Дисертації: "Luc (1940-....)"

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Scemama, Céline. ""Histoire (s) du cinéma" de Jean-Luc Godard : la force faible d'un art." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010627.

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Анотація:

L'œuvre de Godard ne raconte pas, mais fait de l'histoire. Son scintillement de références impose une contemplation paradoxalement violente. À l'écran, des morceaux d'histoire se disloquent dans un kaléidoscope d'électrochocs permanents. Ce qu'on appelle en physique la force faible est ici la matière de l'histoire: toutes les errances éternelles qui restent sans secours. Le cinéma serait malgré lui coupable de n'avoir pu empêcher la Shoah qui a définitivement fracturé le siècle et l'idée de l'humanité avec. Telle est la force faible du cinéma. La faible force qui lui reste, celle du montage, concerne le passé. Sauver l'honneur du réel n'est pas sauver le réel, mais lutter contre l'oubli. L'œuvre fait violence par la continuelle commémoration. Si le ton est messianique, la résurrection par l'image n'est ni une explication, ni une expiation ni une solution. Rien ne se résout au cours du film et notre tâche n'est pas d'éclaircir les ténèbres, mais de saisir une vision de l'histoire.

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Girard, Mathilde. "Mise en demeure de la communauté : hétérologies politiques de Georges Bataille." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083510.

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Анотація:

La communauté est divisée, entre sa construction politique et ses expressions tragiques. Elle est aussi le milieu par lequel la philosophie transfère ses vérités dans le champ politique. En exposant ces propositions à celles de Platon et d’Aristote, notre travail souligne dans un premier temps la place du mythe dans la naissance de la communauté politique, et l’intervention de la tragédie qui met en jeu la mémoire des conflits internes à la cité, et oblige celle-ci à s’y confronter. Dionysos et le danger qu’il porte avec lui de cité en cité est la divinité – rebutée – avec laquelle nous entrons dans une généalogie de la communauté bataillienne. En suivant les expériences et les interventions de Bataille dans différents groupes – revues, collèges et sociétés secrètes –, nous tissons des représentations de l’homme et de la communauté, à partir desquelles nous revenons sur les interprétations que Jean-Luc Nancy et Maurice Blanchot ont proposé après lui. Parce qu’il a constitué une communauté pour répondre à la montée des fascismes, et parce qu’il s’en est ensuite détourné pour s’engager dans l’expérience intérieure, Bataille témoigna de l’expérience du déclin de la communauté. Si les totalitarismes donnèrent lieu à des formes d’absolutisation de la communauté, il s’agit ici d’interroger la place de Bataille dans ces réflexions et de mesurer la part de sa pensée et de ses expériences qu’elles ont écartée. La part souveraine, érotique et sacrée qui traverse la communauté et la déborde, est ainsi cette part que nous rappelons finalement pour montrer l’importance de la souveraineté et du non-savoir dans une pensée politique que Bataille met à l’épreuve des événements de son temps The community is divided between its political construction and its tragic expressions. The community is also the milieu through which philosophy transfers its truths to the political field. Through a comparison of these propositions with Plato's and Aristotle's, this study, first, emphasizes the function of myth in the birth of political community, and the part played by tragedy which, through its representation of the city's memories of internal conflicts, obliges it to face them. Dyonisus, and the danger he carries with him from one city to another, is the deity – the repulsed deity – through which this study opens onto the genealogy of Bataillienne community. Following Bataille's experiences and interventions in different groups - journals, colleges, and secret societies – this study weaves together representations of man and of community, recalling Jean-Luc Nancy's and Maurice Blanchot's subsequent readings. Because he constituted a community to respond the rise of fascisms, and because he afterwards turned away from it to commit himself to inner experience, Bataille bore witness to the experience of the decline of community. If totalitarisms gave rise to forms of absolutization of the community, what is at stake here is an interrogation of the place of Bataille in these reflexions and an accounting for the importance of his thought and his experiences, which have been dismissed. The sovereign, erotic and sacred part running across community and going beyond it, is thus the part that is finally recalled to show the importance of sovereignty and non-knowledge in a political thought that Bataille put to the test confronting the events of his time

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Farias, Sass André Filipe de. "L'identité narrative dans une société de projets : lectures croisées entre Paul Ricoeur et Luc Boltanski." Electronic Thesis or Diss., Paris, EHESS, 2023. http://www.theses.fr/2023EHES0185.

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Анотація:

Notre recherche propose une interprétation critique du système économique capitaliste qui se présente à la société actuelle comme une nouvelle idéologie qui entend conditionner l'identité des sujets en la réduisant à leurs déterminations. À partir de l’interprétation de l’ouvrage « Le nouvel esprit du capitalisme » de Luc Boltanski et Ève Chiapello, on observe l’émergence d’une société qui se développe dans une épistémologie des réseaux. Dans cette nouvelle dynamique du corps social, la verticalité des hiérarchies traditionnelles est remplacée par l'horizontalité des interactions guidées par des projets temporaires. Ce nouvel esprit du capitalisme est chargé de forger la « cité par projets », une cité symbolique, avec sa propre logique et ses valeurs qui s’imposent comme une injonction morale inculquée aux sujets. Nous observons comment cette nouvelle configuration sociale génère des transformations dans les relations humaines, notamment dans leurs aspirations esthétiques et développe une dynamique relationnelle mettant l'accent sur la capacité à établir des connexions. Ce nouvel esprit oppressif du capitalisme finit par réduire et affecter l’estime de soi, c’est-à-dire les capacités humaines à interpréter leur existence à travers leur puissance : parler, agir, raconter et s’imputer comme sujet responsable de ses actes. Dans la cité par projets, l’individu est réduit à l’équation projectiviste de la vie qui prend sens en fonction de sa capacité de connexion. Dans ce contexte de société en réseau, nous cherchons à établir un dialogue avec l'œuvre philosophique de Paul Ricœur, fondée fondamentalement sur son ouvrage « Soi-même comme un autre ». Notre intention est de présenter le concept d’identité narrative comme un outil de sauvetage de l’identité personnelle, captive de l’idéologie capitaliste. Ricœur semblait vouloir montrer combien il existe une force heuristique dans l’histoire que chacun raconte de soi-même, force qui, en dernière analyse, est pratique. Le sauvetage de l’identité personnelle par la médiation narrative opère une dénonciation subversive des formes d’humiliation humaine déclenchées par la cité par projets. L’identité narrative devient ainsi, d’autre part, une résistance au mouvement accéléré de la vie qui cherche à limiter l’action humaine au seul temps de travail. Si dans un cas la cité par projets prive délibérément le sujet de la capacité de produire sa propre conscience morale, dans l'autre l'identité narrative appelle à la reconnaissance un sujet qui se met en relation avec soi-même et avec l'autre et, donc, capable d’interpréter son existence elle-même Our research offers a critical interpretation of the capitalist economic system that is presented to today's society as a new ideology that aims to condition people's identities by reducing them to its decisions. Based on the interpretation of the work "Le nouvel esprit du capitalisme" by Luc Boltanski and Ève Chiapello, we observe the emergence of a society that is developing in an epistemology of networks. In this new dynamic of the society, the verticality of traditional hierarchies is replaced by the horizontality of interactions guided by temporary projects. This new spirit of capitalism is responsible for forging the "cité par projets" (project-based city), a symbolic city, with its own logic and values that are imposed as a moral injunction inculcated in the individuals. We can see how this new social configuration generates transformations in human relations, especially in their aesthetic aspirations, and develops a relationship dynamic with an emphasis on the ability to establish connections. This new oppressive spirit of capitalism ends up reducing and affecting self-esteem, in other words, human capacities to interpret their existence through their potential: to speak, act, narrate and impute themselves as individuals responsible for their actions. In the project-based city, the individual is reduced to the projectivist equation of life, which becomes meaningful based on their ability to connect. In this context of a networked society, we seek to establish a dialog with the philosophical work of Paul Ricœur, fundamentally from his work “Soi-même comme um autre”. Our intention is to present the concept of narrative identity as a tool for rescuing personal identity, which has been captivated by capitalist ideology. Ricœur seemed to want to show how there is a heuristic force in the story that each individual tells about themselves, a force that is ultimately practical. The rescue of personal identity through narrative mediation is a subversive critique of the forms of human humiliation unleashed by the project-based city. Narrative identity thus becomes, secondly, resistance against the accelerated movement of life that aims to limit human action to a time that is merely work-related. If, in one case, the project-based city steals the individual's ability to produce their own moral conscience, in the other, narrative identity calls for the recognition of a person who places him/herself in relation to their own self and the other, and is therefore capable of interpreting their own existence

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Canet, Marie. "Pour une histoire à rebrousse-poil de la production cinématographique contemporaine : body Double (x) (1997-2000) de Brice Dellsperger, la transgression du modèle." Electronic Thesis or Diss., Metz, 2007. http://www.theses.fr/2007METZ005L.

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Ce travail est un commentaire d'œuvre, inspiré de la méthode d'analyse critique instruite par Walter Benjamin. Le point de départ est un essai écrit en 1941, "Sur le concept d'histoire" dans lequel il avance un certain nombre de points conduisant à redéfinir la place et la vocation de l'historien dans un contexte moderne, socialement, technologiquement et politiquement, bouleversé. Il demande à l'historien de brosser à rebours le poil "trop lisse" de l'histoire, soit de bloquer et de sauver des moments, de déplacer les points de vue et d'envisager la signifiance de ce moment pour l'ensemble de histoire. A partir de ce postulat, le film de B. Dellsperger, Body double (x), est mis en perspective comme temps particulier et manifeste, exemplaire d'un certain type de cinéma. Expérimental, formel, il est directement issu du remake, un phénomène que connurent les arts contemporains entre 1990 et 2000. Car Body double (x) est une copie, plan à plan et mot à mot, de L'important c’est d’aimer (1976) réalisé par A. Zulawski. Dans ce commentaire, les concepts benjaminiens de teneur chosale et teneur de vérité sont pratiqués. La teneur chosale correspond à l'analyse matériologique du film : à l'analyse formelle des constituants de l'image, de l'ensemble du processus propre à la remise en scène du film original. La teneur de vérité correspond à la mise en perspective philosophique, historique et politique du processus performatif et filmique. Le film, en tant que remake, questionne les notions de copie et d'original sur un mode relationnel. Enfin, en concentrant les regards sur le corps d'un unique acteur, Jean-Luc Verna, il rétablit un rapport d'ordre esthétique et éthique entre la figure humaine et sa représentation This work is a film commentary, based on the critical analysis method introduced by Walter Benjamin. The starting point is an essay written in 1941, "About the concept of history", in which he puts forward a certain number of points leading to redifining the position and vocation of the historian in a sociolagically, technologically and politically shattered modern context. He asks the historian to rub history up the wrong way, by holding and saving moments, by moving points of views and envisaging the meaning of this moment in History. From this basic premise, Brice Dellsperger's film, Body double (x), is cast as a manifest and specific time, model of a type of film-making. Experimental, as well as formal, it was born from the remake, a phenomenon already known in modern arts between 1990 and 2000. For Body double (x) is a copy, frame for frame and word for word, of L'important c'est d'aimer (1976) directed by A. Zulawski. In this commentary, I use Benjamin's concepts : the thing content and the truth content. The thing content corresponds to the film material analysis, that is, the formal analysis of all the constituents of the picture, as well as the process, peculiar to the re-directing of the original movie. The truth content corresponds to the philosophical, historical and political angle on the film and performative process. The film, as a remake, questions about Copy and Original notions on a relational mode. Finally, by focusing looks on the body of one unique actor, Jean-Luc Verna, it restores an aesthetic and ethical link between the human figure and its representation

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Canet, Marie. "Pour une histoire à rebrousse-poil de la production cinématographique contemporaine : body Double (x) (1997-2000) de Brice Dellsperger, la transgression du modèle." Thesis, Metz, 2007. http://www.theses.fr/2007METZ005L.

