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Добірка наукової літератури з теми "Femmes – Dans l'art – 19e siècle"
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Статті в журналах з теми "Femmes – Dans l'art – 19e siècle"
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Legros, Valérie. "Représentations des femmes et des hommes dans des manuels d’arithmétique français du XIXe siècle : une approche quantitative." Revista Diálogo Educacional 16, no. 49 (July 14, 2016): 527. http://dx.doi.org/10.7213/dialogo.educ.16.049.ds01.
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Cet article présente la place et les représentations des femmes et des hommes dans des manuels d’arithmétique du 19e siècle en France. Ces manuels sont tous destinés à l’école primaire à um moment où celle-ci est en train de se mettre en place. Les résultats montrent une surreprésentation très importante des hommes par rapport aux femmes. Les unes et les autres sont présentés dans des activités stéréotypées : les femmes plus dans la famille, et les hommes plus au travail.
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Dmitrieva, Ekaterina. "Les prémisses du transfert culturel dans les sciences humaines russes du XXe siècle: la contribution de Vladimir Stasov." Jangada: crítica | literatura | artes 1, no. 17 (August 6, 2021): 270–90. http://dx.doi.org/10.35921/jangada.v1i17.402.
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En Russie, la « poétique historique », qui est étroitement liée au nom d'Alexandre Veselovski (1838-1906), a profondément façonné l'histoire de la littérature comparée. La puissante figure de Veselovski a en même temps remis dans l’ombre les activités de ses prédécesseurs et de savants partageant les mêmes idées, dont le critique d`art Vladimir Stasov. Celui-ci, jouissant d'une autorité incontestable dans des domaines très éloignés de la théorie de l'emprunt, fut également auteur d`un certain nombre d` études, semi-oubliées aujourd'hui, dans lesquelles, tout en défendant l`idée de l'art national, il tente en même temps de prouver la continuité de l'art russe par rapport à l'art asiatique. La question est de savoir comment l'exigence d'identité (samobytnost1) dont Stasov se montre un grand adepte, pouvait être liée dans son esprit à la conviction de la composante orientale de cette identité. Comment l'idée cosmopolite et l'idée nationale peuvent-elles être corrélées ? et quelles sont les composantes étrangères qui sous-tendent l'identité nationale ? Cette dernière question nous amène à nous demander sur les prémisses lointaines de la théorie des transferts culturels qui sont à chercher, par ailleurs, en Russie du 19e siècle.
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Caufriez, Anne. "Guitare portuguaise et fado." Anuario Musical, no. 53 (January 24, 2019): 247. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.1998.i53.282.
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Le fado est une chanson d'amour et de nostalgie {saudade) qui est née dans les bas-quartiers de Lisbonne, à la charnière du 18e et du 19e siècles. A partir du 19e siècle, l'instrument qui accompagne le fado est la guitare portugaise (à cordes frappées et pincées). Sa table d'harmonie présente six choeurs ainsi qu'une ouïe ronde tandis que son manche est muni de 17 à 22 frettes et son cheviller se termine en éventail. Cette guitare est issue du cistre classique dans son évolution tardive du 17e siècle, le cistre appelé guitare anglaise. Le Portugais Galráo et l'Anglais Simpson lui apportent des modifications successives. La guitare portugaise atteint les campagnes pour animer la danse. La Severa, incarne au 19e siècle, le grand mythe national du fado. Fille de bidonvilles, elle travaillait dans une maison clause de la Mauraria (quartier de Lisbonne). Cette chanteuse de talent était aussi liée au milieu de la tauromachie équestre, dont le Comte de Vimioso, épris d'elle, était le symbole. Julia Florista ou la Cesarla sont d'autres femmes fadistes illustres. Le fadiste masculin de cette époque est décrit comme un parasite social, qui vit d'expédients et d'harnac. Plus tard, il pratiquera des petits métiers. A la fin du 19e siècle, le fado est chanté dans les jardins potagers de Lisbonne, situés le long des chemins empruntés par les taureaux qui étaient acheminés vers les arènes. Il devient alors un chant de divertissement pour les banquets et les noces. Des noms de chanteurs et guitaristes se détachent tels Antonio Casaca, Caetano Calcinhas, Joâo Black. L'âge d'or du fado se situerait dans les années 1930-50. A partir des années 30, le fado va peu à peu perdre son caractère instantané et spontané au profit du professionalisme, encouragé par la radio. Il évolue alors vers la scène dont Amalia Rodrigues et Alfredo Marceneiro sont les représentants les plus illustres.
