Добірка наукової літератури з теми "Femmes peintres – Italie – 17e siècle"

Ce travail de recherche porte sur l’œuvre de la Vénitienne Rosalba Carriera (1675-1757), qui connut un succès international grâce à ses portraits et à sa maîtrise exceptionnelle du pastel. Cependant, il serait réducteur de parler de Rosalba Carriera uniquement en tant qu’artiste.En effet, cette dernière rédigea une vaste correspondance, plusieurs textes en relation avec la société de son époque, écrivit un petit traité sur le pastel et fut dans le même temps poète et diariste.Le but de cette recherche consistera donc – sans oublier son travail de peintre –à mettre en lumière l’autre facette de l’artiste, à savoir, la femme de Lettres en prise avec son temps dont elle fut un témoin attentif.Dans cette double perspective, l’accent est mis, en premier lieu, sur la peinture et les femmes peintres en Europe et à Venise au XVIIIe siècle, avec une mention particulière pour la formation artistique de Rosalba Carriera. Dans un second temps, sont analysés ses écrits, parmi lesquels sa vaste correspondance ainsi que ses journaux qui révèlent ses qualités d’épistolière et de diariste ainsi que le vaste réseau qu’elle avait su se constituer en Europe, tout particulièrement en France et, dans une moindre mesure, en Angleterre. Enfin, Rosalba Carriera sera présentée comme poète, mais également comme témoin social et historique de son temps au travers de plusieurs écrits de natures diverses, au nombre desquels on compte le traité sur le pastel, Maniere diverse per formare i colori, dans lequel elle apparaît comme une remarquable pédagogue et spécialiste en la matière.Ces différentes facettes de Rosalba Carriera composant le portrait d’une artiste et femme de Lettres dans l’Europe des Lumières
This thesis is about the work of the Venetian Rosalba Carriera (1673-1757), who knew an international success thanks to her portraits and her exceptionnal mastery of pastel painting. However, Rosalba Carriera was not only an artist. In effect, she wrote many letters, texts in relation with the society of her century and she wrote a little essay about the pastel and she was also a letter writer, a poet and wrote diaries. Without forgetting her identity of artist,we will stress on her profile of woman of Letters, witness of her century. First of all, we will speak about the painting and the women painters in Europ and in Venice in the 18th century and we will insist on the artistic formation of Rosalba Carriera.In a second time, we will analyse the writings of Rosalba: her letters and diaries that reveal her qualities of letter writer and diarist and also the large network she especially developed in France and a little bit in England. Finally, we will introduce Rosalba as a poet, as a social and historical witness of her time thanks to many texts and thank to her essay on the pastel painting, Maniere diverse per formare i colori, where she appears as an educationalist and specialist. These differents facets of Rosalba Carriera will make up the portrait of an artist and a woman of Letters in the Enlightenment Europ

Elisabetta Sirani (1638-1665) est une femme peintre du XVIIème siècle bolonais. La ville de Bologne mérite en soi un discours philogyne, dans la mesure où plusieurs femmes étaient non seulement reconnues pour leur érudition, mais également diplômées dans les domaines littéraire et scientifique. Elisabetta Sirani ne déroge pas à la règle en associant une solide culture générale et une profession considérée en premier lieu comme virile : la peinture. Le profil d’Elisabetta Sirani présente à la fois un intérêt biographique et iconographique ; double orientation reliant étroitement art et littérature. Le personnage d’Elisabetta Sirani s’inscrit également dans l’histoire, superposant les différents genres littéraires. Le XIXème siècle est en ce sens révélateur de la revisitation d’un fait divers en mythe
Elisabetta Sirani (1638-1665) was a Bolognese 17th century women painter. Bologna was considered a philogynous city, since many Bolognese women were famous for their erudition and for being laureates in literature and sciences. Elisabetta Sirani was not an exception, she was a well-educated and cultured woman whose occupation as a painter was mostly seen as a virile one. Elisabetta Sirani’s profile presents both a biographical and iconographic interest ; a double orientation that closely relates art to literature. Elisabetta Sirani was part of history too as her character was reintrepreted by various literary genres. The 19th century revealed the reinterpretation of a chronicle into a myth

