Статті в журналах з теми "Danse populaire"
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Roussillon, René. "La danse raconte une histoire dans un langage corporel." Enfances & Psy N° 98, no. 4 (December 7, 2023): 27–37. http://dx.doi.org/10.3917/ep.098.0027.
Анотація:
À partir de différents travaux de recherche l’auteur propose l’hypothèse selon laquelle la danse, celle des ballets en particulier, mais aussi celle des formes de danse plus populaire comme la breakdanse , le R&B, etc., « raconte une histoire », raconte l’histoire. Il s’intéresse plus particulièrement aux ballets et danses qui tentent d’exprimer des expériences archaïques éprouvées et vécues sous des formes qui précèdent ou n’ont pas pu avoir accès au langage verbal, qui sont « en deçà des mots » donc. Il s’agit d’expériences qui ont eu un caractère plus ou moins traumatique, la danse ayant alors pour fonction de leur fournir une forme intégrable dans la subjectivité grâce à la prime d’esthétique qu’elle rend possible.
2
Caserta, Michel, Franz Anton Cramer, Lætitia Doat, and Marie Glon. "Autour d'un mouvement de danse populaire." Repères, cahier de danse 21, no. 1 (2008): 29. http://dx.doi.org/10.3917/reper.021.0029.
3
Defrance, Yves, and Jean-Michel Guilcher. "La tradition populaire de danse en Basse-Bretagne." Cahiers de musiques traditionnelles 9 (1996): 325. http://dx.doi.org/10.2307/40240611.
4
Pichette, Jean-Pierre. "« Danser sur ses bas ». Rémanence d’une sanction populaire dans le rituel du mariage franco-ontarien." Cahiers Charlevoix 5 (April 10, 2017): 229–311. http://dx.doi.org/10.7202/1039354ar.
Анотація:
Jean-Pierre Pichette s’intéresse à un rituel du mariage très vivant et coloré en Ontario français, la « danse sur les bas », connu dans le Sud-Ouest dans une variante, la « danse dans l’auge ». Pour cerner les principales manifestations et saisir l’évolution d’une pratique rarement rapportée au Canada français et qui n’avait jamais été étudiée en Ontario avant cette étude, il a ordonné une enquête et fait appel à de nombreux collègues et à des collaborateurs étudiants. La comparaison des centaines de témoignages réunis, franco-ontariens et canadiens-français, lui permet de décrire les formes particulières et régionales du rituel ‒ la danse dans l’auge, dans une cuve et sur ses bas ‒, de suivre leur évolution et d’apprécier leur degré de vitalité dans les milieux minoritaires. L’examen des conditions historiques qui ont soutenu cette coutume ‒ connue au temps des Papineau ‒, et du climat culturel favorisant sa durée et son expansion met en évidence la nécessité en ethnologie d’un terrain permanent, qui, en plus d’enrichir la connaissance, participe à l’abolition des préjugés.
5
Guay, Hervé. "Détours dans Téléroman de Larry Tremblay." Dossier 39, no. 1 (February 24, 2014): 59–72. http://dx.doi.org/10.7202/1022993ar.
Анотація:
Cet article montre que Téléroman de Larry Tremblay emprunte la forme dramatique du « jeu de rêves » théorisée par Jean-Pierre Sarrazac pour brosser à la fois une satire des aficionados de fictions télévisuelles et de danse contemporaine. Sa pièce dépeint des danseurs amateurs en train de répéter une chorégraphie expérimentale, tandis qu’ils se passionnent pour le populaire feuilleton télévisé Piscine municipale. Plutôt que de privilégier la parodie, l’auteur use des détours que sont les fantasmes, l’enfance et les rêves, afin de faire retour sur la culture médiatique dans laquelle baignent ses personnages, culture qui ne manque pas d’influencer leurs comportements. Non seulement il critique les modèles stéréotypés proposés par les séries télévisées, mais il s’en prend à leur caractère prévisible et à leur culte d’un monde axé sur les apparences. L’univers de la danse contemporaine et ses faux génies ne sont pas épargnés non plus dans ce qui se révèle une critique double : des spectacles contemporains comme des comportements irrationnels des téléspectateurs.
6
Laurent, Donatien. "Le rôle des marges linguistiques dans la transmission des chansons de tradition orale – Quelques remarques sur les versions du « Roi Renaud » en Bretagne." Port Acadie, no. 13-14-15 (October 27, 2009): 447–55. http://dx.doi.org/10.7202/038447ar.
Анотація:
Résumé En matière de culture populaire, l’innovation et le renouvellement viennent en général des milieux dits « lettrés ». Empruntés et assimilés par des milieux analphabètes, de culture orale, les textes écrits reçoivent une seconde vie, que ces milieux populaires leur offrent en en faisant leur bien. On se trouve donc en face de deux « objets » : un antécédent figé, daté, accompagné de ses éventuelles copies, qui va vivre, le temps que la mode lui conserve une actualité ou lui concède un intérêt, et une adaptation vivante et mouvante, portée par une culture orale qui va continuer à se nourrir de l’oeuvre et à la transmettre tant qu’elle conservera sens et valeur. Si l’oeuvre première passe, aux marges, dans un univers linguistique différent, elle va prendre un relief particulier, acquérir une autonomie qui donnera du prix à sa descendance « sauvage ». Notons que ce type de processus est observable aussi bien en matière de prose narrative que de poésie, de musique que de théâtre ou même de danse, et concerne finalement toutes les formes d’art.
7
Primavesi, Patrick, Theresa Jacobs, and Michael Wehren. "La danse en République Démocratique Allemande. Politique du corps, art populaire et éducation étatique." Allemagne d'aujourd'hui 220, no. 2 (2017): 154. http://dx.doi.org/10.3917/all.220.0154.
8
Lavoie, Gervais. "Identité ethnique et folklorisation : le cas des Mongols de Chine." Anthropologie et Sociétés 10, no. 2 (September 10, 2003): 57–74. http://dx.doi.org/10.7202/006349ar.
Анотація:
Résumé Identité ethnique et folklorisation : le cas des Mongols de Chine Depuis 1949, le gouvernement chinois s'est donné une série d'institutions, tel l'Ensemble de danse et de chant de Mongolie intérieure, dont la fonction est de supporter une structure politico-économique définie comme socialiste. En comparant les définitions classiques d'ethnicité et d'identité ethnique à celle de minorités nationales utilisée par les sociologues chinois, cet article tente d'établir des corollaires permettant de poser l'origine du " folklore " chez les groupes minoritaires en tant que dévaluation de leurs propres valeurs traditionnelles. Se basant sur l'expérience mongole en République populaire de Chine, il propose aussi une nouvelle définition de l'assimilation et de l'intégration et suggère que l'assimilation des valeurs socio-politiques est un préalable indispensable à l'intégration d'une minorité ethnique.
