Дисертації з теми "Musique de chambre – 20e siècle"
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Militaru, Alexandra-Corina. "Les allures improvisées dans les oeuvres pour piano et de musique de chambre de Georges Enesco." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20036.
Анотація:
Le point de départ se situe dans l’écoute et l’impression d’improvisation laissée par les œuvres d’Enesco sur nous, en tant qu’auditeur subjectif. Nous plaçons ici l’expérience musicale, et non le seul texte musical au centre de notre interrogation. Par quels moyens et avec quelle terminologie peut-on rendre compte de cette impression d’improvisé dans une oeuvre écrite et, a priori, composée ? Les allures improvisées répondent à cette question et seront considérées comme fiction esthétique dans le sens qu’elles n’existent que pour l’auditeur. Deux catégories se révèlent dans la création d’une perception typique des allures improvisées, en lien avec des procédés d’écriture spécifiques : l’improvisation écrite, comme potentielle improvisation notée, et l’écriture improvisatrice, comme fausse improvisation. L’improvisation écrite se définit comme avatar potentiel de l’improvisation, changement, modification qui implique l’écriture. L’écriture improvisatrice se définit comme une fausse improvisation et par conséquent elle n’est qu’une imitation, par les moyens de la composition, de l’improvisationThe starting point lies in the act of listening and the impression of improvisation left by Enesco's musical works on us, subjective listeners. We shall place the musical experience - and not just the mere musical text - at the core of our analysis. By what means and through what terminology can the impression of improvisation be accounted for in a written and theoretically composed musical work ? The seemingly improvised airs provide an answer to this question and will be considered as aesthetic fiction, in the sense that they exist only for the listener. Two categories emerge from the creation of a typical perception of the seemingly improvised airs, linked to specific writing techniques : written improvisation - as a potentially noted improvisation, and improvisatory writing - as a false improvisation. Written improvisation is defined as the potential avatar of improvisation, a change, a modification which implies writing. Improvisatory writing is defined as false improvisation ; consequently, it is nothing but an imitation, by means of composition, of improvisation
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Lotiron, Claire. "Le Quintette Instrumental de Paris et la pratique chambriste en France dans l'entre-deux guerres : carrière et répertoire (flûte, harpe et trio à cordes)." Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2024. http://www.theses.fr/2024SORUL020.
Анотація:
En 1922, le flûtiste René Le Roy eut l'idée de créer une formation chambriste dont l'effectif instrumental atypique (flûte, harpe et trio à cordes) n'est pas sans rappeler celui de la Sonate pour flûte alto et harpe de Debussy qu'il affectionnait particulièrement. Le Quintette Instrumental de Paris poursuit une intense carrière musicale jusqu'en 1940, grâce à l'investissement et à la rigueur de ses membres originels : Marcel Grandjany puis Pierre Jamet à la harpe, René Bas au violon, Pierre Grout à l'alto et Roger Boulmé au violoncelle. Le groupe est dissous durant la guerre, à la suite du départ de René Le Roy pour l'Amérique et de la mort au combat de Roger Boulmé. Le Quintette se reforme en 1944, sous l'impulsion de son harpiste dont il portera le nom. À la séparation définitive de l'ensemble en 1958, le Quintette Pierre Jamet trouve un nouvel élan en la personne de Marie-Claire Jamet, fille de Pierre Jamet, et de son mari le flûtiste Christian Lardé. Cette thèse, qui se concentre sur la première période d'activité de l'ensemble (1922-1940), se propose d'examiner la manière dont le groupement est parvenu à s'implanter et pérenniser son activité, alors même qu'il ne correspondait à aucune tradition chambriste et qu'il ne disposait d'aucun répertoire préexistant. Les interprètes sollicitèrent les compositeurs de leur temps afin d'enrichir progressivement leur répertoire. À la lumière de documents d'archives pas ou peu exploités jusqu'à maintenant, la première partie du travail s'attache à reconstituer la trajectoire musicale de l'ensemble et à mesurer la place qu'il occupe dans la vie musicale de son époque. Il jouit d'un contexte historique favorable à la pratique de la musique de chambre et suscite l'intérêt des compositeurs, séduits par le potentiel expressif de cette nouvelle combinaison instrumentale. Une deuxième partie revient sur les stratégies de carrière mises en place par l'ensemble lui-même pour promouvoir son activité en France comme à l'étranger. L'occasion nous est donnée de revenir sur la figure de l'imprésario qui, à l'instar de Marcel de Valmalète, exerce une influence de plus en plus grandissante dans la vie musicale française. Dans une période de grands bouleversements géopolitiques, l'Association Française d'Action Artistique (A.F.A.A.), qui œuvre pour la promotion de la musique française à l'étranger, favorise grandement le déploiement de la carrière du Quintette en Europe et en Amérique. À ce titre, les deux tournées américaines réalisées en 1934 et 1935 s'érigent comme un modèle de rayonnement artistique. Proche de René Le Roy et surtout de Pierre Jamet, Nadia Boulanger facilite l'introduction du Quintette dans le milieu musical new-yorkais, en endossant un rôle d'intercesseur. La programmation de concerts, également reconstituée, repose sur le principe d'alternance de pièces d'effectifs différents, tout en s'attachant à remettre à l'honneur des pages méconnues du répertoire baroque et présenter les dernières productions de compositeurs contemporains. Afin d'en mesurer les spécificités, le répertoire interprétatif du Quintette est mis en regard d'autres formations de la même époque, en particulier le Trio Cortot-Thibaud-Casals, le Trio Pasquier et le Quatuor Calvet, qui bénéficiaient également d'une grande visibilité sur les mêmes années d'exercice. Enfin, la troisième partie aborde spécifiquement l'esthétique du répertoire en quintette progressivement constitué entre 1923 et 1938, et qui comprend près d'une trentaine d'œuvres composées à l'intention du Quintette Instrumental de Paris. Un corpus plus resserré comprenant les dix quintettes les plus représentatifs de leur répertoire (Jongen, Roussel, d'Indy, Pierné, Cras, Ropartz, Schmitt, Malipiero et Françaix) font l'objet d'une analyse approfondie de l'écriture et de la gestion de l'effectif instrumental. Ce travail permet d'aborder les questions d'homogénéité sonore, d'explorations timbriques et de configuration instrumentaleIn 1922, the flutist René Le Roy had the idea of creating a chamber ensemble with an atypical combination of instruments (flute, harp and string trio) which recalls Debussy's Sonate pour flute, alto et harpe that he was particularly fond of. The Quintette Instrumental de Paris had a well-filled musical career until 1940, thanks to the dedication and rigour of its founder members: Marcel Grandjany, and then Pierre Jamet on the harp, René Bas on the violin, Pierre Grout on the viola and Roger Boulmé on the cello. The ensemble was disbanded during the war, when René le Roy left for America, and Roger Boulmé was killed in action. In 1944, the harpist Pierre Jamet re- formed the quintet, which now bears his name. When the group finally split up in 1958, the Pierre Jamet Quintet was given a new lease of life by Marie-Claire Jamet, Pierre Jamet's daughter, and her husband, the flutist Christian Lardé. This thesis, which focusses on the ensemble's first period of activity (1922-1940), sets out to examine how the group managed to get established and sustain its activity, even though it did not belong to any chamber music tradition and had no pre-existing repertoire. The players turned to contemporary composers in order to gradually enrich their repertoire. The first part sets out to reconstruct the musical trajectory of the ensemble, in the light of documentary evidence scarcely used until now., and to assess its place in the musical life of its time. The ensemble benefited from a favourable historical context for the practice of chamber music, and it attracted composers who were interested in the expressive potential of this new combination of instruments. The second part looks at the career strategies implemented by the ensemble itself to promote its activities in France and abroad. This provides an opportunity to reconsider the figure of the impresario who, like Marcel de Valmalète, exerted an ever-growing influence on French musical life. In this period of great geopolitical upheaval, the Association Française d'Action Artistique (A.F.A.A.), which promoted French music abroad, greatly encouraged the Quintet's career in Europe and America. This is perfectly illustrated by the two American tours in 1934 and 1935. Nadia Boulanger, who was close to René Le Roy and more particularly to Pierre Jamet, acted as an intermediary to facilitate the Quintet's introduction into the New York musical milieu. The concert programme, which had also been restructured, was based on the principle of alternating pieces for different sized groups, endeavouring to give pride of place to little-known pages from the Baroque repertoire and to present the latest works by contemporary composers.In order to assess the particular nature of the Quintet's interpretative repertoire, it is compared with that of other groups from the same period, in particular the Trio Cortot-Thibaud-Casals, the Trio Pasquier and the Quatuor Calvet, which were also popular at the time. Finally, the third part deals specifically with the aesthetics of the quintet as it progressed between 1923 and 1938, including some thirty works composed for the Quintette Instrumental de Paris. A more restricted corpus comprising the ten quintets which best exemplify their repertoire (Jongen, Roussel, d'Indy, Pierné, Cras, Ropartz, Schmitt, Malipiero and Françaix) is the focus of an in-depth analysis of the writing and management of this particular combination of instruments. We can hereby tackle the questions of sound homogeneity, exploration of timbre and instrumental configuration
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Bruzaud, Radosveta. "Le mot dans la partition au vingtième siècle." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040225.
Анотація:
En dehors du contexte des œuvres vocales, la littérature musicale contemporaine témoigne d'une multiplicité de formes de dialogue et d'échange entre l'expression verbale et le phénomène sonore, aucune hypothèse d'interaction et d'osmose entre ces deux modes d'expression n'étant exclue a priori, tant qu'elle contribue à stimuler la créativité de l'interprète, à faciliter la perception de l'œuvre, à favoriser, finalement, la communication du projet compositionnel. Alors que, dans certains cas, le recours aux mots vise à privilégier l'accès à l'œuvre, en dévoilant ses sources d'inspiration et en précisant ses objectifs esthétiques, dans d'autres, l'expression verbale s'associe étroitement au discours sonore, formant avec lui un complexe musico-poétique, dont les différentes composantes agissent simultanément sur la perception de l'interprète. Dans d'autres encore, par delà ses qualités poétiques, le mot peut constituer un des éléments essentiels du système notationnel, conçu par le compositeur, ou bien être chargé d'une fonction métalinguistique, contribuant à transmettre les modalités selon lesquelles le projet musical devrait être réalisé. Enfin, avec l'apparition de la notation verbale, au début des années 1960, l'idée musicale se concrétise uniquement à travers les signes linguistiques, la partition étant élaborée exclusivement au moyens des mots du langage courant. Après avoir analysé plusieurs cas de figure de présence du mot, dans la partition au XXème siècle, la présente thèse développe la problématique de la notation verbale et propose une taxinomie des faits artistiques inscrits dans ce champ de notation expérimentaleApart from the context of vocal works, the contemporary musical literature testifies to a multiplicity of forms of dialogue and exchange between the verbal expression and the sound phenomenon, no assumption of interaction and osmosis between these two modes of expression being excluded a priori, while it contributes to stimulate the creativity of the performer, to make easy the perception of work, to promote, finally, the communication of the composer's project. Whereas, in certain cases, the recourse to the words aims to favour the access to work, by revealing its sources of inspiration and by specifying its aesthetic objectives, in others, the verbal expression joins the sound phenomenon closely, forming with him a musico-poetic complex, whose various components act simultaneously on the perception of the performer. In others again, beyond its poetic qualities, the word can constitute one of the essential elements of the notational system, conceived by the composer, or to be put in charge of a metalinguistic function, contributing to transmit the methods according to which the musical project should be carried out. Lastly, with the appearance of the verbal notation, at the beginning of the years 1960, the musical idea is concretized only through the linguistic signs, the musical score being elaborate exclusively by means of the words of the current language. After having analyzed several cases of presence of the word, in the musical score at the 20th century, this research work develops the problems of verbal notation, suggesting a taxonomy of the artistic manifestations lying within this field of experimental notation
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Douat, Étienne. "La chambre régionale des comptes et l'ordre juridictionnel administratif." Bordeaux 1, 1991. http://www.theses.fr/1991BOR1D014.
