanine Durning durant ses études. La performance inging a été montrée dans de multiples lieux : plateaux de théâtre, ateliers, salle de classe, festival de danse, festival d'Avignon, rencontres universitaires. L'enjeu de ce travail est de sortir du langage en parlant sans pause, toujours en changeant de sujet. Le texte n'est ni écrit, ni improvisé. L'acte de parler est très préparé en amont. Cette tentative de sortie du langage est vouée à l'échec. Mais la persistance de la consigne, celle de ne jamais se taire, crée la performativité de cette pratique. La performance se déplace vers un pari sportif, une confession, une conférence philosophique, un stand-up. Simon Tanguy, dans cet article, explique son expérience, les ressorts techniques pour tenir la consigne et les enjeux artistiques impliqués par le travail.

Cette Introduction à la section thématique « Ethnographie, performance et imagination » explore la performance comme « ethnographie imaginative » (Elliott et Culhane 2017), c’est-à-dire comme pratique de recherche transdisciplinaire, collaborative, incarnée, critique et engagée qui s’inspire de l’anthropologie et des arts créatifs. L’accent est mis en particulier sur la performativité de la performance (un événement délibérément mis en scène pour un public), employée à la fois comme processus ethnographique (travail de terrain) et comme mode de représentation ethnographique. Les questions posées sont les suivantes: La performance peut-elle nous aider à étudier et à mieux comprendre les mondes de la vie imaginative tels qu’ils se déploient dans le moment présent? La performance nous permet-elle de repenser l’anthropologie de l’imagination? Est également posée la question de savoir si le travail mené à la croisée de l’anthropologie, de l’ethnographie, de la performance et de l’imagination permet de transformer la façon dont sont abordés les processus et les produits ethnographiques, les questions de réflexivité et de représentation, les relations ethnographes-participants et les publics ethnographiques. La manière dont la performance employée comme ethnographie peut nous aider à reconceptualiser l’engagement public et l’activisme ethnographique, l’ethnographie collaborative/participante, ainsi que la recherche interdisciplinaire au sein et au-delà du monde universitaire, est aussi examinée. Enfin, cette Introduction donne un bref aperçu des contributions à cette section thématique, lesquelles abordent ces questions de différents points de vue théoriques, méthodologiques et thématiques.

Les recherches récentes en histoire de l’art et en muséologie relient les pratiques du « re- » à l’histoire de la performance et de l’exposition ainsi qu’à un engouement pour les retours vers le passé, en leur attribuant une fonction mémorielle ou d’hommage. Mais le reenactment n’implique pas seulement la remise en acte d’une oeuvre en soi; son processus d’actualisation remet également en jeu des mécanismes historiques et discursifs. Cet article tente de redéfinir et d’approfondir cette notion en art contemporain à partir de trois études de cas : Nachbau (Reconstruction) de Simon Starling (2007), Just Pompidou it. Rétrospective du Centre Pompidou d’Alexandra Pirici & Manuel Pelmus (2014) et Artist Tour Guide de Maria Hupfield (2014). En travaillant avec des collections muséales, ces artistes opposent la pratique du reenactment à un système figé, linéaire et hiérarchisé, et pointent la nécessité de renouveler continuellement la relation du musée à l’histoire. Si le reenactment a le potentiel de « performer la collection », c’est non seulement en raison de sa performativité, déjà reconnue par plusieurs auteurs, mais également de sa réflexivité et de sa temporalité anachronique, que nous désignons ici comme sa double historicité.