Дисертації з теми "Mémoire – Photographie"
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Erbetta, Alejandro. "Mémoire et (re)construction d'histoires individuelles, familiales et collectives (approches photographiques)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080033.
Анотація:
Dans une époque qui manifeste une exacerbation de la représentation de soi (àtravers les réseaux sociaux notamment), notre objet d'étude propose uneréflexion sur la mémoire et la reconstruction d'histoires dans les pratiquesartistiques. Utilisant comme point de départ une production photographiquepersonnelle (Reprises), nous proposons une articulation entre théorie etcréation, dans une dialectique qui part de l'analyse des oeuvres personnelles,pour établir un dialogue avec des théoriciens et des oeuvres contemporainestraitant ces problématiques. Dans ce type de démarches rétrospectives quiréinterprètent le passé, les artistes travaillent à partir des traces matérielles etmnésiques, telles les images d'albums de famille, les archives, les documents oules témoignages. Mêlant des univers esthétiques différents dans une nouvelleunité, ils font coexister leurs propres images avec des sources existantes, des viesdisparues avec leurs propres existences. Leurs oeuvres deviennent alors unerecréation artistique et postulent un espace narratif singulier qui évoque unepoétique de la mémoire. Partielles et fragmentaires, elles donnent à voir unrécit reconfiguré par l'imaginaire et le montage. Elles dépassent le champstrictement photographique et ouvrent leur langage au dialogue avec les autresarts, prenant la forme d'oeuvres hybrides. Quelle relation établir entre mémoire,reconstruction et identité, entre histoire individuelle et histoire collective ? Si lepassé est métamorphosé, comment le reconstruire ?In a time of exacerbation of the self-representation (through the socialnetworks, among other things), our subject of study proposes a reflection onmemory and the reconstruction of histories in the artistic practices. Using as astarting point a personal photographical work (Reprises), we propose a linkbetween theory and creation, in a dialectic that starts from the analysis ofpersonal works, to establish a dialogue with theorists and contemporaryartworks dealing with these issues. In this kind of retrospective approaches thatreinterpret the past, the artists work from the material and memory traces, suchas the images of family albums, archives, documents, or testimonies. Mixingdifferent esthetical universes in a new unity, they make coexist their ownimages with existing sources, disappeared lives with their own existences. Theirworks thus become a artistic re-creation and postulate a special narrative spacewhich evokes a poetics of the memory. Partial and fragmentary, they show anarrative reconfigured by the imaginary and the editing. They exceed thestrictly photographical field and open their language to the dialogue with otherarts, taking the form of hybrid artworks. What relation can be set betweenmemory, reconstruction and identity, between individual and collectivehistory ? If the past is being transformed, how to rebuild it ?
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Sheridan, Bridget. "Les cheminements de la mémoire : marche, photographie, écriture." Thesis, Toulouse 2, 2016. http://www.theses.fr/2016TOU20104/document.
Анотація:
S’appuyant sur une pratique artistique prenant comme pivot central le corps et l’art en marche, cette recherche est une incitation à explorer la mémoire collective en empruntant trois pistes à la fois plastiques et théoriques : la marche dans le paysage, la photographie et l’écriture. Le cheminement, c’est le parcours dans les archives, parmi les témoignages. C’est aussi les pérégrinations sur les chemins de la mémoire, en compagnie des témoins de certains épisodes tragiques de notre histoire, lors de rencontres et d’échanges. Mais encore, en tant qu’artiste-marcheuse, le chemin, c’est les déambulations dans le paysage, lorsque je revisite la mémoire s’imprégnant dans les sillons qui courent sur le sol, et que je projette celle-ci sur le paysage, dans la montagne et sur la ligne d’horizon. Le corps en marche, c’est un corps qui fait l’expérience du paysage. L’exploration de celui-ci passe par une intersensorialité qui stimule la mémoire. Je pars donc à la rencontre de notre histoire en tissant des liens entre la marche, la photographie et l’écriture. La photographie répond à la fois au rythme de l’artiste-marcheur, à la curiosité de l’artiste dans les archives, et au langage du photographe-plasticien qui creuse les questions des lieux de mémoire. L’écriture, quant à elle, permet d’approfondir l’étude des lignes, du mouvement et du témoignage, tout en soulevant des questions liées à la manuscriture et à la cartographie. Ces trois médiums s’entrelacent dans une pratique intermédiale autour des chemins de la mémoire. Entre cette pratique plastique et la théorie qui l’accompagne, se tissent des liens, éveillant une curiosité pour des sujets historiques, anthropologiques, philosophiques et architecturaux. Cette recherche suggère donc de découvrir ce maillage, d’explorer un dispositif de création, un cheminement de la mémoire, et un subtil croisement entre la marche comme pratique esthétique, la photographie et l’écritureWith art walking and the body in motion at the heart of my artistic practice, this research incites us to explore collective memory via three visual and theoretical areas : walking in the landscape, photography and writing.The path we take demands exploring archives, using testimonies. It also means travelling alongside the witnesses of some of the most tragic episodes of our history, along the paths of their memory. As a walking artist, it is equally making my way, on foot, reactivating memory, which seeps into the furrows traces into the earth, projecting the past on the landscape, the mountains and the horizon. As we walk, our body in motion experiences the landscape, an intersensoriality that stimulates memory. I revive history whilst interweaving walking, photography and writing. Photography responds to the rhythm of the walking artist, to the artist's curiosity in the archives, and to the artistic language of the photographer questioning “lieux de mémoire”. Writing, in turn, examines the use of lines, movement and testimonies, while it also questions handwriting and mapping. These three mediums are intertwined in an intermedial artistic practice, discovering the paths of memory. We must imagine a process of weaving between creative work and theory that awakens curiosity for historical, anthropological, philosophical and architectural subjects. This research suggests considering this intermedial approach, this subtle blend between walking as an aesthetic practice, photography and writing, while walking the paths of memory
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Erbetta, Alejandro. "Mémoire et (re)construction d'histoires individuelles, familiales et collectives (approches photographiques)." Thesis, Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080033.
Анотація:
Dans une époque qui manifeste une exacerbation de la représentation de soi (àtravers les réseaux sociaux notamment), notre objet d'étude propose uneréflexion sur la mémoire et la reconstruction d'histoires dans les pratiquesartistiques. Utilisant comme point de départ une production photographiquepersonnelle (Reprises), nous proposons une articulation entre théorie etcréation, dans une dialectique qui part de l'analyse des oeuvres personnelles,pour établir un dialogue avec des théoriciens et des oeuvres contemporainestraitant ces problématiques. Dans ce type de démarches rétrospectives quiréinterprètent le passé, les artistes travaillent à partir des traces matérielles etmnésiques, telles les images d'albums de famille, les archives, les documents oules témoignages. Mêlant des univers esthétiques différents dans une nouvelleunité, ils font coexister leurs propres images avec des sources existantes, des viesdisparues avec leurs propres existences. Leurs oeuvres deviennent alors unerecréation artistique et postulent un espace narratif singulier qui évoque unepoétique de la mémoire. Partielles et fragmentaires, elles donnent à voir unrécit reconfiguré par l'imaginaire et le montage. Elles dépassent le champstrictement photographique et ouvrent leur langage au dialogue avec les autresarts, prenant la forme d'oeuvres hybrides. Quelle relation établir entre mémoire,reconstruction et identité, entre histoire individuelle et histoire collective ? Si lepassé est métamorphosé, comment le reconstruire ?In a time of exacerbation of the self-representation (through the socialnetworks, among other things), our subject of study proposes a reflection onmemory and the reconstruction of histories in the artistic practices. Using as astarting point a personal photographical work (Reprises), we propose a linkbetween theory and creation, in a dialectic that starts from the analysis ofpersonal works, to establish a dialogue with theorists and contemporaryartworks dealing with these issues. In this kind of retrospective approaches thatreinterpret the past, the artists work from the material and memory traces, suchas the images of family albums, archives, documents, or testimonies. Mixingdifferent esthetical universes in a new unity, they make coexist their ownimages with existing sources, disappeared lives with their own existences. Theirworks thus become a artistic re-creation and postulate a special narrative spacewhich evokes a poetics of the memory. Partial and fragmentary, they show anarrative reconfigured by the imaginary and the editing. They exceed thestrictly photographical field and open their language to the dialogue with otherarts, taking the form of hybrid artworks. What relation can be set betweenmemory, reconstruction and identity, between individual and collectivehistory ? If the past is being transformed, how to rebuild it ?
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Colombet, Julien. "La photographie en Pays d'Apt : (vers 1870-vers 1960) : image réaliste et enjeux ce mémoire." Aix-Marseille 1, 2008. http://www.theses.fr/2008AIX10054.
Анотація:
Durant près d'un siècle (vers 1870-vers 1960), la photographie a connu une popularisation notable dans l'ensemble des pays occidentaux. La collecte et l'étude des documents au sein d'un espace géographique et culturel clairement délimité, le Pays d'Apt, a permis de mettre en évidence des pratiques et des préférences photographiques. Il en ressort un nombre limité de référents parfois érigés en véritables archétypes photographiques. Pour quelques uns de ces référents, l'identité avec d'autres espaces géographiques et culturels apparaît manifeste. Pour d'autres, on peut affirmer l'originalité relative du Pays d'Apt. La photographie, entendue comme un exercice, un processus sélectif, et en tant que support, délimita le périmètre d'une mémoire réaliste et éminemment vraisemblable. La répétition diachronique de certains référents aboutit à pérenniser ou à déclasser durablement certains thèmes culturels. La photographie peut donc être considérée comme un enjeu de mémoire. Davantage qu'une réalité, elle est une construction.
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Bourdieu, Séverine. "Proses de la mémoire : enquête, archive et photographie dans le récit français contemporain." Bordeaux 3, 2006. http://www.theses.fr/2006BOR30057.
Анотація:
Il s’agira, à partir d’un corpus d’écrivains français contemporains (Pierre Bergounioux, François Bon, Annie Ernaux, Johan-Frédérik Hel Guedj, Pierre Michon, Patrick Modiano et Jean Rouaud), d’interroger un changement de paradigme intervenu récemment dans l’écriture de la mémoire. Les œuvres concernées s’échelonnent de la fin des années soixante-dix au début du XXIe siècle. Pour des raisons à la fois personnelles (succession de deuils), générationnelles et historiques (cassures du XXe siècle), le passé individuel, familial et collectif est aujourd’hui vécu sous le signe de la perte et de la déshérence. Perçu comme une énigme, il fait l’objet d’une enquête active de la part du sujet qui s’en veut l’héritier. Nous montrerons que cette investigation, centrée sur le recueil et le questionnement des archives (correspondances, carnets de bord, photographies, coupures de presse, témoignages et vestiges matériels divers) prend modèle sur des méthodes de recherche et de compréhension empruntées à d’autres champs du savoir, notamment les sciences humaines et sociales, et à d’autres types de discours et d’écriture, telle l’enquête policière et journalistique. Nous nous interrogerons sur ses modalités d’emprunt, qui sont aussi des mises en question et des détournements, sur le renouvellement des formes littéraires qu’elles induisent ainsi que sur le déplacement des rapports histoire/mémoire et document/fiction qu’elles proposentFocusing on a corpus of contemporary French novelists, namely Pierre Bergounioux, François Bon, Annie Ernaux, Johan-Frédérik Hel Guedj, Pierre Michon, Patrick Modiano and Jean Rouaud, we will be examining a paradigm change which took place recently in the writing of memory. The works under analysis were written between the end of the nineteen seventies and the early 21st century. For reasons which are at the same time personal (episodes of grief), generational and historical (the fractures of the 20th century), the individual, family or collective past is now experienced as and marked by a sense of loss and escheated inheritance. Perceived as a riddle, it becomes actively investigated by the subject who seeks to inherit from it. It will be demonstrated that this process of investigation, centred as it is around the collection and the questioning of archives (letter-writing, notebooks, pictures, newspaper cuts, witness accounts and various material remains), borrows from methods of research and understanding belonging to other fields of knowledge, particularly social and human sciences, and from other types of discourse and writing, such as journalistic and police investigation. The borrowing rules themselves will be examined as so many questionings and defacements, with an eye on the renewal of literary forms that they bring about, as well as on the displacement of the relation between history and memory, and between document and fiction that they offer
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Dornier-Agbodjan, Sarah. "Histoire de liens, histoire de biens : la photographie de famille : mémoire et transmission." Besançon, 2003. http://www.theses.fr/2003BESA1001.
Анотація:
Liée au vécu du groupe familial, la photographie de famille est un "lieu de mémoire" par excellence. Tranche d'espace-temps fixée pour toujours, elle provoque sans cesse le langage pour lui donner tout son sens. Histoire de vie plurielle, mettant en évidence divers rôles sociaux, divers réseaux sociaux, la photographie de famille traduit une ré-appropriation de la vie sociale et apparaît comme un atout méthodologique privilégié pour le recueil de récits de vie. Au sein de la famille, le lien qui unit le connaisseur à ses photographies, trahit le lien qui l'unit à ce qui est photographié, c'est-à-dire au monde dans lequel il vit. Considérée comme un substitut du réel, la photographie de famille est dotée d'une valeur essentiellement symbolique, et se présente comme un objet d'appropriation plus que de transmission. Entre passé et présent , entre individuel et collectif, entre vivants et morts, la photographie de famille constitue ainsi, un patrimoine aussi bien familial que social.
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Guillot, Hélène. "Photographier la Grande Guerre : les soldats de la mémoire, 1915-1919." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010617.
Анотація:
Dès 1914, l'Allemagne semble maîtriser, sans commune mesure, les possibilités données par la photographie et elle en fait un outil de propagande internationale. En réaction, la France met en place au printemps 1915, la section photographique de l'année (SPA) destinée à contrer l'action allemande auprès des pays neutres en alimentant les services du ministère des Affaires étrangères. Le ministère de la Guerre fournit des hommes, convoite les photographes et se charge de la censure sur les images. Le sous-secrétariat aux Beaux-arts finance la totalité de l'opération voyant ici l'opportunité de constituer un fonds d'archives capable de témoigner devant l'Histoire. Au-delà des changements de noms ou bien de la fusion avec la section cinématographique (1917), la SPA devient lentement et très officiellement un outil sous l'influence de plus en plus prégnante des Beaux-arts. Son fonctionnement met en valeur le métier de reporter militaire ainsi que les conditions de production photographique sur le fion, Tout au long de la guerre, la SPA filtre les évènements et produit une actualité visuelle au bénéfice de la France et de ses alliés. Malgré tout, les hommes de la SPA, certes encadrés mais seuls au moment du cadrage, ils livrent leur interprétation du conflit et par là même une put de l'homme de 1914. En France et à l'étranger, la section organise elle-même la diffusion de ses images déclinées sur divers supports, expositions, brochures, cartes postales pour les principales, Appareil politique et artistique à diverses facettes, la SPA est l’unité privilégiée des soldats de la mémoire
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Richards, Ariane Sarah. "Mai 68 : l'evolution de la mémoire culturelle et des icônes à travers la photographie." Thesis, Durham University, 2013. http://etheses.dur.ac.uk/6366/.