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Iovita, Cristina. "Le rat est mort ! Ou le jeu de la tradition dans l’Hamlet de William Shakespeare (Notes de mise en scène)." L’Annuaire théâtral, no. 52 (October 20, 2014): 25–35. http://dx.doi.org/10.7202/1027009ar.
Анотація:
L’article décrit le processus de création du spectacle Hamlet de William Shakespeare adapté et mis en scène par Cristina Iovita au Théâtre de l’Utopie (Montréal, mars-avril 2010). La première partie examine les rapports entre le personnage de Polonius et celui de Pantalon, personnage typique de la commedia dell’arte qui donne la « clé » de l’adaptation scénique. La deuxième partie présente la reconstruction du texte de Shakespeare sur les structures de base de la commedia dell’arte, structures identifiées et inspirées par la « scène des acteurs » (Acte II, Scène 2) du texte original. La troisième partie suit les innovations de style amenées par l’insertion dans la trame scénique du tango argentin, une danse narrative de type populaire exprimant les rites de la passion. La conclusion porte sur le potentiel d’actualisation du répertoire classique par la récupération des moyens scéniques traditionnels.
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Haine, Malou. "Le magazine américain Vanity Fair (1913-1936) : vitrine de la modernité musicale à Paris et à New York." Les musiques franco-européennes en Amérique du Nord (1900-1950) : études des transferts culturels 16, no. 1-2 (April 25, 2017): 23–37. http://dx.doi.org/10.7202/1039610ar.
Анотація:
De sa création en 1913 à sa fusion avec Vogue en 1936, le magazine américain Vanity Fair a pour vocation de parler de l’art contemporain européen et américain par de courts articles de vulgarisation, des photographies et des caricatures. Plusieurs domaines artistiques sont couverts : musique, danse, opéra, littérature, peinture, sculpture, arts graphiques, cinéma, photographie et mode. La France constitue tout à la fois le rêve, l’attraction et le modèle des Américains : elle reste omniprésente jusqu’au milieu des années 1920, puis cède la place aux artistes américains. Vanity Fair reflète plus particulièrement la vie culturelle à New York et à Paris, même si ses ambitions sont plus largement ouvertes sur l’Europe et les États-Unis. Dans la rubrique intitulée « Hall of Fame », il n’est pas rare de trouver un Français parmi les cinq ou six personnalités du mois. La France est présente davantage pour ses arts plastiques et sa littérature. Le domaine musical, plus réduit, illustre cependant plusieurs facettes : les Ballets russes de Diaghilev, les ballets de Serge Lifar, les ballets de Monte-Carlo, les nouvelles danses populaires (tango, matchiche), l’introduction du jazz, la chanson populaire, les lieux de divertissements. Quant à la musique savante, le Groupe des Six, Erik Satie et Jean Cocteau occupent une place de choix au début des années 1920, avec plusieurs de leurs articles publiés en français. Dans les pages de Vanity Fair, des critiques musicaux américains comme Virgil Thomson et Carl Van Vechten incitent les compositeurs à se débarrasser de l’influence européenne. John Alden Carpenter ouvre la voie avec The Birthday of the Infanta (1917) et Krazy Kat (1922), mais c’est Rhapsody in Blue de Gershwin (1924) qui donne le coup d’envoi à une musique américaine qui ne copie plus la musique européenne. À partir de là, la firme de piano Steinway livre une publicité différente dans chaque numéro qui illustre, par un peintre américain, une oeuvre musicale américaine.
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Fierens, F., A. Modave, and G. Remion. "Les pivots culturels et les soirées du Quart-monde." Éducation populaire, culture et pouvoir, no. 2 (January 29, 2016): 37–39. http://dx.doi.org/10.7202/1034848ar.
Анотація:
Le Mouvement international « Aide à toute détresse » (ATD) travaille avec les sous-prolétaires et tente de les mobiliser contre l’exclusion qu’ils subissent. Deux types d’action, en particulier, s’inscrivent dans un processus d’éducation populaire du Quart-monde : les « pivots culturels » et les « soirées du Quart-monde ». Dans le premier cas, il s’agit de rassembler des familles d’un même quartier à partir d’une action éducative avec leurs enfants. Ce lieu de rencontre est « culturel » dans le sens où s’y déroulent diverses activités de lecture, d’artisanat, de musique, de danse, etc. Les enfants, et à travers eux les familles, y font un double apprentissage de socialisation et de connaissances. Dans le second cas, des sous-prolétaires se rassemblent pour lutter contre l’enfermement qu’ils subissent en faisant l’apprentissage de la prise de parole, de l’expression collective de leur dynamisme et de leur compétence. Ces interventions sont enregistrées et constituent un vaste recueil de paroles d’un peuple condamné au silence et qui, ainsi, sort peu à peu de son isolement.
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Semlali, Mohamed. "Misères et splendeurs de la "chikha". L’art comme consécration dans "Rue du pardon" de Mahi Binebine." e-Scripta Romanica 11 (November 8, 2023): 23–38. http://dx.doi.org/10.18778/2392-0718.11.03.
Анотація:
Dans Rue du pardon, Mahi Binebine nous donne à lire un conte merveilleux où l’enfant affronte la laideur de son milieu impitoyable et la monstruosité de ses parents défaillants et coupables d’une double transgression. Ces épreuves transforment le conte en roman et l’enfant exposé (abandonné à son sort) en être émancipé. Après l’expérience du rejet et l’épreuve traumatisante du viol, l’héroïne, sauvée et guidée par la diva Serghinia, trouve dans les arts de la scène (la danse et le chant) un refuge salvateur et, surtout, une voix qui lui permet de dire et d’exorciser l’abjection. Le corps féminin maltraité est resculpté pour devenir une œuvre d’art vivante. Comme dans d’autres romans, notamment L’Ombre du poète, Terre d’ombre brûlée et Le Seigneur vous le rendra, Mahi Binebine, dans Rue du pardon, met l’artiste au centre de la représentation. Cet article essaie de montrer comment le romancier, réhabilitant la chikha, une figure artistique féminine du patrimoine populaire marocain, promeut un féminisme discret où l’art devient un moyen d’accès à la liberté et une dénonciation de l’hypocrisie sociale.
