Дисертації з теми "Langue poème"

L’objectif principal de cette thèse a été d’expliquer les raisons du succès du poème en prose dans les revues littéraires belges du dernier quart du XIXe siècle ;en particulier, nous nous sommes penchés sur les périodiques les plus prestigieux de la période :La Jeune Belgique (1881-1897) et La Wallonie (1886-1892).La première partie du travail a été consacrée aux difficultés relatives à la délimitation du corpus en question. Sous ce nom, les auteurs de l’époque ont fait paraitre des œuvres très dissemblables et la critique académique qui s’est penchée sur la question n’est jamais parvenue à fournir une définition cohérente du genre. Nous avons mis en évidence surtout comment il n’existe aucune solution de continuité entre le poème en prose et ce que Bertrand Vibert a appelé dans ses études « le conte poétique » symboliste.La deuxième partie de la recherche s’est alors portée sur la délimitation du corpus et sur la description des formes, des thèmes et des motifs les plus récurrents. Les principaux auteurs dont nous nous sommes occupés sont Hector Chainaye (1865-1913), Charles Delchevalerie (1872-1950), O. G. Destrée (1867-1919), Jules Destrée (1863-1936), Maurice des Ombiaux (1868-1943), Arnold Goffin (1863-1934), Charles Van Lerberghe (1861-1907) et Émile Verhaeren (1855-1916). Dans la partie finale, nous avons vu pour quelles raisons ce genre a été aussi souvent pratiqué par des écrivains fraichement entrés en littérature ;accepté tant par les Parnassiens qui occupaient à l’époque le pôle dominant du champ littéraire, tant par l’avant-garde symboliste, le poème en prose apparaissait comme le choix stratégiquement le plus sûr pour parvenir à la consécration. Nous verrons que ce genre ayant déjà « fait date », ce choix n’a pas été toujours payant.
Doctorat en Langues, lettres et traductologie
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La poésie maghrébine francophone demeure peu étudiée notamment en ce qui concerne son fonctionnement esthétique, malgré une production importante et la consécration de certains auteurs. Ce travail de recherche propose d’identifier les traits formels constitutifs du poème situé entre culture première et culture seconde, en s’attachant aux recueils de six poètes originaires du Maghreb qui ont franchi l’autre rive de la Méditerranée pour s’établir en France : Malek Alloula, Jamel Eddine Bencheikh, Abdelwahab Meddeb, Zaghloul Morsy et Amina Saïd. La période retenue, de 1995 à 2005, permet d’interroger la nouveauté formelle et l’écriture poétique dans son rapport à la double tradition franco-maghrébine, telles qu’elles se présentent à l’aube du nouveau millénaire. Par une approche croisant les études linguistiques et littéraires, mettant en œuvre une poétique et une intersémioticité, les dynamiques visuelles du poème sont mises en évidence, ainsi que ses formes vocales et ses diverses stratégies énonciatives. Il en ressort des spécificités de la poésie de langue française issue du Maghreb, tant par rapport à la poésie française en général, que par rapport au poème maghrébin francophone du terroir
The French-language poetry from Maghreb, and more notably its aesthetics, remains a poorly researched subject, despite the numerous works produced by several dedicated authors. The following research document aims to identify the native and acquired cultural elements constituting a poem, basing itself in a collection belonging to six poets who have crossed the Mediterranean and have established themselves in France: Malek Alloula, Jamel Eddine Bencheikh, Abdelwahab Meddeb, Zaghloul Morsy and Amina Saïd. The chosen period (1995 – 2005) allows a comparison between the formal novelty and poetry writing and their relevance to the duality of both French and Maghreb tradition, such as they are present in the dawn of the new millennium. The visual elements of a poem, as well as its vocal form and its enunciation techniques, are highlighted by means of a linguistic and literary study approach, using poetics and inter-semiotics. These indicate the elements specific to Maghreb poetry written in France, in contrast to both French poetry in general and French-language poetry from Maghreb

Sous-tendue par une poétique de la relation langage - à la fois nourrie par l’écriture de poèmes et par la traduction -, l’œuvre d’Henri Meschonnic cherche les passages vers l’autre, vers le(s) sujet(s). Elle développe une anthropologie historique du langage à partir d’une critique du rythme et d’un parcours critique à travers l’ensemble des sciences humaines. Le poème, en tant qu’acte politique et éthique, innerve la théorie de la relation dans et par le langage. Contre tous les séparatismes (la prose contre la poésie) et contre tous les dualismes ( le son et le sens, la voix vivante et la lettre morte), il s’agit d’écouter le continu langage- éthique-politique qui fait du poème l’invention mutuelle et réciproque d’une forme de langage par une forme de vie et d’une forme de vie par une forme de langage. Ceci fait des poèmes meschonniciens des inventions de vie. Ces gestes-relations, s’adressant aux autres sujets, puisent dans un langage à la socialité sans cesse réaffirmée. Le continu qui la travaille fait de l’œuvre d’Henri Meschonnic un même levier pour repenser la théorie du langage d’abord en écrivant des poèmes, puis en re-traduisant la Bible et en la re-rythmisant. Poème et traduire, en faisant réfléchir sur le langage, font une invention de l’inconnu et produisent leurs propres effets de savoir. L’écriture de poèmes, la pratique et l’épistémologie du traduire ainsi que la théorie du langage sont indissociables, parce qu’elles se confondent avec la vie même
Both underlied by a poetic of relationship and by a thought on language - nourished by the experience of writing poems and translating the Bible - Henri Meschonnic’s work seek the passages in direction of the others, of the subjects. It develop an historic anthropology of language since a critic of rythm and also a critic mileage through the whole human sciences. The poem, as an ethical and political act, innervate the theory of relationship in and by the language. Against all the separatisms (prose versus poetry) and all the dualisms (sound and sense, living voice and dead letter), let’s listen the continuum between language, ethical and political who let the poem begin a mutual and reciprocal invention of a language’s form by a life’s form and of a life’s form by a language’s form. Poems of Henri Meschonnic are inventions of life. Those relationships-gestures aim at other subjects, drawing in a social language. The continuum that elaborate Henri Meschonnic’work makes her a lever to rethink the theory of language, first by writing poems, then in translating again the Bible and giving again rythm to her. Poem and translation, by making think on the language, make an invention of the unknown and produce ther own effects of knowledge. Writing poems, practicing both translation and epistemology of translation, and in the same time thinking again the theory of language are indissociable, because they merge with the life herself

L'analyse des traductions en langue espagnole de poemes surrealistes francais de peret, breton, desnos et eluard s'appuie sur les principes de la linguistique structurale et se developpe selon les niveaux suivants : phonograhique, morphosyntaxique (ordre supra-syntagnatique et intra-syntagnatique) et semantique (lexique et images). Elle met en evidence les particularites des recherches surrealistes qui se posent en reflexions pratiques sur la langage, sur le fonctionnement de la pensee, sur l'importance du signifiant, etc, et parallement elle devoile les manipulations, les mecanismes auxquels ont eu recours les traducteurs afin d'assurer le passage dans une langue-cible de donnees poetiques ou "l'esthetique" est delaissee au profit d'une pensee et d'une ecriture immediates, et d'une structure exploratoire de mecanismes mentaux, etablissant ainsi les degres de divergence et de convergence entre les poemes-source et les poemes-cibles. La dominante des traductions litterales pose une reflexion sur la validite de ce choix, et situe differents degres de traitrise et de maitrise de la litteralite en traduction, et la convertit en lieu d'experimentation et d'elucidation du phenomene de l'ecriture
The analysis of the spanish translation of the surrealist poems written by peret, breton, desnos and eluard, is based on structural linguistic principles, unfolding along the following levels of description : phonologico-graphological, morphosyntactical (at the supra-syntagmatic and the intersyntagnatic level), and semantical (lexis and imagery). The analysis shows the particularities of surrealist researc trying to solve such pratical questions as the nature of language, the functioning of thought, and the importance of the sign vehicle; it makes us also aware of the devices which are necessary for the translators to achieve the passing over to a target-language of new poetic means where the "aesthetic element" is overshadowed by thought and inmediate writing, and of an exploring structure of mental mechanisms. Thus, the diverging and converging coordinates between the target-poems and their source-counterparts can be shown. The dominance of literary translations drives us to reflect on the well-foundedness of this choice and establishes different degrees of accurateness in literary translation, making it, thereby, the kernel of experimentation and possible solutions of the literary phenomenon

La muse normande est un recueil de poèmes comiques écrits par David Ferrand, poète et imprimeur rouennais (1590-1660), à l'occasion du Puy des palinods, concours littéraire organisé tous les huit décembre en l'honneur de la fête de l'immaculée conception de la vierge marie. L'œuvre, écrite en langage purin, la langue des ouvriers rouennais du textile, fait l'objet d'une étude phonétique, morpho-syntaxique et lexicale, afin de déterminer ce qui, dans ce corpus de vingt-huit livres, est propre aux parlers normands, ce qui est particulier à la langue française des seizième et dix-septième siècles, et ce qu'il faut imputer à la fantaisie de l'auteur. L'étude phonétique tend à montrer qu'une partie des phénomènes relevés sont des archaïsmes, attestés en ancien et moyen français, alors qu'une autre série de phénomènes se rattache à ceux décrits par les dialectologues comme caractéristiques des parlers normands du nord de la ligne joret. Les phénomènes morpho-syntaxiques étudiés sont le plus souvent attestés au seizième et au début du dix-septième siècle
The norman muse is a collection of comic poems written by David Ferrand, a poet and printer from Rouen (1590-1660) for the Puy des palinods (literary society of the palinods), a literary contest organised every eighth december to commemorate the immaculate conception of the holy virgin. This works, written in the purin language, that of the textile workers in Rouen, is the subject of a phonetic, morpho-syntaxic and lexical study; its aim is to determine, in this corpus of twenty-eight books, what belongs to norman dialects, what is peculiar to the french language of the sixteenth and seventeenth centuries, and what is to be attributed to the authors's own imagination. The phonetic study tends to reveal that part of the phenomena that have been noted are archaism, witnessed in old and middle french, while another series of phenomena is to be linked to those described by dialectologists as characteristic of the norman dialects north of the joret line. The morpho-syntactic phenomena which are studied are most often witnessed in seventeenth century language

Ce doctorat avait deux buts essentiels : dresser l'inventaire des éléments techniques susceptibles de définir l'originalité de R. Strauss dans sa technique d'orchestration pour tenter de définir s'il existe un style straussien de l'orchestration, et le replacer dans le développement de cette technique musicale au XIXe siècle pour apprécier la place et l'originalité du compositeur dans ce domaine. L'étude a été réalisée sur un ensemble de 10 œuvres cohérentes dans leur genre (les 10 poèmes symphoniques de Strauss), dans leur époque (1886-1915) et dans leur style (fin du développement des grands orchestres romantiques). Les différents orchestrés employés ont montré que Strauss développe progressivement ses effectifs instrumentaux, partant d'un orchestre classique "par deux" (Mozart, Beethoven), pour atteindre un effectif "supra-classique" qui est le double numérique du précèdent. Le passage d’un type d'orchestre à l'autre nécessite l'emploi de nouvelles techniques d'orchestration. Par ailleurs, Strauss apparait dans son orchestration comme le successeur logique et ultime d'une tradition d'écriture pour orchestre qui de Berlioz va jusqu'à Wagner en passant par Liszt. Richard Strauss représente le point d'aboutissement de l'orchestration romantique et il annonce dans ses œuvres aux effectifs les plus grands l'avènement d'une orchestration de chambre. .
This ph. Doctorate has 2 main purposes : to make a technical devices' inventory susceptible to characterize the original aspect of R. Strauss' orchestral writing in the view to specify if it exists a straussian style of orchestration, then to replace it in the development of that technique during the XIXth century. The discussion was focused on a series of 10 musical works which were consistent in their genre (the 10 symphonic poems written by Strauss), era of writing (1886-1915) and style (end of romantic full orchestras’ growth). The various kinds of orchestras used by Strauss showed than this development goes through a progressive increase of instruments which starts with the orchestra "by 2" (Mozart, Beethoven) and reaches a "supra-classical" size, which is twice bigger than the previous one. The change from the classical to "supra-classical" orchestra requires news orchestral devices. Moreover, in his own orchestral technique, Strauss appears as the logical and ultimate successor of an orchestral writing tradition which starts from Berlioz to Wagner through Liszt. Richard Strauss is the final point of a romantic orchestra and in his biggest orchestral works, he anticipates the chamber orchestration which will get an important part during the XXth century

