Статті в журналах з теми "Attention poétique"
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Guérin, Olivia. "Poétique du recueil dans la Vie immédiate de Paul Éluard." Études littéraires 30, no. 2 (April 12, 2005): 37–54. http://dx.doi.org/10.7202/501201ar.
Анотація:
Paul Eluard a accordé une attention spéciale à la construction de ses recueils poétiques et a élaboré une pratique originale dans ce domaine. Il n'a cessé de monter et de démonter des recueils, de conférer aux textes des positions et des sens différents. Un recueil poétique n'est pas un objet arbitraire ; il répond à une volonté de construction, de définition de la part de l'auteur. On peut donc dire que le recueil poétique est une œuvre à part entière. Or, c'est un type d'œuvre bien particulier, au sein duquel prend pleinement place l'hétérogénéité, la dispersion. L'exemple de la Vie immédiate est caractéristique à cet égard, parce qu'il répond simultanément à une recherche de cohésion, à la fois globale et ponctuelle (de texte à texte), et à un principe de pulvérisation, de dispersion. D'autre part, il s'agit de montrer que les textes ne prennent sens qu'en contexte. Or, la Vie immédiate est constituée en grande partie de textes qui ont déjà été publiés précédemment, et les textes de cette œuvre seront abondamment republiés par la suite. Il est donc intéressant d'étudier cette œuvre dans une perspective diachronique, en analysant les différents états du texte et le destin de l'œuvre comme ensemble.
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Ducroux, Amélie. "Écritures poétiques modernes et dépaysements dans la langue." Textures, no. 24-25 (January 1, 2018): 65–86. http://dx.doi.org/10.35562/textures.246.
Анотація:
Cet article tente d’aborder la question du dépaysement dans la langue opéré par l’écriture. La tension possible entre volonté de dire et nécessité d’inventer un nouvel idiome, entre volonté illusoire de se désassujettir de la langue et impossibilité de se départir de la langue, est analysée à la lumière de certaines pratiques d’écriture à même de révéler cette tension. À partir d’une lecture de La Poésie comme expérience, de Philippe Lacoue-Labarthe, et de son commentaire sur Paul Celan, l’article se propose d’interroger ce que la poésie peut faire subir au langage, lorsqu’émerge une parole poétique singulière qui vient creuser son « abîme ». Les possibilités d’émergence d’une parole poétique singulière sont alors interrogées, plus spécifiquement, à la lumière de certaines écritures modernistes anglo-américaines capables de déplacer le sujet de l’écriture dans sa propre langue et de dépayser le lecteur en le confrontant à cette altérité ou en créant un espace où la discontinuité et la dissonance du « discours » mettent en péril toute forme d’ancrage. Une brève analyse d’un texte de Gertrude Stein extrait de Tender Buttons, tente de mettre en évidence une tension entre attention portée à la grammaire et désir d’un rapport au signifiant en tant que pur matériau. Les modalités, différentes, de l’expérience du dépaysement que peut faire le lecteur de The Waste Land, de T.S. Eliot, sont ensuite abordées en termes d’arrachement à tout « pays », de rupture et d’écart. Cet article n’entend nullement rassembler ces poétiques aussi diverses, ni même les comparer, mais simplement esquisser des pistes de réflexion, à partir de la question du dépaysement dans la langue, en s’intéressant notamment à la référentialité, aux possibilités de réinvention et de subversion de la langue et à leurs effets sur le lecteur, ou à l’hermétisme, problématiques liées à la modernité poétique au sens large.
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Laranjeira, Mário. "Sens et signifiance dans la traduction poétique." Meta 41, no. 2 (September 30, 2002): 217–22. http://dx.doi.org/10.7202/003399ar.
Анотація:
Résumé La traduction de textes pragmatiques exige du traducteur qu'il porte une attention particulière à la structure notionnelle (notions et relations notionnelles) du texte de départ de façon à rendre fidèlement la fonction communicative de celui-ci ainsi que sa tendance à !' univocité. Cependant, dans le cas de la traduction de textes poétiques, il est important de faire ressortir la prédominance du signifiant (face "matérielle" du signe) et l'obliquité sémantique constituant le passage d'accès au niveau sémiotique de signifiance et rendant possible la lecture multiple par la rupture du réfèrent externe.
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Garziano, Svetlana. "Perception et expression du temps dans les écrits autobiographiques d'Osip Mandel'štam de Vladimir Nabokov." Modernités Russes 10, no. 1 (2010): 147–66. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2010.906.
Анотація:
L’article examine la figure du temps dans Le bruit du temps (1925) de Mandel’štam et dans l’autobiographie russe de Nabokov Autres rivages (1954). Les deux autobiographes portent une attention particulière à la nature du temps et à ses propriétés. Le concept du temps chez Nabokov fut influencé, en grande partie, par la poétique de l’acméisme.
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Cull, Laura. "There is transition." Cahiers de danse N° 0, no. 1 (April 5, 2023): 22–25. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001.0022.
Анотація:
De la croissance d’une plante à la destruction d’un écosystème, la transition opère à des échelles parfois si microscopiques – ou au contraire si vastes – qu’elle déborde notre capacité perceptive. Laura Cull propose de prêter attention à ce qui nous échappe, et de nous exercer à regarder ce qui nous apparaît inerte : la stase peut exciter le geste et la langue poétique.