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Kendall, Laurel. "Mais n'est-ce pas " sexuel "? Le lapsus derrière le regard ethnographique." Anthropologie et Sociétés 22, no. 2 (September 10, 2003): 145–67. http://dx.doi.org/10.7202/015541ar.
Анотація:
Résumé RÉSUMÉ N'est-ce pas " sexuel " ? Le lapsus derrière le regard ethnographique Dans cet article, j'applique à l'étude des rituels des chamanes coréennes certaines des préoccupations et des mises en garde exprimées dans de récents écrits sur le sexe et le genre. Mon but est d'illustrer un problème spécifique de l'interprétation ethnographique et de lancer un appel à la précision, de crainte qu'un étiquetage hâtif des rituels, ou des éléments de leur exécution, comme « sexuels » ou « erotiques » n'exclue des interprétations plus complexes et plus respectueuses de leur contexte. Je commence par une description de quelques-unes des façons dont mes propres écrits sur les chamanes coréennes ont été interprétés à mauvais escient. Je m'intéresse plus directement aux lectures que l'auditoire occidental fait subir au texte ethnographique sur le genre, mais j'examinerai aussi les représentations de la sexualité des chamanes dans la culture populaire coréenne et les discours des chamanes sur la sexualité des hommes dans le texte d'un rituel improvisé. Cette entreprise se distingue de celle qui consiste à attribuer à l'ensemble des activités des chamanes un caractère foncièrement « sexuel ». Mots clés : Kendall. chamanisme. danse, sexualité, méthode. Corée
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Lacombe, Hervé. "Francis Poulenc et la danse." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (September 21, 2012): 61–68. http://dx.doi.org/10.7202/1012351ar.
Анотація:
La danse constitue un axe important de la production de Poulenc et un modèle essentiel de son style, axe qu’il convient d’examiner globalement. Les références explicites (dans les titres) ou implicites aux danses irriguent toute son oeuvre, en dehors même des ballets, et contribuent à créer un imaginaire de la danse, lié à ses lectures et à ses souvenirs. Les danses populaires urbaines et les danses anciennes s’inscrivent logiquement dans l’esthétique néoclassique et permettent la constitution d’un « folklore personnel ». Le cas exemplaire des Biches, partition composée pour les Ballets russes de Diaghilev, permet à Poulenc de déployer sa propre poétique fondée sur une relation étroite nouant musique, danse et programme intime.
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Sanchis Francés, Raül, and José Maria Esteve-Faubel. "Historiografia del “Ball de Torrent”: De la moixiganga barroca al quadre de balls populars valencians (1692-1929)." SCRIPTA. Revista Internacional de Literatura i Cultura Medieval i Moderna 1, no. 1 (June 17, 2013): 240. http://dx.doi.org/10.7203/scripta.1.2586.
Анотація:
Resum: El Ball de Torrent és una moixiganga dramàtica popular escenificada a la ciutat de València i altres indrets del País Valencià des de finals del segle XVII fins a principis del segle XX. Estava organitzada per agrupacions gremials, juntes d’hospitals o clavaris de festes i protagonitzada per personatges agrupats en comparses que representaven una paròdia sobre les relacions entre les estructures de poder i les classes populars. Tot i la variabilitat segons el moment històric, es conforma com una mescla de quadres amb danses, música i jocs teatrals. El ball interacciona de diverses formes amb algunes festes valencianes i és, probablement, una de les mostres de teatre de carrer més nostrades i menys estudiades de la València Moderna. En aquest article es realitza una revisió bibliogràfica crítica i una primera anàlisi historiogràfica.Paraules clau: Ball de Torrent, Dansa i música tradicional, Teatre, Moixiganga, Festa valencianaAbstract: Ball de Torrent (Dance of Torrent) is a popular dramatic masquerade staged in Valencia since the late seventeenth century to the early twentieth. It was organized by guilds, hospital managements or festival organizers. The actors were grouped in associations representing a parody on the relationships between power structures and popular classes. Despite the variability depending on the historical period, it consisted of a mixture of episodes or scenes with dance, music and theatre games. Any Festivals in Valencia are connected with the Ball de Torrent. It’s probably one of the most interesting samples of street theatre and studied under of the Modern Valencia. This paper analyses historical sources to review and critique bibliography.Keywords: Dance of Torrent, Traditional Dance and Music, Theatre, Masquerade, Feasts of Valencia
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Papavassiliou, Anthony. "Les nouveaux enjeux de la granulation sonore : l’esthétique populaire de l’Intelligent Dance Music (IDM)." Articles 30, no. 2 (November 18, 2011): 101–16. http://dx.doi.org/10.7202/1006380ar.
Анотація:
L’Intelligent Dance Music, abrégé IDM, est un courant né dans les années 1990 en Angleterre. Sa particularité a été de proposer une musique aux spécificités structurelles populaires (rythmes majoritairement binaires, nombreuses répétitions, formes classiques, etc.) mêlée à une certaine complexité du contenu rythmique et timbral. Reprenant les techniques de micromanipulations sonores explorées dans les milieux académiques des années 1970 et 1980, les artistes d’IDM les ont développées par la création d’outils dédiés qu’ils ont ensuite diffusés à un large public appartenant à une nouvelle génération d’auditeurs « actifs ». Ce partage, favorisé par le contexte particulier de développement des technologies numériques qui débuta dans les années 1990, a donné lieu à une utilisation massive des micromanipulations dans les musiques populaires. L’esthétique issue des micromanipulations se manifeste à l’audition par l’effet de granulation du son qui provient de l’utilisation de diverses techniques de construction et décomposition tels que la granulation sonore, la synthèse granulaire, le découpage, répétition et mélange automatisés, ainsi que l’étirement ou encore le « gel » du son. Le présent article résume l’évolution de l’usage des micromanipulations sonores en tenant compte du contexte qui a favorisé son développement et présente l’IDM comme le courant qui a assuré le transfert d’un concept de création vers une esthétique populaire.
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Florenza Satorres, Patrícia. "Coneix la festa: danses populars tradicionals catalanes." Comunicació educativa, no. 33 (July 20, 2021): 65. http://dx.doi.org/10.17345/comeduc202065-81.
Анотація:
Durant el curs escolar, la festivitat de Sant Jordi és el moment adient per manifestar el gust per la lectura i, amb un caire lúdic i festiu, exaltar les manifestacions pròpies de Catalunya com a tret d'identitat d'un poble i arrelament a aquest poble.L'experiència uneix les nocions espaitemporals, el ritme, la dansa i el folklore. Es tracta d'una unitat de programació de danses populars tradicionals catalanes perquè l'alumnat aprengui ballant.
