Дисертації з теми "Littérature comparée – Anglaise et russe"

À partir de la deuxième moitié du XIXe siècle, l'image animale se confirme dans un nouveau rôle, à savoir qu'elle ne fonctionne plus comme moyen de critique sociale, mais qu'elle s'introduit dans le portrait des personnages humains comme une composante intrinsèque. Les écrivains tournent leurs regards vers la part animale de l'Homme en se questionnant sur ce qu'elle représente. Pourtant, la complexité sémantique de l'image animale donne lieu à plusieurs interprétations possibles. Cette thèse a pour but d'analyser l'image animale en tant qu'élément constituant le portrait physique et psychologique des personnages littéraires dans la littérature européenne au tournant du XXe siècle. La question est de savoir si les images animales se manifestent sous les mêmes formes et si elles portent la même signification dans les trois traditions littéraires, française, anglaise et russe
From the second half of the 19th century onwards, animal imagery took on a new role, no longer as a means of social criticism, but as an intrinsic part of the portrayal of human characters. Writers are turning their attention to the animal side of humain being, questioning what it represents. Yet the semantic complexity of the animal image provides a large range of its interpretations. The aim of this thesis is to analyse the animal image as an element constituting the physical and psychological portrait of literary characters in European literature at the turn of the twentieth century. The question is whether animal images are represented through the same forms and whether they carry the same meaning in the three literary traditions, such as French, English and Russian literature

On etudie dans ce travail la theorie du realisme socialiste, naissant apres la revolution russe de 1917, a travers deux litteratures europeennes: sovietique et francaise. On s'etend a ses origines dans l'esthetique marxiste et dans la litterature proletarienne qui en constituerent le point d'appui. Puis on traite de la theorie qui prit vigueur en urss a partir des annees trente, puisqu'elle devint, jusqu'au milieu des annees cinquante, la methode de l'ecrivain sovietique. Le realisme socialiste trouva aussi, durant la meme periode, son retentissement en france dans le milieu des ecrivains communistes et revolutionnaires qui reclamerent un realisme socialiste s'appuyant sur la tradition realiste francaise. Au niveau de la pratique, on confronte les donnees theoriques a deux romans du realisme socialiste, l'un sovietique et l'acier fut trempe de necolas ostroveski et l'autre francais le premier choc, au chateau d'eau d'andre stil. Les deux auteurs s'appliquent a satisfaire les normes du realisme socialiste
In this work we are studying socialist realisme, which appeared after the russian revolution in 1917, through two european literatures, the russian literature and the french one. We shall start with its origins in the marxist ideology and in the proletarian literture on which it was based. Then we go on with the theory used by russian writers from the years 1930 up to the mid 1950. During those years socialist realisme spread in france among communist and revolutionary writers who wanted a socialist realisme based on the traditional french realisme. For deeper study we shall compare the fundamental ideas in two novels dealing with socialist realisme: a russian novel et l'acier dut trempe, by necolas ostrovski, and a french novel le premier choc, au chateau d'eau by andre stil. Those two writers endeavour to apply the rules of socialist realisme

Robinson Crusoé est un mythe littéraire moderne en ce qu'il élabore au début du XVIIIè siècle un nouveau statut du sujet : il construit la figure médiatrice d'un "je" souverain qui relie le social et le sacré dissociés par le "désenchantement du monde". Il fonctionne à la manière d'un mythe en proposant une solution narrative à un dilemme d'ordre idéologique. Apparu grâce à la convergence de plusieurs thématiques de la solitude insulaire (observées depuis le "Philoctète" de Sophocle) que le roman de Defoe réunit pour la première fois, le mythe de Robinson se métamorphose dans ses versions de la seconde moitié du XXè siècle. Cinq romans du corpus retenu privilégient le thème de la quête d'un ailleurs (textes de M. Tournier, G. Compere, A. Hervé, J.G. Ballard, P. Theroux), quatre celui de la reproduction insulaire du monde extérieur (W. Golding, M. Spark, J.M. Coetzee). Tout en reprenant le schéma narratif et l'organisation structurale de leur hypotexte, ces robinsonnades remettent radicalement en question le sujet. Marquées par le silence ou la mort de Dieu, elles mettent en évidence la rupture des liens à autrui et à la transcendance à l'époque dite "postmoderne". Le "je" est alors conduit à disparaître ou à se dissoudre dans une identité nouvelle. Paradoxe du mythe littéraire qui se perpétue en s'investissant de contenus sémantiques opposés à ceux qui l'ont fait naître.

Cette thèse est fondée sur l'idée selon laquelle l'écriture chez Samuel Beckett et Thomas Bernhard s'inscrit dans une perplexité fondamentale vis-à-vis du langage. Plus précisément, la jubilation ou la rage forcenée de créer sont inextricablement liées à une méfiance profonde envers l'activité d'écrire. Cette double empreinte caractéristique de leur réaction face à l'opération créatique met en œuvre un processus de réflexions inachevées qui inspirent l'insistance sur la narration. La perpétuation de l'acte narrateur s'explique à la manière d'un impératif, d'une injonction intérieure, à la fois consciente et inconsciente, poussant l'artiste à se soumettre au procédé créateur. Le but de ma thèse est de démontrer comment cet impératif sert à reporter le mutisme ou le silence final dans les textes de Beckett et Bernhard. Afin de mettre en lumière cette rigueur absolue à l'impératif, j'ai placé les œuvres romanesques et théâtrales de ces deux auteurs dans le contexte de la théorie esthétique d’Arthur Schopenhauer et du concept de désir de Jacques Lacan. Plus précisément, l'écriture chez Beckett et Bernhard s'inscrit dans un va-et-vient entre ces deux concepts de Schopenhauer : la connaissance pure et la volonté. Inspirée du concept des idées platoniciennes, la contemplation pure permet à l'individu de se perdre dans l'acte artistique en considérant l'œuvre d'art en dehors de la causalité et d'une relation espace-temps. La volonté en revanche ramène l'individu à ces catégories lorsqu'il cherche à trouver une explication définitive à sa création. Cette oscillation entre contemplation pure et volonté confère son absence de signification ultime aux œuvres de Beckett et de Bernhard. Le caractère indestructible et omniprésent de la volonté peut être rapproché du désir lacanien
This thesis argues that Samuel Beckett's and Thomas Bernhard’s works are representative of their persisting perplexity with regard to language. More precisely, the texts of both authors are marked by a certain kind of exultation or irresistible impulse to write which is inextricably intertwined with the narrators' profound wariness of their creative activity. This apparently irreconcilable attitude toward writing manifests itself in the narrators' open-ended reflections ensuring the insistence on the writing process. The perpetuation of the narration can be explained in the light of an imperative, i. E. A simultaneously conscious and unconscious command, which forces the artist to submit himself to the creative process. The aim of my thesis is to show in what way this imperative postpones the achievement of a final silence in Beckett's and Bernhard’s texts. In an attempt to elucidate the inexplicable force of the imperative, I have placed the two writers' prose and frame within the context of Arthur Schopenhauer’s aesthetic theory and Jacques Lacan's concept of desire. Beckett's and Bernhard’s writing can be understood as an oscillation between these two concepts by Schopenhauer: the pure contemplation and the will. Inspired by the notion of eternal platonic ideas, Schopenhauer’s pure contemplation enables the individual to lose himself in his artistic activity whilst considering the work of art beyond the realm of causality or any spatial-temporal relation. Yet iot is the will which inevitably leads the individual back to these categories whenever he tries to find a last explanation for his creation

Cette étude littéraire et traductologique propose d’aborder l’oeuvre de Jeanette Winterson selon une approche pluridisciplinaire, en explorant six nouvelles, extraites du recueil The World and Other Places (1998). Ces deux perspectives s’entrelacent pour révéler la centralité des émotions dans le corpus. Que deviennent les émotions à travers le filtre de la traduction ? Traduire des émotions, est-ce s’engager émotionnellement ? Winterson a recours à des stratégies d’écriture qui sollicitent tout particulièrement l’attention du lecteur. La traduction du corpus nous invite ainsi à examiner l’acte de traduire comme une pratique croisant lecture, écriture et création. Dans la mesure où le texte original et les émotions de la traductrice interagissent, l’acte de traduire devient indissociable de l’émotion. En analysant comment l’émotion afflue chez Winterson, l’on découvre que l’acte de traduire est étroitement lié au projet de Winterson : la reconnaissance des émotions concerne tout autant les protagonistes wintersoniens que la figure du traducteur. L’engagement émotionnel va non seulement induire une traduction plus juste et plus créatrice, mais il est également une invitation à une nouvelle traduction de soi. Traduire Jeanette Winterson signifie traduire une conception profondément cathartique de l’art, et nous invite à envisager une nouvelle phénoménologie de la traduction dans laquelle émerge la dimension thérapeutique de la traduction
This dissertation, combining literary and translation studies, analyses Jeanette Winterson’s oeuvre through a multidisciplinary approach by focusing on six short stories from the collection The World and Other Places (1998). This two-pronged perspective reveals the centrality of emotions within the corpus. How do emotions evolve through the filter of translation? Winterson uses literary strategies efficiently engaging the reader’s attention. The translation of a selection of short stories contributes to establishing the act of translation as a practice merging reading, writing and creating. Since the original text and the translator’s emotions interact, the act of translation cannot be dissociated from emotion. By analysing how emotions converge in Winterson’s work, we show how the act of translation is closely tied to Winterson’s intentions: to acknowledge one’s emotions relates Winterson’s characters with one another as well as with the translator. Emotional commitment means not only a more creative and more accurate translation, it is also an invitation to self-translation. To translate Jeanette Winterson means translating a deeply cathartic conception of art, and urges us to consider a new phenomenology of translation, in which arises the therapeutic dimension of translation