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Szilágyi, Ildikó. "Questions de forme et de genre en traduction poétique." Translationes 5, no. 1 (January 1, 2013): 62–74. http://dx.doi.org/10.2478/tran-2014-0090.
Анотація:
Abstract The present study examines modern and contemporary French poetry from the point of view of its translation into Hungarian. Firstly, the French and Hungarian traditions of poetic translation are summarized briefly. Then the possibility of translation of “verset” (long verse), not recognized in Hungarian poetry as a modern poetic genre, is discussed. Particular attention is called to the return of several contemporary French poets to traditional versification, and to the difficulties of Hungarian translators to suggest the importance of this return. Finally, the Hungarian translation of Roubaud’s volume of poetry (Quelque chose noir) invites reflection on the constraints of Oulipo
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Szczur, Przemysław. "Du dédoublement auctorial au dédoublement lectoral. À propos de Poetyckie podwojenie. Marian Pankowski – polski poeta języka francuskiego / Dédoublement poétique. Marian Pankowski – poète polonais de langue française de Dorota Walczak-Delanois." Romanica Cracoviensia 22, no. 1 (June 30, 2022): 115–19. http://dx.doi.org/10.4467/20843917rc.22.010.15642.
Анотація:
From a Double Author to a Double Reader. On Poetyckie podwojenie. Marian Pankowski – polski poeta języka francuskiego / Dédoublement poétique. Marian Pankowski – poète polonais de langue française by Dorota Walczak-Delanois This review is a discussion of the book Poetyckie podwojenie. Marian Pankowski – polski poeta języka francuskiego / Dédoublement poétique. Marian Pankowski –poète polonais de langue française, by Dorota Walczak-Delanois. The author emphasizes the value of the monograph, which is the first comprehensive discussion of Marian Pankowski’s French-language poetry. A particularly interesting aspect of the book is its bilingualism. The author of the review interprets it as an extension of Marian Pankowski’s own writing practices and draws attention to the similarities between them and the work of the author of the book. He also emphasizes the influence of the book’s structure on its reception. The work is also presented as an important contribution to the history of Polish francophony.
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Nash, Suzanne. "La présence de Jean Tortel." Études françaises 40, no. 3 (December 20, 2004): 43–54. http://dx.doi.org/10.7202/009734ar.
Анотація:
Résumé Bien que Jean Tortel ait toujours envisagé le langage poétique comme une façon de soustraire les choses du monde matériel au flux de la réalité phénoménale, la publication des Villes ouvertes (1965) marque un tournant décisif dans sa conception du langage envisagé comme instrument de ce transfert. Le recueil posthume intitulé Limites du corps (1993), composé d’un choix de poésies tirées de quatre de ses ouvrages de maturité — Les villes ouvertes (1965), Relations (1968), Limites du regard (1971) et Instants qualifiés (1973) —, saisit l’intensité de ce passage d’une langue renvoyant au monde de manière imagée à une attention dénuée de tout lyrisme, portée sur l’acte même de transcription. Cet article retrace l’art poétique plus tardif de Tortel et propose de lire Passés recomposés, publié en 1989, comme un recueil avec lequel Tortel aurait sciemment refermé la fenêtre des Villes ouvertes, détournant ainsi son regard du monde extérieur pour le diriger vers le lieu fugitif de la mémoire.
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Arrivé, Michel. "Greimas et la linguistique, la poétique et la sémiotique au quotidien, d’après sa correspondance inédite avec Michel Arrivé." Semiotica 2017, no. 214 (January 1, 2017): 67–90. http://dx.doi.org/10.1515/sem-2016-0183.
Анотація:
RésuméMichel Arrivé donne une édition annotée des lettres que Greimas lui a adressées de 1964 à 1987. Ces lettres fournissent des informations peu connues (et parfois totalement inconnues) sur les nombreuses activités menées par Greimas pendant cette période importante de l’histoire de la linguistique et de la sémiotique : travaux de grammaire française, publication de Sémantique structurale, mise en place et réalisation des Essais de sémiotique poétique, publiés en 1972, etc. Elles permettent aussi d’entrevoir quelques aspects de la personnalité de Greimas : il se révèle constamment énergique, à la fois passionné et optimiste, plus rarement découragé, mais pour quelques instants seulement, par des attaques injustifiées. Les lecteurs attentifs porteront également attention au style de ses lettres, qui réussit l’exploit oxymorique de paraître à la fois spontané et surveillé.
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Vámos, Violetta. "Vörösmarty Mihály gimnáziumi latintankönyveinek azonosítása Ovidius-fordításai alapján." Magyar Könyvszemle 136, no. 2 (December 30, 2020): 125–37. http://dx.doi.org/10.17167/mksz.2020.2.125-137.
Анотація:
Les éditeurs de l’édition critique de l’oeuvre du poète ont accordé une attention particulière aux poèmes que Vörösmarty Mihály a composés lors de ses années de lycée. La première biographie du poète, celle de Pál Gyulai, a déjá mis en valeur l’importance des années scolaires dans la formation du profile poétique de Vörösmarty. Frigyes Brisits et Károly Horváth avaient présenté les premiers résultats concrets à ce sujet. Károly Horváth a consacré une étude monographique complète aux influences antiques/classiques qu’on peut repérer dans l’oeuvre du poète. Les résultats de cette étude et du premier volume de l’édition critique sont une contribution importante à la reconstruction du progrès linguistique et littéraire du jeune poète. Les premiers textes de Vörösmarty fournissent une illustration spectaculaire du corpus et des méthodes de l’enseignement pratiqué dans la Hongrie du 19e siècle. Peut-on renverser ce rapport? L’étude des textes scolaires peut-elle contribuer à l’analyse de la formation et du progrès du profile poétique du jeune auteur? Dans mon article, je me propose d’étudier l’auteur peut-être le plus important de l’enseignement de la langue latine au début du 19e siècle: Ovide.