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Gosselin, Anne-sophie. "Des écoles de danse pour les jeunes des quartiers populaires." Diversité 160, no. 1 (2010): 116–23. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2010.3261.
Анотація:
Une approche comparative de deux écoles de danse en France et au Brésil qui met en scène l’articulation entre la danse et le travail social. Il s’agit d’étudier les mécanismes de prise en charge d’une problématique sociale – celle des jeunes issus des quartiers populaires, banlieues françaises ou favelas brésiliennes – par des institutions éducatives où est enseignée la danse. L’enjeu consiste à comprendre, dans une démarche socio-anthropologique, comment «l’apprendre par corps» peut participer d’un projet de socialisation de populations dites défavorisées.
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Viviani, Christian. "Pantomime, danse et stylisation (Cary Grant, James Cagney, Fred Astaire)." Cinémas 25, no. 1 (May 5, 2015): 59–83. http://dx.doi.org/10.7202/1030230ar.
Анотація:
Music-hall et pantomime placent les acteurs qui en sont issus au carrefour de plusieurs formes artistiques et entraînent chez eux une stylisation antinaturaliste du jeu corporel. Trois cas, relevant du cinéma classique hollywoodien, sont analysés dans cet article : Cary Grant, James Cagney et Fred Astaire. De ces trois acteurs formés à l’école de la pantomime et de la danse populaires, un seul, Astaire, a privilégié le genre musical ; les incursions dans le film non dansé sont pour lui exceptionnelles, comme celles de Cagney, grande figure du cinéma criminel, dans le film musical. Quant à Grant, qui a su imposer un jeu non naturaliste, la formation chorégraphique et pantomimique est peut-être pour lui un moyen de mieux entrer dans le mystère de l’équilibre entre réalité et fiction des corps cinématographiques qu’il incarne. Les traces d’une formation chorégraphique ou pantomimique favorisent le passage du banal à l’exceptionnel sans entamer la crédibilité. Le filigrane féminin vient ainsi enrichir la virilité affichée. L’acteur de cinéma doit-il être un peu mime et danseur pour pouvoir proposer un corps proprement cinématographique ?
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Abdoulaye Niang, Cheikh E. "[ Sans Titre - No Title ]Pichette Jean-Pierre, 2019, La danse de l’aîné célibataire ou la résistance des marges. Étude d’une sanction populaire dans le rituel du mariage franco‑ontarien. Québec, Les Presses de l’Université Laval, coll. « Les Archives de folklore », 33, 276 p." Anthropologie et Sociétés 46, no. 3 (2022): 267. http://dx.doi.org/10.7202/1098691ar.
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Bérard, Stéphanie. "Les dramaturgies antillaises contemporaines du « Chaos-Monde »." L’Annuaire théâtral, no. 43-44 (May 25, 2010): 45–57. http://dx.doi.org/10.7202/041705ar.
Анотація:
La création théâtrale caribéenne contemporaine s’oriente vers des voies esthétiques plurielles favorisant le mélange des genres, des langues et l’hybridation des formes artistiques (en intégrant en son sein des composantes culturelles populaires telles que tradition orale des contes, proverbes et chansons, musiques et danses, rituels profanes et religieux). Des oeuvres innovantes, parfois déroutantes, viennent perturber les habitudes des spectateurs contraints de donner un sens à des pièces en apparence hétérogènes, désordonnées, voire chaotiques. C’est ce « désordre théâtral » que nous examinons dans cet article, et plus précisément les manifestations et les effets qu’un apparent chaos peut opérer sur l’écriture dramatique et sur la scène. Avec le temps… Con el tiempo… et Andidan Lawonn-la, du metteur en scène et comédien guadeloupéen Gilbert Laumord, sont deux pièces fondées sur l’exploitation dramaturgique de la culture populaire créole. Une fulgurante énergie créatrice se déploie sur la scène où s’opère la rencontre des langues, des genres et des arts, tandis que la parole poétique et contée se conjugue à l’expression corporelle. Ce théâtre hybride, à l’architecture fragmentée, voire disloquée, défie les lois de la rationalité et de la logique en célébrant la naissance d’un ordre nouveau, celui, obscur et opaque, imprévisible et fluctuant, du « Tout-Monde ».
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Schroedter, Stephanie. "De nouvelles danses pour le vieux Monsieur B. Musique de J.-S. Bach avec chorégraphies et improvisations de la fin du XXe siècle." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (September 21, 2012): 105–16. http://dx.doi.org/10.7202/1012356ar.
Анотація:
Un survol des développements choréomusicaux de la fin du XXe siècle révèle un nombre étonnant de productions en danse de tous genres et styles sur la musique de Jean-Sébastien Bach. Il ne fait aucun doute que Bach a été l’un des compositeurs les plus populaires chez les chorégraphes du siècle dernier, même si les oeuvres utilisées n’étaient pas forcément vouées à la danse. Ainsi, plusieurs faits peuvent expliquer ce phénomène. D’abord, les formes et les structures dans sa musique sont claires et évidentes, se prêtant admirablement aux chorégraphies. Deuxièmement, sa musique est très expressive, ce qui tient de la rhétorique et de la théorie des passions de son époque. Enfin, le compositeur a souvent été inspiré par les rythmes de la danse, même si sa musique est généralement beaucoup plus complexe que la musique de danse dite « idiomatique ». Nous comparerons deux démarches d’interprétation en danse afin de démontrer l’étendue possible des conceptions chorégraphiques de l’oeuvre de ce doyen de la musique occidentale. L’une est la création de Gerhard Bohner, chorégraphe allemand ayant évolué au sein du Tanztheater de Pina Bausch ; l’autre consiste en des improvisations de Steve Paxton.
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Djakouane, Aurélien, and Louis Jesu. "Générations hip-hop." L'Année sociologique Vol. 74, no. 1 (March 5, 2024): 57–84. http://dx.doi.org/10.3917/anso.241.0057.
Анотація:
Si comme le rappelle Eliot Freidson (1986), les professions artistiques posent un défi à l’analyse sociologique, c’est encore plus vrai des milieux peu institutionnalisés, issus des cultures populaires, comme la danse hip-hop. L’observation de l’évolution des identités professionnelles des danseurs de hip-hop offre donc une perspective intéressante pour comprendre les mutations à l’œuvre dans cet univers artistique : démultiplication de l’activité, voisinage du public et du privé, évolution des formes de transmission et de collaboration artistiques, métamorphoses des lieux de pratique ordinaire et effacement des liens avec les quartiers populaires (Jésu, 2016). Le propos de cet article est d’analyser les déterminants qui pèsent sur la manière dont on se revendique danseur de hip-hop au fil des générations et d’éclairer les différentes dimensions qui participent à construire cette identité artistique. Ce faisant, il s’agira, par cet exemple, d’illustrer les processus d’institutionnalisation des arts populaires et les enjeux pour la survie des artistes qui en sont issus, tout comme l’émergence d’un nouveau rapport au travail.
