Добірка наукової літератури з теми "Évaluation des oeuvres chorégraphiques"

Cet article propose une étude de la réception de l’oeuvre d’André Belleau, qui est marquée par l’acquisition progressive d’un statut d’écrivain par celui-ci. Le travail de théorisation de l’essai entrepris par Belleau lui-même modifie de manière évidente la lecture de ses oeuvres et en permet une évaluation esthétique, qui gagnera progressivement en légitimité au fil du temps, sans jamais s’imposer entièrement.

Un survol des développements choréomusicaux de la fin du XXe siècle révèle un nombre étonnant de productions en danse de tous genres et styles sur la musique de Jean-Sébastien Bach. Il ne fait aucun doute que Bach a été l’un des compositeurs les plus populaires chez les chorégraphes du siècle dernier, même si les oeuvres utilisées n’étaient pas forcément vouées à la danse. Ainsi, plusieurs faits peuvent expliquer ce phénomène. D’abord, les formes et les structures dans sa musique sont claires et évidentes, se prêtant admirablement aux chorégraphies. Deuxièmement, sa musique est très expressive, ce qui tient de la rhétorique et de la théorie des passions de son époque. Enfin, le compositeur a souvent été inspiré par les rythmes de la danse, même si sa musique est généralement beaucoup plus complexe que la musique de danse dite « idiomatique ». Nous comparerons deux démarches d’interprétation en danse afin de démontrer l’étendue possible des conceptions chorégraphiques de l’oeuvre de ce doyen de la musique occidentale. L’une est la création de Gerhard Bohner, chorégraphe allemand ayant évolué au sein du Tanztheater de Pina Bausch ; l’autre consiste en des improvisations de Steve Paxton.

Une évaluation a été menée en avril 2010 au musée d’Ixelles, à Bruxelles. Au moyen d’entretiens conduits à la sortie du musée, il s’agissait d’identifier et de comprendre les modes d’appropriation et le comportement des visiteurs envers le dispositif textuel dans deux expositions en cours, à savoir EL CUBISMO. Cubism and its Context from the Fundación Telefónica Art Collection et Henri de Toulouse-Lautrec : La collection complète des affiches. Si l’importance du texte en tant qu’aide à l’interprétation dans les musées est aujourd’hui largement reconnue, l’enquête qualitative a permis de développer une réflexion sur les spécificités de l’écrit quand il est confronté à des oeuvres d’art et sur ses fonctions dans la pratique de contemplation et d’interprétation chez les visiteurs.

L'esthétique, en tant que discipline établie, traite des oeuvres d''art, de leur statut et propriétés, de leur réception et des évaluations dont elles font l'objet. En ce sens, son programme est limité, notamment en ce qu'il laisse de côté les questions de production, poétique ou poïétique, qui ont constitué pendant longtemps une part importante de la réflexion sur l'art. Les questions générales d'ontologie, de réception et d''évaluation ont fait l'objet d'investigations approfondies qui sont tributaires de l'idée d'œuvre d''art et ne semblent pas pouvoir être poussées beaucoup plus loin. Il faut surtout remarquer que les conditions dans lesquelles l'esthétique s'est développée sont désormais caduques. L'hyper-muséalisation en relation avec le développement du tourisme, l'industrialisation de la production artistique aussi bien d'élite que courante, la globalisation et la circulation des produits artistiques, l'esthétisation générale de la vie, obligent à revoir la problématique. Il faut d'abord partir des productions de masse en prenant en compte des expériences comme celles du cinéma, du jeu vidéo, de la musique techno, de la bande dessinée, etc. Il faut ensuite développer l'étude de l'expérience esthétique, souvent considérée comme une évidence sans jamais être décrite dans sa diversité à la fois anthropologique et verbale. C'est là redimensionner l'esthétique. Il faut probablement aussi revenir à certains thèmes de la philosophie de l'art, notamment à la dimension du faire artistique – à la poïétique – et à la question inéliminable de la beauté.