Ce travail étudie la contribution du poète national grec Costis Palamas à la formation de la langue démotique néohellénique. Palamas, personnalité polyvalente, poète, critique et journaliste a joué un rôle primordial dans le combat contre le phénomène de la diglossie (bilinguisme) en Grèce. La diglossie était devenu une sorte de tyrannie dans un pays sous occupation turque, car de nombreux érudits en faisant preuve d'un " savantisme " plein de mésestimation pour le peuple grec et sa langue vivante, essayaient (surtout après le 17e siècle et au delà) d'imposer la katharevoussa, une langue artificielle que personne n'a jamais parlé. Palamas, sur le traces de Solomos et avec Psichari et autres grandes personnalités grecques contemporaines a œuvré toute sa vie pour l'imposition et la réhabilitation de la démotique qui était la langue vivante que le people parlait dans sa vie quotidienne. Il a mené une action remarquable grâce à son travail poétique, son œuvre critique, sa plume journalistique et ses combats dans le cadre des différentes revues et associations des démosticites pour imposer la démotique partout. Le fait que Palamas était l'homme qu'il fallait à l'époque qu'il fallait a été l'objectif que nous avons essayé de démontrer, de l'éclaircir et de le présenter sous tous ses aspects. Comme c'était, d'ailleurs, le cas de tous les autres pays d'Europe occidentale cette réhabilitation linguistique s'est illustrée grâce à l'apport de la poésie, premièrement, pour aboutir et trouver son apogée dans tous les niveaux de l'enseignement national grec
This dissertation is a study of Kostas Palamas, the Poet Laureate of Greece, and his contribution in the shaping of contemporary vernacular Greek language. Palamas, a multitalented personality excelling as a poet, critic and journalist, played a determinate role in the dissension of bilingualism in the late 19th and 20th Century Greece. This open conflict took on the form of tyranny in view of the long-term suffering and degradation the Greeks had endured under Turkish occupation, which produced a sterile intelligentsia contemptuous of the people's verbal traditions and popular vernacular. It was a blatant attempt (especially in the 17th century and up to the period under this study) to impose the “katharevousa” καθαρεύουσα, a contrived purist language of officials that had never been used or spoken by anyone previously. Following in the footsteps of the poet Solomos, Palamas together with many of his contemporary personalities including Psycharis, devoted his whole life in establishing the “demotic” popular dialect the “lingua franca” as the official language. This was the speech of the people in their everyday life. He pursued this task with efficacious exuberance based on his poetic flair, critical finesse and refined writing vigor. He unrelentingly penned his views in many progressive publications campaigning on behalf of the “dimotiki” dialect. As a result, just as in the case of all the other western European people, this dialectic reinstatement, at first took shape through the power of poetry, to eventually culminate and spread throughout the Hellenic educational system. The fact that Palamas was there as the most suited person and at the right time made the difference as we have attempted to point out, to shed academic light on and finally comprehensively present

La lecture de l'enjeu du savoir linguistique s'organise en trois tracés signifiants. Le premier s'intitule le discours néo-baroque et il mesure comment le poème silésien construit son néo sur un rapport d'altérité onomastique ; dans l'espacement des noms propres de Gongora, Quevedo, Lope mais aussi Mallarmé, se réinterprète la notion de "barroco" comme palimpseste. La pratique du palimpseste visualisant le texte sous le texte révèle le poème comme structure palimpsestueuse. La notion de palimpseste conjointe a la linguistique, me conduit à lire une seconde interrelation intitulée la fonction expressive du langage. Dans ce second circuit signifiant, le travail de l'écrit sous-tend celui de l'émotion du sujet. L'aventure sémiotique entraine celle du somatique. Et elle rend effective une nouvelle temporisation du discours silésien : la relation mimologique. Le nom propre de Siles se dissémine et trace l'intertextualité et l'intervocalité. L'interprétation de l'œuvre actuelle de Siles repose sur la lecture d'une ouverture grammatique. La tripartition échogramme, anagramme et chronogramme permet de lire comment un poète espagnol contemporain s'inscrit dans la tradition poétique espagnole, comment son écriture joue avec le même et l'autre, jusqu'à trouver sa propre voix
Our study of importance of linguistic expertise is organized along three levels of interpretation. The first, entitled neo-baroque discourse, assesses how the newness of Siles's poems is built up out of onomastic otherness-through the spacing-out of the proper names of Gongora, Quevedo, Lope but also Mallarmé, the notion of "barroco" may be re-interpreted as a palimpsest. The use of the palimpsest technique of visualising the text beneath the text lays bare the palimpset-type structure of the poetry. Combining the notion of palimpsest with a linguistic approach has led me to discern a second interrelation entitled the expressive function of language. According to this second level of significance, the craft of writing is seen to underlie the emotion of the subject, the semiotic adventure triggering off the somatic one. It also brings to the surface yet another method of temporising in Siles's poetic discourse, namely the mimological relation. Siles's proper name is dispersed, mapping out intertextuality and intervocality. Our interpretetion of the work of siles, as it stands today, is based on possibility of a grammatological reading of the text. The tripartite division into echogram, anagram and chronogram makes it possible to make out the rules governing the play of "difference"-how a contemporary Spanish poet fits in to the Spanish poetic tradition. How his writing plays with sameness and otherness

La première partie est consacrée aux particularités négro-africaines de l'oeuvre et de la pensée de Senghor, liées au milieu géniteur, et enracinées dans la tradition par les aspects onomastiques, les éléments culturels et politiques qui en constituent la toile de fond sur laquelle se déroule l'opération de l'écriture. La deuxième partie insiste davantage sur l'âme noire dans l'oeuvre senghorienne. Senghor s'identifie sans exclusive a cette âme, dont les vertus les plus essentielles et les plus positives sont chantées pour exprimer son humanisme ainsi que la vision globalisante du monde négroafricain, par opposition a la vision dichotomique voire antinomique du monde européen. La troisième partie est consacrée à tous les éléments de l'humanisme senghorien débouchant sur sa conception de la civilisation de l'universel : l'art poétique senghorien; Senghor, critique littéraire ; la négritude selon Senghor. Ces divers points montrent comment la pensée de Senghor est cohérente, logique à l'intérieur de son propre système. En effet, Senghor n'est pas seulement poète, mais il est aussi un humaniste dont les principes et les préoccupations anthropocentristes, se manifestent aussi bien dans sa poésie que dans ses discours politiques, ses essais et études critiques. Cette troisième partie montre l'évolution de la pensée du poète qui va du Sénégal à l'humanité, de l'homme à l'universel et se termine par un essai de définition de l'humanisme senghorien, tel qu'il est cerné et qui impose une lecture suivie de l'écrivain, penseur et homme politique. L'oeuvre de Senghor, qui se résume par la formule civilisation de l'universel, est une solide entité, un tout monolithique et pose un projet qui tient compte des conditions de l'homme, et de l'avenir de l'humanité prise dans le tourment de l'angoisse contemporaine
The first part is devoted to the negro-african features of Senghor's production and thought, linked as they are the ancestral milieu and rooted in tradition through the onomastic aspects, the cultural and political elements which serveas a backcloth to the writing process. The second part lays greater emphasis on black consciousness in Senghor's literary production. Senghor identifies unreservedly with that consciousness, whose most essential and positive virtues he sings with a view to voicing his humanism as well as his comprehensive vision of the negro-african world, which contrasts with his dichotomic and even antinomic vision of the european world. The third part is devoted to all the elements of Senghor's humanism that contribute to his conception of a universal civilisation: Senghor's poetics ; Senghor as literary critic ; negritude according to Senghor. These several points show the coherence and intrinsic logic of Senghor's thought. Indeed, senghor is not only a poet, but he is also a humanist, whose principles and anthropocentric preoccupations come out in his poetry as much as in his political speeches and his critical essays and studies. This third part outlines the evolution of the poet's thought as it expands from Senegal to humanity, from man to the universe, and it concludes with a tentative definition of senghor's humanism, such as i have tried to describe it, and which necessitates a sustained reading of the writer, both as thinker and politician. Senghor's production, which may be epitomized in the phrase "universal civilization", constitutes a robust entity, a monolithic whole, and sets forth a project which takes account of man's conditions and of the future of mankind caught in the convulsion of contemparary angst

Cette recherche a pour sujet d'étude le chemin du poème dans son recueil. C'est par l'intermédiaire des pédagogies de la compréhension, et par la médiation du travail des expressions, entre lecture et écriture, que nous nous proposons d'interpeller une analyse du poème, sur le plan des méthodes et des ingéniosités. Cette thèse se configure en trois parties : le rapport du poème en construction avec la langue comme théorie, le lien du poème recueilli à l'intérieur d'une architecture imaginative, entre une pédagogie de l'imaginaire et la configuration didactique d'une littérature animée, les jeux du monde proposés par le poème dans son articulation avec un commencement philosophique de l'apprenant, enfant dans l'élève, auteur et acteur d'apprentissages. Le texte s'inaugure par ce qu'on appelle une fiction théorique, la place du poème dans une évaluation compréhensive de la maîtrise de la langue, et se termine par ce qu'on peut appeler des ouvertures sémantiques, la réception esthétique d'un objet singulier, le poème comme un éclair de l'être chez Henri Maldiney, les perspectives de travail avec une mise en correspondance de l'album dit de jeunesse, pour nous ici l'univers de Claude Ponti, avec l'approche de l'image-temps, entre image animée et image mobile du cinéma, en contrepoint de l'image poétique. Le premier chapitre met en scène la théorie-langue avec celle de la méthode créative chez Francis Ponge, le deuxième chapitre interroge le système formulaire du texte-image dans ses compositions et ses configurations, le troisième chapitre met en relation le commencement du philosophe avec l'intérêt de l'élève qui voit s'entrouvrir en lui les premiers formes de penser, venant de lui allant à l'alentour, sa compréhension du monde.

L'analyse sémiostylistique que nous proposons dans le présent travail se situe dans le cadre d'un échange dialectique entre le texte et le lecteur, pour lire le texte de Rimbaud qui a été l'objet d'interprétations nombreuses et diverses, tenant à la nature des contenus de son œuvre. Nous avons divisé notre analyse en deux parties. Dans la première partie, consacrée à l'étude de la lecture sémantique, la perception de la lecture est fondée sur l'ensemble des signes dans le texte. Le travail de lecture comprend le point de vue critique qui consiste à décomposer chaque poème du début à la fin et à former des tableaux divisés en deux valeurs opposées, positive et négative, pour les deux actants, le "moi" et le "non-moi". La deuxième partie, dans laquelle nous procédons à une analyse fondée sur une lecture sémiotique, est divisée en deux chapitres. Le premier chapitre étudie les liens établissant entre les tableaux analysant l'ensemble des poèmes. Dans le second chapitre nous exposons de quelle manière la lecture sémiotique révèle une structure dialectique au sein des poèmes en vers par référence à la notion d'intertextualité : elle présente la permanence des caractéristiques éparpillées dans les poèmes. Notre travail sur les poèmes en vers chez Rimbaud est un travail de production dans la mesure ou une lecture productive permet de lire une structure dialectique, circulaire et progressive en déplaçant la question "que dit ce texte ?" en "comment ce texte dit ce qu'il dit ?"
The semio-stylistics analysis, which is developed in this work, stands within a dialectical relation between the text and its reader. It aims at a new reading of Rimbaud’s text which formed the subject of many and various interpretations, because of the nature of his work. Our analysis is divided in two parts. In the first one, the semantics reading is dealth with. This reading is grounded on all the signs in the text. The reading contains a critical approach which, from the start until the end, splits each poem and built charts divided in two opposite values, positive and negative, for the two actants the "self" and the "non self". In the second part, we present an analysis grounded on a semiotics reading. It contains two chapters. The first chapter points out the existing links between the charts which analyses all the poems. In the second chapter, we show how the semiotics reading points out the dialectical structure within the poems in verse, referring to the notion of the intertextuality. It brings up the permanent features scattered in all the poems. Our work on Rimbaud’s poems in verse, is a productive reading, because the semio-stylistics reading allows the reader to understand the dialectical, circular and progressive structure. It moves the issue from "what does the text say" to "how the text says what it says"