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Romera Pintor, Ángela M. "Mes soixante ans y sus referentes políticos y literarios: las memorias en verso de Constance de Salm." Çédille 11 (April 1, 2015): 439. http://dx.doi.org/10.21071/ced.v11i.5600.
Анотація:
Cet article aborde l’étude des mémoires de Constance de Salm, Mes soixante ans, qui datent de 1833. Dans ces mémoires en vers, l’auteure rappelle ses propos féministes pour soutenir les droits de la femme, tel qu’elle l’avait fait tout le long de sa vie. Nous retracerons les référents politiques et littéraires du discours poétique, qui remémore les événements les plus significatifs d’une époque de grands changements en France, de la fin du XVIIIe siècle jusqu’au début du XIXe, tout en attachant une attention particulière à l’époque impériale, en raison de son rapport avec la production littéraire de Constance de Salm.
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Ringuedé, Yohann. "Le bestiaire de Poèmes barbares : politique, écologie et poétologie." RELIEF - Revue électronique de littérature française 16, no. 1 (July 8, 2022): 34–46. http://dx.doi.org/10.51777/relief12340.
Анотація:
L’étude du motif animal dans l’œuvre poétique de Leconte de Lisle connaît deux grands courants. D’une part, l’animal est considéré dans sa valeur analogique comme un miroir de l’homme, de son intimité psychologique ou de son organisation sociale. D’autre part, sa description relève d’une tentative parnassienne de créer une poésie de l’objectivité : il est dépeint au plus près de sa nature bestiale (biologique ou éthologique). Face à cette double tradition, une lecture attentive du recueil Poèmes barbares, avec en particulier une attention portée à l’intégralité des poèmes, et non aux seuls poèmes animaliers, permet de relever une originale entreprise poétologique, de la part de Leconte de Lisle, qui cherche à poser les bases d’une réunification de l’homme et de la bête : séparés par l’histoire et la religion, tous deux se retrouveront dans un phénomène d’extinction commun qui les verra fraternellement se taire soudain. C’est donc à une réflexion écologique que se livre le poète de l’île Bourbon qui réfléchit les modalités selon lesquelles l’homme devrait vivre avec l’animal, et, plus largement, avec la nature.
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Brouillette, Marc André. "La force du regard." Études françaises 40, no. 3 (December 20, 2004): 55–64. http://dx.doi.org/10.7202/009735ar.
Анотація:
Résumé Dans son essai intitulé Le discours des yeux (1982), Tortel s’interroge sur les principales composantes de sa propre poétique. Sa réflexion s’inspire de ses préoccupations à l’égard de la perception sensorielle, de la réalité matérielle des objets et de la parole. La notion de regard y occupe une place prépondérante et est constituée, selon le poète, du désir et de limites, deux composantes entre lesquelles s’établit un rapport d’opposition. La nature de ce rapport s’avère emblématique de la manière dont Tortel formule sa relation au monde, relation largement influencée par les rapports binaires et le dualisme. La lecture proposée ici de cet essai souhaite montrer l’importance de ces principes à l’intérieur d’une oeuvre ayant constamment accordé une grande attention à la dynamique relationnelle entre les êtres et les choses.
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Brissette, Pascal. "Le poète qui récitait des vers par-delà le tombeau." Études 36, no. 3 (July 6, 2011): 81–98. http://dx.doi.org/10.7202/1005125ar.
Анотація:
Déclaré « mort » par le critique Louis Dantin en 1902, le poète Émile Nelligan n’en continue pas moins d’écrire des poèmes et de réciter des vers à ceux qui viennent lui rendre visite dans les institutions asilaires où il passe l’essentiel de sa vie. Ce sont ces récitations d’outre-tombe, ou plutôt trois récits qui en sont faits au cours du xxe siècle par un médecin (Dr Choquette), un journaliste (Hervé de Saint-Georges) et deux scénaristes (Aude Nantais et Jean-Joseph Tremblay), qui retiendront notre attention dans cet article. Celui-ci cherche à dégager les constantes des figurations qui y sont proposées ainsi que leur évolution au fil des décennies, et s’interroge sur les relations qui se tissent au gré des récits entre les phénomènes d’oralité et d’écriture poétique.
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CÔTÉ, Jean-François. "L’anamnèse bakhtinienne et la poétique historique : de la sociologie au roman — et vice-versa." Sociologie et sociétés 29, no. 2 (September 30, 2002): 121–37. http://dx.doi.org/10.7202/001147ar.
