Добірка наукової літератури з теми "Génétique théâtrale"

L’étude des manuscrits de théâtre ayant à peine entamé ses premières investigations et défini ses premières hypothèses de travail, l’article propose une série de réflexions de nature heuristique et épistémologique en vue de la possible mise en oeuvre d’une « génétique théâtrale ». S’appuyant sur un corpus de textes manuscrits issus de la préparation de spectacles du Théâtre du Soleil, l’auteur propose d’abord une taxinomie de ces textes puis s’interroge sur les conditions et les moyens, par le biais de cette écriture instrumentale, d’une analyse en amont de la représentation théâtrale. En tout dernier lieu, il envisage les perspectives qu’ouvrirait une telle étude, tant dans le domaine de la recherche génétique que dans celui de l’histoire des spectacles.

Résumé À partir des principales œuvres de Lucien Goldmann, décédé en octobre 1970 à Paris, Gilbert Tarrab tente dans cet article de montrer l'importante contribution de cet auteur prolifique en matière de sociologie de la littérature et du théâtre. Goldmann a en effet introduit le premier les concepts - qu'il a essayé sa vie durant de rendre opératoires - de " catégorie mentale ", de " cohérence interne d'une œuvre ", de " vision du monde ", de " structure génétique ", notamment. Tous ses écrits tentent en vérité de trouver la structure englobante (sociologique et historique à la fois) dans laquelle seraient insérées les structures internes de l'œuvre étudiée, dans une époque sociale déterminée. Ses analyses procèdent de deux mouvements primordiaux : comprendre l'œuvre (examiner ses structures internes) et l'expliquer (comment l'œuvre s'insère dans la structure socio-économique globalisante). C'est cette dialectique et cette logique que l'auteur de cet article a voulu dégager avec le plus de clarté possible.

Abstract The aim of this article is to examine the sexual subtext underlying L’Affaire de la rue de Lourcine, a farce by Eugene Labiche, Édouard Martin, and Albert Monnier, through a detailed comparative study of the four different manuscripts that preceded the first printed version of the play, and which are held at the Archives nationales, the Bibliothèque nationale de France and in the archives of the Théâtre du Palais-Royal. The first two original manuscripts were written by Labiche’s collaborators; the third was submitted to the Bureau de la censure to authorize its production; and the fourth constitutes the text used for the staging of the play in the Palais-Royal in 1857. A comparative analysis of the play’s textual genetics will reveal a series of hidden allusions to sexual aggression, prostitution, and homoerotic relations between characters — challenging critics’ traditional dismissal of the play as innocuous and inoffensive.

Peut-on parler de langue à propos du texte dramatique ? La critique fait abondamment usage de ce terme, assimilable à la voix (le style) de l’auteur, en dépit du fait que la loi du drame stipule l’abolition de l’instance unique du discours au profit de la pluralité des personnages. La question apparaît malgré tout pertinente si l’on se tourne vers le processus d’écriture ayant mené à ce « partage des voix ». C’est ce que propose cet article à partir de l’examen de trois textes de théâtre québécois contemporains dont les dossiers génétiques montrent différentes stratégies vis-à-vis de la matière verbale et linguistique. Une interrogation guide ces analyses : cette matière serait-elle une composante parmi d’autres du travail de création dramatique ? De nombreux éléments confirment cette hypothèse que ne permet pas toujours de vérifier la seule lecture du texte achevé ou publié. Au-delà des cas particuliers, il s’agit de poser le problème à l’échelle des pratiques dramaturgiques et de leur signification dans le contexte des mutations qui touchent aujourd’hui la relation entre le texte et la scène. Le corpus étudié se compose des pièces suivantes : Les belles-soeurs de Michel Tremblay, Le ventriloque de Larry Tremblay, Louisiane Nord de François Godin.

