Дисертації з теми "Ovide (0043 av. J.-C.-0017). L'art d'aimer – Critique et interprétation"

Dans la Rome augustéenne où est particulièrement mise en avant la valeur de gravitas, au croisement des domaines esthétique, moral et politique, Ovide définit son œuvre par la levitas. Cette thèse étudie la revalorisation inédite de cette notion traditionnellement négative et le rôle fondamental qu'elle joue dans la poésie ovidienne. En se démarquant des autres poètes augustéens, Ovide fait de l'adjectif levis un terme associé à l'héritage de Callimaque et réorganise autour de cette revendication programmatique l'ensemble du système littéraire dans lequel il s'inscrit. Le choix de la levitas est aussi au cœur des genres qu'Ovide a pratiqués et dont il a redéfini les frontières en un dialogue intertextuel riche de sens avec ses prédécesseurs : l'élégie érotique, qu'il refonde radicalement contre les postulats qui sous-tendent le code élégiaque propertien, mais aussi l'épopée des Métamorphoses et l'élégie étiologique des Fastes, deux textes qui négocient leur identité générique complexe et leur position dans la tradition en fonction d'une ligne de partage opposant levitas et gravitas. Il apparaît alors que la levitas est bien au centre de l'œuvre d'Ovide, d'une poétique calimachéenne inséparable d'une vision du monde et de l'âme humaine
Whereas in Augustan Rome, the virtue of gravitas, at the crossroad of aesthetics, moral and politics, is particularly enhanced, Ovid definies his works with levitas. The present thesis considers the unprecedented valuation of this traditionnaly inferior notion and the central part it plays in Ovidian poetics. Distinguishing himself from the other Augustan poets, Ovid associates the adjective levis with Callimachus' legacy and reorganizes around this programmatic claim the whole literary system in which he locates himself. The choice of levitas also underlies his treatment of genres, the boundaries of which he redefines and shifts though a meaningful intertextual dialogue with his predecessors : love-elegy, whose generic code he recreates against the model of Propertian elegy, but also epic, with the Metamorphoses, and aetiological elegy, with the Fasti ; both of these texts negotiate their own complex generic identities and their positions within the tradition through a dividing line between levitas and gravitas. Eventually, this study shows that levitas is the key principle of Ovid's Callimachean poetics indissociable from his view of the world and the human soul

Les arts d'aimer et les livres de conduite sont deux traditions littéraires très en vogue entre les XIIIe-XVe siècles. Grâce à leur célébrité et à leur longévité ils ont contribué à façonner la pensée de l'époque et au-delà.Sous la catégorie « arts d'aimer », applicable à une grande variété de textes à sujet érotique, nous considérons les traductions, voire les adaptations, de l'Ars amatoria d'Ovide, qui instruit les amants à maîtriser les techniques de l'amour, de la première approche jusqu'à l'accomplissement de l'acte sexuel. Cette œuvre écrite sous le règne d'Auguste et qui, déjà à l'époque de sa parution, avait causé des scandales, condamnant son auteur à l'exil, connut une vraie renaissance à partir du XIIe siècle, dans une période dénommée aetas Ovidiana. Elle fut traduite et reprise par les auteurs médiévaux les plus célèbres, dont Chrétien de Troyes, Guillaume de Lorris et Jean de Meun. Dans notre thèse nous analyserons cependant principalement les cinq traductions de l'Ars - encore assez peu étudiées par la critique -, toutes diverses entre elles, d'auteurs peu connus ou anonymes.Pour ce qui concerne les livres de conduite (dont le terme vient de l'anglais conduct literature), il s'agit de traités d'éducation à la vie laïque pensés tout d'abord pour la jeunesse. Ici, nous nous intéressons aux textes adressés aux jeunes femmes, qui couvrent toute l'échelle sociale, depuis la reine et les princesses jusqu' aux femmes du peuple et même aux prostituées, avec le Livre des Trois Vertus de Christine de Pizan. Les destinataires de ces œuvres sont parfois connues, comme Isabelle, fille aînée de Louis IX, la reine Jeanne de Navarre, interpellée par son confesseur Durand de Champagne, et Suzanne, fille d'Anne de France. Parmi les textes de notre corpus s'en trouvent de très célèbres, comme l'œuvre de Christine de Pizan et le Livre du Chevalier de la Tour Landry, et d'autres moins étudiés jusqu'ici par la critique, en particulier un texte qui nous est parvenu sous trois versions différentes et dont nous proposons la première édition.Les deux traditions littéraires ne pourraient être plus différentes entre elles, mais l'intérêt de les rapprocher repose sur le constat que, contrairement à notre attente, les livres de conduite présentent en creux le discours des arts d'aimer. Les auteurs et autrices de livres de conduite se révèlent en fait conscients et conscientes du discours érotodidactique en vogue à l'époque, qu'ils condamnent, tout en le reprenant ex negativo pour mieux enseigner à leurs protégées à se garder des périls de l'amour extra-conjugal. Pour analyser l'influence du discours de matrice ovidienne dans les traités d'éducation, notre étude se base sur les étapes individuelles du parcours amoureux selon la tradition des gradus amoris, à savoir la visio, l'allocutio, le tactus, l'osculum et le factum. Cette démarche permet de toucher à toutes les nuances de l'amour, ses degrés pouvant tous être associés aux cinq sens et à des parties du corps, ce qui facilite l'incursion dans d'autres domaines. Ainsi, nous explorons la mode vestimentaire, les contenances de table, les attentes que les hommes ont des femmes dans l'un et l'autre discours, pour arriver à la déconstruction de l'amour courtois opérée par les livres de conduite. Les attentes des deux discours sont basées sur l'image idéale (ou idéelle) que leurs auteurs ont de la femme ; en les croisant, notre analyse donne en revanche un aperçu de la vie réelle et plus complexe des femmes françaises du Moyen Âge et de leur rapport avec les hommes.Comprendre la formation de ces images idéales et de la conception des femmes, dont les textes de notre corpus sont un reflet et un moyen de diffusion, est fondamental pour saisir des vestiges millénaires qui se trouvent encore de nos jours, combattus par les mouvements d'émancipation féminine tels le #MeToo et le No Means No
The arts of love and the conduct books are two literary traditions that were very much in vogue between the 13th and the 15th centuries. Thanks to their celebrity and longevity, they helped to shape the thinking of the period and beyond.Under the definition of "arts of love", which can be applied to a wide range of texts on erotic subjects, we are considering translations, or even adaptations, of Ovid's Ars amatoria, which instructs lovers to master the techniques of love, from the first approach to the completion of the sexual act. Written during the reign of Augustus, Ovid's work caused scandal even at the time of its publication, condemning the author to exile. From the 12th century onwards, during a period known as the aetas Ovidiana, it enjoyed a veritable renaissance. It was translated and reprinted by the most famous medieval authors, including Chrétien de Troyes, Guillaume de Lorris and Jean de Meun. In our thesis, however, we will focus mainly on the five translations of the Ars by little-known or anonymous authors - still relatively little studied by critics -, all of which are different from one another.As for conduct books (from the English conduct literature), these are treatises on secular life, written primarily for young people. Here, we are interested in texts aimed at young women, covering the whole social scale, from queens and princesses to common women and even prostitutes, as in Christine de Pizan's Livre des Trois Vertus. We know some of the patrons of these works, such as Isabelle, the eldest daughter of Louis IX, Queen Jeanne de Navarre, who was addressed by her confessor Durand de Champagne, and Suzanne, the daughter of Anne de France. Among the texts in our corpus are some very famous ones, such as the work of Christine de Pizan and the Livre du Chevalier de la Tour Landry (the Book of the Knight of the Tower), and others less studied by critics, including one that has come down to us in three different versions and of which we are offering the first edition.The two literary traditions could not be more different, but the interest of comparing them is that, contrary to all expectations, the books of conduct present the discourse of the arts of love in an underlying way. The authors of books of conduct were in fact aware of the erotodidactic discourse so much in vogue at the time, which they condemned, while taking it up ex negativo to better teach their protégées to guard against the perils of extramarital love. To analyse the influence of the Ovidian discourse in the educational treatises, this study is based on the individual stages of the amorous journey in the tradition of the gradus amoris, namely visio, allocutio, tactus, osculum and factum. This approach allows us to touch on all the nuances of love, since its degrees can all be associated with the five senses and parts of the body, making it easier to delve into other areas. In this way, we explore fashion, table manners and the expectations that men have of women in both discourses, to arrive at the deconstruction of courtly love operated by the books of conduct. The expectations of the two discourses are based on the ideal image that their authors have of women; by cross-referencing them, however, our analysis provides an insight into the real and more complex lives of French women in the Middle Ages and their relationship with men.Understanding the formation of these ideal images and the conception of women, of which the texts in our corpus are both a reflection and a means that enabled them to be disseminated, is fundamental to grasping the age-old vestiges that are still with us today, opposed by women's emancipation movements such as #MeToo and No Means No

