Дисертації з теми "Cinéma de création"
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Philippe, Gaëlle. "Le remake-actualisation : une norme de création universelle ?" Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030046/document.
Анотація:
Un remake-actualisation est un film reprenant l’intrigue et les personnages d’un film de même nationalité réalisé antérieurement. Le remake entretient donc une relation hypertextuelle avec son film source. Cependant, la réalité de son hypertextualité s’avère paradoxale à tous les stades de son existence. Sa production met en lumière différentes dynamiques qui ne coïncident pas nécessairement avec sa déclaration et encore moins avec son interprétation. Le remake cherche donc à se construire en tant que création tout en maintenant un lien plus ou moins marqué avec le film original. Qu’il soit télévisuel ou cinématographique, le remake devient le lieu de confrontation des différentes conceptions du média en question. Mais l’objet répond-il à une norme de création universelle ?L’universalité relative de l’objet illustre à la fois une unification de la conception la plus industrielle du cinéma et de la télévision et une nouvelle façon d’appréhender la création audiovisuelleAn updating remake is a movie which takes the plot and the characters from a filmof the same nationality released earlier. The remade film develops an hypertextualrelationship with its model. However, its hypertextuality is paradoxical at every stages ofits existence.Its production highlights different working-rules which do not necessarily match itsdeclaration or interpretation. The remake film aims at building itself as a creation and atthe same time, at maintaining a link more or less emphasized with the original motionpicture. Televised or cinematographic, the remake becomes the confrontation place of thedifferent media views. But does the object answer to a universal creative rule?The relative universality of the remakes both shows a unification of the mostindustrial conception of cinema and television and a new way to apprehend the audiovisualcreation
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Bourehla, Hedia. "La tradition orale, source d'inspiration à la création cinématographique arabe." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010604.
Анотація:
La tradition orale est un mode de communication traditionnelle qui a joué un rôle primordial quant à la transmission du savoir et des connaissances dans la culture arabo-musulmane. L'avènement de l'Islam et son expansion a permis à la société arabe de passer d'une culture orale à une culture visuelle, celle de l'écrit et de la représentation malgré l'opposition religieuse aux arts de l'image. Plusieurs formes de représentation sont apparues. On peut citer la calligraphie qui est devenue un moyen de figurer par l'écrit, la miniature, la peinture, le théâtre d'ombres, le théâtre occidental et les arts de l'image fixe et en mouvement. L'adoption de ces nouvelles formes de communication par la société arabe a permis à la tradition orale d'affirmer son pouvoir d'adaptation et d'être une source d'inspiration pour ses artistes créateurs. En revanche, elle a fait perdre à la tradition orale sa place d'autrefois - l'unique gardienne de la mémoire collective-. La création audiovisuelle comme un des supports d'adaptation de la tradition orale, a rencontré plusieurs problèmes car c'est une technique étrangère à la société arabe. Des initiatives de sauvegarde et de revalorisation de ce patrimoine traditionnel ont été faites par des producteurs et des cinéastes arabes. Le cinéma et la télévision peuvent être les meilleurs moyens pour préserver des éléments de la tradition orale. Toutefois, le passage du récit oral au récit cinématographique entrainera nécessairement une modification de la forme du langage, du temps et de l'espace. L'analyse des films inspirés de la tradition orale démontre d'une part, que l'attitude du cinéaste envers son patrimoine varie d'une personne à l'autre car elle suit ses exigences morales et intellectuelles. D'autre part, que le récit oral et le conte peut être producteur de nouvelles formes narratives dans le cinéma arabe et une des sources de son authenticitéThe oral tradition is a mode of traditional way of communication that has played a key role as a vehicle of the knowledge transmission in the arabo-islamic culture. The advent of the Islam and its expansion has led to a major change from an "oral type culture" to a "visual type culture" based mainly on written documents, and image figuration, thus, dispite the religion opposition to the image reproduction. Among the many representation modes that had appeared at that time, calligraphy, which became a new artistic way of writing, the miniature, the painting, the shadow theater, the western theater and in general arts of the image ether fixed or in movement, were from the most important artistic changes. Those new communication moves had evolved as major ways of communication, the oral tradition which had been the unique vehicle for the collective memory storage has to adapt effectively itself to remain as a source of inspiration for artists and creators. One of the most obvious new adaptation mode of the oral tradition that had appeared, the audiovisual creation was one from the most significant. But the audiovisual creation faced many problems mainly because it was a technique imported from foreigner countries. Many trials of the safeguard of the oral tradition have been carried out by several producers and film makers from the oral world the cinema and the television indeed way and do represent the best way to preserve the basic elements of the oral tradition. However the transition from an oral tradition to an image representation tradition (i. E. Cinematographic account) will necessarly lead to a change in the langage form. The analysis of some films made directors form the arab culture, and inspired from earther oral traditio, illustrates the different attitude of the arab film directors towards the inherited patrimony which varies from one to another depending on this moral and intellectual standards in life. Nevertheless, and despite the difficulties faced by the arab oral tradition in integrating completly transmission mode (i. E, cinema), the oral account can without doubt generate new narrative forms in the arab cinema and can be one of the most significant source of its authenticity
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Kim, Yang-Hee. "Habiter à la frontière : une question géopolitique vue par le cinéma." Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0162.
Анотація:
J'ai commencé mon projet en questionnant l'habiter par des voies artistiques et cinématographiques ; il se poursuit sous forme d’un mémoire de thèse, en se confrontant à des textes philosophiques et théoriques. La présente thèse est issue très directement de mes expériences effectives sur le terrain et de mes travaux visuels (cinéma, photographie, installations). Néanmoins elle ne traite pas non plus directement, ni de mes expériences, ni de mes travaux visuels : ils en sont le fondement empirique, les fondations concrètes, et les idées que je peux émettre ici sont toujours fondées sur l’analyse du lien entre le cinéma et ces zones si particulières, les frontières, telle que me l’a inspirée une perception sensible exercée sur plus de quatre années. J’ai voulu ici engager une réflexion aussi analytique et aussi conceptuelle que possible, mais sans jamais quitter mon point de vue premier, celui d’une cinéaste pour qui son sujet a d’abord été incarné dans une poétique (et dans une phénoménologie) : c’est par cette quête du lien identitaire attaché à un lieu (de naissance, d’habitation stable), tel celui de protagonistes ou d’auteurs vivant dans un état « déterritorialisé », que j’ai décidé de construire ma thèse, à travers l’analyse des films, de fiction ou documentairesI started my project by a questioning of the notion of inhabiting, through artistic and cinematic ways. It is going on here under the form of a more intellectual and analytical research, where philosophical and theoretical issues are tackled. This dissertation arises very directly from my actual and personal field experience, and is a development of a large part of my visual works (films, photographies, installations). However, it does not deal immediately with this experience or with these works: they stand, rather, as its empirical foundation, its concrete core. The ideas that I am proffering here are all based on an analysis of the link between cinema at large and the quite particular physical zones designed as “borders” – as inspired by a sensitive perception exerted over a span of more than four years. I am striving here to engage in a consideration of the question, as analytical and as conceptual as possible, without ever abandoning my original point of view, that of a filmmaker whose subject has been embodied in a poetics and in a phenomenology. It is through such a quest of the identity link that one recognizes with a given place (one’s birthplace, a location where one dwells in a stable way), and particularly, in the case of protagonists or authors living in a “deterritorialized” way, that I have endeavoured to put together this thesis, by analyzing, on a par, fiction films and documentaries
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Park, Heui-Tae. "Deux modes fondamentaux de la création cinématographique : au-delà de l'émotion (Takeski Kitano) et au-delà du visible (Hong Sangsoo)." Thesis, Montpellier 3, 2010. http://www.theses.fr/2010MON30095.
Анотація:
Selon le philosophe Gilles Deleuze, l’arrivée du néo-réalisme italien constitue le point de passage entre une forme classique du cinéma (L’image-mouvement) et une forme moderne (L’image-temps) entre le cinéma moderne. Une telle distinction est largement approuvée par les théoriciens, les critiques les historiens du cinéma. Loin de correspondre à unerupture historique, elle renvoie à deux types de cinéma qui possèdent leurs propres caractéristiques. Cette étude envisage dans un premier temps d’aborder, à partir de la typologie deleuzienne, les spécificités de chacun de ces régimes du point de vue de la création. Les films de Takeshi Kitano, cinéaste japonais, et Hong Sangsoo, cinéaste coréen, sont analysés selon cette perspective. Les premiers présentent effectivement une structure basée sur un régime classique, tandis que les seconds se fondent sur les caractéristiques du cinéma dit moderne. Leur analyse permet aussi de suivre le processuscréatif de ces deux réalisateurs reconnus internationalement. Cette étude tente, dans un deuxième temps, de montrer qu’ils s’inscrivent dans une perspective universelle sur le plan de la créationAccording to the studies of French philosopher Gilles Deleuze, the arrival of Italian neorealism is the crossing point between a classic form of film (The movement-image) and a modern one (The time-image). Such a distinction is widely endorsed by theorists, critics and historians of films. Far from corresponding to a historical rupture, it refers to two types of films that have their own characteristics. This study intends initially to approach, from Deleuze's typology, the specifics of each of these regimes in terms of creation. The films of Takeshi Kitano, Japanese filmmaker, and Hong Sangsoo, Korean director, are analyzed under this prospect. The former represent a structure based on a classical scheme, while the latter is based on the characteristics of modern film. The analyst also allows following the creative process of these two internationally renowned filmmakers. This study attempts secondly to illustrate that they have a universal perspective in terms of creation
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Buyer, Véronique. "Le Mur comme catégorie esthétique centrale dans la création cinématographique de Michelangelo Antonioni (et quelques liens transfilmiques)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080070.
Анотація:
Au-delà de l'importance de l'espace dans l’œuvre de Michelangelo Antonioni, considérer le mur permet de mettre en évidence le rapport entre le corps sensible des personnages et leur environnement à partir de cet élément à échelle humaine et de découvrir que le mur apparaît également dans des configurations qui ne font plus appel à la notion de volume, mais à celle, métacinématographique, d'écran. En examinant les différents aspects que le terme « mur » recouvre dans l’œuvre, mon propos s'attache à démontrer que si le mur devient catégorie esthétique c'est par son omniprésence à l'écran mais aussi par sa capacité à s'étendre à toutes les dimensions de la fable. La thèse s'organise selon deux idées-cinéma : le mur-objet – qui considère le mur selon son acception la plus concrète – et le mur-écran – pour souligner la proximité du mur, devenu surface, avec l'écran cinématographique. À chaque étape, des lignes transversales sont tendues vers d'autres œuvres et d'autres arts. À partir du mur, élément en apparence stable et immuable, se dévoile un mouvement de libération inhérent à l’œuvre. Les murs sont surfaces de déplacements, formes en mouvement qui entraînent les personnages le long des lignes de déterritorialisation qu'ils proposent. Comme dans sa réalité concrète entre deux espaces, le mur se situe toujours à une limite. Penser le mur, c'est se confronter à cette limite, lieu de basculement, lieu d'instabilitéBeyond the importance of spaces in Michelangelo Antonioni's work, considering the wall allows to highlight the relationships between the characters' sensitive bodies and their environment from this human scale element and to discover that the wall also appears in configurations which do not depend on the notion of volume but on the metacinematographic notion of screen. By studying the various aspects the term "wall" recovers, I attempt to demonstrate that the wall becomes esthetic category by its omnipresence but also by its capacity to extend in all the dimensions of the fable. The thesis is organized according to two ideas-cinemas: the wall-object - which considers the wall according to its most concrete meaning - and the wall-screen - to underline the closeness of the wall, as a surface, with the film screen. In every stage, transverse lines are tightened towards other works and other arts. From this seemingly stable and unchanging element unfold a movement of liberation inherent to the work. Walls are surfaces of movements, forms in movement which lead the characters along the lines of deterritorialisation they propose. As in its concrete reality between two spaces, the wall is always on a limit. Considering the wall is confronting with this limit, this place of shift and instability
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Hallé, Esther. "Antonio Pietrangeli, critique et création (1940-1965). : pensées du réalisme cinématographique." Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMC042.