Comment porter à la scène les combats des Lumières ? Les tragédies de Voltaire composées pour la Comédie-Française se trouvent en effet soumises à des contraintes institutionnelles et génériques qui limitent la possibilité d’exprimer sur scène une pensée subversive. Quels sont alors les biais par lesquels s’écrit un théâtre politique au XVIIIe siècle ? En explorant l’atelier du dramaturge-philosophe dans une démarche à la fois génétique et dramaturgique, cette étude précise les modalités de la création théâtrale au XVIIIe siècle ainsi que le rôle de la censure dans ce processus. La critique à l’œuvre est alors à chercher dans le travail de composition des intrigues tragiques qui éclaire la genèse polémique des pièce de Voltaire. Le philosophe exploite les contraintes propres au genre de la tragédie pour écrire un spectacle politique faisant appel à l’activité critique des spectateurs. La philosophie se trouve ainsi « mise en action », dans une perspective moins didactique que conflictuelle. Le théâtre de Voltaire n’est pas le lieu d’un exposé doctrinal, mais un espace de tensions où la pensée de l’auteur est mise à l’épreuve dans un dispositif scénique qui interroge les effets et les moyens du spectacle qu’il soit théâtral, religieux ou politique. L’atelier du dramaturge est donc aussi un laboratoire des idées philosophiques de Voltaire, qu’il développe sur un mode moins ouvertement polémique que dans ses écrits en prose, mais dont la force repose sur une expérience sensible, qui ne devrait pas manquer d’intéresser la scène contemporaine
How to bring the struggles of the Enlightenment to the stage? Voltaire’s tragedies composed for the Comédie-Française are in fact subject to institutional and generic constraints that limit the possibility of expressing subversive thought on stage. What then are the ways in which political theatre is written in the 18th century? By exploring the dramatist-philosopher’s workshop in an approach that is both genetic and dramaturgical, this study clarifies the modalities of theatrical creation in the 18th century as well as the role of censorship in this process. The critical activity of the author is then to be sought in the work of composition of the tragic plots which sheds light on the polemical genesis of Voltaire’s plays. The philosopher exploits the constraints of the tragedy genre to write a political spectacle that appeals to the critical activity of the audience. Philosophy is thus 'put into action', in a perspective that is less didactic than confrontational. Voltaire’s theatre is not the place for a doctrinal exposition, but a space of tensions where the author’s thought is challenged in a scenic device that questions the effects and the means of the spectacle, whether it be theatrical, religious or political. The playwright’s workshop is therefore also a laboratory for Voltaire’s philosophical ideas, which he develops in a less overtly polemical mode than in his prose writings, but whose force is based on a sensitive experience, which should not fail to interest the contemporary stage

Dans cette recherche nous nous intéressons à la genèse de deux pièces du dramaturge colombien Enrique Buenaventura (1925-2003) : Un réquiem por el padre Las Casas (Un Requiem pour le père Las Casas, 1963) et Seis horas en la vida de Frank Kulak (ou La encrucijada – Le Croisement –, 1969). Partant toutes les deux de documents préexistants elles ont néanmoins des processus de genèse différents et contrastés. Ainsi, Un réquiem por el padre Las Casas part de l’Histoire des Indes de Bartolomé de Las Casas et des ouvrages historiographiques sur Las Casas et la conquête des Indes, et Seis horas en la vida de Frank Kulak, d’un article de presse de 1969 sur un ex-marine américain qui a posé une bombe à Chicago, que Buenaventura lit dans le contexte d’un projet sur la guerre du Viet Nam au Teatro Experimental de Cali (TEC).Suivant deux concepts proposés par la génétique des genres narratifs (l’exogenèse et l’endogenèse), nous nous sommes intéressés notamment 1) aux particularités de chaque pièce concernant la relation entre la lecture et l’écriture et les modalités de transformation et d’intégration des documents ; 2) au rôle du collectif dans la genèse, notamment l’influence de la création collective qui commençait à ouvrir à la fin des années 1960 un espace important pour que les comédiens du TEC participent activement à la mise en scène. Un réquiem por el padre Las Casas est écrite du début jusqu’à la fin par Buenaventura dans une écriture qui cherche à transformer et s’approprier les matériaux de départ et elle est ensuite mise en scène par Buenaventura lui-même avec le TEC. La genèse de Seis horas en la vida de Frank Kulak traverse de multiples vicissitudes en raison de ses contacts avec la troupe, d’une part, et de l’actualité du sujet, d’autre part : l’atelier du dramaturge et le plateau convergent de plusieurs manières reformulant le projet et la force du présent produit des bouleversements inattendus. Notre recherche nous permet de formuler un changement dans le statut du scripteur chez Buenaventura ainsi qu’une réinterprétation en termes d’exogenèse et d'endogenèse du modèle dynamique d’Almuth Grésillon et Jean-Marie Thomasseau (2005) pour la genèse théâtrale
This research takes interest in the genesis of two theater plays by Colombian playwright Enrique Buenaventura (1925 – 2003): A Requiem for father Las Casas, 1963, and Six hours in the life of Frank Kulak or The Crossroad, 1969. Both theater plays originate in previous documents and their genesis processes are different and contrasting. On the one hand, A Requiem for father Las Casas originates in History of the Indies by Bartolomé de las Casas and in historic analysis about Las Casas. On the other hand, Six hours in the life of Frank Kulak, originates in a press article from 1969 about a former American marine who explodes a bomb in Chicago in order to protest against the Vietnam war. This article is read by Buenaventura during the development of a theater project about the Vietnam war at Cali’s Teatro Experimental (TEC).Following two concepts suggested by genetic criticism (exogenesis and endogenesis), this research is concerned with 1) the particularities of each play with respect to the reading – writing relation and the documents’ transformation and integration modes; 2) the role of the Theater group in the origin and, in particular, the influence of collective creation that was beginning to create an important space, by the end of the 1960s, for the TEC actors to play an active role in the development of theater plays. A Requiem for father Las Casas is written by Buenaventura from start to end with a writing style trying to transform and make his own the materials from which it originates and later on is directed by Buenaventura himself. The genesis of Six hours in the life of Frank Kulak takes various twists, in part due to the relation to the theater group and, at the same time, due to the subject topicality: Buenaventura’s studio and the play set converge in different ways reformulating the whole project. Also, the importance of the present takes its toll to produce unsuspected alterations. Through this process this research allows to pinpoint a change in the writing identity of Buenaventura; it also proposes a reinterpretation, in terms of exogenesis and endogenesis, of the theater genesis dynamic model by Almuth Grésillon and Jean-Marie Thomasseau (2005)