Cette thèse, qui s'inscrit dans une réflexion générale sur la forme épistolaire et sur l'écriture du moi à Rome, met en rapport le recueil de jeunesse des Héroi͏̈des, avec les deux recueils de lettres de la maturité et de l'exil, les Tristes et les Pontiques, pour mesurer l'évolution de l'art épistolaire d'Ovide et cerner l'intérêt de la forme de l'épître en vers dans son œuvre. Nous montrons, notamment, que la nature des procédés employés dans les trois recueils varie peu : il s'agit, apparemment, d'un immense jeu rhétorique et poétique. Mais ce qui évolue d'un recueil à l'autre, c'est l'usage de ces procédés, qui, peu à peu, ne constituent plus la finalité en soi de l'écriture de la lettre, mais qui sont désormais au service de l'expression de l'intime et de la vérité sur le moi. L'évolution de la pratique épistolaire d'Ovide témoigne ainsi d'une avancée progressive vers la modernité, au sens où l'écriture poétique n'est plus seulement un jeu formel mais devient un enjeu essentiel.

En exergue de cette étude figurent les vers 13-14 du livre II des Métamorphoses, où Ovide décrit les Néréides : facies non omnibus una, / Non diuersa tamen, qualem decet esse sororum : " sans avoir toutes le même visage, elles ne sont pas non plus très différentes. Elles se ressemblent comme il sied à des sœurs. " Ces vers peuvent être lus comme une définition métaphorique des passages consacrés à la métamorphose dans les Métamorphoses, passages qui, unis par une étroite parenté - due à leur sujet même, le miracle de la mutata forma -, sont pourtant tous différents. Cette étude porte sur l'équilibre subtil entre similitudes et dissemblances dans l'expression ovidienne de la métamorphose et tend, plus précisément, à démontrer l'existence d'un lien profond entre cet équilibre, le phénomène de la métamorphose - fondé, lui aussi, sur la tension entre identité et altérité - et la naissance de l'écriture. Pour cela, elle esquisse une réflexion sur les frontières de la métamorphose ovidienne, puis consacre une analyse individuelle à quatre-vingt-un récits de métamorphoses, avant d'explorer, dans un dernier temps, la relation complexe entre la uariatio, la métamorphose et la vocation poétique d'Ovide
This study bears as an inscription lines 13-14, Book II, from Metamorphoses, where Ovid describes the Nereids as facies non omnibus una, / Non diuersa tamen, qualem decet esse sororum ("although they do not all have the same face, they are not so different either, as befits sisters"). Those lines can be read as a metaphorical definition of passages devoted to metamorphosis in Metamorphoses - passages which are closely related, due to their very subject (the miracle of mutata forma), and yet quite different from one another. This study concerns the subtle balance between similarities and dissimilarities in Ovid's treatment of metamorphosis; and more precisely, attempts to demonstrate a close connection between this balance, the occurrence of metamorphosis (seen as a tension between identity ad otherness), and the emergence of writing. In order to do so, the study reflects on the frontiers of ovidian metamorphosis, then proceeds to an individual analysis of eighty-one stories of metamorphoses, before exploring, in the last part, the complex relationship between uariatio, metamorphosis, and Ovid's vocation as a poet

Ce travail se propose de sonder la notion de genre littéraire à partir des Métamorphoses d’Ovide. Héritier du croisement des genres alexandrin et des poétiques augustéennes, l'auteur place le genre sur un terrain expérimental. En témoigne le kaléidoscope tonal, thématique, lexical, stylistique que sont les Métamorphoses. Si le repérage de traits structurels, relatifs à un genre donné (épopée, hymne, élégie, tragédie, bucolique), est ici tenté, le classement de l'œuvre s'avère en revanche irréalisable. L'association hybride d'un chant continu et de digressions subvertit simultanément la ligne épique et les divers genres intégrés. A terme se pose un problème de frontières. Les limites tracées par la tradition tendent à s'estomper, au profit d'un métissage qui fonde la cohérence du texte. Les mythes changent de signification lorsque change le genre. Le gout du jeu et l'emprise du mouvement expliquent la métamorphose imposée aux chefs d'œuvre de la littérature. Ce texte remet finalement en question l'idéal mythique de la pureté, forgé par les rhéteurs et les poéticiens de l'antiquité
This study's aim is to examine the notion of literary genres taking Ovid’s metamorphoses as its starting point. Inheritor of the alexandrine blending of the genres and Augustan poetics, the author has an experimental approach to genre. The tonal, thematic, lexical and stylistic kaleidoscope of the metamorphoses bears witness to this. Although identification of structural characteristics corresponding to given genres (epic, hymn, elegy, tragedy, bucolic) is attempted here, it has however been deemed impossible to catalogue the work as a whole. The hybrid association of a continuous canto and digressions simultaneously subverts the epic progression and the diverse genres integrated therein. Ultimately, the question of frontiers must be raised. The limits set by tradition tend to fade to the advantage of the crossbreeding on which the text's coherence is founded. The myths change meaning when the genre changes. The sense of playfulness and the ascendancy of the storyline explain the metamorphosis imposed on literary masterpieces. Finally, this text challenges the mythical ideal of purity drawn up by the rhetoricians and poeticists of antiquity