Анотація:
Résumé L'œuvre de Mikhaïl Bakhtine développe des positions très importantes relativement aux possibilités d'analyse des manifestations culturelles de la société contemporaine. Dans ce sens, elle contribue de façon très significative au débat entourant le développement des " sciences de la culture " ou des " sciences de l'esprit " qui a cours dans les sciences humaines depuis la fin du XIXe siècle, en particulier vis-à-vis des problèmes de la " mémoire sociale " et du " sens de l'histoire ". En montrant comment la réflexion de Bakhtine s'inscrit dans le prolongement des sciences de la culture, en engageant un dialogue implicite avec l'onto-épistémologie hégélienne, cet article montre comment on peut saisir, chez Bakhtine, des développements théoriques importants concernant les problèmes de la compréhension et de l'interprétation. En portant notamment attention à la façon dont les analyses bakhtiniennes touchant le discours, puis la littérature (romanesque), contribuent à un approfondissement des possibilités de l'analyse culturelle en général, nous suggérons en retour comment la sociologie peut bénéficier de ces positions révélant une compréhension d'une " poétique historique ".
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Mistreanu, Diana. "La poétique de l’abjection dans Les Trésors de la mer Rouge de Romain Gary." L’abjection : entre dégoût et sublime, no. 121 (March 27, 2023): 63–74. http://dx.doi.org/10.7202/1097952ar.
Анотація:
Written following a trip from Djibouti to Yemen, Romain Gary’s travelogue The Treasures of the Red Sea (1971) has received limited critical attention to date. The text can be placed under the heading of abjection, which is expressed in a multitude of states and seems to govern almost all dimensions – political, social, historical, medical, hygienic – of life. Indeed, the former French Somaliland is depicted as a hypertrophied hell, populated by poor and hopeless people, human traffickers, mutilated women and lost souls. A few sacrificial figures feature, although they look more like Sisyphuses than Redeemers. The poignant reflection on the human condition triggered by this descent into hell that the narrator strives to get through, despite his emotions, in order to make it accessible to his reader, is eventually turned into an ars poetica. The aim of this article is to explore the poetics of abjection in this little-known text, as well as to reveal the mechanisms through which the latter becomes the starting point for a metaliterary reflection on the role of the writer and of literature.
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Noland, Carrie. "Phonic Matters: French Sound Poetry, Julia Kristeva, and Bernard Heidsieck." PMLA/Publications of the Modern Language Association of America 120, no. 1 (January 2005): 108–27. http://dx.doi.org/10.1632/003081205x36895.
Анотація:
This essay recounts my attempt to teach poetry through theory and theory through poetry by juxtaposing Bernard Heidsieck's sound poem Canal Street with Julia Kristeva's La révolution du langage poétique. The psychoanalytic model Kristeva applies to her exegesis of Mallarmé's “Prose” proves insufficient to account for Heidsieck's materialist poetics. However, by reading Kristeva beside Heidsieck, we can gain a glimpse of the resources held in reserve by both texts. Kristeva's attention to poetry's phonematic material facilitates a sound-sensitive approach to Heidsieck's poem. Heidsieck's poem, in turn, suggests that such material reveals not the libidinal drives of a subject but the nonlibidinal, impersonal, acoustico-physiological instrument undergirding the expressive potential of the human voice. The juxtaposition of theoretical and poetic texts demonstrates that poetry possesses an analytic force that can be applied to the theory meant to explicate it.
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Paré, François. "Leblanc, Ginsberg, Hakim Bey et autres visionnaires." Revue de l'Université de Moncton 38, no. 1 (July 9, 2008): 75–92. http://dx.doi.org/10.7202/018405ar.
Анотація:
Résumé Dès le milieu des années 70, lors de voyages à New York et en Nouvelle-Angleterre, Gérald Leblanc fait la découverte cruciale de certains poètes américains de la contre-culture. Le poète acadien est fasciné par les vives discussions suscitées au sein de la société américaine par des écrivains militants comme Allen Ginsberg et Lawrence Ferlinghetti. Cette lecture de toute une époque de contestation deviendra l’une des assises de l’oeuvre poétique de Leblanc. Notre étude porte d’abord sur la figure centrale de Ginsberg, chez qui Leblanc emprunte certaines pratiques formelles et de nombreux éléments thématiques, tels les renvois onomas-tiques à la communauté des poètes, le lexique spiritualiste d’inspiration bouddhiste et la construction même de la mission du poète militant au sein de sa société. Ensuite, une lecture plus tardive, celle du poète contestataire Hakim Bey, attirera notre attention, car elle est à l’origine de la notion de « cartographie » si chère à Leblanc.
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Duhan, Alice. "L’Écriture en langue étrangère comme pratique et comme poétique: le cas de deux écrivains « francographes », Nancy Huston et Andreï Makine." Nottingham French Studies 56, no. 2 (July 2017): 212–26. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2017.0182.
Анотація:
This article examines the claims made by translingual writers Nancy Huston and Andreï Makine about the literary function of the foreign language, and also analyses how the poetic potential of foreign words is thematized in their fiction. It focuses on two novels which portray artistic trajectories in search of a language distinct from the imperfect words of everyday expression, be it through a nostalgically opaque language of childhood as in Le Testament français, or through an exploration of the meeting point of music and language as in Lignes de faille. While both writers emphasize the defamiliarizing function of the foreign language which, for Huston in particular, draws attention to its material form, their novels shift the site of linguistic defamiliarization from formal linguistic innovation to bilingual perception, which is likened to a ‘magic’ of words, an ‘optical illusion’ which serves to preserve childhood wonder and sensitivity.
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Bourque, Bernard J. "Abbé d’Aubignac : prétendant au trône du goût." Oeuvres et Critiques XLVI, no. 1 (April 25, 2022): 69–84. http://dx.doi.org/10.24053/oec-2021-0005.