La littérature qui s'écrit tout au long des Temps modernes en langue latine a fait l'objet de nombreuses études. On ignore en revanche souvent que de nombreux auteurs ont poursuivi la tradition au XIXe siècle - pour ne pas parler des siècles ultérieurs. En prenant pour objet l'oeuvre foisonnante du poète et philologue Jean Dominique Fuss (1781-1860), le présent travail entend montrer la continuité qui relie le XIXe siècle aux siècles qui l'ont précédé et discute la question de sa "modernité". La Belgique et l'Allemagne font l'objet d'un examen approfondi. S'il ne fait pas de doute que le latin se trouve alors dans une phase de déclin, on aurait tort de croire qu'il a disparu du monde social, sinon comme matière d'enseignement. Il demeure, dans l'Église catholique, la langue de la liturgie et des sacrements, il est utilisé par les Habsbourg dans leurs relations diplomatiques, il continue quelque temps d'être une langue scientifique, des Académiciens belges l'envisagent comme option sérieuse pour rédiger des inscriptions monumentales ou une pharmacopée, il sert, en société, d'instrument de distinction, et de nombreux écrivains en font encore usage dans des contextes non scolaires. Si J. D. Fuss est un "Ancien" parmi les "Modernes", il faut donc admettre qu'il est loin d'être "perdu" dans son temps. Par ailleurs, s'il est un "Ancien", ce n'est nullement dans le sens d'un "rétrograde". Il faut redonner à ce terme toute l'épaisseur qu'il possède dans la fameuse "Querelle des Anciens et des Modernes". L'Ancien est celui qui, tout en se référant à des modèles antiques, veut être de son temps tout en se montrant critique. Autrement dit, c'est à travers le rapport à l'Antiquité qu'il définit sa modernité. J. D. Fuss affiche indéniablement des traits conservateurs :il rejette les innovations de l'esthétique allemande pour réaffirmer les droits d'une poétique plus traditionnelle, fondée sur la sensibilité plutôt que sur des raisonnements philosophiques, et souhaite s'adresser avant tout aux savants, en un temps où la littérature cherche de plus en plus à toucher les masses. En revanche, il veut imprimer à ses textes un caractère résolument "moderne". Il soutient que l'on peut non seulement écrire correctement et élégamment, mais aussi innover, dans une langue qui n'est plus la langue maternelle de personne. S'il le démontre timidement dans ses textes d'inspiration personnelle, c'est paradoxalement dans ses traductions latines de textes en langues modernes qu'il déploie le plus d'audace. La traduction s'avère le laboratoire dans lequel l'écrivain met à l'épreuve sa langue d'écriture pour donner à voir ses potentialités.
Doctorat en Langues, lettres et traductologie
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Cette thèse a pour objet l’œuvre du poète britannique Ted Hughes et se concentre sur la question de l’accomplissement de l’être et du langage. Le poète décrit le parcours de l’homme du « logos », héritier de Socrate et de Descartes, criminel châtié pour avoir voulu, par la seule force de son esprit, se faire maître et possesseur de son corps et de la nature tout entière. La mythologie personnelle que Ted Hughes développe dans son œuvre poétique et critique lui permet d’y tracer l’infini cheminement du sujet humain qui, reconnaissant ses torts envers la Déesse de l'Être Complet, sa Terre-Mère et sa Fiancée Sacrée, à la fois Reine des Enfers et Fleur du Paradis, renonce à tout et accepte de s’offrir en un don absolu. C’est par cette métamorphose qu’a lieu l’ultime et inespéré « miracle poétique » qui révèle le noyau vital, divin et insondable de l’être poétique. Il faut, selon le poète, parler comme les animaux et les oiseaux, qui, bien au-delà des mots des hommes, parviennent à faire valoir la vérité de l’existence dans ce qu’elle a de plus « étrange, beau, pathétique et terrible ». Il faut comprendre la musique silencieuse du vent, de l’herbe et des pierres : ils portent la vérité ineffable d’une Déesse sans nom, « Annonciation de glaise, d’eau et de soleil » ou « crocus évangile » qui impose à l’homme de tout risquer et de s’offrir sans réserve. C’est le don du funambule errant qui danse sur un fil infini comme s’il était déjà mort : il connaît la douceur de l’agonie et la douleur de l’extase, il en a fait sa plaie noire et son joyau arc-en-ciel, magie de poésie qui fonde le cœur insondable de l’être et du langage
This thesis explores Ted Hughes’s poetic work and focuses on the question of the completion of being and of language. The poet sheds light on the man of ‘logos’, heir to Socrates and Descartes, criminal because he wanted, by the sole force of his rational mind, to own and control the outer world of nature and to be the master of the inner world of his individuality, body and soul alike. The myths and stories that fill Ted Hughes’s poetic and critical work trace the trajectory of a human being who has acknowledged the harm he has done and asks for forgiveness to the Goddess of Complete Being, both his Mother-Earth and Sacred Bride, both Queen of Hell and Flower of Paradise. As he surrenders to her unconditionally, an ultimate and ‘last-ditch miracle’ occurs, one that reveals his true and divine ‘self at the source’, his ‘vital nucleus’ and ‘the most inaccessible thing of all’. According to the poet, one should speak like the animals and the birds that, far beyond human words, manage to ‘express this being pure and without effort’ and a truth ‘at the core of us – strange, beautiful, pathetic, terrible’. One should decipher the inaudible music of the wind, the grass and the rocks, because it bears the truth of a nameless Goddess, the ‘Annunciation of clay, water and sunlight’, or the ‘crocus evangels’, which tell man that he should take all the risks throughout his journey. The human being that the poet describes has a black wound on his body and a rainbow jewel in his soul; he has been through the softness of agony and the sorrows of ecstasy – and thus he feels the inmost core of being and of language, and the secret of the magic spell cast by poetry

La poésie chinoise moderne ou « poésie nouvelle » (xin shi 新诗) a dû se battre depuis ses débuts pour exister en tant que genre littéraire viable. Née de la rupture avec la tradition et du rejet de la langue classique, elle a été tout au long de son histoire hantée par la question du lien avec la tradition, la tension Chine-Occident et la problématique de la langue. L’objectif de notre thèse est double. D’une part, nous avons pour objectif de replacer la problématique de la tradition, de l’identité et de la langue dans le cadre plus large de l’histoire de la poésie chinoise moderne afin de mieux comprendre ses enjeux dans le contexte actuel, marqué par l’essor des discours nationalistes et l’entrée de la poésie chinoise dans les réseaux de la poésie mondiale. De l’autre, nous essayons de voir comment cette problématique s’incarne dans l’oeuvre de trois poètes de la troisième génération (di san dai shiren 第三代诗人), c’est-à-dire ceux qui ont commencé à écrire dans le sillage des poètes obscurs (menglong shiren 朦胧诗人 ). Notre thèse a donc aussi pour but de faire découvrir les œuvres de ces trois poètes (Yu Jian 于坚, Xi Chuan 西川et Bai Hua 柏桦) qui comptent parmi les figures les plus importantes de la scène poétique chinoise actuelle, et de contribuer à attirer l’attention des chercheurs français sur une poésie (la poésie chinoise contemporaine) qui n’a pas encore reçu l’attention qu’elle mériterait
Modern Chinese poetry or "new poetry" (xin shi 新诗) has had to fight from its beginnings to exist as a viable literary genre. Born out of the break with tradition and the rejection of the classical language, it has been haunted throughout its history by the question of the link with tradition, the tension between China and the West and the problem of language. The objective of our thesis is twofold. On the one hand, we aim to placethe issue of tradition, identity and language within the broader framework of the history of modern Chinese poetry in order to better understand its challenges in the current context, marked by the rise of nationalist discourses and the entry of Chinese poetry into the networks of world poetry. On the other hand, we want to see how this problem is embodied in the work of three poets of the third generation (di san dai shiren 第三 代诗人), that is to say, those who began to write in the wake of obscure poets (menglong shiren 朦胧诗 人). Our dissertations also aims to discover the works of these three poets who are among the most important figures of the current Chinese poetic scene (Yu Jian 于 坚, Xi Chuan 西川 and Bai Hua 柏桦), and to help draw the attention of French researchers to a poetry (contemporary Chinese poetry) which has not yet received the attention it deserves

Ce travail organisé en trois axes aborde l'oeuvre de Théophile Gautier dans sa globalité, même s'il est plus précisément centré sur les compositions poétiques. Nous avons tenté de mettre en évidence les différentes figures du poète représenté à l'intérieur des textes, où se mêlent tour à tour satire, humour et éloge. La présence d'une intertextualité récurrente constitue la marque de l'écriture de l'auteur dont les diverses productions se font l'écho d'autres écrits qui enrichissent et ornent la fiction ou la réflexion. Nous avons également choisi d'analyser au sein de l'oeuvre poétique des thèmes qui nous paraissaient essentiels : la nature, l'intimité, l'évasion, le désenchantement, la mort et dieu. Enfin, nous avons essayé de démontrer que Gautier a constamment poursuivi son rêve de l'art total

L'étude du lyrisme marial en France aux XIVe et XVe siècles révèle sa fécondité dans trois directions : la poésie aristocratique, le mouvement palinodique, enfin la production dévote. A la cour, le fournisseur de la piété distingue d'un signe unique la prière qu'il conçoit, soit en raison de la prééminence du destinataire, soit en fonction des enjeux politiques, tandis que l'artiste officiel (ou rêvant de le devenir) sollicite l'évangile de la vierge afin d'illustrer le prestige princier. La poésie citadine des puys cultive d'abord la contrafacture religieuse du poème amoureux, jusqu'à dessiner le portrait d'une vierge courtoise, puis elle perpétue, en la spécialisant et en renouvelant constamment son inspiration, la forme complexe et surannée du chant royal. La littérature dévote, enfin, sans cesser de perfectionner la paraphrase du texte pieux, porte à l'autonomie le genre de l'oraison soit en visant à l'esthétique souveraine de la rhétorique, soit en imposant (à destination de tous milieux) le discours proliférant d'une sorte de lai qu'imprègne définitivement le ton de la complainte.