Cette étude aborde le corpus érotique d'Ovide dans la perspective unificatrice d'un genre : l'élégie d'amour. Amours, Héroi͏̈des et traités didactiques ont été considérés du point de vue de la thématique, des modalités énonciatives et de la forme qui lui sont spécifiques. En nous plaçant du point de vue de la réception, nous avons identifié les traits génériques par confrontation des œuvres entre elles et avec les recueils des prédécesseurs. Nous avons toutefois privilégié l'angle de la généricité auctoriale. Sensible à l'ironie du poète et au caractère hautement réflexif de ses œuvres, nous en avons exploré systématiquement le contenu narratif et la matière didactique pour y révéler un discours en filigrane sur les conditions d'existence de l'élégie, et décrypter sous le propos érotique un véritable art poétique élégiaque
This study approaches Ovid's erotic works within the unifying perspective of a genre: the love elegy. Amores, Heroides, and the didactic treatises have been considered from the viewpoint of the thematic, of the enunciative modalities and of the form specific to the love elegy. From the receptive point of view, the generic aspects have been identified by confrontation between the works and with their predecessors, placing particular emphasis, however, on authorial genericityʺ. Taking account of the poet's irony and of the highly reflexive quality of his works, the narrative content and the didactic material have been systematically explored in such a way as to reveal the veiled discourse about the conditions under which the elegy can exist and to decipher, under the erotic surface, a true elegiac poetical art

Le travail que je me suis proposée de faire porte sur La poétique de l’exil et de la mort dans les Tristes et les Pontiques, recueils qu’Ovide a composés durant les neuf années de son exil. Cette étude porte sur le discours poétique ovidien, qui oscille entre la mort et son dépassement par l’art. Le thème de l’exil assimilé à une mort, fréquent dans la littérature moderne, n’est pas une invention des Modernes ; on en donnera pour preuve le poète, qui le développe dans ces deux recueils. Ce thème a retenu l’attention des spécialistes du Sulmonais. Cependant, la question n’a été abordée que dans le cadre d’approches ponctuelles qui traitent brièvement de la question et ne saurait rendre compte de la complexité et de l’originalité de l’écriture ovidienne de l’exil. Ma thèse a pour objet de combler ces lacunes. L’intérêt majeur de l’œuvre poétique d’Ovide réside, à mon sens, dans cette ambivalence du rapport à l’exil et à la mort. Ma réflexion tourne autour de trois axes majeurs : le lexique, les thèmes et une réflexion sur l’intertextualité et l’autotextualité qui se lisent en filigrane dans chaque partie de la thèse. La première partie traite de l’intertextualité dans les deux recueils ainsi que d’une étude des différents éléments qui constituent la rupture marquée par l’exil sur l’écriture d’Ovide. La deuxième partie a pour objectif de mettre en évidence les caractéristiques de l’univers de la relégation ovidienne, dans son aspect le plus concret, telles qu’elles apparaissent dans le discours poétique. Tout est mis en œuvre pour traduire une fixation sur et dans la mort. La troisième partie est consacrée à l’étude de l’ambivalence de la poétique de l’exil et de la mort : de la mort à l’immortalité d’un art salvateur. Le déclin et la mort touchent aussi bien son corps que son esprit et ses capacités créatives. Or, c’est à travers l’art qu’il acquiert l’immortalité et que sa peine devient universelle
I am interested in working on the poetics of exile and of death in Les Tristes et les Pontiques, a series of collections composed by Ovid during his nine-year exile. This study is concerned with the ovidian poetic discourse which oscillates between death and the transcendence of death through art. The theme of exile as related to death, which is a common theme in Modern literature, is, in fact, not a modern invention. Our poet, for instance, stands for evidence for this fact since he developed this theme in his two collections. This theme has drawn the interest of Sulmonese specialists. However, the question has been tackled only within the framework of punctual approaches which briefly deal with the question and could not give credit to the complexity and the originality of Ovid’s exile writing. My thesis purports to fill up this gap. In my opinion, the main contribution of Ovid’s poetic work lies in the ambivalence of the relationship between exile and death. I am concerned with three main points: lexicon, themes and a study of intertextuality and autotextuality, which are present in every section of the thesis. The first section deals with intertextuality in Les Tristes et les Pontiques as well as the various elements which reflect the impact of exile on Ovid’s writing. The second section aims at shedding light on the characteristics of the universe of the ovidian banishment, in its most concrete aspect, as reflected in his poetic discourse. The third section is devoted to the study of the ambivalence of the poetics of exile and death: from death to the immortality of a rescuing art. Decline and death affect his body as well as his spirit and his creative capacities. Yet, it is through art that he reaches immortality and that his pain is rendered universal