Анотація:
La loi de decentralisation a cree 24 chambres regionales des comptes, afin de controler les finances locales. Le nouveau juge regional a pour premiere competence d'exercer les attributions de la cour des comptes, a savoir le jugement des comptes et le controle de la gestion des ordonnateurs. La chambre regionale des comptes n'est pas qu'un complement de la cour des comptes; en effet, l'institution centrale en est le juge d'appel et est titulaire d'une mission d'inspection depuis 1988. Les chambres regionales des comptes sont donc filles de la cour des comptes. Toutefois, l'existence d'un double degre de juridiction financiere ne permet pas de conclure a l'existence d'un nouvel ordre juridictionnel autonome. La presence du recours en cassation est a ce sujet l'argument principal. Par ailleurs, le controle budgetaire et son contentieux font de la chambre regionale des comptes une juridiction a la fois associee a la fonction administrative et orientee par le juge administratif. La chambre regionale des comptes, malgre sa double nature, est avant tout une juridiction. Il s'agit d'une juridiction administrative specialisee, qui n'echappe pas a la regulation du conseil d'etat1982 decentralization act created 24 regional count chambers so as to control public regional funds in france. Many reviews published reports concerning these new institutions but there was a need of a general study. Since 1807 there is a challenge between the revenue court and the state council. The main points concerns the independance of a separated system within the administrative judicial organization. The regional revenue chambers complement the activity of the revenue court of paris which can level criticisms towards its daughters. But the existence of an appeal to the state council weakens the auutonomy of revenue juridictions. Above all, revenue chambers are directly controlled by administrative judges. New procedures of budgetary control involves revenue chambers in prefectoral decisions. Regional revenue chambers are mainly judicial institutions acting in the administrative sphere
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Tissier, Eric. "Le champ de la musique contemporaine." Paris 4, 2008. https://www-vlebooks-com.ressources.univ-poitiers.fr/Vleweb/Search/Keyword?keyword=9782296246119.
Анотація:
Notre recherche propose une analyse de la place de la musique contemporaine dans la société française au tournant du XXIe Siècle. Elle s'inscrit dans une démarche compréhensive. Une première partie s'interroge sur le statut du compositeur au cours des siècles et analyse les conditions d'apparition d’un champ de la musique contemporaine après la Seconde Guerre mondiale ainsi que du rôle grandissant de l'État dans son financement à travers diverses formes d’aide aux compositeurs. Une méthodologie rigoureuse nous a ensuite permis de mener une enquête auprès de 26 compositeurs et compositrices. Nous avons alors voulu replacer le compositeur dans son contexte social en relevant à travers les différentes étapes de son parcours les implications et les conséquences du fonctionnement du champ de la musique contemporaine sur son activité créatrice. Notre recherche a ainsi mis en évidence les conséquences de la forte concurrence, les ajustements successifs en fonction des possibilités objectives, les espoirs et bien souvent les déceptions qui en découlent. Dans ce contexte l'État, qui à travers la commission d'attribution des commandes modifie grandement les hiérarchies des genres musicaux malgré une neutralité affichée, joue un rôle central que nous analysons dans le détail. Les conclusions de cette recherche mettent en évidence l’intérêt de remettre la créativité au centre de l'enseignement musical tout en accentuant la politique de décentralisation nécessaire à une meilleure diffusion de la création musicale sur tout le territoireTrough this research we apprehend the place of music in contemporary French society at the turn of the 21st century. It is part of a comprehensive approach. The question posed in the first part engages the status of the composer over the centuries and analyses the conditions for the formation of a contemporary music's field after the Second World War and, in same way, the growing role of the State in its funding through various forms of assistance to composers. A rigourous methodology we also considered various experiments throughout a 26 composers' survey (men and women). In other words, the composer in its social context regarding the different stages of his career implications and consequences of his creative activity through the compartmentalized orientation that has taken over the contemporary music’s field. Thus, our research has highlighted the consequences of strong competition, successive adjustements based on objective possibilities, hopes and disappointments often arising. In this context of State, which through the committee for awarding orders greatly modified hierarchies of musical genres despite neutrality displayed, plays a central role that we analyse in detail. The issues of this research bring to light the relevant facts of creativity into the center of musical education while accentuating the decentralization policy necessary to a better diffusion of musical creation throughout the territory
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Hakima, Fakher. "Les aérophones dans la musique populaire égyptienne : tradition et évolution." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040237.
Анотація:
Ce travail expose les principales mutations de la musique populaire égyptienne depuis le début du XXème siècle. Dans cette recherche, nos interrogations ont été essentiellement axées sur les modes d'utilisation des instruments à vent dans les traditions musicales populaires, rurales et citadines. Le transfert des genres musicaux ruraux vers la ville du Caire a engendré d'importantes mutations. Pour montrer ces changements, nous avons tenté d'étudier deux groupes d'instruments à vent : Les instruments authentiques (al-‘arghûl, al-mizmâr et al-kawalah) issus de la musique populaire rurale et les instruments occidentaux (accordéon et saxophone) qui font usage dans la musique populaire citadine du Caire. Par ailleurs, ce travail propose un aperçu de la musique militaire arabe en général et égyptienne en particulier et ce pour mettre en évidence la vulgarisation de ce genre musical qui fut à l'origine de l'apparition d'une nouvelle musique populaire citadine dite firqat hassab allah ( les fanfares populaires). Cette recherche a essayé de montrer la contribution de l'organologie et de la technique du jeu instrumental à l'évolution de la musique populaire égyptienneThis work reveals the principal mutations of the Egyptian popular music, right from the start of the twentieth century. Our essential interrogations will focus on the use of the woodwind instruments in both: the popular rural and urban music and around their role in the evolution of the style of interpretation. The transfer of the rural music of the Egyptian countryside towards the urban environment of the city of Cairo brought about important mutations. In order to expose those mutations we have studied peculiarly two mains groups of woodwind instruments: the authentic instruments (al-‘arghûl, al-mizmâr et al-kawalah) which interpret popular rural music and the occidental woodwind instruments (the accordion and the saxophone) which themselves interpret the popular urban music of Cairo. The research displays also a study of the Arabic military music. The vulgarization of this musical genre had been the consequence of the apparition of a new popular musical genre: popular brass-band hassab allh. The following research paper deals with the contribution of organology, as well as the instrumental technique, on the evolution of the Egyptian popular music
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Lévy, Fabien. "Complexité grammatologique et complexité aperceptive en musique : étude esthétique et scientifique du décalage entre la pensée de l'écriture et la perception cognitive des processus musicaux sous l'angle des théories de l'information et de la complexité." Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0123.
Анотація:
La complexité musicale regroupe deux catégories : les complexités grammatologiques en tant que complexité de la pensée d'une écriture, et les complexités aperceptives en tant que difficultés cognitives de perception. Leurs mécanismes sont distincts : deux procédures de même complexité grammatologique peuvent produire deux résultats sonores de complexités aperceptives dissemblables et inversement. Cependant, l'écriture musicale est aussi une façon de penser la musique. Etudier la complexité grammatologique nécessite donc d'étudier la perception analytique de la musique. Inversment, la perception d'une oeuvre est une écriture mentale. Etudier la complexité aperceptive erquiert d'étudier la complexité analytique de l'algorithme réengendré par l'auditeur. Cette recherche s'appuie sur des applications musicales ( sur l'écriture et la perception des rythmes, des transformations motiviques, des consonances. . . ) et sur l'élaboration de concepts et de paradoxes de l'écriture et de la perceptionTwo categories can be distinguished for the notion of musical complexity : the grammatological complexities, which mean the complexity of the thought of a writting, and the apperceptive complexities, designating cognitive difficulties of perception. Their mechanisms are distinct : two procedures with identical grammatological complexity can result in dissimilar apperceptive complexities, and inversely. However, the musical writting also carries a way of thinking the music. Hence, studying the musical grammatological complexity requires a study of our analytical perception of the music. Conversely, the perception of the music is a mental writting, and studying the apperceptive complexity requires a study of the analytical complexity of the algorithm reprocessed by the listener. This research uses concrete musical applications (concerning rythms, motivic transformations, consonance, etc. ), and the elaboration of theoretical concepts and paradoxes on writting and perception
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Decarsin, François. "La recherche du nouveau en musique au XXe siècle." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010565.
Анотація:
En quoi consiste la modernité en art? Est-elle inéluctablement vouée à la création de nouveauté ou peut-elle répéter le passé dans un geste d'appropriation? Elle se définit tout d'abord par les différentes perspectives historiques dans lesquelles s'inscrit l'œuvre selon qu'elle reflète l'idée de progrès continu ou qu'elle témoigne au contraire de son indifférence à tout principe d'évolution cumulative. La détermination de la dimension collective dans la création permet ensuite de situer celle-ci dans un réseau de forces antagonistes : celles du conditionnement historique, de l'air du temps, de l'éventuelle présence de structures invariantes face à l'irréductible originalité créatrice. La synthèse de ces recherches s'est opérée à partir d'analyses plus directement liées à la spécificité esthétique de ce siècle : remise en cause de l'écriture tonale, mutation de la conception thématique, rôle de l'évolution technologique, accentuation de la pluralité des expériences, revalorisation de la composante temporelle et de ses techniques d'articulation, relation entre théorie et composition. Des références aux périodes antérieures permettent par ailleurs d'éclairer certaines convergences ponctuellesWhat does modernity in art consist of? Is it obliged to involve the creation of something new or can it be a repetition of the past, but in a re-appropriated form? It can be defined, firstly, in term of the different historical perspectives in relation to which a work is situated, depending on whether it reflects the idea of continuous progress or, on the contrary, demonstrates indifference towards the whole principe of cumulative evolution. By determining the collective dimension in creation, it is in turn possible to situate the latter within a network of antagonistic forces : those of historical conditioning, of the fashions of the day, of the possible presence of invariant structures confronting the individual. The synthesis presented in this research is the result of analyses particularly related to the aesthetic specificity of the present century : the mutations in tonal writing and thematic conception, the role of technological evolution, the emphasis placed on the diversity of experience, the manipulative techniques relating to duration, the relationship between theory and composition. Furthermore, references to the past make it possible to shed light on certain particular points of convergence
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Allain, Aurélie. "Musique et ritualité funéraire au XXe siècle." Rouen, 2004. http://www.theses.fr/2004ROUEL481.
Анотація:
Genèse et fondement de tout l'art funéraire, le rite s'annonce dans la musique du XXe siècle comme l'expression infinie d'une solitude de l'âme. Entendue comme dissolution de l'être, la mort invite au recueillement et témoigne d'un repli hors de la réalité. Par conséquent, une étude des liens existant entre le rituel funéraire et la musique sera fondée sur les données catégorielles d'une esthétique de la mort. Réparties en deux catégories (immanentes et transcendantes), celles-ci soulignent l'intime liaison du rituel funéraire et de la musique au XXe siècle. Ensemble formel dont l'origine est la mort réelle d'un être, le rite funéraire articule le champ de la signifiance musicale. De quelle manière le rite et la musique s'interpénètrent-ils ? Quelles sont leurs différentes façons de s'unir ? Comment la structure rituelle peut-elle correspondre à la structure musicale ? Est-il possible de distinguer des invariants ? Autant de questions qui jalonnent notre proposGenesis and fundament of the funeral art, the rite appears in the twentieth century as the infinite expression of a loneliness of heart. Understood as the dissolving of being, death invite to meditation and indicates an innermost recess out of the real world. Therefore, a study of the links between the funeral ritual and music will be based on the categories of aesthetics of death. These ones (immanent and transcendental) emphasize the intimate links between the funeral ritual and the music of the twentieth century. Formal body built for the real death of a person, the funeral rite structures the field of the signication of music. How the rite and music do interpenetrate? What are there different ways to unit? How the ritual structure may correspond to the musical structure? Is it possible to distinguish invariants? Some questions punctuating our intention
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Roblin, Catherine. "La littérature pour violoncelle seul au XXème siècle : entre tradition et modernité." Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/roblin_c.
Анотація:
Ce travail cherche à montrer, d'une part, quel a été l'impact de la "redécouverte" des "Six suites pour violoncelle seul" de Bach au début du XXème siècle sur l'essor de la composition d'oeuvres destinées à ce medium, et d'autre part, en quoi celui-ci a pu correspondre à certaines aspirations propres aux créateurs de notre temps et se faire le reflet des différents courants et tendances esthétiques de ce siècle. La référence à l'oeuvre de Bach s'exprime très clairement à travers le "corpus" considérable de Suites (environ 180) mais transparaît aussi implicitement dans le souci d'inscrire ce type de composition dans un genre issu d'une longue tradition tel que la Sonate (plus de 280). Les techniques d'écriture employées par Bach pour donner une dimension polyphonique à cet instrument ont aussi inspiré les compositeurs de notre siècle, qui ont su par ailleurs leur donner de nouveaux prolongements (polyphonie de timbres, polyphonie gestuelle, utilisation de dispositifs électro-acoustiques). Et, même si le violoncelle est encore bien souvent traité comme un instrument lyrique, conformément à la tradition des siècles passés, il offre, par l'élargissement de ses modes de jeu, une très riche palette de timbres qui répond tout à fait aux exigences des compositeurs du XXème siècle et donne à ce medium instrumental un intérêt renouvelé. Les violoncellistes ont eux-même largement contribué au développement de ce répertoire, stimulant les compositeurs par leur personnalité, leur maîtrise instrumentale, voir même par la mise au point de nouvelles techniques, destinées en particulier à élargir les possibilités de jeu polyphonique sur l'instrument solo (jeu avec deux archets simultanés ou archet courbe).