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Venegas Ferrin, Nela. "« Asi se baila en mi tierra1 ». Les Warmishinas2 dans les danses populaires andines : le cas du groupe de danse Ñuca Trans." Horizons/Théâtre, no. 10-11 (July 1, 2017): 78–95. http://dx.doi.org/10.4000/ht.501.
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Breyley, Gay. "Hope, Fear and Dance Dance Dance: Popular Music in 1960s Iran." Musicology Australia 32, no. 2 (December 2010): 203–26. http://dx.doi.org/10.1080/08145857.2010.518354.
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Crease, Robert P. "The Pleasure of Popular Dance." Journal of the Philosophy of Sport 29, no. 2 (October 2002): 106–20. http://dx.doi.org/10.1080/00948705.2002.9714628.
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Boyd, Jade. "Dance, culture, and popular film." Feminist Media Studies 4, no. 1 (March 2004): 67–83. http://dx.doi.org/10.1080/14680770410001674653.
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Felföldi, László, and István Pávai. "État de la recherche sur la musique et la danse populaires." Ethnologie française 36, no. 2 (2006): 261. http://dx.doi.org/10.3917/ethn.062.0261.
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Nugraheni, Trianti, Tati Narawati, and Agus Budiman. "Jaipong Dance: Representation of Local Culture, Popular Culture and Global Culture." International Journal of Social Sciences and Humanities Invention 8, no. 12 (December 28, 2021): 6716–25. http://dx.doi.org/10.18535/ijsshi/v8i12.02.
Анотація:
The dynamics of the development of Jaipongan dance in West Java have undergone several metamorphosis processes and the evolution of presentation forms as a manifestation of wise reflection on the openness of external cultural influences on the development of jaipongan dance to date. The jaipongan dance is an important part of the process of cultural inheritance in West Java, which has worldwide existence. The findings show that the form of presenting the jaipongan dance has now undergone many changes from its form and function in society. This change is a manifestation of the wise attitude of the jaipongan dance creators in seeing the potential for socio-cultural change that must be positively addressed in the jaipongan dance works they create. The color of the jaipongan dance presentation has changed, but local values are still strong.
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Schott-Billmann, France. "Les droits de l'homme dans les danses populaires." Insistance 4, no. 1 (2010): 53. http://dx.doi.org/10.3917/insi.004.0053.
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Zhou, Jie. "Manifestation of Lingnan Folk Dance Culture within Dance Compositions." Highlights in Art and Design 4, no. 2 (October 1, 2023): 117–19. http://dx.doi.org/10.54097/hiaad.v4i2.13421.
Анотація:
Lingnan folk dance, the traditional dance art form of the Lingnan of China, encapsulates the humanistic sentiment of the area. Various types of Lingnan folk dances reflect the simple and hardworking life attitude of the laboring populace in the Lingnan. The Lingnan of China is characterized by its rich folk cultural diversity, resulting in unique Lingnan dance styles under the influence of different folk cultures. The varied and dynamic variations of the typical Lingnan folk dance styles can be categorized into examples like Lingnan opera folk dance and lifestyle folk dance. Impacted by the multi-ethnic culture and social consciousness of the Lingnan, folk dances primarily express ethnic sentiment within dance compositions. The use of dance as a medium accomplishes the transmission of folk dance art, exemplifying folk culture in the process of this conveyance. As a means of cultural inheritance in the Guangdong and Guangxi, the elements of daily life should be emphasized within dance compositions of Lingnan folk dance, along with the aesthetic representation of dance. This thesis will summarize the content and artistic connotations of Lingnan folk dance and will further delve into the manifestation forms of folk dance culture.
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Milovanović, Dara. "Popular Dance as Archive: Re-imagining Keeps the Fosse Aesthetic Preserved." Dance Research 38, no. 2 (November 2020): 255–70. http://dx.doi.org/10.3366/drs.2020.0312.
Анотація:
Bob Fosse's instantly recognisable iconographic style and visual aesthetic has often been quoted in music videos, TV shows, and films featuring dance, such as videos by Paula Abdul, Michael Jackson, and Beyoncé. Using Fosse's screendance as a focal point for analysis, this essay seeks to illustrate the dynamics with which subsequent cultural capital of examples of screendance creates a multivocal archive that blends choreographic and screen histories. The idea that popular dance on screen creates an alternative form of archival records challenges the traditional notion of archive as a collection of artefacts by concentrating on works by various artists that quote, borrow and recycle previously available works of popular dance on screen. Quoting and referencing previous dance works, although problematic in terms of copyright and authorship, creates an active process for historical archiving that brings choreographic style and aesthetic to contemporary audiences adjusted to the current socio-political needs of the audience and technological possibilities. Artists reclaim and reformulate the existing repertory to their own political and economic needs therefore creating a regenerative ideology of the way popular dance re-interprets the dances for the given time, space, and context. The examples of dance videos discussed in this essay act as an interpretation of numerous references found in popular culture and therefore challenge the rigid tropes of dance creators as sole producers of dance material and the meanings communicated. Directing attention on to the dance and the corporealities of dancers further questions ideas of authorship as it recognises the bodily history as a fundamental part of web of meanings presented in dance.
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Han, Aejin. "Aspects of Exploring Applications of K-Pop Popular Dance in Primary Dance Education." Korean Society of Culture and Convergence 45, no. 10 (October 31, 2023): 1147–63. http://dx.doi.org/10.33645/cnc.2023.10.45.10.1147.
Анотація:
This study explores the potential applications of K-pop popular dance in the ‘subject expression’ component of primary dance education, specifically targeting sixth-grade students. The research proposes an approach to primary dance education that incorporates key elements derived from K-pop idols, including point choreography, group dancing and dance challenge. To explore the integration of K-pop popular dance into primary school dance education, the study employs a two-fold method. First, it conducts a textual analysis of Unit Four from eight primary school physical education textbooks specifically designed for sixth-grade students, with a particular focus on the ‘Subject Expression’ section. Second, it examines K-pop idol music videos from a semiotic perspective. Through these investigations, the study seeks to elucidate the rationale behind incorporating K-pop popular dance into primary school dance education, the methodology for applying K-pop popular dance to cultivate the desired human qualities for future societal needs, and the educational benefits that primary school students can derive from engaging with K-pop popular dance.