Cette thèse de doctorat en études théâtrales propose d’étudier les modèles et pratiques d’écriture du personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000, et, à partir de cette analyse à la fois dramaturgique (études de pièces et définition d’une typologie des personnages) et génétique (entrée dans la fabrique de plusieurs auteurs pour comprendre comment ils créent leurs personnages), de définir la ou les figures de l’auteur dramatique dans ce contexte de création. La dramaturgie québécoise présente des survivances du personnage, quand d’autres ne cessent de le remettre en question. Mais loin de perpétuer un réalisme psychologique américain, les auteurs québécois des années 2000 mettent en scène des êtres profondément déterritorialisés dont la profondeur psychologique disparaît au profit d’une profondeur intertextuelle ou métathéâtrale. Ces personnages-créatures invitent à entrer dans la fabrique des auteurs pour interroger le partage des voix qu’ils opèrent afin de détourner un réalisme encore majoritaire dans les dramaturgies d’Amérique du Nord. À partir des pôles d’écriture du personnage que sont la langue, le corps, l’intertexte et la scène, la thèse analyse les pratiques d’écriture de plusieurs auteurs issus de générations et de formations différentes : Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Étienne Lepage et Larry Tremblay. Ces auteurs, qui doivent négocier sans cesse avec une altérité, qu’elle soit réelle (le contexte de production québécois invite les auteurs à échanger avec les autres actants du processus théâtral) ou fictive (les auteurs sont profondément habités par des autres qui parlent à travers eux), se trouvent démultipliés dans le processus d’écriture. Il semble alors que, face à cette démultiplication et à la difficulté de plus en plus grande pour l’auteur de faire entendre sa voix, les auteurs québécois choisissent le chemin de l’autopoïétique et exploitent dans leurs dernières créations leur moi d’auteur comme un matériau et comme un hyperpersonnage surplombant la fiction. C’est alors une voix de l’écriture unifiée, toujours aux limites de l’autofiction et de l’autobiographie, qui habite des dramaturgies qui ne seraient plus capables de faire advenir l’autre, un personnage entièrement détaché de la voix de son créateur
The purpose of this doctoral thesis in drama studies is to investigate the models and practices in character writing in Quebecois drama in the years 2000, and from this investigation, which will have both a theatrical approach – through the study of plays and the elaboration of a typology of characters – and genetic – by entering into the authors’ factory to understand how they create their characters –, to identify the figure(s) of the playwright in this creative context. In Quebecois playwriting, characters still survive, while they are constantly questioned in other writing contexts. However, far from perpetuating realism as it prevails in American character writing, Quebecois authors in the years 2000 create deeply deterritorialized characters whose psychological depth disappears to make room for intertextual and metatheatrical profoundness. These creature-characters invite us into the authors’ factory to examine the sharing of voices they perform so as to circumvent North American drama’s still dominant realism. The four poles of character writing – language, body, intertext and stage – will then allow us to analyze the writing practices of several authors who belong to different generations and followed different trainings: Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Etienne Lepage and Larry Tremblay. These authors, who constantly have to deal with an otherness whether it is real – the production contexts in Quebec lead authors to interact with the other actors of drama’s creative process – or fictional – authors are deeply inhabited by others who speak through them –, find themselves demultiplied inside the writing process. It then seems that, when facing this demultiplication and the growing difficulty to make their voice heard, authors in Quebec are chosing the path of autopoiesis and using their “I” as authors in their latest creations as a material and as a supercharacter which dominates fiction. The act of writing then acquires a unified voice, constantly on the fringe of autofiction and autobiography, which inhabits plays that would may no longer be able to bring forth the other, a character which would be entirely separated from its creator’s voice