Le travail actuel est composé de 4 chapitres. Le premier chapitre présente l’histoire de la publication des Études philosophiques en France, en Russie et en Arménie depuis 1830 jusqu’au nos jours. Il s’agit d’expliquer pourquoi en Russie et en Arménie ces œuvres sont moins publiées. Le deuxième chapitre dresse le problème de la traduction. Nous avons importé de présenter les difficultés de la traduction des titres, des temps verbaux, des expressions balzaciennes, qui sont négligées dans les versions traduites. Le troisième chapitre présente la réception des oeuvres de Balzac, notamment des Études philosophiques dans les trois pays. Le quatrième chapitre est consacré à l’étude psychanalytique des Études philosophiques. Il n’est pas secret que Balzac était un enfant mal aimé ; ce fait nous a donné cette idée de lire ses œuvres dans l’optique psychanalytique
The present work is composed of 4 chapters. The first chapter presents the history of the publication of Philosophical Studies (Etudes Philosophiques) in France, in Russia and in Armenia from 1830 to our days. We are trying to explain why in Russia and in Armenia these works are less published. The second chapter concerns the problem of the translation. We found important to speak about the difficulties of the translation of the titles, of the tenses, of the expressions used by Balzac, which are the most of time neglected in translations. In the third chapter we represent the reception of the works of Balzac, especially of Philosophical Studies (Etudes Philosophiques) in the three above mentioned countries. The last chapter is devoted to the psychoanalytical study of Philosophical Studies (Etudes Philosophiques). It is not a secret that Balzac was an unloved child: this fact gave us the idea to read his works from the point of view of psychoanalysis

Cette thèse étudie les drames historiques au 19 e siècle. Les pièces analysées sont : "Marino Faliero" de Lord Byron, the " Cenci" de Shelley, "Christine" d'Alexandre Dumas, le "Roi s'amuse" de Victor Hugo, "Becket" de Tennyson, "Theodora" de Victorien Sardou et les "Jacobites" de François Coppee. La première partie contient des analyses de la façon dont les auteurs ont choisi des documents historiques pour composer leurs drames : pourquoi changent-ils d'autres ? La deuxième partie montre comment ces écrivains construisent leurs pièces ; tout ce qui concerne la structure intérieure et extérieure, au même temps, c'est une comparaison entre la forme de ces drames et celle des tragédies classiques françaises. La troisième partie examine les nouvelles conceptions dans les pièces sélectionnées, comme la politique et l'individualisme dans la socièté.

« Tout écrivain, quand il commence à écrire, prend son départ de cette réalité qu’il a pu découvrir dans l’apport de certains écrivains qui l’ont précédé ». Lectrice fidèle de F. Dostoïevski, de J. Joyce et de V. Woolf, N. Sarraute a su construire un univers romanesque complexe qui tout en se fondant sur les bribes des idées, des pensées et des techniques narratives dostoïevskiennes, joyciennes et woolfiennes n’a cessé de développer le monde secret des sensations intérieures où des multitudes de « je » se débattent continuellement. La pluralité du sujet sarrautien exclut la connaissance de soi comme individu fini, définissable, descriptible, le monologue intérieur dévoile à plusieurs reprises la seule vérité acceptable : chaque circonstance, chaque tropisme, chaque mot nous fait autres que ce que nous sommes, chaque instant, chaque regard, chaque geste nous révèle une part de nous-même inconnue, obscure, inexplorée. Pourtant, les êtres sarrautiens, contrairement à un jugement plus répandu qu’on ne le pense au sujet de cette œuvre, sont des êtres "normaux" avec leurs habitudes et manies. Ils vivent dans la plupart du temps à Paris, ils se promènent dans les rues, s’attardent aux terrasses, boivent du café, voyagent, visitent des musées, se rendent visite…
“All writers, at the start of their careers, take as their starting point a reality adapted from that of earlier writers”. Nathalie Sarraute, a devoted reader of Dostoyevsky, Joyce and Woolf, succeeded in constructing a complex fictional universe which, though based on ideas, thoughts and narrative techniques originating from these three authors, did not stop the development of a secret world of inner sensations where a multitude of “I’s” are in continuous conflict. The plurality of a Sarraute character excludes self-knowledge as a finite, defined, describable individual, the inner monologue disclosing on several occasions the only bearable truth: any circumstance, any tropism, any word makes us different from what we are; any moment, any gaze reveals to us a part of ourselves which is unknown, obscure, unexplored. Nevertheless, Sarraute’s characters, contrary to widely-held views of her work, are “normal” human beings with their habits and obsessions. Most of the time, they live in Paris, walk in the streets, linger on terraces, drink coffee, travel, visit museums, call on friends…

Le propos de ce travail est d’étudier les usages, les significations et les fonctions du lexique musical dans les critiques littéraires française et anglaise de 1890 à 1940. Il s'agit de retracer les conditions dans lesquelles on en vient à déceler l'emprunt de structures musicales dans l'analyse des oeuvres littéraires, depuis les balbutiements de cette pratique dans la période symboliste jusqu’au repérage d’une forme symphonique ou fuguée dans les oeuvres de Proust, Gide,Woolf, Huxley ou Joyce. Dans une première période qui coïncide avec la fin du symbolisme en France (1890-1910), les nébuleuses métaphoriques gravitant autour des termes "musique", "symphonie" et "leitmotiv" permettent au discours critique sur la littérature de reposer différemment la question des rapports entre forme et signification et de s'émanciper des critères de la rhétorique classique. Entre 1910 et 1930, dans les milieux cosmopolites bergsoniens de la NRF, du Mercure de France, de the Athenaeum et du Times Literary Supplement, les métaphores de la symphonie et de l’harmonie participent comme métaphores de l'organique d’une lecture postromantique des oeuvres dans laquelle les notions de thème, de rythme et de variation déconstruisent les critères classiques d'intrigue, d'unité et de discontinuité. Bien que les métaphores musicales, dominées par les figures tutélaires de Beethoven, de Bach et de Wagner, restent entre 1930 et 1940 largement fondées sur l'usage du calembour, de l'antonomase et de l'hyperbole, les critères d'analyse musicologiques de la symphonie, de la variation et de la fugue s’intègrent progressivement au discours critique comme un outil de lecture formel et structurel, qui permet d’aborder les structures complexes et déroutantes des grands romans de la modernité
This work analyses how French and English literary critics from 1890 to 1940 borrow musical structures in order to explain literary texts. We consider how the role, the meanings and the function of musical metaphors in critical discourse evolve from the infancy of this practice to the reading of musical structures in works of Marcel Proust, Aldous Huxley, James Joyce and Virginia Woolf. In the first period considered (1890-1910), at the end of the Symbolist period, the metaphors of the symphony and leitmotiv allow the French Symbolists to define their own literary ideal, to move away from classical rhetoric towards a new relation between form and signification. Thereafter, the use of musical metaphors in literary criticism is associated with deconstruction of classical rules governing plot, continuity and unity. The critics of the second period (1910-1930), who conveyed a post-romantic conception of form, used terms such as "theme", "rhythm", and "variation" to describe formal and structural literary devices by using play-on-words, hyperbole and antonomasia. Borrowing features from the musicological analysis of the fugue, the symphony and musical variation, which they reframe as reading criteria, the critics of the 1930s help read modernist novels of the beginning of the twentieth century

"Cette thèse explore les limites d'une analyse plurielle des textes, sur les traces de Deleuze, Guattari et de Barthes. Elles se place dans une perspective comparatiste et intertextuelle et veut montrer que les marges ne sont pas seulement autour, mais à l'intérieur des textes. La comparaison entre Sadêgh Hedâyat et Alexis Remizov a suivi trois mouvements : 1) les seuils ou les vestibules borgésiens de notre corpus, spatio-temporels, stylistiques, culturels et leurs manifestations dans des formes géométriques circulaires : cercles, tourbillon, bulle, volute et circonvolution ; 2) les passages d'un espace à l'autre, le franchissement, le mouvement "au-delà", vers la cruauté, par le regard, le rapport entre la littérature et les arts visuels ; enfin 3) les limites, où se déroule une interrogation sur la fragmentation, métamorphoses, masques. Le maître mot de ce travail aura été de trouver un "équilibre dans le mouvement". "
Following the footsteps of Deleuze, Guattari and Barthes, this work explores the margins of plural analysis in a comparative and intertextual perspective, highlighting how margins are not only encompassing yet also existing within text. It compares Sâdegh Hedâyat and Alexis Remizov in three movements: 1) Thresholds, or 'vestibules' of Borgès, in our respective authors' texts: spatiotemporal, stylistic, cultural thresholds manifesting in geometrical circular figures: circle, whirlpool, bubble, spiral and circumvolution. 2) Transitions, from one space to another, crossings, the movement 'beyong', towards cruelty, watching and focusing, the relationship between literature and visual arts; 3) And finally Borders, where the analysis of fragmentation unravels, metamorphosis and masks. 'Balance In Movement' are the keywords of this thesis

Harms esperait, dans ses recherches d'une poetique qui permettrait d'atteindre un etat d'eclaircissement et de surconscience, trouver un moyen pour depasser une opposition du et du non-sens qui renvoient l'un a l'autre. Le sens qu'il recherche, c'est plutot le hors-sens qui coincide avec le sens total. Beckett, a l'oppose de harms, n'avait pas d'illusions en ce qui concerne la transformation du monde ; pour lui, seul le neant pourrait liberer du peche d'exister. Tous deux sont partis pourtant des memes premisses : pour atteindre un etat aussi bien que pour atteindre le neant, il est indispensable de renoncer a la conscience discursive et. Par consequent, au texte mimetique, propre a la tradition litteraire. Tous deux se sont vus parvenir au coeur meme de l'etre : le refus des pratiques conscientes, qui s'est traduit par l'immersion dans l'inconscient, les a amenes a la frontiere de la parole et du silence, de la vie et de la mort. Dans cet etat frontalier est nee la veritable litterature de l'absurde, non pas celle qui exprime l'angoisse de l'existence quotidienne, mais celle qui se bat contre elle-meme, qui voit l'unique salut dans sa propre disparition, dans son propre neant. C'est cet etat indifferencie qui represente le danger essentiel, non pas seulement pour une litterature qui s'est proposee d'atteindre l'alogique, mais aussi pour la possibilite meme de trouver un equilibre entre la preservation de la personnalite de l'ecrivain et la necessite de s'adonner a la parole globale, universelle qui devient la seule realite existante. La poetique de harms est l'objet, dansles annees trente, de transformations radicales. La poesie qui aurait du etre a la fois globale et personnelle s'est transformee en une prose ou la particularite de chaque evenement ne dissimule nullement son essence, anonyme, l'aspiration a la creation theurgique a cede la place a la necessite, de mettre fin a la parole proliferante. En cela, sa prose ressemble d'une maniere frappante a l'oeuvrede beckett : toutes les deux se presentent comme un reflet fidele des recherches incessantes pour arreter la parole, pour trouer le texte au point qu'apparaisse le vide qui se cache derriere.