Анотація:
This thesis investigates the evolution of the cultural memory of May 68 within French society, through a study of the effect of photography on the building and transmission of myths and icons over a period of 40 years. It begins with an examination of the role of photography in documenting the events of May 68, before moving on to consider the reproduction of these images at each ten-year anniversary of the event. A chronological study of the publication of photographs in dedicated collections and in media coverage of the movement follows this broad contextualisation and theoretical positioning, focusing in particular, although not exclusively, on the visual coverage afforded by Paris Match. This study of each ten-year anniversary and its significance permits the underlining of dominant and recurring myths linked especially to urban space and its visual representation; the masculine hegemony in visual representations of May 68, and finally the mythologisation of Daniel Cohn-Bendit. Following this, a study of the myths identified and their continued modification across the 40 years between the event and its latest anniversary is carried out, in which the creation of icons both in a photographic and human sense is interrogated. The methodological approach of this thesis derives from a range of studies on cultural memory and on the evolving role of photography in the formation of cultural memory in the twentieth century both universally and as a mode of representation that responds to the characteristics of contemporary French society. Overall, these analytical steps underline the heterogeneity of representations of May 68 and enable the formulation of conclusions regarding the importance of photography as a vector for the transmission of cultural memory not only in the French context of May 68 but in modern society at large.
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Eichenberger, Andrea. "Images d'Indiens : d'objet à sujet : la photographie chez les Guarani du village Yynn Moroti whera à Santa Catarina (sud du Brésil)." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070046.
Анотація:
Cette thèse s'inscrit dans les discussions d'anthropologie visuelle et cherche à promouvoir une interaction entre un récit imagétique et une réflexion ethnographique. A partir d'un travail développé avec les Guarani du village Yynn Moroti Wherâ, localisé dans la municipalité de Biguaçu, littoral sud de Santa Catarina, j'ai cherché à réfléchir sur les différentes formes de voir les indiens au Brésil et sur l'appropriation et l'usage d'images dans des contextes indigènes. La thèse présente certains changements de positionnements dans les constructions visuelles. En premier lieu, des changements de la part des indigènes, qui déconstruisent des images stéréotypées et qui fabriquent de multiples images, qui reçoivent des fonctions spécifiques suite aux contextes dans lesquels elles s'inscrivent : d'un côté, elles se présentent comme un élément d'affirmation identitaire et de sauvegarde de la mémoire collective, de l'autre, elles cherchent à établir un dialogue avec l'« Autre » qui n'arrive pas à voir les indiens au delà des images préconçues. En deuxième lieu, un changement de la part de l'anthropologue-photographe, qui utilise une méthodologie différenciée d'insertion dans le terrain et d'interaction avec les sujets étudiés, et qui produit un récit ethnographique dans lequel le texte et l'image sont introduits de manière à constituer un dialogue. Dans ce travail, la photographie est mise dans le même plan que l'ethnographie, à savoir, comme expression-discoursThis thesis takes its place in discussions on Visual Anthropology and looks forward to promote an interaction between an imagetic narrative and an ethnographic reflection. After a work developed with Guarani people from the village Yynn Moroti Wherâ, located in Biguaçu district, south coast of Santa Catarina, I have tried to think about the different ways of seeing Indians in Brazil, and about the appropriation and usage of images in indigenous contexts. The thesis shows some changes in position regarding the visual constructions. Firstly, changes from the indigenous side, that are deconstructing stereotyped images and making simultaneously multiple images, that receive specific fonctions depending on the context : on one hand, they are an element of identity affirmation and a way to save the collective memory, on the other hand, they are looking for establishing a dialogue with the "Other" that is not able to see the Indians beyond the preconceived images. Secondly, a change from the anthropologist-photographer, that uses a differentiate methodology of insertion into the field and of interaction with studied subjects, and that produces an ethnographic narrative in which text and image are introduced so as to build a dialogue. In this work, Photography is set at the same level as ethnography, this means as an expression-discourse
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Moreno, Jérôme. "Émergence et retrait de la figure humaine : pour une anthropologie de l’image." Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20022.
Анотація:
Une pratique plastique de la figure engendre des images complexes. Cette thèse propose une exploration d'images figuratives sur la base d'une approche anthropologique. Une première catégorie d'images envisage la figure comme un élément soumis aux aléas de l'histoire. L'image peut être soit un objet de propagande soit l'objet d'une destruction qui peut aller jusqu'à la mort. La Shoah symbolise cet effacement de la figure et révèle une image en retrait. À l'inverse, par une pratique gestuelle où se mêlent avec paradoxe la déformation, la défiguration, l'altération mais aussi la re-figuration, la figure émerge. L'image envisage parfois la figure comme une trace : une empreinte gestuelle. Les principes de l'accumulation, de l'entrelacs et de la série la font surgir. L'image naît par le geste. Cependant il existe une troisième catégorie d'images qui peut parfois révéler une figure qui hésite. Dans la photographie par exemple, cette figure joue sur la fine frontière entre représentation et abstraction. Entre retrait et émergence, apparition et disparition figurative, l'image oscille. L'oscillation démontre, selon le principe de la survivance, que les images figuratives ont la capacité de resurgir par-delà le temps et l'espace. Leur pouvoir provient du fait que la figure est mémoireFace plastic practice generates sensible images. This thesis proposes an exploration of figurative images based on anthropological approach. In a first category of images, face proceeds from vagaries of History. It could be alternately propaganda and destruction. Shoah symbolizes the face obliteration and reveals an image in the very back. Conversely, the face could rise from the melting pot of distortion, disfigurement and representation. The image envisages face like a trace: a gesture print issued from accumulation, interlace or series principle. In this case, image awakes from the gesture. However, a third set of images could also reveal a hesitant face. For example, in photography, this face plays on the thin frontier between representation and abstraction. Image waves between retreat and emergence, figurative appearance and disappearance. According to survival principle, this oscillation indicates the capability of figurative images to resurface time and space, beyond. They have a power : the power to remember
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Wiener, Elise. "Trace d'existence et énigme de la présence : du photographique à l'oeuvre dans l'écriture de Patrick Modiano." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0018.
Анотація:
Écriture de la trace, de l’ombre et du silence, tissant présence et absence, inscription et retrait, être et non-être, l’œuvre de Patrick Modiano est tramée par le photographique. Très présente, la photographie y constitue un topos à part entière, sous la forme de documents de premier ordre, faisant évoluer le cheminement des protagonistes au sein de diverses enquêtes destinées à éclairer les dernières traces d'un être disparu ou un souvenir oublié. Plus encore, la photographie constitue une figure conceptuelle essentielle dans le déploiement de la toile narrative. Les conditions d'évocation du passé et la mise en relation avec le réel possèdent un caractère éminemment photographique. Les différentes caractéristiques paradoxales du processus photographique nourrissent les inventions formelles de l'auteur qui ainsi, crée une poétique de la mémoire. Plutôt que de chercher à retrouver le passé, il préfère l'envisager depuis ce qui signe sa disparition. À l’image des sables mouvants, du vide qui sous-tend la mémoire, la remémoration s’inscrit au cœur de la narration. Arrachant au néant les traces d’individus anonymes auxquels il redonne la singularité d’un sujet en devenir, Patrick Modiano tisse une pensée sur l’existence. L'écriture se construit comme la recherche de fils invisibles permettant de nouer entre eux les détails disparates d’une vie, pour en transmettre ses contours afin que depuis la matière sombre de l'oubli, quelques poussières d'étoiles puissent scintillerPhotography is a major topic in Patrick Modiano’s writing, it mingles together presence and absence, inscription and withdrawal, Being and non-Being. In many of his novels, photographs are documents that help the character to evolve in his quest to find the tracks of a missing relative or a forgotten memory. Futhermore, photography is a conceptual model in the narrative : the author examines the past and explores reality in a way that has a lot to do with the paradoxal characteristics that defines photography. The narrative construction does neither bring back the past nor those who disappeared, but instead builds up a poetic of memory that brings up the context of his disappearance. Digging for fragments and traces of anonymous persons, Modiano's narrative gives them back their subjectivity and their dignity, constructing thus a philosophical thought on existence. The story progresses recollecting disparate details build up together to enlight dust of stars that shimmers from the dark matter of the memory
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Merzeau, Louise. "Du scripturaire à l'indiciel : texte, photographie, document." Phd thesis, Université de Nanterre - Paris X, 1993. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00490006.
Анотація:
C'est avec l'apparition de la photographie que coïncident les premières fractures d'un ordre symbolique où se joue l'autorité médiologique du texte. Matrice et symptôme d'un paradigme indiciel qui modifie notre expérience de la présence, de la mémoire et de l'altérité, la photographie inaugure une nouvelle économie des traces, qui ne s'est pas seulement déployée en marge du scripturaire, mais aussi de l'intérieur.
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Merzeau, Louise. "Pour une médiologie de la mémoire." Habilitation à diriger des recherches, Université de Nanterre - Paris X, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00904667.
Анотація:
Souvent confiné dans un registre commémoratif ou traumatique, le concept de mémoire est peu présent dans les travaux en sciences de l'information et de la communication. Les recherches présentées ici visent à montrer que la question mémorielle est pourtant l'un des enjeux majeurs de la société à l'ère des réseaux. La réflexion s'appuie d'abord sur une analyse de l'évolution du statut médiologique des images, dont l'entrée dans l'environnement numérique modifie l'équilibre culturel et achève d'installer la suprématie d'une logique de traces. Celle-ci est examinée dans un deuxième temps sous l'angle des processus de médiation qu'elle met en œuvre. À cause du discrédit des intercesseurs traditionnels, on a vu dans l'emprise des NTIC un phénomène de désintermédiation. Notre hypothèse est que l'immédiation relève plutôt d'une visée idéologique : sous l'effet de la personnalisation de l'information et de la " socialisation " des flux, la médiation sur laquelle se fonde le collectif n'a pas disparu, elle s'est muée en médiation identitaire. La prévalence accordée aux traces et à l'identité fait de la traçabilité le paradigme de la nouvelle écologie informationnelle, que nous appelons l'hypersphère. Instaurant une mémoire par défaut où données et individus sont archivés et calculés, la traçabilité menace aussi bien les libertés individuelles que le maintien d'un espace public. Au-delà des mesures de protection, nous proposons de réfléchir aux conditions de réappropriation des traces et de restauration de la confiance. La promotion d'une présence numérique plus consciente et la construction de projets de mémoire, ordinaires ou institutionnels, sont les voies que nous explorons.
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Corp, Mathieu. "Des expériences du temps dans la photographie latino-americaine contemporaine." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA093/document.
Анотація:
Les images exposées sous l’appellation de photographie latino-américaine varient selon les expositions où commissaires et critiques déterminent les critères qui légitiment la sélection et l’organisation des images. Seuls des partis pris curatoriaux semblent ainsi gouverner des choix dont les enjeux éthiques et esthétiques diffèrent et découper les expositions par des catégories thématiques et des textes exégétiques des œuvres où, depuis les années 1990, l’usage récurrent des termes « histoire », « mémoire » et « identité » contribue à attribuer des significations moins géographiques qu’historiques à l’adjectif latino-américain. Nous nous proposons de montrer comment des expériences du temps sont configurées par les artistes dans leurs images par bien des modalités plastiques, comment les images sont capables d’établir, depuis et en fonction du présent, des rapports avec le passé. Selon une approche sémantico-pragmatique, nous analysons les références employées dans les images et dans les textes pour mesurer les implications contextuelles des rapports temporels, tandis que les modalités plastiques qui les traduisent nous permettent d’en interpréter le sensDuring an exhibition, images displayed under the rubric of Latin-American photography vary according to the criteria retained by both curators and critics who legitimate their selection as well as their organisation. Curatorial biases can on their own determine choices with changing ethical and aesthetic implications and thus influence the shape taken on by exhibitions according to the thematic categories retained and the textual commentaries proposed for works whose Latin-American meanings, ever since the 1990s, are less affected by geographical considerations than by historical ones. In this thesis, it is our intention to show, first, how artists, using a plethora of plastic means, impart shape and form to experiences of time and, second, how images, through and according to the present moment, can establish various relationships with the past. Enlisting a semantic-pragmatic approach, we analyse the references established by images and texts in order to measure the contextual implications borne by their temporal relations; at the same time, the plastic modalities given to these temporalities allow us to interpret their meaning
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Dos, Santos Maria Ivone. "Extension du corps, mémoire et projection : réseau d'une oeuvre et de son errance." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010552.
Анотація:
Cette thèse retrace la mémoire de nos déplacements de vie afin de voir de quelle manière ils nourrissent notre pensée pratique artistique. Du corps à l'oeuvre nous articulons, à travers nos propositions plastiques, les modes de projection de notre mémoire. Il s'agit de montrer que l' oeuvre est toujours une extension du corps et de son auteur et que celui -ci, en la produisant, cherche à en construire le sens en invitant, d'une certaine façon, le 'regardeur' à s'y projeter. La photographie analogique, empreinte lumineuse gravée sur un négatif ainsi que la technique de l'empreinte, contact physique porteur d'une trace, ont été les dispositifs utilisés pour prélever et transporter nos gestes sur d'autres situations. Articulant ces formes de toucher avec nos manipulations, nous avons réalisé plusieurs expériences. L'écriture de la thèse a illuminé le sentier de notre création pour dévoiler un réseau d'errance. Nous pouvons y voir comment ce réseau nous a permis de déceler la visibilité d'un système et la construction d'un espace mobile, capable à la fois de contenir la mémoire de notre parcours artistique et d'être le lieu d'articulation de nouveaux départs. Mettant en lumière un champ singulier, notre recherche a abouti à la mise en place d'une dynamique du double, d'un revenir en devenir du corps, toujours autre.
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Beauregard, Martin. "L'image écartelée : une étude exploratoire des rapports entre la photographie et le récit." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010574.