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Bray, Francesca. "Le Travail Féminin dans la Chine Imperiale L'élaboration de nouveaux motifs dans le tissu social." Annales. Histoire, Sciences Sociales 49, no. 4 (August 1994): 783–816. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1994.279296.
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Le modèle classique de division sexuelle du travail en Chine tient dans l'expression : « les hommes labourent et les femmes tissent » (nan geng nu zhi) ; qu'il s'agisse d'assurer le bien-être du peuple ou la puissance de l'Etat, la culture des céréales alimentaires et la production des textiles étaient tenues pour aussi fondamentales l'une que l'autre. Formulées par les penseurs politiques du ve siècle avant notre ère, puis institutionnalisées par le système fiscal, ces conceptions sont restées pendant plus de deux millénaires au coeur de l'art chinois de gouverner. Dans les textes anciens, « tisser » est une synecdoque pour l'ensemble du processus de production : les femmes étaient responsables de la fabrication des tissus de la première à la dernière étape.
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LeBlanc, Phyllis. "Expérience de la migration chez un groupe de femmes célibataires d’origine française de l’Île-du-Prince-Édouard, 1906-1940." Recherches sociographiques 65, no. 2-3 (2024): 333–60. https://doi.org/10.7202/1116248ar.
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Cet article est une contribution à l’histoire des mouvements migratoires des Maritimes de la fin du 19e et du début du 20e siècle. Nous examinons l’expérience de la mobilité chez les femmes célibataires d’origine française de l’Île-du-Prince-Édouard dans la période de 1906 à 1940. En adoptant une approche macro-historique, l’étude met à profit les données des fiches frontalières du poste frontalier de Vanceboro, Maine pour comprendre la portée du phénomène et les comportements de ces femmes célibataires qui font l’expérience de la mobilité régionale, au sein des Maritimes, ou transnationale, aux États-Unis. L’étude confirme la présence des réseaux parentaux constitués en grande partie de femmes, qui accueillent ces immigrantes aux États-Unis. Leur présence explique les phénomènes de regroupement de ces émigrantes dans un nombre très restreint de communautés et de comtés du Maine et du Massachusetts.
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Davidson, Naomi. "Figures de femmes juives et musulmanes dans l’Algérie coloniale à la fin du 19e siècle." 20 & 21. Revue d'histoire N°146, no. 2 (2020): 29. http://dx.doi.org/10.3917/vin.146.0029.
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Arambasin, Nella. "Une fiction de l'art au féminin: Artemisia et sa servante." Nottingham French Studies 51, no. 3 (December 2012): 314–29. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2012.0030.
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Artemisia Gentileschi n'est pas seulement une artiste femme reconnue parmi les plus grands peintres du dix-septième siècle, mais aussi le personnage récurrent d'œuvres littéraires et cinématographique de femmes auteures françaises contemporaines (Agnès Merlet, Alexandra Lapierre, Catherine Weinzaepflen, Michèle Desbordes). Ces fictions de l'art poursuivent un questionnement théorique du « gender » dans l'écriture et le cinéma, infléchissant la manière de mettre en récit une vie de femme artiste d'exception. En faire l'analyse permet de comprendre comment cette figure se joue, déjoue ou tombe dans le piège des stéréotypes identitaires, mais aussi de penser la création au féminin à la croisée d'une recherche transdisciplinaire en littérature, histoire de l'art et théories féministes. Le comparatisme ici engagé permet de dégager certains mythes, mais aussi une valeur anthropologique de la création féminine, dont l'indice dans les textes est la servante qui accompagne l'artiste. Car cette servante témoigne d'une culture du labeur, d'un savoir-faire et d'un mode d'existence domestique, qui met en abyme l'activité artistique féminine et ses propres procédures de création.
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Simoneau-Gilbert, Virginie. "De la protection des chevaux à la défense de tous les animaux : une brève histoire de la cause animale au Québec." Revue Possibles 48, no. 1 (June 1, 2024): 52–60. http://dx.doi.org/10.62212/revuepossibles.v48i1.755.