Анотація:
Antonio Pietrangeli (1919-1968) est une figure incontournable du paysage cinématographique italien, en tant que critique tout au long des années 1940, puis comme réalisateur à partir de 1953. Formé par les débats critiques qui ont accompagné l’élaboration du néoréalisme, il place son premier film (Le Soleil dans les yeux, 1953) sous les auspices d’une saison néoréaliste finissante, ensuite réélaborée à travers un réalisme conçu sous les termes de la perte et de l’inachèvement, dont on trouve un écho dans son attention à la condition féminine. La présente étude propose une première monographie en langue française sur l’œuvre de Pietrangeli, conduite d’après l’ambition d’établir un dialogue entre son œuvre critique et filmique. L’hypothèse d’une pensée pietrangelienne du réalisme cinématographique, en mettant au jour des modalités de pensée spécifiques à la critique et la création, permet d’établir un dialogue dans lequel la question réaliste apparaît comme un outil conceptuel, qui éclaire la contribution de Pietrangeli à l’élaboration d’une modernité cinématographique. Les trois premiers chapitres retracent un « combat réaliste » qui s’inscrit pleinement dans l’historiographie du néoréalisme italien et se caractérise par sa spécificité morale. Elle annonce une transition épistémologique d’après laquelle la pensée du cinéma s’éloigne d’une tradition idéaliste au profit de perspectives existentielles, incarnées dans une filmographie où le réel, devenu objet de doute, dessine une phénoménologie sceptique que nous aborderons dans les quatrième et cinquième chapitresAntonio Pietrangeli (1919-1968) has been a prominent figure in Italian cinema, as a critic throughout the 1940’s and as a director from 1953. As an actor in the critical debates during the elaboration of neorealism, Pietrangeli places his first film (Empty Eyes, 1953) under the auspices of a neorealist ending season. This style will evolve afterwards towards a realism conceived under the concepts of loss and incompleteness, which is particularly visible in the light of his concern to the condition of women. The present study proposes the first french-language monography about the work of Pietrangeli, with the ambition to establish a dialogue between his critical and filmic work. The hypothesis of a Pietrangelian conception of cinematographic realism, by revealing specific relations between critics and creation, established a dialogue where the realistic question appears as a conceptual tool, which enlightens Pietrangeli's contribution to the elaboration of a cinematic modernism. The first three chapters trace back a "realistic struggle", which is fully part of Italian neorealism’s historiography, and is characterized by its moral specificity. It announces an epistemological transition, meaning that the conception of cinema moves away from an idealistic tradition in favor of existential perspectives, embodied in a filmography where reality, becoming questionable, indicates a skeptical phenomenology, which constitutes the core of the fourth and fifth chapters
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Gutman, Pierre-Simon. "La création d'une communauté américaine dans le cinéma de Michael Cimino." Paris 7, 2008. http://www.theses.fr/2008PA070060.
Анотація:
Le statut actuel de Michael Cimino dans l'histoire du cinéma américain est très particulier, presque non existant. Le cinéaste a pourtant posé des questions essentielles sur l'identité américaine. Dans la trilogie centrale de son œuvre (Voyage au bout de l'enfer, La Porte du paradis, L'Année du dragon), Cimino fait de la guerre du Vietnam le point zéro de son histoire américaine. Il resitue son cinéma dans la tradition classique hollywoodienne qui, de Griffith à Ford en passant par Cimino, a également constitué l'identité nationale. Cimino y ajoute une notion de doute typique des années 1970 et de l'après Vietnam. Cette trilogie présente des personnages en apparence différents, mais qui appartiennent tous à une communauté similaire, composé d'immigrés aux origines salves. Le cinéaste observe donc l'intégration progressive de cette communauté au cœur de la société américaine. Il évoque ainsi la possibilité d'une identité nationale bâtie sur la violence, le conflit permanent. Ce conflit se lit également dans une lutte des classes, générée par le culte du profit d'une certaine société américaine. Tous ces éléments font du meltingpot une entité complexe, qui ne tient, en fin de compte, que par des rites rigides, capables de maintenir ensemble les composantes divers de cette nation. C'es peut-être parce que Cimino s'est interrogé sur l'aspect instable et inachevé de la communauté américaine que son œuvre continue de susciter un certain rejet dans son propre pays. Michael Cimino's current status in the history of american cinema is very particular, even almost non existent This film maker has asked essentials questions about the american identity. In the trilogy, which constitutes the center of his work (The Deer Hunter, Heaven 's Gate, Year ofthe Dragon}, Cimino takes the Vietnam war to make it the point zero of his own american history. He sets his cinema in the classical hollywood tradition thaï from Griffith to Ford, has always helped build the national identity. Cimino adds the shadow of a doubt, typical from the post Vietnam era. The trilogy presents characters apparently differents, but who all belong to a similar community, made of immigrants with russian roots. The director observes the gradual adaptation of this community in the heart of american society. He evokes the possibility of a national identity built on violence, permanent struggle. The struggle can also be read in a war of classes, provoked by-greed of a certain american society. All these elements turn the melting pot into a very complex entity, who can only barely be held by the observation of strict rituals, able to put together all the different faces of this nation. Maybe the fact Cimino asked questions about the instable and unfinished nature of the melting pot can explain the rejection his movies still suffer in the United States today
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Buyer, Véronique. "Le Mur comme catégorie esthétique centrale dans la création cinématographique de Michelangelo Antonioni (et quelques liens transfilmiques)." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080070.
Анотація:
Au-delà de l'importance de l'espace dans l’œuvre de Michelangelo Antonioni, considérer le mur permet de mettre en évidence le rapport entre le corps sensible des personnages et leur environnement à partir de cet élément à échelle humaine et de découvrir que le mur apparaît également dans des configurations qui ne font plus appel à la notion de volume, mais à celle, métacinématographique, d'écran. En examinant les différents aspects que le terme « mur » recouvre dans l’œuvre, mon propos s'attache à démontrer que si le mur devient catégorie esthétique c'est par son omniprésence à l'écran mais aussi par sa capacité à s'étendre à toutes les dimensions de la fable. La thèse s'organise selon deux idées-cinéma : le mur-objet – qui considère le mur selon son acception la plus concrète – et le mur-écran – pour souligner la proximité du mur, devenu surface, avec l'écran cinématographique. À chaque étape, des lignes transversales sont tendues vers d'autres œuvres et d'autres arts. À partir du mur, élément en apparence stable et immuable, se dévoile un mouvement de libération inhérent à l’œuvre. Les murs sont surfaces de déplacements, formes en mouvement qui entraînent les personnages le long des lignes de déterritorialisation qu'ils proposent. Comme dans sa réalité concrète entre deux espaces, le mur se situe toujours à une limite. Penser le mur, c'est se confronter à cette limite, lieu de basculement, lieu d'instabilitéBeyond the importance of spaces in Michelangelo Antonioni's work, considering the wall allows to highlight the relationships between the characters' sensitive bodies and their environment from this human scale element and to discover that the wall also appears in configurations which do not depend on the notion of volume but on the metacinematographic notion of screen. By studying the various aspects the term "wall" recovers, I attempt to demonstrate that the wall becomes esthetic category by its omnipresence but also by its capacity to extend in all the dimensions of the fable. The thesis is organized according to two ideas-cinemas: the wall-object - which considers the wall according to its most concrete meaning - and the wall-screen - to underline the closeness of the wall, as a surface, with the film screen. In every stage, transverse lines are tightened towards other works and other arts. From this seemingly stable and unchanging element unfold a movement of liberation inherent to the work. Walls are surfaces of movements, forms in movement which lead the characters along the lines of deterritorialisation they propose. As in its concrete reality between two spaces, the wall is always on a limit. Considering the wall is confronting with this limit, this place of shift and instability
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Martz-Kuhn, Émilie. "Écritures scéniques de la catastrophe humaine dans le théâtre contemporain - Étude de cas & recherche-création." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30048/30048.pdf.
Анотація:
Cette thèse de doctorat en littérature et arts de la scène et de l’écran examine les écritures scéniques de la catastrophe humaine dans le théâtre contemporain. Elle explore les dynamiques qui sous-tendent la représentation de la barbarie au sein de formes spectaculaires marquées par une forte dimension visuelle. Divisé en deux volets – un premier, critique et un second, pratique –, le travail s’articule d’abord autour d’un corpus composé de trois spectacles : Kamp du collectif Hotel Modern, Rwanda 94 du Groupov et Rouge décanté signé par Guy Cassiers. En observant les œuvres à la lumière de la complexité et en les abordant à l’aide d’une approche systémique, l’étude tente de révéler les mouvements – esthétiques, perceptifs et thématiques – qui animent ces écritures hétérogènes. La seconde partie de la thèse rend compte d’un processus d’expérimentation mené dans l’espace scénique. Ce dernier, consacré à esquisser une création artistique originale, questionne les mémoires occidentales du génocide des Tutsi du Rwanda. L’expérience pratique fait écho à plusieurs des problématiques soulevées par l’investigation critique et propose une autre forme de réflexion, menée directement sur le plateau. Mots clés : Théâtre contemporain, Recherche-création, Complexité, Génocide, Images, Europe.This doctoral thesis in performing arts looks into scenic writings of human disasters in contemporary theatre. It examines dynamics underlying the representation of barbarism within spectacular forms imprinted with a visual dimension. Split into two parts – a first one, critical and a second one, practical -, the work is firstly structured around a corpus composed of three shows : Kamp of the Hotel Modern group, Rwanda 94 of Groupov and Rouge décanté by Guy Cassiers. Through the observation of the works in the light of the complexity and by analysing it with a systemic approach, the study attempts to reveal the moves – aesthetic, perceptive and thematic – that drive these heterogeneous writings. The second part of the thesis deals with a process of experimentation led in the scenic space. The latter, dedicated to outline an original artistic creation, questions occidental memories on the Tutsi genocide in Rwanda. The practical experience echoes back to several issues raised by the critical investigation and proposes another form of reflection, directly led on the stage. Keywords : Contemporary theatre, Research-creation, Complexity, Genocide, Images, Europe.
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Dallaire, Frédéric. "Création sonore et cinéma contemporain : la pensée et la pratique du mixage." Thèse, Paris 10, 2014. http://hdl.handle.net/1866/11587.
Анотація:
Notre thèse décrit et analyse les conditions esthétiques, matérielles et idéelles qui rendent possibles les agencements sonores du cinéma contemporain. Au cours des 30 dernières années, le raffinement des outils de manipulation du son, l’importance grandissante du concepteur sonore et le nouvel espace de cohabitation des sons (favorisé par le Dolby et la diffusion multicanal) sont des facteurs qui ont transformé la création et l’écoute du son au cinéma. Ces transformations révèlent un nouveau paradigme : le mixage s’est graduellement imposé comme le geste perceptif et créateur qui rend compte de la sensibilité contemporaine. Notre thèse explore les effets de la pensée du mixage (qui procède par résonance, simultanéité, dosage et modulation) sur notre écoute et notre compréhension de l'expérience cinématographique. À l'aide de paroles de concepteurs sonores (Murch, Beaugrand, Thom, Allard…), de textes théoriques sur le son filmique (Cardinal, Chion, Campan), de documentaires sur des musiciens improvisateurs (Lussier, Glennie, Frith), de films de fiction à la dimension sonore affirmée (Denis, Van Sant), de textes philosophiques sur la perception (Leibniz, James, Straus, Szendy…), d'analyses du dispositif sonore cinématographique, notre thèse rend audibles des tensions, des récurrences, de nouveaux agencements, des problèmes actuels et inactuels qui forgent et orientent l'écoute du théoricien, du créateur et de l'auditeur. En interrogeant la dimension sonore de la perception, de l’action, de l’espace et de la pensée, cette thèse a pour objectif de modifier la façon dont on écoute, crée et pense le son au cinéma.This thesis describes and analyzes the esthetic, material and conceptual conditions that make the acoustic structures of contemporary cinema possible. The refinement of tools used for manipulating sound, the growing importance the sound designer and the emergence of a new space for sounds to coexist in (brought on by Dolby and multichannel sound systems) are factors that, over the past 30 years, have transformed the way we work with and listen to sound in film. These transformations reveal a new paradigm: mixing gradually imposed itself as the creative and perceptual act capable of accounting for our contemporary sensibility. This thesis explores the effects of the “thought process of mixing” (which functions by resonance, simultaneity, dosage and modulation) on the way we hear and understand the cinematographic experience. Working from the accounts of sound designers (Murch, Beaugrand, Thom Allard…), theoretical texts on film sound (Cardinal, Chion, Campam), documentaries on improvisational musicians (Lussier, Glennie, Frith), fiction films with a acute acoustic sensibility (Denis, Van Sant), philosophical texts on perception (Leibniz, James, Straus, Szendy…) and analyses of the cinematographic sound apparatus, this thesis renders audible the tensions, the recurrences, the structural connections and the problems, old and new, that forge and direct the theoretician, the artist and the auditor’s way of listening. By questioning the auditory dimension of perception, action, space and thought, this thesis aims to change the way we hear, create and think cinema.
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Knudson, Ericka. "De l’amour, des femmes et de la Nouvelle Vague : reconfigurations culturelles et création d’une modernité filmique française." Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100024.