Cette monographie sur la poétique d’Ovide dans ses Tristes, recueil élégiaque, est ordonnée thématiquement: départ et voyage, décor, personnages, poétique du héros Nason. Elle est orientée par une interrogation sur la représentation de la rupture. A travers une comparaison avec les élégies romaines antérieures, avec des épopées, sont dégagés figures et type de narration privilégiés. Les figures de la séparation, négation et antithèse surtout, s'articulent à celles d'une tension vers l'union, surtout l'oxymore. La narration est centrée sur temps et lieu du passage et de l'imminence. Contre les effets dissociateurs du mètre élégiaque discontinu travaillent la dilation chronologique, l'usage d'une métaphore centrale (auguste: Jupiter optimus maximus, maitre de l'atmosphère), des jeux sémantiques accentuant l'osmose entre décor, personnages et poétique. Cette cohérence interne originale est l'application du concept d'aptum utilise par Nason pour réintégrer dans la poétique contemporaine sa poésie marquée par des défauts de materia et d'elocutio. La cohérence interne du recueil se double d'une cohérence par rapport au genre élégiaque: départ, mort, corps en désordre, décor d'hiems, parole interrompue constituent une récurrence thématique; l'antithèse entre deux lieux et ou deux temps une récurrence figurée; la situation du paraklausithyron une récurrence narrative. L'élégie serait lieu de pivotement des contraires, poésie du transitoire immobilise dans l'imminence d’une fin et ou d'une naissance
This complete monography address the poetics of Tristia, a book of elegies by Ovid. The approach is thematical: the departure and the journey; the background of exile; the heroes; the poetics of the hero Naso. The author focuses on the question of the representation of rupture. By comparing the work with previous roman elegiac poems and with epopees, the analysis outlines the stylistic figures and the specific narrative type privileged by Ovid in the Tristia. The figures evocative of separation, especially negation and antithesis, are articulated with those expressing a trend towards union, especially oxymoron. The narration focused on time and place of passage and imminence. The author analyses the method used by Ovid to attenuate the dissociative effects of the discontinuous elegiac meter by using a deliberate dilation of time, by using a central metaphor (Augustus: Jupiter optimus maximus, lord of the atmosphere) or by indulging in semantical exercises which accentuate the osmosis between background, heroes and poetics. This internal coherence is an application of aptum used by Naso to integrate his poetry in the contemporary poetics despite its defects. With respect to the elegiac genre, departure, death, representation of injured bodies, backgrounds of hiems, interrupted word constitute a thematical recurrence; the antithesis a figurative recurrence ; the situation of paraklausithyron a narrative recurrence

Ce doctorat est consacré à la poétique de deux auteurs élégiaques dont l’oeuvre latine fut inspirée par l’expérience de l’exil. Ovide composa les Tristes et les Pontiques au Ier siècle après J. -C. , au bord de la mer Noire, tandis que le poète allemand Petrus Lotichius Secundus rédigea ses Elegiae entre 1551 et 1560 en Allemagne, en France et en Italie. Après l’analyse minutieuse des jeux intertextuels, nous avons cherché, derrière la disparité des circonstances qui entourèrent la genèse de ces ouvrages, dans quel principe s’enracine la parenté profonde sensible à la lecture de ces vers antiques et humanistes. Les recueils d’Ovide, variation novatrice sur la thématique et l’axiologie de l’élégie romaine traditionnelle, sont construits autour de la notion ambiguë de desiderium (désir nostalgique). Ils devinrent le creuset de l’écriture de nombreux poètes. Dans cette oeuvre matrice, nous avons étudié les formes et les objets du desiderium : la patrie du poète, son épouse, sa poésie et ses amis. Nous voulions cerner la spécificité de ce sentiment, qui, en revêtant plusieurs masques, s’étend sur une large partie du spectre des affects, de l’ethos au pathos, pour dégager la singularité des vers d’exil dans le vaste paysage de l’élégie romaine. La douleur de l’éloignement et de la séparation, le regret d’un espace et d’un temps perdus forment aussi le noyau thématique des vers de Lotichius. En dialoguant avec le modèle ovidien, dans des circonstances politiques et idéologiques hostiles dont l’exil est une métaphore parfaite, il élabora une personnalité littéraire et une poétique singulières. Il cherchait à prolonger la tradition de l’élégie antique, tout en restant en adéquation avec son époque
The present thesis studies the poetics of two Latin Elegiac authors, whose works were influenced by exile. Ovid composed his Tristia and Epistulae ex Ponto on the shores of the Black Sea in the first century A. D. The German poet Petrus Lotichius Secundus penned his Elegiae between 1551 and 1560 in Germany, France and Italy. The thesis initially undertakes a detailed study of intertextual relations. It then seeks to display, beyond the disparity of circumstances surrounding the genesis of these corpora, the guiding principle that indelibly links these ancient and humanist verses for the reader. Ovid’s books, an innovative variation upon the themes and the axiology proper to traditional Roman Elegy, are constructed around the ambiguous notion of desiderium (nostalgic desire). They became a source for many poets. I examined the forms and objects of desiderium in this seminal work : the poet’s country, his wife, his poetry and his friends. I wanted to describe the specific quality of this sentiment, as it takes on a variety of guises and extends itself over a large part of the spectrum of affect (ethos and pathos). Close analysis reveals the singularity of Ovid’s late books in the landscape of Roman Elegy. The pain caused by distance and separation, the nostalgic longing for an irretrievable place and time, also reside at the thematic heart of Lotichius’ writing. In his dialogue with the Ovidian model, amidst unforgiving political and ideological circumstances of which exile constitutes the perfect metaphor, Lotichius elaborated a literary personality and a poetics that were truly his own. He sought to prolong the ancient Elegiac tradition, all the while remaining a man of his time

Le rapport des Métamorphoses d'Ovide à l'espace est analysé sous les trois angles du concept (espace géométrique), de l'expérience (espace pratique) et des représentations (espace métaphorique). Le mythe cosmogonique, premier récit de l’œuvre, pose la question des frontières entre les éléments, la naissance de l'homme pose celle de leur transgression. Le texte se construit dans une tension dont l'espace est le moteur. Les Métamorphoses proposent un trajet de lecture vers Rome, jalonné d'indices d'une romanisation progressive. L'espace de prédilection du texte est alors l'espace terrestre et sa géographie. Or, cette linéarité n'est qu'illusoire. La crainte d'un retour au chaos initial est forte et l’œuvre se construit autour de l'expression programmatique de la « discors concordia » (1,433). Les êtres qui peuplent le mundus participent de cette tension. Le mythe cosmogonique a posé une ontologie spatiale. Les espaces sont des seuils où se joue l'identité des êtres, dans une ontologie en mouvement qui lie changement d'espace et changement de nature
The relationship between Ovid's Metamorphoses and the notion of space is analyzed in the three different directions of the concept (geometrical space), of the experience (practical space) and of representations (metaphorical space). The cosmogony, the first tale in the Metamorphoses, poses the question of the boundaries between the elements, while the birth of human beings poses that of their transgression. The text is constructed upon a tension within which space is the driving force. The Metamorphoses offer the reader a journey to Rome punctuated by indications of a progressive romanization. The chosen space of the text thus becomes the terrestrial space and its geography. But this is only an illusory kind of linearity. There is a strong sense of fear of a return to the initial chaos and the book is constructed around the programmatic expression of the «discors concordia» (1,433). The beings who inhabit the mundus take part in this tension. The cosmogony has laid the foundations for a spatial ontology. Spaces are thresholds where the identity of all beings is played out and questioned, in an ontology in movement that unites the transformations of space and nature