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Mon texte offre un aperçu historique de la naissance de la cause animale au Québec et met en lumière les transformations majeures qui l’ont marquée. Dans un premier temps, nous pourrons constater que la naissance de la cause animale au 19e siècle est tributaire de nouvelles inquiétudes liées à la manière dont sont traités les chevaux et les animaux de bétail par les membres de la classe ouvrière. Ces préoccupations ne sont pas étrangères aux valeurs bourgeoises portées par les dirigeants montréalais et à l’influence des lois britanniques sur les colonies de l’Amérique du Nord britannique. Dans un deuxième temps, nous verrons que le remplacement des chevaux par l’automobile et que l’implication des femmes au sein du mouvement sont à l’origine d’une redéfinition majeure de la cause animale et de ses priorités à l’aube du 20e siècle. À partir de 1914, la SPCA de Montréal se consacre presqu’entièrement à son refuge pour chiens et chats et ce, jusqu’aux années 1960. Enfin, en guise de conclusion, je retracerai brièvement la trajectoire prise par le mouvement animaliste québécois depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale en insistant sur la diversité de ses buts.
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Macours, G. "Het Testament Van Jan Frans Vonck En Het Romeinse Recht (1792-1814)." Tijdschrift voor Rechtsgeschiedenis / Revue d'Histoire du Droit / The Legal History Review 57, no. 3-4 (1989): 375–95. http://dx.doi.org/10.1163/157181989x00065.
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AbstractLe 1er décembre 1792, l'avocat J.-Fr. Vonck, leader du parti démocrate lors de la révolution brabançonne et un des pères de la démocratie et du libéralisme belges, décède à Lille en exil. Il laisse quelques legs pieux aux pauvres de sa paroisse natale de Baardegem (pays d'Asse dans le comté de Brabant). En dépit de l'affirmation de J. Vercruysse (Lias IV (1977), 261-312), ces legs pécuniaires ne sont pas scrupuleusement respectés mais deviennent l'objet d'une procédure, intentée le 22 juillet 1813 par le bureau local de bienfaisance, l'héritier révolutionnaire de l'ancienne table des pauvres. En s'appuyant sur des textes justiniens: D. 22,1,34, Ulp. lib. 15 ad ed. et C. 1,45,1 et 4 (530), les administrateurs de ce bureau demandent alors la délivrance des capitaux légués, augmentés d'intérêts à compter du décès du testateur, tandis que l'héritière universelle, la soeur du défunt, ne veut payer ces intérêts qu'à partir du jour de la demande en délivrance, en accord avec l'art. 1014 CC, soit une différence d'un laps de 20 ans. En respectant le principe de non-rétroactivité (l'art. 2 CC), le juge décide la question 'd'après les principes du droit écrit, la loi du pays dans le silence des coutumes et des ordonnances'. Ce principe de non-rétroactivité, respecté scrupuleusement par le juge révolutionnaire est un des canaux pour la survivance du droit romain après l'introduction du code. En dépit de l'art. 7 de son titre préliminaire, ce code n'a pas mis fin à la force des lois romaines. Des recherches profondes de la jurisprudence des premières décennies du 19e siècle indiqueront encore beaucoup d'autres beaux exemples de la survivance du droit romain dans des formes modulées par une réception plusieurs fois séculaire.
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Spinney, Erin Elizabeth. "Women’s Labour, British Naval Hospital Ships, and a System of Medical Care, 1775-1815." Northern Mariner / Le marin du nord 32, no. 2 (March 6, 2023): 201–14. http://dx.doi.org/10.25071/2561-5467.958.
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This research note uses new methodologies to investigate the presence of women nurses and other labourers on British hospital ships during the Revolutionary and Napoleonic Wars. Using pay lists, musters, and log book records, it is possible to track the work of women labourers throughout the naval medical system of care. The work of women on these ships challenges our previous assumptions concerning medical care in the late eighteenth and early nineteenth centuries.
Cette note de recherche fait appel à de nouvelles methodologies pour enquêter sur la présence des infirmières et des autres ouvrières sur les navires hospitaliers britanniques pendant les guerres révolutionnaires et napoléoniennes. À l’aide de listes de paye, de listes des membres d’équipage et de registres des journaux de bord, il est possible de suivre le travail des femmes dans tout le système de soins médicaux de la marine. Le travail des femmes sur ces navires nous oblige à revoir nos suppositions antérieures concernant les soins médicaux à la fin du 18e et au début du 19e siècle.