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Ce travail est un commentaire d'œuvre, inspiré de la méthode d'analyse critique instruite par Walter Benjamin. Le point de départ est un essai écrit en 1941, "Sur le concept d'histoire" dans lequel il avance un certain nombre de points conduisant à redéfinir la place et la vocation de l'historien dans un contexte moderne, socialement, technologiquement et politiquement, bouleversé. Il demande à l'historien de brosser à rebours le poil "trop lisse" de l'histoire, soit de bloquer et de sauver des moments, de déplacer les points de vue et d'envisager la signifiance de ce moment pour l'ensemble de histoire. A partir de ce postulat, le film de B. Dellsperger, Body double (x), est mis en perspective comme temps particulier et manifeste, exemplaire d'un certain type de cinéma. Expérimental, formel, il est directement issu du remake, un phénomène que connurent les arts contemporains entre 1990 et 2000. Car Body double (x) est une copie, plan à plan et mot à mot, de L'important c’est d’aimer (1976) réalisé par A. Zulawski. Dans ce commentaire, les concepts benjaminiens de teneur chosale et teneur de vérité sont pratiqués. La teneur chosale correspond à l'analyse matériologique du film : à l'analyse formelle des constituants de l'image, de l'ensemble du processus propre à la remise en scène du film original. La teneur de vérité correspond à la mise en perspective philosophique, historique et politique du processus performatif et filmique. Le film, en tant que remake, questionne les notions de copie et d'original sur un mode relationnel. Enfin, en concentrant les regards sur le corps d'un unique acteur, Jean-Luc Verna, il rétablit un rapport d'ordre esthétique et éthique entre la figure humaine et sa représentation This work is a film commentary, based on the critical analysis method introduced by Walter Benjamin. The starting point is an essay written in 1941, "About the concept of history", in which he puts forward a certain number of points leading to redifining the position and vocation of the historian in a sociolagically, technologically and politically shattered modern context. He asks the historian to rub history up the wrong way, by holding and saving moments, by moving points of views and envisaging the meaning of this moment in History. From this basic premise, Brice Dellsperger's film, Body double (x), is cast as a manifest and specific time, model of a type of film-making. Experimental, as well as formal, it was born from the remake, a phenomenon already known in modern arts between 1990 and 2000. For Body double (x) is a copy, frame for frame and word for word, of L'important c'est d'aimer (1976) directed by A. Zulawski. In this commentary, I use Benjamin's concepts : the thing content and the truth content. The thing content corresponds to the film material analysis, that is, the formal analysis of all the constituents of the picture, as well as the process, peculiar to the re-directing of the original movie. The truth content corresponds to the philosophical, historical and political angle on the film and performative process. The film, as a remake, questions about Copy and Original notions on a relational mode. Finally, by focusing looks on the body of one unique actor, Jean-Luc Verna, it restores an aesthetic and ethical link between the human figure and its representation

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Coureau, Didier. "Jean-Luc Godard 1990-1995 "Nouvelle vague", "Hélas pour moi", "JLG/JLG" : complexité esthétique : esthétique de la complexité." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030189.

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Le concept complexite esthetique, qui guide cette recherche, est forge afin d'analyser les films de jean-luc godard, nouvelle vague, helas pour moi, jlg/jlg (1990-1995), trilogie aux correspondances stylistiques nombreuses (figures du double, cartons-citations, unite geographique, etc. ). Ces trois films sont egalement mis en perspective par rapport a l'oeuvre de godard - surtout les films de la decennie 1980-1990 et les essais-video jusqu'en 1995 - et a d'autres cineastes. La complexite esthetique requise pour l'analyse des films eux-memes prenant en consideration la complexite du monde en une esthetique de la complexite - signifie que ni l'ordre pur, ni le desordre chaotique, ne sauraient separement definir leur forme et leur contenu, mais qu'il faut decouvrir une relation nouvelle d'ordre et de desordre pour les comprendre. En effet, l'ordre y tend de plus en plus vers ses limites (territorialisations et cristallisations se complexifiant, s'eloignant de l'equilibre), tandis que le desordre (multiplicites, flux, turbulences naturelles, mythiques, sociales) n'y est plus seulement destructeur mais peut devenir createur. Une complexite organisationnelle spatiale-temporelle (tissu d'interactions) permet, effectivement, a ces forces contradictoires de tenir ensemble, sans pour autant nier l'une ou l'autre (effet reducteur). La complexite esthetique est une approche pluridisciplinaire : philosophie, science; litterature; sociologie, politique, economie; histoire et esthetique des arts - musique, peinture, cinema -, deja presents au sein des films, se retrouvent dans son elaboration.

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Gabriel, Jean-Benoît. "La fiction à distance : une autre écriture du réel dans la littérature et le cinéma contemporain (Emmanuel Carrère, Annie Ernaux, Nicole Malinconi/ Jean-Pierre et Luc Dardenne, Samuel Collardey, Joachim Lafosse." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070088.

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Certains textes et films contemporains, en affichant la présence d'un énonciateur-observateur, présentent des procédés d'écriture qui interrogent la notion de fiction. Cet énonciateur-observateur est identifiable, dans les textes, à travers la figure du narrateur-écrivain-témoin et, dans les films, par la présence ostensible d'une caméra enregistreuse au point de vue unique et distant. Par l'enregistrement qu'ils suggèrent et la place distanciée de l'énonciateur, ces textes et films révèlent des dispositifs singuliers de création et impliquent des attitudes nouvelles de lecture. Le résultat de la recherche est exposé en trois parties. La première entend rappeler les positions des théoriciens du cinéma et de la littérature sur les notions de fiction, d'énonciation et de point de vue. La deuxième partie définit un corpus (sélectionnant des textes et des films chez Annie Ernaux, Nicole Malinconi, Emmanuel Carrère, Jean-Pierre et Luc Dardenne, Joachim Lafosse et Samuel Collardey) et repère, en les classant, les indices de fictionalité et de factualité (ou de non-fiction) — classification qui révèle la présence massive d'indices communs formels de non-fiction liés au traitement du point de vue et au marquage énonciatif. La troisième partie prend appui sur les entretiens réalisés avec les auteurs pour chercher à comprendre le travail de la production (intentions et dispositifs) et celui de la réception des œuvres (lectures). Elle se termine par des conclusions sur l'art littéraire et cinématographique contemporain, le réel et la société. La conclusion finale résume la thèse en utilisant les expressions « autre fiction » et « fiction de l'autre » Certain contemporary texts and movies, by showing the presence of an enunciator-observer, use processes of writing which question the notion of fiction. This enunciator-observer is recognizable, in texts, through the figure of the narrator-writer-witness and, in movies, by the patent presence of a recording camera in a unique and distant point of view. Through the recording which they suggest and the distant place of the enunciator, these texts and movies reveal singular devices of creation and involves new attitudes of reading. The result of the research is explained in three parts. The first part intends to remind the positions of the theorists of cinema and literature on the notions of fiction, enunciation and point of view. The second part defines a corpus (selecting texts and movies from Annie Ernaux, Nicole Malinconi, Emmanuel Carrère, Jean-Pierre and Luc Dardenne, Joachim Lafosse and Samuel Collardey) and marks, by classification, the indices of fiction or non-fiction - classification which reveals the massive presence of formal common indices of non-fiction bound to the treatment of the point of view and to the enunciative marking. The third part is based on the interviews realized with the authors in order to understand the process of production (intentions and devices) and that of the reception of the works (readings). It ends with conclusions on contemporary literary and film art, real and society. The final conclusion summarizes the thesis by using the expressions "other fiction" and "fiction of the other"

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BOUNAIX, MARIE-JOSE. "L'intervention de caldwell-luc en 1990." Toulouse 3, 1990. http://www.theses.fr/1990TOU31513.

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Sermon, Julie. "L'effet-figure : états troublés du personnage contemporain (Jean-Luc Lagarce, Philippe Minyana, Valère Novarina, Noe͏̈lle Renaude)." Paris 3, 2004. https://hal.archives-ouvertes.fr/tel-01832413.

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Le personnage théâtral n'a pas échappé au soupçon propre à notre modernité. Sa mise en crise, persistante, a abouti ces trente dernières années au resserrement des écritures sur le seul théâtre de la parole. Certains auteurs se passent désormais d'identités fictives repérables, pour ne plus se consacrer qu'aux enjeux du dire et de la voix ; je me suis intéressée aux écritures qui, tout en accordant le primat dramaturgique à la parole, imposaient simultanément un imaginaire du personnage. Les auteurs étudiés ici n'évincent pas la question de l'incarnation : ils distribuent les voix, nomment leurs locuteurs. L'inventaire onomastique de leur personnel théâtral révèle cependant que les êtres qu'ils mettent en scène ne se laissent plus saisir en termes classiques d'effets-personnages. La notion d'effet-figure, qui interroge le personnage comme objet de regard et construction poétique, permet de définir les enjeux de représentation propres à ces identités théâtrales d'un autre genre The theatrical character did not elude the specific suspicion of our modernity. For the last thirty years, its coming to a crisis, which was persistent, gradually ended up in the tightening up of writings into mere drama of speech. Some writers now do without fictitious identities which could be spotted, so that they only concentrate on the stakes of words and voices ; I studied writings which imposed an imagination of the character while giving pride of place to the voice. The authors studied here do not oust the quesiton of embodiment ; they distribute the voices, gives names to their pseakers. However, the onomasti inventory of their theatrical personnel reveals that the people they put on stage will not be grabbed as classical effect-characters. The notion of effect-figure which examines the character as an object of glance as well as poetic construction enables us to define the stakes of représentation wchich are specific to these theatrical identities of another kind

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Strömberg, Lars. "Var slutar en sjö ? : livsvillkor och naturuppfattning kring Hornborgasjön 1900-1990 /." [Göteborg] : [Etnologiska Föreningen i Västsverige], 1992. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36669021m.

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Perrais, Agnès. "Lyrisme et politique en cinéma : Duras, Garrel, Godard, années 1970-1980." Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2017. http://www.theses.fr/2017LORR0338.

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Cette étude traite de l’articulation en cinéma de la ressource lyrique et de l’approche politique du réel. Pour aborder sous un angle plus spécifique la question du « cinéma de poésie », elle propose une relecture de la théorisation littéraire du lyrisme, dans la perspective d’une critique de la polarisation autour de la notion de subjectivité. À partir d’une étude des imbrications entre poétique et enjeux politiques chez Hölderlin, Rimbaud et les surréalistes, elle propose la notion de « lyrisme objectif » pour questionner la façon dont les films peuvent s’émanciper du modèle discursif utilisé par le cinéma militant, tout en tentant de proposer une pensée critique du politique à partir de leurs formes sensibles. À travers l’analyse d’un corpus de films de Marguerite Duras, Philippe Garrel et Jean-Luc Godard, réalisés dans l’après-1968 à un moment de reflux des luttes, nous montrons comment leurs héritages poétiques influencent la figuration du politique, à partir d’un geste commun de mise en retrait de la narration au profit d’une logique de sensation. Nous proposons ainsi de voir comment chez Marguerite Duras, à partir d’une pensée radicale de la négativité, la mobilisation d’une parole lyrique prend en charge un enjeu de subjectivation politique. Par ailleurs, si la résurgence d’un héritage romantique et du versant hermétique du surréalisme chez Philippe Garrel reconduit une approche expérientielle du politique, la reprise de la théorie surréaliste de l’image comme rapport et des principes rimbaldiens de décentrement du sujet entraine chez Jean-Luc Godard une dialectisation du lyrisme, qui articule une positivité sensible à une critique objectivante This dissertation articulates the concept of lyricism and a political approach of the real in cinema. In order to study more specifically the issues of « poetry cinema », it proposes a reading of the literary theory of lyricism through a critique of the conceptual polarization of subjectivity. Starting with a study of the interdependence of poetics and politics in Hölderlin, Rimbaud and the Surrealists’ works, I put forward the notion of « objective lyricism » to understand how film can move away from the discursive paradigm of activism and forge a critical evaluation of political issues by way of their esthetics. By analyzing a number of films by Marguerite Duras, Philippe Garrel et Jean-Luc Godard, all made in the years just after 1968, when activism receded, I show how their formal legacies influenced the depiction of politics by withdrawing the narrative structure to the profit of a logic of sensation. Furthermore, I intend to demonstrate how in Marguerite Duras’ films political subjectivation is achieved by a lyrical voice rooted in a radical thinking of negativity. If the resurgence of a romantic legacy and of the cryptic side of surrealism in Philippe Garrel’s films lead to an experiential approach of politics, the re-actualization of the surrealist theory of the image-as-interaction and Rimbaud’s principles of the subject’s decentering push Jean-Luc Godard to a dialectization of lyricism, articulating a sensitive positivity to an objectifying critique

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Lauritis, Beth Anne. "Lucy Lippard and the provisional exhibition intersections of conceptual art and feminism, 1970-1980 /." Diss., Restricted to subscribing institutions, 2009. http://proquest.umi.com/pqdweb?did=1925733141&sid=11&Fmt=2&clientId=1564&RQT=309&VName=PQD.

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Ancona, Luiz Octavio Gracini. "Jean-Luc Godard no Brasil: da recepção à interdição (1961-1970)." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8138/tde-25032019-112239/.