Ce travail s’intéresse à la question de l’histoire dans la production des avant-gardes artistiques, et plus spécifiquement dans celle de l’avant-garde russe, qui y est abordée à partir de l’œuvre du poète Velimir Xlebnikov (1885-1922) et du peintre Pavel Filonov (1883-1941). Parmi la production du premier, nous nous intéressons au texte des Doski sud’by (Les Tables du destin), un ouvrage dans lequel le poète, devenu chercheur, tente d’exposer les lois mathématiques du temps. Dans l’ensemble de l’œuvre du second, nous avons retenu un certain nombre de textes théoriques dans lesquels se voit exposé le système dit de l’« art analytique » ainsi qu’une série de tableaux ayant en commun le titre de « Formule ». Nous étudions la production de ces deux artistes dans la perspective d’une tradition, celle de l’historiosophie, à savoir, le discours philosophique sur le sens et les fins de l’histoire. Nous nous intéressons à la manière dont leur travail peut être considéré s’inscrire à l’intérieur de cette tradition ainsi qu’à leur apport particulier à celle-ci, non seulement en tant qu’artistes, mais aussi en tant qu’artistes d’avant-garde. Tout au long de ce travail, un problème qui traverse le discours sur l’histoire depuis ses origines retient particulièrement notre attention : celui de la crainte de l’histoire et du rejet du temps historique, tel que décrit par Mircea Eliade dans Le Mythe de l’éternel retour
This dissertation deals with the problem of history in the artistic production of the “historical” avant-gardes and focuses on Russian avant-garde and on the work of two of its most prominent representatives: the poet Velimir Khlebnikov (1885-1922) and the painter Pavel Filonov (1883-1941). It pays particular attention to Khlebnikov’s Doski sud’by (the Tables of Destiny), a series of fascicles in which the poet tries to explain the mathematical “laws of time,” to Filonov’s theoretical texts on his system of “analytical art,” and to a series of his paintings that he called “formulae. ” The work of these two artists is examined from the perspective of historiosophy – that is, the philosophical discourse on the meaning and ends of history. How does it find its place in this philosophical tradition? What is Khlebnikov and Filonov’s original contribution to it, not only as artists, but also as avant-garde artists? One key problem which has always pervaded the historiosophical discourse deserves special attention here: that of the fear of history and of the rejection of historical time, which lies at the core of Mircea Eliade’s essay on the Myth of the Eternal Return

La présente thèse porte sur les relations entre littérature et courants ésotériques, à travers l’étude du symbole de la rose dans la littérature européenne, plus particulièrement dans les littératures française et anglaise des XIXe et XXe siècles. Il s’agit d’une recherche caractérisée par une approche transversale et interdisciplinaire, qui fait dialoguer différents domaines d’étude, le littéraire et l’historique, ainsi que plusieurs littératures et auteurs appartenant à différentes époques. La dimension initiatique de la rose, couplée avec le topos de l’amour, est au fondement de notre travail de recherche, dont le point de départ est un ouvrage oublié du XIXe siècle : Il Mistero dell’Amor Platonico nel Medioevo de Gabriele Rossetti, père du peintre et poète préraphaélite Dante Gabriele Rossetti. Dans cet ouvrage, Gabriele Rossetti montrait pour la première fois la dimension ésotérique de l’œuvre de Dante et des Fidèles d’Amour, à savoir les poètes d’amour italiens du Moyen Âge, qui véhiculaient, à travers leurs compositions poétiques, des idées mystiques et initiatiques, ainsi que religieuses et politiques. Selon Rossetti le courant critique qu’il inaugura, cette doctrine de l’amour ésotérique était également présente chez les poètes d’amour des différents pays européens, tels que les troubadours et les trouvères français, les poètes d’amour anglais, les minnesingers allemands ou les scaldes scandinaves, et elle se transmettra au cours des siècles, jusqu’au XIXe siècle. Ce dernier aspect est au centre de notre recherche : la transmission de cette présumée connaissance ésotérique, sous forme d’amour, dans l’âge moderne. Dans son Mistero dell’Amor Platonico, Gabriele Rossetti souligne que le symbole le plus important pour comprendre la doctrine ésotérique de l’amour est la rose, et notre travail est centré sur le symbolisme de la rose. L’étude de la dimension initiatique de la rose dans la littérature comporte deux discours rattachés au concept d’initiation : un discours relatif au mysticisme et un discours sur les Ordres initiatiques. Dans le premier cas, l’initiation est liée à une dimension mystique impliquant une transformation ontologique de l’être ; dans le second cas, le symbolisme de la rose se réfère aux Ordres ésotériques et initiatiques qui, d’une manière plus ou moins directe, ont joué un rôle dans l’histoire des idées. Ces deux discours sont souvent liés entre eux, et se retrouvent dans la littérature européenne, en particulier chez Gérard de Nerval ou William Butler Yeats. La première partie de notre thèse est consacrée à Dante, aux poètes du Moyen Âge et aux auteurs de la Renaissance. Nous nous concentrons ensuite sur les auteurs des XIXe et XXe siècles, tels que Honoré de Balzac, Gérard de Nerval, Joséphin Péladan, Dante Gabriel Rossetti, Ezra Pound, William Butler Yeats ou Umberto Eco. La majorité des écrivains et des poètes qui font l’objet de notre thèse sont directement ou indirectement liés à Dante et à la poésie d’amour du Moyen Âge, aux Fidèles d’Amour, et même à Gabriele Rossetti. Notre thèse propose de repenser une littérature dans laquelle la culture et la pensée ésotériques ne jouent pas un rôle secondaire, mais fondamental. Maintes œuvres littéraires de toute époque sont imprégnées d’éléments et de motifs renvoyant à la tradition ésotérique. L’étude de la dimension ésotérique et initiatique du symbole de la rose conduit donc à explorer un horizon de recherche dans lequel la littérature est étroitement liée aux courants ésotériques, notamment les littératures française et anglaise, et plus généralement la littérature européenne des XIXe et XXe siècles. Ainsi, de la rose des Fidèles d’Amour du Moyen Âge à la Rose secrète de William Butler Yeats qui affirmait que « ni homme ni femme depuis le commencement du monde n’a jamais su ce qu’est l’amour »
This thesis focuses on the relationship between literature and esoteric currents, through the study of the symbol of the rose in European literature, more specifically in French and English literature of the nineteenth and twentieth centuries. This research is based on a transversal and interdisciplinary approach, bringing together different fields of literary and historical study, as well as a variety of literatures and authors from different periods. The initiatory dimension of the rose, coupled with the topos of love, is the basis of my research, whose starting point is a forgotten work from the nineteenth century: Il Mistero dell'Amor Platonico nel Medioevo by Gabriele Rossetti, father of the Pre-Raphaelite painter and poet Dante Gabriele Rossetti. In this work, for the first time Gabriele Rossetti revealed the esoteric dimension of the work of Dante and the Fedeli d’Amore (Faithful of Love) – the Italian love poets of the Middle Ages who, through their poetic compositions, conveyed mystical and initiatory ideas, as well as religious and political ones. According to Rossetti and the critical movement he initiated, this doctrine of esoteric love was also present in the love poets in a number of European contexts, such as the French troubadours and trouvères, the English minstrels, the German Minnesänger and the Scandinavian scaldes, handed down through the centuries until the nineteenth century. This aspect is the focus of my research: transmission of this alleged esoteric knowledge, in the form of love, to later centuries. In his Mistero dell’Amor Platonico, Gabriele Rossetti pointed out that the most important symbol for understanding the esoteric doctrine of love is the rose, and this thesis is devoted to the symbolism of this flower. The study of the initiatory dimension of the rose in literature involves two themes linked to the concept of initiation: one concerns mysticism and the other, initiatory Orders. In the first case, initiation is linked to a mystical dimension involving an ontological transformation of the being, while in the second, the symbolism of the rose refers to esoteric and initiatory Orders which have more or less directly played an important part in the history of ideas. These two themes are often connected and can be found in European writers such as Gérard de Nerval and William Butler Yeats. The first part of this thesis is devoted to Dante and the poets of the Middle Ages, as well as to authors of the Renaissance. I then move on to nineteenth and twentieth century authors, such as Honoré de Balzac, Gérard de Nerval, Joséphin Péladan, Dante Gabriel Rossetti, Ezra Pound, William Butler Yeats and Umberto Eco. Most of the writers and poets featured in this thesis are directly or indirectly linked to Dante and the love poetry of the Middle Ages, to the Fedeli d’Amore, and even to Gabriele Rossetti. Thus, this research proposes a rethinking of literature – one in which esoteric culture and thought are of particular importance, as many literary works throughout history are imbued with elements and motifs referring to the esoteric tradition. The study of the esoteric and initiatory dimension of the rose symbol provides the opportunity to explore a field of research where literature is closely linked to esoteric currents, particularly in French and English literature (and more generally, in European literature) of the nineteenth and twentieth centuries: from the rose of the Fedeli d’Amore in the Middle Ages to the Secret Rose by William Butler Yeats, who affirmed that “no man or woman from the beginning of the world has ever known what love is”