ABSTRACT The “Lo-fi” project applies iterative and prototype-based processes to a collaborative media art practice. The project has entailed several modes of experimentation: electronics, sound, programming, interactivity, iterative design and evaluation. The prototypes and interactive artworks that have been built through the project are treated not only as works for exhibition but also as objects of study, examinable both in terms of empirical research outcomes and in terms of their symbolic import for viewers and interactants. We discuss a methodology for gathering data in a gallery context, based on the inaugural exhibition of the first Lo-fi artwork, Push/Pull (2009).RÉSUMÉ Le Projet « lo-fi » applique des processus itératifs basés sur des prototypes à une pratique collaborative dans les arts médiatiques. Le projet a entraîné plusieurs modes d’expérimentation : son, électronique, programmation, interactivité, ainsi que design et évaluation itératifs. Les oeuvres d’art interactives et les prototypes créés pour ce projet existent non seulement pour être exposés mais aussi pour être étudiés, tant dans le contexte de recherches empiriques que dans celui de leur importance symbolique pour observateurs et participants. Nous présentons en outre une méthode pour recueillir des données dans une galerie d’art en nous fondant sur l’exposition inaugurale de la première oeuvre d’art « lo-fi », Push/Pull (2009).

Certaines œuvres de danse contemporaine (ou pluridisciplinaires) programmées dans les salles de spectacle françaises semblent conçues pour atteindre le spectateur et le faire vaciller en troublant ses repères moraux, sa stabilité émotionnelle voire son confort physique. Ces productions artistiques rencontrent de vives oppositions au sein de la presse qu’elle soit généraliste ou spécialisée en danse. Elles sont aussi la cible d’une dévalorisation moins visible, celle des esthéticiens qui les situent à la marge des esthétiques chorégraphiques légitimes. On leur reproche les violences qu’elles exerceraient sur les interprètes et l’agressivité qu’elles déploieraient à l’encontre du public. Ces condamnations, sous forme de procès d’intention, visent les artistes, les amateurs de ces représentations, mais aussi les danseurs qui la font exister sur scène. Elles se formulent au moyen d’éléments de langage voisins et suivent des logiques argumentatives similaires quels qu’en soient les émetteurs. Le canevas de cette rhétorique dépréciative est tissé de lieux communs qui lui accordent, de fait, une solide immunité contre son examen critique. Aujourd’hui stabilisée, cette typologie des démarches considérées comme fautives continue d’être alimentée par les propos de ceux qui ont la charge de les juger. Dans cette thèse, nous analysons la manière dont, au fil de ces discours d’expertise, se construit un portrait précis de l’œuvre de danse contemporaine délictueuse. Nous interrogeons les répercussions multiples de cette stabilisation du jugement négatif entourant certaines pratiques du regard – désir de montrer, désir de se montrer, et désir de voir les œuvres – et ciblant précisément les pièces chorégraphiques considérée comme violentes
Some contemporary or multidisciplinary dance works programmed in French auditoriums seem to have been made to reach the audience and to make their ethical compass, their emotional stability and their physical comfort shaken. These artistic creations received strong press contradictions in both general and specialised dance magazines. They are the target of a concealed discredit from the aestheticians who place them at the border of rightful aesthetic choreographies. They would exert a hold on performers due to their violence and would deploy aggressiveness against the public. Those lockings under the form of attacks are targeting artists, performance lovers but also dancers who are making the scene exist. They take the form of similar elements of language and follow similar argumentative logic whatever the speakers are. The framework of the depreciative rhetoric is forged by common sites which grants its a strong immunity against its critical examination. Today the situation is stabilised, however these sort of moves considered as erroneous continue to be supplied by speeches of those who has to judge them. In this thesis, we will analyse how a precise description of a criminal contemporary dance work is depicted. We will question the multiple consequences of this stabilized negative judgement around certain practices of the gaze – desire to show, to be seen and desire to see works – targeting choreographic works considered as violent