Дисертації з теми "Femmes – Dans l'art – 19e siècle"
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Lavigne, Valérie. "« Féminiflores » : le motif de la femme-fleur dans l'imaginaire décadent." Electronic Thesis or Diss., Université Côte d'Azur, 2024. https://theses.hal.science/tel-05000838.
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Le motif de la femme-fleur, récurrent dans les représentations littéraires et iconographiques de la fin du XIXe siècle, a un sens spécifique dans l'imaginaire décadent. Un large corpus de romans, de nouvelles et de poèmes, organisé notamment autour des œuvres de Jane de La Vaudère et de Félicien Champsaur, ainsi que de tableaux, d'affiches et de lithographies, faisant la part belle aux œuvres d'Edmond Rocher, de Georges de Feure et d'autres artistes Art nouveau, permet de rendre compte de son succès entre 1880 et 1910 et d'analyser ses caractéristiques symboliques. En lien avec un contexte de misogynie avérée d'une part et d'engouement pour l'horticulture d'autre part, la parenté entre femme et fleur témoigne des obsessions d'une époque. La femme-fleur est l'une des modalités de la femme fatale, figure d'une essence féminine séductrice et duplice, à la fois belle et dangereuse. La thèse s'attache non seulement à mettre au jour la fécondité des images florales pour dire la femme fatale, mais aussi à montrer qu'elles ont pour effet d'érotiser et d'esthétiser cette figure du féminin fatal, d'en faire à la fois un objet de désir et un objet d'art. Le travail est organisé en trois parties : l'enracinement du motif de la femme-fleur dans l'esthétique décadente, l'éclosion d'un érotisme floral, et l'épanouissement d'une icône 1900. La première partie vise à identifier et analyser les traits caractéristiques des femmes-fleurs décadentes, envisagées comme des parangons de cette esthétique. La deuxième partie étudie la portée érotique de l'association entre femme et fleur, détaillant comment les dimensions concrètes et symboliques de la fleur permettent de décrire le sexe et la sexualité. La troisième partie traite de la consécration et de la codification du motif de la femme-fleur, devenu emblématique au début du XXe siècle, marquant le triomphe de son caractère ornemental sur son caractère fatal. Ce parcours souligne que le motif de la femme-fleur est crucial dans l'imaginaire décadent, dont il cristallise plusieurs dimensions, et permet de conclure à une objectification et à une minoration symbolique du féminin par les images floralesThe motif of the flower-woman, widespread in literature and the pictorial arts at the end of the nineteenth century, carries specific meaning in the Decadent movement. Through a broad corpus of novels, short stories and poems, centered on Jane de La Vaudère and Félicien Champsaur, as well as paintings, posters and lithographs by various Art nouveau artists like Edmond Rocher and Georges de Feure, this dissertation accounts for the trope's success between 1880 and 1910, and analyzes its symbolic characteristics. In a context marked by blatant misogyny and horticultural enthusiasm, the link between women and flowers encapsulates the obsessions of an era. The flower-woman is one of the many facets of the femme fatale, a figure of the seductive and duplicitous female, both beautiful and dangerous. The thesis not only sheds light on the fecundity of floral images to express the femme fatale, but also shows that they serve to eroticize and aestheticize it, making it both an object of desire and a work of art. The dissertation is organized in three parts: the rooting of the flower-woman motif in Decadent aesthetics, the blossoming of a floral eroticism, and the flourishing of a 1900 icon. The first part identifies and analyzes the characteristic traits of decadent flower-women, considered as paragons of this aesthetic. The second part studies the erotic scope of the association between woman and flower, detailing how the concrete and symbolic aspects of flowers express sex and sexuality. The third part considers the consecration and codification of the motif of the flower-woman, which became emblematic at the beginning of the twentieth century, marking the triumph of its ornamental character over its fatal character. This thesis shows that the flower-woman motif is crucial in the Decadent movement, of which it crystallizes several dimensions, and that the floral images objectify and debase the female gender
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Richard-Jamet, Céline Catherine Jeanne. "Les galeries de "femmes fortes" dans les arts en Europe au XVIe et au XVIIe siécles : une étude iconographique comparative." Bordeaux 3, 2003. http://www.theses.fr/2003BOR30061.