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Robert, Martial. "Communication et musique en France entre 1936 et 1986." Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1997AIX10006.
Анотація:
La musique, moyen de communication, dissequee et transformee par les outils d'une technique de communication : tourne-disques puis magnetophones de la radiodiffusion. Ce, grace -ou a cause- d'un homme : pierre schaeffer, qui fut a lui seul, pendant cinquante ans, la reflexion voire l'histoire des deux disciplines. Connu comme compositeur et inventeur de la musique concrete, un examen prealable des dictionnaires confirme l'etiquette en evoquant, pour la plupart timidement, quelques autres poles. Cheminant de ses premieres experiences de poesie radiophonique au glissement vers le terrain musical et compositionnel, il s'agit de tenter de cerner les forces qui poussent cet homme vers l'art, le troublent ou l'irritent : le faire avant le penser. Car, en fait, sa voie de polytechnicien au service de la radiodiffusion nationale a ete administrativement tracee ailleurs, a travers les continents meme, par volonte, par hasard. Le fonctionnaire et ses organismes crees non sans mal, en marge et en lutte perpetuelle avec les administrations bornees, sont en tout cas certainement toujours revelateurs du personnage : aussi, description des structures. La charniere ne peut etre que son ouvrage theorique celebre, source des malentendus : le traite des objets musicaux mais qui n'est pas une fin. Analyse des pretentions des centres de recherche et musiciens francais s'en reclamant par leurs activites. Qui serait en fait dans la lignee ? de quoi proner une ethique de la formation et du caractere scientifique : le penser redressant le faire. Deceler sa source dans les marques de l'enfance et des rencontres ; apprecier ensuite son fruit dans la trempe litteraire sous-jacente et au fond, premiere.
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Gervasoni, Arturo. "Directionnalités dans la musique d'Ivan Fedele." Phd thesis, Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00196059.
Анотація:
La directionnalité dans la représentation comme notion d'« aller vers » et ou de « rapport à » est abordée dans différents domaines dont le domaine musical et elle est utilisée comme outil d'analyse de la musique du compositeur Ivan Fedele. Ces notions qui dérivent des notions de « sens » et de l'acte de comparaison sont l'essence même de l'acte d' « étude ». Du point de vue conceptuel et du point de vue stylistique, l'analyse de la directionnalité dans la musique d'Ivan Fedele nous a permis de relever des traits qui font partie de sa pensée. L'analyse de la musique d'Ivan Fedele sous l'angle des notions de directionnalité nous a également permis de relever des aspects de la pensée musicale des années 1990
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Li, Zheng. "Évolution de l'esthétique musicale chinoise après les rencontres entre les musiques chnoise et occidentale (fin du XIXe siècle à nos jours)." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010646.
Анотація:
Depuis plus d'un siècle, la Chine s'efforce d'assimiler les avancées occidentales dans tous les domaines intellectuels. Apres les diffusions de la musique occidentale dans ce pays, les musiciens chinois ne cessent pas de chercher la fusion des cultures chinoise et occidentale. Cette recherche a pour objet d'analyser le développement de cette fusion et d'en trouver les raisons internes et externes. Sur quel terrain la musique occidentale a été introduite en Chine? Comment les rencontres entre les musiques chinoise et occidentale ont-elles engendré des bouleversements dans le domaine de l'esthétique musicale chinoise ? Face au conflit entre les cultures chinoise et occidentale, entre la tradition et la modernité, l'évolution de l'esthétique, comme un miroir, traduit davantage le changement délicat de la psychologie sociale. Cette recherche est au coeur d'interrogations variées renvoyant aussi bien à l'histoire récente de la Chine et de ses rapports avec l'Occident qu'aux phénomènes de globalisation culturelle.
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Carayol, Cécile. "Un langage musical spécifique au cinéma : du modèle américain à l'émergence d'une nouvelle forme de symphonisme dans le cinéma français contemporain." Rennes 2, 2011. http://www.theses.fr/2011REN20002.
Анотація:
L’existence d’un langage musical spécifique au cinéma est mise en perspective par l’étude de deux formes de symphonismes – la réhabilitation du modèle américain et le « symphonisme intimiste » - dans les longs métrages français contemporains depuis la fin des années 1990. L’analyse de la musique composée pour Angel et Huit femmes montre un retour à la tradition des mélodrames américains des années 1930, 1940 et 1950. A travers les dimensions – épique, lyrique et fantastique présentes dans des films comme Les rivières pourpres, Nid de guêpes, Joyeux Noël ou Jeux d’enfants, on constate aussi une assimilation des codes musicaux du néo-hollywoodisme. Par ailleurs, l’émergence d’une nouvelle forme de symphonisme observée dans des partitions comme Swimming Pool, Sous le sable, Sur mes lèvres, De battre mon cœur s’est arrêté, Confidences trop intimes ou Hell s’exprime par une orchestration symphonique qui privilégie la « transparence » des timbres, un lyrisme contenu et développe une empathie émotionnelle avec l’action tout en se détachant d’un synchronisme descriptif. L’appropriation de caractéristiques issues du minimalisme et de l’impressionnisme renforcent la concision et l’épure de ce symphonisme. Cette approche musicologique permet d’apporter un éclairage sur la manière dont la musique symphonique originale se dessine en ce début du vingt-et-unième siècle et comment, au regard de ce qui préexiste dans l’histoire de la musique du cinéma français, elle se singulariseThe existence of a specific musical language in the cinema is put in perspective by the study of two forms of symphonisms – the rehabilitation of the American model and the « intimist symphonism » in the French contemporary features films since the end of the 1990s. The analysis of the scores composed for Angel and Huit femmes shows a return to the tradition of the American melodramas of the 1930s, 1940s and 1950s. Through the dimensions – epic, lyric and fantastic – present in movies such as Les rivières pourpres, Nid de guêpes, Joyeux Noël or Jeux d’enfants, we notice an assimilation of the musical characteristics of neo-hollywoodism. Besides, the emergence of a new form of symphonism observed in scores such as Swimming Pool, Sous le sable, Sur mes lèvres, De battre mon cœur s’est arrêté, Confidences trop intimes or Hell expresses itself by a symphonic orchestration that privileges the “transparency” of the instrumental color, a restrained lyricism and develops an emotional empathy with the action of the movie by avoiding a descriptive synchronization. The appropriation of the characteristics coming from the minimalism and impressionism intensifies the concision and the working drawing of this symphonism. This musicological approach allows to clarify the way the original symphonic music is outlined in the beginning of twenty-first century and how, in the eyes of what preexist in the history of the French cinema, it distinguishes itself
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Langlois, Philippe. "Les procédés électroacoustiques dans les différents genres cinématographiques : une étude transversale au XXe siècle." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040092.
Анотація:
Dès la fin des années vingt, certains cinéastes et compositeurs, proches des milieux d'avant-garde, s'emparent des possibilités offertes par l'apparition de la piste optique et des nombreuses manipulations du son qui en découlent. Variations de la vitesse de défilement du son, inversion, partition rétrograde, nouvelle lutherie électronique, synthèse optique, transformation et montage ds bruits, autant de techniques qui se déploient aprés la révolution du cinéma sonore. Loin de concerner l'ensemble de la production cinématographique, ces dispositifs n'en constituent pas moins une nouvelle manière de concevoir et de penser le son et ce, dans tous les genres cinématographiques, du cinéma de fiction, aux films documentaires , du cinéma d'animation aux films expérimentaux, etc. Après 1950, ces procédés électroacoustiques ne cessent de prendre de l'importance en particulier dans le cadre du Service de la Recherche de l'ORTF (Office de Radio Télévison Française) dirigé par Pierre Schaeffer, ainsi que dans les principaux courants artistiques comme la mouvance synesthésique, les films d'auteurs, le cinéma structurel, les films de Found Footage, le déconstructivisme. Cette étude révèle non seulement une nouvelle lecture historique en ce qui concerne l'apparition puis le développement des procédés électroacoustiques au cinéma, mais aussi la question de leur fonction signifianteWith the end of the twenties, some avant-garde cineasts and composers began to use the potentialities of the newly invented opiticaltrack, wich permitted many sound manipulations. Changes of speed in sound reading, reversion, "retrograde score", new electronic instruments, optical synthesis, transformations and edition of noise, so many techniques that spread out along with the revolution of sounded cinema. These devices, although not always used by the whole cinematographic production, are no less a new way of composing sound, regardles of cinematographic categories: fiction, documentaries, animation, experimental movies. After 1950, this electroacoustic processes become more and more common, particulary in the "Service de la Recherche de l'ORTF" (French Radio Television Office) under the direction of Pierre Schaeffer. There are also used by the most prominent artistic scholls such as synesthesist movement, author films, structural cinema, Found Footage, and deconstructivism. This study unfolds a new historic vision of the birth and developpement of electroacoustic medias in cinema, along with an examination of their signifying function
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Michel, Philippe. "Problèmes de perception formelle dans la musique occidentale du XXe siècle." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081309.
Анотація:
Les oeuvres novatrices de la musique occidentale de tradition ecrite (M. O. T. E. ) Ont connu, au XXe siècle, de graves difficultés d'accueil, revelant ainsi le probleme d'identite de cette discipline artistique dans la societe occidentale moderne. Ce probleme presente un axe d'explication privilegie a travers la question de la perception formelle. En effet, on remarque que, dans les oeuvres novatrices du XXe siecle, le suivi de la forme temporelle ne se fait plus necessairement par le suivi du destin d'un niveau formel emergeant - l'axe melodico-rythmique - comme c'est le cas dans les oeuvres traditionnelles de la M. O. T. E. La hierarchie synchronique de strates diachroniquement orientees n'est meme plus "la forme a priori" (P. Boulez) de l'oeuvre d'art musicale. Entre temps, l'evolution historique de la notion d'art musical a rendu obsolete ce modele morphologique ancestral. Pourtant, le traditionalisme morphologique du panorama mediatique actuel, autant que celui des circuits d'apprentissage musical, entretiennent sa validite. Ils accusent de la sorte quotidiennement l'ecart entre le cercle restreint des compositeurs contemporains et l'ensemble des individus musicalises par simple immersion culturelleIn the XX century, innovative works in western music in the written tradition (W. M. W. T. ) have met with serious difficulties of acceptance, thus revealing the identity problem of this artistic discipline in modern western society. This problem presents a privileged explanatory axis in the question of formal perception. Indeed, it is to be noted that in xx century innovative works, the observation of the development of temporal form no longer goes by the observation of the destiny of an emerging formal level -the melodic and rhythmic axis- as is the case in W. M. W. T. . The synchronic hierarchy of diachronically oriented strata is not even the "forme a priori" (P. Boulez) of the musical work of art any longer. Meanwhile, the historical development of the notion of musical art has made this morphological ancestral model obsolete, although the morphological traditionalism of the present media panorama as well as that of musical training systems keep it valid. They thus day after day lay the emphasis on the gap between the restricted circle of contemporary composers and the crowd of individuals that cultural immersion only has made musically knowledgeable
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Ayari, Mondher. "Esquisse d'écoute et de pensée musicales arabes : essai de psychologie cognitive de l'audition." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081705.
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Fléchet, Anaïs. "Aux rythmes du Brésil : exotisme, transferts culturels et appropriations : la musique populaire brésilienne en France au XXe siècle." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010698.