Анотація:
Notre recherche vise l’idée et la pratique d’une modernité filmique française intimiste, de nature autobiographique, inscrite dans une tradition culturelle où la littérature est essentielle comme voie créatrice spécifique. Nous nous sommes proposé d’évaluer le travail de libération ou de tension par rapport aux codes de représentation amoureux qui se joue dans certains films représentatifs de la Nouvelle Vague et y ouvre une voie originale de la modernité. Toute une pensée philosophique et cinéphilique s’est axée en France sur la question du moderne : Gilles Deleuze, Alain Bergala, Jean-Louis Leutrat, Jacques Aumont. Nous avons eu également besoin des apports de T. Jefferson Kline et des travaux de Giorgio De Vincenti, sur un cinéma qui travaille la littérature comme matériau. Nous avons ainsi eu recours à des approches parfois opposées, mais que nous présentons ici comme complémentaires. Nous avons à cœur notamment de conjuguer la visée de l’approche anglo-saxonne et des cultural studies (l’analyse des représentations des femmes et des relations homme/femme) avec la visée esthétique afin de dégager une particularité française de la modernité de la Nouvelle Vague – qui va peut-être contre le mythe d’un cinéma brut, quasi-documentaire, et de l’improvisation (proche du néoréalisme italien) – une particularité française donc par un attachement aux codes (ou par leur dépassement), aux motifs et topoï amoureux, à une rhétorique venant d’une tradition littéraire qui fait partie du patrimoine culturel français et par une tendance plus profonde encore chez ces cinéastes à filmer l’intime, à filmer les femmes, à filmer leur vie, filtrée et révélée par des « écrans » littérairesThis research is centered on the idea and practice of a French intimist, cinematic modernity, of an autobiographical nature, inscribed in a cultural tradition where literature is essential in the path to creativity. This work proposes to evaluate the liberation or tension regarding the codes of representation of love at work in certain films, representative of the New Wave, that open an original path to modernity. In France, an entire philosophical and cinephilic movement is founded on the question of modernity: Gilles Deleuze, Alain Bergala, Jean-Louis Leutrat, Jacques Aumont. This study also takes into account the findings of T. Jefferson Kline and the work of Giorgio De Vincenti concerning film that treats literature as a material. Therefore, approaches sometimes considered opposite are presented here as complimentary, seeking to conjugate the aim of Anglo-Saxon and cultural studies (the analysis of the representation of women and the relationships between men and women) with the aesthetic in order to reveal a French characteristic in the modernity of the New Wave – that perhaps goes against the myth of a quasi-documentary « cinéma brut » of improvisation (close to Italian neorealism) – thus a French distinction by their attachment to (or the surpassing of) codes, motifs and topoï of love, to a rhetoric coming from a literary tradition belonging to the French cultural heritage, and by a more profound tendency of these directors to film the intimate, to film women and to film their lives, filtered and revealed by literary « screens »
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Tchernava, Irina. "Le cinéma de non-fiction en URSS : création, production et diffusion (1948-1968)." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0095.
Анотація:
Le cinéma de non-fiction, qui comprend les actualités, les films documentaires, industriels et éducatifs, est rarement étudié en tant que secteur professionnel faisant l'objet d'attentes politiques spécifiques. Ce travail porte sur le quotidien de la fabrication des images en URSS, de la fin des années 1940 à la mise en place des réformes Kossyguine dans la deuxième moitié des années 1960. Il s'attache à retracer une histoire sociale de l'industrie cinématographique à travers l'étude des pratiques professionnelles des cinéastes de la république soviétique de Lettonie et de la région de Sverdlovsk. Il traite ce faisant des mutations en cours dans la production et la diffusion des films, en analysant la dimension territoriale, les conditions de travail, le rôle économique changeant de la non-fiction, et la matérialité des pratiques. Cette période se caractérise par la consolidation d'une autonomie professionnelle, à travers laquelle les cinéastes s'efforcent de mettre à distance la commande, quelles qu'en soient les origines (sociales, politiques, industrielles)The non-fiction cinema, which includes chronicles, documentaries, industrial and educative films is rarely studied as a professional area and as an object of specific political expectations. This studying carries on the daily fabrication of films in Soviet Union from the end of the 1940s till the Kossygin economic reforms in the second half of the 1960s. This work tries to shape up a social history of the soviet cinema industry by studying the professional practices of the film-makers in the Soviet socialist republic of Latvia and in the Sverdlovsk region. It concerns the transformations in film production and distribution by analysing territorial aspect, work conditions, shifting economic role of the non-fiction and materiality of the practices. The period is that of the strengthening of the professional autonomy and the film-makers try to distance themselves from the command whatever are its sources (social, political, industrial)
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Tejedor, Manuel. "La caméra, le peintre et le modèle : étude filmique d'une activité de création." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1990PA100115.
Анотація:
Cette thèse est une étude filmique de l'activité de création d'un artiste peintre. Elle vise à expliciter son cheminement intellectuel à travers les techniques et les procèdes mis en oeuvre pour préciser sa vision intérieure et transcrire ses perceptions. Le travail de recherche se présente sous la forme d'une série de cas, qui sont mises en scène organisées par l'artiste autour d'un même thème pictural. Ce thème porte sur l'expression des corps féminins, et s'appuie sur des constats photographiques réalises par le peintre. Pour appréhender le projet de l'artiste et sa manière de signifier, le film montre, d'une part les artifices techniques que le peintre imagine et construit pour mettre en scène son modèle et le photographier, et, d'autre part, la réalisation des esquisses partant de ces constats photographiques. Pour observer plus finement le processus de création, des séquences sont réservées a l'évolution picturale de quelques esquisses suivant les techniques du fondu enchaine et de l'image par image. Cette approche de l'oeuvre en devenir met en relief les hésitations, les choix de l'artiste, informations qui favorisent l'étude des enjeux intellectuels sous-tendus.
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Sherman, Rina. "Aux origines d'une façon de voir, du désir à la volonté de filmer." Paris 10, 1990. http://www.theses.fr/1990PA100110.
Анотація:
Dans ce travail autobiographique, ou seuls les écarts sont retenus comme ayant valeur d'historicité, l'enchainement de souvenirs ordonne un canevas ou se conjuguent les paysages originaire de la vision de l'auteur. La genèse de cette vision peut se situer a plusieurs moments : soit parmi les origines lointaines; soit au cap, lieu de naissance; soit encore à Paris, lieu d'exil et jonction inexorable entre le passe, les origines et l'avenir. Issue d'une famille afrikaans et calviniste, l'auteur s'attarde sur quelques tableaux: une enfance dorée que marquent de premières de désarroi au pied de la montagne dite table, puis une jeunesse a Johannesburg, le tout ponctue de voyages dans le Kalahari, lieux où habitaient les aïeuls de l'auteur. D'un premier souvenir reconstitue, ou, "perdue dans un lit de roses" a l’âge de trois mois, en passant par la découverte, dans un film, de la ségrégation raciale, l'auteur détaille quelques extravagances des peuples de ce pays. Ce travail, sorte d'inventaire de traces, représente le passage du désir de partager l'expérience vécue a la volonté de la transposer au cinéma. Il s'agit donc du souci de recréer un phénomène social aux multiples aspects dans pays dont le moralisme fait le sacrifice des valeurs humaines. La transparence devenant source d'abstraction de la réalité de l'autreIn this autobiographic work where only deviations are retained as having historicity, a succession of souvenirs creates the groundwork within which the original landscapes of the author's vision are inflected. The genesis of this vision could be situated at various points : either with its remote origins; or in cape town, the author's place of birth; or even in Paris, place of exile end relentless junction between past origins and the future. Born of an afrikaans calvinist family, the author lingers over a few tableaux : a gilded childhood marled by the first impressions of disarray at the foot of table mountain, followed by the author's youth in Johannesburg, both these periods punctuated by journeys to the Kalahari where her grandparents lived. From a first reconstructed souvenir where "lost in a bed of roses" at the age of three months, in passing by her discovery of racial segregation in a film, the author details a few extravagances of the peoples of her country. This work, a sort of inventory of traces, represents the passage from the desire to share her life experience to the will to transpose it onto film. It is here a matter of concern to recreate a multi-facetted social phenomenon of
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Godebarge, Jean-Pierre. "Straub-films ou la musicalité filmique : Bach, Schoenberg et le principe musical dans la création cinématographique straubienne." Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1993PA030080.
Анотація:
Jusqu'a present, a ete privilegiee au cinema une approche visuelle. Les descriptions sonores, outre qu'elles font dependre la musique d'une sonorisation indefinie, n'envisagent la fonction musicale du film qu'a partir d'une hypostase du regime visuel dans l'image cinematographique. Nous tentons ici de suggerer une autre piste, en nous appuyant sur quelques realisations choisies parmi les films de j. M. Straub et d. Huillet : l'espace filmique straubien s'organise selon un certain nombre de principes acoustiques et combinatoires, qui ressortissent de la compositionUntil now, visual approach has been privilegied in cinema , fonorous description makes the music depend on indefined scoring. But they also consider the musical fonction only as a hypostasis of the visual organization in film's frame. We are traying to suggest another trial based on some production choosed among straub j. M. And huillet d. 's movies : straubien films space is based on some acoustical and cimbined principals whichs appear from the composition
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Lefort, Christian. "Pier Paolo Pasolini : une philosophie de la création." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081663.
Анотація:
L'idee forte de ce travail est de vouloir faire ressortir le "comment faire" pasolinien a donner la parole a des personnes qui en sont exclus. Dans l'action de communiquer quelque chose se joue, et c'est de cette chose la que nous allons evoquer. Cette chose qui est en fait la creation, la creation langagiere. La notion de realite est donc necessaire pour comprendre cet entre-deux du langage. Le monde economique n'a pas de tradition ou les detruits des qu'elles ne lui servent plus. Le cinema de pasolini nous montre un monde economique qui veut se liberer des anciennes valeurs, tant au niveau primaire, c'est a dire des parlants, que de celui des techniques artistiques. D'ou l'interet porte par pasolini aux dialectes qui sont une forme vivace d'expressivite et de creation linguistique et surtout de reconnaissance de la subjectivite. Seulement la perte de l'expressivite dans la vie quotidienne ne peut qu'impliquer sa disparition aux niveaux des techniques. L'artiste cherchera a tourner en derision le monde economique et surtout le monde des arts, qui a sa propre tradition dont il ne peut se liberer. Ii a ses codes. Pasolini sera celui qui va donc s'attacher a renverser ces codes quilui ont ete donnes pendant son apprentissage et il le fait au nom des valeurs artistiques et donc de la tradition. Pasolini nous apprendra que pour le cinema la realite devient de plus en plus inexpressive, et dans la mesure ou le cinema exprime la realite a travers la realite, il tend lui-meme a etre de moins en moins expressif donc comme un miroir passif des enormites de la vie. La realite chezpasolini est liee a la mutation du monde, elle est la monstration d'un passage, ou mieux d'une periode de ce passage : un entre-deux en quelque sorte. Entre un monde fini et un monde a construire. Mais cet entre-deux est fait de difference et meme souvent d'instabilites. Pasolini nous montre un monde sans expressivite car lie a la tradition, lie au gardien de la loi, a la figure du pere.
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Pioud, Géraldine. "Création et (auto-)destruction dans le cinema fossien." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030185.
Анотація:
En quoi la création et l'(auto-)destruction peuvent-elles agir dans un même processus ? Comment un cinéaste, auteur de seulement cinq flms, a-t-il réussi à imposer sa vision esthétique et narrative du cinéma ? Mettant en perspective la vie et l'œuvre de Robert Louis Fosse, dit Bob Fosse, ce travail pose la question du lien qui se crée entre la création et l'(auto-)destruction dans le cinéma fossien. Cette création trouve ses origines dans une forme classique de cinéma et dans l'utilisation de thématiques "populaires". L'(auto-)destruction, quant à elle, offre la nouveauté : elle permet de toujours recréer et de ré-construire. Il se dégage alors une dynamique qui conduit au constat que les deux concepts, la création et l'(auto-)destruction, ont toujours co-existé dans le travail de Bob Fosse. S'opposant à l'idée des esthéticiens spécialisés dans l'étude d'œuvres picturales et cinématographiques, ce travail assume son caractère psychobiographique. Ce procédé apparaît comme le seul, juste et efficace, permettant de mener à bien l'étude de cet artiste qui pensait que vie et spectacle ne faisaient qu'unHow can creation and (self-)destruction act in a same creative process ? How could a flm director, who made only fve flms, manage to impose his aesthetic and narrative vision of cinema ? Putting into perspective the life and work of Robert Louis Fosse, also named Bob Fosse, this work asks the question about the link that is established between creation and (self-)destruction in Fosse's cinema. Creation fnds its roots in a classical form of movie-making and the use of "popular" themes. (self-)destruction offers novelty : it enables to always re-create and re-construct. Emerges then a dynamic process that leads to establish the fact that both concepts, creation and (self-)destruction, have always co-existed in the work of Bob Fosse. In contrast to critics specialized in the study of pictorial and cinematographic works, this study accepts its psychobiographical character. This way of doing appears as the only just and effcient way of dealing with the study of an artist who thought that life and show made only one
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Godin, Marie-Josée. "L’alliance : recherche-création sur l’application des Cycles Repère à l’écriture dramatique." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30157/30157.pdf.