La thèse est consacrée à la production littéraire de Danese Cataneo (1512-1572), architecte et sculpteur rattaché à l’école de Jacopo Sansovino, mais aussi un poète apprécié dans son époque et grand ami de Bernardo et Torquato Tasso, de Pierre L’Arétin et de Giorgio Vasari. Cataneo est l’auteur d’un poème intitulé De l’Amor di Marfisa publié en treize chants en 1562 par Francesco de’ Franceschi Senese, le même éditeur qui, dans la même année, a également publié le Rinaldo du Tasse. Selon le projet originaire de l’auteur, l’œuvre aurait dû se composer de quarante chants. Aujourd’hui nous sommes en mesure de combler en partie la lacune du texte imprimé, grâce au ms. Chig. I.VI.239 de la Bibliothèque Vaticane, qui conserve une rédaction du poème en vingt-quatre chants, ainsi que les résumés en prose non seulement des 24 chants survécus, mais aussi des 16 actuellement non repérables, compilée par Niccolò Cataneo, petit-fils de l’auteur. Le but de la thèse est, donc, l’édition critique du poème sur la base de ce dernier manuscrit qui représente la dernière volonté de l’auteur. L’édition est accompagnée d’une introduction qui analyse toute la production littéraire de l’auteur (sonnets, éloges panégyriques, poèmes inachevés, etc.) et qui en même temps permet de situer le poème dans le débat sur le genre du poème épique né en marge à la redécouverte d’Aristote.
Doctorat en Langues, lettres et traductologie
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La forme neutre de l’adjectif khalepós, l’adverbe khalepôs, l’adjectif rheídios et les adverbes rheîa / rhéa / rheidíos caractérisent l’action divine et l’action héroïque, dans la mesure où celle-ci peut souffrir l’intervention négative ou positive de celle-là. Nous soutenons que ces termes traduisent le rapport téléologique entre la parole et l’action. Au contraire des traductions habituelles par ‘facile’, ‘difficile’, ‘facilement’, ‘difficilement’ etc. , qui renvoient à l’effort et à l’absence d’effort, nous interprétons ces termes selon l’engagement créé entre la parole et l’action: l'action est souvent précédé par un engagement préalable, par lequel le dieu ou le héros annonce ce qu’il va accomplir. Le héros homérique n'est pas concerné prioritairement par ce qui demande plus ou moins d'effort, mais, d'une part, par ce qui peut ou ne peut pas arriver effectivement et, d'autre part, par ce ce qui trahit son expectative
The neuter form of the adjective khalepos, the adverb khalepôs, the adjective rheídios and the adverbs rheîa / rhéa / rheidíos characterize the divine action and the heroic one, insofar the last one can suffer the negative influence of the former. We propose in this study that those terms indicate the teleological connection between word and action. Instead of the usual translations 'easy', 'difficult', 'easily', 'with difficulty', etc. , which express effort or lack of effort, we interpret those terms according to the connection between word and action: the god and the hero undertake to do something when they announce what they will accomplish. The homeric hero is not mainly concerned by what demands more or less effort, but, on the one hand, by what can or cannot effectively happen and, on the other hand, by what betrays their expectations. According to this perspective, we translate the adverb rheîa / rhéa / rheidíos by 'effectively'; the adjective rheidíos, by 'favourable' / 'effective'; the adjective khalepos, by 'treacherous'; the neuter khalepos and the adverb khalepôs, which express an 'impossible according to the circumstances', by 'improbable' and by the periphrasis 'it is improbable that'. After the main arguments presented in the first two chapters, chapiter 3 examines two particularly controversial passages: the two occurrences of khalepos qualifiyeng the proofs of Heracles (Odyssée, XI, 622 et 624) and the one qualifying divine manifestation (Iliad, XX, 131)

Depuis 1946, jean grosjean a fait paraitre de nombreux textes poetiques et des recits en prose parfois meles de vers. L'originalite de ces ecrits, par rapport a l'ensemble des exegeses et des traductions publiees par l'ecrivain, est de depasser l'influence biblique, sans se detacher de la preoccupation religieuse. Nous nous efforcons de reveler le role de l'humour et de l'ironie dans cette action, a travers differents reperes. Ils vont des jeux de mots et de langue aux enonces qui rendent possible la connivence avec le lecteur par la perception du sentiment religieux, en passant par les figures de la contradiction - antiphrases, paradoxes et situations - et par les analogies, qui ouvrent sur des figurations contrastees. Ces variations trouvent leur legitimite dans l'emotion, et leur solution dans la reference messianique qui se dessine a travers le jeu des allusions, sans recouvrir les autres roles. Cette emergence discrete eclaire aussi le rapport au langage, qui definit l'ecriture de l'intensite. Jean grosjean traverse les facons de dire et de penser des traditions religieuses, populaires et culturelles, pour retrouver leur fondement. Il lutte contre les attendus, les systematisations et les conventions qui marquent les usages. Mais il trouve aussi la voix de la retenue. Cette preoccupation se lit dans l'importance accordee a la distance, au doute et a l'interrogation, qui ouvrent sur l'ambiguite. Elle se retrouve aussi dans la place accordee aux variations des heures et de la nature. De cette facon, la sensibilite de l'ecrivain recouvre un quotidien qui rejoint celui de ses lecteurs. Elle s'inscrit dans la provocation et le combat contre les faux-semblants, mais pour arriver a cette proximite essentielle qui celebre la simplicite du vivant tendu vers son createur. Nous essayons de traduire ce mouvement qui fonde une unite paradoxale, a l'oppose des cliches comme des originalites factices
Since 1946, jean grosjean has published many writings, both in poetry and in prose, sometimes intermingled with verses. What his writings really offer in terms of originality, compared to the overall work and translations published by the author, is that they go beyond biblical influence but are not totally detached from religious concerns. We have endeavored to bring to light the part played by humor and irony in this action, in a number of different registres. These devices range from puns and tricks and turns of language to declarations enabling the reader to perceive the religious feeling imparted by the words, through contradictory figures - antiphrases, paradoxes and situations - and analogies leading to contrasting representations. The legitimacy of these variations is to be found in their emotion. Their solution comes from the messianic reference outlined by the skillful interplay of allusions. This discreet disclosure also casts light on the relationship with language, defining the words used to depict the necessary intensity. The author reviews the ways of saying and thinking in religious, popular and cultural traditions to get to grips with their real fundaments. He dismisses foregone conclusions, systematizations and conventions prevalent in everyday usage. However, he also uses all necessary restraint. This concern is evident in the importance he places on the distance, doubt and interrogation that lead to a state of ambiguity. It is also to be found in the space attributed to variations of time and nature. Accordingly, the writer comes down to earth, in step with his readers. His approach is one of provocation and of battle against false pretenses but as a means of achieving an essential proximity that celebrates the simplicity of the living being reaching out to his creator. We have attempted to translate this movement which forms a paradoxical unity, as opposed to mere cliches and artificial originalities

A travers le mythe de philomele l'auteur analyse le rapport complexe qu'entretiennent oralite et ecriture. Philomele, "celle qui aime le chant", temoigne de l'ecartelement du poeme entre l'ecriture et la voix. La page est-elle une langue arrachee? toute ecriture porte son oralite et toute oralite son ecriture. Reposant sur l'experience singuliere de son auteur, cette these analyse l'exercice oral de la poesie jusqu'aux limites contemporaines de la performance dans laquelle elle se meut. La premiere partie intitulee "la langue enterree" met ainsi l'accent sur les aspects phonostyslistiques de la poesie et en fait sa critique. A la recherche de son oralite perdue, le poete a la maniere de philomele cherche sa langue dans toutes les directions (deuxieme partie): dans le rythme et les aspects corporels de la recitation que l'occident a oublies, dans le geste du poeme, dans le silence ou la transe. C'est par l'explosion de dada et des courants extremistes, paradoxalement contre le poeme, qu'on assiste a une liberation de la bouche qui va dire le poeme
Serge pey, the torn-out tongue or oral action poetry, a contribution to the history and the analysis of orality and of the poem at the end of the xxth century. Referring to the myth of philomela, the author analyses the complex relation between orality and writing. Philomela, "she who loves melody", witnesses the division of a poem, between the writing and the voice. Is the page a torn-out tongue? all writing bears its orality and all orality its writing. Based on the original experience of its author, this thesis analyses the oral exercise of poetry upto the contemporary limits of performance within which it evolves. Under the heading of "the buried tongue", the first part emphasizes the phonostylistic aspects of poetry and thus, forms its critical examination. In the search for his lost orality, the poet, like philomela, seeks his tongue in the rythm and the corporal aspects of reciting, forgotten by the western world, in the ritual act of the poem, in silence or in a transe. The explosion of dadaism and the extremist movements, which were paradoxically against the poem, has allowed the liberation of the mouth reciting the poem

Loin d’être une norme immuable et intangible, l’opposition entre la prose et la poésie a une histoire, au fil de laquelle elle enregistre des mutations et des évolutions. Le clivage entre prose et vers, formalisé dès les premiers traités de rhétorique de l’Antiquité, lui donne, certes, une consistance théorique, mais la doctrine du nombre oratoire montre à quel point cette représentation dualiste du discours littéraire est problématique. Ce ne sont pas deux, mais trois configurations rythmiques qu’il convient de considérer : un discours astreint à un rythme imposé (le vers) se distingue du discours astreint à un rythme libre (la prose oratoire), ces deux formes d’écriture s’opposant, à leur tour, à un discours étranger à toute forme de rythme (la prose). Tel est le modèle qui impose son autorité jusqu’à la Renaissance, époque à laquelle la doctrine du nombre, mise à l’épreuve des langues modernes, révèle ses limites. Au siècle suivant, à la faveur d’un lent déclin de la rhétorique traditionnelle, l’éloquence, en même temps qu’elle devient un idéal éthique de toute forme d’expression, s’impose comme la seule représentation esthétique de la prose. La Querelle d’Homère marque alors un tournant significatif : les controverses qui s’élèvent sur la légitimité des traductions versifiées invitent à confronter les mérites poétiques comparés de la prose et du vers. Ces débats sont à l’origine d’une crise qui affecte la représentation du poétique. Ils conduiront des poéticiens comme Batteux ou Marmontel à exposer les grandes lignes d’une poétique de l’harmonie susceptible de dépasser le dualisme prose-poésie. Ils définissent ainsi les possibilités d’une esthétique de la prose

L'etude de la representation de l'ecrivain condense les preoccupations individualistes de l'epoque moderne et postmoderne. Cette these l'illustre en proposant le sociogramme de l'ecrivain. Il s'agit de la premiere application systematique de l'outil sociogrammatique, qui s'y trouve jumele a d'autres notions, comme le discours social, la mise en abyme, l'autobiographie, le polyphonisme, l'espace textuel et l'institution litteraire. A partir de l'hypothese selon laquelle le roman de l'ecrivain traduirait un complexe discursif essentiel a la comprehension de la vision que la litterature a d'ellememe, nous avons constitue un corpus d'une trentaine de textes et une typologie du personnage. La premiere partie presente notamment l'historique du mot <> et de ses hyponymes, <>, <> et <>. On voit que la charge semantique autour du mot <> s'est accrue par rapport au mot <> et s'est ainsi eloignee du sens original de scribe (scriba). La deuxieme partie dessine la typologie a travers l'analyse des textes. La troisieme partie prend en compte les liens entre representation de l'ecrivain et mimesis. Le sociogramme met en scene une lutte entre l'ecrivain-ecrivain et l'ecrivain porte-parole. Le premier, dont la figure ideale est le poete, revendique la liberte absolue de l'ecriture, et le second, qui s'aligne sur le modele de l'intellectuel, parle au nom des siens. Alors que le poete est designe comme etant l'ecrivain national, il est celui qui resiste a l'embrigadement ideologique. Jusque vers 1980, la liberte fait probleme pour l'ecrivain dont le portrait-robot exclut le feminin. C'est alors que l'iconoclaste vient bouleverser le roman avec ses personnages d'ecrivaines. Les visions divergentes de l'ecriture chez l'homme et la femme representent une premiere piste ouverte par cette recherche. Une autre avenue serait de poursuivre l'analyse de ce qui apparait comme une quete de sens et d'autorite de la part de l'artiste.

Cette étude s'appuie sur un corpus représentatif du mouvement connu sous le nom de "dub poetry", une forme de poésie antillaise anglophone contemporaine. Le travail des poètes étudiés se distingue par l'emploi généralisé du créole, le recours à des messages politiques explicites ou encore une grande proximité avec les acteurs et les pratiques des musiques populaires jamaïcaines des soixante dernières années. Bien que les dub poets publient des textes, la performance publique de poésie reste le moyen privilégié de diffusion de leurs oeuvres et la finalité de leur travail de composition. .
This research is based on a number of text and peformances representative of the poetic movement known as "dub poetry", a form of english-speaking West Indian contemporary poetry. These works are noticeable for a generalised use of the creole language, the use of explicitly political messages and very intimate links with the agents and practices of contemporary Jamaican popular music. Although dub poets publish texts, the public performance of poetry remains the privileged means of diffusion of their work and the ultimate finality of their writing process. .