Анотація:
L’abbé d’Aubignac déclare comme maxime incontestable « que jamais personne ne sera savant dans la Poésie Dramatique, que par le secours des Anciens, et que dans le seul examen de leurs Pièces »1. Les nombreuses citations des auteurs antiques dans La Pratique du théâtre constituent une tentative de la part de d’Aubignac de démontrer ses vastes connaissances dans sa quête de s’imposer comme l’autorité du monde théâtral de son temps. Comme l’affirme Hélène Baby, « l’abbé réserve une place d’honneur à la pratique antique »2. Plaute, Sophocle, Euripide, Térence, Eschyle et Aristophane sont cités plus de trois cents fois dans La Pratique. Des dramaturges contemporains, seul Pierre Corneille attire une attention particulière dans la version non corrigée de l’ouvrage3. À l’égard des théoriciens, les auteurs qui sont le plus souvent cités sont Horace et Aristote. Clairement épris de ce dernier, l’abbé se place toutefois moins comme un disciple que comme une version évoluée de l’auteur de La Poétique. La présente étude vise à examiner l’attitude ambivalente de d’Aubignac à l’égard de l’Antiquité et à démontrer comment l’abbé essaie de s’imposer comme monarque incontesté sur le trône du goût.
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Peters, Kate. "Examining Form and Meaning." Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 43, no. 3 (January 1, 1997): 206–32. http://dx.doi.org/10.1075/babel.43.3.03pet.
Анотація:
Abstract This essay examines the process of poetry translation in terms of prosodic form, showing that a methodical examination of prosody can aid the translator in creating a target text that is truer to the form — and thus to the meaning — of the original poem. No facile one-to-one prosodic correspondences are proposed, rather it is suggested that a close study of prosody in the specific context of the original poetic text can guide the translator in making more intelligent, meaningful and poetic choices. For the purpose of this study, three poems by the Spanish-Americanmoi/erm'stopoet, Delmira Agustini (Uruguay 1886-1914) are examined. The historical connotations and the implicit meaning of the specific forms used are scrutinised in depth, using as a guide T. Navarro Thomas' exhaustive historical study of Spanish-language prosody, Métrica Española. The formal nature of the three poems is analysed in relation to context and then the translations are discussed, giving special attention to the approximation to form in English. Because Agustini and Spanish-American modernismo may not be well known outside the community of Spanish-literature scholars, included as an introduction is a brief description of the modernista movement, as well as a biographical sketch of the poet. There is no claim of any easy formulas or equivalences between Spanish and English prosodies, and neither the original poems nor the translations are written in exact prosodic forms, rather there is, in the translations, an allusion to forms that have poetic resonance — an implicit musical meaning — in English-language readers. Résumé Cet article analyse la traduction de la poésie sous l'angle de la métrique et montre que l'examen méthodique de la prosodie peut aider le traducteur à créer dans la langue d'arrivée un texte plus fidèle à la forme — et donc au contenu — du poème d'origine. Il ne s'agit pas, dans cet article, de proposer des équivalents prosodiques faciles d'unité à unité, mais plutôt de suggérer qu'un examen détaillé de la prosodie dans le contexte spécifique du texte poétique d'origine est en mesure de guider le traducteur à faire des choix plus intelligents, plus cohérents et plus poétiques. En vu de la présente étude, nous avons analysé trois poèmes du poète hispano-américain modernista Delmira Agustini (Uruguay 1886 -1914). Les connotations historiques et la signification implicite des formes spécifiques utilisées sont analysées en profondeur. Pour nous aider dans cette tâche, nous nous sommes servis de l'étude historique très complète de la prosodie espagnole, la Métrica Espaňola de T. Navarro Thomas. Pour étudier l'aspect formel des trois poèmes, nous mettons celui-ci en relation avec le contexte, et en suite nous discutons les traductions en nous attachant tout particulièrement à l'approche formelle réalisée en anglais. Étant donné qu'Agustini et le modernismo hispano-américain sont assez peu connus en dehors de la communauté des spécialistes de littérature espagnole, nous avons joint, a titre d'introduction, une brève description du mouvement modernista ainsi qu'une notice biographique du poète. Il n'est nullement question de fournir des formules faciles ou des équivalents entre les métriques espagnole et anglaise, et d'ailleurs ni les poèmes d'origine ni les traductions sont écrites dans une forme prosodique exacte; il serait plutôt question, dans les traductions, d'allusions à des formes ayant pour le lecteur anglophone, une résonnance poétique — une signification musicale implicite.
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Ivanova, Irina. "Le dialogue dans la linguistique soviétique des années 1920-1930." Cahiers du Centre de Linguistique et des Sciences du Langage, no. 14 (April 9, 2022): 157–82. http://dx.doi.org/10.26034/la.cdclsl.2003.1649.
Анотація:
Notre attention a été attirée par le fait que ces travaux de Jakubinskij et de Vološinov ont été écrits et publiés à la même époque avec une distance de six ans seulement, et par la ressemblance de certains principes dans leurs théories.