Ce travail de recherche porte sur l’œuvre de la Vénitienne Rosalba Carriera (1675-1757), qui connut un succès international grâce à ses portraits et à sa maîtrise exceptionnelle du pastel. Cependant, il serait réducteur de parler de Rosalba Carriera uniquement en tant qu’artiste.En effet, cette dernière rédigea une vaste correspondance, plusieurs textes en relation avec la société de son époque, écrivit un petit traité sur le pastel et fut dans le même temps poète et diariste.Le but de cette recherche consistera donc – sans oublier son travail de peintre –à mettre en lumière l’autre facette de l’artiste, à savoir, la femme de Lettres en prise avec son temps dont elle fut un témoin attentif.Dans cette double perspective, l’accent est mis, en premier lieu, sur la peinture et les femmes peintres en Europe et à Venise au XVIIIe siècle, avec une mention particulière pour la formation artistique de Rosalba Carriera. Dans un second temps, sont analysés ses écrits, parmi lesquels sa vaste correspondance ainsi que ses journaux qui révèlent ses qualités d’épistolière et de diariste ainsi que le vaste réseau qu’elle avait su se constituer en Europe, tout particulièrement en France et, dans une moindre mesure, en Angleterre. Enfin, Rosalba Carriera sera présentée comme poète, mais également comme témoin social et historique de son temps au travers de plusieurs écrits de natures diverses, au nombre desquels on compte le traité sur le pastel, Maniere diverse per formare i colori, dans lequel elle apparaît comme une remarquable pédagogue et spécialiste en la matière.Ces différentes facettes de Rosalba Carriera composant le portrait d’une artiste et femme de Lettres dans l’Europe des Lumières
This thesis is about the work of the Venetian Rosalba Carriera (1673-1757), who knew an international success thanks to her portraits and her exceptionnal mastery of pastel painting. However, Rosalba Carriera was not only an artist. In effect, she wrote many letters, texts in relation with the society of her century and she wrote a little essay about the pastel and she was also a letter writer, a poet and wrote diaries. Without forgetting her identity of artist,we will stress on her profile of woman of Letters, witness of her century. First of all, we will speak about the painting and the women painters in Europ and in Venice in the 18th century and we will insist on the artistic formation of Rosalba Carriera.In a second time, we will analyse the writings of Rosalba: her letters and diaries that reveal her qualities of letter writer and diarist and also the large network she especially developed in France and a little bit in England. Finally, we will introduce Rosalba as a poet, as a social and historical witness of her time thanks to many texts and thank to her essay on the pastel painting, Maniere diverse per formare i colori, where she appears as an educationalist and specialist. These differents facets of Rosalba Carriera will make up the portrait of an artist and a woman of Letters in the Enlightenment Europ

Grâce à l’édition et au commentaire des lettres de Marianna Candidi Dionigi (1757-1826) et de celles de la fille Enrichetta (1784-1868), la connaissance de la sociabilité romaine au début du XIXe siècle gagne en précision. Ainsi, des poètes quasiment tombés dans l’oubli retrouvent-ils leur envergure. Par ailleurs, des personnages de premier rang à l’âge néoclassique se prévalent de traits inédits. Nous avons interprété les deux ouvrages publiés par Marianna par une étude historico-littéraire. Precetti elementari sulla pittura de’ paesi s’est confirmé un exercice didactique. Pour Viaggi in alcune città del Lazio nous avons examiné le débat à propos de la théorie « pélasgique » de l’abbé Petit-Radel que Mme Dionigi partageait. Elle livra à ce traité l’essence de son identité, rendue par pages et images. Conception et entreprise éditoriale (rédaction, impression et distribution) ont constitué les pistes que nous avons suivies, en comparant aussi certains passages du texte avec la correspondance des Dionigi mère et fille. D’après une lettre à Diodata Saluzzo-Roero, un dernier traité, inachevé et égaré, a retrouvé son titre exact (Storia del mio tempo), ses arguments et son idéologie. Il s’y dessine notamment le réseau entre Turin, Rome et Naples d’un courant du loyalisme catholique qui cultiva sa propre vision du Risorgimento naissant