Comment renouveler aujourd'hui une phénoménologie de l'expérience esthétique (dont l'objet spécifique, l'effet esthétique, s'est vu variablement théorisé dans la tradition esthétique comme événement sublime, effet de ravissement ou de jouissance esthétique) ? Les perspectives " inter-sémiotique " et " trans-sémiotique " nous ont permis de revaloriser une sémiotique du sensible dans l'activité du récepteur (restant en cela fidèle à l'étymologie du terme, aesthenasthai, " sentir "), et de voir dans cette pluralisation des niveaux d'activité sémiotique (du plus somatique au plus conceptuel) la possibilité d'un abandon à une circulation " catastrophique " entre les différents niveaux d'activité sémiotique, du plus net au plus flou. En tant que dimension événementielle du corps-pensée comme ambivalence (vécue/conçue), l'expérience esthétique appelle ainsi la reconduction, à tous les niveaux (production et réception) du discours théorique, de cette ambivalence même de l'expérience. Une telle " expérience théorique " se fonde sur l'exploitation des potentialités pragmatiques du discours théorique, au-delà de sa logique sémantico-référentielle et descriptive. Elle conserve de la tradition esthétique analytique sa prévention contre la tendance philosophique spéculative, mais prend par ailleurs en compte la réflexion romantique sur la nature langagière du discours philosophique sur l'effet esthétique (même si elle n'aboutit pas aux mêmes conclusions). Vérité d'un acte de langage, objectivité liée à une subjectivation, naturalisme atténué, référence en creux, comme résidu, validité en fonction de critères d'utilité et de pertinence (et non en fonction du critère de vérificabilité), une phénoménologie de l'expérience esthétique révèle la nécessité d'une rationalité plurielle qui cherche à ne pas s'effrayer, pour ce qui concerne les phénomènes humains de sens, d'une distinction entre rationalité méthodique (fondée sur une réflexion pragmatique et éthique) et rationalité scientifique
How can you devise a new concept of esthetic experience phenomenology (the primary focus of wich, effect, is already evoked in traditional esthetics as a sublime event, the effect of rapture, or esthetic pleasure)? "Inter-semiotic" and "trans-semiotic" perspectives have enabled us to evolve towards a type of semiotics that focuses on the sensibility in the receptor activity (remaining thus faithful to the etymology of the term, aesthenasthai, "to sense"), and to observe throught this pluralism of semiotic activity (from the most somatic to the most conceptual) the possibility of a surrender to a "catastrophic" circulation between the different levels of semiotic activity, form the clearest to the most abstract. As a factual dimension of mind-body (like ambivalence:experienced/ seen), the esthetic experience calls for the renewal of this very ambivalence of the experience, at all levels of theoretical discourse (production and reception). Such a "theoretical experience" is achevied tapping into the pragmatic potentialities of esthetic tradition's avoidance of the speculative trend in philosophy; however, it does takes into account the romantic reflection on the linguistic nature of the philosophical discourse about the esthetic effect (even if it does not reach the same conclusions). Truth of an act of langage, objectivity linked to subjectivation, attenuated naturalism, hollow, residual reference, validity based on utility and pertinence criteria (not on verificability criteria), a phenomenology based on esthetic experience reveals the necessity of a plural rationality that avoids fright, as concerns phenomena of the human senses, a distinction between methodical rationality (based on pragmatic and ethical throught) and scientific rationality

A partir de l'analyse des traductions en chinois des poèmes d'Eugenio Montale, on a repéré des séries récurrentes de problèmes. En premier, les difficultés liées aux différences de structures des langues : problèmes d'analyse syntaxique du texte original et d'interprétation des mots polysémiques, difficultés engendrées par les temps et modes verbaux, enfin la question du sujet et celle des connecteurs indéterminés. Deuxièmement, sur le plan littéraire, on a analysé la manière dont les traducteurs ont négocié les écarts culturels et ont rendu compte de contextes étrangers. Troisièmement, on a examiné les traits spécifiques des poèmes de Montale : procédé de la détermination postposée, ton ironique, et jeu sur les registres. Cette étude est illustrée par l'analyse comparée des traductions de quatre poèmes : Corno inglese, Meriggiare pallido e assorto. . . , La casa dei doganieri et Dora Markus. Il s'agit d'un échantillon du travail effectué sur l'ensemble des poèmes traduits
The topic of my thesis is the analysis of the chinese translations of Montale's poems, first published in China in 1978. First of all, translation problems of linguistic nature are taken into consideration : difficulties in identifying the syntactical structure of the original text and in selecting the meaning of a polysemous word; problems with the tenses and the moods of the italian vebs; the question of indefinite subjects and connectors. The thesis focuses then on problems of literary nature : how the Chinese translators have dealt with the different cultural background and its literary implications. The third part is devoted to the problems connected with Montale's style and language : the determination put after the determinate, the ironic tune and the jumble of registers. The textual analysis of the poems Corno inglese, Meriggiare pallido e assorto. . . , La casa dei doganieri, and Dora Markus is given in the last part, to exemplify how it has been carried on for the whole body of translations

L'oeuvre poétique du poète péruvien César Moro (1903-1956) s'inscrit comme un exemple de la poésie d'avant garde de la première moitié du XXème siècle en Amérique latine. Cependant on néglige souvent que son oeuvre est écrite en deux langues : l'espagnol et le français et sur deux continents. Moro se place alors sur la frontière invisible entre deux traditions culturelles différentes. Notre étude propose de voir, le rôle important que l'étranger joue sur l'artiste ; comment le bilinguisme tardif et néanmoins légitime de Moro peut influencer son oeuvre et sa vie, renforçant ainsi sa situation ambivalente : entre deux langues, deux cultures, deux pratiques artistiques (poésie et peinture). La dualité inhérente à César Moro est la clé pour entrer dans l'univers que son oeuvre renferme. C'est à partir du discours lyrique bilingue de Moro que nous chercherons à éclairer les raisons de son hermétisme, et celles qui l'ont poussé vers la marginalité dans laquelle il s'est réfugié.

Cette thèse porte sur la recherche d’une solution chez le poète russe Vélimir Khlebnikov (1885 - 1922) à travers plusieurs modalités d’écriture. Il s’agit de suivre son travail singulier à la trace en abordant tout d’abord sa pratique poétique, puis la fondation et la théorisation de la langue unique, langue supposée capable d’épuiser la totalité du Réel et enfin les recherches numérales afin de cerner à la fois la spécificité des tentatives de traitement de la jouissance convoquées par chacune de ces démarches et la logique unaire qui caractérise l’œuvre saisissante de Khlebnikov, logique relevant d’une nécessité vitale. La radicalité de l’expérience khlebnikovienne nous incite entre autre à réinterroger les rapports du sujet au signifiant à la lumière de cette démarche et de l’invention qui la caractérise. Le travail de Khlebnikov nous donne également à penser une modalité singulière d’intrication et de désintrication de l’œuvre, du nom et du corps qui ouvre un champ de réflexion concernant les réaménagements structuraux
Vélimir Khlebnikov (1885 - 1922) – a Russian poet, one of the key figures of Russian futurism. This dissertation follows the traces of Khlebnikov’s work through his different modes of writing, looking first at his poetic practice, then his creation and theorisation of a unique language, one that he hoped would be able to exhaust the Real in its totality, and finally his numerical research, in order to identify both the specificity of his attempts to deal with the jouissance proper to each of these processes and the unary logic characteristic of his remarkable body of work, a logic which attests to a vital need. The radical nature of Khlebnikov’s experiment also leads us to question, in light of this approach and its inventiveness, the subject’s relation to the signifier. Finally, his work gives us the opportunity to think about a singular modality of linking and unlinking a work, a name and a body, opening up a field of reflection concerning structural shifts

Le titre de cette thèse renvoie, de manière explicite, au célèbre recueil de Pier Paolo Pasolini Les cendres de Gramsci. L’influence de Pascoli sur Pasolini n’explique qu’une partie du titre. Les cendres de Pascoli se réfèrent plus précisément à la réception du poète de San Mauro, avec une attention spéciale portée à ce qui reste de son travail. À cet égard, de la fin du XIXe siècle jusqu’aux années soixante du XXe, la continuité de la critique pascolienne a joué un rôle central. C’est à la fin de ce parcours qu’il nous est apparu que les différentes voix de la critique ont fini par dialoguer entre elles, en composant comme un réseau et en renvoyant au lecteur une image vivante de Pascoli et de son œuvre. Gianfranco Contini et Pier Paolo Pasolini n’auraient pas pu marquer un tournant dans la réception de l’œuvre de Pascoli s’il n’y avait pas eu au début du XXe siècle les critiques de Emilio Cecchi, Arturo Onofri ou de Renato Serra. De leurs études émerge l’image de Pascoli poète de la modernité, un aspect que Jean-Charles Vegliante réaffirme encore aujourd’hui, en soulignant jusqu’à quel point la poésie de Pascoli a continué à agir sur la littérature nationale, le Montale des Ossi par exemple, et au delà. Et cela en dépit du discrédit que les critiques de Benedetto Croce ont jeté sur l’œuvre de Pascoli, au point de le considérer le « poeta delle maestrine ».La continuité de la critique nous a permis aussi de saisir l’importance du contexte historique dans la réception littéraire. À côté de l’étude diachronique, nous avons développé un travail sur deux poèmes parmi les plus emblématiques de Pascoli – Italy (cinquième chapitre) et Gog et Magog (huitième chapitre) –, afin de comprendre les idéologies sous-jacentes aux différentes approches que nous avons essayé de reconstituer. Ce choix n’a pas été anodin, ces deux poèmes, au cœur du travail mythopoïétique de Pascoli, ayant divisé les critiques. Aujourd’hui Pascoli, dont les qualités poétiques permettent de remonter jusqu’à Dante et Pétrarque, représente un des Italiens majeurs qu’il serait important de faire mieux connaître en France
The title of this thesis refers, explicitly, to the famous Pier Paolo Pasolini’s collection, The ashes of Gramsci. Pascoli’s influence on Pasolini explains only in part the title of the thesis. The ashes of Pascoli refers more specifically to the reception of the poet of San Mauro, together with a special attention to the effects on his work. According to this point of view, the continuity of Pascolian criticism has played a central role: from the end of the nineteenth century until the sixties of the twentieth century. It was at the end of this journey that it became clear to us that the different voices of criticism ended up interacting with each other, composing a network and giving a living image of Pascoli and his work to the reader. Gianfranco Contini and Pier Paolo Pasolini could not have marked a turning point in the reception of Pascoli’s work if he had not received the criticisms from Emilio Cecchi, Arturo Onofri or Renato Serra at the beginning of the 20th century. In their studies the image of Pascoli clearly emerges as poet of modernity, an aspect that Jean-Charles Vegliante still reaffirms today, highlighting as the poetry of Pascoli has continued to act on the national literature, for example on Montale of the Ossi, and beyond. And this in spite of the discredit that the Benedetto Croce's criticisms have cast on the work of the Pascoli to the point of considering him as the “ poeta delle maestrine”.The continuity of the criticism has also allowed us to grasp the importance of the historical context in the literary reception. Alongside the diachronic study, we have developed a work on two of the most emblematic poems of Pascoli – Italy (fifth chapter) and Gog and Magog (eighth chapter) – in order to understand the ideologies underlying the different approaches we have tried to reconstitute. This choice was not insignificant. These two poems, at the heart of the mythopoetic work of Pascoli, have divided critics. Nowadays Pascoli, whose poetic qualities make it possible to go back to Dante and Petrarch, represents one of the major Italian poets that it would be really significant to make him known in France

Les années 50-60 correspondent à l’âge de maturité de la poésie francophone libanaise. Devant beaucoup au surréalisme, cette maturité trouve pourtant un de ses représentants les plus authentiques à contre-courant de ce mouvement. Fouad Gabriel Naffah (1925-1983) s’est voué totalement à la poésie sans être toutefois reconnu. Marginalisé sur les plans social et littéraire, il se saisit pourtant du réel et inscrit le paysage libanais au cœur d’une démarche spéculative qui se fait mode d’habitation poétique. La création d’une langue poétique propre élève la description au rang d’une création cosmogonique. La représentation de l’espace, structurée et paradoxale, est avènement de rapports inédits du sujet au monde régis par un principe d’immanence. De ce fait, l’œuvre crée une approche originale du lyrisme, à priori renié, et la création poétique, actualisée ou expliquée, se comprend comme une phénoménologie spontanée. Mais l’ambition de la poésie de Naffah forge aussi ses propres écueils pour devenir à la fois lieu de plénitude et cause de naufrages
The Lebanese French speaking poetry reached maturity in the fifties and the sixties. Deeply influenced by surrealism, the modern generation of authors is yet represented by a poet whose art and views go against the surrealist sensibility of his contemporaries. Fouad Gabriel Naffah (1925-1983) was a poet in all means, but never got the recognition he hoped for. On the fringes of the Lebanese society as well as of the literary context, yet, he seizes the real and integrates the Lebanese landscape into a speculative creative process allowing “poetic living”. The creation of an intellectual poetic language raises description to the rank of cosmogony. Representing space as highly structured and paradoxical brings out new relationships between the subject and the world that are governed by the principle of immanence. Therefore, Naffah’s work can be read, oddly enough, as an original approach of lyricism, and poetic creation, brought into actualization or explained by the author, can be understood as a spontaneous phenomenology. Nevertheless, obstacles to such an ambitious conception of poetry rise mostly in itself, so much so that Naffah’s poems are, at the same time, a demonstration of fullness and a scene of collapse