Анотація:
L’alliance est une recherche-création au cours de laquelle écriture dramatique et Cycles Repère furent mis en parallèle. Cet essai témoigne de mon expérience d’auteure dramatique dans un processus suivant celui des Cycles Repère. Il vise à questionner l’utilisation de ceux-ci au profit de l’écriture dramatique. Il explicite, en premier lieu, les quatre étapes des Cycles Repère pour ensuite témoigner de la façon dont elles ont été appliquées et utilisées dans le contexte de mon travail. Il présente également le texte L’alliance, issu de ce parcours créateur et présentée en lecture publique le 18 décembre 2012. De plus, il rend compte de l’influence et de l’apport des Cycles Repère sur le travail d’écriture.
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Cyrulnik, Natacha. "Représenter le monde et agir avec lui : La méthode du documentaire de création." Toulon, 2008. http://www.theses.fr/2008TOUL0008.
Анотація:
Construire une représentation, c'est entrer en action et porter un regard sur son monde en même temps. Le documentaire de création en est une expression qui favorise à la fois compréhension et connaissance. Le cas de jeunes au sein d'une cité dans le sud de la France est un exemple significatif de médiologie de l'objet caméra dans le cadre des médiacultures. Ceux-ci passent ainsi du statut de consommateurs d'images, à celui d'imitateurs, pour finir par entrer en action dans la construction de leurs propres images. L'interaction entre celui qui filme (le réalisateur)n celui qui se place devant la caméra (l'acteur) et le récepteur de ces images (le spectateur), est le moteur qui favorise la construction d'une représentation afin de mieux comprendre le monde et de se l'approprier. Construction d'un film et construction de la personne vont de paireABuilding a representation consists in watching and acting on the word at the same time. Creative documentary film is a way of expression wich is develops both comprehension and knowledge. The case of youth living in a southern France "cité" is a meaningful example of mediology by the way of the object camera in our mediacultural world. Youth change their status by consuming pictures, imitating them, and finally building their own pictures. Interactions between who's filming (the director), who's in front of the camera (the actor), and who's receiving these pictures (the spectators), are the engine to constructe a representation. The challenge consists in giving the world a meaning and appropriating it. Making a movie and building their own identity are linked together
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Castanon, Brice. "Renouveau du documentaire en Espagne et nouveau réalisme catalan : le Master en Documentaire de création de l'Université Pompeu Fabra (Barcelone)." Thesis, Reims, 2011. http://www.theses.fr/2011REIML004/document.
Анотація:
Comme dans d'autres pays d'Europe, à la fin des années 90, le cinéma documentaire connaît en Espagne un essor singulier. Le Master en Documentaire de création de I'université Pompeu Fabra participe à ce renouveau et en est I'un des principaux initiateurs. Centre de formation où naissent de nombreux films, il est à l'origine d'un nouveau monde de I' art, favorisant les coopérations entre producteurs, créateurs, techniciens et animateurs culturels. Dans cette thèse, nous avons voulu rendre compte de cette dynamique qui s'inscrit à la fois à I' échelle locale (une Université) et dans un panorama culturel global. Dans un pays où le « documentaire de création » n'a pas su forger de tradition, il nous a paru intéressant d'interroger la transmission qui se met en place entre cinéastes de différentes générations au sein de I'UPF et. en même temps, la transmission d'un concept, celui du « documentaire de création », entre cinéastes, producteurs, programmateurs, diffuseurs et spectateurs. Parmi les films analysés dans ces pages, on trouvera certains de Jean-Louis Comolli, Joaquin Jorda, José Luis Guerin, Isaki Lacuesta, Ricardo Iscar, Mercedes Alvarez, Xavier Montanyà, Ariadna Pujol, Lupe Pérez et Marc RechaAs in others European countries, at the end of the 9O's, documentary experiences a new boom in Spain. The Master in Creative documentary of the Pompeu Fabra University takes part to the renewal and is one the main originator. This training center, where a lot of movies are developed, is the origin of a new world of art and promotes the cooperation between producers, creators, technicians and cultural coordinators. In this thesis, we wanted to give an account of the process that considers both local scale (a University) and the global cultural panorama. In a country where "creative documentary" doesn't success in elaborating a tradition, we wanted to question the transmission between filmmakers of different generations in the UPF and, at the same time, the transmission of the concept of "creative documentary", between filmmakers, producers, programm planners. broadcasters and spectators. In these pages, we analyze movies of filmmakers as Jean-Louis Comolli, Joaquin Jorda, José Luis Guerin, lsaki Lacuesta, Ricardo Iscar, Mercedes Alvarez, Xavier Montanyà, Ariadna Pujol, Lupe Pérez and Marc Recha
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Gagnon, Marilyne. "Bunker (théâtre), suivi de La représentation de la figure du zombie au cinéma et au théâtre, essai." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2014. http://hdl.handle.net/11143/5929.
Анотація:
Ce mémoire de maîtrise en études françaises se penche sur la représentation de la figure du zombie au cinéma et au théâtre et s’interroge sur le fait que, malgré la popularité actuelle du monstre, peu de médiums autres que le septième art l’exploite avec efficacité. Le zombie serait-il donc une figure essentiellement filmique?
La première partie du mémoire, Bunker, consiste en une courte pièce de théâtre en un acte. Prenant la forme d’un huis clos, la pièce met en scène six humains réfugiés dans un abri nucléaire, pour le meilleur et pour le pire, alors que leur univers est bouleversé par l’apparition d’un virus qui transforme les personnes atteintes en zombies cannibales.
La seconde partie se concentre sur, d’une part, les origines du zombie filmique et, d’autre part, sur l’évolution de cette figure monstrueuse, appuyée par l’analyse de trois films issus de trois époques charnières pour la figure du zombie, soit White Zombie (1932) de Victor Halperin, Night of the Living Dead (1968) de George A. Romero et 28 Days Later (2002) de Danny Boyle.
Le mémoire s’achève sur une réflexion sur ma propre création, laquelle se penchera principalement sur le processus d’intégration de la figure très filmique qu’est le zombie dans une pièce de théâtre.
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Foloppe, Virginie. "Dépersonnalisations : du traumatisme à la création." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030131.
Анотація:
L'œuvre filmique relève-t-elle du "sévère exercice de dépersonnalisation" revendiqué par Gilles Deleuze dans l'invention d'une identité personnelle ? Quelles méthodes, les réalisateurs Alfred Hitchcock, Thomas Vinterberg et Kim Ki-duk inventent-ils pour représenter des femmes et des hommes soumis à des situations si intolérables qu'elles les dépersonnalisent et ce jusqu'à l'oubli de leur nom ? Enfin, quels liens peut-on opérer entre une dépersonnalisation qui relève d'une stratégie de survie déclenchée par des traumatismes d'origines diverses et, une autre, qui reflète la formidable puissance de l'acte créateur ? Ma réflexion s'inscrit à la croisée de deux formes de dépersonnalisation dont le psychanalyste Michel de M'Uzan a indiqué les destins radicalement opposés. Chacune, selon lui, s'accompagne d'affect distinct. Aussi à partir de ces différences essentielles quant à la qualité de l'émotion et à la visée, j'analyse, dans ma thèse, les modalités selon lesquelles le créateur est en mesure de nous montrer comment dévier la violence autodestructrice de l'une à la faveur de la puissance créatrice de l'autre qui, avec l'avènement de l'œuvre cinématographique, délivre l'image des empreintes terrifiantes d'un monde contemporain à la tonalité extrêmement archaïque. Tout au long de ma démonstration, les passages fréquents de la poïétique à la narration filmique m'ont permis, à la suite de la proposition de Gilles Deleuze et de la notion de créativité de Donald Woods Winnicott, d'envisager aussi la création en terme d'identitéDoes creation as something to do with the "exercise of severe depersonalization" claimed by Gilles Deleuze in the invention of a personal identity? What methods, directors Alfred Hitchcock, Thomas Vinterberg and Kim Ki-duk they invented to represent women and men subject to the conditions so intolerable that depersonalize them ? Finally, what links can be made between a depersonalization that is a survival strategy to trauma, and another that reflects the tremendous power of the creative act ? My thinking is at the intersection part of two forms of depersonalization in which the psychoanalyst Michel M'Uzan said the radically different fates. Each, he says, is accompanied by distinct affect. Also from these essential differences in the quality of the emotion and the destiny, I analyze in my thesis, the manner in which the creator is able to show us how to deflect the destructive violence of one to for the creative power of the other. Throughout my demonstration, the frequent passages between the narration and the poïesis allowed me, as a result of the proposed Gilles Deleuze and the notion of creativity Donald Woods Winnicott, to consider also creation in terms of identity
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Peilloux, Aurélien. "Quête d'un cinéaste autour de la relation dialogique 'art-science' : de l'idée-sentiment dans le processus de création à une approche esthétique de la connaissance." Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCC008.
Анотація:
Cette thèse s'inscrit dans le domaine de la recherche-création, c'est-à-dire qu'elle allie une démarche de recherche universitaire et une pratique artistique : ici, la réalisation cinématographique. Ainsi, la production de ce travail se compose du traditionnel manuscrit, mais également de quatre films. Si leur statut est quelque peu dissymétrique, ils se renvoient l'un à l'autre, dialoguent, s'interpellent. Leur essence est commune': ils sont comme autant de tentatives de répondre à la problématique soulevée ici, à savoir l'invention d'objets hybrides 'art et science'. Cette problématique s'est développée dans deux directions. D'une part, la réalisation de films, où le concept scientifique devient une matière qui enrichit le langage cinématographique. D'autre part, une étude du processus créatif, à partir d'une méthodologie elle-même hybride, tentant d'articuler une approche scientifique et une approche personnelle, centrée sur mes propres expériences. Cependant, fondamentalement, ces deux approches s'opposent : la première repose sur une séparation entre le sujet pensant et l'objet de connaissance, tandis que la seconde se fonde sur une perception globale par le sujet réduisant à néant la distance entre lui et le monde. Mon expérience de cinéaste devait bientôt m'amener à privilégier la seconde approche, et à étudier le processus créatif à partir de mes propres expériences. De nouveau, l'aboutissement de cette réflexion est double : sur le plan scientifique, je propose une approche du processus créatif basée sur les propriétés de la forme esthétique. Sur le plan artistique, je réalisais deux films, interrogeant le cadre même de la pensée scientifiqueThis PhD has been made within the research-creation framework and combines two dimensions : an analytical research one with an artistic practice one (movie making). Therefore, the production of this work consists in both the writing of a manuscript and the production of four movies that refer to each others, discuss together and form a consistent whole. Indeed, they all attempt to respond to the problem raised by this work, namely the invention of hybrid objects between art and science. This question has been developed in two directions. On one hand, the shooting of movies where the staging was inspired by scientific concepts. On the other hand, a study of the creative process from a hybrid methodology, where a scientific approach was combined with a reflection based on my own practice as a movie director. However, these two approaches are fundamentally opposed. The first one relies on the separation between the thinking subject and the analysed object, while the other one relies on a global understanding by the subject which annihilates the distance between him and the world. My experience as a movie director led me to prefer the second approach and I chose to investigate the creative process from my own experience. Again, the result of this reflection is twofold. On the scientific front, I propose an approach of the creative process based on the properties of the aesthetic form. On the artistic front, I shot two movies that stage the frame of the scientific thinking itself
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Fouassier, Christophe. "La création cinématographique française et son droit (1895-1995) : l'évolution de l'appréhension juridique d'une activité artistique de sa naissanve à sa maturité." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010290.
Анотація:
AAu cours des cent années qui séparent la naissance du cinéma de son centenaire, le droit a fait preuve, dans une large mesure, de sa capacité d'adaptation aux spécificités de l'art cinématographique. Si l'assimilation par le droit de la dimension artistique de cette technique d'expression mise au point par les frères Lumière a été particulièrement lente, le droit a manifesté, en bien des circonstances, une réelle aptitude à réagir aux diverses évolutions de l'expression cinématographique, tantôt à l'avantage de l'art cinématographique, tantôt à son detriment. De 1895 à 1945, ces relations sont d'abord dominées par l'incompréhension, tant il semble à l'origine difficile pour les juristes d'admettre la dimension artistique de cette activité nouvelle et de l'intégrer dans leur réflexion sur son encadrement juridique. Elles s'affirment ensuite sur le mode de la confrontation, tant il est clair que le droit positif se compose pour l'essentiel de normes de nature à imposer limites et contraintes aux créateurs cinématographiques. De 1946 à 1995, se construit progressivement un nouveau pan du droit du cinéma, résolument protecteur, qui, progressivement, s'attachera à promouvoir la qualiteartistique de la production cinématographique. Mais un certain nombre des protections ainsi instituées par le droit se révèleront n'être à terme que des illusions, tant il est clair que la pérennite du cinéma français est au moins autant, sinon plus, entre les mains des ingénieurs et des cinéastes qu'entre celles des juristes.