Après avoir créé La Cantatrice chauve en 1949, Ionesco n’a pas tardé à apparaître comme une force de renouvellement du théâtre français. S’il se détache progressivement de sa posture agressivement avant-gardiste, il ne renonce pas à faire de sa dramaturgie un objet d’exploration : de l’introduction du rêve sur la scène, à la tentation de l’autobiographie dramatique. Le mouvement de la quête artistique a cependant cohabité avec une immuabilité ontologique, souvent revendiquée par l’auteur lui-même. Les pièces portent les empreintes d’un ressassement qui, dans l’ombre, travaille l’homme. Il se nourrit d’obsessions telles que l’angoisse de la mort, l’effarement devant la violence de ses semblables, la douleur de l’impuissance à ressusciter la lumière de l’enfance. Ionesco a trouvé dans la réécriture un processus créateur susceptible d’embrasser et de dépasser ses contradictions. Depuis La Cantatrice chauve – autoadaptation d’une première version roumaine– jusqu’à son dernier théâtre – conçu à partir d’un récit autofictionnel et de récits de rêve, en passant par la transmodalisation de nouvelles et la reprise de deux chefs-d’œuvre allogènes, Journal de l’Année de la Peste de Daniel Defoe et Macbeth de Shakespeare, Ionesco réécrit, les autres comme lui-même. La reprise textuelle, en ce qu’elle épouse le double mouvement de la pause réflexive et de l’impulsion conquérante, lui a ainsi fourni un précieux outil pour penser et repenser sa dramaturgie. Notre travail s’attache à étudier en diachonie les paradoxes et les prouesses de l’œuvre littéraire à la lumière de cette pratique scripturale. Nous avons cherché à montrer l’influence décisive qu’a eue la réécriture sur l’évolution de la dramaturgie ionescienne. La consultation de ses manuscrits a constitué un outil majeur pour appréhender le travail de répétition de ses réécritures
After having created The Bald Soprano in 1949, Ionesco soon appears as a force of renewal in French theater. While he progressively moved away from his aggressively avant-gardist stance, he never stopped to use his dramaturgy as an object of exploration, from the introduction of dreams on the stage to the temptation of dramatic autobiography. This dynamics of artistic quest has always been coexistent with an ontological immutability often reasserted by the author himself. His plays bear the imprints of a resifting that constantly if implicitly shapes him, and which feeds on obsessions such as anxiety about death, consternation at human violence, the pain provoked by his inability to resuscitate the light of childhood. Ionesco found in the process of rewriting a creative way to embrace and go beyond his contradictions. From The Bald Soprano – a self-adaptation of a first Romanian version – to his last plays – based on an autofictional story and dream narratives, and including the transmodalisation of short stories and the adaptation of two foreign masterpieces, Journal of a Plague Year by Daniel Defoe and Macbeth by Shakespeare, Ionesco rewrites others and himself. Thus textual repetition, which embraces the double motion of reflexive pause and of conquering impulsion, gave him a precious tool to think and rethink his dramaturgy. Our work diachronically studies the paradoxes and prowesses of his literary work in light of this writing practice. We sought to demonstrate the decisive influence that the process of rewriting had on the evolution of Ionesco’s dramaturgy. The study of his manuscripts has been a major tool for understanding the repetition at work in his rewriting