Les Sophonisbe du XVIe siècle : la première tragédie régulière, œuvre d’un théoricien italien (Trissino), une traduction en prose opérée par le maître incontesté de la versification (Mellin de Saint-Gelais) et par celui qui est considéré comme le modèle de la prose élégante (Jacques Amyot), une seconde traduction en vers alexandrins qui est le fait d’un grammairien (Claude Mermet), voilà un corpus qui ne peut qu’aiguiser la curiosité et susciter l' intérêt. Ces œuvres sont ici réunies sur le modèle des éditions bilingues et suivies d’un glossaire raisonné. L’étude linguistique est centrée sur les variantes et les variations, qu’elles soient graphiques et morphologiques lorsqu’il est question de confronter les deux traductions françaises ou lexicales et stylistiques quand texte-source et textes-cibles sont comparés. Cette étude comparative rend possible le dialogue entre ces textes et entre ces deux rives. Les va-et-vient entre la France et l’Italie semblent aller de pair avec une réflexion linguistique qui se fait par rencontres (officielles ou non), par « combats », par interpénétration du monde de l’autre, de la culture de l’autre.Traduire pour surpasser les modèles et pour illustrer « nostre vulgaire », élaborer une langue pour ne rien avoir à envier aux autres et offrir des œuvres dont le style tente d’égaler Virgile, Homère ou Cicéron, avoir une ̎belle langue̎ et une littérature aux qualités stylistiques incontestables, telle fut l’ambition de ces traducteurs ?
The Sophonisbe of the sixteenth century, the first regular tragedy, work of an Italian theorist (Trissino), a translation in prose made by the undisputed master of versification (Mellin de Saint-Gelais) and by the one who is regarded as the best representative of elegant prose (Jacques Amyot), a second translation in alexandrine verse which is the artefact of a grammarian (Claude Mermet), is a corpus which can only sharpen the curiosity and arouse the interest. These works will be joined together here on the model of bilingual editions and followed by a glossary The linguistic study is centred on the alternatives and the variations, whether graphic and morphological when comparing the two French translations, and the lexical and the stylistic when source and target texts are compared. These analyses show to what extent the evolution of these authors, both in the proper and figurative meanings, influences a language which is still in need of elaboration and codification. The constant moves between France and Italy are paralleled by a linguistic reflexion which is done by meetings (official or not), "fights ", and the inter-penetration of the world of the other and the culture of the other. Translating to exceed the models and to illustrate "Vulgar Latin", to develop a language so that we have nothing to envy the others, to offer works whose style competes with that of Virgil, Homers or Cicero and to have a ̎beautiful language̎ and a literature with undeniable stylistics qualities, was undeniably the ambition of our translators

Ce travail est composé de deux parties : une partie création et une partie essai réflexif. La première comprend un recueil de poèmes intitulé Le bruit des chaînes reflétant un imaginaire féminin. Les thèmes de la négritude, de l’esclavage, de la misère, de l’amour et de la spiritualité s’y trouvent convoqués pour illustrer la quête d’un sujet révolté et résigné en marche vers lui-même. Ces principaux thèmes se veulent gestes de signifiance infinie et persistance du phénomène de transcendance métaphorique du langage. L’essai réflexif intitulé La poésie de Jean-Noël Ponbriand comme lieu de transcendance du langage, plus particulièrement dans Lieux-passages, traite du phénomène de transcendance en deux temps. Nous considérons, dans un premier temps, ce phénomène transcendantal par rapport au langage de Lieux-passages de Jean-Noël Pontbriand, avant de faire des incursions dans les recueils des trois poètes suivants : Rina Lasnier, Présence de l ’absence et Les signes, Gaston Miron, L ’homme rapaillé et Jacques Brault, Il n ’y a plus de chemin. Nous montrons comment la transcendance apparaît dans le poème et s’inscrit dans les mots et, plus particulièrement, dans les expressions métaphoriques

Cette thèse présente l’idée de la mort dans le récit Kammdro an Ankou - Le tournant de la mort de l’écrivain breton Loeiz Herrieu, rédigé entre août 1914 et février 1919, et les poèmes du poète breton Yann-Ber Kalloc’h issus de son recueil Ar en Deulin – A genoux, écrits en langue bretonne au début de la Première Guerre mondiale. Elle se situe dans le champ des études de civilisation. Après avoir défini et présenté l’idée de la mort et de la guerre à partir de différentes sources et références principalement littéraires, historiques et philosophiques, qui permettent de comprendre l’état d’esprit des deux hommes et de leur époque, cette thèse étudie la manière dont Loeiz Herrieu et Yann-Ber Kalloc’h ont exprimé leur idée de la mort dans leurs œuvres. Notre observation met en lumière la nature des représentations collectives qui les ont influencées, en particulier celles provenant de l’imaginaire catholique ou nationaliste, breton et français, la façon dont le contexte inédit de la Grande guerre oblige ces deux hommes à créer de nouvelles représentations au moyen d’une création littéraire qui leur permet de conserver une part de liberté individuelle et d’expression singulière, en ce moment de transition entre la société traditionnelle et la société moderne. Transition qui annonce une véritable rupture par la progression de l’individualisme parmi les hommes des sociétés européennes. Dans ce contexte, le regard porté sur les œuvres de Loeiz Herrieu et Yann-Ber Kalloc’h permet d’améliorer notre compréhension de l’esprit des Bretons du début du vingtième siècle, et des raisons qui firent accepter aux hommes bretons de partir se sacrifier au nom de la France
The present thesis focuses on the conception of death in Breton writer Loeiz Herrieu’s story Kammdro an Ankou U – At the turn of Death, drawned from August 1914 to February 1919, as well as in Breton poet Yann-Ber Kalloc'h’s poems from his anthology Ar in Deulin – On my knees, written in Breton at the beginning of World War I. It fits within the scope of civilisation studies. First and foremost, the concepts of death and war are defined and illustrated through various sources and references, which give the reader insight into both men’s and their contemporaries’ mindsets. Besides, this thesis examines how Loeiz Herrieu and Yann-Ber Kalloc’h expressed their respective conception of death in their respective works. The critical comparison thus brings to light not only the very nature of the collective representations which influenced these works – especially those originating from the Catholic or nationalist, both Breton and French, imagination – but also to what extend the unprecedented conditions induced by the Great War forced these two men to invent new representations through their creation. Consequently, they gained a certain amount of individual freedom and a voice of their own, in this crucial moment of transition between tradition and modernity in society. Such a transition introduces the complete break of the development of individualism in European societies. In this perspective, the perception of Loeiz Herrieu and Yann-Ber Kalloc’h’s works improves the current understanding of the Breton folk’s state of mind at the beginning of the 20th century and of the reasons why Breton men accepted to go and sacrifice their lives on the battlefield in the name of France

Pour les communautés d’altitude des Andes du Sud, la pomme de terre est bien plus qu’un simple produit alimentaire. Traitée comme un être vivant, sa culture fait l’objet d’une série d’offrandes rituelles tout au long de son cycle agricole. Au village de Tarcuyo (Province d’Espinar - Cusco) les semailles de ce tubercule se font avec le concours de chanteuses rituelles connues comme les wankas. Leurs vers en quechua s’adressent en premier lieu aux plants afin d’activer leur croissance, puis à d’autres destinataires telle que la Pachamama (« terre mère »), les travailleurs ou différents éléments de la nature. L’analyse de ce répertoire met en lumière divers paramètres qui constituent son esthétique musicale : relation avec la fécondité et la fertilité, aspect ludique et rituel du travail collectif, organisation du répertoire vocal sous forme de programme musical avec étapes, paramètres spécifiques des étapes qui s’enchaînent progressivement pour aboutir au sommet rituel de la performance.Des acquis de cette analyse seront mis en parallèle avec le déroulement du tinku, confrontation entre deux coalitions de communautés réalisée également avec des chants féminins (qhashwas). Cela permettra de constater des analogies significatives entre ces deux rituels agraires des Provinces Hautes de Cusco.Les wankas témoignent ainsi de l’influence que la voix peut exercer sur la pomme de terre ou sur les hommes, mais également du rôle des interprètes, intermédiaires rituels entre les villageois de Tarcuyo et les divinités de l’inframonde, dans un environnement où les traditions cèdent de plus en plus le pas à la modernité
For communities altitude in Andean South, potato is more than a simple food product. Treated as a living being, its culture is the subject of a series of musical offerings throughout the agricultural cycle ritual. In the village of Tarcuyo (Province of Espinar – Cusco) sowing of this tuber is with the help of women singers ritual, know as the wankas. Their verses in quechua intended primarily to enable growing the plants and to other destinations such as the Pachamama (“mother earth”) workers or differents elements of nature. The analysis of this directory highlights various parameters that are his musical aesthetic: relationship with fertility and productivity, playful ritual of collective work, organization of the vocal repertoire as a program with musical stages, specific parameters steps keep coming gradually to reach the summit performance of the ritual. The achievements of this analysis will be made in parallel with the progress of the tinku, confrontation between two community coalitions also performed with female songs (qhashwas). It will see significant analogies between these two agrarian rituals High Provinces of Cusco.The wankas are also witnesses to the vocal power influencing the potatoes or people, but also the role of the singers, rituals intermediaries between the villagers of Tarcuyo and the underworld divinities, in an environment where modernity is more and more present

L'œuvre de Jules Supervielle, poète français contemporain des surréalistes, n'a pas encore trouvé sa juste place au sein du panthéon littéraire. Elle appartient à un continent ignoré de la modernité poétique trop souvent identifiée à la quête herméneutique de la face cachée du réel dont l'expression passe essentiellement par les figures de l'analogie. Or, plus qu'à découvrir l'inconnu, l'écriture de Jules Supervielle vise à restaurer les passages qui permettent d'y accéder : aussi propose-t-il au lecteur une image modifiée de la réalité commune, une vision recomposée de l'univers qui en réveille les potentialités relationnelles et conciliatrices. Sa poésie, qu'elle adopte la forme versifiée ou s'épanche dans la prose du récit bref, marie le lyrisme et le narratif, trouvant dans la relation de contiguïté le fil d'une autre logique : le langage oblique offre une alternative entre l'expression métaphorique et le discours réaliste, endiguant les dérives de l'imaginaire afin que la dérive, sans s'interdire les détours de la fantaisie, soit toujours dirigée. Dénotation oblique et glissements notionnels permettent de donner à voir le monde à travers le prisme particulier d'un sujet soucieux de conserver avant tout à son univers sa qualité relationnelle. La métonymie est ainsi le maillon essentiel du langage figure chez Jules Supervielle : tropes par contiguïté et figures d'analogie se continuent, se mêlent, se relaient et s'articulent afin de délivrer l'image incertaine d'un monde aux frontières diluées par l'osmose et prises dans l'instabilité d'incessantes métamorphoses. La dimension symbolique de l'image comme la portée métapoétique du message ressortissent également à la contiguïté : n'est emblématique chez Supervielle que ce qui est la proie du passage, l'objet, le siège, le moyen ou la manifestation d'une relation. C'est en cela que l'écriture, médiation qui tient à la fois de l'acte et du simulacre, est icone : au miroir du texte se reflète en abyme cet entre-deux de la présence et de l'absence que désigne une parole comme vive dont n'est sensible que la trace. Le langage oblique du poète est l'emblème de cet espace intermédiaire où se mêlent le réel et l'imaginaire, l'action et la vision : il le recompose dans l'espoir d'y déceler, à défaut du mystère de l'être, du moins les présages ou le sillage.