This comparative reading of contemporary Australasian and Canadian fiction privileges a reciprocal interaction between ecocriticism and magic realism within the field of postcolonial studies. My research shows that few works examine magic realism as a distinct aesthetic mode, while many ecocritical and postcolonial studies favour colonialist and pessimistic perspectives. Seeking to balance thematic and aesthetic concerns, my concepts of ecological magic realism and magic realist ecopoetics re-evaluate this still often misunderstood mode: its techniques in postcolonial narratives not only transcribe the cultural plight of the postcolonial subject, but also translate the missing ecological link between the environment and human beings. Informed by ecopoetic reflections on figurative language, Delbaere-Garant’s notion of mythic realism, and material ecocriticism, my concepts take the narrative and physical agency – or poiesis – of the non-human world as their focal point. Recognizing the dialogical web of human and non-human energies raises the issues of eco-imperialism as well as those of environmental and social justice. My thesis discusses two main configurations of ecological magic realism common to Anglo-Celtic and Indigenous texts within my corpus: synergy and crisis. These shifting interspecies relations are explored through the contexts of eco-spiritualities, scientific approaches to Nature, Nature writing, gothic-like metamorphoses, eco-apocalypse, and the Anthropocene. Rejecting dualistic worldviews, magic realism in these collaborative or competitive humans/Nature interactions remains ambivalent: on the one hand, it re-enacts human beings’ failed embeddedness in their non-human surroundings; on the other, it also re-opens the possibility of a mutually-enriching symbiosis.
Doctorat en Langues, lettres et traductologie
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RésuméEn raison des bouleversements qui ont eu lieu dans la seconde moitié du XXe siècle, le monde a connu une accélération notable de l'histoire. Cette accélération s'est manifestée sur plusieurs fronts – l'historique, le scientifique, le technologique – mais aussi sur le front littéraire, changeant à jamais la façon dont nous représentons notre monde et notre passé. Cette thèse porte sur les nouveaux modes de représentation ou mimesis dans l'œuvre d'art. Comment les événements, qui se déroulent en dehors du roman, ont-ils affecté la forme même, la technique et la langue du roman contemporain ? Comment la violence qui a été infligée au monde extérieur s'est-elle reflétée dans le récit littéraire ? Du fait que la forme narrative est en soi un moyen de « rassembler » les événements dispersés et les incohérences de la réalité, la forme traditionnelle manipule violemment cette réalité dans le but de lui donner un sens, quand elle est souvent inexplicable. En mettant en question les conventions naturelles et données du récit, les romans expérimentaux du XXe siècle ont tenté de mettre en place des formes originales, en mesure de représenter des expériences différentes. Notre thèse traite principalement de ces nouvelles conceptions de la représentation dans le roman contemporain et de la manière dont, en dépit de leur fragmentation, de l'expérimentation et de la rupture violente avec les traditions du passé, ces romans innovants ont néanmoins réussi à produire des «représentations» de la réalité qui captent fidèlement notre histoire contemporaine, caractérisée par l'accélération et la fragmentation. Pour justifier cet argument, nous avons comparé les récits de fiction avec ceux des deux autres domaines à partir desquels nous tirons la connaissance de notre passé, à savoir l'histoire et la mémoire. Où est la place de la fiction aux côtés de ces deux piliers de connaissance souvent totalisants et totalitaires ? Enfin, que peut faire la littérature pour ces sujets de l'histoire, systématiquement exclus de l'écriture de l’histoire dominante ? En prenant la plume pour écrire leur version de l'histoire, ces «autres» du document historique dominant ont inscrit leur histoire particulière sur le palimpseste existant de l'histoire dominante et ont également obligé les canons littéraires, auxquels ils appartiennent, à développer leurs limites esthétiques et éthiques
SummaryAs a result of the changes that have occurred in the latter half of the twentieth century, the world has witnessed a noticeable acceleration of history. This acceleration has manifested itself on many fronts – the historic, the scientific, the technological – but also on the literary front changing forever the way we represent our world and our place in it. This paper deals with the new modes of representation or mimesis in the work of art. How have the events happening outside the novel affected the very form, technique and the language of the contemporary novel? How has the violence that has been inflicted on the outside world being replicated and perhaps resolved in the literary narrative? Because narrative form is in itself a way of ordering and “bringing together” the fragmented events and incoherencies of reality, the very traditional form often violently manipulates this reality with the aim of giving meaning to an often inexplicable reality. By bringing into question the natural and given conventions of narrative, the experimental novels of the twentieth century have tried to realize original and unique forms that are able to represent different experiences. Our paper deals with primarily with these new conventions of representing reality and how, despite their fragmentation, experimentation, and violent rupture with the traditions of the past, they have nonetheless successfully produced “representations” of reality that faithfully capture our contemporary history characterized by acceleration as well as fragmentation. In order to justify this argument, we have compared narratives of fiction with the other two domains from which we derive the knowledge of our past, namely history and memory. Where is the place of fiction alongside these two often totalizing and totalitarian pillars of knowledge? Finally, what can literature do to those subjects of history who have systematically excluded from the writing of their dominant History? By taking the pen to write their side of the story, these “others” of the dominant historical document have both inscribed their particular stories on the existing palimpsest of dominant history, but have also forced the literary canons in which they belong to expand both their aesthetic and ethical boundaries

Eeva-Liisa Manner (1921-1995) et Anna Akhmatova (1899-1966) ont en commun de concevoir l’écriture poétique comme une transmission : transmission de la mémoire intime du poète, mais aussi de la mémoire collective à travers les nombreuses références historiques et culturelles qui émaillent leurs textes, et enfin, transmission d’un profond sentiment spirituel et des valeurs morales que celui-ci implique. En s’appuyant sur des analyses comparées des œuvres des deux poétesses, mais aussi sur leurs biographies respectives, cette étude se propose de mettre en parallèle deux auteurs majeurs du XXème siècle, en interrogeant la manière dont toutes deux mêlent, chacune à leur manière, la quête de sa propre identité, l’engagement dans le monde contemporain, et l’approfondissement de sa spiritualité
Eeva-Liisa Manner (1921-1995) and Anna Akhmatova (1899-1966) have the common point to see their poetry like a transmission : transmission of the poet’s intimate memory, but also the collective memory, through the historical and cultural references that can be found in their poems, and finally, the transmission of a deep spiritual feeling and of the moral values that it implies. Through comparative analysis of the two poets’ works, and an observation of their respective biographies, this thesis proposes to draw a parallel between two major authors of the 20th century, by analyzing their ways to combine the intimate identity quest, the commitment into the contemporary world, and the development of their spirituality

Multiples sont les approches qui nous conduisent à imaginer, à écrire et à penser l'animal. Cette créature non humaine est, depuis toujours, l'objet d'"une énigme plus gênante" (Georges Bataille) que l'être humain tente de deviner, de percer ou de définir. En effet, l'animal l'amuse et le dérange, l'intrigue et le préoccupe au point de le troubler, de lui imposer une réflexion sur lui-même et sur autrui, car l'"animal prochain" (Florence Burgat) et "part maudite" (Georges Bataille) de l'homme refuse constamment d'être regardé comme une chose. Il se veut irrationnel et d'un esprit suprême, celui "de l'immanence et de l'immédiateté" (Georges Bataille). Image de notre intimité humaine, perturbateur de nos esprits, expression de nos subversions grotesques, outils de perversion, l'animal comme personnage principal est une représentation de soi et de celle de l'être humain. Dans un contexte culturel et philosophique, le symbolisme et le réalisme animaliers ouvrent ainsi une autre perspective à la fiction et à l'imagination humaine. La production littéraire qu'elle soit française ou russe intègre l'animal comme leitmotiv, comme un sujet central, à travers lequel Marcel Aymé et Mikhaïl Boulgakov exposent une parodie de la comédie humaine. De plus, instrument de l'imagination, moyen d'expression, l'animal, outre son rôle de domination et de possession, est perçu comme un reflet de nos préoccupations, de nos désirs, de nos ambitions. Mais il est surtout celui qui nous lie à notre passé et nous rappelle notre appartenance culturelle ou sociale. Par ailleurs, l'animal peut aussi être révélateur de l'identité collective, tout en posant des questions d'exclusion et d'inclusion. Ecrire et imaginer l'animal, mais aussi définir sa fonction et sa signification "poétique", permettent à Marcel Aymé et Mikhaïl Boulgakov d'aller au delà de la simple représentation naturaliste, de la simple tradition animalière tout en transgressant l'ordre réel et imaginaire. Il s'agit pour eux de montrer une présence animal qui oscille entre réalité et symbole, allégorie et métaphore, histoire et mythocritique, passé et présent. De fait, grâce aux différents procédés d'écriture, le réalisme fantastique de Mikhaïl Boulgakov et le réalisme magique de Marcel Aymé, d'une part soulèvent les interdits, les tabous et les inhibitions et, d'autre part, dénoncent les abus et les travers de la société humaine où les différentes figures de l'animal demeurent, avant tout, l'accessoire des fictions littéraires russes et françaises