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Анотація:

Na bibliografia brasileira, Jean-Luc Godard aparece com destaque em pesquisas sobre o cinema brasileiro moderno e sobre a história da censura cinematográfica no país. O realizador franco-suíço é descrito como uma referência fundamental para alguns cineastas brasileiros modernos, como um norteador dos debates travados em nossa crítica e como um objeto de atenção especial por parte dos censores da ditadura militar. Partindo desse lugar privilegiado conferido a Godard, esta pesquisa investigou historicamente a recepção e a interdição dos filmes do cineasta no Brasil no período entre 1961 e 1970. Em um primeiro momento (capítulos 1 a 3), analisamos os debates estéticos e políticos suscitados na crítica pelos filmes de Godard em três jornais de grande veiculação do período (Correio da manhã, Jornal do Brasil e O Estado de S. Paulo); em seguida (capítulo 4), identificamos as apropriações que os críticos-cineastas Glauber Rocha e Rogério Sganzerla realizaram da obra godardiana em seus escritos; e, por fim (capítulo 5), abordamos a documentação censória relativa aos filmes do realizador. Dessa maneira, constatamos o importante papel que Godard desempenhou na conformação do cinema brasileiro moderno, bem como o impacto que sua obra exerceu, cultural e politicamente, no país. Conforme evidenciaremos, naquele momento havia uma conjuntura sociocultural modernista, de esquerda e jovem que favoreceu a recepção do cineasta no Brasil. Ao mesmo tempo em que foi lida à luz de tal conjuntura, a obra godardiana atuou enquanto seu catalisador, estimulando novos projetos e debates em seu interior. O cineasta foi instrumentalizado por projetos de vanguarda no cinema e em ouras artes, estimulou a politização de esquerda e dialogou com os anseios de uma cultura jovem e libertária em expansão. Paralelamente, confirmamos a atenção especial que Godard recebeu dos censores da ditadura militar brasileira. Afinal, a ditadura se opunha a tal conjuntura e, por isso, viu no cineasta um perigo a ser combatido, uma vez que seus filmes atentavam contra os dois pilares básicos da ideologia que norteava o regime, o anticomunismo e a moral conservadora. Conforme demonstraremos, tal atenção especial se deu sobretudo nos anos 1970, mas teve suas raízes em 1968, quando duas películas de Godard foram interditadas e uma imagem extremamente negativa do realizador foi consolidada no órgão censório. In the Brazilian literature, Jean-Luc Godard appears prominently in researches on modern Brazilian cinema and on the history of cinematographic censorship in the country. The Franco-Swiss director is described as a fundamental reference for some modern Brazilian filmmakers; as a guiding force on the debates held within our critique; and as an object of special attention by the censors of the military dictatorship. From this privileged place conferred to Godard, this research historically investigated the reception and interdiction of his films, in Brazil, between 1961 and 1970. First (Chapters 1 to 3), we analyze the aesthetic and political debates raised in criticism of Godard\'s films in three major newspapers of the given period (Correio da manhã, Jornal do Brasil and O Estado de S. Paulo). Then (Chapter 4), we identify the appropriations of the Godardian word made by the critical-filmmakers Glauber Rocha and Rogério Sganzerla. Finally (Chapter 5), we approach the censorship documentation relating to the director\'s films. Our findings showed the important role Godard played in the conformation of modern Brazilian cinema, as well as the impact that his work exerted, culturally and politically, in the country. As we will show, the socio-cultural context of the time modernist, leftist and youthful favored the filmmakers reception in Brazil. At the same time as it was read in the light of such a conjuncture, Godard\'s work acted as a catalyst for it, stimulating new projects and debates within. The filmmaker was instrumented by avant-garde projects in the cinema and in other arts, and then stimulated the politicization of the left and dialogued with the yearnings of a young and libertarian culture in expansion. We also found evidence of the special attention that Godard received from the censors of the Brazilian military dictatorship. Opposed to the referred conjuncture, the dictatorship saw in the filmmaker a danger to be fought, since his films were against the two basic pillars of the regime: anticommunism and conservative morality. As we will show, he received such special attention mainly in the 1970s, but it had its roots in 1968 when two of Godard\'s films were banned and an extremely negative image of the filmmaker was consolidated by the censorship.

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Dumaine, Sylvie. "Luc-Albert Moreau, 1882-1948 : un peintre dans la grande guerre." Lille 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LIL30004.

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L'œuvre de Luc-Albert Moreau consacrée à la Grande Guerre se compose de peintures, de dessins et d'illustrations. Né à Paris en 1882, mort en 1948, l'artiste ne revendique pas une appartenance à un mouvement artistique du XXe siècle, mais, il demeure un artiste moderne. Son œuvre est singulier, en ce sens qu'il peut apparaître comme la synthèse des différentes problématiques posées par la première guerre moderne : guerre invisible, guerre indicible ? La question est étudiée, jusqu'alors sur le fondement de l'opposition entre les artistes avant-gardistes et les artistes "classiques". Luc-Albert Moreau transcende ce clivage et révèle d'autres oppositions aussi fondamentales comme la postérité ou la simultanéité de l'œuvre artistique au regard de l'événement historique, la rivalité entre l'esprit Ancien Combattant et les autres. Il est un artiste et un soldat de Verdun qui a peint la guerre, après son retour du front. Il dément ainsi la thèse jusqu'alors établie selon laquelle les artistes n'auraient pas représenté la Première Guerre mondiale. Il est également un excellent lithographe en illustrant un ouvrage majeur, Le Chant Funèbre pour les morts de Verdun d'Henry de Montherlant The work of Luc-Albert Moreau dedicated to the Great War consists of paintings, drawings and pictures. Born in Paris in 1882, died in 1948, the artist does not claim any affiliation to an artistic movement of the XXth century, but he remains a modern artist. His work is singular, to the extent that it can appear as a synthesis between the different issues raised by the graphic representation of the first modern war : invisible war, or inexpressible war ? Hitherto, the question was analyzed on the basis of the opposition between the avant-garde artists and the classical ones. Luc-Albert Moreau goes beyond this divide and reveals other oppositions just as essential, such as the posterity and the simultaneity of the artistic work in the light of the historical event, the rivalry between the spirit of the Veteran and the others. He is an artist and a soldier of Verdun who painted the war, following his return from the front. He thus contradicts the thesis so far established that artists did not represent the First World War. He is also an excellent lithographer, for having illustrated a major book, the "Chant Funèbre pour les morts de Verdun", by henry de Montherlant

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Henry, Thomas Fitzgerald Kennedy. "Luca Signorelli in the 1940s." Thesis, Courtauld Institute of Art (University of London), 1996. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.243949.

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Castro, Rodrigo. "Análise de campos profundos da LMC imageados com o HST." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2001. http://hdl.handle.net/10183/1946.

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Apresentamos fotometria profunda (V ~ 25,5) nas bandas V e I obtidas com a Wide Field and Planetary Camera 2 a bordo do telesc opio espacial Hubble para 7 campos distantes ~5º do centro da Grande Nuvem de Magalhães. Ajustamos isócronas aos diagramas cor-magnitude a fim de identficar diferentes populaões estelares nestes campos. Uma população velha (τ > 10¹º anos) foi encontrada em todos os campos. Alguns eventos de elevada formação estelar, com idades entre 2 x 109 e 4 x 109 anos, foram também encontrados em alguns campos localizados na região N/NO. Funções de luminosidade de estrelas de baixa massa (m ≤ 1; 1msol) foram obtidas para todos os campos. Aparentemente não há diferenças na mistura de populações entre os campos como sugerido através do teste Kolmogorov-Smirnov aplicados as funções de luminosidade. Finalmente, derivamos perfis de densidade para estrelas velhas e de idade intermediária. O primeiro apresenta uma inclinação levemente maior quando comparado com o último.

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Aldridge, Nicholas Iain. "The arrival of mimesis and methexis in the enquiries of Jean-Luc Nancy." Thesis, Manchester Metropolitan University, 2014. http://e-space.mmu.ac.uk/324986/.

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This thesis advances from the conjecture that Jean-Luc Nancy's work demands to be interpreted according to the logic it describes. For Nancy unity is irreducible from exposure, because a distinct entity cannot be abstracted from its boundary conditions. It is my contention, therefore, that Nancy's work must be treated accordingly, as a syntactic unity that can only be understood in its exposure to other syntactic unities. Two interrelated claims are therefore made. First: that the current literature on Nancy’s work fails to identify that an inheritance from Plato and from Greek philosophy more widely is a key to the specificity of Nancy’s thinking, and second that only by retrieving this connection can Nancy’s contribution to contemporary ontological debates be made out. The thesis attempts to take a preliminary step in this direction by positioning Nancy’s work within a contemporary philosophical scene definitively characterised by its exposure to Ancient Greek philosophy. This investigation places a conceptual focus on the Platonic terms μίμησις and μέθεξις, terms which bear a rich history of implications in philosophies of immanence, transcendence, production, and art. I argue that in showing that there is never μίμησις without μέθεξις, and vice versa, Nancy shows that there is never immanence without transcendence, and vice versa. Furthermore, I argue that this mutuality places sensibility at the core of Nancy’s thought, and determines the artwork to be a privileged site at which the reciprocity of immanence and transcendence is presented. In this much, I suggest Nancy’s work offers an alternative to the demand for some mutually exclusive decision between immanence and transcendence.

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Stevenin, Anne-Blanche. "Luc-Olivier Merson (1846-1920) : de la peinture d’histoire à la peinture décorative." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040268.

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Élève de l’École des beaux-arts de Paris, Luc-Olivier Merson obtient en 1869 le premier grand prix de Rome de peinture d’histoire, titre qui lui permet de parfaire sa formation pendant quatre années en Italie. Artiste reconnu de son vivant, Merson expose régulièrement au Salon parisien, avant d’ouvrir l’éventail de son talent à la décoration et à l’illustration. Au-delà de son goût pour la peinture monumentale, il affirme sa dilection pour l’art religieux dont il bouscule les conventions, grâce à des sources iconographiques recherchées et des sujets rares. Entre Académisme et Symbolisme, Merson confirme sa prédisposition pour le dessin, privilégiant la ligne, tout en entretenant un caractère coloriste subtil et recherché. En s’affranchissant de l’influence de son père Olivier Merson, critique d’art, et en dotant ses réalisations d’archaïsme et d’idéalisme, Luc-Olivier Merson est désormais considéré à juste titre comme l’un des précurseurs du Symbolisme. L’étude de la vie et de l’œuvre de Luc-Olivier Merson permet de comprendre les choix esthétiques et les audaces d’un artiste, trop souvent – et hâtivement – qualifié de Pompier par l’historiographie du vingtième siècle In 1869, when a student at the École des Beaux-Arts de Paris, Luc-Olivier Merson received the Rome Prize in history painting. The award allowed him to complete his training with four years of study in Italy. A well-known artist in his own time, Merson showed regularly at the Paris Salon before broadening the scope of his creative activity to include decorative painting and illustration. Beyond his taste for monumental painting, he evinced a keen interest in religious art, whose conventions he overturned, making use of recondite iconographic sources and unusual subjects. Suspended between Academism and Symbolism, Merson displayed a penchant for drawing, always privileging line, even as he maintained a subtle and refined sense of color. Having emerged from the shadow of his father, the art critic Olivier Merson, and endowed his work with a self-conscious archaism and idealism, Luc-Olivier Merson might justly be classed among the precursors of Symbolism. By studying the life and work of Merson, we may come to understand the aesthetic choices and the audacity of an artist too often—and too hastily—termed “Pompier” in twentieth-century art historiography

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Perrais, Agnès. "Lyrisme et politique en cinéma : Duras, Garrel, Godard, années 1970-1980." Thesis, Université de Lorraine, 2017. http://www.theses.fr/2017LORR0338/document.