Анотація:
Cette thèse-création est à l’image de la recherche. Elle est animée par cette question d’ordre poïétique : qu’est-ce qui dynamise l’avènement d’une œuvre ? Mon hypothèse : l’œuvre se construit au travers du récit, celui que l’on narre par le texte ou l’image, celui que l’on raconte à soi-même ou que l’on partage avec autrui. Cet ouvrage a pour but de mettre en lumière le processus créateur engagé dans la production d’images photographiques. Il traduit à la fois la dimension plastique de la recherche et les enjeux théoriques qui l’animent. Il offre un regard analytique sur une pratique personnelle de la photographie (2007-2011), de même, sur le travail de mes pairs artistes pour s’étendre des années 1980 à aujourd’hui. Il revêt une dimension parfois fragmentaire et anachronique en intégrant des images d’œuvres personnelles (en cours, projetées ou passées) et des extraits d’un récit de pratique personnel. Au départ de la recherche plastique et théorique, je prends la liberté de choisir un concept transitoire l’image écartelée qui traduit intuitivement les rapports problématiques qu’entretient l’œuvre photographique avec le récit, d’une part, l’incapacité de l’image photographique, de par sa fixité ontologique, à raconter comme le ferait le roman ou le film, d’autre part, sa capacité à produire des effets narratifs dans l’imaginaire du spectateur. La thèse-création est divisée en trois chapitres, chacun d’eux explore tour à tour un nouvel enjeu de la problématique du récit en photographie. (...)A photographic work is built around a story, one being narrated by the text or the image, one that one is telling just to oneself or that is being shared with others. Such a work is animated by the problematic relationships it may have with the novel or the film, partly caused by its fixed ontological purpose and the narrative effects it produces in the spectator’s imaginary world. The concept of image-écartelée brings forth this tension between the photography and the experience of creation. It allows one to contemplate the various processes of deconstruction and reconstruction of the image, generating a profound reflection concerning the structural matrices and semiotic narratives. L ’image—écartelêe asks us to examine the different modalities of allegory and reflexivity of the photographic medium in its relation to the images in the narrative. By this means, et multiple interplay of temporalities is produced, between the story and the memories it evokes, which retraces even the act of writing and a personal practice of the photographic art
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Bertolini, Florencia Fernández. "Portraits, biographies et fours à chaux : images, mémoire et construction patrimoniale de l'exploitation minière dans une ville d'Argentine à la fin du XXe siècle." Master's thesis, Universidade de Évora, 2021. http://hdl.handle.net/10174/31697.
Анотація:
Cette recherche est basée sur la photographie d'un anthropologue et le travail d'un groupe interdisciplinaire créé en 1999 dans la ville d'Olavarría, province de Buenos Aires, Argentina. L'étude explore le rôle, l'incidence et l'utilisation de l’image photographique dans les processus d'activation, de resignification et de construction du patrimoine. On verra que la photographie est utilisée dans la recherche anthropologique et la documentation des fours à chaux, des techniques et des savoir-faire des travailleurs. L’image est également un élément central des actions et des activités d'intervention communautaire développées par le groupe. Dans ce sens, les photographies deviennent un objet nécessaire et important dans un contexte de conflits territoriaux et de perte des références associés à l'exploitation minière artisanale locale; Portraits, biographies, and lime kilns: Images, memory, and heritage construction of mining in a town in Argentina at the end of the 20th century - Abstract:
This research is based on the photography of an anthropologist and the work of an interdisciplinary group created in 1999 in the city of Olavarría, Province of Buenos Aires. The study explores the role, incidence and use of photography in the field of heritage. It will be seen that photography is used in anthropological research and in the documentation of the lime kilns, the techniques, and the workers’ know-how. The image is also a central element in the interventions and community activities developed by the group. In this sense, photographs become a necessary and important object in a context of territorial conflicts and loss of references associated with local artisanal mining.
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Gleeson, William. "Les lieux de la désolation : évènement, espace et destruction dans la photographie de la guerre civile américaine (1861-1865)." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070033.
Анотація:
Cette thèse porte sur la photographie de la Guerre Civile américaine (1861-1865), notamment sur sa relation à l'environnement. Il s'agit de remettre les images de ce conflit dans un contexte culturel et de les analyser comme des éléments issus d'une rhétorique non-discursive. On s'attache ainsi à des questions concernant la difficulté de photographier la Wilderness de la Virginie mais aussi la possibilité de faire un portrait en substituant le paysage à un corps absent. L'utilisation de ces images après la guerre, les débats autour de la mémoire et de la vérité photographique sont également abordés. Un dernier chapitre est consacré aux ruines dans les photographies et essaie d'appréhender comment ces ruines établissent, d'une manière durable, une façon de scruter la destructionThis dissertation examines American Civil War photography, notably its relationship with the environment. The images from the conflict are placed into their cultural context and are considered as elements of non-discursive rhetoric. One part looks at the difficulty of photographing the Wilderness region of Virginia. Another chapter looks at the possibility of making a portrait by substituting a landscape for an absent body. The dissertation also investigates the use of these images after the war, raising issues of memory and photographic truth. A final chapter concerns the photography of ruins and tries to understand how these ruins establish a lasting manner of looking at destruction
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Le, Blanc Florence. "Les épaves scintillantes : emplois autofictionnels de la photographie au sein du récit filmique." Doctoral thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/36804.
Анотація:
350081\u Prenant pour point de départ l’idée de mener une «recherche du temps perdu» par un emploi filmique de la photographie, cette thèse présente la progression d’un processus de recherche-création dont résulte le film Les Épaves scintillantes. L’ensemble réflexif se compose de quatre chapitres associés à chacune des phases du projet. Considérant le questionnement qu’occasionne la Recherche auprès de plusieurs artistes et théoriciens de la photographie, l’idée de s’inspirer de Proust pour menerune réflexion sur les relations entre la photographie et la mémoire est d’abord interrogée en regard des essais La Chambre claire de Roland Barthes et Marcel Proust sous l’emprise de la photographie de Brassaï. Puis, l’influence que peuvent exercer les images sur l’écriture d’un récit est ensuite examinée à partir de démarches de création proposant diverses formes de rencontres entre la photographie et la narration. Sont ainsi examinés différents exemples de films photographiques : Locke’s Way et Voice : off de Donigan Cumming, Les Photos d’Alix de Jean Eustache et (nostalgia) d’Hollis Frampton. Privilégiant des films comportant une dimension autofictionnelle exercée dans une approche performative, la réflexion est également élargie à des pratiques qui, hors de ce champ disciplinaire, rejoignent autrement le projet. Alors que le film Les Épaves scintillantes présente le récit d’un voyage, les photographies qui y sont employées résultent d’une démarche visant à combiner la remémoration visuelle simultanément à l’acte photographique. À titre d’exemples, les démarches de Pierre Gauvin et de Sophie Calle sont ainsi examinées en tant qu’approches employant le déplacement comme dispositif de fictionnalisation de la photographie. Les œuvres India Song de Marguerite Duras et À distance de Patrick Altman sont aussi observées en regard des singuliers questionnements qu’elles induisent quant à la fictionnalisation filmique ou photographique de lieux d’abord remémorés. En somme, cette thèse vise à établir – par la voie dugeste créateur – un dialogue entre différentes démarches essayistes et artistiques employant le souvenir visuel en tant que matière de création.
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Gaillard, Frédérique. "Approches esthétiques et théorétiques des archétypes dans le photojournalisme : à partir du World Press Photo (1956-2013)." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080021.
Анотація:
Grâce à une analyse fondée sur l'esthétique et la théorétique, cette recherche sur le photojournalisme et ses archétypes soulève de nombreuses questions. La théorétique est l'approche d’une pratique considérée d’abord sous l’angle du « sans-Art » qui se distingue de l’esthétique en tant qu'approche théorique d’une réflexion assimilée principalement à l’art. La notion d'archétype est réfléchie à travers ses diverses facettes et donc avec différents champs d’études (psychologie, philosophie, mythologie...). Avant de s'intéresser aux photographies, il est important de déterminer comment l'image du photojournaliste s'est forgée à travers le temps. En revisitant la vie de Robert Capa et ce que l’on en dit, les travaux du mythologue Joseph Campbell apportent un éclairage nouveau et rend complexe mais possible l'analogie entre le héros de mythe et celui qui est considéré dès 1938 comme le plus grand photographe de guerre du monde. L'analyse approfondie et singulière des photographies primées au World Press Photo (WPP) dans la catégorie World Press Photo of the Year, de la création du concours à 2013 ouvre d’autres perspectives sur l'évolution du photojournalisme. Ce corpus iconographique traite principalement des catastrophes naturelles, de la famine, de la guerre et du terrorisme. L’être humain, ses actes et ses conséquences sont continuellement au cœur des reportages. Il faut parfois remonter très loin dans l'histoire de l'humanité pour comprendre les préoccupations du monde contemporain et les images que l'on en perçoit. Certaines photographies primées se sont imposées comme des marqueurs temporels historiques et forgent la mémoire collective. Plusieurs facteurs contribuent à développer cette mémoire collective. Se questionner sur l'archétype dans ces photographies, c'est aussi reconsidérer l'image mentale et l'image en tant qu'objet pour mieux discerner ses contours et appréhender ses enjeux. Le cheminement de cette recherche emprunte des voies inattendues pour livrer une interprétation novatrice de ces photographies de presseThrough an analysis based on the aesthetics and theoretical approaches, this research of photojournalism and archetypes raises many questions. The theoretical approach is to look at a practice first in terms of non-Art, as distinct from aesthetics as a theoretical approach to something that is primarily equated with art. The concept of archetype is studied through its various facets and thus with different approaches (psychology, philosophy, mythology, etc.). Before looking at photographs, it is important to determine how the image of photojournalist was forged through time. Revisiting the life of Robert Capa and what is said about it, the work of a mythologist, Joseph Campbell, sheds new light and makes it possible, although complex, to draw an analogy between the hero in myths and the man that is considered since 1938 as the greatest war photographer in the world. The detailed and unique analysis of the photographs awarded a prize by the World Press Photo (WPP), in the category World Press Photo of the Year, since the award was created until 2013, opens new perspectives on the evolution of photojournalism. This iconographic imagery deals primarily with natural disasters, famine, war and terrorism. The focus of the reports is continuously on people, their actions and their consequences. It is sometimes necessary go far back in history to understand the concerns of the contemporary world and the images that we perceive of it. Some winning photographs have emerged as historical time markers and shape our collective memory. A number of factors contribute to developing this collective memory. The question of archetype in these photographs also leads us to rethink the mental image and the image as an object, in order to better discern its contours and understand its challenges. This research uses unexpected ways to deliver an innovative interpretation of these press photographs
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Kim, Min Kyung. "Poïétique de l'archive, une expérience de la promesse : micro-archive, macro-archive, inter-archive." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010626.
Анотація:
Les archives sont un lieu dans lequel un matériel d'ordre privé ou public est classé puis conservé dans le but d'une préservation permanente. Par ailleurs, le mode de classement des archives publiques varie énormément. Entre autres, les archives sont parfois utilisées comme moyen stratégique de communication. En effet, il ne faut pas uniquement considérer les archives selon une dimension statique d'enregistrement et de préservation mais également selon une dimension dynamique de communication. Il est nécessaire de comprendre le producteur, le consommateur et l'environnement des archives car la connaissance et l'interprétation des objets classés dans les archives sont fortement influencées par la disposition subjective des personnes, de l'institution et des habitudes de la société. L'archive ne doit pas seulement être considérée comme une simple question technique. Elle est un système complexe et doit donc être considérée dans tous ses contextes ; historique, culturel, politique, juridique, etc. Dans un sens au premier abord énigmatique, soulignons le fait que la question des archives ne relève pas du passé et qu'il ne s'agit pas de traiter le passé à notre disposition, selon un concept archivable des archives. Les archives traitent du futur et soulèvent la question même du futur, d'une promesse et d'une responsabilité de demain. Dans ce contexte, nous développerons l'hypothèse suivante : « L'archive est une expérience de la promesse ouverte vers l'avenir ». Sous cette hypothèse, cette thèse est composée de trois parties dans lesquelles se répartissent huit chapitres. Et ce manuscrit a été rédigé des points de vue microscopique, macroscopique et intertextualisé.
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Gaillard, Frédérique. "Approches esthétiques et théorétiques des archétypes dans le photojournalisme : à partir du World Press Photo (1956-2013)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080021.
Анотація:
Grâce à une analyse fondée sur l'esthétique et la théorétique, cette recherche sur le photojournalisme et ses archétypes soulève de nombreuses questions. La théorétique est l'approche d’une pratique considérée d’abord sous l’angle du « sans-Art » qui se distingue de l’esthétique en tant qu'approche théorique d’une réflexion assimilée principalement à l’art. La notion d'archétype est réfléchie à travers ses diverses facettes et donc avec différents champs d’études (psychologie, philosophie, mythologie...). Avant de s'intéresser aux photographies, il est important de déterminer comment l'image du photojournaliste s'est forgée à travers le temps. En revisitant la vie de Robert Capa et ce que l’on en dit, les travaux du mythologue Joseph Campbell apportent un éclairage nouveau et rend complexe mais possible l'analogie entre le héros de mythe et celui qui est considéré dès 1938 comme le plus grand photographe de guerre du monde. L'analyse approfondie et singulière des photographies primées au World Press Photo (WPP) dans la catégorie World Press Photo of the Year, de la création du concours à 2013 ouvre d’autres perspectives sur l'évolution du photojournalisme. Ce corpus iconographique traite principalement des catastrophes naturelles, de la famine, de la guerre et du terrorisme. L’être humain, ses actes et ses conséquences sont continuellement au cœur des reportages. Il faut parfois remonter très loin dans l'histoire de l'humanité pour comprendre les préoccupations du monde contemporain et les images que l'on en perçoit. Certaines photographies primées se sont imposées comme des marqueurs temporels historiques et forgent la mémoire collective. Plusieurs facteurs contribuent à développer cette mémoire collective. Se questionner sur l'archétype dans ces photographies, c'est aussi reconsidérer l'image mentale et l'image en tant qu'objet pour mieux discerner ses contours et appréhender ses enjeux. Le cheminement de cette recherche emprunte des voies inattendues pour livrer une interprétation novatrice de ces photographies de presseThrough an analysis based on the aesthetics and theoretical approaches, this research of photojournalism and archetypes raises many questions. The theoretical approach is to look at a practice first in terms of non-Art, as distinct from aesthetics as a theoretical approach to something that is primarily equated with art. The concept of archetype is studied through its various facets and thus with different approaches (psychology, philosophy, mythology, etc.). Before looking at photographs, it is important to determine how the image of photojournalist was forged through time. Revisiting the life of Robert Capa and what is said about it, the work of a mythologist, Joseph Campbell, sheds new light and makes it possible, although complex, to draw an analogy between the hero in myths and the man that is considered since 1938 as the greatest war photographer in the world. The detailed and unique analysis of the photographs awarded a prize by the World Press Photo (WPP), in the category World Press Photo of the Year, since the award was created until 2013, opens new perspectives on the evolution of photojournalism. This iconographic imagery deals primarily with natural disasters, famine, war and terrorism. The focus of the reports is continuously on people, their actions and their consequences. It is sometimes necessary go far back in history to understand the concerns of the contemporary world and the images that we perceive of it. Some winning photographs have emerged as historical time markers and shape our collective memory. A number of factors contribute to developing this collective memory. The question of archetype in these photographs also leads us to rethink the mental image and the image as an object, in order to better discern its contours and understand its challenges. This research uses unexpected ways to deliver an innovative interpretation of these press photographs
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Réra, Nathan. "Rwanda, de l'archive à la représentation : La photographie et le cinéma à l'épreuve du génocide des Tutsi (1994-2012)." Thesis, Aix-Marseille, 2012. http://www.theses.fr/2012AIXM3081.