De nombreuses études témoignent des liens qui existent entre les moyens de transport et la littérature, du point de vue du marcheur, du voyageur en train ou de l'automobiliste. À son tour, cette thèse s'interroge sur le vélo, longtemps négligé, en tant qu'objet qui façonne notre interaction avec des textes et propose une interface unique pour appréhender le monde. Cet ouvrage se propose d'étudier le cyclisme utilitaire et récréatif au tournant du XXe siècle dans une sélection de textes en anglais et en français, dont des romans, des récits de voyage et des guides. Il s'agit de démontrer que le vélo est devenu un dispositif privilégié, qui permet de faire bien plus que simplement déplacer des personnages d'un endroit à un autre. Les voyages à vélo deviennent un moyen de structurer les récits, de les ponctuer ou de dépeindre une nouvelle expérience sensorielle et esthétique. Le vélo est une des nombreuses technologies qui ont transformé la vie quotidienne à la fin de l'ère victorienne. La littérature démontre que cette technologie a contribué dans une certaine mesure à l'émergence d'une modernité accélérée, subjective et marchande que John Urry conçoit comme un fondement du XXe siècle. Or cette thèse révèle que depuis ses débuts, le vélo allait à contre-courant de la culture dominante, proposant une modernité alternative qui remettait en question la société bourgeoise, patriarcale et capitaliste. En brouillant les différences entre les classes et les sexes, en proposant une interaction plus responsable et stimulante avec la machine, en permettant une expérience corporelle et sociale de l'espace, le vélo a proposé une route à propulsion humaine vers le progrès
The compelling links between modes of transport and literature have been widely examined from the perspective of the walker, the train traveller and the car driver. This thesis engages with the long overlooked bicycle as an object that actively shapes our interaction with text and provides a unique interface for viewing the world. I assess literary treatments of utilitarian and recreational cycling in a range of English and French fiction, as well as some travel writing and non-fiction, from the turn of the twentieth century. I show how the bicycle became a favoured literary device, allowing writers to do much more than simply make a story appear up-to-date or move a character from place to place; authors used cycle journeys as a means to structure or punctuate their narratives or depict a novel sensory and aesthetic experience. The late-Victorian era saw the emergence of the modern bicycle along with a host of other transport and communication technologies that transformed everyday life. Literature from the early period of the bicycle's adoption shows how this technology contributed in some measure to the emergence of an accelerated, subjective, commodified modernity that the critic John Urry argues defined the twentieth century. Yet this thesis reveals that from the earliest days of its use, the bicycle played a crucial counter-cultural role, proposing an alternative modernity that directly challenged bourgeois, patriarchal, capitalist society. From blurring gender and class divisions, to offering a more empowering interaction with the machine, to allowing an embodied and social experience of space, the bicycle suggested a human-powered route to progress.Mots clefs en français: Littérature anglophone, littératures comparées cultural studies, vélo, technologie, transports, modernité.Mots clefs en anglais: English literature, comparative literature, cultural studies, bicycles, technology, transport, modernity

Ce travail se propose de cerner la présence de Charles Dickens et du monde victorien dans l'œuvre de Julien Green, en en soulignant les manifestations probables, les spécificités, et les limites. La première partie montre comment le roman victorien prévaut dans les lectures de Green et comment, au sein du Journal, Dickens apparaît effectivement comme une figure privilégiée. Cette analyse permet de valider la solidité du " fait comparatiste " que nous voulons établir entre les œuvres de Green et de Dickens. C'est à partir d'un tel rapport que nous pouvons préciser les éléments d'un parallèle entre les deux œuvres, dans la deuxième partie. Les portraits féminins dickensiens ne sont pas sans trouver en effet quelques échos chez Green, dont l'humour évoque aussi les figures dickensiennes du grotesque et de la théâtralité, témoignant des tonalités adverses qui traversent les deux œuvres. Dans ce contexte, les personnages plus " sérieux " tournent leurs regards vers l'Invisible : pour reprendre les termes de la préface de Bleak House, le romancier insiste à travers eux sur l'" aspect romantique des réalités familières ". Cette tension vers l'ailleurs apparaît surtout dans le Visionnaire et Minuit, auxquels nous consacrons notre troisième partie, à une époque où Green voit en Dickens le modèle du romancier " visionnaire ". L'adolescent et l'enfant sont ici les acteurs de quêtes identitaires qui les désignent en même temps comme les dépositaires du don de " vision ". Envisageant enfin la question des représentations du monde social, mais aussi le caractère victorien de la trilogie des Pays lointains, notre quatrième partie nous permet de déterminer les limites, mais aussi la postérité du rapprochement que nous proposons entre les deux romanciers
This work attempts to define the presence of both Charles Dickens and the Victorian world in Julien Green's works as well as pointing to its eventual manifestations, specificities, and limits. The first part shows us how the Victorian world prevails in Green's readings and how in the Journal, Dickens indeed appears as a privileged character. This analysis enables us to validate the reliability of the "comparative link" that we want to establish between the works of Green and those of Dickens. It is from such a relationship that we are able to define the elements that are similar in the two works in the second part. The female portraits found in Dickens'works are actually quite similar to those found in Green's, whose humour also evokes the grotesque and theatrical aspects of Dickens' characters, witnessing opposing tonalities found in both works. In this context, the more "serious" figures turn their gaze towards the Invisible : to go back to the words of the Bleak House foreword, the novelist insists on the "romantic side of familiar things". This longing towards the "nowhere" can be found especially in Le Visionnaire and Minuit - which will be studied in the third part - at a time when Dickens appears as the model of the "visionary" novelist. There, the teenager and the child are the actors still in search of their identities, which at the same time names them as the possessors of the gift of "vision". Eventually, considering the issue of the social world representations as well as the Victorian aspect of the Pays lointains trilogy, the fourth part of the work allows us to define the boundaries and also the posterity of the connection that we suggest exists between the two novelists

Les poètes du début du vingtième siècle sont inquiets : hésitant entre idéalisme et matérialisme, liberté et déterminisme, création et évolution, ils errent dans une « zone » idéologique. Dans les premiers textes de Guillaume Apollinaire (1880-1918), Blaise Cendrars (1887-1961), T.S. Eliot (1888-1965), Federico García Lorca (1898-1936) et Hart Crane (1899-1932), le désarroi est permanent. Il s’incarne sous différentes formes, du dédoublement de personnalité à l’extrême lassitude, tandis que l’ombre et un vent de fin du monde envahissent les poèmes. Les positions des poètes varient entre nihilisme, incertaines tentatives de syncrétisme et ironie mordante. Pourtant, passé leur première jeunesse, ils reconnaissent que leur inquiétude n’est pas une donnée personnelle mais un fait d’époque, peut-être même le fait essentiel, sur le plan de la pensée, de l’époque dite moderne : c’est « l’âge de la comparaison », selon les mots de Nietzsche. Ils renoncent alors à exprimer la singularité d’une vision individuelle, originale, voire bizarre, pour « rentrer dans le monde ». Rompant nettement avec les objectifs littéraires du symbolisme, ils entendent désormais devenir « la conscience de l’époque », exposer les idéologies incompatibles qui s’y côtoient, faire l’inventaire de ses contrastes. Dans le premier tiers du vingtième siècle, l’inquiétude idéologique est le mobile qui engage les poètes à redéfinir leur fonction dans la cité et l’un des grands moteurs de l’innovation esthétique : cubisme, simultanéisme, dialogisme et lyrisme épique. C’est ce parcours dont nous espérons dégager la cohérence et les principales étapes
At the beginning of the XXth century poets were unsettled : hesitating between idealism and materialism, freedom and determinism, creation and evolution, they wandered in an ideological « waste land ». In the early works of Guillaume Apollinaire (1880-1918), Blaise Cendrars (1887-1961), T.S. Eliot (1888-1965), Federico García Lorca (1898-1936) and Hart Crane (1899-1932), distress assumed different forms: from split personality to extreme weariness. The poets’ positions bounced between nihilism, half-hearted attempts at syncretism and bitter irony. As they matured, they recognized however that their restlessness was not a personal matter but a product of the times, perhaps even the main feature, on the level of thought, of the so-called modern times : “the age of comparison”, in Nietzsche’s words. They then renounced to express the singularity of an individual, original, even bizarre vision, and chose to “go back to the world”. Breaking with the literary goals of symbolism, they aimed at becoming the “conscience of the times”, at exposing their conflicting ideologies, and at listing their contrasts. In the first third of the twentieth century, this ideological restlessness pushed poets to redefine their role in the city. It was one of the most powerful forces behind aesthetic innovation: cubism, simultaneism, dialogism and epic lyricism. In this study, we will examine the coherence and main stages of this process

La présente recherche est consacrée au sonnet contemporain en Russie et en France. Elle évoque l’évolution du sonnet dans les deux pays et analyse en détail les œuvres de cinq poètes français et cinq poètes russes. Louis Aragon, Robert Desnos, Yves Bonnefoy, Jacques Roubaud, Laurent Fourcaut sont présentés à côtés de Yuri Veynert et Yakov Kharon, Iossif Brodsky, Victor Sosnora, Alexeï Tsvetkov, Timour Kibirov. La période étudiée s’étend des années 40 du XXe jusqu’à la première décennie du XXIe siècle. Les composants structurels du sonnet en tant que forme fixe et ses aspects génériques sont mis en examen afin de révéler les niveaux possibles de lecture et les liens des sonnets contemporains avec la tradition sonnettiste. L’étude met en relief quatre grands thèmes du sonnet : l’amour, la politique, la mort et le jeu
The present research is dedicated to the contemporary sonnet in Russia and in France. It traces the evolution of the sonnet in both countries and focuses on works of five French and five Russian poets. Louis Aragon, Robert Desnos, Yves Bonnefoy, Jacques Roubaud, Laurent Fourcaut are juxtaposed to Yuri Veynert and Yakov Kharon, Joseph Brodsky, Victor Sosnora, Alexei Tsvetkov, Timur Kibirov. The period under study goes from 1940s to now. The thesis deals with structural components of the sonnet as a poetic form and a genre in order to reveal the possible levels of reading and to establish relationship between the contemporary works and the sonnet tradition. The study highlights four major themes that are love, politics, death and game