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Cette étude traite de l’articulation en cinéma de la ressource lyrique et de l’approche politique du réel. Pour aborder sous un angle plus spécifique la question du « cinéma de poésie », elle propose une relecture de la théorisation littéraire du lyrisme, dans la perspective d’une critique de la polarisation autour de la notion de subjectivité. À partir d’une étude des imbrications entre poétique et enjeux politiques chez Hölderlin, Rimbaud et les surréalistes, elle propose la notion de « lyrisme objectif » pour questionner la façon dont les films peuvent s’émanciper du modèle discursif utilisé par le cinéma militant, tout en tentant de proposer une pensée critique du politique à partir de leurs formes sensibles. À travers l’analyse d’un corpus de films de Marguerite Duras, Philippe Garrel et Jean-Luc Godard, réalisés dans l’après-1968 à un moment de reflux des luttes, nous montrons comment leurs héritages poétiques influencent la figuration du politique, à partir d’un geste commun de mise en retrait de la narration au profit d’une logique de sensation. Nous proposons ainsi de voir comment chez Marguerite Duras, à partir d’une pensée radicale de la négativité, la mobilisation d’une parole lyrique prend en charge un enjeu de subjectivation politique. Par ailleurs, si la résurgence d’un héritage romantique et du versant hermétique du surréalisme chez Philippe Garrel reconduit une approche expérientielle du politique, la reprise de la théorie surréaliste de l’image comme rapport et des principes rimbaldiens de décentrement du sujet entraine chez Jean-Luc Godard une dialectisation du lyrisme, qui articule une positivité sensible à une critique objectivante This dissertation articulates the concept of lyricism and a political approach of the real in cinema. In order to study more specifically the issues of « poetry cinema », it proposes a reading of the literary theory of lyricism through a critique of the conceptual polarization of subjectivity. Starting with a study of the interdependence of poetics and politics in Hölderlin, Rimbaud and the Surrealists’ works, I put forward the notion of « objective lyricism » to understand how film can move away from the discursive paradigm of activism and forge a critical evaluation of political issues by way of their esthetics. By analyzing a number of films by Marguerite Duras, Philippe Garrel et Jean-Luc Godard, all made in the years just after 1968, when activism receded, I show how their formal legacies influenced the depiction of politics by withdrawing the narrative structure to the profit of a logic of sensation. Furthermore, I intend to demonstrate how in Marguerite Duras’ films political subjectivation is achieved by a lyrical voice rooted in a radical thinking of negativity. If the resurgence of a romantic legacy and of the cryptic side of surrealism in Philippe Garrel’s films lead to an experiential approach of politics, the re-actualization of the surrealist theory of the image-as-interaction and Rimbaud’s principles of the subject’s decentering push Jean-Luc Godard to a dialectization of lyricism, articulating a sensitive positivity to an objectifying critique

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Lee, Jeong-Ha. "La notion d'"intervalle" dans le cinéma de Jean-Luc Godard." Paris, EHESS, 2003. http://www.theses.fr/2003EHES0014.

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Notre recherche porte sur l'idée du montage, "intervalle", dont la notion a été conçue par le cinéaste russe Dziga Vertov dans les années 1920 en vue de "révéler l'image des pensées de l'homme vivant. " L'intervalle s'affirme fondamentalement comme le "temps du montage", actualisé sur la surface même des images en les mettant en interaction continuelle pour créer une autre idée dans le "montage ininterrompu". Nous retrouvons la même procédure de la pensée en image, "intervalle", dans le cinéma de Jean-Luc Godard, notamment dans ses essais-films depuis les années 1970 jusqu'à Histoire(s) du cinéma. Notre hypothèse se résume en ceci : 1) L'idée godardienne "Et" ou "Entre" comme noeud invisible entre des choses hétérogènes est en effet la récapitulation de la notion d' "intervalle" vertovienne, définitivement déplacée, réinventée dans la réflexion du temps qui crée. 2) La "fiction" filmique godardienne ne signifierait aussi rien d'autre que l'actualisation de la force vitale entre les images, effectuée par ce "temps du montage", "Et" ou "intervalle". 3) Cette forme du montage est capable d'inventer l' "histoire" de cinéma, fondée sur notre faculté de "mémoire" qui se réalise aussi dans le "montage ininterrompu". Finalement, cette notion du montage, "intervalle", caractérise le mouvement inhérent à la pensée créative Our research deals with the idea of editing, "interval". Such a notion was conceived by the Russian director Sziga Vertov in the 20's in order to "reveal the image of the thoughts of the living human being". Fundamentally, the interval is establishing itself as the "time editing". It is updated on the mere surface of the images by being put in continuous interaction in order to create another ida in the "non interrupted editing". The same process of a thought in image, "interval", is to be found in the movies made by Jean-Luc Godard, in particular in his films-essays from the 70's until "History(ies) of the cinema". First, Godard's idea of "And" and "Between" seeign as an invisible link between heterogeneous things is indeed the recapitulation of Vertov' notion of an "interval" but its is translated, recreated in the reflection of a creative time. Secondly, the "fiction" in Jean-Luc Godard's cinema does not mean anything else vut the actualisation of the vital strength between the images, realised through this "time editing", "And" or "interval". And thirdly, this way of editing is also able to create the "history" of the cinema, based on our faculty of "memory" realised also in the "onon interrupted editing". Finaly, this notion of editing, "interval", characterises the inherent movement of any creative thinking

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Schneider, Ulrich Johannes. "Fraktionierungen des philosophischen Diskurses: Über Baudrillard, Lyotard und Nancy ; [Rezension zu: Jean Baudrillard: Das Andere selbst. Habilitation (L''autre par lui-même, dt.), Jean-Francois Lyotard: Postmoderne für Kinder (Le Postmoderne expliqué aux enfants, dt.), Jean-Luc Nancy: Das Vergessen der Philosophie (L''oubli de la philosophie, dt.), alle Wien 1987]." Hitzeroth, 1988. https://ul.qucosa.de/id/qucosa%3A12788.

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Drei fast zugleich veröffentlichte Texte französischer Philosophen zu lesen, mag zum Nachdenken über den Zusammenhang auffordern - hier soll einmal bewußt den Unterschieden nachgegangen werden, zum Erweis der Brüchigkeit des philosophischen Diskurses, der von vielen für manifest gehalten wird. Gibt es eine postmoderne, post-strukturalistische, post-analytische Philosophie? Das ist zweifelhaft. Es gibt Fraktionen. Es gibt so verschiedene Autoren wie Jean Baudrillard, JeanFrancois Lyotard und Jean-Luc Nancy.

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Schoellkopf, Anouk. "Jean-Luc Godard,philosophe du langage : "le cinéma comme passage entre éclosion de l'invisible et expression de l'indicible"." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2001. http://www.theses.fr/2001STR20027.

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Le monde est-il ma représentation ? Suis-je ce langage que je parle ? Les rapports entre ontologie et langage en sont arrivés au point où une porosité et une inconfortable indissociation voisinent avec l'irréconciliable brèche qui persiste à les séparer Is the world my representation ? Am I this langage that I speak ? The relations between ontology and language have come to the point where a porosity and an uncomfortable indissociation coexist with the irreconciliable breach that continue to separate them

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Ragel, Philippe. "Le trait d'union : Jean-Luc Godard : de "Sauve qui peut (la vie)" à "Je vous salue Marie"." Toulouse 2, 1992. http://www.theses.fr/1992TOU20013.

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Schneider, Ulrich Johannes. "Fraktionierungen des philosophischen Diskurses." Universitätsbibliothek Leipzig, 2014. http://nbn-resolving.de/urn:nbn:de:bsz:15-qucosa-149429.

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Drei fast zugleich veröffentlichte Texte französischer Philosophen zu lesen, mag zum Nachdenken über den Zusammenhang auffordern - hier soll einmal bewußt den Unterschieden nachgegangen werden, zum Erweis der Brüchigkeit des philosophischen Diskurses, der von vielen für manifest gehalten wird. Gibt es eine postmoderne, post-strukturalistische, post-analytische Philosophie? Das ist zweifelhaft. Es gibt Fraktionen. Es gibt so verschiedene Autoren wie Jean Baudrillard, JeanFrancois Lyotard und Jean-Luc Nancy.

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Tabet, Pascale. "Amour et donation dans la phénoménologie de Jean-Luc Marion." Caen, 2015. http://www.theses.fr/2015CAEN1017.

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La phénoménologie de Jean-Luc Marion possède le plus ample horizon : sa philosophie intuitive et pré-réflexive, inscrite au cœur de la saturation, effectue un élargissement du champ de la phénoménalité. C’est dans cet esprit qu’est ici explicité le phénomène érotique décrit par le penseur de la phénoménalité saturée. Cette tonalité affective fondamentale de l’existence est en effet aussi le phénomène-limite qui révèle un excès de sens et d’épreuve débordant et surabondant toute représentation opérée par une conscience intentionnelle et réflexive – parce qu’il porte en lui tout le poids phénoménologique de l’origine. L’amour exige donc une réduction qui ne saurait être comprise qu’à partir d’une phénoménologie radicale de la donation excessive. C’est en ce sens qu’il faut comprendre le donné auquel « réduit » la phénoménologie, donné qui ne s’identifie à aucun étant ni a aucun objet, mais à l’unique donation qui constitue l’essence absolue immanente à toute manifestation. Il est donc montré ici que la réduction phénoménologique implique pour Jean-Luc Marion le renversement et la radicalisation de la phénoménologie classique, celle de ses prédécesseurs Husserl et Heidegger, dont la pensée, ne s’occupant que de l’étant dans son être, reste encore prisonnière de la métaphysique, car elle ne se déploie que dans l’horizon de l’être. La démarche phénoménologique de Jean-Luc Marion est donc interprétée comme une contre-méthode qui m’impose une contre-expérience qui se donne a moi avant toute tentative de ma part de lui assigner un sens, m’excède par son déluge intuitif débordant le concept, du fait de son don généreux de soi. Ce paradoxe phénoménologique que Jean-Luc Marion appelle le « phénomène saturé », et qui décentre la phénoménologie du je transcendantal ainsi que de l’objet intentionnel pour leur substituer un moi adonné qui se reçoit de ce qu’il reçoit – ce paradoxe advient dans l’amour, seule condition ultime de la possibilité du soi, loin de toute exigence ontique et transcendantale et dans le seul horizon de la donation radicale excessive To Jean-Luc Marion’s phenomenology belongs the largest possible horizon: his intuitive and prereflexive philosophy widens the field of phenomenology. The author of this book plans to explain how the erotic phenomenon as a phenomenon of saturation. A fondamental affective tonality of existence which is at the same time a border phenomenon, an excess of sense exceeding any representation of an intentionnal and reflexive consciousness, for it carries the phenomenological weight of the origin. Love demands a reduction, which cannot be understood but by a radical phenomenology of excessive donation. It is in this sense that the datum “reduced” by phenomenology must be understood – which datum is neither a being nor an object, but the sole donation which constitues the absolute immanent essence of manifestation. This research shows that the phenomenological reduction according to j. -l. Marion implies the reversal and the radicalisation of the classical phenomenology of prior thinkers such as Husserl and Heidegger. Indeed, they only focus on the essence of being, and their phenomenology remains a captive of metaphysics, inasmuch as its only horizon is still the horizon of being. The phenomenological method of Jean-Luc Marion is therefore interpreted here as a counter-method which is given to me as a counter-experience before any attempt to give it a meaning: it overcomes me with a flood of intuitions far above the concept, because it gives itself so generously. This phenomenological paradox, which Jean-Luc Marion calls “saturated phenomenon”, drives phenomenology away from transcendental ego and the intentional object, to replace them by a given ego, which receives itself from all it receives. This paradox happens with love, the ultimate condition for the possibility of the self, away from all ontic and transcendental requirement, in the sole horizon of a radical excessive donation

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Vinolo, Stéphane. "Jean-Luc Marion : apologie de l'inexistence." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAK007.

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La phénoménologie de la donation se présente sous la forme d´un projet d´ouverture radicale du champ de la phénoménalité. Après avoir montré que la modernité a enfermé les phénomènes dans des conditions de possibilité dictées par un Sujet, et que la phénoménologie allemande a poursuivi ce geste en indexant les phénomènes sur l´horizon de l´objectité ou de l´étantité, Marion propose de reconduire le geste de la réduction phénoménologique à la seule donation. Ce faisant, il réintroduit en phénoménologie des phénomènes paradoxaux – phénomènes saturés – qui font violence, par excès, aux capacités réceptrices du Sujet. Marion introduit donc en phénoménologie une nouvelle modalité de l´invisibilité (et donc de la visibilité) que nous appelons « inexistence » (en opposition tout autant avec le non-être qu’avec la non-existence), dont la structure est paradoxalement fondée sur celle de l´écrit, puisqu´il s´agit ni plus ni moins, pour elle, que de présenter de façon positive une absence selon la logique de la signification. Ce faisant, et de par cette structure discursive de la visibilité, toute la phénoménologie de Marion peut être lue comme une véritable apologie de l´inexistence The phenomenology of givenness is presented in the form of a project of radical opening of the field of phenomenality. After having shown that modernity has enclosed phenomena under conditions of possibility dictated by a Subject, and that German phenomenology has pursued this gesture by indexing phenomena in the horizon of objectivity or of beingness, Marion proposes to reestablish the gesture of phenomenological reduction to single donation. In so doing, he reintroduces into phenomenology some paradoxical phenomena —saturated phenomena— which violate, by excess, the receptive capacities of the Subject. Marion thus introduces into phenomenology a new modality of invisibility (and thus of visibility) which we call "inexistance" (equally opposed to non-being as to non-existence), whose structure is paradoxically founded on that of writting, since it is neither more nor less, for inexistence, than to present in a positive way an absence according to the logic of meaning. In so doing, and through this discursive structure of visibility, all Marion's phenomenology can be read as a true apology for existence

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Gómez, Urra Sebastián. "Ecce Corpus: La exposición del cuerpo, de Nietzsche a Jean-Luc Nancy." Tesis, Universidad de Chile, 2008. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/109763.