Анотація:
Au Rwanda, d'avril à juillet 1994, les photographes et les cameramen des agences d'information internationales eurent de grandes difficultés à documenter le génocide des Tutsi, recouvert par la guerre civile entre les Forces armées rwandaises et le Front patriotique rwandais et par l'exil massif des civils Hutu dans les camps de réfugiés des pays voisins. Les reporters rencontrèrent de nombreux obstacles pour prendre, envoyer et diffuser leurs images en Occident : avaries techniques, censure militaire et politique, relative indifférence des rédactions, etc. Après l'événement, quelques photojournalistes et cameramen décidèrent de rompre avec le système des mass-médias. Ils ont ainsi entamé une déconstruction de leurs images par la représentation artistique, plus apte à incarner le génocide et à rendre au spectateur l'autonomie de son regard. En parallèle, d'autres artistes ont entrepris d'élaborer la mémoire du génocide des Tutsi, recueillant les visages et les témoignages des rescapés et des génocidaires, filmant ou photographiant les sites de l'extermination devenus mémoriaux. En l'espace de dix-huit années, la somme des représentations du génocide des Tutsi est donc conséquente. S'inscrivant dans une histoire visuelle dont la Shoah constitue le paradigme, ces œuvres entendent poser les jalons d'une réflexion historique, politique et esthétique sur l'extermination des Tutsi et ses conséquences dans la société rwandaise post-génocideIn Rwanda, from April to July 1994, photographers and cameramen from international news agencies had big difficulties to document the genocide of the Tutsi, blurred by the civil war between the Armed Forces of Rwanda and the Rwandan Patriotic Front, and by the exile of the Hutu civilians in the refugee camps of the neighboring countries. Reporters found many impediments on their road, to take, to send and to spread their images in the Western world : technical damages, military and political censoring, lack of interest from editors, etc. Soon after the event, some photojournalists and cameramen decided to break with the mass-media system. They began to deconstruct their images by artistic representation, more suited to incarnate the genocide and to help the viewer recover the primacy of his look. Concurrently, other artists undertook to elaborate the memory of the genocide, collecting faces and testimonies of survivors and perpetrators, filming or photographing the places of the killings that became memorials. Within 18 years, the amount of artistic representations of the Tutsi genocide is important. Placed in a visual history which paradigm is the destruction of the Jews, these works show the way of a historical, political and aesthetical reflection on the extermination of the Tutsi and its consequences in the Rwandan society after the genocide
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Roch, Alexia. "Ghosts." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25535.
Анотація:
La photographie argentique est receleuse de traces et de mémoire. C’est dans cette optique que j’ai travaillé avec des clichés de mon passé et que j’ai choisi de les altérer afin de les décharger de leur cette charge affective et de cette notion de passé qui leur étaient reliées. Comme dans un rite funéraire, je crée des masques mortuaires pour chacune des mes photographies en utilisant tulle et broderie, pour ensuite insérer le masque selon différents moyens : par empreinte superposée à la photo et par ajout concret sur une forme découpée. Le masque apparaît alors sur l’image. Il se confond dans les traits et les détails de cette dernière et y fait apparaître un fantôme ; forme fantasmagorique qui fait état de survivance, entre le passé et le présent. La nature intrinsèque du cliché est changée, elle n’est plus trace d’un passé et le cliché passe d’image à œuvre.
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Cseh, Gabriella. "Histoires d'intérieur(s). Essais de reconstruction de lieux de mémoire parisiens : les espaces intérieurs d’André Kertész et de Brassaï aujourd’hui." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040110.
Анотація:
L’objet d’étude de cette thèse porte sur les anciens lieux d’habitation parisiens d’André Kertész et de Brassaï, tels qu’ils existent aujourd’hui. Il repose sur une analyse de photographies puisées dans leurs archives et sur un travail de terrain effectué dans ces lieux désormais habités par d’autres occupants. La prise de contact avec les habitants actuels a été l’occasion d’une collaboration participative puisque ces images d’archives ont généré un travail de création collective : placés à différents postes, différents points de vue préalablement identifiés dans ces anciens clichés, ces habitants ont effectué eux-mêmes un travail de re-photographie simultané. Cette recherche est le résultat d’une expérience urbaine qui combine documentation, interprétation et création. L’étude de deux archives photographiques, nous a permis d’identifier sept intérieurs et de répertorier un corpus de cinquante-sept clichés d’époque. Le caractère social et interactif de notre méthode de travail vise à une meilleure appréhension de ces lieux d’habitation et de notre héritage culturel dans une perspective de transmission; l’aboutissement étant une production plastique, une image panoramique cumulant différentes époques dans un même espace. Pour l’étude des rapports relationnelles des images et la définition des champs de représentation et d’interprétation, nous nous sommes appuyés sur le schéma de l’intertextualité. Nous avons cherché des analogies permettant de comparer les créations re-photographiques avec le modèle genettien de l’intertextualité. Ce principe d’une organisation « intervisuelle » a été complété par des méthodes théoriques chronologiques, topographiques et médiatiquesThe topic of my thesis is the former dwelling places of two famous Hungarian photographers, André Kertész and Brassaï. It identifies the pieces of the archives which were made in the private spaces of the artists. The identification is carried out through getting into the flats, into the spaces. Getting in touch with the present occupants is the beginning of a collective creative work. The pictures are taken in these spaces, from different point of views, but at the same time. My work is a documentation of an urban experience with a structure of a network. The research, which is built on the visual content of the archives, presents factual results and interpretational creative activity as well. Seven found interiors and the two archives have been examined, 57 pictures have been identified, which shed light on new parts of the artists’ biographies. The social requirement of the method of working up serves the collective cognition of cultural memories, the discovery of one’s own living space and the possibilities of passing them on. The act of Rephotography, points towards the future and makes the recipient think on. To interpret the relative relationship between the pictures, the thesis examines the possible representative domains of the photographical metaphor of intertextuality. It looks for analogies which enable that the works made in intervisual spirit could be compared to Genette’s intertextuality and it completes the method of arrangement with further chronological, topographical and medial theoretical schemes
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Rocha, Janaína Delgado Falcão da. "MEMÓRIAS COSTURADAS: CENÁRIOS COMO DISPOSITIVOS DE UMA POÉTICA VISUAL." Universidade Federal de Santa Maria, 2009. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/5180.
Анотація:
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível SuperiorCe travail résulte d'une recherche laquelle a été dirigée à la construction poétique de Scénarios composites d'éléments de mémoire autobiographie, assortis par l'acte de la couture que, conjointement avec des photographies et des objets scéniques, composent un travail d'Arts Visuels qui s'approche conceptuellement du Cinéma et du Théâtre. L'objectif de deconstruire des travaux qui disaient à histoires des autobiographie allumées à l'acte de la couture a pris la recherche pour cette approche avec les deux secteurs mentionnés ci-dessus, étant la relation avec le cinéma prouvé par le concept de montage comme générateur de conflit et significação, et avec le Théâtre par l'idée du montage de la pièce, y compris tous les éléments et procédures qui impliquent cette construction. Ces concepts ont été rapportés à des procédures des Arts Visuels qui traitent le corps de l'artiste comme a supporté et mote de travaux artistiques. La photographie comme enregistrement du processus et la photographie mise en scène ont été sujets approfondis pendant le parcours de la recherche, où s'est cherché à établir les relations de découpage space-temporel proportionné par l'image photographique. Pour telle procédure, le travail est divisé à trois chapitres qui dissertent sur Photographie, Mémoire, Temps et Vestige, au premier chapitre ; l'Auto-portrait, le Corps et les Stratégies Narratives au second chapitre et, finalement, une réflexion sur la construction de mon travail artistique, reflétant sur des questions rapportées aux Montages, dans le Cinéma et dans le Théâtre, et sa relation avec les Scénarios de Mémoires que je construis comme objet d'Arts Visuels.
Este trabalho resulta de uma pesquisa que foi direcionada à construção poética de Cenários compostos de elementos de memória autobiográfica, unidos pelo ato da costura que, juntamente com fotografias e objetos cênicos, compõem um trabalho de Artes Visuais que se aproxima conceitualmente do Cinema e do Teatro. O objetivo de construir trabalhos que narrassem histórias autobiográficas ligadas ao ato da costura levou a pesquisa para esta aproximação com as duas áreas citadas acima, sendo a relação com o Cinema evidenciada pelo conceito de montagem como geradora de conflito e significação, e com o Teatro pela idéia da montagem da peça, incluindo todos os elementos e procedimentos que envolvem esta construção. Esses conceitos foram relacionados a procedimentos das Artes Visuais que tratam o corpo do artista como suporte e mote de trabalhos artísticos. A fotografia como registro do processo e a fotografia encenada foram temas aprofundados durante o percurso da pesquisa, onde se procurou estabelecer as relações de recorte espaço-temporal proporcionado pela imagem fotográfica. Para tal procedimento, o trabalho está dividido em três capítulos que dissertam sobre Fotografia, Memória, Tempo e Vestígio(primeiro capítulo); o Auto-Retrato, o Corpo e as Estratégias Narrativas (segundo capítulo) e, finalmente, uma reflexão sobre a construção do trabalho artístico resultado desta pesquisa (terceiro capítulo), onde reflete-se sobre questões relacionadas às Montagens, no Cinema e no Teatro, e sua relação com os Cenários de Memórias que resultam como objeto de Artes Visuais de tal investigação.
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Khaddhar, Rafiaa. "De l'objet trouvé au "possible-devenir"." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010602.
Анотація:
Par le biais de promenades plastiques et littéraires, à partir d'un regard qui sonde le familier se donne la découverte de l'objet trouvé, un objet qui se rencontre en marchant, au ras du sol. Dans cette recherche, les mises en scène proposées questionnent les relations entretenues avec les rejets et les restes surpris dans l'espace urbain quotidiennement parcouru, la ville, où la photographie et l'installation prennent place et se proposent en tant que médiums privilégiés. Par la remise en question de leur réception coutumière et dans le dessein de les réintroduire dans notre quotidien, les objets sont recherchés, pensés et investis pour les révéler en tant que trésors dépoussiérés de la banalité. Un passage par les vanités, interrogées, dans la présente thèse, dans leurs acceptations actuelles et passées, interpelle l'objet refusé dans son rapport à la mort et le pose comme principal sujet. De la précarité, de l'usure, en évoquant la mémoire et l'oubli, j'introduis la vanité et ouvre l'objet à un « possible-devenir» : les recherches révèlent un parti pris en faveur du refoulé pour attirer l'attention sur ce dernier et l'évoquer, entendre son discours, le réhabiliter et rappeler son ouverture à d'autres devenirs. A travers le regard posé sur les objets trouvés, cette thèse souhaite inciter à porter un regard autre sur le quotidien ; entendre un quotidien toujours étonnant auquel il est possible de participer.
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Lévesque, Marie-Andrée. "L'esprit des lieux." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28342.
Анотація:
Partie à l’aventure sur les routes du Nicaragua, déambulant, flânant, mon appareil photographique à la main, j’ai cherché à capturer l’âme de bâtiments laissés pour compte. « J’ai visité des lieux historiques, où étaient passés les pirates et les conquistadores, des lieux colonisés par les Anglais, les Espagnols et les Américains. J’ai visité des villes et villages isolés, des forêts vierges et des marchés bondés. J’ai vu des églises grandioses et de modestes chapelles qui avaient célébré d’heureuses naissances et avaient vu partir des héros de guerre. » Je me suis immergée dans cette étonnante culture. Touriste, vagabonde, étrangère, voulant immortaliser les dernières traces visibles d’événements historiques qui ont imprégné l’histoire et la culture nicaraguayenne. J’ai ainsi produit une série de photographies qui ont engendré une réflexion sur la construction de ma propre histoire, de ma propre mémoire, de ma propre identité. Le présent mémoire témoigne de ces réflexions ainsi que d’une expérience à la fois humaine et artistique.I was traveling on Nicaragua’s long roads, wandering, strolling with a camera in my hands, trying to capture the soul of rejected places and buildings. “I have visited historic places where pirates and conquistadores had passed, lands colonized by the English, Spanish and American empires. I have visited wonderful cities and isolated villages, virgin forests and crowded markets. I saw grand churches and modest chapels which had celebrated joyous births and had seen war heroes leaving. " I fully dived into this surprising culture. Sometimes as a tourist, a rambler, or a stranger, I wanted to immortalize the last visible tracks of some historic events that filled the history and the Nicaraguan culture. I produced a series of photographs which generated a large reflection about the construction of my own personal history, my own memory and my own identity. This essay is a testimony of these reflections from a human being as well as an artistic experience point of view.
Adentrarse en la aventura sobre los caminos de Nicaragua, deambulando con mi cámara fotográfica en la mano, para capturar el alma de edificios viejos y abandonados. « Visité lugares históricos, donde pasaron los piratas y los conquistadores, lugares colonizados por los ingleses, españoles y estadounidenses. Visité grandes ciudades y pueblos aislados, selvas vírgenes y mercados abarrotados. Vi iglesias grandiosas y modestas capillas donde se habían celebrado nacimientos felices y que habían visto ir a héroes de guerra. » Me sumergí en esta cultura asombrosa. Turista, vagabunda, extranjera, queriendo inmortalizar los últimos rastros visibles de eventos históricos que impregnaron la historia y la cultura nicaragüense hasta siempre. Produje así una serie de fotografías que engendraron una reflexión sobre la construcción de mi propia historia, de mi propia memoria y de mi propia identidad. El informe presenta un testimonio de estas reflexiones, así como una experiencia a la vez humana y artística.