Le 11 septembre 2001 a créé une nouvelle catégorie cultuelle et culturelle, les « musulmans ». Face à la montée de l’islamophobie dans les sociétés occidentales, Miriam Cooke invente le néologisme « The Muslimwoman », ou en français, la femme-musulmane. Prise entre les tensions néo-colonialistes et islamistes, l’étiquette femme-musulmane offre une plateforme d’action qui permet soit de rejeter, d’embrasser ou de subvertir cette identification grâce, entre autres, à la littérature. A partir de six romans écrits en anglais et en français, publiés après le 11 septembre, par des femmes arabo-américaines, Mohja Kahf et Laila Halaby, arabo-britanniques, Leila Aboulela et Fadia Faqir, et francophones, Zahia Rahmani et Saphia Azzeddine, ce travail propose une réflexion sur l’émergence d’une sensibilité littéraire internationale qui interroge les « identités musulmanes » dans cet état global d’exception. Cette redéfinition de l’identité dans des langues séculaires – l’anglais et le français - est étroitement liée à l’histoire de l’immigration de chaque pays. Les personnages s’interrogent sur leur « identité musulmane » dans le pays d’“accueil”. Ces romancières s’efforcent de ne pas tomber dans l’un des deux discours dominants, néo-colonialiste et islamiste, et invitent d’ores et déjà le lecteur à suivre la construction identitaire de leurs personnages de l’intérieur et à suivre les difficultés auxquelles ils font face. L’Islam, par sa capacité à voyager dans ce monde globalisé, permet différentes affiliations, des plus sereines aux plus discutables
Soon after 9/11, G.W. Bush launched the War on Terror outside and inside the U.S.A. A new cultural and religious category became more visible: « Muslim ». Muslim women in Western societies became the representatives of this community and the target of Islamophobia. In this context Miriam Cooke invented the neologism « The Muslimwoman », an identification created by outside forces, either neo-colonialist or Islamist. This new identification offers a platform for action: Muslim women either embrace, deconstruct or subvert this identification from within and through literature. Mohja Kahf and Laila Halaby as Arab-American ; Leila Aboulela and Fadia Faqir as Arab-British ; Zahia Rahmani and Saphia Azzeddine as francophone writers question the significance of these new « Muslim identities » in Euro-american societies, in their novels. Without falling into the neo-colonialist or the Islamist discourse, « Muslim identities » emerge as plural. Islam's capacity for reformulation outside of Muslim heartlands according to conditions of modernity helps usher in a process of engagement with « Muslim identities », ranging from peaceful to more questionable responses

La présente étude se veut une analyse de la fonction de l’élément « mort » dans la fiction littéraire de MATSUI Tarô (1917-2017), auteur phare de la littérature japonophone du Brésil. Une comparaison est effectuée avec l’œuvre d’Andreï IVANOV (1971- ), grand nom de la littérature russophone d’Estonie. Cette thèse s’articule autour de l’argument de Michel Picard, lequel estime que dans le domaine littéraire, « quand on parle de la mort, on parle toujours d’autre chose » : « En premier lieu parce qu’il s’agit ici de tourner l’insurmontable difficulté de temporaliser l’intemporel instant mortel, mais surtout à cause des préoccupations véritables […] qui ne concernent bien entendu que la vie. Enfin celles-ci elles-mêmes ont clairement révélé qu’elles n’étaient que des espèces de symptômes, de métaphores ; que l’essentiel, dans ce topos comme chaque fois qu’il s’agit de la « mort », est inconscient. » Après avoir traité des questions relatives à l’histoire et aux politiques d’identité des communautés concernées – la communauté « japonaise » du Brésil et celle, russophone, d’Estonie –, cette thèse interroge la manière dont s’est construit le monde littéraire japonophone du Brésil. D'autres interrogations seront ensuite soulevées : pourquoi la mort apparaît-elle si souvent dans la fiction littéraire de Matsui ? Quelles fonctions ces morts occupent-elles dans son œuvre, ainsi que dans celle d’Ivanov ? Si le sujet abordé par les auteurs n’est pas la mort per se, quel est leur véritable propos ? Est-ce le passé qui meurt, comme cela semble être le cas dans La Cerisaie d’Anton Tchekhov ? Quelle est la relation de Matsui Tarô à ce passé ? Et dans le cas d’Andreï Ivanov ? Comment choisissent-ils, fût-ce de manière inconsciente, de voir le passé et de dialoguer avec lui ? Cette étude démontre que la « mort » dans les littératures de Matsui et Ivanov, s’il est un véhicule privilégié de critiques adressées par les deux auteurs à leurs communautés respectives, sert également à communiquer une vision d’avenir pour ces dernières — à savoir la proposition d’une assimilation complète. L’élément « mort » indique les raisons pour lesquelles ces auteurs refusent des concepts construits tels que « nous » (i.e. une communauté isolée)
The present study proposes an analysis of the function of “death” in the literary fiction of MATSUI Tarô (1917-2017), a leading author in Brazilian Japanese-language literature. A comparison is carried out with the oeuvre of Andrei IVANOV (1971- ), a key author in Estonian Russian-language literature. This thesis is built around Michel Picard’s argument, which proposes that in the literary field, “when we speak about death, we always speak about something else”: “Firstly because the core of the matter is to circumvent the insurmountable difficulty of temporalizing [materialising] the timeless [immaterial] moment of death, but mostly because of the actual preoccupations […] that certainly only concern life. These [preoccupations] themselves have clearly revealed that they [are] no more than symptoms, metaphors of some sort; that the crux of the matter, in this topos as well as each time that “death” is concerned, is unconscious.”After examining the historical and political contexts of the communities in question – the “Japanese” community of Brazil and the Russian-language community in Estonia – this thesis questions the ways that the Japanese-language literary world has been constructed in Brazil. Other questions are then raised: why does “death” appear so frequently in Matsui Tarô’s literary fiction? What are the functions operated by these deaths in his and Andrei Ivanov’s oeuvre? If the subject matter addressed by the two authors is not death per se, what are the real preoccupations at stake? Is it the past that dies, in a way that it seems to be the case in Anton Chekhov’s The Cherry Orchard? How does Matsui Tarô relate to this past? What about Andrei Ivanov? How do they choose, be it unconsciously, to see the past and to dialogue with it? This study shows that while “death” functions, in the literatures of Matsui and Ivanov, as a privileged vehicle conveying the criticisms that the two authors address to their respective communities, it is also used as a tool to communicate a vision for the future of these communities — that is, the proposition of a complete assimilation. The element of “death” points out the reasons why these authors refuse constructed concepts such as “us” (i.e. an isolated community)

Tabou réputé universel, l'inceste constitue un thème littéraire protéiforme et ancien. Pour le spécialiste du romantisme Peter Thorslev, l'intérêt de la littérature pour ce motif est dû à sa puissance dramatique, car il met en scène le désir d’un individu contre la société. Cette conception, juste pour décrire la tradition romantique passée, ne rend pas compte de la complexité des fictions romanesques abordant l’inceste à partir du XXe siècle. La « multiplication des discours sur le sexe dans le champ d’exercice du pouvoir lui-même » que décrit Foucault et le développement des politiques racistes et eugénistes font que l’inceste s'intrique en effet à un autre concept polémique : la « race ». L'écriture romanesque de ce thème ne concerne plus un individu en butte contre la société mais des groupes cherchant à se définir, et le plus souvent racialement. La confrontation aux incestueux décrit une limite symbolique incertaine non pas tant entre civilisation et barbarie qu'entre bon citoyen et non-citoyen. Aux États-Unis et en Afrique du Sud où les fictions politiques de la nation érigée en famille idéale ont servi à justifier l'exclusion de la population non-blanche, ce que nous appelons les « contre-fictions d'inceste » interrogent de façon provocante la citoyenneté et le droit dans ces États. Le motif de l'inceste, fantasmé ou accompli, est étudié dans des romans datés de 1929 à 2005 et écrits entre autres par W. Faulkner, T. Morrison, R. Ellison, G. Jones, Sapphire aux États-Unis et par D. Lessing, B. Head, A. Dangor, M. van Niekerk, L. Rampolokeng en Afrique du Sud. Nous retraçons l'évolution du traitement esthétique et politique de l'inceste dans les romans de ces pays marqués par l'association entre communauté, nation et « race », et réfléchissons dans le même temps à la réalité omniprésente de ce crime dans nos sociétés
Incest, a notorious universal taboo, is an ancient protean theme in literature. According to Peter Thorslev, writers are drawn to this theme because of its powerful dramatization of the conflict between an individual's desire and that of the society. This theory is applicable to the past tradition of romanticism, but it doesn't take into account the complexity of incest fictions written in Twentieth-century novels. The «proliferation of discourses on sex within the context of power itself » described by Foucault, along with the development of the politics of race and eugenics, explain how the incest theme is intertwined with another controversial concept : « race ». Novels no longer depict an individual fighting against society when they portray incest, but they think of human groups trying to define themselves, often by way of race. Confronting incestuous characters is not a means of drawing an obscure symbolic line between the civilized and the savages, but among citizens and non-citizens. In South Africa and the United States of America, where political fictions had defined the nation as a perfect family to justify the exclusion of non-white people from the community of citizens, « counter-fictions of incest » examine in provocative ways how citizenship and rights are articulated. I question the incest theme – forbidden desire or sexual violation– in novels from 1929 to 2005, by American writers such as W. Faulkner, T. Morrison, R. Ellison, G. Jones, Sapphire and by South African authors like D. Lessing, B. Head, A. Dangor, M. van Niekerk, and L. Rampolokeng. I outline the aesthetic and political evolution of the incest theme in novels written in those societies where community, nation and « race » were particularly interconnected, while simultaneously reflecting on the omnipresent reality of the crime of incest in all societies