La dictature de la Junte militaire du Chili (11 septembre 1973 – 1990), dont la violence est d’autant plus marquante qu’elle opère dans une période très récente de l’histoire du pays, interroge l’autonomie du système symbolique des textes littéraires produits dans ce contexte. En effet, c’est la première fois dans l’histoire de la littérature chilienne qu’une grande quantité de textes sont écrits et publiés depuis l’exil ou depuis des centres de détention.Considérant ce phénomène spécifique dans son temps, cette étude s’attache à identifier les figures de la mémoire dans le langage poétique à partir de la figuration de la violence, telle qu’elle s’exprime dans la production de six poètes, qui s’étend sur une période de quarante ans (1950-1980). L’analyse de ces œuvres met en évidence la capacité du langage poétique à transcender la codification d’un contexte aussi important qui n’est pourtant pas l’unique évènement marquant de violence d’Etat dans l’histoire du Chili. L’analyse d’un corpus de textes écrits par Nicanor Parra, Enrique Lihn et Jorge Teiller, références majeures de la poésie de Gonzalo Millán, Tomás Harris et Rodrigo Lira, est présentée selon une double perspective, linguistique et socio-littéraire. La première partie de cette thèse mobilise le concept de « sujet en procès », emprunté à la théorie du langage de Julia Kristeva, Cette perspective a pour ambition d’analyser dans quelle mesure et comment la figuration de la violence constitue une parole de la mémoire et un questionnement sur l’identité nationale dans la poésie chilienne. La deuxième partie s’appuie sur la perspective de la « théorie des champs » et du « pouvoir symbolique » tel que l’envisage Pierre Bourdieu pour analyser l’impact du discours historique de l’identité nationale et sa représentation de l’exercice de la violence dans les champs de la production politique et littéraire.Envisagées dans une perspective moins restreinte à leur contexte socio-historique immédiat de production, les relations qu’entretiennent le langage, la violence et le pouvoir figurent ainsi au cœur de cette recherche
The dictatorship of the military junta in Chile (09.11.1973-1990), the violence of which is all the more striking as it covers a very recent period in the history of this country, questions the autonomy of the symbolical system of the literary texts produced in this context. Indeed,it is the first time in the history of Chilean literature such an amount of texts have been written and published from exile or detention centres.Taking into account that this phenomenon is specific to its period, this study aims at studying the representations of memory in poetic language. It starts from the figuration of violence as it is expressed over a period of forty years (1950-1980) in six poets' production.The analysis of these works highlights the ability of poetic language to transcend the codification of so important a context, which is not, however, the only striking event of State violence in the history of Chile.The analysis of a collection of texts written by Nicanor Parra, Enrique Lihn and Jorge Teiller, major references of Gonzalo Millán, Tomás Harris and Rodrigo Lira 's poetry, is presented according a double perspective, linguistic as well as socio-litterary. The first part of this thesis focuses on the concept of the « subject in process », taken from Julia Kristeva's theory of language.This perspective aspires to analyze to what extent and how the representation of violence constitutes an expression of memory and a questioning about national identity in the Chilean poetry.The second part is based on the perspective of the theory of fields and the symbolic power as seen by Pierre Bourdieu in order to analyze the historical speech about national identity, and its representation of the exercise of violence in the fields of political and litterary production.Considered in a perspective which is less limited to their immediate socio-historical context of production, the relations maintained by language, violence and power, appear at the heart of this research
Una época tan violenta e históricamente cercana como la de la dictadura de La Junta Militar (11 de septiembre de 1973 / 1990), problematiza, entre otras, la autonomía del sistema simbólico de los textos literarios producidos dentro de ese contexto. A partir de lo anterior, nuestro estudio se interesa en la identificación de la memoria en el lenguaje poético desde la figuración de la violencia, principalmente aquel de seis poetas que abarca un periodo de cuarenta años (1950-1980). El interés del análisis versa sobre la capacidad del lenguaje poético para trascender la especificidad de un contexto tan importante y significativo, que sin embargo no es el único hito de violencia de Estado en la historia de Chile. La relación entre lenguaje poético y violencia se vuelve así central para la presente investigación.El estudio de textos de Nicanor Parra, Enrique Lihn y Jorge Teillier, como antecedentes poéticos mayores para la poesía de Gonzalo Millán, Tomás Harris y Rodrigo Lira, se presenta bajo una doble perspectiva : lingüística y socio-literaria. La primera parte del análisis implica un concepto de lenguaje poético acorde a la teoría del « sujeto en proceso » de Julia Kristeva. Esta perspectiva ambiciona verificar si las figuras de la violencia constituyen un discurso de memoria y de identidad en la poesía chilena. La segunda parte, se basa en la « teoría de campos » y del « poder simbólico » de Pierre Bourdieu, para analizar el impacto del discurso histórico de identidad nacional y la representación del ejercicio de la violencia en los campos de producción política y literaria

Emile Nelligan est un poète de référence. Il est vrai qu'il a été le premier à s'exprimer à la première personne du singulier et à utiliser des images singulièrement fortes. Son talent a été découvert par Louis Dantin qui l'a préfacé. Sa célébrité a été renforcée par quelques apparitions aux séances de l'école littéraire de Montréal. Cette poésie sans référence au pays natal a généré une querelle entre exotistes et régionalistes. L'hommage rendu au poète incitera des amateurs à écrire. Rejean Ducharme fera réciter ses vers par ses personnages de roman, tous des adolescents épris de liberté. Charles ab der Halden fut le défenseur, en France, de la poésie canadienne-française et de Nelligan. Cette poésie est si énigmatique que la mise en parallèle de différentes interprétations du poème La vierge noire aide à une meilleure interprétation. Emile Nelligan initie la poésie de l'intériorité. Un rapprochement avec Arthur Rimbaud s'impose tant les deux grands mythes sont comparables. Poète de la solitude, Emile Nelligan a-t-il influencé les grands poètes contemporains? Saint-Denys Garneau qui avoue ne pas le connaitre ressent un malaise comparable mais pratique une poésie plus libérée. Alain Grandbois, par sa personnalité et sa forme poétique, s'éloigne de la poésie de Nelligan mais cherche comme lui un ailleurs pour abolir le temps et l'espace. Anne Hébert semble, par une parole libératrice, donner réponse aux sujets d'angoisse de Nelligan. Les thèmes récurrents communs à tous ces poètes permettent d'envisager un particularisme québécois. Des écrivains plus jeunes comme Normand Chaurette et Claude Beausoleil se réfèrent à Nelligan montrant ainsi que celui-ci a facilité la naissance d'une identité québécoise. C'est pourquoi Emile Nelligan appartient incontestablement à la postérité.

La poésie parle de poésie ; les poètes parlent aux poètes. Ces évidences sont celles de la Modernité poétique, qui entérine à la fois les licences de la poésie, les missions du poète et leur cantonnement. Or, lorsque Nathalie Quintane, au dos de Chaussure (1997), écrit qu’elle entend « parle[r] vraiment de chaussure », et qu’il s’agit d’« un livre de poésie pas spécialement poétique, de celle qui ne se force pas », elle déclare s’émanciper du lieu spécifique du discours qu’a fini par désigner le nom « poésie ». Lorsque Tarkos, à de nombreuses reprises dans toute l’œuvre, affirme que la poésie est un discours de vérité et de clarification logique, d’exactitude restrictive, de pragmatisme et d’efficacité, de discernement, il lui assigne des taKches qui l’éloignent du canton du discours auquel une certaine tradition l’assigne. Tous deux diffusent et diluent la question épistémique propre de la poésie dans l’ensemble du champ épistémologique ; ils font du capharnaüm des discours spécifiques l’environnement de réception et l’échelle d’évaluation générale du discours poétique. Notre première partie propose le couple question-de-la-poésie / question-si-la-poésie pour caractériser le renouvellement, dans les années 90, du jeu des questions adressées à la poésie dans la Modernité. Notre seconde partie élargit les cadres de cette problématique : à l’échelle de la longue durée, interroger la pertinence de la poésie comme savoir, discours, licence, revient à interroger la légitimité du personnage du poète à savoir, à parler, à s’excepter. Dans un va-et-vient entre intrigue courte (Francis Ponge, Jean-Marie Gleize, Christian Prigent) et intrigue longue (Platon, les premiers sophistes, le Romantisme allemand, Heidegger), la thèse confronte son corpus aux spécifications traditionnelles de la poésie, aux licences plus ou moins empoisonnées qu’on preKte au « poème », aux privilèges plus ou moins exclusifs et excluants qu’on accorde au « poète ». Les œuvres de Quintane et Tarkos s’y révèlent particulièrement radicales : elles tendent à contester toute spécificité de la poésie, envisagée comme une activité publique et séculière (aux prises, comme tout discours, avec le courant de la langue), critique d’une division du travail discursif, et attentive à ne pas laisser se reconstituer, dans la référence persistance aux schèmes archaïque, classique, romantique, moderne, un clergé poétique en charge de dire la vérité de l’EYtre, de sonder les profondeurs de l’expérience, ou de relever le langage ordinaire de ses compromissions mondaines. Poésie ne désigne plus alors ni un lieu sur du discours, ni un non-lieu du savoir, mais une « pensée critique » (Quintane) que seules spécifient la méfiance devant toute spécialité et l’assomption conséquente de la condition idiomatique la mieux partagée : ne pas savoir ce qu’on va dire
Poetry talks about poetry; poets speak to poets. These have become self-evident tenets of a poetic modernity that has at once claimed a specific license for poetry and specific missions for the poet, and assumed their privileged isolation. When Nathalie Quintane writes on the back cover of Chaussure (“Shoe”, 1997) that “it really talks about shoes”, and that it is “a book of poetry that is not especially poetic, of a poetry that doesn’t force itself”, she emancipates herself from the specific locus of discourse that has come to be called “poetry”. When Christophe Tarkos affirms, on many occasions throughout his work, that poetry is a discourse of logical truth and clarification, of restrictive accuracy, of pragmatism and efficacy, as well as of discernment, he assigns tasks to it that remove it from the region of discourse to which it has long been assigned by so many traditions. Both Quintane and Tarkos diffuse and dilute the epistemic “question of poetry” (“la question de la poésie”, a very common phrase in French modernism) throughout the epistemological field ; they make the hodge-podge of all specific discourses into the general environment of reception and the general scale against which poetic discourse is measured. The first part of this thesis offers the coupling “question-of-poetry” / “question-if-poetry” as a way of characterizing the renewal, at the beginning of the 1990s, of the series of questions addressed to poetry in modernity. The second part broadens the scope of this problem: in the long-term, questioning the relevance of poetry as knowledge, discourse, and license amounts to questioning the character of the poet’s entitlement to know, to speak, and to make themselves into an exception. In a to-and-fro between a short plot (Francis Ponge, Jean-Marie Gleize, Christian Prigent) and a long plot (Plato, the sophists, German Romanticism, Heidegger), this thesis confronts the traditional specifications of poetry, the more or less poisoned kinds of license attributed to “the poem”, the more or less exclusive and excluding privileges granted to “the poet”, with the works of Quintane and Tarkos. From this perspective, the works of Quintane and Tarkos are radical : they tend to contest the attribution of any specificity to poetry (which they consider to be a public and secular activity that is subject to ordinary language), they are critical of the contemporary discursive division of labour, and strive to render impossible, by continual reference to archaic, classical, romantic, and modern schemas, the reconstitution of a poetic clergy in charge of telling the truth of Being, probing the depths of experience, or raising ordinary language out of its worldly compromises. Here, the word “poetry” no longer refers to a safe place of discourse or a non-place of knowledge, but to a kind of “critical thought” (Quintane) that is suspicious of any form of specialization, and assumes the same idiomatic condition as everyone : not knowing, as you start speaking, what you’re about to mean