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Héritées du thème des Neuf Preuses, les séries de femmes fortes connaissent un essor important en Italie, puis en France, et se diffusent en Europe au XVIe et au XVIIe siècles. Ces séries ou galeries sont constituées d'héroi͏̈nes, incarnant des vertus précises, qui s'inspirent des qualités féminines, louées par Salomon, dans La femme de caractère, tirée de ses Proverbes. Ces cycles ne s'élaborent qu'après les séries d'hommes illustres, comme pendants, puis acquièrent une autonomie propre. Ils recouvrent diverses fonctions, selon les pays, les époques : en Italie, les premières séries ont une fonction mémoriale, commémorative, puis édifiante, par le biais des cassoni, qui éduquent la jeune épouse ; en France, elles permettent de légitimer l'accession au trône d'une régente et de conforter son pouvoir, procédé réutilisé par les cours hollandaise, florentine et viennoise. L'Espagne privilégie les femmes de la Bible et inonde ses églises de cycles sculptés ou peints sur miroir, destinés à édifier le fidèle ; les séries belges éduquent les moniales, les séries gravées hollandaises encensent la femme au foyer, alors que l'Angleterre semble se démarquer. Reines, femmes de la Bible et amazones apparaissent de manière récurrente dans les séries, au détriment des vestales, des saintes. On jette l'opprobre sur les héroi͏̈nes les plus irréprochables, on justifie les actes des plus barbares ; certaines ne sont pas exemptes d'un certain érotisme, d'une sensualité avérée, faussant ainsi l'image de l'héroi͏̈ne et déformant ses exploitsOriginating from the Nine Worthies theme, from them they sometimes adopt the distribution, the Strong Women series blossom as early as the 15th century in Italy, then spread to France and the rest of Europe in 16th and 17th century. These series or galleries, constituted by heroines embodying precise virtues, are inspired by feminine qualities as praised by Salomon in "La femme de Caractère", extracted from his book "Proverbes". They are created only after the "hommes illustres" series, as counterparts, and later acquire their own autonomy. These cycles cover diverse functions depending on the country, the time period : in Italy, the first series serve the function of memory, they are commemorative, then they become edifying, through the cassoni who educate young wives ; in France, they allow to legitimate a regent accession to the throne and to support her power, process who was copied by the Dutch, the Florentine and Viennese court. Spain focuses on women from the Bible and fills its churches of cycles sculpted or painted on mirrors, destined to edifying the faithful ; the Belgium series educate the monks ; the Dutch engraved cycles praise women at home, whereas England seems to be apart. Queens, women from the Bible and amazons appear recurrently in series, to the detriment of vestals and saints. The most irreproachable heroines are disgracied, the most barbaric acts are justified
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Decoudun-Gallimard, Frédérique. "La vie féminine dans la peinture française au XVIIIe siècle." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100015.
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La these dont le titre s'intitule "la vie feminine dans la peinture francaise du dix-huitieme siecle" developpe trois parties essentielles : la vie publique, la vie privee, et la vie de travail, et s'appuie sur des oeuvres picturales contemporaines pour justifier ses assertions. Elle traite dans sa premiere subdivision des diverses activites mondaines des femmes, s'attarde sur le phenomene des salons, evoque a travers l'exemple de madame de pompadour la place qu'occupent successivement le theatre et les beaux-arts dans l'univers feminin, (peinture - objets en porcelaine), et aborde ensuite le theme des plaisirs, (jeu - chere - amour). Dans sa deuxieme partie, elle se consacre a l'evocation de la vie privee des contemporaines, relate les rapports que celles-ci entretiennent avec leurs enfants au cours des diverses periodes de l'existence, (nourrissage - elevage mariage), et met en lumiere la responsabilite sociale majeure qui incombe a ces dernieres. Elle evoque par ailleurs les activites purement egoistes auxquelles s'adonnent ces femmes, (toilette - moments d'abandon - menues occupations), et insiste sur l'importance de la notion de plaisir intime. Elle traite enfin dans sa troisieme et derniere partie du theme du travail, instaure ici une distinction tres nette entre les taches avilissantes auxquelles s'adonne la majorite de la population feminine, (domestiques - ouvrieres), et les occupations