Cette thèse étudie le rôle de la pensée morale et politique dans la tragédie moderne (XVIe-XVIIIe siècles), en se concentrant sur un ensemble de pièces néo-latines, françaises, italiennes et anglaises qui représentent la mort du dictateur romain Jules César, auxquelles on a joint Cinna de Corneille. Pour susciter les passions tragiques, la fable doit représenter un personnage, ou un groupe de personnages, qui passe du bonheur au malheur à la suite d’une « faute » moralement ou politiquement ambiguë. Cet enchaînement est particulièrement tragique lorsque la « faute » est au moins partiellement involontaire et résulte d’une forme de nécessité : la tragédie manifeste alors le poids de la « fortune morale ». L’ambiguïté de la « faute » tragique peut revêtir diverses formes ; dans les Mort(s) de César, elle réside d’une part dans le fait que les personnages sont contraints d’agir dans une situation caractérisée par plusieurs antinomies, d’autre part dans le fait que leurs motivations paraissent à certains égards contraires aux justifications qu’ils avancent. La tragédie moderne est profondément réfractaire à la pensée casuiste contemporaine – sous les diverses formes qu’elle prend dans la théorie de l’invention rhétorique, la philosophie morale et politique et l’historiographie –, car elle laisse irrésolus les « cas » moraux et politiques qu’elle expose. Mais Cinna, première « tragédie à fin heureuse » du répertoire français, montre comment il est possible de parvenir à la réconciliation et à une issue moralement et politiquement satisfaisante par-delà les antinomies tragiques
This dissertation investigates the functions of moral and political thought in modern tragedy (16th-18th centuries), focusing on a group of Neo-Latin, French, Italian and English plays which represent the death of the Roman dictator Julius Caesar, as well as on Corneille’s Cinna. In order to provoke the tragic emotions, a fable must represent a character or a group of characters whose fall from happiness into mishap is a consequence of a morally or politically ambiguous “flaw”. This sequence is particularly tragic when the “flaw” is at least partially unintentional and results from a kind of necessity : tragedy thus manifests the importance of “moral luck”. The ambiguity of the tragic “flaw” may arise from different circumstances ; in the plays representing the death of Caesar it consists on the one hand in the antinomies which the characters must face, on the other hand in the fact that their motivations appear in some ways contrary to the arguments they use in order to justify themselves. Modern tragedy is profoundly extraneous to contemporary casuistry (as developed in the rhetorical theory of invention, in moral and political philosophy and in historical writing), in that it leaves moral and political “cases” unsolved. However, Cinna, the first happy-ending tragedy in the French theatre, shows how reconciliation and a morally and politically satisfying ending are possible despite the tragic antinomies

Cette thèse se propose de réévaluer le statut des sources ibériques au sein d’un corpus de pièces anglaises jouées entre la fin du règne d’Élisabeth Ie et le début de l’ère jacobéenne, période marquée par de profonds changements socio-culturels. Elle se concentre non pas sur la tension bien connue et souvent étudiée entre hispanophilie et hispanophobie qui caractérise alors la représentation des relations anglo-ibériques, mais envisage ce rapport selon une perspective textuelle, culturelle et esthétique incluant les relais qui, à l’échelle européenne, permettaient à ces textes de circuler, tout en les modifiant. Ce travail porte donc sur les réseaux d’influence des textes ibériques de la culture de cour des XVe et XVIe siècles, et leur impact sur le théâtre anglais de la première modernité. Il aborde notamment le roman sentimental Tractado de amores de Arnalte y Lucenda de Diego de San Pedro, la poésie de cour de Juan Boscán et Garcilaso de la Vega avec le long poème Leandro et le sonnet XXIX « Pasando el mar Leandro el animoso », la romance pastorale Los siete libros de La Diana de Jorge de Montemayor et le récit picaresque publié anonymement, La vida de Lazarillo de Tormes, y de sus fortunas y adversidades. Ces œuvres sont mises en dialogue avec des textes didactiques et philosophiques tels que El libro aureo de Marco Aurelio d’Antonio de Guevara, Le Courtisan de Baldassare Castiglione traduit par Boscán et El Examen de Ingenios de Juan Huarte de San Juan, qui s’intéressent tous à la figure du courtisan et à la notion de « service ». Quant au corpus de textes dramatiques anglais privilégiés dans cette étude, il est principalement constitué de pièces de Shakespeare, en particulier de The Two Gentlemen of Verona, Love’s Labour’s Lost, The Merry Wives of Windsor, Twelfth Night et The Winter’s Tale. Ces œuvres sont mises en relation avec d’autres écrits contemporains : Hero and Leander de Christopher Marlowe, Blurt Master Constable de Thomas Dekker, ainsi que des textes de John Lyly et de Ben Jonson. En complétant et réorientant les études portant sur les intrigues et les personnages de la littérature dramatique anglaise, champ d’investigation traditionnel des Source Studies, cette thèse aborde ces éléments selon une approche qui prend en compte les perspectives sociétales et théâtrales inhérentes à la littérature issue de la société de cour ibérique : cette littérature innovante reflète, façonne et interroge tout particulièrement la théâtralité d’un milieu où les individus ne cessent de se mettre en scène. Tour à tour auteurs, dédicataires et personnages-clés de ces fictions dont ils sont très friands, les membres de la société de cour ibérique fournissent ainsi aux écrivains anglais de la première modernité un terrain de jeu propice à l’innovation et à l’expérimentation dramaturgiques
This dissertation proposes to reassess the status of Iberian sources within a corpus of English plays staged between the last years of the reign of Elizabeth I and the beginning of the Jacobean era, a period marked by deep socio-cultural changes. It does not focus on the well-known and often studied tension between Hispanophilia and Hispanophobia which characterises the representation of Anglo-Iberian relations at the time, but considers this relationship from a textual, cultural and aesthetic perspective including the go-betweens that, at a European scale, enabled these texts to circulate while they were altering them. This work thus deals with the networks of influence of Iberian texts belonging to 15th-and-16th-century court culture and the impact they had on early modern English drama. In particular, it tackles the sentimental romance Tractado de amores de Arnalte y Lucenda by Diego de San Pedro, court poetry by Juan Boscán and Garcilaso de la Vega with the long poem Leandro and sonnet XXIX « Pasando el mar Leandro el animoso », the pastoral romance Los siete libros de La Diana by Jorge de Montemayor and the anonymously published picaresque tale La vida de Lazarillo de Tormes, y de sus fortunas y adversidades. These works are set in conversation with didactic and philosophical texts such as El libro aureo de Marco Aurelio by Antonio de Guevara, The Courtier by Baldassare Castiglione translated by Boscán and El Examen de Ingenios by Juan Huarte de San Juan: they all deal with the figure of the courtier and the notion of « service ». As to the corpus of English dramatic texts chosen for this study, it is mainly composed of plays by Shakespeare, notably The Two Gentlemen of Verona, Love’s Labour’s Lost, The Merry Wives of Windsor, Twelfth Night et The Winter’s Tale. These works are related to other contemporary writings: Hero and Leander by Christopher Marlowe, Blurt Master Constable by Thomas Dekker, along with texts by John Lyly and Ben Jonson. By supplementing and redirecting the studies addressing plots and characters in the English dramatic literature, the traditional field of investigation of Source Studies, this dissertation discusses these elements from a perspective which takes into account the societal and theatrical dimensions inherent to the literature born out of the Iberian court society : this innovative literature reflects, shapes and questions especially the theatricality of an environment where individuals never cease to stage themselves. Alternately authors, dedicatees and key-characters and figures of these fictions they enjoy thoroughly, the members of the Iberian court society thus provide early modern English writers with a playground conducive to dramaturgical innovation and experimentation

On dresse ici un panorama ample des usages de la forme poétique du sonnet durant la Seconde Guerre mondiale, en France, Allemagne, Grande-Bretagne et Italie. Ce parcours à travers la poésie de pays opposés militairement donne lieu à des analyses ciblées, qui visent à mettre en avant le fonctionnement d’une forme qui connaît une réelle floraison durant ce dürftiger Zeit de l’Europe. De nombreux poètes emploient en effet le sonnet pour donner un ordre à une expérience individuelle ou collective du désordre. On envisage la manière dont ces usages interrogent parfois profondément le rôle de la poésie, lorsqu’elle est abondamment sollicitée dans des sociétés en crise. La réduction à un discours militant, l’interférence idéologique ou religieuse d’une part, la remise en cause des présupposés culturels ou relatifs au lyrisme d’autre part, sont autant de tensions qui traversent le sonnet. On propose que le sonnet, forme ordonnée, est employée pour se positionner face au désordre du monde, soit en le rédimant, soit en l’acceptant. Les deux positions ne se traduisent pas systématiquement par un équivalent formel dans le poème même. Toutefois, les usages néoclassiques et rénovateurs du sonnet ont pour point commun d’interroger très profondément le rapport de la poésie au monde
This study consists in a wide, comprehensive overview of the usages of the poetic form of the sonnet during the Second World War in France, Germany, Great Britain and Italy. Such a process aims at gathering close readings of sonnets, in order to highlight the mechanisms of a blooming form in the midst of a dürftiger Zeit. Many poets resort indeed to the sonnet in order to give a frame to a singular or collective experience of the chaos unleashed throughout Europe.The way these recourses to the sonnet interact with the role of poetry in a time of wide reception and collective crisis will be scrutinized in the light of political commitment, religious or ideological biases and the questioning of the former foundations of Western European culture, all of which can interfere in poetry’s proper motives.This work’s proposal is that the sonnet can be used as an ordered form, either to set a demiurgic stand in front of the chaotic situation of the continent, or so as to accept it. Neither poetic stances do necessarily lead to a disordering of the form itself ; however, both conservative and rejuvenating usages of the sonnet have in common the ability to deeply question poetry’s relation to the world