Une belle peinture est perçue encore plus positivement lorsqu’elle est présentée après une toile jugée laide, et vice-versa. Une telle influence de l’ordre de présentation sur l’appréciation est nommée «contraste hédonique». Ce projet est le premier à vérifier la présence d’un contraste hédonique avec des courts-métrages. Il vise notamment à documenter l’impact des scores d’appréciation provenant de sites web sur les attentes d’une personne et sur l’appréciation d’un film. 160 étudiants de l'Université Laval sont recrutés et répartis aléatoirement dans huit groupes. Les participants des quatre premiers groupes visionnent deux courts-métrages, l’un classé comme positif et l’autre comme négatif par un projet pilote. Après chaque visionnement, ils donnent leur niveau d'appréciation à l'aide d'un score de 1 à 10. Les participants des groupes 1 et 2 ne reçoivent aucune directive et ne voient pas les films dans le même ordre. La particularité des groupes 3 et 4 est l'ajout d'une description affirmant que les courts-métrages sont filmés ou non selon la même technique et produits par le même réalisateur. Les participants des groupes 5 et 6 visionnent uniquement le film positif, lequel est associé à un faux score d’appréciation de 8,5 ou de 4,5 sur 10. Le principe est le même pour les groupes 7 et 8, mais le stimulus utilisé est le film négatif. Les résultats obtenus n’ont pas réussi à démontrer un effet de contraste hédonique avec les courts-métrages. Toutefois, l’ajout d’une simple description s’est avéré suffisant pour créer des attentes positives et augmenter l’appréciation des deux films. D’ailleurs, les résultats dévoilent que la présence d’un faux score d’appréciation positif semble influencer à la hausse les attentes des participants, rehaussant ainsi leur appréciation des films. En conclusion, les descriptions et les critiques positives influenceraient plus l'appréciation de courts-métrages que leur ordre de présentation.
A beautiful painting is perceived even more positively when it is presented after a painting considered ugly, and vice versa. Such an effect is called hedonic contrast. This project is the first to verify the presence of hedonic contrasts with short films. Moreover, this study aims to document the impact of appreciation scores from websites on a person's own appreciation. 160 Université Laval students are recruited and randomly assigned to eight groups. Participants in the first four groups watched two short films, one rated as positive and the other as negative in a pilot project. After each viewing, they rated their level of appreciation using a score of 1 to 10. Participants in Groups 1 and 3 watched the negative film and then the positive film. The order was reversed for Groups 2 and 4. No specific instruction was given to participants of Groups 1 and 2. In contrast, participants of Groups 3 and 4 were given indications relative to the fact that the same film technique was or was not used for each film, and that they were or were not produced by the same director. Participants in groups 5 and 6 only viewed the positive film, which was associated with a false rating score of 8.5 or 4.5 out of 10. The principle was the same for groups 7 and 8, but the negative film was presented. The results failed to demonstrate hedonic contrasts with short films. However, this study shows that a simple description is sufficient to increase the appreciation of both films. In addition, the results suggest that positive ratings significantly influence the appreciation of both films. Thus, for short films, descriptions or positive reviews seem to influence more the appreciation than the order of presentation.

Le propos est de mettre en lumiere au travers des univers de trois femmes peintres proches du surrealisme leonora carrington, leonor fini, dorothea tanning -, et de trois choregraphes et danseuses contemporaines martha graham, doris humphrey, carolyn carlson -, des correlations en terme de processus et de dynamismes createurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets paralleles ou convergents, dans la facon dont l'imaginaire se constitue et se realise. De reperer, dans la mise en oeuvre de principes similaires, les expressions differentes resultant de la specificite de chaque art, pictural ou choregraphique. Ces processus sont rapportes au surrealisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu'esthetique et ethique, pensee dialectique qui refuse de separer le reel de l'imaginaire, la poetique de la politique. Deux perspectives servent a eclairer le champ etudie et a faire surgir des questionnements. Celle de la danse, qui definit une attitude esthetique et critique a partir du champ choregraphique, en termes de mouvements et de processus. Une perspective feministe qui tient compte de la specificite de l'experience creatrice des femmes au sein decadres referentiels et contextuels dont les structures appartiennent a un systeme qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surrealisme offre ici un champ specifique et paradoxal ou ces structures revetent une forme particuliere, les rapports restant fondamentalement inchanges. Il s'agit donc de questionner certains referents, et de voir de quelle facon ils sont mis enjeu, ou de-joues par les femmes artistes.