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Carvalho, Fontes Larissa Yelena. "Anthropologie d'un musée silencieux : la Collection Persévérance et les enjeux de mémoire autour du "xangô alagoano" (Maceió - Brésil)." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE2071.
Анотація:
La présente thèse a comme objet central la Collection Persévérance, un ensemble d’objets qui ont été volés des maisons de culte afro-brésilien à Maceió, capitale de l’État d’Alagoas, au Nord-est du Brésil. Le pillage de ces objets s’est produit dans un épisode de répression politique-religieuse survenu en 1912 et connu comme Quebra de Xangô. Cette Collection est abritée par le Musée de l’Institut Historique et Géographique d’Alagoas et depuis son pillage, elle n’a pas été objet d’études scientifiques. Ainsi, cette recherche a essayé de combler les lacunes existantes sur le sujet, en traçant son parcours jusqu’à présent et en démontrant les grandes transformations vécues par le culte du xangô alagoano, à la fois au niveau liturgique et rituel. Pour la production de l’inventaire de la Collection Persévérance, un travail d’investigation a été mené pour essayer de trouver les usages originaux et référencer dûment les pièces. Cette investigation a été réalisée avec la participation de la communauté religieuse afro-brésilienne, en privilégiant leur savoir traditionnel, leur mythologie et leur système cosmologique pour découvrir et construire la biographie de ces objets. De cette manière, le xangô alagoano est ici présenté, en retraçant ses particularités, fruit de mes dix ans d’expérience de terrainThe central object of this thesis is the “Persévérance” Collection, a group of pieces that were stolen from Afro-Brazilian houses of worship in Maceió, capital of the state of Alagoas, in the northeast of Brazil. The pillaging of these objects occurred in an episode of political-religious repression in 1912, known as Quebra de Xangô. This Collection is exposed by the Museum of the Historical and Geographical Institute of Alagoas and since its pillage it has not been subject of any scientific studies. In this way, this research has tried to fill the existing gaps on the subject, tracing its path so far and demonstrating the great transformations experienced by the worship of xangô alagoano, both at the liturgical and ritual levels. For the production of those objects inventory an investigation was carried out to try to find the original uses and toproperly reference the pieces. This investigation was produced with the participation of the Afro-Brazilian religious community, focusing on their traditional knowledge, mythology and cosmological system to discover and construct the biography of those objects. Therefore, the xangô alagoano is presented here, tracing its peculiarities, fruit of my ten years of field experience
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Rèbre, Isabelle. "Figures du deuil et du photographique. Formes du film-essai chez Naomi Kawase, Alain Cavalier et David Perlov." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080044.
Анотація:
Cette recherche développe une réflexion autour du photographique dans son lien à la mémoire et au deuil, qu’il soit intime ou d’ordre historique. Elle montre que la photographie est une figure de deuil, autrement dit, elle fait à la fois coupe et lien. A travers un corpus restreint de trois films-essais, elle analyse des figures de deuil et des gestes filmiques singuliers. Dans La Danse des souvenirs (2002), Naomi Kawase est confrontée à une mort intime. L’imbrication de clichés photographiques dans le film produit une suspension qui provoque un renversement dans cette trajectoire dont l’issue semblait fatale. La cinéaste use de la photographie comme une figure de lien qui permet de relier les vivants et les morts. Dans Ce répondeur ne prend pas de messages (1978), Alain Cavalier, incarne un homme endeuillé. Le cinéaste reprend un grand nombre de clichés photographiques tirées de ses archives personnelles, parmi lesquelles des coupures de journaux représentant des cadavres de la guerre. A travers ce geste de reprise, la problématique prend une dimension historique. À l’instar de la photographie devenue ici figure de coupe, le film déploie un ensemble de figures où la rupture insiste, participant d’un jeu de deuil. Avec Le Journal (1973-1982) de David Perlov qui est enserrés entre deux guerres, le texte aborde la problématique dans sa dimension politique. Le cinéaste israélien qui est aussi photographe, utilise différents formats de photographies. A travers les gestes de reprises et de répétitions, le photographique permet une transformation de la figure qui permet la séparation avec un passé traumatiqueThis dissertation is a consideration of the photographic in its relation to memory and mourning in both their personal and historical forms. It demonstrates how photography is a figure of mourning; how it is at once a means of connecting and a means of cutting off. Figures of mourning and filmmakers’ unique formal gestures are analyzed through a pared-down corpus of three essay films. In Letter From a Yellow Cherry Blossom (2002), Naomi Kawase is personally confronted with death. Her use of photographic stills provokes an interruption that reverses a seemingly fatal trajectory. Photography is a connecting figure that brings together the living and the dead. In Alain Cavalier’s This Answering Service Takes No Messages (1978), the filmmaker embodies a man in mourning. He uses a number of photographic stills from his personal archives, including newspaper clippings showing cadavers from the Second World War. This gesture of reuse brings out the historical dimension of the issues investigated in this dissertation. Photography becomes a figure of cutting off: the film deploys a number of figures through which rupture is insistent and participates in a process of mourning. In David Perlov’s Diary (1973-1982), a project bookended by two wars, these issues take on a political dimension. The Israeli filmmaker and photographer makes use of a number of photographic formats. Through reuse and repetition, the photographic allows for a transformation of the figure that breaks off from a traumatic past
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Lee, Kyoung-Yul. "L'imagerie photographique floue et la représentation mnémonique (autour des oeuvres photographiques chez Christian Boltanski, Gerhard Richter et Andy Warhol)." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010551.
Анотація:
Dans l'art contemporain, l'image photographique floue se comprend par la représentation visuelle des souvenirs vagues qui disparaissent dans l'espace du temps, c'est-à-dire la réminiscence où l'image-souvenir floue qui se présente alors comme indice mnémonique de l'amnésie collective. L'illusion mnémonique sur laquelle se basent les oeuvres photographiques comme le cas du jeu de texte-image chez Boltanski, éveille notre croyance aveugle attachée toujours à la connexion logique, scientifique et mathématique qui absorbe confusement tous les souvenirs vrais ou faux. L'interférence mnémonique est une des causes principales de l'amnésie collective au sein de la société d'information. Notre mémoire historique est intrinsèquement destinée à la disparition comme si les souvenirs d'enfance disparaissaient en laissant un sentiment de nostalgie chez chacun de nous. Les effets de flou servent aussi à representer une mémoire historique à la fois refoulée dans l'inconscience collective et falsifiée ou censurée par un pouvoir. Pourtant leurs messages artistiques ne sont ni commémoratifs ni impératifs, mais plutôt une réflexion mnémonique. Le manque de souvenirs au sens positif peut être un atout qui nous permet de reconstruire ou restaurer une nouvelle image de notre société dans l'assomption du passé à laquelle s'attache l'image photographique floue utilisée dans la représentation mnémonique chez les artistes.
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Wu, Shui-Jou. "Le flou : détournement de l'image d'archive chez Gerhard Richter, Christian Boltanski et Thomas Ruff." Thesis, Paris 1, 2016. https://ecm.univ-paris1.fr/nuxeo/site/esupversions/976f9ecc-8580-4715-a3dc-756130aa037b.
Анотація:
Le flou, bien qu’étant un effet artistique répandu, reste victime d'une mauvaise réputation, souvent considéré comme un défaut technique ou à l'opposé d'une réflexion rationnelle et rigoureuse. Contre une telle vision réductrice notre recherche essaye de montrer, à travers un choix des œuvres de Gerhard Richter, Christian Boltanski et Thomas Ruff, que le flou est assurément un acte artistique qui engage une réflexion distancée et critique. Nous élaborons une étude comparative des processus de création de chaque artiste, ainsi qu'une analyse des caractéristiques des images d'archives qu'ils s'approprient : photographies amateurs et images de presse. Il apparaît alors que le flou constitue pour ces artistes une méthode efficace d'appropriation et de détournement. Il met d'abord en avant la matière de l'image, aux dépens de la fonction de représentation, et permet ensuite de transgresser les frontières entre peinture et photographie. Le flou est également le signe d'une distance : entre les œuvres et les spectateurs, mais aussi entre les artistes et les images appropriées. Cependant, cette mise en retrait des artistes ne les empêche pas d'exprimer une réflexion critique sur les images qu'ils utilisent. Car c'est en intégrant au sein de leurs œuvres des images d'archives dont les sujets mêlent banalité quotidienne et événements historiques majeurs, que les artistes examinent les usages sociaux et les reproductions médiatiques des images. Mais il s'avère que le flou est surtout une stratégie pour franchir les frontières entre forme et matière, objectivité et subjectivité, ou encore culture de masse et beaux-arts. Il s'agit donc avant tout d'un concept dynamique au service de la transgressionThe blur, as a widespread artistic effect, is still victim of a bad reputation, since it is usually considered to be a technical fault or the opposite of a rational and rigorous thinking. Against this reductive vision, this research tries to show, throughout a selection of artworks from Gerhard Richter, Christian Boltanski and Thomas Ruff, that the blur is an artistic act which arouses a distanced and critical reflection. We elaborate a comparative study of each artist's creation process, and an analysis of archival image features appropriated by them : amateur photographs and press images. The blur seems to represent an efficient method of appropriation and détournement. It highlights the image material in spite of its representational function, and it allows to transgress the borders between painting and photography. The blur is also sign of distance : between artworks and spectators, as well as between artists and appropriated images. However, the detachment of artists doesn't prevent them from expressing a critical thinking over images they use. For it is in integrating archival images with topics varying from daily banality and major historic events in their artworks, that the artists examine the social uses and the media reproduction of images. But the blur proved mainly to be a strategy to cross the borders between shape and material, objectivity and subjectivity, or mass culture and fine art. It is above all, a dynamic concept used for transgression
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Troya, Gonzales Maria Fernanda. "Pour une mémoire et économie visuelles sur les peuples de l'Amazonie équatorienne : photographies sur les Kichwa et Shuar, 1900-1940." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0722.
Анотація:
Cette thèse est une étude interdisciplinaire sur cinq corpus d'images photographiques produites dans le cadre de missions ethnographiques et catholiques qui ont visité ou travaillé auprès des populations Kichwa de la province de Napo, et Shuar de la province de Morona Santiago, en amazonie équatorienne, entre 1900 et 1940. En partant d'un questionnement autour de la valeur que ces images peuvent avoir à l'heure actuelle, nous étudions les usages et fonctions qu'elles ont pu accomplir depuis le moment de leur production. Nous nous concentrons sur une économie visuelle de ces images dans le sens de révéler leurs valeurs d'usage et d'échange, les façons dont elles ont été « exploitées » ou les réseaux dans lesquels elles ont circulé. Nous menons une étude comparée entre les diverses situations de production et exploitation des images, notamment dans le cadre des publications scientifiques et religieuses. Dans un deuxième temps nous analysons les valeurs que les images peuvent avoir actuellement pour les descendants des peuples indigènes représentés. Pour ce faire nous questionnons la nature même de l'image et son rapport à la mémoire individuelle et collective, et, grâce à un travail de terrain auprès des communautés Kichwa et Shuar actuelles, nous analyons l'expérience mémorielle résultante du visionnage de ces images dans la situation particulière de cette enquête. En dernier lieu nous étudions les rapports existants entre l'image photographique des peuples indigènes des basses terres amazoniennes et la production d'imaginaires liées à l'altérité exotique de ces peuples, ainsi que sur les conséquences que ces imaginaires peuvent avoir eu dans la production de la connaissance scientifique sur eux durant la période étudiéeThis dissertation is an interdisciplinary study of five corpuses of archival photographs produced by ethnographic expeditions and catholic missions while working with or about Kichwa groups of Napo province, and Shuar groups of Morona Santiago province, in Ecuadorian Amazonia between 1990-1940. Starting from a discussion about the contemporary value of these archival images, we review the diverse uses and functions these images have fulfilled since their production. We focus on a visual economy of the images: the aim to reveal their use and exchange values, the ways by which they have been "exploited" or the networks in which they have circulated. We led then a comparartive study of the diverse production and exploitation situations these images have been related to, mainly by means of their inclusion in scientific or religious publications. Secondly, we analyze the value these archival images may have today for the descendants of the indigenous peoples appearing in the images. In order to do so we study the nature of the image and its connection with individual and collective memory. As a result of fieldwork that we conducted for this purpose amongst Kichwa and Shuar communities, we analyze the memory experience provoked by the viewing of the images in relation to this particular ethnographic situation. Finalyy, w estudy the connection between photographic images about indigenous peoples of the Amazon and the production of imaginaries linked to the exotic alterity of these groups. We also analyze the consequences these imaginaries linked to the exotic alterity of these groups. We also analyze the consequences these imaginaries may have had in the scientific knowledge produced about them during the period of time mentioned above
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Bardizbanian, Audrey. "Après la Shoah : écritures de la trace dans les œuvres de Jonathan Safran Foer, Daniel Mendelsohn, et Art Spiegelman." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040183.