L’Ovide moralisé représente la première traduction française des Métamorphoses d’Ovide. Son auteur anonyme a également moralisé la matière ovidienne, en l’agrémentant d’allégories qui s’appuient sur les quatre sens de l’Écriture. Le texte nous est parvenu dans une vingtaine de témoins, composés entre le début du XIVe siècle et la fin du XVe siècle. Nous distinguons,parmi les copies tardives de l’Ovide moralisé, un groupe spécifique et homogène, appelé Z dans le stemma. Il est formé des codices : Berne, Burgerbibliothek, 10 (Z1) écrit après 1456 ; Paris, BnF, français 874 (Z2) copié en 1456 ; Paris, BnF, français 870 (Z3) composé autour de 1400 pour le texte et 1450 pour le décor ; Paris, BnF, français 19121 (Z4) probablement réalisé entre 1390 et 1410. Ces quatre manuscrits présentent une véritable réécriture du texte « original » : le remanieur modifie parfois le récit de la fable, ajoute des expositions historiques qu’on ne lit pas dans les autres copies et exprime une nouvelle conception des Métamorphoses. Malgré ces points communs, les témoins Z3 et Z4 sont dépourvus d’allégories religieuses, alors que ces dernières ont été réintroduites dans Z1 et Z2.Notre édition critique se base sur le témoin Z3. Elle s’accompagne d’une étude linguistique, dialectale et métrique, d’un examen des sources, d’un glossaire et d’un index mythologique. Une étude codicologique aide en outre à cerner à quel lectorat sont destinées ces versions — avec ou sans allégories religieuses — pour mieux comprendre les différentes nuances de la vie intellectuelle et culturelle du début du XVe siècle.D’autre part, le commentaire littéraire rend compte de l’originalité de ce remaniement, d’un point de vue esthétique, éthique mais aussi ontologique. Le remanieur reconstruit en profondeur le texte de façon à évacuer toute trace du dogme chrétien. Il insiste sur des thématiques qui préoccupent son époque, impose sa propre conception de l’amour et de la femme, et prendsubtilement la place du premier auteur. Sa réécriture de l’Ovide moralisé traduit les goûts d’un certain lectorat en même temps qu’elle interroge le type de vérité — spirituelle ou uniquement concrète — qu’on peut accorder aux fables païennes. Cet ouvrage tente donc d’affiner notre connaissance des intérêts littéraires du XVe siècle et de la vision du monde dont ils rendent compte
The Ovide moralisé is the first French translation of Ovid’s Metamorphoses. After each narration, the unknown author of the text offers a moralisation by giving allegories based on the four meanings of the Scripture. This text has been brought to us by almost twenty manuscripts, composed between the beginning of the 14th century and the end of the 15th century. A group among these manuscripts remarkably stands out: the group called Z in the stemma. It contains the followings codices: Berne, Burgerbibliothek, 10 (Z1) written after 1456; Paris, BnF, français 874 (Z2) produced in 1456; Paris, BnF, français 870 (Z3) composed around 1400 for the text and 1450 for the drawings; Paris, BnF, français 19121 (Z4) probably copied between 1390 and 1410. These four manuscripts present a real rewriting of the so called ‘original’ text. The new writer sometimes changes the narration of the fable, adds historical explanations and expresses a new conception of the Metamorphoses. The four manuscripts include all these changings, but Z3 and Z4 do not contain the religious and spiritual allegories, while these allegories have been reintroduced in Z1 and Z2.Our critical edition is based on Z3. It offers a linguistic, dialectical and metric study, an observation upon sources of the text, a glossary and an index. Our codicological work also helps to figure out who can read these manuscripts—with or without Christians allegories—and to understand the various shades of the intellectual and cultural life in the 15th century.Our literary commentary reveals the originality of this rewriting, in the esthetical, ethical and ontological ways. The rewriter rebuilds the text in order to expel the marks of spirituality. He insists on contemporarily appealing themes, proclaims his own opinion about love and women and tries to replace the ‘original’ author. Thus, his rewriting conveys the interests of a certain readership while it examines the kind of truth—concrete or spiritual—that can be accorded to the pagan narration of the Metamorphoses. Consequently, our work tries to sharpen our knowledge of the literary interests of the 15th readerships

Afin de favoriser la mobilisation dans la perspective de l’affrontement à venir, les héritiers de César promirent à leurs soldats des terres en Italie. Selon les sources, une fois la victoire acquise, les triumvirs durent installer environ cinquante mille vétérans sur le sol italien, ce qui entraîna des expropriations massives. D’ailleurs, quatre des cinq principaux poètes de l’époque augustéenne furent concernés par ces expropriations. Virgile a probablement été spolié par un vétéran peu scrupuleux. Horace du fait de son engagement aux côtés des césaricides fut privé de l’ensemble de son patrimoine foncier. Properce fut dépossédé des terres de sa famille parce que son père avait soutenu Lucius Antonius. Tibulle a insisté sur l’appauvrissement récent et brutal de sa famille. Ovide n’a pas été concerné par les expropriations de 41-40 avant notre ère, cependant, à cause de sa relegatio, il a connu d’importantes difficultés avec son patrimoine foncier. Ainsi, de manière plus ou moins directe et critique, ces poètes firent référence à des expropriations foncières. Puis, lorsque la paix fut de retour en Italie et que leur situation personnelle s’améliora, ils célébrèrent le monde rural et le cadre privilégié dans lequel se pratiquait l’agriculture italienne : la propriété foncière. De plus, ces poètes se plurent à chanter les dieux et les rites destinés à protéger les domaines. Or, c’est cette situation historique particulière, le discours à la fois poétique et impliqué que ces cinq poètes ont produit sur la propriété des terres, ainsi que les données qu’ils ont fournies sur les pratiques religieuses relatives à la garantie de la propriété foncière, que nous avons souhaité étudier dans la présente thèse
The heirs of Caesar promised their soldiers lands in Italy to facilitate mobilization for war. According to ancient authors, the triumvirate settled in Italian soil about 50. 000 veterans after the victory which led to massive expropriations. In fact, four of the five major poets of the Augustan period were affected by those expropriations. Virgil was probably deprived of his land by an unscrupulous veteran. Horace was involved with Caesar’s murderers, so he too was deprived of all his land. Sextus Propertius was deprived of the land of his family because his father had supported Lucius Antonius. Tibullus laid emphasis on the recent and sudden poverty of his family. Ovid wasn’t affected by the expropriations of 41-40 BC. However, he had important difficulties with his land because of his relagatio. Thus, roughly directly and critically, these poets made reference to expropriations. Then, as the war was over in Italy and their personal situation was getting better, they celebrated rural world and land ownership, the latter being the principal structure of Italian agriculture. Moreover, these poets wrote about gods and rituals used to protect domains. This thesis examines this particular historical situation in addressing poetic and engaged works of these five poets about lands ownership as well as about religious practices related to the guarantee of land property