enrichissantes et epanouissantes qu'executent les artistes, les femmes artisans, ou les professeurs. Elle accorde en dernier lieu une place au plus vieux metier du monde : la prostitution. En conclusion, elle constate l'extreme diversite de la vie feminine de l'epoque, et insiste sur la position ambivalente de la femme dans la societeThe dissertation entitled "women's life through the french painting of eighteenth century" develops three essential parts : the pratical life, the private life and the professional life, and leans on contemporaneous pictural works in order to justify its assertions. It treats in its first part of women's diverse society activities, deals with the salon phenomenon, describes through the example of madame de pompadour the place of the theatre and the fine arts in women's universe (painting, pieces of china), and deals then with the theme of pleasures (games, love). In its second part, the private life of these women is related, the relations between the latter with their children during different periods of existence (feeling, raising, marrying) are evocated and the major social which rests of them is brought to the fore. Moreover it evocates the purely selfish activities to which these women give themselves over (wash, moments of oblivion, minor activities), and insists on the importance of the intimate pleasure. Finally, the third and last part is devoted to the theme of labor, where a very clear distinction is made between degrading tasks with which the majority of the female population is concerned (servants, workers) and rewarding and fulfilling occupations that have the artists, the craftswomen or the teachers. It deals lastly with the oldest profession in the world : the prostitution. To conclude, it notices the extreme diversity of women's life at that time, and insists on the very ambivalent position that they hold in the society
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Sofio, Séverine. ""L'art ne s'apprend pas aux dépens des moeurs!" Construction du champ de l'art, genre et professionnalisation des artistes (1789-1848)." Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00924488.
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L'objectif de cette thèse est d'éclairer l'évolution des conditions sociales de la production artistique au cours de la première moitié du XIXe siècle, à partir d'un point de vue particulier : celui de la place qu'y occupent les artistes femmes. En d'autres termes, nous montrons les liens et les influences réciproques qui ont pu exister, à cette époque, entre les mutations du monde de l'art - en l'occurrence, sa transformation progressive en champ autonome et la professionnalisation de l'activité artistique qui s'actualise alors à travers la centralité du Salon dans les structures institutionnelles et dans les carrières des artistes - et les modalités de sa féminisation, qui s'avère alors tout à fait exceptionnelle.
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Peyraube, Emmanuelle. "L'image de la femme dans les scènes d'intérieur dans la peinture orientaliste du XVIIIème siècle : 1704-1789." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010632.
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L'image de la femme dans les scènes de la peinture orientaliste au XVIIIe siècle ( 1704- 1789), tente de comprendre pourquoi et comment le mythe de l'Orient prend corps, et de situer l'émergence du thème du harem. Lieu inaccessible, il sert pourtant de prétexte à une floraison d'images. Notre recherche a eu pour but de constituer un corpus de ces images. Sa composition nous a amenés à aborder un certain nombre de textes qui, eux- mêmes, évoquent des images du harem. Dans un deuxième temps, nous avons voulu saisir à partir de quelles sources ces visions du harem s'étaient élaborées. Enfin, lors de la troisième étape, à travers l'analyse de ces représentations, nous avons tenté de dégager les caractéristiques de l'image de la femme. Le harem implique un rapport de force entre le sultan et ses femmes. Derrière le voile de la turquerie, apparaissent alors des interrogations sur la légitimité du pouvoir, la façon de l'exercer. En se regardant dans le miroir de l'Orient, l'Occident se découvre lui-même.
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Huard, Micheline. "Les femmes-affiches de Jules Chéret." Master's thesis, Université Laval, 1989. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33465.
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Petrick, Vicki-Marie. "Le corps de Marie Madeleine dans la peinture italienne du XIIIe siècle à Titien." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0087.