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Anami, Basavaraj S., and Venkatesh Arjunasa Bhandage. "A Comparative Study of Certain Classifiers for Bharatanatyam Mudra Images' Classification using Hu-Moments." International Journal of Art, Culture and Design Technologies 8, no. 2 (July 2019): 58–71. http://dx.doi.org/10.4018/ijacdt.2019070104.
Анотація:
India is rich in culture and heritage where various traditional dances are practiced. Bharatanatyam is an Indian classical dance, which is composed of various body postures and hand gestures. This ancient art of dance has to be studied under guidance of dance teachers. In present days there is a scarcity of Bharatanatyam dance teachers. There is a need to adopt technology to popularize this dance form. This article presents a 3-stage methodology for the classification of Bharatanatyam mudras. In the first stage, acquired images of Bharatanatyam mudras are preprocessed to obtain contours of mudras using canny edge detector. In the second stage, Hu-moments are extracted as features. In the third stage, rule-based classifiers, artificial neural networks, and k-nearest neighbor classifiers are used for the classification of unknown mudras. The comparative study of classification accuracies of classifiers is provided at the end. The work finds application in e-learning of ‘Bharatanatyam' dance in particular and dances in general and automation of commentary during concerts.
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Fogarty, Mary. "Musical Tastes in Popular Dance Practices." Congress on Research in Dance Conference Proceedings 2012 (2012): 70–75. http://dx.doi.org/10.1017/cor.2012.7.
Анотація:
This paper explores the relationship between musical tastes and dance practices in popular dance practices. It is based on ideas that emerged from a multisited ethnography involving the participation in and observation of the practices of breaking, as well as interviews with individual b-boys and b-girls, who often traveled between cities as part of their practices. Although there were many interesting and contradictory observations and participant responses provided by this multigenerational, multicultural scene, one theme emerged as central.
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Grochowski, Thomas. "Rock’n’Film: Cinema’s Dance with Popular Music." Popular Music and Society 40, no. 1 (August 16, 2016): 111–12. http://dx.doi.org/10.1080/03007766.2016.1220126.
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Balabekova, Katira, Zhamila Otarbekova, Gaziza Shoibekova, Saule Orazbaу, and Robert Ermers. "Concepts in folktales – Manifestations of embodied worldviews." XLinguae 15, no. 4 (October 2022): 18–27. http://dx.doi.org/10.18355/xl.2022.15.04.02.
Анотація:
The semantics of linguistic units is not an object of study, but in some cases purely linguistic information is used to support the conclusions of semiotic, textual and intertextual analyses. The term “semantics” is not used in this work in a narrow sense (study of the meanings of linguistic units), but in a more global sense (study of the structure of the meaning of the work as a whole). Thus, the semiotic structure and the textual organization of literary tales, as well as the structure of the links of these works with other texts, are considered to be characteristics of their deep semantic structure. The tale has been studied from different angles. The formation and sources of the fairy tale genre have been studied (Propp 2000), E. Meletinsky (1977, 1995, 2000), folklorists have collected and classified the patterns and types of fairy tales (Aarne, Thompson 1964 ; Delarue, Hold 1957-1977). The historical and anthropological significance of fairy tales was first seriously studied by V. propp (2000) and K. Levi-Strauss (Levi-Strauss, 1973). This theme is developed in the works of N. Belmont (Belmont, 2002), J. Calame-Griaule (Calame-Griaule, 1984), M. Carrin (2002). Fairy tales also attracted the attention of psychologists who studied them from the point of view of psychoanalysis (B. Bettelheim 1960, M. Schneider 1980). The structural and semantic study of the fairy tale in the semiotic aspect was first undertaken by V. propp, laying the foundations of modern narratology (V. propp, 1998). In the 1970s, French philology tended to consider semiotics as a science of meanings: thus, the structural and semantic approach to the literary text involved the isolation of units of meaning at different levels and their analysis. Research in this area was conducted by both domestic (Meletinsky, Novik, Putilov, etc.) and foreign (Greymas, Kurtes, Coquet, Fontanius) scientists. Currently, the discursive study of the fairy tale, which takes into account both the structural (textual) aspect of the fairy tale and its connections with other texts and with the socio-discursive context, is also relevant. However, only a folk story has been so thoroughly studied, while the literary tale has been studied only from the point of view of literature (Kovtun 1999, Lipovetsky 1992, Bakhtin 1979). In recent years, some literary tales have been studied from the linguistic point of view of the text (Adam, Heidmann). The genre of the literary fairy tale, due to the vagueness of its borders, as well as a strong dependence on the individual style of the writer, has not been studied as thoroughly as the tale of folk fairies. Thus, the relevance of the work is determined by the need to study the French literary tale of the twentieth century as a genre, highlighting its inherent structural and semantic characteristics in relation to the folk (popular) tale. The study of specific tales by French writers as unique works is also important and promising.
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Chakrabarti, Pritha. "The disavowal of dance as labour in popular Hindi cinema." Studies in South Asian Film & Media 11, no. 2 (December 1, 2020): 209–23. http://dx.doi.org/10.1386/safm_00029_1.
Анотація:
In this article, I analyse screendance texts from Hindi cinema to introduce a theoretical framework called the ideology of amateurism which, I argue, made space within the narrative of the Hindi film for the ‘ideal’ Indian woman to dance publicly while simultaneously disavowing modernity. Through an analysis of selected film dance texts, I show how this turned the dancing heroine into the restorer of the moral order of the narrative. I argue that this ideology of amateurism amounted to a denial of dance labour, which was a necessary precondition for the cultural legitimation of the viewers’ desire for the screendancer in particular and a disavowal of the desire for modernity in general. Following this, I show how with the liberalization of the Indian economy and the rise of neoliberalism, and interestingly, also the replacement of the erstwhile ‘union-dancers’ on-screen Bollywood film dance texts today not only acknowledge the labour of screendance but promotional materials lay out the ‘labouring process’. This, I suggest, is symptomatic of the emergence of a new work order and the entry of a new class into this sphere. I read this in conjunction with the rise of dance as an established profession, as seen through the mushrooming of Bollywood dance schools, in order to show how the ideology of amateurism is challenged through a reconfiguration of work practices in neoliberal economies.
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Manchester, Ralph A. "The Popular and the “Proper” Performing Arts." Medical Problems of Performing Artists 28, no. 4 (December 1, 2013): 179–80. http://dx.doi.org/10.21091/mppa.2013.4036.