Le but de cette étude comparative est de montrer comment la présence animale contribue à renouveler le roman d'expression française et anglaise aujourd'hui. Cette thèse est articulée en quatre parties. La première partie situe le contexte de la présence animale en littérature. Les trois parties suivantes développent successivement les rapports du féminin à l'animal (Angela Carter et Marie Darrieussecq) ; l'animal à travers la littérature postcolonial (J. M. Coetzee et Patrick Chamoiseau) ; le rôle des bêtes dans les romans d'inspiration écologique (Sheri Tepper et Bernard Werber)

Cette thèse de doctorat n’a pas visé à établir « le » sens du texte. Au contraire, elle a cherché à concevoir le pluriel du texte par l’intermédiaire du concept lacanien d’objet a (objet petit a). Ce dernier ne peut être saisi que par l’intermédiaire de ses effets. En tant qu’objets partiels, la voix, le regard et le style sont des figurations métonymiques de l’objet a.Certes, il est patent que le concept d’objet a a constitué l’ossature logique de nos analyses littéraires, mais ces analyses ont été tout sauf pures. Assurément, nous nous sommes fréquemment référés à des concepts psychanalytiques, toutefois nous nous sommes souvent permis d’orienter nos recherches vers d’autres approches (philosophique, générique, idéologique, structurale, rythmique, stylistique, etc.).L’étude des Trois Contes de Gustave Flaubert et les Tales of Unrest de Joseph Conrad nous a donné l’occasion de mettre au jour l’existence de deux forces : d’une part, la force qui concerne la parole, l’œil et le style comme objet du désir de maîtrise de l’écrivain-artisan ; d’autre part, la force qui relève de la voix, du regard et du style comme « signifiance », c’est-à-dire comme « travail radical (il ne laisse rien intact) à travers lequel le sujet explore comment la langue le travaille et le défait dès lors qu’il y entre »
This doctoral thesis has not aimed at establishing “the” meaning of the text. On the contrary, it has sought to conceive the plurality of the text through Lacan’s concept of objet petit a (object small a). The latter can be grasped only through its effects. As part-objects, voice, gaze, and style are metonymic figurations of objet petit a.Admittedly, it is patently obvious that the object a has constituted the logical framework of our literary analyses, but these analyses have been anything but pure ones. Of course, we have frequently referred to psychoanalytic concepts, however, we have often permitted ourselves to orient our investigation towards other approaches (philosophical, generic, ideological, structural, rhythmical, stylistic etc.).The study of two collection of tales by two different authors – Trois Contes by Gustave Flaubert and Joseph Conrad’s Tales of Unrest – has been the occasion to bring to light the existence of two forces: on the one hand, the force which concerns speech, eye, and style as the object of the desire of the writer as a craftsman, and, on the other, the force which pertains to voice, gaze, and style as a signifying production (signifiance), i.e. as “radical work (which leaves nothing intact) through which the subject explores how language works him and undoes him as soon as he stops observing it and enters it”

Pour un lecteur français, familiarisé avec l’écriture de Maupassant, qui étudie des oeuvres de Dostoïevski, une constatation s’impose : des similitudes chez les deux écrivains sont difficiles à percevoir et à préciser à la première lecture, mais en comparant en profondeur les deux auteurs, leurs correspondances prennent de plus en plus de relief. Il faut remarquer que peu d’écrivains ont présenté des héros aussi complexes et aussi étranges que ceux de Dostoïevski. Ceux de Maupassant n’ont pas le relief de ces figures dostoïevskiennes ; il ne peut être question de les mesurer les uns aux autres. Nous porterons seulement notre attention sur les affinités qu’ils peuvent avoir. Une étude comparative entre Fédor Dostoïevski et Guy de Maupassant devient possible à un tout autre niveau : une atmosphère « fiévreuse », une vie d’une intensité qui sort de l’ordinaire, règnent dans le monde qu’ils ont créé. C’est ce monde qui a attiré toute notre attention pour la présente analyse. On pourrait trouver les correspondances provoquées par des « tendances » générales de leur siècle mais aussi par l’atmosphère dans laquelle ils vivaient. L’auteur slave et l’écrivain français se rapprochent par leur existence pétrie de souffrances, par les convictions qu’ils défendaient au milieu de leurs contemporains, et par les difficultés tragiques, dans lesquelles ils se débattaient sans relâche. Un autre point de « rencontre » unit nos deux auteurs : tous les deux se distinguent des écrivains qui leur sont contemporains, réalistes et naturalistes. Dostoïevski et Maupassant ne s’attachent pas à la laideur de la vie mais ils préfèrent pénétrer dans ses profondeurs et éclairer ses mystères. Ils sont psychologues et les études qu’ils nous ont laissé n’ont pas seulement une valeur esthétique, mais aussi une valeur d’observation humaine. Le thème de « la machine sociale », présent dans Une Vie, Mont-Oriol, Pierre et Jean, Fort comme la mort et Crime et châtiment, L’Idiot, comme dans la plupart des grands thèmes de la littérature, n’est pas nouveau. Mais à l’époque de nos deux auteurs, le problème de « la machine sociale » qui écrase l’individu par sa « puissance infernale », connaît un essor fulgurant. A ce moment-là, il prend une voie inédite. Si, auparavant, la souffrance de l’homme était liée à des causes intérieures, maintenant, chez Guy de Maupassant et Fédor Dostoïevski, elle dépend de causes extérieures. Le « développement » psychologique de l’individu semble être lié d’une manière irrémédiable au milieu social. Les apparitions du sentiment de l’angoisse et de la difficulté d’être, sont envisageables comme dépendantes de causes sociales. Dans les romans, choisis pour notre corpus, « la machine sociale » s’accorde le droit de transgresser toutes les lois, les lois humaines et même les lois naturelles. Maupassant et Dostoïevski présentent de nombreux personnages, multipliants les occasions de mesurer l’évolution de leur dégradation inexorable, l’odieux ravage de leur existence par la société. Ne voulant pas rétablir l’individu dans la plénitude de ses droits, la société le condamne à l’isolement total. Chez les deux auteurs, on retrouve le réalisme « hallucinant » de la solitude des hommes, solitude qui semble être poussée à son paroxysme. La confrontation avec la réalité sociale fait naître dans l’âme des héros, des sentiments insoupçonnés jusque là ; ceux de l’angoisse, mélangée avec la terreur. La réalité du contexte social provoque un sentiment de peur incontrôlée qui empêche les héros d’agir en annihilant leur volonté. Maupassant et Dostoïevski, sauvent, de la souffrance, les âmes de leurs personnages, âmes qui ont traversé, à cause de « la machine sociale », les tourments de l’enfer et les tribulations du purgatoire. Les deux auteurs leur offrent une possibilité de fuite
Or a French reader, familiar with? Writing Maupassant, who studied of? works of Dostoevsky, a finding? requires: similarities among two writers are difficult to perceive and specify the first reading, but by comparing in detail the two writers, their correspondence becoming increasingly important. It should be noted that little? Writers heroes presented as complex and strange than Dostoyevsky. N those of Maupassant? Have no relief from these figures dostoïevskiennes, not can be no question to measure each other. We will only our attention to the affinities that? they may have. A comparative study from Fyodor Dostoevsky and Guy de Maupassant is possible to a whole new level: an atmosphere "feverish," a life of? intensity leaving l? usually prevail in the world that? they created. C? Is this world that has attracted our attention to this analysis. We could find matches caused by "trends" General century but their also l? atmosphere in which they lived. L? Author and slave? Writer French close in their lives full of suffering, by beliefs that? they stood among their contemporaries, and by tragic difficulties in which they struggled tirelessly. A another point of "encounter" our two authors: both are distinguished writers who are their contemporaries, and realistic naturalists. Dostoyevsky and Maupassant does? Not attach to the ugliness of the life, but they prefer to enter into its depths and inform its mysteries. They are psychologists and studies that? They left us n? Have not only aesthetic, but also a value of? human observation. The theme of "The social machine," in A Life, Mont-Oriol, Pierre et Jean, Fort like death and Crime and Punishment, L? Idiot, as in most major themes of literature, do is not new. But l? Time of our two authors, the problem of "the social machine which crushes l? individual by his" infernal power, experiencing a rapid expansion. At that time, it takes a unprecedented way. If earlier, suffering from? Man was linked to causes intérieures now in Guy de Maupassant and Fyodor Dostoevsky, it depends on external causes. The development of psychological? Individual d appears to be related? an irretrievable to the social environment. The appearances of sense of? anxiety and the difficulty? be considered are as dependent on social causes. In the novels, chosen for our corpus, The "social machine" s? Grants the right to transgress all laws, human laws and the same natural laws. Maupassant and Dostoevsky are many characters, more opportunities for the measure? developments their inexorable decline, l? heinous ravage their lives by society. Not wanting to restore? Person's full rights, society condemned to? isolation. In both authors, there is realism "Amazing" in the solitude of men loneliness that seems to be pushed its climax. Confrontation with social reality is created in? Soul the heroes, hitherto unsuspected feelings and those of? anguish, mixed with terror. The reality of the social causes fear preventing uncontrolled d hero? act negating their will. Maupassant and Dostoevsky, lifesaving, the suffering, the souls of their characters, minds which have experienced because of the social machine, "the torments of? hell and tribulations of purgatory. Both authors offer a possibility of leakage