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Cette thèse se donne pour but de montrer la densité de significations qui informent les choix plastiques et iconographiques de la Madeleine du Palais Pitti de Titien, en l'examinant à la lumière des traditions visuelles de la Madeleine en Italie. Pour ce faire, la thèse remonte jusqu'aux codes visuels mis en place dès le XIIIe siècle. Cette étude fait apparaître les moyens par lesquels le corps de la femme peut être porteur de sens théologique, au delà du péché et de la tentation. Une première partie en établit les fondements. Un chapitre aborde l'anthropologie du corps chrétien ; un autre, la construction du personnage de Marie Madeleine et des thèmes qui lui sont associés ; un troisième étudie ses premières formulations plastiques dans le bassin méditerranéen. Une deuxième partie est consacrée aux cycles qui présentent sa Vita : le retable florentin de 1285, la chapelle de Madeleine dans la basilique d'Assise, et les chapelles de la Madeleine au Bargello et à Santa Croce à Florence. Ces chapitres font apparaître la dynamique par laquelle le spectateur se rapporte à sa figure comme un exemple de chair pécheresse convertie. Une dernière partie propose une analyse diachronique de longue durée, du XIVe au XVIe siècle, des principaux signes iconographiques qui la distingue : la couleur rouge, les cheveux, les larmes, le vase et le parfum, en accordant une attention particulière aux variations régionales, entre Toscane et Vénétie. Le chapitre final fait converger les résultats des chapitres précédents dans l'analyse de la Madeleine de Titien, qui apparaît comme un point d'aboutissement des recherches plastiques et conceptuelles menées depuis 1270The goal of this thesis is to show the density of meanings that inform the plastic and iconographic choices made by Titian for his Pitti Magdalen, examining it in light of the visual traditions of the Magdalen in Italy. To do this, the dissertation goes back to the visual codes established in the 13th century. This study brings forward the means by wich women's bodies may be bearers of theological meaning, beyond that of sin and temptation. A first part establishes the foundations. One chapter approaches the anthropology of the Christian body, another the construction of the "character" of Mary Magdalen and themes associated with her, a third stuides these first plastic formulations in the mediterranean basin. A second part is consecrated to the cycles that present her Vita : the Florentine pala of 1285, the Assisi Magdalen chapel, and the Magdalen chapels of the Bargello and Santa Croce in Florence. The chapters bring forward the dynamic in wich the spectator relates to the figure as an example of sinful flesh converted. A last part proposes a diachronical analysis, on a large temporal scale, from the fourteenth to the sixteenth centuries the principal iconographical signs that distinguishe her : the color red, the hair, the tears, the vase and the perfume, all the while giving particular attention to the regional variations between Tuscany and the Veneto. The final chapter converges the results of the first chapters in the analysis of the Titian Magdalen who appears as an end point in the plastic and conceptual research conducted since 1270
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Moulin, Aurélia. "Le bijou au XIXe siècle dans le périodique de mode : 1820-1870." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040104.
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La plupart des études portant sur le bijou au XIXe siècle privilégient l’aspect stylistique et formel. La question des usages est, quant à elle, le plus souvent éludée et les rares considérations d’ordre social ou sociétal, lorsqu’elles sont abordées, demeurent anecdotiques. Or, le bijou joue un rôle social déterminant, notamment dans l’expression de la fortune mais aussi dans le processus d’identification et d’appartenance à un groupe. À cet égard, les périodiques de mode constituent un support d’étude des plus précieux. Ils nous renseignent sur l’usage très codifié que les femmes appartenant à l’élite faisaient de leurs bijoux, et implicitement sur la place et le rôle qui étaient assignés à ces dernières dans la société du XIXe siècle. Le périodique de mode constitue par ailleurs une source très intéressante pour contextualiser la création du bijou, qui devient dès lors un miroir des événements. Le bijou apparaît comme le reflet d’influences diverses, à la fois du point de vue technique, du choix des matériaux employés, du style adopté, des formes ou encore par la symbolique des décors travaillés. Grâce aux descriptions de bijoux contenues dans les chroniques de mode ainsi qu’aux gravures qui les accompagnent, nous retracerons une histoire des formes en discriminant les grandes tendances récurrentes entre 1820 et 1870 avant d’aborder celles qui caractérisent une période en particulier. Nous exploiterons aussi les mentions publicitaires afin d’examiner les relations qu’entretiennent les différents acteurs participant à la fabrication et au commerce des bijoux avec les phénomènes de modeMost studies regarding 19th-century jewellery favour the study of its stylistic and formal aspects. As for its uses, they are most often eluded and the rare social and societal considerations, when they are tackled, remain anecdotal. Yet, jewellery plays a determining social role, especially in the expression of wealth but also in the process of identification and of belonging to a group. For this, fashion periodicals constitute a most precious support for study. They tell us about the very codified use women from the elite made of their jewellery, and implicitly of the place and role that was assigned to them in 19th century society. The fashion periodical is also a very interesting source to contextualise the jewel creation, which thus becomes a mirror of events. Jewellery appears as a reflection of various influences, all at once from the technical point of view, the choice of materials, the chosen style, the form or the symbolism of the worked designs. Through the descriptions of jewellery contained in fashion chronicles and engravings that accompany them, we shall retrace a history of forms by categorising the great trends recurring between 1820 and 1870 before dealing with those characterising one particular era. We shall also use advertisement notices in order to examine the relationships linking the different actors that participate in the making and marketing of jewellery with the fashion phenomena
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Drisdelle, Julie Lynne. "Female Self-Portraiture and the Construction of the Self." Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/23669/23669.pdf.