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Kim, Seong-Tae. "Le cinéma de Jean-Luc Godard : l'image et l'histoire : une étude chronologique." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030081.

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Le propos de cette etude est de comprendre le travail integral de jean-luc godard des le debut jusqu'a aujourd'hui (+ for ever mozart ;, 1996). Face a son monde, nous essayons de cerner une coherence. C'est son projet qui fait cette coherence, projet de sauver le cinema, la vie. Ce projet se deroule en deux periodes dont chacune revele sa propre facon. Dans la premiere periode il s'interesse a la recherche de l'image de la realite, l'image-espace. C'est pourquoi, mous appelons cette periode + le temps de l'image ; ou il s'interroge sur la substance de l'image. La, il s'attache a trouver l'image-espace et naturellement son travail devient stylise autour de cette recherche ; certain agencement se construit autour de cette recherche et notre etude est centre a cerner cet agencement. Mais, en approchant de la realite, godard rencontre l'ideologie qui fait cette realite et il trouve son role dans la lutte contre cette ideologie. Il devient combattant et son cinema est reexamine par lui-meme. Il s'introduit ainsi dans la deuxieme periode ou il s'interesse a la puissance de l'image qui nous permet de voir la verite, de trouver l'histoire. Il renonce a la recherche de l'image-espace, mais s'attache a rechercher l'image-histoire. Le cinema se presente comme une arme qui nous permet de voir autrement l'histoire et de cerner la vie de la naissance a la mort. Ses travaux nous presentent un autre agencement ou le style n'est pas cherche, mais toute l'histoire est examinee. Dans l'etude de cette periode, nous suivrons la derniere etape de sauver le cinema qui recherche la puissance de l'image de l'histoire. C'est pour cela que nous nommons cette periode + le temps de l'histoire The purpose of this study is to understand the entire work of jean-luc godard from the beginning to today ("for ever mozart", 1996). In the face of its world, we try to surround a coherence. That is his project that makes this coherence, a project to save the cinema. This project unfolds in two stages each of which has revealed his own manner to save the cinema, therefore, following these two stages, we divide his works in two periods. In the first period his interest is in search of image of the reality, the image-space. So, we call this period + the time of the image ; where he tries to find the substance of the image, the cinema. There, his work becomes stylized around this research; certain arrangement built in this research and our study is centered to surround this arrangement. However, by approaching the reality, godard meets the ideology that makes this reality and he has found his role in the struggle against this ideology. He \ becomes militant, combatant and his cinema is re-examined by himself. He enters thus in the second period where he is interested in the power of image that allows us to see, to find the other history. It renounces in search of the imagespace, but he tries to research the image-history. The cinema is found as an arm that allows us to see otherwise the history and to surround the life from the birth to the death. Naturally, in his works, we find an other arrangement where the style does not search, but all history is examined. In the study of this period, we will follow the last stage to save the cinema that researches the power of the image that allow us to see, reflect on the history. That is in order that we appoint this period + the time of the history

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Charpentier, Frank. "Jean-Luc Godard : les films des "années 80" à la lumière de l'analogie." Paris 7, 1993. http://www.theses.fr/1993PA070055.

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Apres une longue periode de recherche en video, jean-luc godard revient au cinema en 1980. Si l'on en croit son affirmat ion, "l'analogie est le medium de l'art". Explorant cette notion complexe, d'abord dans le champ de l'analyse semiologiq ue de l'image puis jusque dans ses soubassements onto-theologiques, nous montrons comment godard utilise l'analogie, a l a fois comme outil hermeneutique et comme creation poetique pour construire, film apres film, une oeuvre nouvelle, unifi ee et ouverte, dont les differents volets organisent son rapport au monde In 1980, after a long period of video experimentation, jean-luc godard comes back to the cinema. To him, "analogy is the medium of art". First, we will explore this complex notion in the semiotic field of film studies, then we will trace in to its onto-theological origins. We will show how jean-luc godard uses the concept of analogy as a way of research and creation, and how he builds a new work, unified and open, whose every film is a peculiar expression of his relationship with the world

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Janin-Foucher, Nicole. "Du générique au mot fin : Le paratexte dans les oeuvres de F. Truffaut et J.-L. Godard : 1958-1984." Lyon 2, 1989. http://www.theses.fr/1989LYO20059.

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Ce travail de recherche en analyse filmique etudie dans les oeuvres des deux auteurs tous les ecrits non diegetiques du film, du generique au mot fin. Ceux ci forment un paratexte traite selon une double perspective, litteraire et esthetique. Le fil directeur de la these est l'analyse des fonctions de ces ecrits : - fonction d'information, surtout pour le generique; - fonction de legitimation, mode d'emploi et valorisation de l'oeuvre; - fonction de demarcation et d'enonciation, ou se lit le travail du realisateur sur l'ecrit; - enfin, fonction esthetique, car l'ecrit est image. La conclusion compare truffaut, qui utilise les ecrits comme un conteur, et godard, qui livre un systeme de lecture du film. Trois volumes, 443 pages, 50 photogrammes commentes This research-work on films analyses all the titles in the works of these two directors, from credit-titles to "the end". These constitute a "paratext" which is studied according to a two-fold point of view, the litterary one and the aesthetical one. This analysis is based upon historical examples, specially those which played a prominent part in inspiring both directors. The main line of the thesis lies on the analysis of functions devoted to the titles : - how they give informations, mainly for credit-titles; - how they legitimize the film by giving directions for use and valorizing the film; - how they demarcate and show the directors'work when writing; - how they give aesthetical perspectives, for titles are images. The conclusion compares truffaut, who uses what the writes as a taler, to godard, who tells us how to read his film

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Zangeneh, Hakhamanesh. "La structuration de la phénoménalité : temporalité, trace, événement (Heidegger, Derrida, Nancy)." Thesis, Paris Est, 2009. http://www.theses.fr/2009PEST0008.

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En lisant la deuxième partie (peu commentée) d’Etre et Temps de Heidegger comme une nouvelle philosophie transcendantale au sens étroit, nous y décelons une multiplicité de temporalités comportant plusieurs instances de la présence. L’instance la plus originaire contient pourtant, selon nous, un noyau relationnel et a-phénoménal, ce qui implique l’affirmation d’une structuration à même le phénomène. Nous poursuivons ce thème comme fil conducteur établissant un chemin de continuité entre Heidegger et Derrida, notamment dans les textes de Derrida dédiés à la phénoménologie où il est question de la métaphysique de la présence. Loin d’y voir une critique de Heidegger nous lisons ces textes comme une extension de notre problématique : le vocabulaire derridien de la trace et de la différance nous permet d’approfondir la description de ladite structuration archaïque. En insistant sur la référence analogique au domaine langagier, nous nous servirons de l’analyse grammatologique afin de répondre aux questions laissées ouvertes dans Etre et Temps, et notamment afin de caractériser la temporalisation immanente. En même temps, nous suggérons de voir une distinction dans la trace, une distinction qui traverse l’oeuvre ultérieure de Derrida. Le versant grammatologique de la déconstruction est une réponse à la question de la temporalité. Enfin, la question, récemment très discutée, de l’événementialité, se laisse rattacher à notre problématique à travers des travaux de Jean-Luc Nancy. La notion d’événement distensif, lorsque enrichi par une série de gloses historiques, est une pensée de la singularité qui ne sacrifie pas les acquis grammatologiques de la détermination d’une structuration de la phénoménalité This thesis begins with Heidegger’s theory of temporality in part II of Sein und Zeit. While reading it as a novel form of transcendental philosophy in the strict sense, we show, contrary to commentators, that it describes multiple temporalisations and thus multiple notions of presence. The most original notion of presence, however, contains an a-phenomenal and relational core, and this amounts to describing a structuration of phenomenality. In a next step, we examine early texts of Jacques Derrida where, in analyzing Husserl and Heidegger, the author first sets out the idea of a metaphysics of presence. Rather than reading these texts as a critique of Heidegger we show how they can be understood as an extension of our Heideggerian problematic: the notion of différance and of the written trace supply us with a particularly linguistic and writerly description of the archaic structuration. This also allows us both to respond in a novel fashion to open questions immanent to Sein und Zeit, and to suggest a previously unseen distinction running through Derridean deconstruction. The grammatological moment in deconstruction is a response to the question of temporality. Finally, we show how the recently popular discussion of the event can also be read as a thematisation of phenomenality, and specifically in the theory of Jean-Luc Nancy, how such a theory can avoid the facile metaphysical concepts of presence. By supplementing Nancy’s distensive event with a series of explicit historical glosses we show how it sketches out an original event-conception quite compatible with our interest in the structuring of phenomenality

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Stadelmaier, Philipp. "kommentare zum (post-)kino : Serge Daneys kritiken (1962 – 1992) und Jean-Luc Godard „histoire(s) du cinéma“ (1988 – 1998)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080012.

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Le présent travail se propose de mettre en regard les écrits du critique de cinéma Serge Daney et les Histoire(s) du cinéma de Jean-Luc Godard, qui constituent le corpus de la thèse. Nous interpréterons les critiques de Daney et les montages de Godard comme des critiques au sens de Maurice Blanchot et comme des commentaires au sens de Michel Foucault. En tant que tels, ils aboutissent à un supplément de signification (un « supplément du cinéma ») au sens de Jacques Derrida. Chez Blanchot, la critique achève l’œuvre (dans notre cas : le film) grâce à l’interprétation. Chez Derrida, le supplément signifie un manque de signification dans le mouvement de l’écriture, ce qui nous permet de suggérer que le cinéma est, au-delà du film lui-même, un agencement de significations en constante évolution et dont le dernier sens reste toujours à venir. À la suite de Michel Foucault, nous envisageons cet agencement comme un référent épistémologique concret, un grand texte primaire sans cesse répété par un commentaire qui préserve le caractère inépuisable de ses significations. Ainsi, nous interprétons les œuvres de Daney et de Godard à l’aune du post-cinéma. À l’heure où le cinéma ne cesse d’investir de nouveaux espaces et de nouveaux supports, il devient difficile de le définir. Contrairement à ceux qui l’appréhendent à partir de son dispositif, de ses lieux et de ses supports, nous le concevons comme un grand texte primaire à interpréter et à compléter. En tant que commentateurs, Daney et Godard enrichissent ce texte – le cinéma – de nouvelles significations. Ils perpétuent ainsi la nécessité d’en produire sans cesse de nouvelles exégèses et assoient son autorité This thesis deals with the works of film critic Serge Daney and Jean-Luc Godard’s Histoire(s) du cinema, which I will interpret on the basis of Maurice Blanchot’s notion of “critique”, Jacques Derrida’s notion of “supplément” and Michel Foucault’s concept of “commentaire”. I will argue that Daney’s texts and Godard’s montages function as criticism and commentaries that perpetuate a “supplement of cinema”. While Blanchot's criticism “completes” the work of art (in this case the film) by interpreting it, Derrida's supplement signifies a lack of meaning in the act of writing, Foucault's notion of commentary allows to go beyond the dimension of the singular work and to refer to cinema as a concrete epistemological object, a primary text ("the cinema"). According to Foucault the commentary repeats a primary text while preserving its inexhaustible potential of meaning. Based on this thought, I will approach Daney’s and Godard's works from a post-cinema perspective. In the digital age in which cinema has undergone various transformations, the meaning of the concept of “cinema” is constantly being re-evaluated. Unlike a general understanding of cinema as apparatus, place or specific medium, I conceive cinema as a text that constantly needs to be interpreted and supplemented

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Dubaele, Pierre. "Vaudenargues, l'officier moraliste : essai de doxographie des Ouevres de Vauvenargues, de 1747 à 1947." Lille 3, 1989. http://www.theses.fr/1989LIL30016.