The edition and comment of the letters Marianna Dionigi Candidi (1757-1826) and those of her daughter Enrichetta (1784-1868) shed new light on the knowledge of Roman society in the early nineteenth century. In this way, literati almost forgotten are recalled. Moreover, some of the leading characters of Italian neoclassical literature take advantage from these new data. The thesis analyzes also the two treatises published by Marianna with an historical and literary study. Precetti elementari sulla pittura de’ paesi is confirmed as a learning exercise. As for Viaggi in alcune città del Lazio, this research has focused the debate over the « Pelasgic » theory proposed by the abbot Petit-Radel that the Roman lady shared. She delivered to this treatise the essence of her identity, both on the page and in images. The conception and the publishing enterprise (edition, printing and sale) has been the main topics we investigated by comparing some passages in the text with the correspondence of the Dionigi mother and daughter. In a letter to Diodata Saluzzo-Roero another treatise, unfinished and lost, is analyzed starting from its actual title (Storia del mio tempo), its arguments and ideology. From these contacts emerges a network between Turin, Rome and Naples linking a current of Catholic loyalist who cultivated their own vision of the forthcoming Risorgimento

Cette thèse étudie la réception contemporaine et les œuvres de fiction inspirées par la peintre Artemisia Gentileschi (1593-1654ca), qui est devenue une icône au cours des dernières décennies, capable d'éveiller des tensions culturelles et d'induire des réactions de nature performative et identitaire. Conscient du fait que sa fortune actuelle ne peut être comprise à travers une approche uniquement « archéologique » ou « anachronique », mais qu'il est plutôt nécessaire d'alterner ces mouvements critiques comme dans l' « empreinte » de DIDI-HUBERMAN (2008), la structure de la thèse est divisée en deux parties, l'une diachronique et l'autre synchronique. À partir de cette prémisse, l'itinéraire proposé vise à montrer comment le « pouvoir iconique » d'Artemisia ne peut être rejeté comme un simple coup féministe ou un produit de l'industrie culturelle, mais est déterminé par des raisons beaucoup plus profondes, liées aux « guerres culturelles » (MUIR 2007) qui, nées précisément au XVIIe siècle, caractérisent encore d'une certaine manière notre époque.La première partie, intitulée Une Artemisia, plusieurs Artemisia : des documents à l'imaginaire et retour, et divisée en deux chapitres, analyse d'abord Artemisia et son temps, ou plutôt la « posture » (MEIZOZ 2007) et le processus de « self-fashioning » (GREENBLATT 1980) qui ont conduit la peintre à s'affirmer avec une grande autorité sur la scène artistique, en entrant en contact avec les figures politiques et culturelles les plus influentes du XVIIe siècle (par exemple, Galilée) ; se penche ensuite sur Artemisia et notre temps, en retraçant chronologiquement les phases et les points tournants de sa réception posthume, en proposant une première périodisation systématique : surtout, la «création» d'Artemisia comme personnage littéraire moderne avec le roman d'ANNA BANTI de 1947, grâce auquel la peintre est devenue une « figure allégorique » (BAZZOCCHI 2021) qui inspire aujourd'hui une production fictionnelle incessante (les soi-disant « Artemisia fictions ») ; le féminisme de la deuxième vague dans les années 1970 et 1980, qui a fait de l'artiste un étendard de ses combats politiques et sociaux ; et enfin la nouvelle accélération marquée plus récemment par le mouvement #MeToo et l'avènement des médias sociaux, qui ont encore accru le « capital symbolique » (BOURDIEU) d'Artemisia au sein de notre société.La deuxième partie (Artemisia et le moment de sa « lecture ». Une « constellation » critique : trauma, genre, transmédia) s'appuie sur les concepts benjaminiens d'« image dialectique » et de « lisibilité », pour tenter d'identifier en 3 chapitres les raisons pour lesquelles, juste aujourd'hui, Artemisia et son œuvre sont devenues lisibles : 1) la dimension du traumatisme, intrinsèque à la biographie privée de la peintre elle-même, que la thèse tente de mettre en évidence en analysant des Artemisia fictions particulièrement intéressantes, lues à la lumière des Trauma Studies et de l' « hantologie » de DERIDDA ; 2) la dimension du genre, que, à travers les réflexions de DE LAURETIS, BAL, POLLOCK, MULVEY etc., la thèse entend appliquer à certaines peintures d'Artemisia (Suzanne et les vieillards, Judith et Holopherne, Corisca et le satyre, Christ et la Samaritaine etc.) qui formalisent un nouveau rapport entre féminin et masculin ; 3) enfin, la dimension transmédia que prend son personnage, comme l'une des matrices mythopoïétiques les plus prolifiques du troisième millénaire, capable de resignifier les horizons idéologiques et les structures identitaires de notre époque
This thesis examines the contemporary reception and fictional works inspired by the painter Artemisia Gentileschi (1593-1654ca), who has become an icon in recent decades, capable of arousing cultural tensions and inducing reactions of a performative and identity-based nature. Aware that its current fortunes cannot be understood through a solely "archaeological" or "anachronistic" approach, but rather that it is necessary to alternate these critical movements as in DIDI-HUBERMAN's (2008) "imprint", the structure of the thesis is divided into two parts, one diachronic and the other synchronic. Starting from this premise, the proposed itinerary aims to show how Artemisia's "iconic power" cannot be dismissed as a mere feminist stunt or a product of the culture industry, but is determined by much deeper reasons, linked to the "culture wars" (MUIR 2007) which, born precisely in the seventeenth century, still characterize in some ways our times.The first part, entitled Artemisia, Artemisias: from documents to the imaginary and back, and divided into two chapters, first analyzes Artemisia and her time, or rather the "posture" (MEIZOZ 2007) and the process of "self-fashioning" (GREENBLATT 1980) that led the painter to assert herself with great authority on the artistic scene, coming into contact with the most influential political and cultural figures of the 17th century (Galileo, for example) ; then looks at Artemisia and our times, chronologically tracing the phases and turning points of her posthumous reception, proposing a first systematic periodization: above all, the "creation" of Artemisia as a modern literary character with ANNA BANTI's 1947 novel, thanks to which the painter became an "allegorical figure" (BAZZOCCHI 2021) who today inspires an incessant fictional production (the so-called "Artemisia fictions"); second-wave feminism in the 1970s and 1980s, which made the artist a standard-bearer for its political and social battles; and finally the new acceleration marked more recently by the #MeToo movement and the advent of social media, which have further increased Artemisia's "symbolic capital" (BOURDIEU) within our society.The second part (Artemisia and the moment of its "legibility". A critical "constellation": trauma, genre, transmedia) draws on the Benjaminian concepts of "dialectical image" and "legibility", to attempt in 3 chapters to identify the reasons why, just today, Artemisia and her work have become legible: 1) the dimension of trauma, intrinsic to the painter's own private biography, which the thesis attempts to highlight by analyzing particularly interesting Artemisia fictions, read in the light of Trauma Studies and DERIDDA's "hauntology"; 2) the dimension of genre, which, through the reflections of DE LAURETIS, BAL, POLLOCK, MULVEY etc. , the thesis intends to apply to certain of Artemisia's paintings (Susanna and the Elders, Judith and Holofernes, Corisca and the Satyr, Christ and the Samaritan Woman etc.), which formalize a new relationship between feminine and masculine; 3) finally, the transmedia dimension taken on by her character, as one of the most prolific mythopoetic matrices of the third millennium, capable of resignifying the ideological horizons and identity structures of our time