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Beaudet, Pascale. "L'effet Judith : stéréotypes de la féminité et regard de la spectatrice sur les tableaux d'Artemisia Gentileschi." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20038.
Повний текст джерелаАнотація:
Artemisia Gentileschi est l'une de ces femmes artistes qui a failli disparaître de l'histoire de l'art. Un changement dans le goût ou une quelconque destruction complète des archives ne sont pas en cause ; c'est le système sexué (sex-gender system) qui sous-tend la discipline de l'histoire de l'art qui a contribué à son effacement. Le canon de l'histoire de l'art, parce qu'il est partie du système sexué, met les femmes artistes systématiquement à l'écart. Le cas de Gentileschi est exemplaire et subsume tous les autres cas dans la mise à l'écart des XIXe et XXe siècles. Il faudra attendre la deuxième moitié du XXe siècle pour que les historiens et surtout les historiennes de l'art féministes redécouvrent le femmes artistes du passé. Deux tableaux représentant Judith et Holopherne, qui ont été déterminants pour la connaissance de ce peintre, sont des oeuvres paradigmatiques notamment parce qu'elles ont provoqué des réactions extrêmes, de l'admiration au rejet. Gentileschi a traité ce thème baroque, la décapitation d'un homme par une femme, de façon paroxystique. Sur ces tableaux repose à la fois une réflexion sur la fortune critique de ce peintre et sur la place de la spectatrice. Et si l'ombre, qui occupe une grand place dans les tableaux de Gentileschi était la métaphore de la féminité? L'analyse de discours, de même que la psychanalyse et la sémiotique de l'image, sont les outils rhétoriques à la base de ce travail, qui appelle des modifications en profondeur du canonArtemisia Gentileschi is one of those women artists who nearly disappeared from art history. It is the sex-gender system subTending the field that is responsible for this near disappearance, not a change in taste or a destruction of the archives. The canon, being part and parcel of the phallocentric system, systematically puts aside women artists. Gentileschi's case is typical and is representative of the fate that befell all other women artists in the 19th and 20th centuries. The world will have to wait until the second half of the 20th for art historians -especially feminist ones- to rediscover women artists. Two works representing Judith and Holofernes, which played a pivotal role in understanding this artist, are paradigmatic because they evoked extreme reactions, ranging from admiration to rejection. Gentileschi handled this baroque theme -the decapitation of a wan by a woman- in a paroxysmal manner. These works are the locii where a reflection on the critical corpus and the place of the female spectator meet. And what if shadow, which plays such a great role in Gentileschi's works, were a metaphor for women? Analyse de discours, psychoanalysis and image semiotics form the theoretical basis of this thesis which calls for a profound modification of the canon
Книги з теми "Femmes – Dans l'art – 19e siècle"
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Djikstra, Bram. Les idoles de la perversité: Figures de la femme fatale dans la culture fin de siècle. Paris: Seuil, 1992.
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2
Maynard, Marie-Noëlle. Portraits de femmes: La femme dans la peinture au XIXème siècle. Place of publication not identified]: publisher not identified, 2000.
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3
Devlin, Harry. Portraits of American architecture: Monuments to a romantic mood, 1830-1900. Boston: D. Godine, 1989.
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4
Devlin, Harry. Portraits of American architecture: A gallery of Victorian homes. New York: Gramercy Books, 1996.
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6
Idols of perversity: Fantasies of feminine evil in fin-de-siècle culture. New York: Oxford University Press, 1986.
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7
Idols of Perversity: Fantasies of Feminine Evil in Fin-de-Siecle Culture (Oxford Paperbacks). Oxford University Press, USA, 1988.
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8
Bodenheimer, Rosemarie. The Politics of Story in Victorian Social Fiction. Cornell University Press, 1991.
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