Анотація:
The two articles on the health of marching band musicians and the one on Irish traditional musicians in this issue of the journal are the most recent examples of research on the health of performing artists who participate in non-classical art forms. While it may not be easy for everyone to agree on the definitions of classical (or, more broadly, “art”) versus popular music (or dance), that hasn’t stopped scholars from trying. The point of this editorial is not to debate the relative merits of art music or dance with popular music or dance—each art form has its passionate practitioners and supporters, some of whom do all the debating that is needed. What I will try to do is to review how much attention we have paid to the more popular art forms as the field of performing arts medicine has evolved over the last three decades.
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ΛΟΥΚΟΣ, ΧΡΗΣΤΟΣ. "ΚΟΙΝΩΝΙΚΗ ΙΣΤΟΡΙΑ ΤΟΥ ΤΑΝΓΚΟ ΑΠΟ ΤΙΣ ΥΠΟΒΑΘΜΙΣΜΈΝΕΣ ΣΥΝΟΙΚΙΕΣ TOΥ BUENOS AIRES ΣΤΑ ΣΑΛΟΝΙΑ ΤΗΣ ΕΥΡΩΠΗΣ". Μνήμων 20 (1 січня 1998): 251. http://dx.doi.org/10.12681/mnimon.677.
Анотація:
<p>Christos Loukos, Histoire sociale du tango. Des faubourgs marginaux deBuenos Aires aux salons européens</p><p>Le tango (qui comprend danse, musique et paroles) est né la secondemoitié du XIXe siècle dans les faubourgs marginaux de Buenos Aires.Il s'agit du proquit de plusieurs mélanges culturaux, dont les sujets sontdes natifs mais aussi des centaines de milliers d'immigrants qui accourentde l'Europe en Argentine à la recherche d'un emploi ou d'une meilleurechance. Sont examinées les causes qui ont permis à cette danse marginellede gagner les classes populaires et enfin, après un accueil enthousiasteen Europe, surtout en France, la veille de la première guerremondiale, d'être adoptée en tant que produit national par la bourgeoisieargentine. Le tango, comme expression de l'identité argentine, subit lesconséquences des bouleversements politiques et sociaux qui tourmententle pays à partir de 1930: intervention des militaires dans la vie politique,crise économique des années 30, régime péronien, périodes successivesde vie politique normale et de dictature militaire. Le tango devient uninstrument de propagande pour les régimes autoritaires mais aussi unearme de résistance pour les démocrates, un grand nombre desquels vivaienten exil.</p>
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Pype, Katrien. "Dancing for God or the Devil: Pentecostal Discourse on Popular Dance in Kinshasa." Journal of Religion in Africa 36, no. 3-4 (2006): 296–318. http://dx.doi.org/10.1163/157006606778941968.
Анотація:
AbstractThis article studies the dance poetics and politics of Christians in contemporary Kinshasa. For Kinois (inhabitants of Kinshasa), dance is one of the most important technologies to get in touch with an invisible Other, the divine or the occult. In sermons, and other modes of instruction, spiritual leaders inform their followers about the morality of songs and dances. These discourses reflect pentecostal thought, and trace back the purity of specific body movements to the choreography's source of inspiration. As the specific movements of so-called sacred dances borrow from a wide array of cultural worlds, ranging from traditional ritual dances and popular urban dance to biblical tales, the religious leaders state that not just the body movements, but also the space where people dance and the accompanying songs, define the Christian or pagan identity of the dancer. Therefore, both the reflections upon dance movements and the dance events within these churches will be discussed as moments in the construction of a Christian community.
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Wang, Jiahao, Yunhong Wang, Nina Weng, Tianrui Chai, Annan Li, Faxi Zhang, and Sansi Yu. "Will You Ever Become Popular? Learning to Predict Virality of Dance Clips." ACM Transactions on Multimedia Computing, Communications, and Applications 18, no. 2 (May 31, 2022): 1–24. http://dx.doi.org/10.1145/3477533.
Анотація:
Dance challenges are going viral in video communities like TikTok nowadays. Once a challenge becomes popular, thousands of short-form videos will be uploaded within a couple of days. Therefore, virality prediction from dance challenges is of great commercial value and has a wide range of applications, such as smart recommendation and popularity promotion. In this article, a novel multi-modal framework that integrates skeletal, holistic appearance, facial and scenic cues is proposed for comprehensive dance virality prediction. To model body movements, we propose a pyramidal skeleton graph convolutional network (PSGCN) that hierarchically refines spatio-temporal skeleton graphs. Meanwhile, we introduce a relational temporal convolutional network (RTCN) to exploit appearance dynamics with non-local temporal relations. An attentive fusion approach is finally proposed to adaptively aggregate predictions from different modalities. To validate our method, we introduce a large-scale viral dance video (VDV) dataset, which contains over 4,000 dance clips of eight viral dance challenges. Extensive experiments on the VDV dataset well demonstrate the effectiveness of our approach. Furthermore, we show that short video applications such as multi-dimensional recommendation and action feedback can be derived from our model.
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Bakirova, S., and A. Kusanova. "THE NATIONAL ART IS THE BASIS OF UNITY." ARTS ACADEMY 7, no. 3 (September 30, 2023): 16–27. http://dx.doi.org/10.56032/2523-4684.2023.3.7.16.
Анотація:
The article shows how to popularize the traditions of the native people, as well as other peoples through dance, and not only expand and deepen knowledge about the national culture of Kazakhstan, but also foster a sense of respect for today, instill a sense of pride in the richness of cultural values.
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Pratama, Arief Rizki, and Najmi Najmi. "PERKEMBANGAN TARI RENTAK KUDO DI KECAMATAN HAMPARAN RAWANG TAHUN 1990-2020." Jurnal Kronologi 3, no. 3 (August 19, 2021): 1–13. http://dx.doi.org/10.24036/jk.v3i3.197.
Анотація:
This study examines the Rentak Kudo Dance Art which is a traditional dance art located in Hamparan Rawang District. This dance has grown rapidly since 1990 until now. This study aims to explain the developments that occurred in the art of Rentak Kudo starting from its initial popularity in 1990 until 2021. This study uses the Historical research method with Steps; Heusristics, Source Criticism, Data Interpretation, and Historiography. The results of this study indicate that the art of Rentak Kudo Dance underwent significant changes in terms of meaning, procedures, clothing, timing, and musical instruments used in accompanying the performance of Rentak Kudo. In its development, Rentak Kudo art was popularized by one of the figures called Tuke Ngasiuh, namely Mrs. Ruwaida from Tanjung Village, Hamparan Rawang District, who began to popularize Rentak Kudo in various arts and traditional events since 1990 until, entering the early 2000s with the development of increasingly advanced technology Rentak Kudo began to experience changes in various aspects
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Faure, Sylvia, and Marie-Carmen Garcia. "Les « braconnages » de la danse hip hop dans les collèges de quartiers populaires." VEI enjeux 133, no. 1 (2003): 244–57. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2003.1426.