Анотація:
Cette étude propose d’explorer les œuvres de Jonathan Safran Foer, Daniel Mendelsohn, et Art Spiegelman, à travers la notion de trace, principe fondateur de l’esthétique et de l’éthique des écritures de l’après-Shoah. L’expérience lacunaire de ces « générations d’après » implique la présence d’une « postmémoire », dont le caractère « différé » sollicite le travail de l’imagination et informe la démarche créatrice de ces artistes et écrivains de l’après, qui reconstruisent le passé de leurs familles. Ces récits de la hantise sont marqués par une « mémoire trouée », et découlent souvent d’une rupture de la filiation, donc d’une défaillance de la transmission. Engagés dans une quête de savoir, narrateurs et protagonistes interrogent l’événement à partir de traces matérielles, ainsi qu’au travers de retours, réels et imaginaires, sur les lieux de l’origine. Ces récits sont composés de matériaux hétérogènes qui créent des ruptures visuelles, et sont informés par divers dérèglements temporels : désordres, disruptions chronologiques, latence et répétition – tous symptomatiques de l’après-coup du trauma. Ces textes postmémoriels posent enfin la question de l’éthique de la représentation. Performativité de la langue, fictionnalisation de l’Histoire, et enjeux de la transmission sont au cœur de ces œuvres en devenir, et interrogent l’éthique de la responsabilité de leurs auteurs, entre passation et travail de deuilThis study explores the works of Jonathan Safran Foer, Daniel Mendelsohn, and Art Spiegelman through the notion of trace, the founding principle of the aesthetics and ethics of post-Holocaust writing. The incomplete knowledge of these “post-Holocaust generations” implies the presence of a “postmemory”, the “deferred” nature of which requires the imagination to be put to work and informs the creative approach of these post-Holocaust artists and writers, reconstructing their family’s past. These haunting narratives are marked by a “memory shot through with holes” and are often the result of a break in the bond of filiation, and therefore a hiatus of transmission. Having embarked on a quest for knowledge, narrators and protagonists examine the event through material traces, as well as real or imaginary returns to their places of origin. These narratives are made up of heterogeneous elements which create visual ruptures and are informed by various temporal disruptions: disorders, chronological breaks, latency and repetition – all symptomatic of the deferred action of trauma. Finally, these postmemorial texts raise the issue of the ethics of representation. The performativity of language, the fictionalization of History, and the issue of transmission are at the heart of these works in the making, and ethically question their authors’ responsibility, between transfer and the work of mourning
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Hughes, Sabrina Lynn. "Empty Streets in the Capital of Modernity: Formation of Lieux de Mémoire in Parisian Street Photography From Daguerre to Atget." Scholar Commons, 2010. https://scholarcommons.usf.edu/etd/1662.
Анотація:
This study proposes the existence of lieux de mémoire in the photographs of Eugene Atget (1857-1927). My framework is based on historian Pierre Nora's definition: a lieu de mémoire is an object or idea which has become a symbolic stand-in for a community's memorial heritage. I suggest that Atget's photographs of the streets of old Paris, in concert with an empty-street aesthetic function as lieux de mémoire for their primary audience, antiquarians and professional archivists who specialized in old Paris.
According to Nora's structure, identification of a lieu de mémoire requires first the establishment of a historical tradition. In the first chapter, I characterize a particular mode of photography, what I term a preservation aesthetic. I examine photographs by Louis J.M. Daguerre, Édouard Baldus, Henri Le Secq, and Charles Marville, all produced between 1839 and 1868. I propose interpretations of and reasons for photographs showing vacant Parisian streets, even after technological advancement allowed for representation by other means.
My second chapter is concerned with a disruption of the established tradition, Nora's second requirement for lieu de mémoire. The focus of this chapter is twofold: since I propose that it is the preservation aesthetic partnered with the subject matter of old Paris that forms a lieu de mémoire, considering alterations in both perception of the old city and in photographic practice are necessary. First, I discuss the nostalgic views of old Paris that manifested while Baron Haussmann was remaking Paris between 1853 and 1870. The latter half of the chapter is devoted to the events of 1870-71, the Prussian siege of Paris and the Paris Commune. I argue that barricade photographs from the Commune represent a significant change in photographic practice defined by working-class individuals who made up the Commune.
Finally, I examine Atget's practice and work in context of both a medieval historicist revival in the early Third Republic of France and of a popular belief that architecture could be a literal and metaphoric container for nationalist memories. I conclude with a reconsideration of Atget's preservationist and modernist audiences to support my thesis that his photographs are lieux de mémoire.
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Ilic, Nevena. "Former factory fotokemika as a museum of photography." Master's thesis, Universidade de Évora, 2016. http://hdl.handle.net/10174/21121.
Анотація:
Au cours du procédé de transmission du médium photographique, du support argentique
au support numérique, un phénomène voit le jour à la fin du 20ème siècle: la plupart des
fabricants de supports argentiques au fur et à mesure ferment leurs portes. En
conséquence, la production de matériel photographique s‘arrête et cette tradition
séculaire de la photographie argentique doit faire face à l‘abandon et à la disparition
progressive.
Dans l'étude de cas du fabricant Fotokemika (1947-2012), une ancienne fabrique de
matériel photographique en Yougoslavie et plus tard de la République croate, mon
objectif est de démontrer ce que ce processus de transmission signifie au niveau local
ainsi qu‘à l‘échelle mondiale.
Ce document, à travers l'étude du cas de Fotokemika, en tant qu‘exemple d'unité
industrielle fermée qui fabrique du matériel pour la photographie argentique, tente de
contribuer à une meilleure compréhension de la situation du processus et de la technique
de la photographie argentique au 21ème siècle.
L‘étude explore l'histoire de la fabrique, ses réalisations dans les domaines de la
science, de la technologie, la technique, la publicité, le design et son influence sur le
développement de la photographie argentique sur le territoire de la Croatie en créant des
critères pour la valorisation du patrimoine de la photographie argentique.
L'objectif de la recherche est d'examiner comment les musées, en tant qu‘institutions
responsables pour la protection et la sauvegarde du patrimoine, surtout après leur
nouvelle définition, pourraient encourager la conservation du patrimoine industriel dans
un processus de réaménagement d‘un ancien bâtiment industriel en musée; ABSTRACT:
In the transmission process of a photography medium, from analog to digital, a
phenomenon that occurs at the end of the 20th century, most of the analog photo
factories are being shut down. As a result, production of photo equipment dies and
centuries-old tradition of analogue photography is disappearing into history.
In the case study of Fotokemika factory (1947-2012), once a famous and respectable
photo equipment factory during Yugoslavia, later the Croatian Republic, I am showing
what this transmission process means on a local and global level.
This paper, trough case study of Fotokemika factory, as an example of shut down
industrial unite that produced equipment for processing analog photography, is trying to
contribute to a better understanding of position of analog photography process and
technique in 21st century. The study examines the history of the factory, the
achievements in the fields of science, technology, technique, advertisement, design and
its influence on developing of analog photography in the territory of Croatia creating
criteria for valorization of analog photography heritage.
The research aim is to examine how museums like an institution for protection and
safeguarding of heritage, especially after the new definition, can give a solution in
maintaining industrial heritage in a process of reusing former industrial buildings into
museum; RESUMO: Ao longo do processo de transmissão do suporte fotográfico, do suporte analógico ao
suporte digital, fenómeno esse que vê a luz no fim do século XX, a maior parte das
fábricas de suportes analógicos vêm os seus dias contados. Como consequência disso, a
produção de equipamento fotográfico analógico desaparece e a tradição secular de
fotografia analógica está a acabar.
No caso de estudo da fábrica Fotokemika (1947-2012), já famosa e reputada fábrica de
produtos fotográficos durante a Yugoslávia, e depois durante a República Croata, o meu
objetivo é o de demostrar o que esse processo de transmissão significa ao nível local e
global.
Este documento, pelo estudo da fábrica de Fotokemika, como exemplo de unidade
industrial fechada que produzia equipamento para processar fotografia analógica, tenta
contribuir para um melhor entendimento da posição do processo e da técnica de
fotografia analógica no século 21. Este trabalho examina a história da fábrica, os seus
resultados nos campos da ciência, tecnologia, técnica, publicidade, design e suas
influências ao desenvolver fotografia analógica no território da Croácia criando critérios
para a valorização da herança da fotografia analógica.
O objetivo desta pesquiza é o de examinar como é que museus, sendo instituições para a
proteção e salvaguarda da herança, sobretudo com a nova definição de museu, podem
dar soluções para manter a herança do património industrial num processo de
reutilização do edifício antigo num museu.
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Chen, Yen-Ling. "Critique du regard colonial dans les arts plastiques de Taïwan de 1945 à 2012." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA027/document.
Анотація:
Cette thèse analyse les rapports entre l’idée de décolonisation et les arts plastiques à Taïwan dans la seconde moitié du XXe siècle. Le contexte historique de Taïwan est marqué par un certain nombre d’expériences de colonisation, telles que la colonisation japonaise, mais aussi la quasi-colonisation que représentent les pratiques coercitives et l’autoritarisme du parti nationaliste venu de Chine continentale, ainsi que l’impérialisme culturel américain. Un retour historique sur la situation coloniale de Taïwan reflète le caractère emboîté de sa culture. Le corpus retenu comprend sept œuvres porteuses d’un regard spécifique : le tableau Pastoral de Lee Shih-chiao en 1946 ; le portrait de Chiang Kaï-shek peint à l’huile par Li Mei-shu en 1975 ; une série de photos retravaillées Voyage dans le temps de Chen Shun-chu de 2001 à 2003 ; le portrait fusionné Unir la Chine à travers les Trois Principes du peuple de Mei Dean-e en 1991 ; Représenta.tiff de Chou Yu-cheng exposée trois fois sous des formes changeantes entre 2008 et 2012 ; l’Exposition d’Automne 1966 de Huang Hua-cheng en 1966 ; le film Frontières d’Empire de 2008 à 2009 de Chen Chieh-jen. Nous faisons l’hypothèse qu’elles sont représentatives chacune d’une époque et d’un rapport particulier à la problématique de la colonisation. Certaines expriment un point de vue colonisé : celles qui importent, par exemple les codes esthétiques japonais ou européens. Des institutions – les Expositions officielles d’art – en véhiculent les principes. D’autres œuvres réalisées par les artistes de génération suivante portent un regard critique sur ces références culturelles héritées du moment colonial. Ces artistes remettent aussi en question les valeurs dominantes.Ceci permet de poser la question : quels acteurs mettent en œuvre un processus de décolonisation des arts de 1945 à 2012 ? Cette action est-elle terminée ? En nous inscrivant dans une démarche d’histoire culturelle et en empruntant à la sociologie des arts, nous avons analysé les modes d’élaboration des œuvres et leur réception critique, ainsi que le rôle des institutions de médiation, en particulier les musées. L’analyse permet d’identifier un basculement entre des œuvres inscrites dans un contexte colonial et des œuvres qui soit les critiquent, soit s’en affranchissent, ce qui représente deux modalités du point de vue critique sur le processus colonial à l’œuvre dans les arts plastiquesThis thesis analyses the relationship between the idea of decolonization and the plastic arts in Taiwan in the second half of the twentieth century. The historical context of Taiwan has been marked by a number of colonization experiences, such as the Japanese colonization, but also the quasi-colonization represented by the coercive practices and the authoritarianism of the nationalist party of China, as well as the American cultural imperialism. A historical overview of the colonial situation in Taiwan reflects the nested character of its culture. The selected corpus includes seven works bearing a specific view: the painting Pastoral of Lee Shih-chiao in 1946; the portrait of Chiang Kai-shek painted in oil by Li Mei-shu in 1975; a series of reworked photos Journeys in Time of Chen Shun-chu from 2001 to 2003; the merged portrait The Three Principles of the People Reunite China of Mei Dean-e in 1991; Representa.tiff of Chou Yu-cheng exposed three times under different formats between 2008 and 2012; École de Great Taipei Autumn Exhibition by Huang Hua-cheng in 1966 ; the video work Empire’s Borders from 2008 to 2009 by Chen Chieh-jen. We make the hypothesis that these works are each representative of an era and has a particular relationship with the colonization issue. Some express a colonized point of view: some of them import, for example the Japanese or European aesthetic codes. Institutions – official art exhibitions – convey the principles. Other works by the following generation of artists take a critical look at these cultural references inherited from the colonial moment. These artists question also the dominant values. This raises the question: which actors implemented a process of decolonization of the arts from 1945 to 2012? Is this action completed? By entering into an approach of cultural history and borrowing the one from the sociology of arts, we have analysed the methods of the works’ elaboration and their critical reception; the role of institutions of mediation, especially museums. The analysis enables to identify a switchover between works placed in a colonial context and works that either criticize them or free themselves from. This represents two modalities of the critical point of view on the colonial process at work in the plastic art
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Séméria, Marie-Noëlle. "Etude de circuits submicroniques implantés pour mémoire à bulles magnétiques." Grenoble 1, 1987. http://www.theses.fr/1987GRE10137.
Анотація:
La technologie necessaire a la realisation de memoires a bulles magnetiques implantees de haute densite (au moins 16 mb/cm**(2)) est etudiee sous differents aspects: le report de motifs submicroniques (0. 3-0. 8 mu m) necessite d'optimiser les moyens classiques de lithographie optique par contact ou projection. A cette fin, une modelisation est utilisee et des experiences comparatives realisees; la realisation des circuits comporte des implantations ioniques: differents materiaux de masque sont proposes (or, silice, polymere). Dans chacun des cas, des realisations concretes de masques graves sont effectuees et analysees; enfin des implantations hydrogene sont realisees. Le fonctionnement des dispositifs est correle aux parametres de l'implantation et au dessin des motifs. Des conclusions pratiques sont tirees sur l'implantation et la technologie compatibles avec un bon fonctionnement des dispositifs
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Ramírez, Martínez Claudia. "La Mémoire en images : réflexions sur la photo de famille à Tamazunchale et Santa Maria del Rio, (Etat de San Luis Potosi), Mexique, 1930 à 2002." Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA1019.
Анотація:
L’image photographique est proposée, dans notre travail, comme une représentation des relations qui croisent mémoire individuelle et mémoire collective. Cette idée a entraîné trois séries de questions : a) Quelles sont les raisons de garder des images au sein de la même famille? Si les relations sont liées à une échelle de valeurs spécifique, comment concernent-elles l’image ? b) Si la photographie de famille, voire les archives photographiques individuelles, deviennent en définitive partie de la mémoire collective, pourquoi existe-t-il un dédain envers les archives locales ? Quand un ensemble d’images prend-il une signification pour le groupe ? Comment le sens d’appartenance est-il marqué à travers les années ? Quel rôle les photographes jouent-ils au sein des peuples ? c) De quelle manière l’individu peut-il justifier la création de sa propre image au moyen d’un objet photographique ? Comment l’individu s’interroge-t-il sur les changements de sa propre image ? La mémoire individuelle est étroitement associée à un récit de vie, elle reste liée aux images de l’album de famille. Le contexte est celui de deux localités mexicaines, Santa Maria del Rio et Tamazunchale. La comparaison de ces deux populations, celle de Tamazunchale et celle de Santa Maria del Rio, a permis d’aborder parallèlement la manipulation de l’image dans le milieu rural et dans l’environnement urbain et de mettre en évidence les différences entre la localité urbaine avec ses activités commerçantes et la localité rurale avec ses activités artisanales. La période relativement longue, allant de 1930 à 2002, est traitée de manière synchronique avec une bonne insertion du matériel photographiqueThe photographic image is proposed, in this case, as a representation of relationships that cross individual memory and collective memory. This idea resulted in three issues: a) what were the reasons to keep the images within the same family? If relations were related to a specific scale of values, how they would target the image? b) If family pictures see the individual photo archives, at the end become part of collective memory, why is there a disdain for the local archives? When a set of images takes a meaning for the group? How the sense of belonging is marked over the years? What role do they play the photographers among peoples? c) How the individual can justify the creation of his own image through a photographic object? How the individual ask himself about the changes of his own image? Individual memory is closely associated with a life history; she remains tied to images of the family album. The context is that of two Mexican towns, Santa Maria del Rio and Tamazunchale. The study period extends from 1930 until 2002. The comparison of these two populations, Tamazunchale and Santa Maria del Rio, has addressed the parallel manipulation of the image in the rural and the urban environment; it also brings out the differences between the urban community with its trading activities and the rural community with its crafts. The relatively long period, from 1930 to 2002, is treated in a synchronic way, with a good insertion of photographic equipment
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Potel, Marc. "Orients de nos mémoires : le fantasme de l'exotisme et le spectre du fanatisme, figures émergentes des représentations médiatiques et photographiques contemporaines de l'Orient musulman dans la presse écrite française." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20051.