L'imbrication de la théâtralité et des paradigmes issus du performance art est inscrite au coeur du théâtrepostdramatique, défini par Hans-Thies Lehmann, et elle fut également placée au coeur de ce qui fut nommé la« vague flamande » des années 1980. C'est de ce mécanisme que rend compte le terme de théâtreperformantiel, choisi par contraste avec le performatif austinien. En assimilant l'idéal des avant-gardeshistoriques d'une fusion art-vie, fondée sur l'action réelle en temps réel, la théâtralité se trouve à la foisdébordée et révélée dans son essence, comme un processus en cours, qui prévoit la réception d'un regardactif et complice et se donne à vivre comme un événement. La théâtralité performantielle, fondée sur lemontage et le recyclage, oscille entre deux pôles : celui de l'immersion, du choc voire du rêve d'un art total,d'une part, et celui de la mise à distance méta-théâtrale et auto-référentielle, d'autre part. Au centre de cettetension, l'image scénique oppose une résistance au flux des visibilités du monde. C'est ce que révèle uneimmersion au coeur des processus créatifs de trois troupes fondées au début des années 2000 : AbattoirFermé, le Warme Winkel et Wunderbaum. La participation observante éclaire en profondeur les enjeuxesthétiques et idéologiques de cette rencontre entre théâtre et performance. Elle révèle aussi la validité etl'actualité d'une interrogation sur les idéaux de l'avant-garde, dans le contexte d'une crise et d'undurcissement politique et économique auxquels sont confrontés ces artistes, après une période de prospéritéet d'institutionnalisation des pratiques expérimentales
In postdramatic theatre, as theorized by Hans-Thies Lehmann, theatricality, processuality andperformance art have merged. This overlapping was precisely at the heart of the so-called Flemish Wave, inthe 1980s. That generation drew links between the avant-garde's ideals and methods, and today's youngartists. The blurring of art and life overflows theatrical stages and frames, but thereby reveals the veryessence of theatricality : what is showed on those contemporary stages is the emergence of a process, animage in construction, a work-still-in-progress...This is what coins down the expression « théâtreperformantiel » (« performantial theatre » versus performativity). Frictions between representation, illusionand performativity provoke a constant oscillation between meta-theatrical distance, self-referentiality, shockand sensationnal immersion. It even flirts with the dream of total art. These works also rely on an activespectator's gaze. In the midst of these contradictions, stage images oppose a resistance to the visual flows ofthis world. These movements are explored through a field analysis and a close-up on the creative processesof three Flemish and Dutch groups created around 2000 : Abattoir Fermé, the Warme Winkel andWunderbaum. Participative observation offers deeper insight into the aesthetic and ideological issues at stakeat the heart of this encounter between theatre and performance. It also reveals the currency and the validity ofquestioning the avant-garde's ideals given the context of an economic crisis and political tightening

Auteur d'une œuvre variée, au sein de laquelle le théâtre et la philosophie tiennent la part la plus importante, Gabriel Marcel est reconnu essentiellement comme penseur, alors que ses pièces restent confidentielles. Pourtant, le théâtre a non seulement tenu la première place dans ses centres d'intérêt, mais il a également eu un rôle d’impulsion par rapport aux idées développées dans l'œuvre philosophique. C’est la position de ces deux créations l’une par rapport à l'autre que ce travail entend déterminer. A partir de l'étude des pièces de théaâtre, des critiques dramatiques de Marcel, de ses écrits philosophques et des manuscrits dramatiques et philosophiques, se dessine le contour d’une œuvre cohérente et dont chaque écrit, quel que soit son genre, constitue une pierre essentielle à la compréhension de l’ensemble
Gabriel Marcel's production is varied, theatre and philosophy being the most important part of it. He is above all known as a philosopher, whereas his plays remain confidential. Yet he was more interested in theatre, and it gave an impulse to his philosophical thought. Out work aims at determinng each creation's role. From the study of dramas, dramatic critics, philosophical writing, and dramatic and philosophical manuscripts, one can outline the shape of a consistent and comprehensive work. Each piece of writing, in his own genre, represents an essential milestone for the understanding of his whole work