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Nous nous sommes proposé d'étudier la réception de l'oeuvre de Vauvenargues (Luc de Clapiers, Marquis de - 1715 1747), de 1746 (premiere édition de l'introduction à la connaissance de l'esprit humain) à 1947 (bicentenaire de la mort de Vauvenargues). L'ordre d'exposé est chronologique. L'étude comprend cinq chapitres : 1. L'ami des philosophes (1746-1789)- 2. Vauvenargues et la critique romantique - 3. L'oeuvre de vauvenargues de 1870 a 1920 - 4. Vauvenargues dans l'entre-deux- guerres - 5. De 1939 a 1947. Ecrivain mineur de notre litterature, Vauvenargues fut le sujet de nombreux articles ou l'on amalgama souvent le commentaire de l'oeuvre et la biographie de l'auteur. Ainsi naquit et se developpa une "legende de Vauvenargues", laquelle ne prit fin qu'au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale My aim was to study how the works of vauvenargues, (luc de clapiers, marquis de. . . 1715-1747) were received from 1746 (first edition of "l'introduction a la connaissance de l'esprit humain" to 1947 (bicentenary of his death). I have chosen to explain the facts in a chronological order. This study is made up of five chapters : 1. The philosophers' friend (1746-1789) - 2. Vauvenargues and the romantic criticism - 3. Vauvenargues' works from 1870 to 1920 - 4. Vauvenargues during the interwar years (1920-1939) - 5. Vauvenargues' works from 1939 to 1947. Considered as a minor writer int the french literature, vauvenargues was nevertheless the subject of several articles in which the commentary on his works and his biography were very often mixed up. Thus a "legende de vauvenargues" was born, which only came to an end soon after the second world war

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Aguiar, Tiago Mata Machado, and Lúcia 1956 Nagib. "Godard polifonico : genealogias do cinema moderno." [s.n.], 2001. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284314.

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Orientador: Lucia Nagib Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Made available in DSpace on 2018-08-01T14:40:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nagib_Lucia_M.pdf: 17060929 bytes, checksum: 47bd60b7e547d9e76b3a9529be21801f (MD5) Previous issue date: 2001 Resumo: Estabelecendo diálogos entre a obra de Jean-Luc Godard e o trabalho de teóricos, cineastas, críticos, filósofos, romancistas, etc., esta dissertação pretende abordar,num texto polifônico, algumas das características centrais do cinema moderno do pós-guerra Mestrado Mestre em Multimeios

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Acker, Yvan. "Subversion et utopie chez Jean-luc Godard, d'après Pierrot le Fou : l'entre et l'ailleurs." Paris 10, 1987. http://www.theses.fr/1987PA100181.

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L’analyse de Pierrot le Fou, film de Jean-Luc Godard, convoque des outils linguistiques, sémiotiques, sémiotiques, psychanalytiques. L’approche évite les références externes : c’est l’objet qui suscite ma démarche et son organisation. Un film ne peut se fixer que dans notre mémoire, ce qui provoque de graves contresens dans l’analyse de films. Un descriptif rigoureux est donc nécessaire. Le « Livre I » passe en revue les discours qui s’entrecroisent dans Pierrot le Fou. La combinaison des éléments hétérogènes (images, sons, paroles, écrits) est étudiée à travers le dispositif de la narration. Le « Livre II » tente de cerner le mouvement de la création chez Godard, qui évolue entre désir et refus, espoir de la mort et déception de la vie. Stratégie et démolition des discours existants, d’un côté ; volonté de provoquer l’étincelle qui jaillira de rencontres inattendues entre les fragments arrachés à la réalité, de l’autre. Dans Pierrot le Fou, tout se justifie de lui-même de par sa relation structurelle au reste. La référence constante à la poésie (Baudelaire, Rimbaud, Céline) et à la peinture, révèle l’utopie profonde de Godard : il s’agit de renouveler le sens pour tenter de communiquer enfin. L’existence est telle que, pour susciter l’évidence de la Beauté, le film risque à tout moment l’annulation du sens. L’annexe propose un Découpage Dialogué, ainsi qu’un Diagramme qui offre un aperçu global de Pierrot le Fou : les données techniques sont mises en relation avec le déroulement du film. Blockhauss USA, un court-métrage de Le Hémonet, reçoit le même traitement. Ce court-métrage de 14 minutes, qui est à la fois un hommage à Pierrot le Fou et son pastiche, permet au Chapitre 3 du « Livre II » d’introduire un contrepoint à l’analyse This analysis of Jean-Luc Godard’s film “Pierrot le Fou” makes use of linguistic, semiotic and psycho-analytic tools. This approach avoids external references: it is the object itself which has determined the structure and organization of my work. A film takesform and remains only in one’s memory, and this fact creates serious misinterpretations. A rigourous descriptive treatment is therefore called for. Book One is a review of the discourses which cut across one another in “Pierrot le Fou”. The combination of heterogeneous elements (images, sound, words, texts) is studied by focusing on the construction of the narrative. Book Two attempts to grasp the creative movement in Godard’s work which wavers between desire and refusal, and between death wish and despair with life. On the one hand, he employs a strategy aimed at demolishing the existent discourses; on the other hand, he wants to bring into unexpected confrontation bits of life torn away from reality, and to make of them poetry. In “Pierrot le Fou” every detail is justified by its relation to other details and to the whole. The continual reference to poetry (Baudelaire, Rimbaud, Céline and to painting reveals the profound utopianism of Godard: this means renewing meaning in order to communicate at last. His demand is such that in order to bring Beauty into evidence, the film at any given moments seems to threaten to destroy meaning altogether. The appendices include the screenplay, as well as a diagram of the entire film: the technical details are show in their relation to the unfolding of the film. “Blockaus USA”, a short film by Le Hémonet, is treated in the same manner. This short which lasts 14 minutes is both in recognition of “Pierrot le Fou” and its pastiche; its inclusion makes it possible to introduce, in Chapter 3 of Book Two, a counterpoint in the analysis

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Allan, Ian B. "The life and work of Herbert Luck North 1871-1941." Thesis, University of Liverpool, 1988. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.250293.

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H.L. North was an architect so little known in 1980 that the research aimed at first to establish the nature and quality of his work before proceeding to locate him historically. The historical picture which was constructed, and which is described here, was the main achievement of the work undertaken. North was thirty in 1901. His spheres of architectural achievement are in the movements of that time: the arts and crafts cottage house, the arts and crafts church, and the school of Anglo-Catholic church furnishing founded by Ninian Comper. As part of his personal idiom for the cottage house, Gothic tone and character set him apart. His churches (and private chapels) were built late, and renounce his early designs of a more detailed and familiar Gothic type for a forceful structural simplicity which aligns him with \aI.R. Lethaby and E.S. Prior. In church furnishing he made original use of the example of Comper throughout his life, and installed what was probably the first 3nglish altar in \-lalesas early as 1903. The output of North's country practice was modest, and almost all of it was imbued in some way with Gothic character. He was not a church architect who also built houses. He was a Gothic architect both in his own estimation and in almost all aspects of his work. This gives him a special position in the history of architecture in Britain in the early t\ofentieth century. In Wales, North was the leading figure in his day in the development of the taste for old Welsh building, as described in chapters twelve and thirteen, which are located so that this aspect of his achievements can be met with subsequent to the account of his architectural career. There was no arts and crafts movement in ,.,Tales.North's role in his house work there was to assimilate continuing vernacular methods of construction to the advanced idiom he had started to learn with Lutyens. His success gave him the false reputation with posterity of actually being the leader of the arts and crafts movement in \o/ales. His real significance is better seen at a less provincial level. It shows him conspicuous as a Goth with a particular feeling for what he called early Pointed, and with a corresponding economical style, at a time when the Gothic revival had been repudiated, and when classical and neo-Georgian were becoming increasingly the idioms of the day.

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Boulais, Marcel. "Le comportement électoral de la Sagamie : 1970-1985 /." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 1990. http://theses.uqac.ca.

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Maria, João Paulo Miranda. "A influência do Grupo Dziga Vertov no cinema de Jean-Luc Godard." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284944.

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Orientador: Etienne Ghislain Samain Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Made available in DSpace on 2018-08-16T23:32:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria_JoaoPauloMiranda_M.pdf: 42490477 bytes, checksum: da5eeddc5e6cbb844d4939a310c2be54 (MD5) Previous issue date: 2010 Resumo: O trabalho investiga a transformação estética no cinema de Jean-Luc Godard, analisando antes, durante e pós o grupo Dziga Vertov, encabeçado por Jean-Luc Godard e estudantes maoístas. A mudança estética de Godard é notada por muitos, contudo há escassez de estudos detalhados sobre a influência dos anos do Grupo Dziga Vertov. Portanto, este trabalho enfoca as principais características antes do grupo, relacionando-as às mudanças de posicionamento ocorridas durante o período de atuação do Dziga Vertov. Descreve, ainda, como estas alterações resultaram no cinema atual desenvolvido pelo cineasta, que aborda com maior profundidade novas ligações entre as imagens em movimento. Sob esse aspecto, o cineasta se coloca como um dos únicos da área que alcança tal façanha Abstract: This work investigates the aesthetic transformation in Jean-Luc Godard' Movies, analyzing before, during and post the Dziga Vertov Group, headed by Jean-Luc Godard and maoist students. Change aesthetics of Godard is noticed by many, but there is a shortage of detailed studies on the influence of Dziga Vertov group' years. Therefore, this work focuses on the main characteristics before Group, relating to changes of positioning occurring during the period of Dziga Vertov' action. Describes, yet, how these changes have resulted in current cinema developed by filmmaker, which deals with greater depth new connections between the moving images. In this sense, the filmmaker is the unique in the area that reaches such a feat Mestrado Mestre em Multimeios

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Cho, Sung Moon. "La céramique et la verrerie de table en France à l’époque de Jean Luce, 1910-1960 : de la conception à la réception des œuvres." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL101.

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À partir du fonds inédit du musée des Arts décoratifs de Paris consacré à Jean Luce (1895-1964), cette thèse éclaire l’histoire du service de table français entre 1910 et 1960. Bien que rarement considéré par les historiens de l’art, cet objet du quotidien reflète pourtant remarquablement les évolutions des arts visuels de ce demi-siècle. La création de Luce témoigne ainsi de toute la diversité du style Art déco puis de l’avènement du design dans l’immédiat après-guerre. Par ailleurs, il a réinventé le métier de créateur-éditeur de services de table, en dessinant des formes et des motifs aussi bien pour la céramique que pour la verrerie, en les faisant fabriquer par une chaîne industrielle et en les diffusant lui-même dans son magasin parisien de la rue La Boétie. Si son travail constitue notre point de départ, nous avons également considéré le rôle des dessinateurs industriels, des manufacturiers de porcelaine, de faïence et de verre ainsi que des commerçants car tous ces acteurs participent aux choix esthétiques effectués dans le cadre d’une production de masse. Il s’agit donc d’interroger les mécanismes à l’œuvre dans le développement et la propagation d’un style lors de la création, de la production et de la diffusion des services de table. Plus largement, l’évolution formelle de ce bien de consommation destiné à l’usage courant est aussi influencée par les mutations de la vie quotidienne et de la sociabilité. Par conséquent, notre enquête sur le service de table mobilise, en plus des outils de l’histoire de l’art, ceux de l’histoire socio-culturelle This thesis sheds light on the history of the French tableware between 1910 and 1960 by examining the unexplored collection devoted to Jean Luce (1895-1964) at the Musée des Arts Décoratifs of Paris. These everyday objects are rarely studied by art historians, even though they remarkably capture the evolution of visual arts over that half-century. Luce’s creations exemplify the diversity of the Art Deco style in the inter-war period and the advent of design in the immediate post-war period. Furthermore, Luce reinvented the figure of the creator-editor specialized in this field by designing forms and motifs for both crockery and glassware, having them produced by an industrial chain and distributing them personally in his Parisian store on rue La Boétie. His work is our starting point, but we are also interested in the work of industrial designers, manufacturers of porcelain, earthenware and glass as well as tableware retailers, all of whom, in a mass production context, influenced aesthetic choices. From this, we look at how a style develops and spreads as we study the stages of creation, production and distribution of the tableware. More broadly, the evolution of these consumer goods was shaped by new manners of socializing and other changes in daily life. Consequently, our survey uses, in addition to the tools of art history, those of socio-cultural history

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MANCOSU, GIANMARCO. "La Luce per l’impero. I cinegiornali sull’Africa Orientale Italiana 1935-1942." Doctoral thesis, Università degli Studi di Cagliari, 2015. http://hdl.handle.net/11584/266835.