Анотація:
Longtemps ignorés des voyageurs européens, les rythmes du Brésil connaissent une diffusion inédite en France au XXe siècle. L'engouement pour les danses de société américaines est à l'origine de l'adoption de la maxixe dans les dancings parisiens à la veille de la Première Guerre mondiale. Par la suite, nombre de genres populaires acquièrent les faveurs du public: la samba, le baião, la bossa nova, la chanson engagée et le tropicalisme contribuent à enrichir le paysage sonore français et donnent lieu à de multiples transferts culturels entre les deux rives de l'Atlantique. L'exotisme musical concerne également la création savante, représentée par Darius Milhaud et Heitor Villa-Lobos, et donne naissance aux premiers travaux d'ethnographie musicale sur le Brésil en France. L'étude des appropriations de la musique populaire brésilienne par les artistes et le public français permet donc d'identifier les principaux acteurs et vecteurs des relations musicales entre le Brésil et la France et d'interroger la traditionnelle « sympathie artistique» entre les deux pays. Les transferts concernent aussi bien les pratiques - édition de partitions, enregistrements, concerts, enseignement - que la création d'une image musicale du Brésil en France. Lis mettent en jeu une rhétorique de l'altérité, dans laquelle les rythmes brésiliens dessinent une figure de l'Extrême Ailleurs, et deviennent, au gré de l'évolution du « goût des Autres », primitifs, typiques et authentiques. Au-delà du public français, ces phénomènes de modes ont un impact sur le paysage culturel brésilien, contribuant notamment à la légitimation de genres populaires et à la mise en 1 place d'une diplomatie culturelle spécifique. L'exotisme musical et les « effets retour» marquent les continuités existant au sein de l'Euro-Amérique, pensée comme un espace culturel commun. Cependant, ils indiquent également le rôle joué par les États-Unis dans la circulation des genres populaires de part et d'autre de l'Atlantique. La diffusion des rythmes brésiliens en France emprunte un itinéraire nord-américain à partir de la Seconde Guerre mondiale, définissant des transferts triangulaires et soulignant le rôle du pôle bicéphale New York/Los Angeles dans la mondialisation culturelle du XXe siècle.
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Vandenheede, Jan. "Contributions à la musique contemporaine : idées, textes, partitions." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010707.
Анотація:
La première partie est focalisée sur la transformation d'œuvres, explique une approche réaliste à l'œuvre ouverte et propose des solutions efficaces au problème de la transcription de rythmes jugés extrêmement difficiles, en occurrence des rythmes qui utilisent des échelles de durées chromatiques ou semblables dans Struktur I, œuvre commandée par l'IRCAM. La deuxième partie est centrée sur la narrativité, explique les mécanismes sous-jacents au discours musical de Struktur I, auquel un conflit et un passage sublime sont essentiels, et dévoile les secrets de la musique dans Orange Mécanique de Stanley Kubrick. Une troisième partie propose un système de comptage interne qui vise à augmenter la résolution temporelle en solfège, et une méthode pour réduire de façon agréable le nombre de bits piratables d'un signal musical. Cette dernière est utile si on veut mettre des fichiers de sons sur internet et peut fournir la base d'une simulation efficace de bruits tels que ceux de la mer.
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Korzilius, Pierre. "Soutien public et programmation de musique contemporaine en France, en Allemagne, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis." Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0100.
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Beuvain, Catherine. "L'expérience de l'absolu à travers la musique dans la littérature française." Nice, 1995. http://www.theses.fr/1995NICE2003.
Анотація:
Cette thèse analyse la manière dont la musique classique est vécue et traduite depuis le romantisme, chez plusieurs romanciers et poètes français du XIXe siècle (essentiellement) et du XXe siècle. Eclairés par d'autres approches du fait musical (discours critiques, témoignages de musiciens, références picturales, etc. ), les extraits littéraires révèlent un comportement orienté vers la quête et l'expérience d'un absolu appréhendé dans et par la musique. L'expression de celle-ci, manifestement indicible, étant une gageure, l'accent est mis sur ses circonstances d'apparition et de perception en une interrogation et exploitation constantes des limites : entredeux et silence, personnalité et attitude du musicien, états de conscience privilégiés, seuils spatio-temporels. Comme pour le héros, vivant par la musique dans la mouvance d'au-delà divers (atmosphères fantastiques, voyages et métamorphoses). La maitrise du mystère musical passe pour l’écrivain par l'utilisation du contexte et de l'image : synesthésies et métaphores procèdent aussi, avec le , d'un déplacement ou dépassement. Le informe donc la spécificité musicale, l'expression sonore, sa traduction littéraire et la visée de l'absolu. Corrélativement, la musique met en jeu des valeurs esthétiques et éthiques, apporte des richesses intellectuelles et morales. Elle implique la recherche de l'essentiel : pureté, simplicité, intériorité sont les qualités de < l'âme >, notion typiquement romantique. Par là, la musique fait toucher au sacré, au mystique et a l'absolu. Les oxymores en semblent la traduction privilégiée, suggérant la transcendance par laquelle héros et écrivains peuvent dépasser la finitude des moyens pour appréhender la vérité profonde et exploiter le relatif pour accéder à l'essence. Corpus principal : Alain-Fournier, Balzac, Baudelaire, Bosco, Claudel, M. DesbordesThis thesis analyses the way in which classical music has been lived and translated since romanticism in several french novelists and poets of the two last centuries. Considered in the light of others approaches of music (textual criticism, musicians' opinions, pictorial references, etc), the literary extracts reveal the quest and the experience of an absolute apprehended in and through music. As music is obiously inexpressible, its circumstances of appearence and perception are emphasized through constant interrogation and exploitation of limits : interspace and silence, personality and reactions of the musician, favoured states of consciousness, space and time thresholds. As for the hero, who lives through music in the herafter (fantastic atmospheres, travels and metamorphosises), for the writer, the mastery of the musical mystery is based on contiguity associations and similes : synaesthesias and metaphors are, like the , transfer and surpassing. So, the expresses the peculiarity of music, the sound experience, its literary translation and the moving forward the absolute. Correlatively, music invomves aesthetic and ethical values, brings intellectual and moral riches. It supposes the search of the essentials : purity, simplicity, interiority are the qualities of the , a typically romanticist notion. By this way, music leads to the sacred, to the mystic and to the absolute. The oxymorons seem to be the privilegied translation of them. They suggest the transcendance by which heroes and writers can pass beyond the limits of the ways to reach the deep truth and take advantage of the contingent to have access to the essence
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Rimbot, Emmanuelle. "L'articulation entre discours sur l'identité et idéologie politique dans la nouvelle chanson chilienne de l'Unité populaire à la transition démocratique." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030138.
Анотація:
La Nouvelle Chanson (Nueva Canción Chilena) et le Chant Nouveau (Canto Nuevo) ont constitué au Chili deux processus successifs d’engagement artistique et militant à la fois dans le champ de la culture populaire et dans celui de l’action politique. Cette thèse propose l’analyse d’un vaste corpus de chansons écrites et interprétées pendant une période mouvementée de 25 ans : de la Révolution en liberté menée par Eduardo Frei, démocrate-chrétien, président du Chili de 1964 à 1970 à la transition démocratique amorcée par les partis de la Concertation à partir du référendum de 1989, en passant premièrement, par les mille jours du gouvernement populaire et de la Voie chilienne vers le socialisme proposée par Salvador Allende, puis, deuxièmement, par les 17 années de régime militaire sous la direction du général Augusto Pinochet. L’analyse de la chanson produite et diffusée durant cette période de forts bouleversements est une mise en lumière du sens des textes en fonction de l’interaction entre le projet créateur de l’artiste et sa réception. Elle s’appuie notamment sur les entretiens réalisés auprès d’artistes et agents culturels et sur la presse de l’époque. Nous proposons une réflexion sur les spécificités de la nouvelle chanson chilienne et sur la fonction sociale de la chanson populaire à la fois comme discours sur l’identité nationale et comme constitution d’un front d’action politique collective par la culture. Palimpseste d’une mémoire vivante, ces chansons ont favorisé la cristallisation de l’opposition face au régime militaire. La chanson populaire chilienne est entrée dans la construction à la fois intuitive et consciente de la mémoire face à un appareil politique qui œuvrait précisément à sa neutralisationNueva Canción Chilena (Chilean New Song) and subsequent Canto Nuevo (songs critical of the Pinochet regime produced within Chile during the military dictatorship) constitute two successive processes of artistic and militant commitment in the fields of popular culture and political action. This dissertation examines a broad corpus of songs written and performed over a period of 25 years: from the “Revolution in Liberty” undertaken by Christian Democrat President Eduardo Frei (1964-1970) to the democratic transition ushered by the Concertation of Parties for Democracy through the 1989 referendum. The time period covered by this study thus includes the one thousand days of Salvador Allende’s popular government (1970-1973), during which the “Chilean Way to Socialism” was initiated, as well as the seventeen-year-long military regime headed by General Augusto Pinochet (1973-1989). Through an analysis of the songs written and performed during this period of upheavals, this study attempts to elucidate the meaning of texts as it is produced by the interaction of the artist’s creative project with the forms of reception of that project. This analysis is based on interviews with the artists and on press archives from the period. I propose a reflection that focuses, on one hand, on the specificities of Nueva Canción Chilena and Canto Nuevo and, on the other hand, on the social function of popular song, construed both as a discourse on national identity and as the process of formation of a collective political front of action through culture. The palimpsest of a still vital memory, these songs contributed to the crystallization of an opposition to the military regime. Chilean popular song partook in the conscious and intuitive construction of memory, against a political apparatus that strove to neutralize it
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Arfouilloux, Sébastien. "La musique, entre pratiques et théorie littéraire, de Dada au surréalisme." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040061.
Анотація:
Cette étude met à l’épreuve des faits les déclarations théoriques de Dada et du surréalisme sur la musique en proposant de les relire dans leur contexte historique et culturel. Il s’agit de voir en quoi la musique a un rôle à jouer dans le surréalisme, compte tenu des textes qui annoncent un refus, et de mesurer l’écart entre la théorie annoncée et les réalisations menées à bien. Prenant comme point de départ les spectacles et les théories musicales de l’avant-garde de l’époque dada, qui portent en germe ce que sera le surréalisme, elle examine ensuite l’ensemble des déclarations d’André Breton sur la musique. Elle met enfin en doute l’idée qu’il n’y a pas eu de surréalisme musical. Loin du postromantisme, à l’écart du retour au classicisme de la France au début du vingtième siècle, de nouvelles musiques s’élaborent. Certaines nouvelles tendances musicales sauront retenir l’attention des poètes surréalistes et constituer une inspiration. D’autres seront impulsées par des compositeurs ayant partie liée avec le mouvement surréalisteThis study puts to the test facts the theoretical declarations of Dada and surrealism about music, proposing to read them again in their historical and cultural context. It is about to know in what music has a role to play into surrealism, taking into account the texts that announce a refusal, and to measure the difference between the announced theory and the achievements concluded. Taking as starting point the spectacles and the musical theories of the avant-garde of the time of Dada, which carry in germ what will be surrealism, it examines then the whole of the declarations of Andre Breton on the music. It finally questions the idea that there was no musical surrealism. Far from the postromantism, well off the return to the classicism of France at the beginning of the twentieth century, new musics are worked out. Certain news musical tendencies will be able to hold the attention of the surrealist poets and to constitute an inspiration. Others will be impelled by composers having dependent part with the surrealist movement
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Simon, Agathe. "Le plaisir dans la littérature et la musique françaises au XXe siècle." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040205.
Анотація:
La nature paradoxale du Plaisir relève d'une part de l'immanence et de la contingence (sensations et conscience de l'être humain) et d'autre part de la transcendance — transcendance érotique, mais également intellectuelle, esthétique, mémorielle, mystique ou hallucinatoire. Le Plaisir est ainsi illimité (il transcende l'espace et le temps) et indéterminé (il transcende le sens). Mais comment se résout le paradoxe entre le Plaisir — lequel transcende simultanément l'espace, le temps, le sens —, et les arts — lesquels relèvent simultanément de l'espace, du temps et du sens ? Autrement dit, comment s'exprime au XXème siècle le Plaisir en littérature et en musique ? Or l'analyse croisée de ces deux arts laisse apparaître que la faille ontologique en laquelle consiste le Plaisir devient l'occasion de questionnements et de bouleversements expressifs au sein de l'œuvre, par lesquels les créateurs tentent de relever ce défiThe paradoxical nature of Pleasure is part of immanence and contingency (the sensations and consciousness of human beings) on the one hand, and of transcendence on the other, whether it be erotic or intellectual, aesthetic, memorial, mystic or hallucinatory. Pleasure is therefore boundless, transcending both time and space, and undetermined, as it also transcends meaning. But how can one solve the paradox of pleasure — which transcends space, time, and meaning simultaneously — and the arts which are simultaneously grounded in space, time and meaning? In other words, how is Pleasure expressed in literature and music in the 20th century? Cross-analysis of the two art forms shows that the ontological gap that is inherent in pleasure can be the occasion for both expressive questioning and disruption in the work concerned, and that such questioning and disruption are the very means by which creators try to take up the challenge
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Castillo, Fadic Gabriel. "Identité et altérité dans la musique américaine du XXe siècle au sud du Rio Bravo." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1998PA010511.