Pendant bien longtemps, les Fastes d’Ovide sont demeurés une œuvre dépréciée ou considérée comme nepouvant appartenir à cet auteur : on n’y reconnaissait pas les traits du poète badin, chantre de l’amour. Nous noussommes ainsi demandé d’où venait cette impression de ne pas reconnaître le style ovidien. Il apparaît au premier abordque cela vienne du fait qu’Ovide affiche ostensiblement une posture nouvelle à travers le genre de l’étiologie : enretraçant les rites du calendrier romain, il endosse une posture plus officielle et sérieuse, étant tour à tour un historienou un uates et se faisant le relais des valeurs morales de la cité selon l’idéologie augustéenne. Mais très vite, on se rendcompte que cet éthos est miné par des passages qui entrent en contradiction avec lui : Ovide joue avec les codes duuates épique, se moque de certains personnages fondateurs selon la propagande d’Auguste, et intervientsubjectivement dans son œuvre sans respecter la neutralité que les genres de l’étiologie, de l’histoire et de l’épopéeparaissaient lui imposer. Or, il s’avère que ce jeu avec les frontières génériques, ce détournement de modèlestraditionnels relève du style propre aux noui poetae, le modèle callimachéen ainsi que le choix du distique élégiaquenous mettant sur la voie : Ovide reprend certains tours ou thèmes chers aux élégiaques, renouant avec sa Musa lasciuaque croyons abandonnée pour cette œuvre. Les Fastes sont donc à plus d’un titre problématiques et soulèvent desquestions qui dépassent son simple cadre : comment le style ovidien a-t-il évolué et at-il vraiment évolué au fil de sesœuvres ? Quel rapport les noui poetae entretiennent-ils avec la propagande augustéenne et d’une manière généraleavec les genres littéraires traditionnels ? Comment un auteur se dit-il dans son œuvre ? Peut-il se défaire de l’imageprédiscursive que les lecteurs se font de lui ? Comment cette image préalable oriente-t-elle notre lecture de l’œuvre etla perception que l’on a de son auteur ? Un auteur peut-il combiner des éthé radicalement différents au sein d’unemême œuvre ?
For many years, Ovid’s « Fasti » have been either depreciated or regarded as it it were not his work. We could not recognize the characteristics of the playful poet, the bard of love. We therefore wondered ourselves why no one was able to accredit the Ovid’s style. At first sight, it may come from the fact that Ovid happens to conspicuously parade about a new position regarding the definition of aetiology. Whilst tracing the rites of the Roman calendar, he assumes a more serious and official position, being in turns a historian or uates and transmitting the moral values of the Augustean ideology in the city. But quickly, we come to realize that this ethos is undermined by some contradictory passages: Ovid plays with the codes of the epic uates, he mocks some founding characters of the Augustean propaganda and subjectively expresses himself in his work without respecting the neutrality imposed by the genre of both the aetiology, the story and the epic poem. However, for Ovid to play with the generic limits and to distort the traditional templates corresponds to the noui poetae ‘s proper stylistic device, as the Callimachean model and the elegiac rhyming couplet can hint at: Ovid takes another look at some of the elegiac poets’ favourite tricks or topics and revives with his Musa Lasciva which was presumably forsaken. The “Fasti” are therefore all the more so problematic as they raise some questions that are beyond its scope: indeed, how has Ovid’s style evolved? Besides, has it really evolved through his works? How did the noui poetae perceive the Augustean propaganda and, generally speaking, the traditional literary genres? How does an author reveal himself in his work? Can he part with how the readers preconceived him? How can this preconception orientate our reading of the work and of the author? Can an author blend different “ethe” inside a single work?

La thèse comporte trois parties : la première se consacre à des questions théoriques concernant mythe et littérature et présente la démarche méthodologique de l’ouvrage. Un excursus analyse la métaphore du tissu pour désigner le rapport entre mythe et littérature, et une présentation du lai du Laüstic de Marie de France s’interroge sur les mythèmes du rossignol, du langage et du silence et de la communication tissée qui évoquent le mythe de Philomèle. La deuxième partie est composée de quatre chapitres différents qui se penchent chacun sur des réécritures individuelles du mythe de Philomèle afin de dégager leur manière unique de travailler le mythe. Les textes étudiés se situent entre la deuxième moitié du 12e siècle (Marie de France, Chrétien de Troyes, Albrecht von Halberstadt) et 1545 (Georg Wickram) et comprennent des textes allemands et français afin que la métamorphose du mythe puisse être retracée au niveau littéraire, temporel et culturel. La troisième partie de la thèse essaie de filtrer, sur la base des analyses précédentes, les mythèmes qui persistent malgré les changements du mythe de Philomèle pour discerner ainsi ses ‘noyaux narratifs’. Bien que les textes en créent des variantes hétérogènes, nous pouvons constater que quatre motifs différents forment des points fixes dans la construction du mythe et ils seront ainsi présentés et analysés dans des chapitres individuels
The thesis is composed of three parts: the first one reflects theoretical questions concerning the connection between myth and literature. It also exposes the methodological concept of the thesis. An excursus analyses the metaphor of the tissue and reads it as a metaphor for the connection between myth and literature. This part also shows the parallels between the lai of the Laüstic and some of the mythic patterns of the myth of Philomel like the role of the nightingale, the topic of language and silence, or the woven communication. The second part is composed of four subchapters, which point out different texts who are all retelling the myth of Philomel in their own different way. The French and German text versions were written between the second half of the 12th century (by authors like Marie de France, Chrétien de Troyes, Albrecht von Halberstadt) and 1545 (by Georg Wickram). The third part of the thesis tries to show that four different mythic patterns are used by all authors, nevertheless of the many variations their texts show