Nous poserons alors les questions suivantes : 1) existe-t-il des liens entre ces deux travaux et, 2), pourquoi l'intérêt pour la parole dialogale est-il apparu en Russie précisément à cette époque-là? Pour répondre à la première question, nous devons comparer la théorie du dialogue formulée dans l'article de Jakubinskij avec la conception du dialogue chez Vološinov, présentée dans ses différents travaux. Cette analyse constituera la première partie de notre article. Pour obtenir la réponse à la deuxième question, il faut étudier non seulement les travaux de cette période où l'on mentionne la parole dialogale, mais aussi les œuvres des linguistes et des critiques littéraires russes dans lesquelles on aborde le problème des différentes formes et fonctions du langage. Il s'agit essentiellement de travaux sur la langue poétique, écrits par les formalistes russes et par leurs critiques. Tel était l'entourage scientifique de Jakubinskij et de Vološinov. Cette analyse sera présentée dans la deuxième partie de notre article.
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Meillon, Bénédicte. "Voulay-vous éc(h)opoétizay aveck moy ?" Ecozon@: European Journal of Literature, Culture and Environment 11, no. 2 (September 27, 2020): 17–25. http://dx.doi.org/10.37536/ecozona.2020.11.2.3502.
Анотація:
L’émergence d’un vif intérêt en France pour l’écocritique prête à débat quant à de potentielles spécificités françaises dans ce champ d’études. Nombre d’universitaires francophones se sont emparés du terme « écopoétique ». Certain.es revendiquent une attention plus fine portée à la texture poétique de la littérature, contrairement aux anglophones qui resteraient selon eux plus focalisés sur des aspects idéologiques et thématiques de la littérature environnementale. En m’appuyant sur ma propre expérience liminaire en tant qu’universitaire bilingue et biculturelle, et ayant été formée aux études anglophones à l’Université française mais avec un socle de lectures émanant surtout sur la culture anglophone, je propose ici un essai sous forme de récit, où j’entretisse les divers fils culturels avec lesquels j’ai appris à composer. Je cherche ainsi à démêler les influences multiculturelles enchevêtrées dans mes travaux de recherche en écopoétique et écoféminisme, autre courant écocritique qui fut largement ignoré en France, soudain en vogue aujourd’hui. En outre, cet essai dessine certaines des tendances et initiatives récentes et pionnières en France qui rassemblent les universitaires et divers réseaux autour de l’écocritique francophone, actuellement en plein essor. Pour finir, j’éclaire certains des travaux entrepris au sein de l’atelier d’écopoétique, d’écocritique et d’écoanthropologie de l’Université de Perpignan Via Domitia, à présent baptisé OIKOS, et je synthétise les lignes directrices dont nous pensons qu’elles peuvent déboucher sur une recherche novatrice.
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Ustinovskaya, A. A. "Literary Translation as a Polemic Manifestation of Program Mindsets of Silver Age Trends (translations by V. Bryusov and N. Gumilyov)." Nauchnyi dialog, no. 6 (June 29, 2020): 320–32. http://dx.doi.org/10.24224/2227-1295-2020-6-320-332.
Анотація:
The question of literary translation of poems that are important in the context of developing a new artistic strategy by the leaders of the poetic movements of the Silver Age is considered. The relevance of the study is due to the fact that the multicultural and multilingual dialogue of translators is analyzed both with the texts of the original and with each other. The results of a comparative analysis of poems by Paul Verlaine “Art Poétique” in the translation of Valery Bryusov and Teofil Gautier “L’Art” in the translation of Nikolai Gumilyov are presented. The author notes that Bryusov saw ideas that resonate with his idea of symbolism as a stylistic phenomenon in Verlaine’s work. Particular attention is paid to the fact that Verlaine is polemicizing with the previous tradition - the poetry of the Parnassians, whose principles were embodied in the work of Gautier. The question is raised that Nikolai Gumilev, translating Gautier, engaged in implicit controversy with both Bryusov and Verlaine. The author dwells on the fact that the background of this polemic is the justification of the “neoparnassian” and “neoclassical” foundations in the style and poetics of acmeism. It is proved that the purpose of this polemic is the manifestation of the program mindsets of symbolism (in Bruce's version) and acmeism (in Gumilev version) based on the authority of Verlaine and Gautier.
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DE PALMA, Giulia, and Evelyne PRIOUX. "Poétique du paysage dans la tombe de Patron : nouveaux regards sur les intentions de la commande." Archimède. Archéologie et histoire ancienne 10 (November 2023): 201–24. http://dx.doi.org/10.47245/archimede.0010.var.04.