Анотація:
Le statut complexe de l'art américain résulte du fait qu'il représente, en même temps, une projection de l'occident et le lieu de toutes ses altérites. La dualité des projets sociaux, historiques, politiques et économiques que cela implique, se manifeste par des modalités de composition instables car soumises à une double exigence. D'une part elles expriment une tendance à l'adhésion aux styles d'écriture européens que l'on restitue par des versions locales dissociées des contextes d'origine et de leur contingence historique. D'autre part elles s'avèrent incapables de gérer le contact permanent avec des systèmes musicaux qui se situent en dehors des paramètres de légitimité du récit savant. Ce double conflit met en évidence le caractère incomplet du processus de spécification esthétique au sein de la sociétéThe complex status of American art results from the fact that it represents both a projection of the occident and the scene of all its othernesses. The duality of the social, historical, political and economical plans that it implies shows itself in modalities of unstable compositions because of its submission to a double particularity. On the one hand, they express a tendency to adhere to european writing styles reproduced in local versions which are dissociated from the original contexts and their historic contigency. On the other hand, they prove to be incapable of dealing with the permanent contact with musical systems that stand outside the legitimacy parameters of the learned speech. This double conflict underscores the incomplete character of the aesthetic specification process within the society
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François-Sappey, Brigitte. "Au temps du romantisme : le cas Boëly (1785-1858) : contribution à l'étude de la musique de clavier et de la musique de chambre en France." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040477.
Анотація:
Alexandre Boëly occupe une position unique et paradoxale dans la musique française de la première moitié du XIXe siècle. Ce descendant de chanteurs de la Chapelle royale a pris le contre-pied de son époque en menant un combat incessant en faveur de la musique instrumentale, des vertus de l'écriture et en se faisant l'un des premiers découvreurs en France de Beethoven et Bach en plus de Haydn, Mozart et Clémenti. Cette perspicacité jointe à ses talents exemplaires d'organiste de Saint-Germain l'Auxerrois lui valent les suffrages d'une élite. Solitaire, modeste, Boëly a peu fait parler de lui. Son cas singulier ne prend sens et relief qu'intègre dans son temps. C'est pourquoi, comme celle de sa vie, l'approche de son œuvre - piano, orgue, musique de chambre - dans laquelle il pratique la fusion des esthétiques européennes, s'est opérée à la double lumière de son espace culturel propre et de la production de ses contemporains. L'esprit de ses petites pièces, son langage harmonique tourmenté annoncent dès ses débuts le romantisme mais la facture de ses sonates, l'économie des moyens mis en œuvre témoignent de son attachement à la maitrise des classiques. L'œuvre et l'action de cet indépendant, finalement irremplaçable dans la musique française à une période problématique de son histoire, méritent amplement une réhabilitationAlexandre Boëly occupies a unique and paradoxical position in the French music of the first half of the 19th century. This descendant of cantors belonging to the Royal chapel took the opposite course to his time by taking up an incessant fight in favor of instrumental music and virtues of counterpoint and by becoming one of the first discoverers in France of Beethoven and Bach in addition to Haydn, Mozart and Clementi. This shrewdness combined with some exemplary talents of organist in Saint-Germain l'Auxerrois brought him the approbation of elite. Lonely, modest, Boëly is an artist whose his contemporaries didn't speak much about. His singular position acquires meaning and relief when it is integrated in its time. It is the reason why as the approach of his life, the approach of his work (piano, organ, chamber music) in which he uses the fusion of European aesthetics, is made in the double light of his own culture and of the production of his contemporaries. The spirit of his little pieces, his tormented harmonic language announce, from his start, romantism but the construction of his sonatas, the economy of utilized means show his attachment to the mastery of the classics. The work and the action of his independent man, really irreplaceable in the French music at a problematic time of its history, amply deserve rehabilitation
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Alcazar, Marc. "150 années de musique à Lodève : 1831-1981." Aix-Marseille 1, 1986. http://www.theses.fr/1987AIX10004.
Анотація:
Durant ces 150 dernieres annees, la vie musicale de lodeve s'est cristallisee autour de deux centres d'interet: *la vie laique *les activites religieuses. La vie musicale laique a developpe diverses formations musicales associatives: musiques d'harmonie, societes chorales. . . Et des styles de musique tout aussi differents: folklore, opera operette, musique militaire. . . Le service religieux a suscite la construction d'orgues et nourri des ensembles vocaux, des maitres de chant, des organistes. . . Tous au service d'un repertoire musical riche et interessant, comme en temoignent les diverses partitions qui nous sont parvenues a ce jour.
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Grenesche, Céline. "La modernité artistique du XXe siècle : critique et argumentation subjective." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010515.
Анотація:
La réflexion développée au cours de ce travail cherche à interroger la place de l'art dans la société moderne et/ou post-moderne marquée par son pragmatisme. Il s'agit d'identifier ses enjeux au sein d'un environnement qui a su se démarquer d'une tradition culturelle sans pour cela créer une rupture définitive, et de découvrir en quoi la modernité a su proposer des modes de création inédits dans un monde en gestation. La modernité artistique s'est trouvée à la croisée des chemins entre un temps passé qui ne parvenait pas à garder sa stabilité et l'éclosion d'un monde où les avancées technologiques ont indiqué un nouveau sens à cette société. En associant ce phénomène aux changements constitutifs à cette civilisation, nous nous permettons de la penser en terme d'évolution et non plus comme un paysage statique. Cette première distinction réalise une rupture importante de notre système de représentation dont les peintres de la Renaissance avaient déjà perçu la portée significative. La modernité serait alors ce moment où l'être humain a commencé à penser qu'il était lui-même capable et était en possession des moyens lui permettant de raisonner le monde. Devant cette éternelle question, l'art répond par l'habileté et la sensibilité - domaines où le doute et le sujet ne font qu'un. L'expérience artistique pourrait être perçue comme le lieu où la rencontre entre ce sujet et la faculté d'abstraction a lieu dans un accord non pas parfait mais où la dissonance de leur statut fait écho dans notre intérieur. Comment alors reconnaître ce statut ambigu par notre seule raison ? Leur confrontation est l'enjeu de l'esthétique qui doit être à même d'exposer la problématique de l'expérience artistique en réinjectant du sens par son réactualisation.
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Bridoux-Michel, Séverine-Alice. "Architecture et musique : croisements de pensées après 1950 : la collaboration de l'architecte et du musicien, de la conception à l'œuvre." Lille 3, 2006. http://www.theses.fr/2006LIL30020.
Анотація:
Après 1950, le monde artistique occidental est le théâtre de profondes mutations. Par rejet de la tradition académique ou par attirance pour le phénomène de modernité, les artistes et créateurs rendent alors plus perméables les frontières des différentes disciplines, multipliant les expériences poly-artistiques. L'étude des nouvelles problématiques issues de l'interdisciplinarité constitue notre première approche de ce phénomène. A partir de cette approche, nous présentons de multiples manifestations de la relation architecture-musique et tentons de cerner à travers celles-ci une typologie des formes de relation. Trois monuments font ensuite l'objet d'analyses plus poussées : 1/le Pavillon Philips de l'Exposition internationale de Bruxelles 1958 pour lequel architectes et musiciens (Le Corbusier, E. Varèse et I. Xenakis) collaborent à un projet dans lequel l'idée de diathèse semble émaner de la confrontation de créations indépendantes ; 2/ dans le deuxième objet d'étude, c'est la réflexion menée par K. Stockhausen sur la notion de "musique dans l'espace" qui prime et débouchera sur la réalisation de l'Auditorium sphérique du pavillon allemand de l'Exposition universelle d'Osaka 1970, en collaboration avec l'architecte F. Bornemann ; 3/ le travail de conception réalisé pour Prometeo de L. Nono et pour sa structure spatiale associée, œuvre de R. Piano, concrétise une troisième grande collaboration. Ces trois exemples partagent une même volonté de renouveler l'espace de représentation scénique traditionnel. En étudiant de tels projets, nous tentons de montrer comment la rencontre de l'architecte et du musicien peut ainsi témoigner d'une nouvelle conception du mondeAfter 1950, the western artistic world is becoming the scene of profound mutations. By rejecting academic traditions or by attracting the phenomena of modernisation, artists and creators allow the frontiers of the different disciplines to become more permeable, thus multiplying poly-artistic experiences. Studying the new problems resulting from inter-disciplines constitutes our first approach to this phenomena. From this approach, we present multiple manifestations of the architectural musical relationship and we try to work out, through this, a typology of the forms of relation. Three "monuments" distinguish themselves and later become the object of more in-depth analysis : the first, "The Philips Pavilion" at the Brussels International Exhibition 1958, for which architects and musicians together, Le Corbusier, E. Varèse and I. Xenakis, collaborate in a project, whereby the idea of "diathesis" seems to emanate from the confrontation of independent creation. From our second subject, it is the reflexion led by K. Stockhausen on the notion of "music in space" which dominates. This results in the realisation of the "Spherical Auditorium" at the German Pavilion of the Universal Exhibition in Osaka in 1970, in collaboration with the architect F. Bornemann. Finally, conception and work carried out for Prometeo by L. Nono and for its associated spatial structure, work of R. Piano, solidifies a third major collaboration. These three examples share a similar purpose in renewing the space of traditional scenic representation. By studying such projects we are trying to show how the encounter between the architect and the musician can in this way witness a new conception of the world
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Criton, Pascale. "Total chromatique et continuums sonores : une problématique de la musique du XXe siècle vers une pensée des multiplicités." Aix-Marseille 1, 1999. http://www.theses.fr/1999AIX10070.
Анотація:
Nous nous proposons, au cours de la these que nous presentons ici, de reunir les elements d'une problematique du continu et du discontinu a travers les differents niveaux theorique, esthetique et techniques impliques dans l'ecriture musicale du xxeme siecle. La thematique de la continuite et de la discontinuite constitue un foyer recurrent depuis la destructuration du systeme tonal du debut du siecle. Le total chromatique, limite aux douze demi-tons de la gamme temperee se fractionne en divers systemes de micro-intervalles et se distribue peu a peu en une constellation de structures de relations variables. Trois compositeurs de la premiere moitie du xxe siecle ivan wyschnegradsky (1893-1979), alois haba (1893-1973) et julian carrillo (1875-1965) se sont confrontes, en precurseurs, a l'infinite des frequences et des combinaisons sonores. L'ultrachromatisme technique et theorique de wyschnegradsky fait l'objet d'une presentation et d'une analyse. Dans la seconde moitie du xxe siecle les techniques electroniques et la synthese numerique ont permis d'integrer le total frequentiel. De l'ecriture instrumentale a l'electronique, les compositeurs ne cessent de penser et d'experimenter la variabilite et la structuration d'une pluralite de continuums: de varese, ligeti et nono a boulez, stockhausen et xenakis. Cette molecularisation du materiau s'etend sur tout le xxeme siecle, de la generation de formalismes aux progres de l'acoustique musicale, des outils nes de l'informatique aux nouvelles lutheries. La problematique du continuum sonore se renouvelle aujourd'hui avec les perspectives de la synthese et de nouvelles ecritures instrumentales.
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Andreatta, Moreno. "Méthodes algébriques en musique et musicologie du XXe siècle : aspects théoriques, analytiques et compositionnels." Paris, EHESS, 2003. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00004074.
Анотація:
L'application de méthodes algébriques en musique représente une démarche récente dans la recherche musicale. Une réflexion historique sur l'émergence du concept de structure algébrique en musique met en évidence la place centrale occupée par trois compositeurs/théoriciens du XXe siècle : Milton Babbitt, Iannis Xenakis et Anatol Vieru. A partir de leurs propositions théoriques, cette étude développe une réflexion approfondie sur la notion de théorie musicale dans ses applications aussi bien analytiques que compositionnelles. Elle offre également une formalisation algébrique de la Set Theory et de ses développements transformationnels tout en discutant les rapports entre la tradition analytique américaine et la démarche théorique formelle en Europe. Les concepts abordés permettent de définir la place d'une démarche computationnelle en musicologie et ouvrent des questions philosophiques sur le rapport entre mathématiques et musiqueThe application of algebraic mtehods to music is a relatively new approach in musical research. We analyse the problem of the emergence of algebraic structures in music by looking at three main figures of twentieth-century theorists/composers : Milton Babbit, Iannis Xenakis and Anatol Vieru. Some of their music-theoretic contructions are the starting point for a discussion on the notion of music theory in some analytical as well ax compositional applications. This work discusses an algebraic formalisation of Set Theory and its transformational developments from a perspective which includes an analysis of the relationships between American tradition and a formalised European approach. The concepts elaborated in this work lead to a definition of the place of a computational approach in musicology and open several philosophical questions on the relationships between mathematics and music
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Anakesa, Kululuka Apollinaire. "L'Afrique noire dans la musique savante occidentale au XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040126.