Анотація:
Le traitement journalistique de la révolution iranienne initiée par Khomeiny en 1979 et l' " affaire des foulards de Creil " en 1989 est symptomatique des stéréotypes véhiculés sur l'Orient dans les médias et en particulier la presse écrite française. Les photographies et les articles publiés pendant cette période (1979-1995) et se rapportant à ces deux événements enferment les représentations de l'Orient, selon une continuité historique, dans deux figures emblématiques : le fantasme de l'exotisme et le spectre du fanatisme. Ce processus de construction et de représentation résulte à la fois d'un inconscient collectif et d'une culture professionnelle des journalistes fondée sur le mythe de l'événement comme réalité objective. Les représentations contemporaines occidentales de l'Orient s'enracinent dans un champ de références qui, des Croisades, autre mythe fondateur des clivages Orient-Occident à l'instrumentalisation de l'Islam, continuent de façonner ces images de l'Orient. Depuis ce mythe des Croisades omniprésent dans les médias, écrivains voyageurs, peintres, photographes, anthropologues, ont produit, accumulé, transmis, nombre de références dont les journalistes s'inspirent aujourd'hui encore pour traiter l'information se rapportant à la révolution iranienne et aux affaires du foulard. Avec la production de cette imagerie orientale, l'imaginaire occidental nous révèle un Orient fondamentalement binaire. Il réussit à dissocier pour mieux les opposer sa dimension fantasmatique exacerbée dans le mythe des Mille et Une Nuits et la menace du fanatisme islamiste. L'image de la femme orientale est à cet égard éloquente : le degré de dévoilement ou d'envoilement fait basculer les représentations tantôt dans l'expression du fantasme avec ses visions érotiques de l'Orient réservées aux publicités des industries de luxe, ou bien dans celui du fanatisme avec la publication de photographies de femmes voilées, témoignages de l'inexorable avancée d'un Islam intolérant et conquérant dont nous repérons la diffusion dans les espaces des journaux dédiés aux informationsJournalists treatment of the Iranian revolution brought about by Khomeiny in 1979 and the " Creil Islamic shawl affair " in 1989 are symptomatic of stereotypes concerning the Orient in the media and in particular in the French press. Photographs and articles published during this period (1979-1995) with reference to these two events and in accordance with historical events, confine the portrayal of the Orient to two emblematic illustrations : fantasy of exoticism and the spectre of fanaticism. A collective unconscious and a professional culture of journalists based on the myth of the event as an objective reality result in this process of construction and representation. Contemporary portrayals of the Orient which take root in various origins, from the Crusades, another myth founded in the division EAST-West, to the instrumentation of Islam, continue to shape the images of the Orient. Since the Crusade myth which is omni-present in the media, writers, travellers, painters, photographers, anthropologists have produced, accumulated and transmitted a number of references which have inspired journalists even today to deal with information concerning the Iranian revolution and the Islamic shawl affair. With the production of this oriental imagery, the Western make-believe reveals a fundamentally binary Orient. It manages to disassociate its exaggerated dimension in One Thousand and One Nights and the menace of the fanatical Islamist in order to pit them against each other. In this regard, the image of the oriental woman is meaningful : the degree of unveiling or veiling overbalances the portrayal sometimes in the expression of fantasy with its erotic visions of the Orient limited to the luxury industry's advertisements or sometimes in the fantasy of the publication of photographs of veiled women, evidence of the inevitable advance of an intolerant and conquering Islam which we discover in the daily newspapers
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Boutemedjet, Anissa. "Imagerie et quartier, entre pratiques des populations et action publique : le cas de la ville d'Annaba en Algérie." Thesis, Tours, 2014. http://www.theses.fr/2014TOUR1501.
Анотація:
L’efficience des représentations à l’oeuvre dans les dynamiques sociospatiales et leur cristallisation à travers une forte imagerie constituent à notre sens un objet de recherche fécond pour comprendre le fait urbain. Notre réflexion porte sur l’imagerie de deux quartiers à Annaba, Kouba et Les Allemands, respectivement représentatifs des ensembles collectifs réalisés dans le cadre du Plan de Constantine en 1958 et des ZHUN dans les années 1980. Les constructions identitaires qui y sont attachées sont largement liées à l’histoire urbaine et aux conditions de leur peuplement, le premier abrite majoritairement des cadres, des techniciens, le second reflète une sorte de proximité spatiale entre le même type de population et des sinistrés provenant des bidonvilles et de la médina. Ainsi, nous considérons que saisir l’imagerie contrastée caractérisant ces espaces, permettrait d’accéder aux logiques à la base, tant des actions urbaines initiées par les pouvoirs publics, que des modes d’appropriation des populations de ces quartiers, à travers leur itinéraire résidentiel, leurs mobilités, leurs usages, leurs interactions sociales et leurs relations à la villeThe efficiency of the representations to work in the dynamic socio-space ones and their crystallization through a strong imagery constitute with our direction a fertile object of research to understand the urban fact. Our reflection relates to the imagery of two districts to Annaba, Kouba and the Allemands, respectively representative of the collective units carried out within the framework of the Plan of Constantine in 1958 and the ZHUN in the years 1980. Identity constructions which are attached there are largely related to the urban history and in the conditions of their settlement, the first shelters mainly executives, technicians, the second reflects a kind of space proximity between the same type of population and the disaster victim coming from the slums and medina. Thus, we consider that to seize the contrasted imagery characterizing these spaces, would give access logics the base, as well of the urban actions initiated by the authorities, as modes of appropriation of the populations of these districts through their residential route, their mobilities, their uses, their social interactions and their relations at the city
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Bolle-Anotta, Françoise. "Le portrait du défunt dans les cimetières lorrains de 1804 à nos jours." Thesis, Université de Lorraine, 2017. http://www.theses.fr/2017LORR0317.
Анотація:
Dès la loi impériale du 23 Prairial an XII (12 juin1804) qui impose l’obligation d’inhumation pour tous au cimetière, la sculpture se met au service du portrait du défunt, dans cet espace si particulier qui tient à la fois du cadre privé et du cadre public. Héritier d’une tradition jusqu’alors réservée aux nobles et au roi, le portrait funéraire s’affiche dans une iconographie qui oscille entre symbolique et réalisme des traits physiques; le militaire est honoré comme héros tandis que le curé est vénéré par les paroissiens. S’inscrivant dans la mode de la statuomanie galopante des années 1880, les cimetières lorrains rejoignent la volonté publique d’honorer ses Grands Hommes, à une époque où la « Petite Patrie », la Lorraine, rencontre la « Grande Patrie », la France, où des artistes connus et parfois moins connus mettent leur savoir-faire et leur notoriété au service de portraits de notables. Le portrait funéraire connaît alors son âge d’or. Alors que le cimetière moderne se construit peu à peu grâce à son organisation parcellaire, les familles éprouvent très rapidement le besoin impérieux de matérialiser, sur ces concessions familiales, le souvenir des traits de leur défunt et le portrait sculpté leur en offre la possibilité et le voilà qui quitte l’intimité des salons pour être installé soit sur la stèle de la tombe familiale. C’est ainsi que l’époux éploré se souvient du visage de sa chère épouse, que des parents effondrés peuvent se consoler d’avoir perdu un petit ange en lui substituant un autre visage, plutôt idéalisé, ou mieux la figure d’un autre ange, plus solide car en marbre et plus protecteur. Peu à peu, le cimetière se pare d’un peuple de statues que viennent compléter quelques motifs professionnels, rares toutefois. La personnalisation de la tombe reste toutefois très discrète, la douleur contenue. La sculpture funéraire, et le portrait en particulier, se mettent au service de l’expression de sentiments filiaux ou conjugaux, réservés jusqu’alors à l’intimité, mais traduisent un élitisme que la législation du 23 prairial an XII ne souhaitait pas. Pendant la période 1880-1930, les commanditaires des portraits funéraires bénéficient d’une offre élargie de produits notamment grâce à l’essor de la photographie et au procédé de vitrification. Sans concurrencer le portrait sculpté porté principalement par le médaillon de bronze et la ronde-bosse, le vitrail photographique permet de promouvoir le souvenir du défunt dans un écrin luxueux, où, pour la première fois, la présence de la couleur fait animer ces visages et les rend presque vivants. Mais, c’est un luxe que peu de familles peuvent s’offrir. Alors, le médaillon photographique sur plaque émaillée, plus modeste, permet à une clientèle moins fortunée d’accéder au portrait funéraire au cimetière. Après 1930, alors que chapelle et vitrail disparaissent des allées du cimetière, le médaillon peut définitivement prendre place sur les sépultures. Très vite, c’est un succès assuré qui ne se dément pas, aujourd’hui encore. La période de 1940 à nos jours est de loin la plus riche en portraits funéraires et ce grâce à des techniques bien maîtrisées, celle de la photographie sur médaillon de porcelaine et celle de la gravure mécanique ou artistique, grâce également à de nouveaux supports que sont les plaques funéraires, les urnes, les vases. Et il n’est pas rare qu’une famille ait recours à des techniques différentes pour chacun de ses défunts. La façon de présenter le défunt a également évolué ; le modèle de studio photographique cède la place à un modèle présenté « au naturel », c’est-à-dire issu de l’album photographique familial et de nouveaux symboles montrent le défunt sous des aspects plus personnels. Désormais, le portrait funéraire du défunt au cimetière n’est plus seulement un visage mais c’est aussi un sportif, un chasseur, un motard, un professionnel, un amoureux des bêtes, un amateur de pétanqueFrom the imperial law of 23 Prairial year XII (June 12, 1804) which imposes the burial obligation for all in the cemetery, the sculpture puts itself at the service of the portrait of the deceased, in this very special space which is at the same time of the private frame and the public setting. Heir to a tradition hitherto booked with noble and to the king, the funerary portrait is displayed in an iconography which oscillates between symbolic system and realism of the physical features; the soldier is honored as hero while the priest is venerated by the parishioners. Falling under the fashion of the “statuomanie galopante” years 1880, the Lorraine cemeteries join the public will to honour its Great men, at one time when the “Small Fatherland”, Lorraine, meets the “Great Fatherland”, France, where known artists and sometimes less known put their know-how and their notoriety at the service of portraits the notable ones. The funerary portrait knows its golden age then. Whereas the modern cemetery is built little by little thanks to its compartmental organization, the families test the imperative need very quickly to materialize, on these family concessions, the memory of the features of their late and the carved portrait give of it them the opportunity and here it is which leaves the intimacy of the living rooms to be installed either on the family stele of the tomb. Thus the tearful husband remembers the face his dear wife, that ploughed up parents can comfort themselves to have lost a little angel in him substituent another face, rather idealized, or best the figure of another angel, more solid because out of marble and more protective. Little by little, the cemetery is avoided of people of statues which some professional reasons come to supplement, rare however. The personalization of the tomb remains however very discrete, the pain contained. The funerary sculpture, and the portrait in particular, are put at the service of the expression of subsidiary or marital feelings, hitherto booked with the intimacy, but translate an elitism which the legislation 23 Prairial An XII did not wish. For the period 1880-1930, the silent partners of the funerary portraits profit from a widened offer of products in particular thanks to rise of the photography and with the process of vitrification. Without competing with the carved portrait carried mainly by the bronze medallion and the sculpture in the round, the photographic stained glass makes it possible to promote the memory of late in a luxurious house, where, for the first time, the presence of the color makes animate these faces and makes them almost alive. But, it is a luxury which few families can offer. Then, the photographic medallion on enamelled plate, more modest, makes it possible to less fortunate customers to reach the funerary portrait with the cemetery. After 1930, whereas vault and stained glass disappear from the alleys of the cemetery, the medallion can definitively take seat on the burials. Very quickly, these is a assured success which is not contradicted, still today. The period of 1940 to our days is by far richest in funerary portraits and this thanks to techniques controlled well, that of photography on porcelain medallion and that of mechanical or artistic engraving, grace also to new supports which are the funerary plates, the ballot boxes, vases. And it is not rare that a family resorts to different techniques for each one of her late. The way of presenting the late one also evolved; the photographic model of studio gives way to a model presented “to the naturalness”, i.e. resulting from the family photographic album and new symbols show the late one under more personal aspects. From now on, the funerary portrait of late with the cemetery is not only any more one face but it is also a sportsman, a hunter, a motorcyclist, a professional, in love with the animals, an amateur of game of bowls
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Zind, Alain. "Irak, 2003 : une expérience de guerre filmée : les soldats comme acteurs et témoins." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080051.