De ses œuvres de jeunesse jusqu’aux poèmes de l’exil, Ovide a progressivement construit une langue poétique propre, qui entremêle des stylèmes religieux appartenant à la langue liturgique de l’époque augustéenne, et des stylèmes purement poétiques, tantôt repris à la tradition littéraire, tantôt originaux : il joue ainsi de la frontière qui sépare le carmen religieux et le carmen poétique en faisant s’élever un chant nouveau, total, par lequel il sacralise la poésie, qui est bien alors la musique du monde, la musique créatrice, proprement poïétique, dont le souffle donne son sens, sa forme et sa beauté (forma) au monde. Le discours élégiaque est alors bien plus qu’un simple propos érotique, ou même métapoétique. Si Ovide nous parle d’amour, il nous parle aussi de poésie, mais pas seulement d’une poésie narcissique qui serait sa propre fin et son objet : ce qui se reflète au miroir de la poésie ovidienne, telle qu’elle se met en jeu dans les énoncés de prière, c’est une perspective, une perspective transcendante par laquelle le poète tente de contempler le Verbe divin, la Musique totale qui organise l’univers. Loin de jouer de manière parodique avec le discours sacré, qu’il subvertirait à des fins érotiques et humoristiques, comme l’ont écrit les partisans d’une élégie immanente, Ovide nous semble sublimer par un souffle sacré, et par l’apport de stylèmes religieux, la poésie élégiaque de manière à en faire le chant qui rejoue la création du monde en même temps qu’il la dit
From his early works to the poems of exile, Ovid progressively constructed a personal poetic language, mixing religious stylemes belonging to the liturgical language of the Augustan age with purely poetic stylemes, some taken from literary tradition, others quite original: he thus plays on the borderline separating the religious carmen from the poetic carmen, giving birth to a new, total song endowing poetry with a sacred status, making it music of the world, the properly poietic music of creation whose breath gives the world its meaning, its form and its beauty (forma). Elegiac discourse is then more than a simple erotic, or even metapoetic statement. If Ovid speaks to us of love, he also speaks to us of poetry, but not just a narcissistic poetry taken as its own end and object. What is reflected in the mirror of Ovidian verse as it takes shape in the utterance of prayer is a perspective – a transcendental perspective through which the poet attempts to contemplate the divine Word, the total Music which organizes the universe. Far from playing on sacred discourse in an ironic mode, subverting it to erotic or humorous ends as partisans of an immanent elegy have written, Ovid seems to us to be sublimating elegiac poetry by instilling it with a sacred breath and importing religious stylemes into it, in such a way as to make of it the Song which replays the creation of the world at the same time as telling it

Dans une perspective toute à la fois poétique, rhétorique et juridique, ainsi que générique et intertextuelle, cette étude propose une réflexion sur la mémoire et la parole de l’héroïne ovidienne. Une lettre simple (Médée, Héroïde XII) et une lettre double (Acontius et Cydippe, Héroïdes XX-XXI) sont au cœur de notre recherche. Médée et Cydippe allient le souvenir de l’instant à la parole intime et nous invitent à illustrer la représentation de la femme qui surgit au sein de l’art poétique du pathos, puis à affirmer la légitimation de son statut juridique dans une vraisemblance historique, et à apercevoir, dans un dernier temps, son émancipation, conquise dans une diversité dialogique et tensionnelle des genres et des textes. Les interférences textuelles avec les modèles fondateurs sont bien répertoriées, dans le cadre d’une allusion propre à faire apparaître une réécriture métaphorique de la réflexivité, dans un entrecroisement des instants que favorise particulièrement la figure d’Ariane catullienne (Carmen LXIV). Menée dans cet esprit, l’étude de la réminiscence littéraire est effectuée dans un travail des mots et des notions, pour la recherche d’une véritable mimésis poétique. Cette lecture aboutit à dégager la valeur autoréflexive de l’image du texte : mémoire ingénieuse et parole polysémique participent à un jeu savant où la figure féminine et la poiésis composée sont, à vrai dire, inséparables. Là réside encore l’originalité ovidienne : entre le souvenir de l’écrit et le futur de la lecture se situe la parole mnémonique, défense et message ultime de la femme ovidienne, ainsi récompensée
In a poetic, rhetorical and juridical perspective, as well as a generic and an intertextual one, this study proposes a reflexion on the ovidian heroine’s memory and speech. A single letter (Medea, Heroine XII) and a double letter (Acontius and Cydippe, Heroines XX-XXI) are at the heart of our research. Combining the memory of the instant with intimate speech, Medea and Cydippe extend an invitation to illustrate the representation of women that emerges from the poetic art of pathos, to affirm the legitimization of her juridical status in a historical plausibility, and to perceive, finally, her emancipation, gained in a dialogical and tensional diversity of genres and texts. The textual interferences with the founder models are well listed in the framework of an allusion that brings out a metaphorical rewriting of reflexivity, in an intersection of moments that particularly privileges the Catullian figure of Ariadne (Carmen LXIV). Carried out in this spirit, the study of literary reminiscence is completed in a work of words and notions for the research of a genuine poetic mimesis. This interpretation leads to highlight the autoreflexive value of the textual image: ingenious memory and polysemous speech participate in a learned play in which the feminine figure and the composed poiesis are, actually, inseparable. Therein can also be found Ovid’s originality: between the written memory and the future reading is set the mnemonic speech, defence and the ultimate message of the ovidian woman, thus rewarded

Pendant bien longtemps, les Fastes d’Ovide sont demeurés une œuvre dépréciée ou considérée comme nepouvant appartenir à cet auteur : on n’y reconnaissait pas les traits du poète badin, chantre de l’amour. Nous noussommes ainsi demandé d’où venait cette impression de ne pas reconnaître le style ovidien. Il apparaît au premier abordque cela vienne du fait qu’Ovide affiche ostensiblement une posture nouvelle à travers le genre de l’étiologie : enretraçant les rites du calendrier romain, il endosse une posture plus officielle et sérieuse, étant tour à tour un historienou un uates et se faisant le relais des valeurs morales de la cité selon l’idéologie augustéenne. Mais très vite, on se rendcompte que cet éthos est miné par des passages qui entrent en contradiction avec lui : Ovide joue avec les codes duuates épique, se moque de certains personnages fondateurs selon la propagande d’Auguste, et intervientsubjectivement dans son œuvre sans respecter la neutralité que les genres de l’étiologie, de l’histoire et de l’épopéeparaissaient lui imposer. Or, il s’avère que ce jeu avec les frontières génériques, ce détournement de modèlestraditionnels relève du style propre aux noui poetae, le modèle callimachéen ainsi que le choix du distique élégiaquenous mettant sur la voie : Ovide reprend certains tours ou thèmes chers aux élégiaques, renouant avec sa Musa lasciuaque croyons abandonnée pour cette œuvre. Les Fastes sont donc à plus d’un titre problématiques et soulèvent desquestions qui dépassent son simple cadre : comment le style ovidien a-t-il évolué et at-il vraiment évolué au fil de sesœuvres ? Quel rapport les noui poetae entretiennent-ils avec la propagande augustéenne et d’une manière généraleavec les genres littéraires traditionnels ? Comment un auteur se dit-il dans son œuvre ? Peut-il se défaire de l’imageprédiscursive que les lecteurs se font de lui ? Comment cette image préalable oriente-t-elle notre lecture de l’œuvre etla perception que l’on a de son auteur ? Un auteur peut-il combiner des éthé radicalement différents au sein d’unemême œuvre ?
For many years, Ovid’s « Fasti » have been either depreciated or regarded as it it were not his work. We could not recognize the characteristics of the playful poet, the bard of love. We therefore wondered ourselves why no one was able to accredit the Ovid’s style. At first sight, it may come from the fact that Ovid happens to conspicuously parade about a new position regarding the definition of aetiology. Whilst tracing the rites of the Roman calendar, he assumes a more serious and official position, being in turns a historian or uates and transmitting the moral values of the Augustean ideology in the city. But quickly, we come to realize that this ethos is undermined by some contradictory passages: Ovid plays with the codes of the epic uates, he mocks some founding characters of the Augustean propaganda and subjectively expresses himself in his work without respecting the neutrality imposed by the genre of both the aetiology, the story and the epic poem. However, for Ovid to play with the generic limits and to distort the traditional templates corresponds to the noui poetae ‘s proper stylistic device, as the Callimachean model and the elegiac rhyming couplet can hint at: Ovid takes another look at some of the elegiac poets’ favourite tricks or topics and revives with his Musa Lasciva which was presumably forsaken. The “Fasti” are therefore all the more so problematic as they raise some questions that are beyond its scope: indeed, how has Ovid’s style evolved? Besides, has it really evolved through his works? How did the noui poetae perceive the Augustean propaganda and, generally speaking, the traditional literary genres? How does an author reveal himself in his work? Can he part with how the readers preconceived him? How can this preconception orientate our reading of the work and of the author? Can an author blend different “ethe” inside a single work?