L'histoire de la canonisation a la renaissance se caractérise par le long silence de cette pratique pontificale après 1523 et les condamnations luthériennes de 1524. Reprenant en 1588 et confiée à la congrégation des rites, la canonisation est marquée, à l’âge baroque, par le grand nombre, l'ouverture au monde non européen, une nouvelle et nette prépondérance espagnole et une traditionnelle sous-représentation féminine (20%). Les procès des femmes françaises et italiennes du XVIIe siècle ouverts avant 1700 et les éloges (1679) de bénédictines françaises de mère de Blemur offrent un corpus varié mais homogène pour étudier la place des expériences mystiques dans la recherche et la reconnaissance de la sainteté au XVIIe siècle. L'expression "expérience mystique" apparait à la fin du XIXe siècle, alors que, depuis plusieurs années, positives et spiritualistes s'opposent sur les apparitions, les extases ou les visions. Depuis, la mystique a donné à de nombreuses recherches tant médicales que psychologiques, philosophiques, sociologiques ou historiques. Au XVIIe siècle, la théologie mystique, conçue dans la tradition dionysienne telle que l'a transmise Gerson, est une science expérimentale de Dieu. Après une période de crise au XVIe siècle due aux condamnations luthériennes, elle connait un renouveau remarquable à l’âge baroque, grâce à l'école carmélitaine espagnole et dans un esprit de contre-réforme
The history of the canonisation in the renaissance is characterized by a long silence of the pontifical practice after 1523 and the lutheran condemnations of 1524. Begining again in 1588 and trusted to the congregation of the rites, the canonisation, is marked, in the baroque age by the great number, the opening to the uneuropean world,a new and clear spanish preponderance and a traditional feminine minority (20%). The processes of french and italian women of the XVIIth century-opened before 1700 - and the french benedictines eloges (1679) by. Mere de Blemur offer a varied but homogeneous corpus to study the place of the mystical experiences in the search and the recognition of the sainthood in the XVIIth century. The expression "mystical experience" appears at the end of the end of the XIXth century when positivists and spiritualists are in opposition on the apparitions,ecstasies or visions. Since then,mysticism is given rise to a lot of medical,psychological,philosophical, sociological and historical researches. In the xviith century,the mystical theology, understood in the dionysian tradition such as transmitted by gerson,is a experimental science of God. After a period of crisis in the XVIth century due to the lutheran condemnations, it knows a noteworthy renewal in the baroque age, owing to the spanish carmelitan school and in a spirit of counter-reformation. In the processes of canonisation and in the eloges,the narratives of mystical experiences are numerous

Cette thèse se donne pour but de montrer la densité de significations qui informent les choix plastiques et iconographiques de la Madeleine du Palais Pitti de Titien, en l'examinant à la lumière des traditions visuelles de la Madeleine en Italie. Pour ce faire, la thèse remonte jusqu'aux codes visuels mis en place dès le XIIIe siècle. Cette étude fait apparaître les moyens par lesquels le corps de la femme peut être porteur de sens théologique, au delà du péché et de la tentation. Une première partie en établit les fondements. Un chapitre aborde l'anthropologie du corps chrétien ; un autre, la construction du personnage de Marie Madeleine et des thèmes qui lui sont associés ; un troisième étudie ses premières formulations plastiques dans le bassin méditerranéen. Une deuxième partie est consacrée aux cycles qui présentent sa Vita : le retable florentin de 1285, la chapelle de Madeleine dans la basilique d'Assise, et les chapelles de la Madeleine au Bargello et à Santa Croce à Florence. Ces chapitres font apparaître la dynamique par laquelle le spectateur se rapporte à sa figure comme un exemple de chair pécheresse convertie. Une dernière partie propose une analyse diachronique de longue durée, du XIVe au XVIe siècle, des principaux signes iconographiques qui la distingue : la couleur rouge, les cheveux, les larmes, le vase et le parfum, en accordant une attention particulière aux variations régionales, entre Toscane et Vénétie. Le chapitre final fait converger les résultats des chapitres précédents dans l'analyse de la Madeleine de Titien, qui apparaît comme un point d'aboutissement des recherches plastiques et conceptuelles menées depuis 1270