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Niang, Hadja. "Littérature et cinéma africains dans le champ de création de Sembene Ousmane : la source des adaptations." Thesis, Paris Est, 2009. http://www.theses.fr/2009PEST0007.
Анотація:
Guelwaar, à l’opposé des autres œuvres de Sembène Ousmane – dont les films sont tirés de nouvelles et de romans- a suivi le sens inverse du schéma classique de l’adaptation en ce qu’il est un film devenu roman. Une telle particularité fait que notre travail suit deux parcours : de l’écrit à l’écran et de l’écran à l’écrit. La fonction narrative de Sembène qui représente dans l’écriture l’art du conte africain constitue le point commun entre un bon nombre de travaux sur l’œuvre littéraire et filmique de Sembène Ousmane. A partant du narratif pris en charge par le « griot-conteur », notre étude tient à montrer que le langage de l’œuvre de Sembène n’est pas seulement narratif, il est aussi « monstratif » et surtout visuel, lequel langage occupe une part importante dans la lecture du livre et du film de Sembène OusmaneGuelwaar, contrary to other works of Sembène Ousmane - Films of which are pulled by news and by novels, followed the inverse sense of the classic plan of the adaptation in the fact that it is a film become novel. Such a peculiarity makes that our work follows two courses: of the paper in the screen and the screen to the paper.The narrative function of Sembène which represents in the writing the art of the African tale constitutes the common point enter a good many of works on the literary and cinematic work of Sembène Ousmane. In leaving of narrative taken care by the "griot-storyteller", our study is anxious to show that the language of the work of Sembène is not only narrative,He is also " monstratif " and especially visual, who language occupies an important part in the reading of the book and the film of Sembène Ousmane
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Manzi, Comeau Jeanine. "L'art cybernétique abstrait au cinéma : réflexions sur un essai de transposition filmique du thème de la création." Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1985PA100098.
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Lancialonga, Federico. "Contre produire : films, formes et modes de production dans le cinéma collectif italien des années 1950-1970." Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2023. http://www.theses.fr/2023PA01H305.
Анотація:
À partir de l’après-guerre, de nouvelles méthodes « collectives » de production cinématographique voient le jour en Italie : d’abord, dans les années 1940 et 1950, sous la forme de coopératives, et à partir de la décennie suivante, sous celle de collectifs cinématographiques ou d’unités de production indépendantes. Ces initiatives collectives ont produit une grande variété de films, tant sur le plan thématique que formel : des films partisans aux contre-actualités cinématographiques, des fictions aux documentaires, pour en arriver aux bandes vidéo militantes des années 1970. Ces films s’appuient sur un même choix politique : le travail collectif en alternative à l’industrie. Un choix car, pour chacun d’entre eux, il ne s’agit ni d’un repli, ni d’une solution dictée par l’impossibilité ou l’incapacité d’accéder au circuit commercial, mais d’une décision consciente et assumée, en opposition à ce même circuit. Le titre « Contre-produire » souligne cette corrélation entre le refus des méthodes de production du cinéma « dominant » et l’adoption d’une approche collective pour en inventer de nouvelles. Les procédés hégémoniques dont il est question ne se limitent pas seulement aux normes imposées par les circuits du cinéma commercial, mais également aux formes du cinéma « dissident » qui réduisent les films à leur fonction de communication politique. L’objectif est de mettre en lumière une sélection de films, de projets, de théories et d’utopies collectives qui ont émergé à « la marge » du cinéma italien dans l’une de ses périodes les plus fécondes. Loin d’être « marginales » au sens de secondaires, elles ont constitué un laboratoire majeur de nouvelles formes cinématographiques dans l’Italie des années 1950-1970From the post-war period onwards, Italy witnessed the emergence of new “collective” approaches to film production: in the 1940s and 1950s, it took the form of cooperatives; and in the subsequent decade, it evolved into film collectives or independent film production units. These collaborative endeavors yielded a wide array of films, encompassing a rich diversity of themes and styles : from partisan films to “counter-newsreels,” from fictions to documentaries, culminating in the 1970s militant videotapes. All these films embraced a common political commitment: adopting a collaborative and independent approach for filmmaking as an alternative to the labor-divided and market-oriented film industry. In fact, these films neither embody a desire of withdraw nor a circumstantial response to an inability to break into the well-established commercial networks; on the contrary, they serve as the tangible expression of a deliberate and resolute choice, one made in direct defiance of the prevailing film production system. The neologism “counter-production” aims to underscore the interplay between two fundamental dimensions of the Italian collective cinema: on one hand, the critique of the production modes of “dominant” cinema and, on the other, the embrace of a collaborative approach for filmmaking. In other words, “to counter-produce” extends beyond the mere act of challenging the industry norms, it is also characterized by a critical perspective on certain militant cinematic forms that reduce films to useful tools for political messaging. This dissertation follows a twofold program: it seeks to underscore both the commonalities among these collective practices and the inherent uniqueness found within each cinematic form they explore. By examining a carefully selected body of materials – projects, theories, and collective utopias that surfaced on the “fringes” of Italian cinema during one of the most fertile periods of its history – the overreaching objective is to reevaluate the marginal status of this corpus: rather than occupying a secondary role, it appears to have served as a central and significant experimental ground for pioneering cinematic innovations in Italy from the 1950s to the 1970s
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Gignac, Melissa. "Du "scénario" au film : la création du long métrage de fiction aux Etats-Unis et en France dans les années 1910." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070087.
Анотація:
Cette thèse soulève une question fondamentale en histoire du cinéma : qu'est-il advenu de la création cinématographique avec l'avènement du long métrage ? Le passage du court au long métrage constitue une révolution protéiforme qui affecte le cinéma dans sa globalité, au niveau industriel, narratif et esthétique. La comparaison entre les deux pays (par l'intermédiaire d'un corpus restreint composé de la Triangle Film Corporation, des Films Valetta et des films d'Albert Capellani au sein de la S. C. A. G. L. ) s'explique par le fait que les premiers critiques, théoriciens et historiens du cinéma ont trop souvent opposé les deux cinématographies, glorifiant le cinéma américain pour mieux décrier le « style français d'avant-guerre » (Louis Delluc, Léon Moussinac, Philippe Soupault, etc. ). La comparaison permet ainsi de traiter chacune des deux cinématographies, en révélant leurs spécificités respectives, ou au contraire, leurs points de rencontre. La comparaison permet également, parfois, de combler les lacunes de la documentation (française notamment) et fonctionne à des fins heuristiques : on ne s'enferme pas dans un seul modèle mais on résonne plutôt par analogie. Le premier axe de travail porte sur la fabrique des films : l'organisation industrielle et sociale aux sein des studios, la création de métiers relatifs à l'écriture scénaristique et la conception des films notamment. Le deuxième axe porte sur la création de genres nationaux de part et d'autre de l'Atlantique. Et le dernier axe traite des questions esthétiques et de l'évolution des formes filmiques, sur la nécessité d'entretenir la mémoire du spectateur sur du long termeMy research focused on both American and French feature-length movies from the 1910s. This work relied on three different complementary approaches: industrial, narrative and aesthetic. I focused on three different societies : the Triangle Film Corporation for the American cinema ; the Films Valetta and the Albert Capellani's movies in the S. C. A. G. L. For the French cinema. The first approach concerns screenwriting practices in the film industry in the 1910's (policy of acquiring literary materiel, creation off specific departments - scenario department, lecture department -, etc. ). The second approach - the narrative one - deals with cultural studies and demonstrates how the feature-length movie leads cinema to develop itself in both discursive and political ways. The hypothesis is this one: the feature-length movie permitted the cinema to develop the power of the movie as a social component. Some case studies about drug-films (dealing with opium), colonial films and also melodramas showed how both French and American societies used cinema to represent themselves and tried to employ films to solve their conflicts and contradictions, by a narrative way. The third approach deals with aesthetic and filmic forms
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Essoukan, epee Hermann. "La Vision poétique du 'Monde' dans les films-essais Méditerranée de Jean-Daniel Pollet, Sans soleil de Chris Marker et Asientos de François L. Woukoache." Electronic Thesis or Diss., Université Grenoble Alpes, 2023. http://www.theses.fr/2023GRALL024.
Анотація:
La présente étude s’intéresse non seulement à l’idée d’un cinéma qui pense et participe à la pensée poétique, c’est-à-dire à l’idée de « la coulée du film qui s’apparenterait à celle de la pensée » pour parler comme Norman McLaren ; elle défend également l’idée d’un cinéma poétique et d’une poétique du cinéma axés sur une esthétique nouvelle de médiation et de création qui explore l’univers poétique. En plus de s’engager dans la définition d’un cinéma de poésie et d’une poétique du cinéma, cette étude entend contribuer à la compréhension de certains mécanismes esthétiques et artistiques qui affectent poétiquement l’attention des percept’acteurs (attention poétique) lorsqu’ils sont face aux effets et aux procédés filmiques qui ne jouent plus sur des effets immersifs et déterminants comme on peut le voir dans les cinémas populaires, de divertissement, de narration, et dans les films documentaires, mais sur des indéterminations perceptives, sur « la promenade esthétique » pour parler comme Jean-Marie Schaeffer et sur la « poétique du désœuvrement ».Les films-essais Méditerranée de Jean-Daniel Pollet, Sans soleil de Chris Marker et Asientos de François L. Woukoache, font naviguer les percept’acteurs – néologisme que nous employons à la place de spectateur, puisqu’il ne s’agit plus de spectacle dans ces films – dans une sphère atemporelle et les amènent à l’extérieur du temps, afin de briser la relation qu’ils entretiennent avec les films classiques et de proposer un regard nouveau de l’œuvre. Pour ces cinéastes de la poésie et de la mémoire, il s’agit de façon ambivalente de déraciner et d’ensevelir le mot, de bousculer les conventions et de rompre avec l’accoutumance à travers une vision poétique et « politique » au sens large (politico-historique) du monde, une esthétique nouvelle, un bricolage et braconnage artistique, engendrant une sorte de réinvention du langage.Mots-clés : Films-essais, modernité cinématographique, cinéma de poésie, attention esthétique, attention poétique, percept’acteurs, création artistiqueThe present study does not only examine the idea of a cinema that thinks and participates in the poetic thought, as stated by Norman McLaren as: ‟the flowing movement of the film that echoes that of the thought”, but it also argues for the idea of a poetic cinema and a poetics of cinema focused on a new aesthetic of mediation and creation that explores the poetic universe. In addition to engaging in the definition of a cinema of poetry and a poetics of cinema, this study intends to offer a deeper insight into the understanding of certain aesthetic and artistic mechanisms that poetically affect the attention of percept’acteurs (poetic attention) when they are faced with filmic effects/texts and processes that no longer rely on immersion and determining factors such as observed in popular cinemas, entertainment, storytelling, and documentary films. The attention of the percept’acteurs is rather drawn to the visual/perceptual indeterminacy, of the ‟aesthetic walk”, to sound like Jean-Marie Schaeffer and on the ‟poetics of idleness”.The essay-films Méditerranée by Jean-Daniel Pollet, Sans soleil by Chris Marker and Asientos by François L. Woukoache, make the percept’acteurs – a neologism that we use instead of spectator, since these films no longer deal with spectacle – to navigate in a timeless sphere and export them beyond the time, in order to break the relationship they maintain with classic films and to encourage a new look towards the artwork. For these filmmakers of poetry and memory, it’s about an ambivalent way to uproot and bury the word in order to defy conventions and break habits through a poetic and ‟political” vision in the broaden sense (Political-historical) of the world, a new aesthetic, a diy and artistic poaching, leading to a kind of reinvention of the language.Keywords: Essay films, Modern cinematography, a poetic cinema, aesthetic attention, poetic attention, percept’acteurs, artistic creation
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Barreau, Sophie. "Le documentaire télévisé français : de l’art cinématographique à l’industrie audiovisuelle. Etude de cas de la chaîne culturelle ARTE." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030108.