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In my PhD dissertation I try to answer to the question on how the Fascist regime in Italy represented its empire through the “Istituto Luce” newsreels, between the 1935 and 1942. Given the lack of a comprehensive work on the above mentioned subject, I’ve investigated on how cinematographic representations could shape or redefine the process of identity building during the “Ventennio”. In order to achieve a broad theoretical frame, in the first chapter I’ve analysed the roots of the Italian fascist’s culture. The discourse as conceived by Michel Foucault is a key concept to investigate about the relationship between power, knowledge and culture. I’ve used two theoretical evolutions of the Foucault’s discourse, namely the visual discourse and the Orientalist theory. In so doing I’ll be able to apply the concept in order to study the visual products about colonialism. Then I’ve investigated about the history of Italian colonialism, focusing on both the invasion of Ethiopia in 1935 and the reasons of the delay that characterized the early studies on the topic. In the chapter two I’ve specified a methodological frame to understand the relationship between Fascism and Italian masses through the newest mass media such as cinema and radio broadcast; as a result I underline several concept of modernity which found place within the cultural space of Fascism. The reconstruction of the “manufacture of consent” allows me a first examination about the role of the “Istituto Luce” within the Fascist regime. New archival records give me the possibility to a meticulous reconstruction of the activity of the Istituto Luce during the Ethiopia’s war. Chapter three is about the “Reparto fotocinematografico Africa Orientale dell’Istituto Luce” (RAO), which factually made imperial newsreels. Related to the activity of the RAO, other two original aspects have been analysed: the activity of the “Ufficio Stampa e Propaganda Africa Orientale” which had to coordinate the whole info-propagandistic activity between Africa and Italy; then I’ve focused my attention on the diffusion of the cinema in the “Africa Orientale Italiana” as a tool to reinforce racial borders between black and white people. In the last chapter I’ve analysed 200 newsreels in order to investigate about the gap between reality and cinematographic representations. Visual analysis is placed in the historical and theoretical frame above mentioned: in this way I’m able to reconstruct the discourse on identity and otherness that shaped these cinematographic representations.

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Naïm, Joëlle. "Nicholas Ray : un cinéaste en crise." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080830.

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Le but de cette these est d'etudier, a travers l'oeuvre de nicholas ray, les formes de la crise du cinema hollywoodienne et son importance dans la naissance du cinema moderne europeen, celui, des nouvelles vagues francaise et allemande. Ce travqil a ete oriente par la vision d'un dernier film, paradoxal et controver se, un film au confluent de plusieurs crise. Il s'agit de nick's movie lightnin over water, dans lequel un des plus celebres cineastes hollywoodien des annees 50, est filme en tran de mourir par un de ses fils spirituels, wim wenders, un cineaste allemand des annees 70. La premiere partie analyse l'importance de la crise dans la fiction de ray, dominee par le personnage de l'adolescent en revolte contre son pere. La crise d'adolescence fonctionne comme un modele de schema conflictuel, a l'oeuvre dans toutes les etapes de la fabrication du film, comme le montrera la deuxieme partie. C'est cette crise generalisee qui fait de cette oeuvre, en rupture avec le systeme hollywoodien, une oeuvre particulierement apte a seduire les jeunes cineastes europeens. Comment cette rencontre a ete possible, quels en sont les enjeux, c'est ce dont traitera la troisieme partie, ou on verra nicholas ray, bon gre mal gre, jouer le role du pere dans une histoire de famille, la cinephilie, grace a laquelle s'elabore le cinema moderne This thesis examines crisis in the work of nicholas ray and the role it it plays in the development of european new wave french and german cinema. One particularly paradoxical and controversial firm, "nick's film lightning over water, which is at the crossroad of several crises, shapes the study. In this unique film, wim wenders, a young german film-maker of the 70's, films one of the most famous film-mater of the 50's his "spiritual father", who is dying of cancer. The first part of the study anayses the importance of crisis in nicholas ray's films. His work is dominated by the adolescent hero rebelling against his father. This adolescent crisis provides a model for all the other crises in the making of the film itself, that the second part examines. This prevailing state of crisis explains why these movies, breaking with the classic hollywood film, appeal to the young european film-makers. The third part deals with this relationship, an illustration of what is known as "cinephilie" and the role it played in the making of modern cinema

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Botes, Jan Adriaan. "Development, characterisation and verification of an integrated design tool for a power source of a soya business unit / J.A. Botes." Thesis, North-West University, 2007. http://hdl.handle.net/10394/1943.

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Green, Laura Katherine. "Tracing the sensible transcendental : Luce Irigaray and the question of female subjectivity." Thesis, University of Liverpool, 2012. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.574672.

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This thesis traces the development of Luce Irigaray's philosophy of sexuate difference along the lines of her call for a 'sensible transcendental'. Specifically, I aim to arrive at a deeper understanding of the concept in the context of her early engagement with psychoanalytic theory and her critique of 'phallocentrism', as well as her struggle to define a specifically 'female' subjectivity which, I suggest, forg>,s a path beyond the Oedipal psychoanalytic model. The 'sensible transcendental' - the central category or 'hinge term' of this thesis - stands for a mode of experience which emphasises the corporeal origins and conditions of existence - particularly in relation to the body of the mother - which have been occluded by 'phallocentric' modes of representation (in philosophy, psychoanalysis, and religion). In her later thought, Irigaray will evoke the sensible transcendental as the condition of ethical relations with sexuate 'others', and it is in this context that the term is most commonly understood. However, I argue that a closer inspection of Irigaray's early writing directs us to the psychoanalytic origins of the term, and its crucial role in defining an autonomous 'female' Subjectivity. The question that concerns me in this thesis is the nature of the relationship between the sensible transcendental as a mode of experience (of 'becoming') which unites corporeal and conceptual logic, and Irigaray's project of defining a female subjectivity which moves beyond the constraints of phallocentric discourse and the Oedipal model at its core. In the first three chapters I adopt an analytical approach to Irigaray's early thought, focusing on the psychoanalytical and philosophical origins of the 'sensible transcendental'. I argue that the term must first be understood in the context of the 'psychoanalytic scene'. Irigaray claims that the 'transference' process remains irresolvable between a female analyst and female analysand because no symbolic processes exist that would mediate and 'contain' it; as such, the relationship dissolves into an imaginary corps-il-corps. The analytic scenario is, moreover, symptomatic of a wider problem: the often 'strained' relationship between mothers and daughters. Irigaray argues that, because of inadequate symbolisation, the maternal figure has become trapped in the realm of Imaginary phantasy, making it difficult for the mother to 'separate' herself fully from her daughter (and vice versa). Thus Irigaray initially evokes a 'sensible transcendental' as a form of mediation or 'dialogic space' that would permit the 'separation' of mother and daughter by creating a 'setting' for sublimation to take place. I then focus my attention on Irigaray's critique of Kant, arguing that the sensible transcendental must be viewed as a reaction to, and a revision of, the Kantian transcendental subject. Following this, I describe how Irigaray's notion of the sexuate subject is shaped by Heidegger's philosophy and, specifically, a 'Heideggerian' re-reading of Kant, especially on the topics of space and time and the 'transcendental'. Chapter 4 is pivotal in that I reject a 'theological' interpretation of Irigaray's writing on the mystical and the divine, arguing instead for a phenomenological approach to Irigaray's conception of the body as divine 'flesh'. In the final two chapters I adopt a more constructive approach to Irigaray's thought, showing in chapters 5 and 6 how the problem of psychical 'matricide' (the 'killing' or repudiation of the mother) is solved by positing a 'relational' model of subjectivity - what I call a 'fleshy' subjectivity - which begins in utero. This model assumes, contra Freudian-Lacanian orthodoxy - that there was never a mother-infant 'dyad' in the first place, and thus the requirement for violent separation from the mother (qua the Oedipal scenario) is diminished. This model of 'relationality' is constitutive of what I call the 'Irigarayan subject' - a heterogeneous, 'fleshy' subject - which defies phallic hierarchy and traverses the bounds of Oedipality.

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Serrut, Louis-Albert. "Jean-Luc Godard, cinéaste acousticien : des emplois et usages de la matière sonore dans ses oeuvres cinématographiques." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010574.

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Qualifier Jean-Luc Godard de cinéaste acousticien peut surprendre, voire crisper les tenants d'un cinéma visuel. C'est affirmer la matière sonore comme moyen du style et l'esthétique de son cinéma. Etudiée oeuvre par oeuvre, elle accomplit, avant la matière iconique ou avec elle, les qualités artistiques, esthétiques, politiques, historiques, voire philosophiques de son oeuvre. Des ses courts-métrages le cinéaste initie des figures et procédés sonores qu'il reprendra pour en faire la part expressive et signifiante de son cinéma. Combinaison de la voix humaine, de la musique, des bruits et des écrits, l'acoustique, d’oeuvre en oeuvre se densifie et se complexifie. II réalise, à l'instar des formes visuelles, des formes sonores, instruments d'expression audio-visuelle. II les utilise pour se faire comprendre, signifier, idéaliser, montrer les idées, discourir, ouvrir à l'imaginaire. La perception de ses oeuvres n'est pas pour l'audio-spectateur une expérience anodine, ordinaire, simple ni aisée.

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Piro, Vincenzo. "Entre phénoménologie et apophatisme : à partir de Jean Luc Marion." Thesis, Lyon, 2017. http://www.theses.fr/2017LYSE3080.

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« Poète et non honnête homme. On ne consulte que l’oreille, parce qu’on manque de cœur » : il y a peut-être une très grande proximité entre cette pensée de Pascal et l’inspiration de la pensée de Marion. Dans l’article « De la “mort de Dieu” aux noms divins » il fait allusion à une logique de la charité à développer, comme tâche pour la pensée. Ce qu’on a tenté de reconstruire, c’est le développement de cette inspiration, en ayant comme point de départ le concept de négation, tel qu’il émerge dans Certitudes négatives. La négation constitue, dans ce texte, par le concept de certitude négative, un troisième élargissement de la phénoménalité, qui saisit non seulement l’excès de l’intuition par rapport aux concepts, mais l’impossibilité que l’excès impose aux concepts. Marion présente un discours sur la limite, transcendantale, à entendre comme le lieu où se donne un degré redoublé de réalité. Cette avancée, qui montre qu’aussi la négation relève de la donation, doit être mise en perspective avec le constat, qui caractérise la fin de Reduction et donation, que la négation, par l’ennui, est la condition pour accéder à la donation. On a essayé d’approfondir ce nœud par la reconstruction de l’émergence de la négation dans la pensée de Marion et de ses caractères, avec une particulière attention au concept de distance et à sa genèse. Par cette voie on a pu mettre en évidence l’articulation concrète et la centralité dans l’œuvre de Marion du rapport entre phénoménologie et apophatisme, et la façon avec laquelle elle peut se développer en une logique de la charité Between phenomenology and apophatism : starting from Jean-Luc Marion « Poet and not honest man. We consult only the ear, because we lack heart ». There is perhaps a great proximity between this thought of Pascal and the inspiration of Marion's thought. In the article « De la “mort de dieu” aux noms divins » he alludes to a logic of charity to develop, as a task for thought. What we have tried to reconstruct is the development of this inspiration, having as a starting point the concept of negation, as it emerges in certain Certitudes négatives. Negation constitutes in this text, by the concept of negative certainty, a third enlargement of phenomenality - after the givenness and saturated phenomena - which captures not only the excess of intuition in relation to concepts, but the impossibility that excess imposes on concepts. Marion presents a discourse on the transcendental limit, to be understood as the place where a redoubled degree of reality is given. This advance, which shows that the negation belongs to the givenness, must be put into perspective with the finding, which characterizes the end of Reduction and givenness, that negation, through boredom, is the condition for accessing the donation. We tried to analyze this crux by reconstructing the emergence of negation in Marion's thought and its characters, with particular attention to the concept of distance and its genesis. In this way it has been possible to highlight the concrete articulation and centrality in Marion's work of the relationship between phenomenology and apophatism, and the way in which it can develop into a logic of charity

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Russczyk, Jaqueline. "O Fórum Gaúcho de Saúde Mental e os argumentos sobre a reforma psiquiátrica no Rio Grande do Sul : relações sociais e princípios de justificação." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2008. http://hdl.handle.net/10183/15317.