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Turchak, Lesia. "Creativity of O. Gerdan-Zaklynska within the development of Ukrainian and world choreographic culture." Culturology Ideas, no. 21 (1'2022) (2021): 93–101. http://dx.doi.org/10.37627/2311-9489-21-2022-1.93-101.
Анотація:
The article investigates creative activity of one of the V. Avramenko’s well-known students, Galician choreographer O. Gerdan-Zaklynska in homeland and in emigration. It analyzes her contribution to the development of "expressive" dance in the first half of the 20th century within the specificity of Ukrainian choreographic art. The performing and pedagogical activity of the choreographer is considered in the context of the preservation and development of the national historical and cultural heritage. It is stated that the direction of creative and pedagogical activity of O. Gerdan-Zaklynska in emigration speaks of the desire not only to preserve individual spiritual values and achievements of Ukrainian dance culture, but also to popularize them and concurrently contribute to the synthesis of Ukrainian and foreign choreography. Synthesizing the best traditions of national art with the innovative experience of Western European choreography, O. Gerdan-Zaklynska presented a unique Galician style of performing modern dance at the global level. While searching for the originality and authenticity of Ukrainian folk-stage dance, she invented the so-called motor symbols that contributed to the formation of a new coding of dance.
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O'Connor, Barbara. "Ruin and Romance: Heterosexual Discourses on Irish Popular Dance, 1920–1960." Irish Journal of Sociology 12, no. 2 (November 2003): 50–67. http://dx.doi.org/10.1177/079160350301200204.
Анотація:
This article examines the ways in which dance embodies and expresses sexual discourses through an exploration of popular recreational dance in Ireland from 1920 to 1960 with particular emphasis on women. The author looks at the antipathy to ‘modern’ dancing by the State, Church and cultural groups during the 1920s and 1930s. This era was distinguished by a sexual discourse of ruin and sin and was part of the project of creating an ideal nation. It is argued that this period was followed by a more positive, though not unproblematic, discourse of romance from the 1940s onwards, which was associated with increasing consumption and urbanisation. In the concluding section differences and similarities between the two eras are suggested and brief comparison is made with sexual discourses of dance in the 1980s and 1990s.
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Collins, John. "Ghanaian Christianity and Popular Entertainment: Full Circle." History in Africa 31 (2004): 407–23. http://dx.doi.org/10.1017/s0361541300003570.
Анотація:
In this paper I look at the relationship between Christianity and popular entertainment in Ghana over the last 100 years or so. Imported Christianity was one of the seminal influences on the emergence of local popular music, dance, and drama. But Christianity in turn later became influenced by popular entertainment, especially in the case of the local African separatist churches that began to incorporate popular dance music, and in some cases popular theatre. At the same time unemployed Ghanaian commercial performing artists have, since the 1980s, found a home in the churches. To begin this examination of this circular relationship between popular entertainment and Christianity in Ghana we first turn to the late nineteenth century.The appearance of transcultural popular performance genres in southern and coastal Ghana in the late nineteenth century resulted from a fusion of local music and dance elements with imported ones introduced by Europeans. Very important was the role of the Protestant missionaries who settled in southern. Ghana during the century, establishing churches, schools, trading posts, and artisan training centers. Through protestant hymns and school songs local Africans were taught to play the harmonium, piano, and brass band instruments and were introduced to part harmony, the diatonic scale, western I- IV- V harmonic progressions, the sol-fa notation and four-bar phrasing.There were two consequences of these new musical ideas. Firstly a tradition of vernacular hymns was established from the 1880s and 1890s, when separatist African churches (such as the native Baptist Church) were formed in the period of institutional racism that followed the Berlin Conference of 1884/85. Secondly, and of more importance to this paper, these new missionary ideas helped to establish early local popular Highlife dance music idioms such as asiko (or ashiko), osibisaaba, local brass band “adaha” music and “palmwine” guitar music. Robert Sprigge (1967:89) refers to the use of church harmonies and suspended fourths in the early guitar band Highlife composition Yaa Amponsah, while David Coplan (1978:98-99) talks of the “hybridisation” of church influences with Akan vocal phrasing and the preference of singing in parallel thirds and sixths in the creation of Highlife.
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Kalu, Ogbu U. "Holy Praiseco: Negotiating Sacred and Popular Music and Dance in African Pentecostalism." Pneuma 32, no. 1 (2010): 16–40. http://dx.doi.org/10.1163/027209610x12628362887550.
Анотація:
AbstractIn post-colonial Africa, Pentecostal-Charismatic Christianity has slowly emerged as an influential shaper of culture and identity through its use of music, media, and dance. This article gives an overview of the transitions that have occurred in African politics, identity awareness, and culture, especially as it relates to the indigenous village public and it’s interface with the external Western public, and how the emergent cultural public has become the most influential player in shaping the African moral universe. Pentecostal-Charismatic Christianity has navigated the shift from a missionary-driven avoidance of indigenous music and dance to the incorporation of indigenous elements, leading in turn to the popularization of Pentecostal music and dance that blends indigenous forms and concepts, Christian symbolism, and popular cultural expressions. The resulting forms have not only shaped Christianity, but also the surrounding culture and its political environment.
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Tirres, Christopher D. "Exploring the Aesthetics of Mexican-American Popular Ritual." New Theology Review 28, no. 2 (March 28, 2016): 1. http://dx.doi.org/10.17688/ntr.v28i2.1226.
Анотація:
This essay explores the ritual dynamics of Good Friday at the San Fernando Cathedral in San Antonio, Texas. Four liturgies take place on this day, the most famous of which is the via crucis, or public reenactment of the trial and crucifixion of Jesus. As gripping as the via crucis is, the author focuses on a lesser-known Good Friday liturgy, a traditional Mexican service called the Pésame. In this solemn service, congregants come to pay their condolences to the grieving Mary, who performs a powerful liturgical dance. The essay explores the ways that Mary’s dance ignites not only a visceral aesthetics of sense but also a more encompassing aesthetics of the moral imagination. In offering this interpretation, the author draws on insights from both ritual studies and practical theology, showing how they may critically inform each other.