Un défi. C'est ainsi que se présente la lecture de l'oeuvre Ducassienne, une oeuvre dont l'hermétisme semble décourager les lecteurs les plus expérimentés herméneutiquement, mais qui, en réalité, les invite à goûter "ce fruit amer et sans danger" que sont "Les Chants". . . Et "Les poésies". Du défi au risque, du risque à l'interprétation et de l'interprétation à l'histoire des lectures, tel est le cheminement de la réception critique de Lautéamont et de son oeuvre. D'une expérience esthétique à l'autre, Lautréamont s'avère de plus en plus accessible et de plus en plus lisible. Grâce à l'oeuvre critique de L. Bloy, d'A. Breton, de S. Dali, de G. Bachelard, de M. Blanchot, de Ph. Sollers et de bien d'autres, la lecture de l'oeuvre ducassienne se concrétise dans une production de textes critiques. Ils sont la preuve de la réception de Lautréamont, de sa place éminente dansd le processus de lecture
A challenge. This is how the reading of ducasse's work could be qualified. The hermetisme of his poetical works seems to discourage even the hermetically experienced readers, but which, in reality, invites them to taste <> whitch are les chants. . . And poesies. From challenge to risk, from risk to interpretation, from interpretation to the history readings, such is the progress of the critical reception of lautreamont and his works. From an aesthetic experience to anather, lautreamont proves more and more accessible and more and more readable. Thanks to critical works of leon bloy, andre breton, salvador dali, gaston bachelard, maurice blanchot, philippe sollers, and many others, the reading of ducasse's poetical works materializes in a production of critical texts. They attest to the reception of lautreamont, to his eminent place in the process of reading

Cette thèse entend proposer une analyse originale du phénomène connu mais polémique que constitue l’introduction de la notion d’auteur dans la littérature de langue française au Moyen Âge. Il s’agira d’essayer de contribuer à repenser la signification poétique, culturelle et historique de ce moment particulier où l’auteur – c’est-à-dire l’attribution d’un texte ou d’une série de textes à un nom propre donné – s’est imposé pour la première fois comme un critère structurant et primordial dans la production et surtout la transmission des textes de langue française dans les manuscrits médiévaux. Usant du concept foucaldien de fonction-auteur, des théories de la réception et du paratexte, ainsi que de la « Nouvelle Codicologie », l’approche déployée ici aborde l’auteur en tant que construction textuelle et éditoriale signifiante au sein d’un corpus de recueils littéraires de langue d’oïl où la volonté de construire des figures d’auteurs par les éditeurs de ces ouvrages est à la fois claire et indiscutable. Partie à l’origine d’un examen systématique de la tradition manuscrite d’environ 320 noms de poètes de langue d’oïl actifs entre 1100 et 1340, l’analyse se concentre principalement sur 25 manuscrits contenant des collections auctoriales dédiées à 17 poètes, dont le nom est associé avec insistance à une série de textes copiés les uns à la suite des autres. Parmi ces auteurs, on trouve les célèbres Chrétien de Troyes, Rutebeuf et Adam de la Halle, mais aussi Philippe de Thaon, frère Angier, Guillaume le clerc de Normandie, Pierre de Beauvais, Philippe de Remi, Gautier le Leu, Jacques de Baisieux, Geoffroi de Paris, Jean de l’Escurel, Baudouin de Condé, Jean de Condé, Watriquet de Couvin et Nicole Bozon. La présente analyse tente de nuancer et de dépasser la lecture répandue selon laquelle ces manuscrits à collections auctoriales individuelles constitueraient, de concert avec les fameuses biographies de troubadours et les chansonniers de trouvères, souvent présentés comme leurs « ancêtres », les débuts balbutiants d’une vaste épopée de l’avènement de l’« auteur moderne », annonciateur tout à la fois d’une « subjectivité littéraire », d’une « esthétique autobiographique » et d’un contrôle accru des auteurs historiques, réels, sur la transmission manuscrite de leurs propres œuvres. Tout en offrant une mise à jour contextuelle et matérielle – données originales à l’appui – concernant la dimension collaborative de la genèse de ces recueils et le caractère modulaire de leur transmission, on montrera qu’ils sont le fruit d’un dialogue nourri avec le modèle livresque latin et pluriséculaire de l’auctor – qui est à la fois un auteur, un garant de la vérité (auctoritas) et un ambassadeur prestigieux de la grammaire –, ainsi qu’avec l’antique exemple d’œuvres dites « biobibliographiques », qui décrivent la vie et l’œuvre d’auteurs illustres et exemplaires, comme le fait le De viris illustribus de saint Jérôme. Les manuscrits étudiés usent à répétition de ce modèle ancestral de la biobibliographie (« la vie et l’œuvre ») pour mettre en scène un face-à-face entre auteurs de langue d’oïl et auctores. Or cette mise en regard s’avère d’autant plus intéressante que, contrairement à ce qu’on observe pour les troubadours, considérés très tôt comme de nouveaux auctores illustres en langue vulgaire, dignes de cautionner l’excellence de la poésie et de la grammaire d’oc, elle ne prend pas uniquement, en français, la forme d’une imitation ou d’une adaptation de modèles anciens. En fait, l’analogie avec les auctores donne lieu à des exercices savants, autoréflexifs et parfois ironiques sur la fabrique éditoriale, poétique et épistémologique du type d’auteur et d’auctoritas qui peuvent (ou non) être bâtis dans des recueils en langue d’oïl, idiome qui était encore dépourvu à l’époque (1100-1340) de véritable grammaire, et où fleurissaient en revanche les genres littéraires de divertissement comme le roman, où l’on explorait la porosité des frontières entre le vrai et le faux, entre le bien et le mal. Plus qu’un pas pris dans la direction d’un sacre inéluctable, l’« invention de l’auteur français » à laquelle procèdent les recueils étudiés est un geste pétri des incertitudes et des interrogations de ceux qui le posaient, et qui en mesuraient la profonde vanité au regard de Dieu et de la mort.
This thesis aims to provide an original analysis on an often studied yet controversial issue: the introduction of the notion of authorship in French language medieval literature. The objective here is to reconsider the poetic, cultural, and historical signification of the particular moment when the author – understood here as the attribution of a text or of a series of texts to a proper noun – first became an essential structuring criteria in the production, and more importantly, in the transmission of French-language texts through medieval manuscripts. Using Michel Foucault’s concept of fonction-auteur, theories of reception and of the paratext, as well as New Codicology, this thesis will consider the author as a signifying textual and editorial construction within several literary collections written in langue d’oïl, in which the editors clearly and undeniably sought to construct figures of the author. Based on the systematic examination of the manuscript tradition of approximately 320 names of langue d’oïl poets, who were active between 1100 and 1340, this analysis will focus primarily on 25 manuscripts containing authorial collections dedicated to 17 poets, whose names are strongly associated with a series of texts that are copied one after the other. Among these authors are the famous Chrétien de Troyes, Rutebeuf and Adam de la Halle, as well as Philippe de Thaon, frère Angier, Guillaume le clerc de Normandie, Pierre de Beauvais, Philippe de Remi, Gautier le Leu, Jacques de Baisieux, Geoffroi de Paris, Jean de l’Escurel, Baudouin de Condé, Jean de Condé, Watriquet de Couvin and Nicole Bozon. This thesis attempts to question and ultimately discard the common conception according to which the manuscripts containing individual authorial collections constituted – along with the famous biographies of the troubadours and the chansonniers of the trouvères, often considered as their « ancestors » – the timid beginnings of the rise of the « modern author », himself a prequel to « literary subjectivity », « autobiographical aesthetics » and an ever stronger control exerted by actual empirical authors over the manuscript transmission of their own works. While offering contextual and material updates – supported by original data – regarding the collaborative process that went into the creation of these collections, as well as the modular aspect of their reception, this thesis will show that these collections were formed through a rich dialogue with the centuries-old latin model of the auctor – who is at once an author, a guardian of truth (auctoritas) and a prestigious ambassador of grammar –, as well as with the antique tradition of « biobibliographical » texts, dealing with the life and works of famous and exemplary authors, such as De viris illustribus, by saint Jerome. The manuscripts studied here repeatedly used this ancient model of biobibliography (« the life and works ») in order to stage a competition between authors writing in langue d’oïl and auctores. This confrontation is particularly interesting when one considers that – contrary to what may be observed in the case of the troubadours, who were quickly seen as the new illustrious vernacular auctores, worthy of vouching for the excellency of langue d’oc poetry and grammar – , we are not simply dealing here with a form of imitation or adaptation in French of ancient models. In fact, the analogy with auctores allows for autoreflexive and sometimes ironic learned exercises, dealing with the editorial, poetic and epistemological creation of the type of author and auctoritas in manuscript collections in langue d’oïl, an idiom which at the time (1100-1340) lacked a true grammar, yet was used in various literary genres meant for entertainment, such as romance, which explored the evanescent barriers between truth and lies, good and evil. Rather than a small step in the long path towards an inevitable coronation, the « invention of the French author » undertaken by these collections constitutes an action that reflects all the uncertainty and interrogations of those who undertook it, while being fully convinced of its utter vanity in the eyes of God and death.

D'enfant intrigué par des inscriptions en gallois, Tolkien évolue vers un apprentissage précoce du latin, du grec et de nombreuses langues anciennes. Sa passion pour les langues ne se dément pas: bientôt il travaille à l'élaboration de langues inventées basées sur le finnois, puis il fonde un club de lecture de sagas en norrois. Dans son étude des langues, il s'intéresse aux anciens textes qui recèlent leur évolution: très vite, pour lui, le langage et le mythe sont indissociables. Le langage génère du mythe et ce dernier survit à travers les langages. Du propre aveu de l'auteur, c'est pour donner vie à ses langues inventés qu'il créa leur monde: « [...] il lui fallait une « histoire » pour lui servir de base. [...] Il mettait ce langage au point, maintenant il lui fallait trouver les gens dont ce serait la langue. » (Carpenter, 2002). En marge de ses recherches universitaires, il construit donc sa mythologie personnelle, un travail étalé sur toute une vie dont quelques vingt ans sur le seul Seigneur des Anneaux pour lequel il s'attarde minutieusement sur chaque mot: « It was begun in 1936, and every part has been written many times. Hardly a word in its 600 000 or more has been unconsidered. » (Carpenter, 1981). En parcourant la biographie de ce linguiste-écrivain, qui peut se surprendre de voir le langage comme personnage principal de son oeuvre Le Seigneur des Anneaux? Son récit se veut une reconstruction moderne basée sur les légendes anciennes qu'il affectionne et il y inclut à cet effet nombre des éléments langagiers, relevant souvent de la pensée mythique, qui donnent à ces récits anciens leur saveur particulière. Parmi ces éléments, nous avons relevé le traitement accordé à la nomination et celui accordé aux manifestations de la parole poétique que sont ces chants et poèmes que l'on retrouve égrenés dans la narration en prose. En premier lieu, nous exposerons l'intérêt de l'auteur pour le langage et les littératures médiévales (principalement germaniques et finnoise), notamment pour leurs techniques langagières particulières. Nous nous appuierons en cela sur ses essais consacrés aux sources et à la genèse du texte (Tolkien, 1981, 1997). Puis, nous mettrons en relief ce qui, de la pensée mythique, éclaire la perspective et l'utilisation par Tolkien du nom et de la parole poétique avec l'appui de l'essai de Mircea Eliade: Aspects du mythe. Ensuite, il nous faudra étudier la littérature médiévale germanique avec l'aide des ouvrages de Régis Boyer y ayant trait. Nous pourrons ensuite nous pencher sur la question du traitement de la nomination dans l'oeuvre de Tolkien: quel est sa nature, son sens et ses fonctions pour le récit et qu'est-ce qui la rattache à la pensée mythique? Enfin, nous nous intéresserons aux nombreux chants et poèmes propres à l'oeuvre. Nous verrons comment ils définissent des cultures, relatent un passé et des mythes; bref, comment ils ajoutent à la cohérence et à la profondeur de l'univers fictif dépeint. Ainsi, et plus que de simples artifices stylistiques, ces manifestations langagières singulières qui imprègnent Le Seigneur des Anneaux participent de la structure même du récit et sont étroitement liées à la pensée mythique: le langage, le mot, a un véritable pouvoir chez Tolkien. Voilà ce que ce travail tendra à démontrer. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mythe, Nomination, Parole poétique, Fantasy.