The goal of this thesis is to show the density of meanings that inform the plastic and iconographic choices made by Titian for his Pitti Magdalen, examining it in light of the visual traditions of the Magdalen in Italy. To do this, the dissertation goes back to the visual codes established in the 13th century. This study brings forward the means by wich women's bodies may be bearers of theological meaning, beyond that of sin and temptation. A first part establishes the foundations. One chapter approaches the anthropology of the Christian body, another the construction of the "character" of Mary Magdalen and themes associated with her, a third stuides these first plastic formulations in the mediterranean basin. A second part is consecrated to the cycles that present her Vita : the Florentine pala of 1285, the Assisi Magdalen chapel, and the Magdalen chapels of the Bargello and Santa Croce in Florence. The chapters bring forward the dynamic in wich the spectator relates to the figure as an example of sinful flesh converted. A last part proposes a diachronical analysis, on a large temporal scale, from the fourteenth to the sixteenth centuries the principal iconographical signs that distinguishe her : the color red, the hair, the tears, the vase and the perfume, all the while giving particular attention to the regional variations between Tuscany and the Veneto. The final chapter converges the results of the first chapters in the analysis of the Titian Magdalen who appears as an end point in the plastic and conceptual research conducted since 1270

Notre travail de recherche est consacre a l'etude de la litterature feminine a venise, a la fin de la renaissance et au debut de l'epoque baroque. Le corpus selectionne est constitue par les ouvrages de quatre auteurs qui se nomment isabella cortese, moderata fonte, lucrezia marinella et arcangela tarabotti. Nous avons etudie leurs ecrits dans une perspective historique, en tant que temoignages de la condition feminine dans la societe italienne de cette epoque et dans une perspective stylistique, afin d'evaluer l'influence des modeles litteraires et la capacite de ces femmes ecrivains a personnaliser leur ecriture. Nous avons pu constater la presence d'une reflexion sur leur etat de femmes de lettres et sur la condition feminine en general, reflexion qui aboutit, leplus souvent, a un discours de revendication particulierement moderne
Our research is dedicated to the study of the feminine literature in venice at the end of the renaissance and at the beginning of the baroque period. We selected four writers' works whose names are : isabella cortese, moderata fonte, lucrezia marinella and arcangela tarabotti. We studied their writings with an historical porspect in order to witness the feminine condition within the italian ociety of thius time. In a stylistic prospect, our second purpose was to evaluate the influence of the litarary models and these writers' capacity to put their own touch, as women, into their writings. We could realize the existence of a thought about their status as women of letters and about the feminine condition in general. It results in a claiming message which is particularly modern

Quinze femmes artistes seront admises à l’Académie royale de peinture et de sculpture entre 1663 et 1793. Depuis laRenaissance, en Europe et en France, un petit nombre de femmes bénéficie d’une certaine renommée aussi biennationale qu’internationale, dans les arts, la littérature et les sciences, ouvrant ainsi la voie à de nouveaux talents. Cesfemmes sont notamment encouragées par les thèses philosophiques de François Poulain de la Barre (1647-1723) quivont leur permettre d’occuper une place de plus en plus privilégiée au sein d’une société qui se cristallise autour dessalons. Ce sont de petites réunions où savantes et artistes invitent chez elles hommes et femmes pour discuter delittérature, de philosophie, d’art mais aussi de politique. Ces