Анотація:
La majorité des images documentaires françaises sont aujourd’hui produites par l’industrie télévisuelle, et non plus par la filière cinématographique. Je m’intéresse à la figure culturelle prééminente de la politique audiovisuelle française et européenne, ARTE. Ce travail tente de repenser les relations entre l’artistique et l’économique, l’art et les médias, à partir d’une enquête de terrain menée auprès de professionnels du documentaire. Mon analyse se structure autour de trois grands axes : l’évolution du marché du documentaire français, les changements du sens symbolique et du mode de conception des images documentaires, la redéfinition des rôles et des identités professionnelles des acteurs qui y sont impliqués. L’arrivée progressive de la télévision, conjointe à l’institutionnalisation et à la consécration du cinéma en tant que pratique artistique, bouleverse le marché du documentaire au niveau de son système économique de production, de diffusion, ainsi que les aides publiques de soutien à la création. La taxinomie « documentaire » se transforme historiquement. Née avec le cinéma, cette dernière perd sa qualification d’activité artistique en s’intégrant progressivement au système médiatique du petit écran. Pour comprendre les processus diachroniques par lesquels s’effectue l’hybridation du cinéma et de l’audiovisuel, il semble nécessaire d'analyser les « opérateurs de genre » , i.e. ceux qui le définissent. Pour mieux comprendre les récentes transformations de la programmation documentaire d’ARTE, j’analyse les mécanismes de sa production et les rôles et les places de ceux qui y participent. La création se développe autour de processus de socialisation et de coopération complexifiés, erratiques et souvent conflictuels. L’arrivée d’un nouvel acteur prépondérant dans la création, salarié de la télévision, suscite de profondes mutations dans la chaîne de production des imagesToday the majority of the French documentary pictures are produced by the television industry, and not anymore by the film sector. I am interested in the pre-eminent cultural figure of the French and European broadcasting policy, ARTE. This work tries to rethink the relations between the artistic and the economic, the art and the media, from a field study carried out- held with documentary’s professionals. My analysis develops its structure around three main lines : the evolution of the French documentary’s market , the changes of the symbolic sense and the mode of conception of the documentary pictures, the redefinition of the roles-functions and professional identities of the actors who are implied in the process. The television’s progressive arrival, together with the institutionalization and the establishment of the cinema as artistic practice, disrupted-changed completely the documentary’s market at the level of its economic system of production, distribution [broadcasting], as well as the public subsidies-funds to support the creation. The taxonomy "documentary" is historically transformed. Born with the cinema, this last one loses its qualification of artistic activity by becoming gradually integrated into the media system of the small screen. To understand the diachronic processes by which is made the hybridization of the genres cinema and broadcasting, it seems necessary to analyze the « operators of genre » , i.e. those who define it. To understand better the new documentary programming of ARTE, I analyze the mechanisms of its production and those who participate in it. The creation develops around complicated, erratic and often conflicting processes of socialization and cooperation. The arrival of a new dominating actor in the creation, a television’s employee, causes profound changes in the production line of the pictures
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Cheung, Wai-Kwong. "Questions esthétiques et questions techniques autour de la création d'un film d'art en image de synthèse : "Sous d'autres cieux"." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA080982.
Анотація:
L'emergence de nouvelles techniques de fabrication d'image a une incidence importante sur les comportements des individus et de la societe. Il suffit d'observer le role des grandes medias qui utilisent ces nouvelles images. Pour autant ce spectaculaire impact est-il proportionne a une revolution profonde des rapports qui se tissent entre le concepteur et l'oeuvre ? cette these se propose de comparer ce que l'on peut appeller la tradition dans l'art a un nouveau cheminement vers l'image sur lequel se trouve la machine informatique. Il s'agit d'essayer de localiser de reelles difference operatoires et de pouvoir en donner une dimension authentiqueThe emergence of new technics for picture production has an incidence on the comportements in individus and in the society. It's just to observer the role of medias where these new images were largely employed. Because of this spectaculary effet, does-it proportionnally have a deep changement on the relation between the designer and his work ? the purpose of this thesis is to compare what we could call the tradition into arts to un ne path towards pictures on which we find th computer. The aim of the analysis is to locate process differences and to mesure them
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Délicat, Marcelle. "Le pictural dans la création artistique littéraire, bédéiste et cinématographique. Une lecture intermédiatique des fictions biographies des peintres du début du XXème siècle." Thesis, Pau, 2018. http://www.theses.fr/2018PAUU1041/document.
Анотація:
Cette thèse a pour objectif de lire à travers les médias hôtes que sont la littérature, la bande dessinée et le cinéma, la présence d’éléments picturaux au sein de fictions biographiques. Il s’agit d’une étude comparative qui considère l’art comme lieu de reconstruction mais aussi de conservation de l’histoire en général et de l’histoire artistique en particulier. De manière générale, les interactions entre le pictural et les autres arts prennent deux orientations. La première est la reconstitution du champ pictural et de son fonctionnement. Et la seconde orientation passe par la réappropriation des techniques et des moyens de création produisant des effets picturaux au sein des autres formes artistiques. L’insertion du pictural laisse donc entrevoir une tension entre le média qui recoit et la forme insérée et le résultat se partage entre opacité et transparence; homogénéité et hétérogénéité du média hôteThe aim of this thesis is to read through the media hosts that are the literature, comics and cinema, the presence of pictorial elements in biographical fiction. Here is about a comparative study that considers art as a construction’s place but also the conservation of the history in general and artistic history in particular. In general, the interactions between the pictorial and other arts take two ways. The first way or orientation is the reconstitution of the pictorial field and it's functioning. And the second way or orientation goes through the reappropriation of techniques and means of creation producing pictorial effects with other artistic forms. The insertion of the pictorial may suggests a clear tension between the host media and the inserted form and the result is divided between opacity and transparency; homogeneity and heterogeneity of the host media
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Orard, Catherine. "De l'inachevé au cinéma." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010516.
Анотація:
Une premiere partie philosophique énonce les présupposés théoriques de la thèse, méditation sur les ambitions de la recherche et sur ses limites ; réflexion sur les notions d'oeuvre d'art et de création, de fini et de non-fini, de totalité et de fragmentation, de perfection et d'incomplétude, de désir. . . En référence aux propos de T. W. Adorna M. Blanchot, W. Jankelevitch. . . D'où vient la valorisisation de l'achèvement, de l'accomplissement ? Que recouvre le besoin de perfection ? L'inachèvement n'est-il pas une réalité inhérente à l'acte même de créer, un mode d'existence de la création ? Ces questions conduisent à une relativisation des paramètres qui entrent dans la définition de l'oeuvre d'art classique, "forme close", quintessence de la perfection. Dans le cadre de cette problématique de depart, la thèse se propose d'étudier un large corpus cinématographique. Fellini, Ruiz, Cassavetes, Rivette, Antonioni, Resnais, Wenders, Kiedovski, Tarkovski - ou comment la question s'est posée pour le cinéma de se dérober à sa propre maitrise, à une conception classique de l'oeuvre cinématographique où conservent leur valeur les notions de début et de fin, de développement logique, de sens global. . . Mouvement et déplacement perpétuel, accumulation boulimique et dépense improductive, polyvalence du réel et métamorphoses ; ouverture à l'inattendu et au hasard, improvisation d'une oeuvre qui se veut ouverte et non expression d'idées préconçues ; développement antidramatique de la "matière vivante du réel", distorsions, detours, suspension du recit, reconduction de l'énigme ; errance, impossibilité de demeurer ; liberté d'interprétation. . . Chaque cinéaste nous propose d'étudier une facette de l'inachèvement au cinéma. Leurs films nous offrent l'image même du mouvement, une mobilité du temps, ses hésitations et son rythme : la formation sous la forme. Le processus de production est mis en valeur, au détriment du produit fini ; le film devient lieu du risque, de réserves, d'attente, de faillite aussi. Les images luttent contre tout effet de solidification laissant la route du sens ouverte et comme indécise. .The introductory passage of a philosophical nature states the pre-conceived theoretical ideas, contemplation on the whys and wherefores of research and its limits : reflection on the notions of works of art and creation, a full review of the accomplished and the non-accom- plished, of a whole and of a fraction of perfection and non fulfilment and total desire, with reference to T. W Adorno, m. Blanchot, W. Jankelevitch. Where does the notion of the value of total achievement find its bearinf ? What element covers the needs of perfection ? is completion the basic reality of the art of creation ? These issues lead us the relativity of these parameters which describe the classifical work of art "closed form", the quintessence of perfection. . . With these views in mind, this thesis intends to review a large cinematographic corpus. Fellini, Ruiz, Cassavetes, Rivette, Antonioni, Resnais, Wenders, Kieslovski, Tarkovski. . . Where the question is how the world of cinema fails under its own force and breaks with a classical conception of cinematographical art, where ce notions of biginning and of end are steadfast, where a logical developpement in a global sense has a stronghold. . . Constant fluctuation, and obsessive piling-up, wild spending, versatile positioning of the reality and the metamorphosed, an opening to the unexpected, the extraordinary, the improvisation of a work of art which claims broadmindedness and freedom and is free of preju- dice ; here we embrace the development of a real living creature with no climax ; distorsion, diversion, no narration, mysterious messages spin their webs ; no fixed route, complete freedom of interpretation : each director suggests we look into the idea of non-fulfilment within the cinema. Their films show the very image of movement, the flexibility of time with its stoppings and startings : the moulding into a form. The progress within the production is shown at its best to the detriment of the finished product. A film becomes an element of risk, reservation, expectation and even failure. The images fight constantly against the effect of immobilisation and fossilization, leaving all the senses their freedom of movement, never sure, never actually knowing. .
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Cutler, Wendy. "Les films bollywoodiens des années 1970-80 : de la réactualisation des mythes anciens à la création de figures mythiques nouvelles." Phd thesis, Angers, 2011. https://theses.hal.science/tel-00979507.
Анотація:
La présente thèse porte sur le cinéma bollywoodien des années 1970-80 et la réactualisation de mythes anciens. L'objectif de ce travail de recherche est de voir si et comment les films populaires indiens réactualisent les mythes anciens par la création de nouvelles figures mythiques, à l'instar de la figure du "Angry Young Man" (le jeune homme en colère) incarné à l'écran par l'acteur Amitabh Bachchan, considéré en Inde comme un véritable dieu vivant. Nous serons amenée à considérer les films de cette période comme un nouveau mode de représentation des mythes anciens, ayant la particularité d'adapter ces derniers aux demandes du public et aux configurations sociales du moment. Pour le montrer, nous analyserons plusieurs films qui nous permettront de déchiffrer les codes spécifiques du cinéma bollywoodien, mais aussi de trouver des passerelles entre les différentes mythologies et les grandes civilisations. Compte tenu de la nature même des sujets abordés, notre réflexion s'inscrira pleinement dans une démarche interculturelle et interdisciplinaire. Par ce biais, nous verrons qu'en Inde, le cinéma constitue un véritable outil de communication, portail ouvrant sur la culture de l'Autre mais aussi un mode de représentation des croyances liées notamment à l'hindouisme - religion regroupant le plus de fidèles et qui est particulièrement représentée dans les arts (y compris le cinéma)The following thesis focuses on Bollywood cinema from the 1970s and 1980s and the modernizing of ancient myths. The main goal of this research is to concentrate on how Indian popular movies modernize ancient myths by creating new mythical figures, like the " Angry Young Man " played by the actor Amitabh Bachchan, considered as a God in India. This type of cinema can be considered as a modern means of representation of ancient myths, having the ability to adapt these myths according to the demands of the public and the social context of the period in question. A selection of Indian popular movies will be analysed in order to decipher the specific codes of Bollywood cinema, but also in order to find links between different mythologies and civilizations. In view of the subjetcs mentioned, this research will be in line with an intercultural and interdisciplinary approach. Indeed, Indian popular cinema will be highlighted as being a true communications tool, an open window allowing a glimpse on a whole different culture, but also a means of representation of different beliefs, such as those linked to Hinduism - the main religion in India which is particularly represented in the Arts (such as cinema )
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Cutler, Wendy. "LES FILMS BOLLYWOODIENS DES ANNÉES 1970-80 : DE LA RÉACTUALISATION DES MYTHES ANCIENS À LA CRÉATION DE FIGURES MYTHIQUES NOUVELLES." Phd thesis, Université d'Angers, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00979507.
Анотація:
La présente thèse porte sur le cinéma bollywoodien des années 1970-80 et la réactualisation de mythes anciens. L'objectif de ce travail de recherche est de voir si et comment les films populaires indiens réactualisent les mythes anciens par la création de nouvelles figures mythiques, à l'instar de la figure du "Angry Young Man " (le jeune homme en colère) incarné à l'écran par l'acteur Amitabh Bachchan, considéré en Inde comme un véritable dieu vivant. Nous serons amenée à considérer les films de cette période comme un nouveau mode de représentation des mythes anciens, ayant la particularité d'adapter ces derniers aux demandes du public et aux configurations sociales du moment. Pour le montrer, nous analyserons plusieurs films qui nous permettront de déchiffrer les codes spécifiques du cinéma bollywoodien, mais aussi de trouver des passerelles entre les différentes mythologies et les grandes civilisations. Compte tenu de la nature même des sujets abordés, notre réflexion s'inscrira pleinement dans une démarche interculturelle et interdisciplinaire. Par ce biais, nous verrons qu'en Inde, le cinéma constitue un véritable outil de communication, portail ouvrant sur la culture de l'Autre mais aussi un mode de représentation des croyances liées notamment à l'hindouisme - religion regroupant le plus de fidèles et qui est particulièrement représentée dans les arts ( y compris le cinéma).