Les témoignages des écrivains et des metteurs en scène, largement relayés par la critique dramatique et universitaire, ont façonné des légendes sur le travail théâtral, réduit les compagnonnages de créateurs au conflit ou à la parfaite harmonie. En confrontant les enseignements de l’école du Cartel – depuis la fondation du Vieux-Colombier (1913) jusqu’à l’achèvement de son legs (1968) – et les collaborations engagées dans la salle et dans l’atelier d’écriture, on se propose de mettre en lumière les logiques qui déterminent les rapports de forces entre les créateurs et d’interroger leurs incidences sur la pratique et la poétique du fait théâtral.La première partie de l’étude éclaire, dans une perspective historique, les relations entre les écrivains et des metteurs en scène dans les deux premiers tiers du siècle et montre la place centrale qu’y joue l’école de Copeau. Elle examine la façon dont les collaborateurs se perçoivent et dont ils conçoivent leur travail au sein de la coopération.La deuxième partie se consacre à l’attelage de cinq héritiers du Cartel (Barsacq, Meyer, Serreau, Barrault et Blin) avec trois générations d’auteurs (Claudel, Gide, Anouilh, Couturier, Ionesco, Beckett, Schehadé et Keineg) et envisage, dans une perspective génétique, le rôle des écrivains dans la salle. Elle met en valeur l’effort des dramaturges pour faire valoir leur légitimité et elle questionne la place de l’argument écrit dans la joute des créateurs.La troisième partie de l’étude éclaire la déclinaison des fonctions du metteur en scène dans le cabinet d’écriture et interroge sa possible influence sur la poétique des dramaturges et sur l’imprimé de théâtre
The accounts given by writers and directors, widely reported by dramatic and academic critics, have given rise to legends concerning the theatrical work, and have reduced the partnerships between creators to one of either conflict or perfect harmony. By comparing the teachings of the Cartel school – from the foundation of the Vieux-Colombier (1913) to the achievements of its legacy – and the collaborations begun in the theatre and at the writer’s desk, we propose to bring to light the logic determining the balance of powers between creators and to explore its effect on the practice and the poetry of the theatrical.The first part of the study sheds light, from a historical perspective, on the relations between writers and directors in the first two-thirds of the century and shows the central role played by the Copeau school. It examines the way in which the collaborators perceive one another and the way they conceive their work within a collaborative setting.The second part is dedicated to the relationships of five heirs of the Cartel school (Barsacq, Meyer, Serreau, Barrault and Blin) with three generations of authors (Claudel, Gide, Anouilh, Couturier, Ionesco, Beckett, Schehadé and Keineg) and considers, from a genetic perspective, the role of the writers in the stage production. It highlights the efforts of dramatists to assert their legitimacy and questions the place of the text in the creators’ debates. The third part of the study examines the range of functions of the director during the writing process and explores the possible influence it has on the poetry of dramatists and on the printed work

Cette thèse se penche sur un pan marginal de l'œuvre de Réjean Ducharme, ses textes de théâtre, en s'appuyant sur les archives que l'écrivain a déposées à Bibliothèque et Archives Canada, à Ottawa, en 1986. Le corpus étudié comprend quatre pièces, deux publiées (Ines Pérée et Inat Tendu, publiée en 1976, et HA ha !..., publiée en 1982) et deux inédites - mais jouées - (Le Cid maghané, écrit en 1967, et Le marquis qui perdit, écrit en 1969) et leurs diverses versions.Le théâtre de Réjean Ducharme peut être divisé en deux " phases " scripturaires qui correspondent à des inflexions d'ordre thématique, pragmatique, poétique, générique et génétique, qui permettent de distinguer deux moments. Le premier, celui de la parodie et de la satire, marque l'entrée au théâtre de l'écrivain, d'ailleurs déjà célébré pour ses romans. La manière par laquelle le dramaturge aborde le théâtre québécois dans ses deux premiers textes, dont le sujet reste emprunté à d'autres (la littérature française pour le Cid maghané et l'histoire du Canada pour Le marquis qui perdit), ne fait pas l'unanimité puisque l'on reproche à l'écrivain d'être trop littéraire et trop prévisiblement parodique par ses références à des modèles du genre. Les deux derniers textes témoignent en revanche d'une interrogation et d'une mise à l'épreuve de la théâtralité, relevées par la critique, qui iront jusqu'au rejet du théâtre comme genre.Cette étude du théâtre de Réjean Ducharme éclaire l'usage que celui-ci fait du genre dramatique à la fois en s'astreignant à respecter certains codes et en se jouant de diverses contraintes; en témoigne, par exemple, l'investissement très singulier du paratexte didascalique de ses pièces. En somme, cette thèse de doctorat vise à faire connaître un corpus moins fréquenté de l'œuvre d'un écrivain reconnu par ailleurs et considéré comme un classique de la littérature québécoise contemporaine, alors même qu'il s'emploie, dans chacune de ses créations, à refuser toute norme, règle ou compromis.