Анотація:
Résumé Découvert dans les années 1830 le long du tronçon intra muros de la via Latina, le tombeau de Patron a immédiatement attiré l’attention des savants européens. Malgré cet intérêt, toutefois, le tombeau n’a jamais fait l’objet d’une approche globale, visant à restituer les relations que les différents éléments du décor épigraphique, peint et sculpté, auraient pu entretenir entre eux et, dans leur ensemble, avec le paysage environnant. L’étude met en évidence l’étroite complémentarité que ces éléments entretenaient à la fois entre eux et avec l’espace environnant. Celui-ci était marqué par la présence d’un jardin funéraire ou cepotaphion. À l’abri d’un mur, dont l’existence est suggérée par une plaque en tuf (peperino) déclarant le caractère sacré du lieu, ce locus amoenus était évoqué dans une longue inscription métrique. Hymne aux joies que la vie avait offertes au défunt, cette inscription semble vouloir les figer pour l’éternité, grâce à un jeu poétique d’images et de sons, traduits par un vocabulaire soigneusement sélectionné. La métaphore se prolongeait dans les peintures qui ornaient les parois intérieures de la chambre funéraire, dans un espace cette fois-ci réservé uniquement aux membres de la famille de Patron. Le décor du tombeau apparaît comme le résultat d’une conception unitaire, visant à immortaliser le souvenir d’une existence heureuse, même si les différents éléments qui le composent pourraient avoir été introduits à des moments différents, peut-être à l’occasion des décès prématurés des enfants de Patron. Replacé dans son contexte topographique, le tombeau de Patron témoigne aussi du développement sans précédent que connurent les espaces funéraires périurbains dans la seconde moitié du Ier siècle av. J.-C. La position du tombeau, telle que nous avons pu la restituer à partir de la gravure de Domenico Amici, suggère que le tombeau dépendait moins de la via Latina qu’on ne le croyait jusqu’à présent tout en confirmant l’existence d’une voirie reliant la via Latina à la via Appia. La fondation de l’édifice aurait pu s’inscrire dans le cadre d’un processus organique d’occupation funéraire des aires attenantes à la via Appia. Abstract Title: The Poetics of Landscape in the Tomb of Patron: New Perspectives on the Purpose of the Commission The tomb of Patron was discovered in the 1830s, along the intra muros section of the via Latina. Although it immediately attracted scholarly attention, there has been no global study of its epigraphic poems, painted decoration, and relationship to the surrounding landscape. This article discusses the complementarity between all parts of the monument and its environment. The tomb was indeed located in a funerary garden, one of the earliest known examples of cepotaphia in the Roman world. A peperino slab informs us that the place was sacred and suggests the presence of a precinct that protected this locus amoenus. A carmen epigraphicum also praises the beauty and harmony of the landscape, and reminds us that Patron was blessed with a happy life. By celebrating his past happiness, the poem apparently endeavours to perpetuate this state of harmony for ever by rendering, through carefully chosen words, a mimetic image of the chirping of birds. Inside the funerary chamber, the paintings echoed the poem that was probably set outside the grave. Patron’s funerary monument was thus composed of various parts - a garden, a sculpted monument engraved with poems and other inscriptions and an inner chamber with frescoes - and the contemplation of the entire program was only accessible to family members. And yet the decorative program was apparently conceived as a whole, probably by Patron himself. New parts of the program were possibly added on different occasions, e.g. when Patron’s children died, but they formed a coherent ensemble. When considered in its topographical context, Patron’s tomb also illustrates the unprecedented development of periurban funerary spaces in the second part of the 1st century BCE. The position of the tomb, that can be deduced from Domenico Amici’s engraving suggests that the tomb was rather set on a secondary road connecting the via Latina to the via Appia, than on the via Latina itself. Its emplacement is possibly the result of the development of funerary areas connected, thanks to secondary roads, to the via Appia.
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Sarhan Jassim, Hassan. "Les Labyrinthes du Roman Français Contemporain à travers l’Œuvre de Patrick Modiano The Labyrinths of the Contemporary French Novel Through the Texts of Patrick Modiano." Journal of the College of languages, no. 42 (June 1, 2020): 51–79. http://dx.doi.org/10.36586/jcl.2.2020.0.42.0051.
Анотація:
Cette recherche a un objectif précis : étudier les diverses modalités selon lesquelles le motif du labyrinthe se pose comme principe privilégié de l'esthétique du récit chez Patrick Modiano. Cela se fera, dans la généralité, à la lumière de la méthodologie de la poétique textuelle sans pour autant omettre le rôle que pourrait jouer le contexte sur les choix thématiques de l'écrivain. Dans les romans de Modiano, le labyrinthe à plusieurs modes d'existence. Nous en avons discernés trois : le labyrinthe ontologique, dont l’évocation est liée à l’identité du personnage. Le deuxième devrait s’appeler le labyrinthe mémorial dont la présence est en rapport avec le caractère spécifique doté à la mémoire des personnages. Le troisième mode du labyrinthe concerne l’espace labyrinthique dans lequel errent les êtres romanesques de Modiano. Analyser les liens forts divers et multiples que le roman de Modiano établit avec le motif du labyrinthe est un domaine qui n’a pas pris l’intérêt qu’il méritait dans les travaux critiques consacrés à l’écrivain français. Comme nous le verrons au cours de cette recherche, Modiano trouve dans le labyrinthe, en tant que forme comme en tant que sujet, une source d’inspiration extrêmement vitale, dynamique et sans cesse renouvelable. Abstract The current paper aims to study the different forms by which the theme of labyrinth imposes itself as a preferred narrative structure in the novels of the French writer Patrick Modiano. Theoretically speaking, the current research paper will limit itself to the theoretical framework of the textual poetics which relies on the study of literary texts without paying much attention, neither to the context, nor to the life of its author. The analysis of the strong and varied links that Modiano's novels establish with labyrinth represents a field which has not received adequate attention by the critical studies dedicated to this French writer. As it will be shown throughout the current paper, Modiano views labyrinth both as a form and a subject to be a very vital, dynamic, and infinitely renewable inspiration.
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Choinière, Isabelle. "De la médiation phénoménologique: le corps collectif comme forme poétique performative permise par la dissolution de la frontière psychocorporelle." Repertório, no. 28 (December 5, 2017): 134. http://dx.doi.org/10.9771/r.v0i28.25004.