Анотація:
Cette thèse propose une analyse des vidéos produites et diffusées sur Internet par les acteurs de la guerre en Irak de 2003. Elle articule des problématiques historiennes et esthétiques, autour de l’intentionnalité, de la temporalité et des usages de ces documents. Le support de diffusion, Internet, nécessite que l’on interroge également la migration, la viralité et la pérennité de ces objets audiovisuels numériques. L’enjeu est de proposer une écriture de l’expérience de la guerre en Irak telle que vécue, enregistrée et transmise par ses acteurs principaux (en particulier les soldats américains) et de comprendre comment cette mise en intrigue a été perçue et comprise par les observateurs extérieurs. Il s’agit, en outre, de marquer l’arrêt, par l’écriture de cette thèse, d’un processus d’inscription perpétuellement ouvert et malléable, puisque les diffuseurs ont tout loisir d’altérer le document original et de transformer, voire supprimer, les informations qui l’accompagnent. S’il a donc fallu, dans un premier temps, établir l’historicité et la valeur archivistique du document, le corpus a également été soumis à l’analyse des outils cinématographiques, dans la mesure où ces soldats improvisés réalisateurs ont dû s’approprier des codes esthétiques dont ils n’étaient pas nécessairement familiers. Nous avons observé leur choix de composition, les mouvements d’appareil, le découpage, le degré d’élaboration et de maîtrise des techniques d’écriture audiovisuelle, et leurs inspirations esthétiques ou culturelles. Ces enregistrements, diffusés en ligne, ont fini par inspirer le cinéma lui-même, et certains réalisateurs se les sont appropriés – Brian de Palma ou Ang Lee, pour ne citer qu’euxThis PhD analyses videos directed, produced and uploaded on Internet by the main actors of 2003 Iraq War. It mixes historical and aesthetical problematic, and questions thematic as: intentionality, writing configuration, temporality and reception of these visual documents. Since it’s distributed on the Internet, we also need to observe migration, virality and sustainability phenomenon. We proposed the storytelling of soldiers’ war experience through their own film productions. We also observed how external viewers understood these footages. This PhD also carried the project of setting and securing a writing process that is always moving due to the freedom that the Internet gives. Accordingly, It was important to give back to this transformable data its historical substance. But we also needed to analyze it though cinematographic tools, since the authors of the films also used the cinematographic language. We observed their composition and directing choices, the storytelling they proposed, the editing choices, and also the cultural and artistic inspirations that may have influenced their work. Eventually, these footages, released online, finally reached movie industry, and great directors worked on this material – for example Brian de Palma or Ang Lee
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Hamel, Anne-Marie. "La photographie documentaire comme aide-mémoire de l'identité féminine américaine (1920-1960)." Mémoire, 2010. http://www.archipel.uqam.ca/3416/1/M11504.pdf.
Анотація:
Ce mémoire porte sur la photographie documentaire comme aide-mémoire de l'identité féminine américaine dans les décennies 1920-1960. L'objectif est de démontrer la manière dont le photographe «crée» une image inédite du sujet représenté, malgré et en deçà de la fonction première et avouée du dispositif. L'hypothèse est donc la suivante: la capture photographique modélise ce qu'elle vise à documenter. Le corpus est composé de neuf photographies, toutes représentant des groupes de femmes dans trois types de circonstances: le travail, l'événement politique, le loisir, chaque bloc regroupant trois documents. L'étude est partagée en deux grandes parties: la première présente les assises méthodologiques et théoriques majeures, la seconde réunit les analyses de cas. La première partie est aussi divisée en deux chapitres: Les fondements sémiologiques; Les fondements sociopsychologiques. La seconde partie est partagée en trois chapitres: Représentation de la femme au travail; Représentation de la femme lors d'événements politiques; Représentation de la femme dans ses loisirs. À chaque bloc, trois photographies font l'objet de l'analyse, chacune provenant d'une décennie différente. Ainsi, à l'intérieur de chaque chapitre, la présentation des analyses par ordre chronologique vise à faciliter la mise en valeur des retournements socioculturels ponctuels. Pour des raisons de cohérence relatives à l'identité féminine aux États-Unis au cours des cinq décennies couvertes par le mémoire, une attention particulière est accordée aux codes vestimentaires des femmes représentées, ainsi qu'à leur posture et à leur attitude. Le choix de photographies documentaires plutôt que de photographies de mode n'est pas fortuit, et il a pour but d'élargir la réflexion sur le fond social qui a prévalu au moment de la prise photographique. Une étude approfondie du contexte socioculturel de chaque représentation permet d'autant mieux de faire valoir la façon dont la photographie présente une image singulière de l'événement représenté.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Photographie documentaire, États-Unis 1920-1960, Iconographie, Vêtement, Identité féminine.
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Bissonnette, Karine. "La mémoire matérielle : évocation des souvenirs et photographie dans Les années, d’Annie Ernaux." Thèse, 2012. http://hdl.handle.net/1866/9081.
Анотація:
L’imbrication de l’écriture et de la photographie sera examinée dans Les années, d’Annie Ernaux, de façon à montrer la tension au cœur du double désir de l’auteure de documenter des moments révolus et de les transmettre à autrui. Seront étudiées, d’un point de vue poétique et esthétique, la mise en œuvre des documents et les modalités d’inscription des souvenirs, lesquels sont généralement présentés sous forme d’images mémorielles. Nous verrons que ces images sont liées à un effet photographique, destiné au lecteur dans le but de partager une mémoire matérielle, intime et collective, s’étalant sur des années.
Cet angle d’approche devrait permettre de relire Les années suivant une perspective critique nouvelle, et de contribuer aux recherches portant sur la narration, la trace et la mémoire dans la littérature contemporain.The interweaving of writing and photography will be examined in Annie Ernaux’s Les années, showing the central tension of the author’s double desire to document past events and pass them on to others. The implement of documents and the engraving modes of memories are generally presented as mental images that will be studied here from a poetic and aesthetic point of view. We will see that those images are linked to a photographic effect, in order to share with the reader an intimate and collective material memory that spreads over many years. This approach would allow a rereading of Les années from a new critical perspective and a contribution to research about narrative, trace and memory in contemporary writing.
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Labonté, Stéphanie. "Usages de la photographie chez Patrick Modiano." Thèse, 2007. http://hdl.handle.net/1866/7292.
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Comtois, Michèle. "Camp et Forêt suivi de Quatre objets de mémoire." Thèse, 2012. http://hdl.handle.net/1866/9200.
Анотація:
Camp met en présence un officier nazi et ses Juifs : une petite fille s’appuyant sur sa vie d’avant afin de survivre dans sa vie d’après, une jeune femme d’une cinglante liberté intérieure et un groupe de prisonniers, la masse grise. Ce récit se déroule en quelques jours dans un camp d’extermination, en Pologne. Il y est question d’un projet insensé, imaginé et mis en œuvre par le Nazi dont le discours s’apparente à de confuses et dérisoires logorrhées. La recherche d’une humanité déniée, à la base du dévoilement de l’individualité des personnages (prisonniers), émane de la grâce, de l’authenticité et de la force vitale de la protagoniste, la petite fille, tendue vers son plan-de-quand-même-vie.
Forêt, écrit en parallèle, puis à la fin de Camp, n’est pas sa suite, mais l’est aussi… Court récit poétique, il raconte la traversée d’une forêt par une femme à la recherche de ses édens. Le lieu, interpellé et très souvent conspué pour ce qu’il est devenu, devient un actant. Forêt, se servant de ses restes mythiques, contraint le pas-à-pas de la femme, perdue d’avance.
L’essai, Quatre objets de mémoire, porte sur l’appropriation et la transmission de la mémoire de la Shoah, à partir de restes, de détails, de petits riens, perçus ici comme d’imaginables traces. J’interroge les signes singuliers d’improbables objets (feuillets administratifs du Troisième Reich, clichés fragmentaires d’Auschwitz-Birkenau et photographies de ses bois et de ses latrines) afin d’y débusquer de petits morceaux du caché, du secret et de l’innommable de la Solution finale. L’affect ressenti en présence de ces objets, par ce que je nomme, le nécessaire abandon, y est analysé dans le dessein d’en saisir leurs douleurs et de les rendre miennes. L’œuvre de l’artiste de la photo, Marie-Jeanne Musiol, sur Auschwitz-Birkenau, est à la base de ce désir de mémoire pérenne.Camp presents a Nazi officer and his Jews : a little girl leaning on her previous life so that she’ll survive in her afterwards life, a young woman livened up by a pungent inner freedom and a group of prisoners, the grey herd. This story takes place within few days inside an extermination camp, in Poland. It is about an insane plan, envisioned and implemented by the Nazi whose discourse is similar to muddled and vacuous logorrheas. At the very roots of the unveiling of the character’s individuality (the prisoners), the quest for a denied humanity emanates from the grace and the vital force of the protagonist, the little girl, towards her plan-of-anyhow-life. First written in parallel then in the end, Forêt is not the continuation of Camp even if it is, as well… This brief poetical narrative relates a woman’s crossing of a forest while searching for her Edens. Hailed and quite often jeered for what it became, the site turns into an actant. Through its mythical remnants, Forest ergo compels the woman’s doomed step-by-step. The essay Quatre objets de mémoire focuses on the appropriation and transmission of the memory of the Holocaust through remnants, details, small things regarded here as imaginable traces. I examine quaint signs of unlikely objects (Third Reich’s administrative leaflets, Auschwitz-Birkenau’s fragmented pictures and images of its woods and latrines) in order to disclose small pieces of what is the hidden, the secretive and the unspeakable about the Final Solution. The affect experienced upon their contact, through what I call the “necessary abandonment”, is thusly analyzed with the purpose to comprehend the corresponding pains and to seize them for myself. Photo Artist Marie-Jeanne Musiol’s work on Auschwitz-Birkenau underlies this perennial desire to remember.
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Beauchamp, Alexandre. "La chambre à débarras ; suivi de, L'écriture et ses allées à." Mémoire, 2013. http://www.archipel.uqam.ca/5188/1/M12754.pdf.
Анотація:
La chambre à débarras est un roman qui, s'articulant autour de la mémoire et de l'oubli, met en scène une relation entre un fils et son père et l'asynchronisme de leurs regards. Il y est notamment question de la nature des liens qu'entretient l'individu avec son passé et de l'authenticité du rapport aux souvenirs, représentés sous la forme de photographies de famille. En revisitant ses albums, le personnage principal est confronté à l'altération de sa mémoire par l'oubli. Il entreprend alors de développer un rituel illusoire visant à une reconstruction identitaire qui le mène non seulement à revisiter les différents événements de sa vie, mais à revivre chacun d'eux. L'écriture s'impose à lui comme un moyen de fixer temporairement cette expérience du souvenir tout en lui faisant prendre conscience du déséquilibre existant entre le passé et le présent, entre la présence et l'absence, déséquilibre à partir duquel sa mémoire s'est constituée. L'appareil réflexif L'écriture et ses allées à s'intéresse au processus créateur dans le cadre d'une pratique personnelle où écriture et photographie sont indissociables. En effet, toutes deux ont comme assise la notion de solitude qui, conditionnelle à la formation du sujet, ouvre à une expérience sensible. Celle-ci est caractérisée par une mise en mouvement et par le fait d'apprentissages. Selon l'expression empruntée à la chanteuse Jorane, il s'agit d'un parcours « vers à soi ». Dès lors que quelque chose a été touché, que le sujet s'est laissé émouvoir, bouleverser une empreinte de ce lien, de cette relation existe. L'écriture et la photographie visent à reconnaître la présence de cette empreinte, à l'interroger et à la réinvestir sous une forme intelligible en témoignant du rapport à soi et au monde.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Écriture, photographie, mémoire, oubli, solitude, identité, filiation.
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Létourneau, Sophie. "La mélancolie même de la photographie : Roland Barthes." Thèse, 2009. http://hdl.handle.net/1866/3267.
Анотація:
Peu importe la discipline qui l’appréhende, de la médecine humorale à la psychanalyse aujourd’hui, de l’histoire de l’art à la philosophie, la mélancolie se définit par un manque. S’il ne succombe pas à l’apathie, le mélancolique s’efforcera de pallier cette insuffisance par ses activités intellectuelles et artistiques : la mélancolie est carence et génie. La mélancolie travaille : elle compose avec l’absence. De quel ordre est ce manque ? Dans les écrits savants et les œuvres visuelles, la mélancolie a l’image en défaut : un souvenir ou une représentation juste, idéale. La mélancolie ne donne rien à voir sinon ce rapport à l’image, ce travail de mise en ordre et de mise en œuvre que l’on résume sous les noms « intellection » et « création ». La mélancolie est formaliste : elle cherche un modèle, une représentation, un nom, la forme d’une narration.
Peu d’œuvres se prêtent à l’étude du génie de la mélancolie comme celle de Roland Barthes (1915-1980). Critique, ce corpus questionne la mélancolie de la forme et du sens. Écrite, cette œuvre donne à lire une figure de la mélancolie qui diffère selon ce qui lui manque. Toujours, la mélancolie compose avec l’absence de l’image. Cache de l’écriture, la photographie a été utilisée comme image du réel et du souvenir. L’image photographique participe d’une quête théorique en même temps qu’elle donne forme à la mélancolie de l’écriture. Avec la photographie, la mélancolie apparaît à la ville (L’empire des signes), au miroir (Roland Barthes par Roland Barthes), en amour (Fragments d’un discours amoureux) et au tombeau (La chambre claire). En figurant ce qui échappe à la littérature, la photographie ordonne autour d’elle une narration mélancolique. Ainsi la fragmentation, la collection, la spécularisation, l’investigation et la formalisation, sont autant d’opérations qui caractérisent la poétique narrative mise en place dans l’œuvre de Roland Barthes. Dans ces opérations, nous voyons également un modèle de la mélancolie du processus de création.In any body of knowledge, from humoral medicine to psychoanalysis, from art history to philosophy, melancholy has been defined by a gap. Unless he becomes apathetic, the melancholic will try to cope with this deficiency by engaging in intellectual or artistic activities: melancholy is both genius and inadequacy. Melancholy is a labour that deals with absence – but what kind of absence? Arts and scholarly literature has portrayed melancholy as a result from a flaw in the image: a memory or an accurate representation is missing in the melancholic mind. We do not see much of melancholy but an ongoing process of imagination, craft and organization that we call “intellectualization” or “creation”. Melancholy supposes a tendency to formalize: it is the search of the ideal mode of representation, be it a graphic, a name or a literary genre. Few productions allow the study of melancholy at work as well as Roland Barthes’ (1915-1980). Intellectual, his written works question the meaning and the forms of literature and the world in a melancholic way. Creative, his production shows a figure of melancholy that varies from one book to another, depending on what is missing – though it always has something to do with a defect in the image. In this sense, photography has been used as the image of both reality and memory for the writer-to-be. The photographic image is a key to understand his theoretical quest and desire to write a novel. With photography, melancholy appears in the city (L’Empire des Signes), on the mirror (Roland Barthes par Roland Barthes), in love (Fragments d’un Discours Amoureux), and on a grave (La Chambre Claire). Figuring what literature cannot grasp, a photograph sets the conditions of a melancholic narrative. Thus, fragmentation, collection, speculation, investigation, and formalization are the many operations that describe Roland Barthes’ poetics. In these operations, we see as well a model for the melancholy of the creative process.
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Barada, Nina. "Sur un cinéma élégiaque : de la preuve à la plainte : le deuil, l'archive, la photographie." Thèse, 2017. http://hdl.handle.net/1866/20763.