Didier-Georges Gabily, Jean-Luc Lagarce et Jean-François Peyret ont la particularité d’avoir tenu, entre 1977 et 2008, un journal personnel. S’il s’agit d’explorer ces matériaux, encore peu étudiés dans le champ des études théâtrales, l’enjeu de la réflexion est de mesurer les apports du jeu diaristique à l’exercice théâtral. Les déplacements de l’un à l’autre sont envisagés dans ce que Philippe Lejeune nomme l’« espace autobiographique ». Dans cette perspective, les journaux ne constituent pas de nouvelles clés de lecture pour l’œuvre mais bel et bien des pièces maîtresses d’un jeu identitaire, ouvrant un dialogue sans fin entre fictions théâtrales, romanesques et textes autobiographiques. La première partie de la réflexion propose de cartographier ces journaux d’un genre particulier en observant d’abord comment la vie de l’homme et celle du théâtre y cohabitent. Comme pour de nombreux! autres artistes, le journal incarne l’espace d’un atelier : on tentera alors d’observer l’élaboration de l’écriture dramatique et on se demandera dans quelle mesure le journal peut constituer une mémoire de l’acte théâtral, par essence éphémère. La seconde partie est divisée en chapitres monographiques : pour chacun des trois auteurs, on arpentera le chemin du journal au théâtre sous l’angle d’une perspective unique ; la tentation autobiographique chez Jean-Luc Lagarce, la question lyrique chez Didier-Georges Gabily et celle du rapport à l’Autre chez Jean-François Peyret
A common feature of Didier-Georges Gabily, Jean-Luc Lagarce and Jean-François Peyret is that they all kept personal diaries between 1977 and 2008. A study of this as of yet unexplored material from the point of view of theatrical studies can help measure the contribution of the diaristic play to theatrical practice. Movements from one to the other are considered in what Philippe Lejeune calls the “autobiographical space”. In this perspective, diaries do not constitute new reading keys for the works, but rather the cornerstones of an identity game that opens an endless dialogue between theatrical fictions, novels and autobiographical texts. The first part of the work attempts to map these distinctive diaries by observing how they account for both the artist’s life and his theatrical life more generally. As for many other artists, the diary embodies the space of a workshop: I will endeavour to observe the elaboration of dramatic writi! ng and speculate as to the extent to which the diary can constitute a memory of the theatrical act, which is essentially ephemeral. The second part is divided into monographic chapters. For each of the three authors, the path from diary to theatre will be viewed from a single perspective: the autobiographical temptation for Jean-Luc Lagarce, the questions of lyricism for Didier-Georges Gabily, and of inter-personal relationship for Jean-François Peyret

Cette recherche prend pour point de départ deux éléments fondamentaux : certaines pièces d'Adamov (Le Ping-Pong), de Beckett (Fin de partie) et d'Ionesco (Rhinocéros), et le thème de l'Abdurde. Par la mise en oeuvre d'une approche multiple, entrecroisant les aperçus d'une critique thématique, philosophique et stylistique, notre étude nous a conduite à cerner la notion de l'absurde, qui se dévoile grâce aux rénovations structurelles apportées par ces trois auteurs dramatiques. Nos travaux proposent l'analyse de l'absurde en deux parties, à deux niveaux complémentaires. La première "structure théâtrale de l'absurde" -focalise l'attention sur l'analyse du texte : elle se réfère d'abord au modèle aristotélicien et au modèle actanciel pour dégager la structure des oeuvres dont il s'agit. L'étude se poursuit par l'examen des personnages : onomastique et écriture de l'incommunicabilité participent de ce renouvellement de l'esthétique théâtrale. Cette double perspective débouche sur l'étude du rapport inattendu entre la tragédie et la comédie, rapport qui appartient peut-être à la définition du théâtre de l'absurde. La seconde partie du travail est consacrée à la spécificité du texte théâtral dans son lien avec la scène. Nos auteurs sont soucieux de construire l'ambiance scénique en délimitant le lieu scénique et la durée dramatique. Il convient donc d'analyser les didascalies, éléments propres à l'écriture théâtrale. Dans cette perspective, nous prenons pour référence centrale les paratextes didascaliques concernant le décor et le mouvement