lieux très courus connaissent un grand succès à la fin duXVIIe siècle et tout au long du XVIIIe siècle. La réception des premières femmes à l’Académie se fait dans ce climattout à fait favorable aux femmes tant sur le plan social et culturel, que politique.Mais cette admission n’en reste pas moins précaire. Effectivement après l’entrée de Catherine Perrot, le 31 janvier 1682,il faudra attendre près de quarante ans, soit le 26 octobre 1720, pour que soit à nouveau admise une peintre : RosalbaCarriera. Certes, elles ouvrent les portes de cette institution, mais elles ne restent pas moins exclues de nombreusesactivités et de plusieurs privilèges. Elles n’ont pas le droit d’assister aux cours d’après le modèle vivant – lequel pose nu– leçons pourtant fondamentales dans l’enseignement promu par l’Académie, ni de concourir aux grands prix, pourtantau coeur du système d’émulation, en fait les académiciennes n’auront jamais accès aux postes à responsabilité. Pourtantelles ont contribué à réinventer le paysage artistique français et plus particulièrement le genre du portrait. Prônant lenaturel, elles contribuèrent à renouveler le vestiaire féminin avec des tenues plus légères et vaporeuses. Mal perçues parla critique, ces nouvelles chemises appelées gaules, participèrent à la simplification des portraits officiels. En mêmetemps, la féminisation des portraitistes de cour offre de plus grandes possibilités aux femmes peintres. Poussant leslimites toujours plus loin, elles réussirent par le biais des portraits historiés à investir la peinture d’histoire, genre réservéaux peintres les plus aboutis et qui maîtrisent bien l’anatomie.Leurs contemporains à travers leurs écrits ou leurs oeuvres artistiques proposèrent une image idéalisée, truquée parfoistrompée de ces académiciennes. Femmes de talent, femmes ambitieuses, les académiciennes réussirent malgré tout àimposer une nouvelle vision de la femme peintre
Fifteen women artists will be admitted to the Royal Academy of Painting and Sculpture between 1663 and 1793. Sincethe Renaissance, Europe and France, a small number of women enjoys a certain reputation both nationally andinternationally, in arts, literature and science, thus opening the way for new talent. These women are particularlyencouraged by the philosophical theses of Francois Poulain de la Barre (1647-1723) which will enable them to occupy amore privileged in a society that crystallizes around lounges. They are small and scholarly meetings where artists invitehome men and women to discuss literature, philosophy, art but also politics. These very popular places with greatsuccess in the late seventeenth century and throughout the eighteenth century. The reception of the first women to theAcademy is in this climate quite favorable to women both socially and culturally, and politically.But this admission only remains precarious. Indeed after the entry of Catherine Perrot, January 31, 1682, it will takealmost forty years, October 26, 1720, that is again admitted a painter Rosalba Carriera. Certainly, they open the doors ofthis institution, but they are nonetheless excluded from many activities and many privileges. They do not have the rightto attend classes of the living model - which poses naked - yet fundamental lessons in teaching promoted by theAcademy, nor to compete with great prices, yet in the heart of the system emulation in fact the academicians will neverhave access to positions of responsibility. Yet they have helped to reinvent the French artistic landscape and especiallythe portrait genre. Advocating natural, they helped to renew the female locker room with more light and gauzy outfits.Badly perceived by critics, these new shirts called saplings, took part in the simplification of official portraits. At thesame time, the feminization of court portraitists offer greater opportunities to women painters. Pushing the limits stillfurther, they succeeded through portraits to invest storied history painting, genre reserved for the most accomplishedpainters and good command of anatomy.Their contemporaries through their writings or artistic works proposed an idealized image, faked sometimes deceivedthese academicians. talented women, ambitious women, academicians still managed to impose a new vision of thewoman painter