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Maatoug, Safa. "Peinture et cinéma d'animation : investigation en poïétique chromatique." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20050.
Анотація:
Cette thèse en poïétique chromatique porte sur les relations entre peinture et cinéma d’animation. Elle s’intéresse en particulier à l’œuvre picturale et cinématographique de Florence Miailhe. Fondamentalement, cette thèse repose sur une pratique artistique personnelle, nourrie de nombreuses et diverses expériences ; elle a pour objectif de participer aux approches contemporaines de la création et de la réflexion artistique et dans l’objectif de donner à mon travail une visibilité infinie aux pratiques artistiques cinématographique.Il s’agit d’une recherche expérimentale qui permet d'approfondir des connaissances sur l’originalité de l’expérience des artistes cinématographiques, d’expliquer et d’analyser leurs films, de montrer le sens et l’étude poïétique chromatique de leurs créations et son impact dans le domaine des arts plastiques ainsi dans le cinéma. Ma volonté est de dégager le caractère innovant et d’étudier les répercussions techniques, scénaristiques et esthétiques. Il en ressort que cette investigation se veut prioritairement poïétique sans pour autant négliger les aspects esthétiques et symboliques. Par conséquence, la recherche dépend de penser à la couleur esthétiquement, symboliquement ainsi que sociologiquement. Les enjeux de la couleur ainsi les notions de coloris, d’invention, des créations seront questionnéesThis thesis in chromatic poïétic focuses on the relation between painting and animated cinema. it is particularly interested in Florence Miailhe's pictorial and cinematographic work.This thesis is based on a personal artistic practice, nourished by many different experiences; it aims to participate in contemporary approaches to artistic creation and reflection and in the objective of giving my work infinite visibility to cinematographic artistic practices. It is an experimental research which allows to deepen knowledge on the originality of the experience of the cinematographic artists, to explain and analyze their films, to show the meaning and the poetic study chromatic of their creations and its impact in the field of visual arts and cinema. I want to identify the innovative character and to study the technical, scenic and aesthetic repercussions. This investigation is primarily poetic without neglecting the aesthetic and symbolic aspects. the stakes of color and the notions of color, invention, creations will be questioned
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Fleckinger, Hélène. "Cinéma et vidéo saisis par par le féminisme (France, 1968-1981)." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030188.
Анотація:
Mai 1968 en France ouvre la voie à un renouveau du cinéma d'intervention sociale et politique, qui adopte le plus souvent la forme documentaire. Deux ans plus tard, émerge le Mouvement de libération des femmes (MLF), un "nouveau féminisme" qui invite les femmes à lutter contre leur oppression spécifique et pour la libre disposition de leur corps et de leur sexualité. Cette thèse propose d'étudier les rapports qui se nouent entre cinéma, vidéo et féminisme entre 1968 et 1981 en France, sous les angles à la fois historique et esthétique, des pratiques de production/diffusion et des formes filmiques. Comment la caméra a-t-elle été investie pour accompagner et populariser les luttes féministes ? Quel a été l'impact du féminisme dans le champ cinématographique et vidéographique ? Un parcours au cœur d'un corpus filmique riche, protéiforme et méconnu doit permettre de dessiner cette histoire complexe et de montrer que, puissant instrument de contre-pouvoir et d'agitation directe, la caméra s'impose aussi aux femmes comme un moyen d'expression et de créativité privilégié dans leur quête d'identité individuelle et collective. La première partie revient sur l'irruption de la "question des femmes" à l'intérieur du cinéma militant reconfiguré après mai 1968 : l'ouverture d'un front féministe spécifique au sein d'un cinéma orienté principalement vers la lutte des classes se révèle très limitée et parfois conflictuelle. La seconde partie interroge l'apparition d'une pratique féministe autonome des femmes, qui s'orientent vers une démarche politique d'auto-représentation, dans le champ de la vidéo militante. S'emparer de la caméra répond ici à une exigence politique de prise de parole et de réappropriation de leur corps et de leur sexualité par l'image. Au-delà du noyau dur des films d'intervention, la troisième partie interroge les usages et les politiques féministes du cinéma. Elle soumet en particulier le "cinéma des femmes" à l'épreuve du féminisme, au crible de ses théories et de ses pratiquesMay 1968 in France opens the way to a renewal of a cinema of social and political intervention that most often adopts a documentary form. Two years later, the Women's Liberation Movement a "new feminism" emerges and invites women to fight against their own oppression and for a freedom of choice with matters regarding their body and their sexuality. This thesis proposes to study the relations forged between cinema, video and feminism between 1968 and 1981 in France, both historically and aesthetically, in terms of production/distribution practices and film forms. In what ways has the camera been invested with the task of accompanying and popularizing feminist struggles ? What has the impact of feminism been in the field of cinema and video ? A look at a rich, diverse and little known body of films allows us to trace this complex history and to show that, as a powerful anti¬establishment and direct action instrument, the camera imposes itself as a preferred means of expression and creativity in women's search for an individual and collective identity. The first part addresses the sudden development of the "woman question" in a militant cinema that reconfigures itself after May 1968 : the opening of a specific feminist coalition within a cinema that was mostly oriented towards class struggle reveals itself as very limited and sometimes antagonistic. The second part questions the appearance of an autonomous feminist practice by women that takes a political approach to self-representation in the field of video activism. Here, taking hold of the camera is a response to a political need to speak out and to reappropriate their body and their sexuality through the image. Beyond the hard core of militant films, the third part examines the uses and the feminist politics of cinema. In particular, it puts "women's cinema" to the test in terms of feminism in order to closely examine its theories and practices
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Guimarães, Pedro Maciel. "Créer ensemble : l'apport des collaborateurs de création à l'oeuvre de Manoel de Oliveira." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030127.
Анотація:
Un film est une œuvre de collaboration qui se nourrit des différentes sensibilités des professionnels qui le font et qui épaulent, de manière plus ou moins significative, son auteur. Notre réflexion se situe au moment charnière de toute œuvre artistique, sa création. L’étude de la poétique du film, des processus de sa fabrication, permet d’en comprendre plus profondément les enjeux esthétiques. En abordant spécifiquement les relations de collaboration chez le réalisateur portugais Manoel de Oliveira, il s’agit d’enquêter sur la façon dont les rapports idéologiques, personnels et professionnels que le cinéaste noue avec quelques-uns de ses collaborateurs déterminent la conception de l’image, du montage, du choix des acteurs et du processus d’adaptation d’une œuvre littéraire. Les professionnels choisis sont l’acteur portugais Luis Miguel Cintra, la monteuse française Valérie Loiseleux, le directeur de la photographie suisse Renato Berta et la romancière portugaise Agustina Bessa-Luis. En analysant ces relations bilatérales, ce travail se demande comment la présence du collaborateur influence la conception de la mise en scène d’Oliveira et comment le fait d’être un interlocuteur privilégié du réalisateur portugais détermine la suite de la carrière de quelques-uns de ces collaborateurs. Sans mettre en doute le cinéma d’auteur, nous croyons néanmoins au cinéma de collaboration, un cinéma qui dit « nous » au lieu de « je », où le collaborateur est non seulement un témoin du faire cinématographique, mais aussi une surface sensible, une présence active et constamment mise à l’épreuve dans le processus de création qu’il intègre – et qui l’intègreA film is a collaboration work that feeds on the different sensibilities of the professionals who make it and contribute, more or less significantly, to its author. This study focuses on the key moment of every work of art, its creation. The study of the poetics of film – the making of film – allows for a more profound understanding of the aesthetic challenges involved. Specifically addressing the collaborative relationships of Portuguese filmmaker Manoel de Oliveira, involves inquiring how the ideological, personal and professional relationships the filmaker has with his collaborators determines his concepts of image, editing, his choice of actors and the process of adapting a literary work. The chosen professionals are Portuguese actor Luis Miguel Cintra, French editor Valerie Loiseleux, Swiss Cinematographer Renato Berta and Portuguese novelist Agustina Bessa-Luis. By analyzing these bilateral relationships, this study questions how the presence of the collaborators influences the concept of Oliveira’s scene setting, as well as how being a privileged interlocutor of the Portuguese filmmaker influences the careers of these collaborators. Without calling the author’s work into question, we believe in collaborative cinema, a cinema that says « us » instead of « me ». A cinema where the collaborator is not only a witness to the making of films, but also a sensitive surface and an active presence put to the test in the creation process which he integrates and integrates him
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Floquet, Pierre. "Le langage comique de Tex Avery : dix années de création à la M.G.M : 1942-1951." Bordeaux 3, 1996. http://www.theses.fr/1996BOR30039.
Анотація:
Par une approche semiotique du langage comique de tex avery, il s'agit de demontrer que ses dessins animes sont construits selon des regles originales, et proposent une organisation novatrice de leurs effets comiques. Ceux-ci s'inspirent des codes et conventions du cinema burlesque pour mieux les transcender, que ce soit dans les relations pragmatiques etablies avec le public, dans le choix et l'interpretation des themes, ou encore dans la syntaxe filmique elle-meme. Le langage comique averien dynamise la trame narrative de la course-poursuite. Il est evolutif dans l'emploi des gags, ainsi que dans leurs articulations au sein de la phrase cinematographique. Il est egalement transgressif et absurde ; tex avery manipule toute notion de realite dans une representation qui est non seulement onirique et humoristique, mais aussi toujours tres actuelleThrough a conceptual reference to semiotics, the aim of this study is to assess that tex avery's comic language is organised, in his cartoons, around original laws, together with the innovating set-up of the gags. They are rooted in the codes of burlesque cinema. However, these gags break free of its conventional rules and go beyond them, whether the pragmatic relations with the audience, the selection and use of the themes, or the cinematic syntax itself is at stake. Avery's comic language gives a fresh interpretation to the narrative thread of chasing. It evolves through the varied use of the gags, as well as through their grouping within the cinematic structure. Moreover, it is both absurd and transgressive. Avery turns every aspect of reality into his own representation of it, which is not only humoristic and oneiric, but also very much up to date
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Dugas, Hélène. "Le rêveur, scénario de film ; suivi de Étude sur la lucidité onirique et réflexion sur le processus de création scénaristique." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/mq33627.pdf.
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Fiant, Antony. "Otar iosseliani : tel un demiurge a la surface du film." Caen, 2000. http://www.theses.fr/2000CAEN1291.
Анотація:
Otar iosseliani, cineaste georgien, ne en 1934 a tbilissi, est l'auteur d'une oeuvre originale et attachante qui ne compte que peu de films (huit longs-metrages de fiction en plus de trente ans). Mais elle constitue assurement une des plus importantes du cinema contemporain. C'est en tout cas ce que tente de demontrer cette these, en trois temps. D'abord, a travers l'analyse d'un processus de creation tout a la fois philosophique, primitif et teleologique, c'est-a-dire, comparable a celui du demiurge, replace dans la lignee du cinema muet et base sur une methode refusant categoriquement le hasard. Ensuite, en dissequant la fonction du regard du cineaste sur le reel. Que ce soit dans ses documentaires (il en a realise cinq), dans ses trois premiers films tournes en georgie, ou en apprivoisant des cultures etrangeres (principalement la france mais aussi l'afrique), le regard qu'il porte sur le monde fait de lui un cineaste universel. Enfin, en tentant de restituer le plus fidelement possible une des caracteristiques esthetiques de son cinema : le rythme, tant sonore que plastique et structural. Tout au long de ces trois parties, il s'agit egalement de definir l'ethique de iosseliani.
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Paré, Denise. "Les contes de l'Oikos, création scénaristique, suivi de Une écocritique de la représentation filmique de l'habitat urbain." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2014. http://savoirs.usherbrooke.ca/handle/11143/88.
Анотація:
La difficulté des sociétés développées à s’inscrire de manière soutenable dans la biosphère et à résoudre les problèmes écologiques provoqués par leur croissance pose un défi de taille à la civilisation postindustrielle qui s’est, de manière illusoire, autonomisée de son substrat naturel. Motivé par le désir de régénérer le rapport entre l’être humain et son milieu biophysique, ce mémoire de recherche-création explore la possibilité des œuvres de fiction cinématographique de mettre en jeu une pensée pragmatique et mythique qui s’applique à ressaisir l’habitat humain urbain de manière à assurer la viabilité de l’écosystème dans lequel il s’inscrit. D’une certaine manière, l’entreprise peut se rapprocher d’une recherche sur les pratiques émancipatoires dans le domaine de l’habitation urbaine écologique, dont le rapport prend une forme insolite, c’est-à-dire un scénario de film.