Анотація:
L’Afrique noire dans la musique savante occidentale au XXe siècle est un examen de la nature et de la portée des apports africains dans la création musicale savante contemporaine en occident. Si le siècle est une période propice à l'intégration des éléments musicaux et extra-musicaux subsahariens dans la musique élitiste de l'hémisphère nord, le syncrétisme ou l'éclectisme qui en découlent sont, néanmoins, le résultat d'un long processus historique, politique, économique et socioculturel. Cette étude s'appuie sur une analyse essentiellement musicologique et historique, mais aussi anthropologique et ethnomusicologique, et propose une grille des lectures de critères de contacts, de confrontations et de convergences entre les deux cultures musicales en présence. Les approches systématiques et comparatives ont permis la scrutation des matières musicales s'inscrivant dans la filiation de deux traditions "stéréotomiques" distinctes à étagements multiples, tant par leurs données que par leurs facteurs musicaux et culturels. Elles ont aussi aidé à l'analyse des composantes prêtant à diverses lectures des éléments de formes et de fonds, idéologiques et pratiques pour l’Afrique ; philosophiques, scientifiques et techniques pour l'occident. Ainsi pouvions-nous approfondir le rapport musical direct entre les deux continents et la nature des influences, des inspirations ou des emprunts du sud et leur intégration dans la culture musicale savante du nord examinée.
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Falc'her-Poyroux, Erick. "L'identité musicale irlandaise." Rennes 2, 1996. http://www.theses.fr/1996REN20024.
Анотація:
Les opinions concernant la musique en Irlande sont extrêmement variées et ses acteurs particulièrement nombreux : il faut sans doute voir là la preuve du bouillonnement culturel que connaît actuellement l'Irlande. La reconnaissance mondiale dont bénéficie cette musique aujourd'hui constitue de ce point de vue un véritable miroir enfin tendu a une nation jeune en quête d'identité. En effet, une musique traditionnelle est une musique enracinéee et, bien qu'ils n'en soient pas responsables, ses principaux détracteurs se confondent souvent avec les foules anonymes, déracinées ou récusant leurs racines. Traditionnelle, folk, populaire, voire folklorique, nationaliste ou world music : tout cela, et même plus, elle peut l'être. La valeur polysémique des termes "musique traditionnelle irlandaise" atteste ainsi de la vitalité de ce phénomène culturel. Dans cette perspective, la musique traditionnelle irlandaise se revele etre la figure de proue d'une identité culturelle irlandaise multiple et pluraliste, symbole d'une maturité bien éloignée des rêves de pureté culturelle proposes ici et là. Considéré il y a peu de temps encore comme conservateur, voire arriéré, ce pays se transforme à l'heure actuelle de façon stupéfiante. Les mentalités y évoluent et les lois y changent. Le développement phénoménal de la musique irlandaise depuis les années soixante-dix peut être tenu comme le signe avant-coureur de ce phénomène qui ne fera que s'amplifier, et il ne serait pas si étonnant que ce pays jeune et méconnu trace une voie inédite et fasse figure d'exemple pour les autres pays occidentaux au cours des décennies a venirOpinions about Irish traditional music today differ greatly, and its actors are to be met all over the world : one should undoubtedly see in these facts a confirmation of the incredible cultural renewal at work in Ireland today. The international recognition that music is thus granted establishes an actual mirror offered to a young nation in search of an identity : any traditional music is a deeply rooted phenomenon and, though they should not be held responsible, its main detractors are to be found among the anonymous crowds, whether uprooted or rejecting their roots. Traditional, folk, popular, even nationalist and 'world music' : all this, and much more, is to be found in this universe. The polysemic value of the terms "traditional Irish music" is then living proof of the vitality of this cultural phenomenon. In this perspective, traditional Irish music finds itself at the outpost of a new Irish identity, manifold and pluralistic, a symbol of maturity, far from the dreams of cultural purity sometimes proposed. Considered not so long ago as deeply conservative, if not backward, this county is now moving at a stunning pace. Mentalities change and laws are passed. The phenomenal development of Irish music since the seventies can then be regarded as the forerunner of this ever-growing phenomenon. It would then not be such a surprise to see this young and underrated country show an original path and act as an example for other occidental countries in the decades to come
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Bertrand, Daniel. "Musique carnatique et facture instrumentale : analyse et évolution du jeu de la vīnā et de sa lutherie au XXème siècle en Inde du Sud." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040061.
Анотація:
Le but de ce travail est d'étudier la relation entre les différents styles de jeu interprétés sur la vina, grand luth à manche long de la musique classique d'Inde du sud (musique carnatique), et les écoles de facture instrumentale qui leur correspondent. Apres deux chapitres généraux d'introduction à cette musique et aux conditions de son apprentissage et de sa pratique, les méthodes d'analyse musicale mises en œuvre au cours de cette thèse sont exposées, ainsi qu'un système particulier de transcription utilisant simultanément des notations solfègiques indienne et occidentale, une transcription graphique et une notation des techniques instrumentales employées. Quatre chapitres sont alors consacrés à l'analyse et à la caractérisation des quatre grandes écoles régionales de jeu, et des principaux bani-s (traditions spécifiques se transmettant de maitre à disciple) qui les composent. Les styles de vingt-trois musiciens sont pour cela examinés en prenant pour sources les témoignages bibliographiques à leur sujet, leur discographie, et souvent des enregistrements originaux d'improvisations dans le raga kalyani réalisés pour les besoins de cette étude. L'adhérence plus ou moins prononcée à une esthétique cherchant à imiter le modèle vocal, où s'en affranchissant en tirant parti des spécificités de l'instrument, est particulièrement recherchée. La seconde partie de cet ouvrage étudie avec soin la facture de la vina. Après avoir d'abord décrit sa forme la plus universelle, une analyse de toutes ses variations régionales est entreprise, ainsi qu'un examen de quelques innovations ou expériences, plus ou moins récentes, cherchant à remédier à certaines de ses faiblesses. La conclusion récapitule les principaux parallèles entre les écoles et les bani-s d'une part, et les lutheries régionales d'autre part. Un annuaire de luthiers et une importante discographie sont joints en annexeThe aim of this work is to study the relation between the various styles of playing the vina, the big long-necked lute in south Indian classical music (Carnatic music), and the schools of instrument-making corresponding to them. After two general introduction chapters to this music and to the conditions for its learning and its practice, the methods of musical analysis used in the course of this thesis are exposed, as well as a particular system of transcription simultaneously using Indian and western notations, a graphic transcription and a notation of the instrumental techniques that are used. Four chapters are then devoted to the analysis and the characterization of the four great regional schools of playing and of the bani-s (specific traditions passed on from master to disciple) that compose them. Twenty-three musicians' styles are examined, using bibliographical testimonies about them, their discography and often original recordings of improvisation in the kalyani raga realized for the needs of this study. The more or less pronounced adhesion to an aesthetics trying to imitate the vocal model, or freeing itself from it by making the most of the specificities of the instrument, is particularly looked for. The second part of this work carefully studies the making of the vina. After first describing its most universal shape, an analysis of all its regional variations is set about, as well as a study of some more or less recent innovations or experiences trying to remedy some of its weaknesses. The conclusion sums up the main parallels between the schools of playing and the bani-s on the one hand, and the regional instrument-makings on the other hand. A directory of the makers and an important discography are included in an annex
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Bonnet, Antoine. "Conditions et possibilités actuelles de la composition musicale." Tours, 1991. http://www.theses.fr/1991TOUR2027.
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Le, Gall Vincent. "La Musique savante pour guitare flamenca de 1956 à nos jours." Rouen, 2005. http://www.theses.fr/2005ROUEL512.
Анотація:
L'art du flamenco naît en Andalousie au XIXème siècle du métissage culturel brassé depuis des siècles. Le terme flamenco apparaît en 1841, désignant spécifiquement le chant andalou. Depuis 1850, ces chants transmis oralement dans le cadre familial se professionnalisent, étant alors accompagnés sur scène par la guitare. Cet instrument se développera, passant du rôle de soutien harmonique et rythmique au véritable jeu de soliste. 1956 marque la fin du courant de théâtralisation et le premier concours de Cordoue. La guitare devient l'élément dominant du flamenco. Elle s'enrichit grâce à des artistes novateurs qui utilisent le cadre formel de la tradition en intégrant des éléments personnels qui se perpétueront. Cette évolution permet d'appréhender la richesse actuelle de cette musique. Ses techniques de jeu, ses modes et ses formes seront également employés par certains compositeurs dits " savants ". Ils permettent ainsi une évolution stylistique du répertoire de la guitare flamencaThe art of Flamenco was born in Andalusia in the 19th century from mixed cultural origins dating back centuries. The term Flamenco appeared in 1841 and specifically designated the Andalusian song. Since 1850, these songs which had originally been transmitted orally within the family, evolved to be accompanied by the guitar on stage. This instrument developed from its role as a harmonic and rhythmic support, to a true soloist role. 1956 marked the end of the tendency of “opera” Flamenco, and the first Flamenco competition as an art in Cordoba. The guitar became the dominant element in Flamenco. It developed rapidly, thanks to new artists who used the traditional basis, but integrated into it personal elements which have stayed. This evolution explains the richness of this music today. The playing techniques, the styles of Flamenco will also be used by certain contemporary composers. This in turn will permit a stylistic evolution of the Flamenco guitar repertory
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Steinegger, Catherine. "La musique à la comédie-Française de 1921 à 1964 : Aspects de l'évolution d'un genre." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040095.
Анотація:
Une étude sur la musique de scène en tant que genre musical à partir d'un corpus constitué grâce à la découverte d'un fonds de partitions non cataloguées, pour la plupart manuscrites conservées à la Bibliothèque-Musée de la Comédie-Française. La première partie est consacrée à l'étude des sources afin de dégager la spécificité de l'emploi de la musique au théâtre. Puis la seconde partie s'intéresse au contexte historique dans lequel ces partitions ont été écrites. A travers le prisme de l'étude de la musique à la Comédie-Française, sont évoquées les créations des compositeurs appartenant à différents mouvements esthétiques du XXe siècle : l'Ecole d'Arcueil avec en particulier la présence de Roger Désormière et d'Henri Sauguet ; le Groupe des Six avec Germaine Tailleferre, Arthur Honegger et Darius Milhaud ; le Groupe Jeune France avec André Jolivet ; les indépendants avec Jacques Ibert, Roland-Manuel, Dutilleux et LandowskiA study on stage music as a musical genre based on a corpus of non indexed scores, most of them hand-written, discovered in the Comédie-Française museum library archives. The first part is devoted to the study of sources so as to draw out the specific use of music in theatre. The second part then deals with the historical context in which those scores were written. The works of composers belonging to different aesthetic movements of the 20th century seen through the prism of the stage music performed at "La Comédie-Française" ; the "Ecole d'Arcueil", giving prominence to Roger Désormière and Henri Sauguet ; the "Groupe des Six", with Germaine Tailleferre, Arthur Honegger, Darius Milhaud; the "Groupe Jeune France" with André Jolivet ; the "Indépendants", with Jacques Ibert, Roland Manuel, Henri Dutilleux et Marcel Landowski
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Madurell, François. "L'ensemble Ars nova : une contribution au pluralisme esthétique dans la musique du XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040250.
Анотація:
La thèse est divisée en trois parties. Le livre I explore les conditions historiques de la naissance et du développement d'Ars nova à l'O. R. T. F. Et évalue le rôle de l'ensemble dans la musique du XXe siècle. Le livre II dégage les principes de l'action et les stratégies d'Ars nova, par l'étude de deux opérations menées sur des terrains différents : le public parisien (espace Cardin) et le milieu rural (en Armagnac). La pratique de l'improvisation collective et l'ouverture aux arts de la scène sont les traits dominants d'une programmation pluraliste. Le livre III démontre la réalité du pluralisme par l'examen des traits stylistiques de 3 œuvres, et met en évidence le scepticisme paradoxal de Marius Constant, sous-jacent au pluralisme esthétique revendiqué par Ars nova. Ce pluralisme réfute toute approche systématique de la musique contemporaine.