Lire la poésie de Pétrarque sous l'angle de la métamorphose est en soi une approche originale, d’autant plus que la métamorphose s'y présente sous de multiples formes : élément narratif explicite, transformation implicite par la métaphore, allusion à des mythes ovidiens, mutatio extérieure et intérieure des personnages de la fabula lyrique autobiographique, transformation des textes et de la poétique de l'auteur au fil du passage du temps, lui-même métamorphosant. Cette thèse aborde la poétique de Pétrarque en-dehors des sentiers battus, en étudiant d'abord la tradition médiévale des commentaires allégoriques des trois mythes ovidiens, Daphné, Méduse, Narcisse, qui sont fondamentaux dans les Rerum Vulgarium Fragmenta, afin de déterminer ensuite les points de contact ou de divergence avec les poésies du livre. C’est également par une démarche nouvelle que ces trois mythes principaux, auxquels s'ajoutent des fables secondaires, sont appréhendés d’après la chronologie réelle de l'écriture et ses interférences avec la construction progressive du livre-canzoniere. La thématique métamorphique d’ascendance ovidienne est ainsi confrontée à la problématique de la mutatio animi augustinienne. Enfin, la double présence des mythes métamorphiques et de la métamorphose comme réécriture, autobiographique ou métapoétique, est élargie aux Triomphes et à la poésie latine (Epystole, Africa, Bucolicum Carmen), jamais étudiés dans cette perspective
Reading Petrarch's poetry from the angle of metamorphosis is in itself an original approach, all the more since metamorphosis takes there many different forms : a narrative explicit component, implicit transformation by metaphor, allusion to ovidian myths, external and internal mutatio of the characters of the lyric and autobiographical fabula, transformation of the texts and the author's poetics with the passing of time, which has itself a metamorphosing action. This thesis approaches Petrarch's poetics geting off the beaten paths, by studying first the medieval tradition of allegorical commentaries, particularly those concerning three ovidian myths, Daphne, Medusa, Narcissus, which are fundamental in the Rerum Vulgarium Fragmenta, with the purpose to determine then common features and divergences with the poems of the book. These three main myths, completed by secondary fables, are also studied by means of a new method, that is according to the chronology of writing and its implications with the progressive construction of the canzoniere. The metamorphic theme, of ovidian origin, is in this way confronted to the problematic of the augustinian mutatio animi. Lastly, the double presence of metamorphic myths and of metamorphosis as rewriting, autobiographical or metapoetical, is extended to the Triumphs and to latin poetry (Epystole, Africa, Bucolicum Carmen), never analysed from that viewpoint

La question de l'oiseau dans la poésie contemporaine se pose avec une certaine évidence. Impossible, semble-t-il, d'ouvrir un recueil de poèmes sans tomber à de nombreuses reprises sur des références explicites à l'oiseau : à son vol bien sûr, mais aussi à son chant, à sa présence discrète mais permanente. Comment expliquer cette re��currence dans la production contemporaine ? Et qu'est-ce qui constitue la singularité de l'oiseau dans le règne animal ? Après avoir justifié le rapprochement des trois poètes de notre corpus, nous avons fondé notre travail selon des perspectives analogiques et transdisciplinaires. Renouant à un certain degré avec la mystique médiévale, la poésie cherche les frontières de l'homme dans l'univers-macrocosme. L'oiseau, qui semble une limite ultime pour le psychisme humain, nous permet de redéfinir l'animalité selon un principe de "consanguinité" (Saint-John Perse). Contre la propension moderne à l'émiettement, au dispersé, au catalogique, cette pensée analogique à l'œuvre dans la production poétique de nos auteurs, cherche à reconstituer la trame et à "recoudre l'univers". La dimension métaphysique, souvent non revendiquée chez nos poètes, reste ainsi constamment sous-jacente. Au-delà d'une lecture du réel qui s'appuie sur la précision de la science, une "autre dimension", proche de l'Ouvert rilkéen, imprègne leurs œuvres. L'oiseau, à travers les motifs du vol et du chant, dessine alors les contours d'une poétique liée à la modernité esthétique
The question of the bird in contemporary poetry seems to be obvious. It's really impossible to open a collection of poems without seeing lots of explicit references to the bird : his fly, his singing, and his discreet but permanent presence. How to explain this recurrence in contemporary production ? And what's the foundation of the bird's particularity in the animal kingdom ? After justifying the connection of the three poets of our corpus, we based our work on analogical and transdiciplinary viewpoints. Reviving the medieval mysticism, poetry looks for the limits of human nature in the world-macrocosm. The bird, that seems the last limit for the human psychism, allows us to redefine animality in accordance with a principle of "consanguinity" (Saint-John Perse). Against the modern proclivity to dispersion and catalogue, this analogical thought circulating in the poems of our authors, wants to reconstruct the weft, to "sew up the universe". The metaphysical dimension, that is not often clearly claimed by our poets, is always underlying. Beyond a description of the real world, that is leaning on the precision of the science, another dimension, verging on rilkean "Ouvert", impregnates their works. The bird, through the patterns of the flight and the singing, draws the lines of poetics linked by aesthetic modernity