La première partie du mémoire est constituée d’un travail de création scénaristique : Les contes de l’Oikos. Une biologiste souhaite rénover, avec l’aide de son compagnon et de leur fille, la maison de son père dont elle vient d’hériter. Son projet consiste à concevoir cet habitat urbain et le milieu dans lequel il s’insère comme un écosystème. Elle voit son entreprise mise en péril par celle d’un promoteur immobilier. Parallèlement à ce récit, un conte peuplé de personnages mythiques, créé par les parents pour la fillette, fait écho aux motifs réalistes et offre une interprétation onirique des scènes du quotidien.
La deuxième partie tente Une écocritique de la représentation filmique de l’habitat urbain. Cet essai retrace l’émergence, au cours des années 1990 aux États-Unis, d’une nouvelle perspective théorique issue de la critique littéraire, soit l’écocritique. Son développement et son rayonnement sont examinés avant de cerner plus précisément comment cette approche envisage les thèmes étudiés : l’habitat et la ville. Sur le plan méthodologique, la recherche explore les possibilités offertes par la réflexion de Bruno Latour afin de conduire l’analyse écocritique de deux films qui mettent en scène, dans une certaine mesure, des habitats urbains : l’un, dystopique, Soleil vert, l’autre, eutopique, La belle Verte. Enfin, Les contes de l’Oikos sont reconsidérés à la lumière de ces analyses.
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Elipe, Gimeno Javier. "Composer d'après le cinéma muet : une approche théorique et pratique." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080127/document.
Анотація:
Ce travail étudie le rapport entre le langage narratif cinématographique et le discours musical contemporain. Le point de départ en a été l’étude des nouvelles créations contemporaines écrites pour accompagner certains films de l’époque du cinéma muet. Pour atteindre ces objectifs, nous sommes partis d’une vision théorique, pour arriver à l’analyse plus concrète qui nous a donné les consignes de base pour créer notre propre modèle d’analyse applicable à la composition. Ce modèle permet de préciser les concepts nous permettant d´aborder la relation entre le film et la musique selon deux axes, que nous appelons respectivement « points d’ancrage » (qui traitent des points d’articulation du discours cinématographique avec la musique) et « points de référence » (qui gèrent les éléments formels du discours cinématographique et musical). Dans la dernière partie de ce travail, nous appliquons notre modèle à la réalisation de quatre projets personnels, qui représentent une « conclusion artistique » des éléments analysés au cours de cette rechercheThis work studies the relationship between the film’s narrative language and the contemporary music speech. The starting point of this work is the study of the new contemporary scores, which were composed for silent films from the 1920’s onwards. To reach these goals, we started from a theoretical vision, to subsequently perform a practical analysis. This gave us the important points to create our analysis model to be used for music composition. This model allows us to clarify the relationship between the film and the music, based on two main axes: the “anchoring points” (giving us the articulation points between the music and the film) and the “reference points” (which deals with the formal elements of both film and music speech). In the last part of our work, we have applied our model to the composition of four personal projects, which were created as an artistic conclusion of our research
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Kouts, Aurite. "Silence on tourne! Incidences des interactions entre acteurs dans le cadre d'un processus creatif." Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0032.
Анотація:
La présente thèse se propose d’étudier les ressorts d’un tournage d’un long métrage de fiction sous l’angle des interactions de ses participants dans un contexte particulier : celui du cinéma israélien. Ma thèse s’inscrit dans la continuité des travaux des sociologues de l’école interactionniste au sens large tels que Howard S. Becker ou Erving Goffman Elle se base sur une enquête de terrain de plusieurs mois en observation participante d’un tournage d’un long métrage de fiction israélien contemporain tourné majoritairement à Jérusalem et une trentaine d’entretiens qui apportent un éclairage inédit sur la manière de faire des films dans le pays.Le tournage est une étape d’action collective intense où différents agents interagissent ensemble dans un processus de création. Il est donc le centre d’interactions sociales riches et particulières dont l’analyse permet de mettre à jour leur influence sur la fabrication du film. La thèse montre également les spécificités d’un tournage d’un long métrage de fiction dans une ville, Jérusalem, où la religion et le contexte géopolitique altèrent l’organisation codifiée du plateauThis thesis studies the nuts and bolts of the filming of a feature film through the interactions of the people working on the set in the particular context of Israeli cinema. My thesis follows the works of sociologists of the broader interactionist school of thought such as Howard Becker or Erving Goffman. The thesis is based on several months of fieldwork as a participant observer on the film set of a contemporary Israeli feature film filmed mostly in Jerusalem as well as thirty interviews which bring an unprecedented overview of the way films are made in the country. Principal photography is the stage of intense collective action during which different agents interact together in a creative process. Thus, the film set is at the center of rich and particular social interactions. By analyzing those interactions, one can uncover their influence on the making of the film. The thesis also demonstrates the peculiarities of filming a feature film in a city, Jerusalem, where religion and the geopolitical context affect the codified organization of the film set
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Pailler, Jérémy. "Un cinéma d'animation plasticien : expérience de l'interstice, poétique de la tresse." Thesis, Toulouse 2, 2016. http://www.theses.fr/2016TOU20086.
Анотація:
L'animation est« l'art de se servir des interstices invisibles entre les images». Le cinéaste Norman McLaren souligne ici que la construction du mouvement dépend d'une pratique du dessin de recherche, dont n'est restituée à l'écran que la forme aboutie. Une réflexion s'engage au sujet des processus créatifs d'un cinéma d'animation « d'atelier », fondé sur une démarche expérimentale. Ouvert lors de la réalisation de chaque photogramme, « l'interstice invisible » désigne le chantier de création dans lequel la pratique artistique et le développement filmique sont interrogés. Durant la réalisation, les cinéastes plasticiens font régulièrement « l'expérience de l'interstice » en questionnant leurs dess(e)ins. De nouvelles formes visuelles et narratives peuvent émerger d'une telle démarche, qui favorise les tensions dialectiques tout en encourageant les lignes d'invention : le fixe rencontre l'animé, la fiction se mêle au scénario poïétique et les supports s'entrelacent. Une poétique de la tresse se construit alors. Cette thèse propose de caractériser et de raconter le parcours de recherche du cinéaste plasticien, ainsi que de définir sa ligne de conduite. Il s'agira d'identifier les formes tressées qu'il élabore, jusqu'à émettre des propositions conceptuelles, telles que des « illustrations filmées » ou des matières «ectoplastiques ». Le cinéma d'animation plasticien pourra être défini à cette occasion autour d'une pensée du «tiers» ou du « dehors ». La thèse adopte une ligne de création-recherche, fondée sur des relations entre théorie et pratique, qui favorisent le croisement d'expériences artistiques et d'exercices de penséeAnimation is «the art of manipulating the invisible interstices that lie between frames». Animator Norman McLaren explains that building movement depends on a research practice, that we can only see the result on screen. An experimental cinema can be defined from his comment. The « invisible interstice » opens with the creation of each new image, and so does the creative disorder, that goes along with questioning the artistic practice and the film development. During production, animators experiment the interstice. New narrative and visual forms can emerge from such an approach, which stimulates dialogues and invention : fixed pictures meet moving pictures, fiction crosses creative development, and media interlace. A poetic of the braid builds itself. This PhD proposes to characterise and tell the creator's explorative journey, and to define his process. We will identify the enlaced forms he creates, and we will propose concepts such as « filmed illustrations » and «ectoplastic» material. Experimental cinema will be defined as a « third » or an « out » cinema. This PhD adopts a line of creation and research, based on a continuous relationship between artistic experiences and theory
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Welker, Cécile. "La fabrique des "nouvelles images" : l’émergence des images de synthèse en France dans la création audiovisuelle (1968-1989)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA116/document.
Анотація:
Entre la première thèse en informatique graphique (soutenue en 1968) et la première publicité entièrement synthétique diffusée à la télévision (en 1983), les images de synthèse se transforment en “nouvelles images”. Il ne s’agit pas d’évaluer ces prétendues images nouvelles en fonction de leurs qualités distinctives de rupture ou de continuité que l’expression a tendance à appeler, mais d’étudier leur mode de production et de représentation afin de déterminer ce qu’elles montrent des techniques employées, et les imaginaires que ces dernières véhiculent au moment d’émergence de l’image numérique, comme autant de propositions créatives mais aussi d’enjeux idéologiques. Étudiées d’un point de vue technique puis esthétique, grâce à l’étude croisée de témoignages, de littérature grise, et de l’analyse formelle des films, ces productions donnent à voir un processus de réappropriation du médium, avant et après l’image. Si elle définit une histoire « officielle » des images de synthèse en France, en replaçant aussi précisément que possible les productions dans leur environnement technique, politique et culturel, cette thèse a finalement mis en évidence les temps des images de synthèse en tant que produit innovant, depuis leurs lieux de fabrication jusqu’à leurs lieux de légitimation. Ses conclusions mettent en jeu les différentes circulations locales des hommes, des outils et des images, au moment où la politique culturelle de 1981 favorise la jonction art-ordinateur, et l’indiscipline des créationsBetween the first PhD in computer graphics (defended in 1968) and the first entirely synthetic advertisement broadcast on television (1983), computer-generated images became “new images”. The aim is not to assess these so-called new images according to their distinctive qualities of rupture or continuity, as the expression would suggest, but rather to study their mode of production and representation in order to determine what they show from the techniques employed, and the imaginative worlds that they convey at the time of the emergence of digital images, like so many creative suggestions but also ideological issues. Studied first from a technical, then from an aesthetic point of view, thanks to the cross-study of testimonies, grey literature and a formal analysis of the movies, these productions show a process of recovery of the medium, before and after the image. This PhD not only defines an “official” history of computer-generated images in France, replacing as precisely as possible the productions in their technical, political and cultural environment, but it also reveals when computer-generated images are innovating products, from their places of fabrication to their places of legitimacy. The conclusions question the different local circulations of people, tools and images, at a time when the cultural policies of the year 1981 promotes the bond between art and computer, and the indiscipline of creations
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Champagne, Renée. "Lavoisier à la mer : recherche-création autour de la problématique de la réception théâtrale." Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25651/25651.pdf.
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Langlois-Marcotte, Dominic. "Adaptation cinématographique de la nouvelle Femme de lumière de Claude Vallières : scénario, film, démarche de création et réflexion sur la lumière dans le film noir." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28116/28116.pdf.
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Le, Blanc Florence. "Les épaves scintillantes : emplois autofictionnels de la photographie au sein du récit filmique." Doctoral thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/36804.
Анотація:
350081\u Prenant pour point de départ l’idée de mener une «recherche du temps perdu» par un emploi filmique de la photographie, cette thèse présente la progression d’un processus de recherche-création dont résulte le film Les Épaves scintillantes. L’ensemble réflexif se compose de quatre chapitres associés à chacune des phases du projet. Considérant le questionnement qu’occasionne la Recherche auprès de plusieurs artistes et théoriciens de la photographie, l’idée de s’inspirer de Proust pour menerune réflexion sur les relations entre la photographie et la mémoire est d’abord interrogée en regard des essais La Chambre claire de Roland Barthes et Marcel Proust sous l’emprise de la photographie de Brassaï. Puis, l’influence que peuvent exercer les images sur l’écriture d’un récit est ensuite examinée à partir de démarches de création proposant diverses formes de rencontres entre la photographie et la narration. Sont ainsi examinés différents exemples de films photographiques : Locke’s Way et Voice : off de Donigan Cumming, Les Photos d’Alix de Jean Eustache et (nostalgia) d’Hollis Frampton. Privilégiant des films comportant une dimension autofictionnelle exercée dans une approche performative, la réflexion est également élargie à des pratiques qui, hors de ce champ disciplinaire, rejoignent autrement le projet. Alors que le film Les Épaves scintillantes présente le récit d’un voyage, les photographies qui y sont employées résultent d’une démarche visant à combiner la remémoration visuelle simultanément à l’acte photographique. À titre d’exemples, les démarches de Pierre Gauvin et de Sophie Calle sont ainsi examinées en tant qu’approches employant le déplacement comme dispositif de fictionnalisation de la photographie. Les œuvres India Song de Marguerite Duras et À distance de Patrick Altman sont aussi observées en regard des singuliers questionnements qu’elles induisent quant à la fictionnalisation filmique ou photographique de lieux d’abord remémorés. En somme, cette thèse vise à établir – par la voie dugeste créateur – un dialogue entre différentes démarches essayistes et artistiques employant le souvenir visuel en tant que matière de création.
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Lafleur, Valérie. "QI GONG CRÉATEUR. Potentialité du Qi Gong comme outil de création au théâtre." Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/29414/29414.pdf.