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Cohen, John. "Connaître et juger l'œuvre musicale : une pensée de la communauté esthétique à l'horizon des momnets beethovénien et kantien." Lille 3, 2002. http://www.theses.fr/2002LIL30035.
Анотація:
La mise en perspective de l'en-soi de l'œuvre musicale au moyen d'une relecture du modèle organique ainsi que la constitution d'une analyse empirique, à partir des écrits de Lobe et de Michaux, susceptible de produire une connaissance esthétique de l'œuvre musicale (le moment beethovénien) ouvrent la voie à un point de vue, celui du jugement esthétique et à une question, celle de l'intersubjectivité. Lorsqu'un individu juge une œuvre musicale, il fait resurgir une idée issue de l'inconscient collectif de l'humanité, une communauté première, que dévoile l'étymologie du terme allemand Ur-teil (jugement) : le partage ordinaire. En communiant avec l'autre dans la contemplation de l'œuvre, je retrouve ce quelque chose de commun à tous, ce "juger" ensemble indispensable à la communication immédiate de l'homme avec l'homme. Comment toutefois justifier mon "intrusion", alors que la seule véritable faveur que je puisse offrir à l'œuvre musicale lorsqu'elle paraît, c'est de la laisser advenir par elle-même, de manière spontanée et désintéressée, comme le dit Kant, afin que par la brèche ouverte je puisse avoir la satisfaction d'apercevoir au loin ce fond de nature irréductible à l'œuvre ? On répondra en soulignant que le logos ne peut nous apprendre quelque chose sur l'œuvre musicale que parce que précisément cette dernière demande à être authentifiée par les mots décrivant l'expérience esthétique de l'homme : telle est son exigence pour exister librement, pour s'émanciper de son créateur, pour biser tout lien singulier avec lui et affirmer le Nous qu'elle n'a jamais cessé d'être
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Benabdeljalil, Nabil. "L'hétérophonie dans la musique du 20ème siècle : autour de Stravinsky, Boulez et Berio : approche théorique générale et étude systématique." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2007. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2007/BENABDELJALIL_Nabil_2007.pdf.
Анотація:
Cette étude de « L’hétérophonie dans la musique du 20ème siècle » contient trois livres. Le livre 1er est théorique : il a pour but la définition et la typologie de l’hétérophonie, puis l’élaboration d’un système analytique précis valable pour l’analyse dans les livres 2ème et 3ème. Sont spécialement considérés l’ouvrage Penser la musique aujourd’hui de Pierre Boulez (né en 1925) et l’étude des « polyphonies populaires russes » du colloque de Royaumont de 1991. Le livre 2ème s’intéresse à l’hétérophonie dans la musique de Stravinsky (1882/1971) : Petrouchka, le Sacre du printemps, Renard et les Noces. Le livre 3ème étudie l’hétérophonie dans Coro de Luciano Berio (1925/2003) puis dans l’Improvisation III selon Mallarmé de Boulez. Enfin, la conclusion compare l’écriture des trois compositeurs, en donnant un aperçu général sur l’hétérophonie durant le 20ème siècleThis study of « Heterophony in the 20th century music » is composed by three books. The first book is theoretical: his aim is to give a definition and a typology of heterophony, then to elaborate an exact and valid analytic system in order to make analysis in the parts 2 and 3. A special attention is given to the book Penser la musique aujourd’hui of Pierre Boulez (born in 1925) and to the study “Russian popular polyphonies” from the colloquium of Royaumont in 1991. The second book is focused on the heterephony in Stravinsky’s music (1882-1971): Petrouchka, le Sacre du printemps, Renard and les Noces. The third book studies the heterophony in Coro of Luciano Berio (1925-2003), and in Improvisation III selon Mallarmé of Boulez. At last, the conclusion compares the writing of the three compositors, giving a general survey of heterophony in the 20th century
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Benzi, Carlo. "Stratégies rhétoriques et communication dans la musique contemporaine européenne : (1960-1980)." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040103.
Анотація:
Peut-on parler de communication dans la musique contemporaine? Dans les années 1960-1980 en Italie et en France la linguistique, la sémiologie, la psychologie de la perception développent des liens avec la musique qui permettent une "coopération interprétative" (Eco) entre le compositeur et l'auditeur. La rhétorique peut favoriser la compréhension de la musique contemporaine? L'intérêt pour la figure chez certains compositeurs (Boulez, Donatoni, Sciarrino, Ferneyhough) semble suggérer une réponse positive. Leurs positions rappellent les "figures-objet" et "figures-relation" de la rhétorique baroque sans nier la théorie sémiotique contemporaine (figure comme "écart" d'une régularité; Groupe m). On a analysé ainsi quatre œuvres (Eclat de Boulez, 1965; Spiri de Donatoni, 1977; Quintettino n. 2 de Sciarrino, 1977; Second String Quartet de Ferneyhough, 1979-80) en imaginant les questions d'un auditeur expert se proposant de reconstruire les stratégies de redaction de la pièce. L'hypothèse semble plausible: les résultats des expériments de perception (Deliège 1989) coi͏̈ncident avec ceux relevés par l'analyse "rhétorique"Does contemporary music allow communication ? From the 1960s till the 1980s, in Italy and in France the interaction of linguistics, semiotics, psychology of perception with music enhanced an "interpretative cooperation" (Eco) between the composer and the listener. Can rhetoric provide a means for understanding contemporary music? The increasing interest of some composers (Boulez, Donatoni, Sciarrino, Ferneyhough) towards the figure seems to suggest a positive answer. Their position reminds of the "object-figure" and "relation-figure" of the baroque rhetoric, without refusing contemporary semiotic theory (figure as "deviation" of a regularity, Groupm). The analysis of four works (Eclat by Boulez, 1965; Spiri by Donatoni, 1977; Quintettino n. 2 by Sciarrino, 1977; Second String Quartet by Ferneyhough, 1979-80) was carried on through the acknowledgement of the hypothetical questions of a self-conscious listener, who tries to recover the constructive strategies of the piece. The coincidence of test-of-perception results and of rhetoric-analysis tests provide evidence of the hypothesis plausibility
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Guillot, Matthieu. "Epiphanie de l'imperceptible." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081256.
Анотація:
Parmi les multiples modes d'expression musicale du vingtieme siecle, il est une dimension sonore particulierement captivante a l'ecoute, et qui ne se laisse pas facilement apprehender. Car il s'agit en l'occurence d'un sonore enclin ou resolu a ne presque plus sonner, qui va desormais se loger dans la profondeur du champ perceptif. Mais deja, l'ecart engendre par ce "presque" manifeste et amplifie la presence du sensible, dans lequel semble fremir le soupcon d'un monde jusqu'alors in-oui et incontemple ; sensible a la faveur duquel emerge un monde si intensement tenu que la subjectivite de l'auditeur envahit d'elle-meme, comme magnetisee, l'espace laisse vacant par le son decroissant. Cette troublante poetique de l'attenuation sonore parait ainsi constituer une categorie musicale et esthetique tout a fait specifique, caracteristique d'une veritable philosophie de la musique comme philosophie du son, qui reintroduit l'impor- tance essentielle de l'ecoute dans l'attention apportee au phenomene sonore et a l'experience interieure de son retentissement. Defi enigmatique au sens auditif surtendu mais aussi a la reception vive comme a la conscience esthetique qui, tous trois, interrogent de concert patiemment et sans relache, les musiques de l'imperceptible nous mettent pratiquement en demeure d'entre-distinguer l'arriere-monde qui se tient dans leur extreme fragilite vibratoire, et qu'elles nous font "apparaitre" a force de perseverantes explorations aux confins d'un au-dela du son. Tel est le voile de cette singuliere propriete musicale, frele et murmurante, que la presente these voudrait pouvoir lever. Car, comme tout voile, celui-ci ne manque pas de susciter bien des interrogations dans l'esprit de l'auditeur, ni d'attiser son desir de comprendre ce qui, derriere, se joue de luiAmong the many modes of musical expression that the xxth century offers, there is one dimension that is particularly fascinating to listen to but whose approach is anything but easy. We mean a range of sounds that tend to be scarcely audible and are buried in the deep bosom of the perception field. But the word scarcely brings a nuance that heralds and amplifies the presence of the sensitive world within which another world, hitherto unheard -of and unexplored seems to quiver to life. Thanks to the former, there emerges a world so intently tenuous that the listener's subjectivity, as if mesmerized, pervades the space left vacant by the fading sound. Thus, this troubling poetics of subdued sounds seems to form a very specific, aesthetic and musical category, typical of a true philosophy of music seen as the philosophy of sound which reintroduces the fundamental importance of listening when one concentrates on sound as a phenomenon and on its repercussions on the personal experience of the listener. Here is a baffling challenge to the overstrained ear but also to the listener's receptive skills and aesthetics awareness as well. For the three are simultaneously, patiently and relentlesly in quest of the musics of the imperceptible which demand of the listener "to go through the looking glass" to discover the world that dwells in their ethereal vibrations, a universe which they reveal unto him after long-suffering explorations which take him on the fringe of the "after sound". The presens thesis - it is hoped - may help to lift a corner of the veil behind which is lurking the frail whisper of this peculiar musical property. For, like all veils, it is obviously an enigma for the researcher and it stirs his desire to understand what it is that - behind the dropped curtain - plays tricks upon him
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Petty-Cording, Margaret. "La musique chorale d'après les textes bibliques en français de 1890 à nos jours." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040214.
Анотація:
Existe-t-il un répertoire de musique chorale en français sur des textes bibliques ? Cette thèse révèle des œuvres écrites depuis 1890 jusqu'à nos jours en France, en Suisse et en Belgique, et prend en considération des éléments historiques et liturgiques ayant influencé leur développement. Le corpus est étudié selon le genre littéraire du texte biblique, l'esthétique musicale et la motivation du compositeur. Une approche synthétique permet des comparaisons quantitatives et qualitatives. Quant à la musique religieuse, certains problèmes apparentés sont mis en examen et des solutions sont proposées. Ce vaste corpus de 900 œuvres, dont l'ampleur a été sous-estimé jusqu'ici, nous a permis de dégager sa valeur musicale, littéraire et éthique et d'apprécier les diverses intentions des compositeurs. De par leur inspiration tirée du texte biblique, les œuvres de musique chorale que nous avons étudiées apportent une vigueur insoupçonnée. Ce répertoire offre une richesse pour les chœurs et un modèle pour les compositeursDoes there exist a repertoire of choral music in French based on biblical texts ? This thesis presents works from France, Switzerland, and Belgium written between 1890 to 1995, taking into consideration the historical and liturgical elements that have influenced their development. The corpus is examined from the standpoint of the literary genre of the biblical text, the musical esthetic, and the motivation of the composer. A synthetic approach permits quantitative and qualitative comparisons. In addition, certain related problems of religious music are discussed, and solutions are proposed. This vast corpus of 900 oeuvres, of which the amplitude has been sorely under-estimated, has allowed the discovery of its musical, literary, and ethical value and the appreciation the composers' intentions. The biblical inspiration of this repertoire gives it an unsuspected vigor; it is a wealth for choirs as well as a model for composers
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Saidani, Maya. "La musique du Constantinois : contexte, nature, transmission et définition." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040014.
Анотація:
Le présent travail s'attache à l'examen du contenu de la musique citadine du Constantinois, et ceci à compter du début du XIXe siècle. L'étude de ce répertoire est effectué en plusieurs étapes. Avant d'aborder les paramètres techniques, nous avons émis quelques hypothèses d'ordre historique pour tenter de comprendre les origines de cette musique. A ce chapitre, fait suite le second qui traite cette fois des questions d'ordre sociologique, car il est essentiel de comprendre de quelle manière se faisait la transmission du savoir musical à Constantine. L'étude des texte nous appprend que certains racontent des faits sociaux et leurs structures nous renseignent sur le quatrième chapitre qui définit les formes tant classiques que populaires. La suite de ce travail nous informe sur les aspects techniques de cette musique. L'étude des instruments de musique utilisés par ce centre puis les transformations qu'opèrent les musiciens pour obtenir le timbre désiré et celui qui traite des modes, en sont les chapitres centraux tant les informations sont nombreuses et contradictoires. L'étude des rythmes constitue le dernier aspect technique. La quatrième partie étudie tous les aspects connus de la diffusion de cette musique et clôture le travail qui marque une première approche d'un répertoire inconnu de la musicologie à ce jourThe present study is devoted to examining the content of urban music of the Constantinian as from the beginning of the nineteenth century. The study of his repertory is carried out in several stages. .