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Ce mémoire est a comme sujet les arguments produits dans les litiges qui impliquent les conceptions sur la santé mentale, présente dans les justifications et les actions des acteurs sociaux impliqués dans les discussions relatives à la maladie mentale au Rio Grande de Sul, dans un contexte de Contre-Réforme Psychiatrique. Cette étude vise à déterminer si c'est à partir de certaines relations sociales parmi les acteurs sociaux que les justifications et les actions sont produites. L'objet de cette étude est composé par les relations sociales et les arguments produits par les membres du Forum Gaucho de Santé Mentale à Porto Alegre. On utilise l’analyse relationnelle ainsi que la référence théorique de Michel Foucault et la sociologie pragmatique de Luc Boltanski. Il a été constaté qu’à partir d’une mise en cause sur la manière dont la configuration du Forum Gaucho de la Santé Mentale se concentre sur les principes de la justification employée par les acteurs sociaux appartenant au groupe, qu'il y a des idées différentes sur la santé mentale au sein du Forum et qu’il existe une prévalence de certains principes de la justification dans le discours une fois qu’il y a une prévalence de certains acteurs sociaux qui dépeint le discours. Pour bien mener cette investigation, dix représentants du Forum Gaucho de la santé mentale à Porto Alegre ont été interviewés et on a utilisé comme procédure méthodologique l'observation, ainsi que l'interview avec l'utilisation d'un script écrit. Après l'achèvement des entretiens, on a fait l'analyse de contenu. Esta dissertação tem como tema os argumentos produzidos nas disputas envolvendo as concepções sobre saúde mental, presentes nas justificações e ações dos atores sociais envolvidos nas discussões referentes à Reforma Psiquiátrica, no Rio Grande de Sul, em um contexto de Contra-Reforma Psiquiátrica. O presente estudo tem como finalidade verificar se é a partir de determinadas relações sociais entre os atores sociais que as justificações e as ações são produzidas. O objeto deste estudo são as relações sociais e os argumentos produzidos pelos integrantes do Fórum Gaúcho de Saúde Mental de Porto Alegre. Utiliza-se a análise relacional, bem como o referencial teórico de Michel Foucault e a sociologia pragmática de Luc Boltanski. Foi verificado, a partir do questionamento de como a configuração do Fórum Gaúcho de Saúde Mental incide sobre os princípios de justificação mobilizados pelos atores sociais pertencentes ao grupo, que há concepções diferenciadas sobre saúde mental dentro do Fórum e há a prevalência de determinados princípios de justificação no discurso porque há uma prevalência de determinados atores sociais que veiculam este discurso. Para a realização desta pesquisa, foram entrevistados dez representantes do Fórum Gaúcho de Saúde Mental de Porto Alegre e utilizou-se como procedimento metodológico a observação, bem como a entrevista com o uso de um roteiro escrito. Após a realização das entrevistas, efetuou-se a análise de conteúdo. The subject of this thesis is composed by the arguments produced in disputes involving conceptions about mental health present in the justifications and actions of social actors involved in discussions relating to Psychiatry Reformation in Rio Grande de Sul, in a context of Psychiatry Counter-Reformation. This study aims to check whether it is from certain social relations among the social actors that justifications and actions are produced. The object of this study is composed by the social relations and the arguments produced by members of the Forum Gaucho of Mental Health in Porto Alegre. It is used the relational analysis as weel as the theoretical reference to Michel Foucault and to the Luc Boltanski’s pragmatic sociology. It was found from the question of how the configuration of the Forum Gaucho of Mental Health focuses on the principles of justification employed by social actors belonging to the group, that there are different ideas about mental health within the Forum and there is the prevalence of certain principles of justification in the speech because there is a prevalence of certain social actors who portrayed the speech. To carry out this survey, ten representatives of the Forum Gaucho of Mental Health in Porto Alegre were interviewed and it was used as a methodological procedure the observation, as well as the interview using a script writing. After the nterview completion, it was the analysis of content.

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Raimond, Sophie. "Les enjeux esthétiques et politiques des métamorphoses de l'œuvre de Jean-Luc Godard." Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018AZUR2019/document.

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Cette recherche est située aux frontières de l’Esthétique et Sciences de l’art et des Sciences de l’information et de la communication. Notre hypothèse de départ réside dans la contribution de l’œuvre de Godard à une recherche pluridisciplinaire. Cinéaste, critique, théoricien, vidéaste, archiviste et téléaste, Jean-Luc Godard est l’auteur d’une œuvre métamorphique qui redéfinit radicalement les frontières du cinéma. Condamnant l’ambition hégémonique des technologies actuelles, tout en les absorbant dans une pratique cinématographique expérimentale, Godard développe une pensée en actes filmiques qui n’a pas rompu avec l’actualité. Le montage, au fondement de la création de Godard comme de ses prises de paroles, aménage un espace où la rencontre contrariée de signes discursifs, visuels et sonores, issus aussi bien du vaste champ de la culture littéraire, philosophique, musicale, cinématographique, artistique, classique et moderne que de la production artefactuelle contemporaine, permet de rompre avec nos habitudes spectatorielles. Le montage de Godard interroge le devenir de la communication par l’image et la parole et offre une issue esthétique au règne du visuel. Notre développement s’appuie sur des analyses de discours et de l’image, avec une attention soutenue aux métrages produits par Godard en parallèle et à la suite de la conception des Histoire(s) du cinéma (1988-1998). De manière affirmée depuis les années 1990, la pratique cinématographique de Godard s’est convertie à une écriture essayiste et multimédiatique. Le principe du réemploi étant au fondement même des métrages de Godard, nous avons développé une analyse des fragments et citations du cinéaste, selon une approche comparatiste, qui nous a permis de croiser, dans une ouverture pluridisciplinaire, plusieurs théories de l’image, de l’œuvre d’art et du langage, comme autant de points de vue critiques pour penser les potentialités de communication de la création audiovisuelle. Godard, acteur paradoxal de la fin du cinéma, redéfinit le devoir-être du cinéma dont il s’agit de devoir faire les leçons théoriques, dans un court-circuitage des premières théories du cinéma (Epstein, Faure, de la phénoménologie merleaupontienne et de la pensée deleuzienne. Traditionnellement perçue comme consubstantielle au cinéma, la représentation du réel procède d’une dialectique du visible et de l’invisible, à l’œuvre dans les créations de Godard qui métamorphosent les enjeux esthétiques et politiques de l’image en mouvement. Dans la filiation des penseurs de l’École de Francfort (Adorno, Benjamin) et du poststructuralisme français (Baudrillard, Deleuze, Derrida, Foucault), les propositions esthétiques de Godard déploient une pensée qui redéfinit les conditions de l’émancipation politique et spectatorielle. Le cinéaste amène le spectateur-citoyen à une mise en cause radicale du semblant démocratique et lui propose, dans l’idée même de création et d’amour qui la génère, la possibilité de révéler les contours cachés du réel et de le modifier. Sarajevo, sujet central du cinéma tardif de Godard, permet d’ouvrir notre argumentaire aux possibilités d’action d’un montage éthique et politique pour dénoncer les formes plurielles d’aliénation qui s’établissent dans les politiques de disparition, la médiatisation des conflits et une communication qui agit à plusieurs niveaux. L’ambition de notre démonstration réside dans les possibilités de révolution contenues dans une forme que Godard appelle cinéma ou montage : un art de l’immaîtrisé et une force dissensuelle qui permettent d’interroger les relations entre esthétique et politique, dans le cadre d’une mutation généralisée des signes qui affecte le devenir anthropologique, économique et symbolique des sociétés This research is at the intersection of aesthetics, arts, and information and communication sciences. My initial hypothesis was based on the contribution of Godard's work to multidisciplinary research. As a filmmaker, critic, theoretician, video producer, archivist and television director, Jean-Luc Godard is the author of a metamorphic work, which radically redefined the boundaries of cinema. Godard challenged the hegemonic ambition of current technologies and, at the same time, integrated them in an experimental film practice. Thus, he has developed a pensée en actes filmiques, without breaking with current times. The montage at the foundation of Godard's creation, and also expressed in his discourses, has created a space in which the contrary confluence of discursive, visual and acoustic signs – stemming as much from the vast field of literary, philosophical, musical, cinematographic, classical and modern artistic culture as from contemporary artefact production – and leads the viewer to break with his habits. Godard’s montage has questioned the future of communication by image and word, and has offered an aesthetic concept to the domination of the visual. My thesis was based on discourse and image analysis, paying a close attention to the films produced by Godard during and following the conception of Histoire(s) du cinema (1988-1998). Since the 1990s, Godard's film practice has become that of an essayist and a writer of multimedia. The principle of re-use has been at the very foundation of Godard's films. By exploiting this, I analysed the filmmaker's fragments and quotes. I used a comparative and multidisciplinary approach which allowed me to embrace several picture, artwork and language theories, all of them being critical points of view to think about the potentials of communicating by audiovisual creation. Godard, as a paradoxical player of the end of cinema, redefined the film's devoir-être, i.e. an imperative short-circuiting of early film theory (Epstein, Faure), of Merleau-Ponty’s phenomenology and of Deleuze’s philosophy. Traditionally perceived as an inherent element of cinema, the representation of reality proceeded from a dialectic of the visible and the invisible, at work in the creations of Godard which has metamorphosed the aesthetic and political issues of the moving image. In the wake of the Frankfurt School (Adorno, Benjamin) and of French poststructuralism (Baudrillard, Deleuze, Derrida, Foucault), Godard's aesthetic propositions have deployed a thought that redefined the conditions of political and spectatorial emancipation. The filmmaker has encouraged the citizen-spectator to a radical questioning of the democratic facade and, in the very idea of creation and love, he has revealed the hidden contours of reality and the possibility of changing it. Sarajevo, the central subject of Godard's late cinema, opened up a debate on the possibilities of action of an ethical and political montage to denounce the plural forms of alienation in the policies of disappearance, the media coverage of conflicts and communication acting on several levels. The ambition of my demonstration lies in the possibilities of revolution contained in a form that Godard has called cinema or montage: an art of the uncontrolled and of dissent allowing to question anew the relations between aesthetics and politics, as part of widespread mutation of signs wich affects the anthropological, economic and symbolic future of societies

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Oehsen, Kristine von. "'Claude Cahun' : published/unpublished : the textual identities of Lucy Schwob : 1914-1944." Thesis, University of East Anglia, 2003. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.397796.

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Mas, Arthur. "Jean-Luc Godard ou le beau souci d’Image : Histoire(s) du cinéma et ses entours." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080094.

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Alors que Jean-Luc Godard est salué comme un cinéaste de l’image (au sens habituel), et qu’il est réputé pour être un grand virtuose du montage audio-visuel, nous avons été frappés par la présence insistante du mot image lui-même dans son œuvre, et plus particulièrement dans Histoire(s) du cinéma. C’est de cette observation qu’est partie notre recherche à la poursuite des emplois de ce mot. Cette enquête nous a amené à parcourir également ce que nous avons considéré comme formant les entours de ce film en raison de cette même présence. Puis, afin de distinguer les éléments recueillis, nous avons instauré une terminologie qui adopte l’italique sur image (afin de rappeler que ce mot est proprement mentionné dans les occurrences relevées) et articule, au moyen du tiret, le mot aux autres termes (énoncé-image, bloc-image) pour traduire l’agencement dans lequel le mot est pris While Jean-Luc Godard is widely acclaimed as an image film-maker (in the common sense), and while he is renowned to be a media editing master, we were surprised by the recurring use of the term image itself throughout his work, and more specifically in Histoire(s) du cinéma. This observation was the starting point of our research in pursuit of the various uses of this term. This investigation led us to browse also through what we considered to be the outlines of this film because of this same occurrence. Then, in order to distinguish the evidence collected, we have established a terminology which uses italics on image (in order to remind the reader that this word is specifically mentioned in the occurrences we noted) and articulates, with the use of the hyphen, the word with other terms (statement-image, bloc-image) to translate the layout in which the word is used

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Roggero, Jorge Luis. "Phénoménologie de la donation, héméneutique et religion chez Jean-Luc Marion." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL083.

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Le présent travail propose d’examiner le projet phénoménologique de Jean-Luc Marion en le caractérisant comme une herméneutique de l’amour. Il s’agit, ce faisant, de trouver au sein des possibles de la phénoménologie de la donation une réponse aux deux principales objections qu’elle a reçu : l’objection herméneutique (Greisch, Grondin et autres) et l’objection théologique (Janicaud, Benoist et autres). En suivant le modèle de la phénoménologie du jeune Heidegger, la phénoménologie de la donation opère comme une herméneutique en tant qu’elle doit déchiffrer le sens énigmatique du phénomène saturée et elle ne le fait qu’en s’appropriant philosophiquement d’une idée théologique : l’idée de l’amour. L’amour en tant que Grundstimmung fonctionne comme puissance de phénoménalisation de la donation The present work aims to examine Marion’s phenomenological project by characterizing it as a hermeneutics of love. In doing so, I will try to find within the possibilities of the phenomenology of donation an answer to the two main objections it has received: the hermeneutic objection (Greisch, Grondin, and others) and the theological objection (Janicaud, Benoist, and others). Following the young Heidegger’s phenomenology, the phenomenology of givenness operates as a hermeneutics insofar as it must decipher the enigmatic sense of the saturated phenomenon and it does so only by philosophically appropriating a theological

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