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Miyakawa, Wataru. "L'écriture chez Toru Takemitsu : situation, héritage, culture." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10117.
Анотація:
Cette thèse a pour but d'étudier le langage musical du compositeur japonais Toru Takemitsu (1930-1996), Si le corpus de son œuvre reflète un certain éclectisme (influence de compositeurs occidentaux comme Debussy, Messiaen ou Cage) et l'intérêt aussi bien pour sa propre culture que pour des domaines artistiques variés comme le cinéma, la peinture ou la poésie, ou encore l'assimilation de différents langages musicaux comme la musique sérielle, la musique concrète ou la musique aléatoire, on voit, néanmoins, toujours la même préoccupation du compositeur derrière cet apparent éclectisme : la quête d'un langage universel. Ayant vécu entre deux cultures très différentes, il s'aperçoit que la musique n'est pas un langage aussi universel qu'il le croyait. De ce fait, la question de la communication devient essentielle pour lui, et pour montrer que cette quête d'un véritable langage universel, nous examinons les caractéristiques de son langage musical, en nous appuyant sur des analyses précises et sur l'étude comparative des démarches d'autres compositeurs et d'autres musiques, afin de dégager la spécificité d'une œuvre aussi vaste que plurielle.
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Mazerolle, Valérie. "Les voix de l'espace occitan : les chansons occitanes : identités et représentations : 1965-1997." Clermont-Ferrand 2, 2005. http://www.theses.fr/2005CLF20017.
Анотація:
Cette étude, qui s'inscrit à la fois dans l'histoire culturelle et dans l'histoire politique, se propose de montrer les différentes utilisations d'une expression artistique, les chansons, dans une perspective de redéfinition des identités occitanes. Fait social total, les chansons s'inscrivent dans le champ politique et culturel à chaque époque ; elles disent quelque chose de la situation imaginaire, et ce faisant, elles créent du politique. Trois mouvements sont successivement analysés : la "nouvelle chanson occitane" (1965-1997), qui reprend les théories Lafontiennes de colonisation interne ; le renouveau des musiques traditionnelles dans l'espace occitan (1973-1997), musiques légitimées et institutionnalisées ; la Linha Imaginot (1984-1997), mouvement axé sur l'idée de décentralisation culturelle, dont les acteurs proposent une renégociation de l'identité française.
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Lafond, Natacha. "La poésie moderne à l'écoute des musiques dans les oeuvres d'Yves Bonnefoy, Louis-René des Forêts, Philippe Jaccottet, Pierre Jean Jouve et Salah Stétié : pour un lyrisme baroque." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2006. http://www.theses.fr/2006STR20007.
Анотація:
L'opéra de Mozart m'a permis dans un DEA de nouer une première approche autour de quatre poètes contemporains (Pierre Jean Jouve, Salah Stétié, Louis-René des Forêts et Yves Bonnefoy) sur les rapports entre poésie moderne et musique que le sujet de thèse approfondit en analysant toutes les formes musicales présentes chez ces quatre auteurs, ainsi que dans l'œuvre de Philippe Jaccottet (que ce soit des compositions romantiques, modernes ou baroques à travers les différents genres musicaux, Lied, opéras. . . ). C'est une recherche qui s'attache aux choix des œuvres musicales écoutées pour tenter de définir la modernité des enjeux du rapport essentiel de l'écriture aux arts, avec une ouverture à l'art pictural et architectural, porteurs de valeurs historiques, éthiques, sacrées et métaphysiques. Mais c'est aussi écouter le "retour" du lyrisme propre à ces auteurs du XXème siècle, les choix et les fondements communs de leur poétique musicale pour dégager une définition d'un "nouveau" lyrisme moderne : le "lyrisme baroque ou barrosso" aux valeurs engagées. Cette notion s'appuie sur la définition d'Yves Bonnefoy pour qui le baroque est "un réalisme passionnel", une quête d'unité dans et par le monde présent (étudiée dans ses approches artistiques). C'est une notion ouverte, non limitée à sa définition liée au XVIIème siècle, mais à mettre en tension avec l'héritage du romantisme et la modernité. Notion dialectique, elle permet alors de repenser les enjeux et significations de la modernité poétique en dialogue avec une mémoire de la culture assumée dans le monde. Refusant tout formalisme, tout comme une littérature réduite à n'être qu'un véhicule d'idées et non plus une création de sens, ces poètes développent par leur écoute des autres arts, une éthique ouverte et engagée. Ainsi ce lyrisme, imprégné de la musique baroque, n'est plus le lieu d'expression du moi, mais du passage à l'autre- que ce soit la femme aimée, le sacré (le plus souvent profane) ou les autres (au nom de la liberté et du "mé/tissage" spirituel). Le je n'existe plus désormais que par le "tu" et l'ancrage dans le monde des référents de la présenceIt is thanks to the opera by Mozart, that I first studied in a DEA the link between modern poetry and music which exists in the work of four contemporary poets (Pierre Jean Jouve, Salah Stétié, Louis-René des Forêts and Yves Bonnefoy). My thesis goes further, and analyses all the musical forms which can be found in the work of those four authors, and also in the work of Philippe Jaccottet (either romantic, modern or baroque pieces, through different musical genres such as lied or opera). This research studies the different musical works listened, in order to try to define the modernity at stake in the essential link between writing and arts. It is also oriented towards pictorial and architectural art, arts which carry some metaphysical, sacred, ethical and historical values. But it also listens to the “return” of the lyricism which is specific to these 20th century's authors, to the shared choices and basements of their musical poetics, in order to draw a definition of a “new” modern lyricism: the “baroque or barosso lyricism”, which stands for committed values. This notion holds on the definition by Yves Bonnefoy, who considers that baroque is a “passionate realism”, a quest for unity in this current world and through this current world (studied in his artistic approaches). It is an open notion, non limited to its first definition, linked to the 17th century. On the contrary, it has to be confronted with the inheritance of romanticism and modernity. As a dialectical notion, it permits to study in a different way the meaning of poetical modernity, through a dialogue with the memory of the assumed culture in the world. Rejecting any form of formalism, as much as a literature reduced to carry ideas instead of creating some meaning, these poets develop opened and committed ethics, thanks to their listening of other arts. Thus, this lyricism, filled with baroque music, is no longer a way of expressing the self, but the path towards the other -whether it is the beloved woman, the sacred (more often profane) or the others (in the name of freedom and spiritual crossbreeding). The self no longer exists but through the “you” and the anchorage in the world of the referents of the presence
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Dratwicki, Benoît. "François Colin de Blamont (1690-1760). Une carrière officielle au cœur des institutions musicales françaises du Grand Siècle au Siècle des Lumières." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040043.
Анотація:
Débutant sa carrière durant les dernières années du règne de Louis XIV sous les auspices de Michel-Richard de Lalande, François Colin de Blamont se fait connaître dans les salons de la Régence par ses airs et ses cantates. Nommé Surintendant de la Musique de la Chambre du jeune Louis XV (1719), il devient l’un des acteurs déterminants de l’évolution des goûts et des pratiques musicales de la Cour. Dans la capitale, il est joué avec succès au Concert Spirituel, à l’Académie royale de musique et dans les cénacles en vue, souffrant toutefois de l’étoile montante de Jean-Philippe Rameau. Ses partitions témoignent de l’ambiguïté musicale française caractéristique du Siècle des Lumières, associant respect de la tradition et recherche de modernité. Ce travail propose de mettre en lumière la carrière et l’Œuvre de ce compositeur en les éclairant par le contexte historique, social et politique. La première partie fait le point sur la jeunesse, la formation et les premières productions de l’auteur. La deuxième partie est consacrée au service de la Cour. La troisième partie aborde le milieu musical parisien et les implications de Colin de Blamont dans les grandes institutions de la capitale. Enfin, la dernière partie tente de porter un regard neuf sur l’auteur, considéré tout à la fois comme homme de cour, esthète et musicienFrançois Colin de Blamont started his career during the last years of the reign of Louis XIV under the aegis of Michel-Richard de Lalande. During the Regency, he was mostly known through his arias and cantatas. In 1719, he was appointed ‘Surintendant de la Musique de la Chambre’ of the young Louis XV. He became one of the main personalities involved in the evolution of the tastes and the musical practices at the Court. In Paris, his music was successfully played at the ‘Concert Spirituel’, at the ‘Académie royale de musique’ and in the most famous literary sets, even if the rising star of Jean-Philippe Rameau was to overshadow him. His style shows the musical ambiguity typical of French music of the 18th century, which associated the respect of the tradition with the aspiration to modernity. This study aims to bring to light the career and the works of this composer by considering them in their historical, social and political context. The first part sums up his youth, his training and his first works. The second part is devoted to his career at the Court. The third part explores the Parisian musical environment and the involvement of Colin de Blamont in the main institutions of the city. Finally, the last part will consider the author in a new way, as a man of court, as an esthete and as a musician
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Mallet, Maurice. "Etude de la correspondance des sons et des couleurs dans la musique d'Olivier Messiaen." Paris 8, 1992. http://www.theses.fr/1992PA080727.
Анотація:
Selon messiaen, chacun de nous devrait etre en mesure de voir des couleurs se manifester pendant l'audition. Sa surprise, devant l'absence d'un tel phenomene chez la plupart des auditeurs, messiaen l'a decrite a claude samuel, et c'est dans l'ouvrage que ce dernier a intitule : musique et couleur, que se retrouvent les paroles du compositeur : "je le dis au public, je le repete a la critique, je l'ai explique a mes eleves, mais personne ne me croit. J'ai beau mettre des couleurs dans ma musique, dans les harmonies, dans mes complexes de sons et dans mon orchestration, les auditeurs entendent mais ils ne voient rien". L'etude proposee de la correspondance des sons et des couleurs dans la musique de messiaen, n'entend pas demontrer la necessite de voir des couleurs en ecoutant de la musique. Non. Plus modestement a l'aide d'observations ayant trait a la correspondance des sons et des couleurs, puis a la correspondance du son et de la couleur, il s'agira de proceder a la "defense et illustration" de l'intention de messiaen, laquelle, le fait est a noter, semble se rattacher a une tradition fort ancienneAccording to messiaen, every one could be able to see colours manifesting themselves during the hearing. His surprise, in front of the miss of such a phenomenon, with most of the hearers, messiaen described it to claude samuel, and it's in a work that this last one has intitled : music and color, that the words of the composer are found again : "i said it to the public, i repeat it to the cristicism, i have explained it to my students, but nobody believes me. I have in vain set colours in my music, in my harmonics, in my building of sounds and in my scoring, the hearers are hearing, but they are not seing anything". The study purposed about the correspondance of sounds and colours in the music of olivier messiaen, don't want to prove the necessity of seing colours by hearing music. No. More modestly, with the help of notes about the correspondance of sounds and colours, then the correspondance of sound and the colour, it will be the question to proceed with the "defence and immustration" of the messiaen's intent, which seems be connected to a very old tradition
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Dal, Molin Paolo. "Introduction à la famille d'œuvres…Explosante-Fixe… de Pierre Boulez : Etude philologique." Nice, 2007. http://www.theses.fr/2007NICE2019.
Анотація:
La famille …explosante-fixe… est un groupe d’œuvres in progress, liees a un meme materiau de depart, conçu par Pierre Boulez au début des annees 70. La thèse presente en premier lieu la généalogie de cette famille, reconstituée à partir des sources (manuscrits musicaux, editions, enregistrements, correspondances et autres documents). En second lieu sont etudiés trois de ses membres : „…explosante-fixe. . . ” (1971) – l’œuvre-souche –, explosante-fixe pour effectif de chambre et dispositif electronique en temps reel (1972-1974) et rituel. In memoriam bruno maderna pour orchestre en huit groupes et percussions ([1972]-1975). Le travail se fonde principalement sur deux approches considérées comme interdépendantes, à savoir l’étude critique des sources et l’analyse musicale theory-basedThe …explosante-fixe… family is a group of works in progress that are connected through the same initial material, conceived by Pierre Boulez in the early 1970s. The dissertation first presents the family genealogy reconstructed from the extant sources (musical manuscripts, editions, recordings, correspondence, and other documents). Three of the works are then studied in detail: „…explosante-fixe. . . " (1971) – the founder –, explosante-fixe for chamber ensemble and live-electronics (1972-1974), and rituel. In memoriam Bruno Maderna for orchestra in eight groups and percussion ([1972]-1975). The study advances two approaches which are considered to be interdependent : critical investigation of sources and theory-based analysis