Анотація:
<p class="p1">Résumé:<span class="Apple-converted-space"> </span></p><p class="p3">Cet article vise à examiner une approche de recherche-création qui avait pour but de développer une vision différente du corps performatif à travers son contact avec la technologie, et ceci en portant une attention particulière sur la réintroduction du corps et son intelligence spécifique dans la compréhension et la construction du rapport somatique et technologie. Cet article défend l’hypothèse que la technologie, utilisée dans ces expérimentations comme une physicalité (Leroi-Gourhan 1971, 1973), devient l’activateur d’un processus de reconfiguration sensori-perceptuel qui aura le potentiel de développer, non pas une seule corporéité, mais de multiples nouvelles corporéités issues de la modification physique et phénoménologique de l’effet de la technologie sur le corps performatif en mouvement. Pour faire l’examen de ces altérations et émergences, l’analyse se fera sous l’angle de la corporéité, soit une interprétation ontologique plus récente du corps performatif (Bernard, 2001; Perrin, 2006), qui propose de comprendre le corps comme une ouverture, un carrefour d’influences et de relations, une réalité mouvante faite de réseaux d’intensités (Deleuze; Guattari, 1980; Merleau- Ponty, 1945). Je propose d’analyser ces manifestations de la corporéité qui deviennent possibles par un déplacement ontologique du corps lorsqu’il est sous l’action, et activé, par la technologie. C’est donc une approche qui prend en compte une ontologie en mouvance. Le modèle performatif du ‘corps collectif physique’ a été développé pour expérimenter cette ontologie. Il s’est notamment inspiré du concept de dissolution de la frontière pyschocorporelle développé dans les analyses de Suely Rolnik (2006, 2007a, 2007b) et de Guy Brett (2004) portant sur le travail de l’artiste brésilienne Lygia Clark (Luz, 1975; Rolnik; Diserens, 2005). En suivant ce processus analytique, nous serons en mesure de suggérer que ce déplacement ontologique du corps – rendant possible la prise en compte de sa médiation –, amène l’évolution de la corporalité d’où émergera différentes formes de corporéité.<span class="Apple-converted-space"> </span></p><p class="p3"><span class="Apple-converted-space"><span class="s2">Mo</span>ts clés<span class="s1">:<span class="Apple-converted-space"> </span></span>Art scénique. Performance. Technologie. Somatique. Corporéité.<span class="Apple-converted-space"> </span></span></p><p class="p3"><span class="Apple-converted-space"><span class="Apple-converted-space"><br /></span></span></p><p class="p3"><span class="Apple-converted-space"><span class="Apple-converted-space">MEDIAÇÃO FENOMENOLÓGICA: O CORPO COLECTIVO COMO FORMA POETICA PERFORMATIVA PERMITIDA PELA DISSOLUÇÃO DA FRONTEIRA PSICOCORPORAL</span></span></p><p class="p2"><em>Resumo:<span class="Apple-converted-space"> </span></em></p><p class="p3"><em>Este artigo pretende examinar uma abordagem de pesquisa-criação que visa desenvolver uma visão diferente do corpo performativo através do seu contato com a tecnologia, e isso com especial atenção para a reintrodução do corpo e sua inteligência específica na compreensão e na construção do relatório somático e da tecnologia. Este artigo defende a hipótese de que a tecnologia, usada nessas experiências como fisicalidade (Leroi-Gourhan, 1971, 1973), se torna o ativador de um processo de reconfiguração sensorial-perceptual que terá o potencial de desenvolver, não apenas um corporeidade, mas múltiplas novas corporeidades resultantes da modificação física e fenomenológica do efeito da tecnologia no corpo performativo em movimento. Para examinar essas alterações e emergências, a análise será feita a partir do ângulo da corporeidade, uma interpretação ontológica mais recente do corpo performativo (Bernard, 2001, Perrin, 2006), que se propõe a entender o corpo como uma abertura, uma encruzilhada de influências e relações, uma realidade itinerante composta de redes de intensidades (Deleuze, Guattari, 1980, Merleau-Ponty, 1945). Proponho analisar essas manifestações de corporalidade que se tornam possíveis através de um movimento ontológico do corpo quando está sob a ação e ativada pela tecnologia. É, portanto, uma abordagem que leva em consideração uma ontologia em movimento. O modelo performativo do “corpo físico coletivo” foi desenvolvido para experimentar esta ontologia. Em particular, ele se inspirou no conceito de dissolução da fronteira psicocorporal desenvolvida nas análises de Suely Rolnik (2006, 2007a, 2007b) e Guy Brett (2004) sobre o trabalho da artista brasileira Lygia Clark (Luz, 1975) Rolnik, Diserens, 2005). Ao seguir este processo analítico, seremos capazes de sugerir que esse deslocamento ontológico do corpo - permitindo levar em consideração sua mediação - produz a evolução da corporalidade a partir da qual surgirão diferentes formas de corporeidade.<span class="Apple-converted-space"> </span></em></p><p class="p4"><span class="s1"><em>P</em></span><em>alavras</em><span class="s1"><em>-</em></span><em>chave</em><span class="s1"><em>:<span class="Apple-converted-space"> </span></em></span><em>Arte Cênica. Performance. Tecnologia. Somática. Corporeidade.<span class="Apple-converted-space"> </span></em></p><p class="p4"> </p>
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Béhar, Roland. "“Il ridervi de la goffezza del dire”: Niccolò Franco et la satire napolitaine du pétrarquisme." Renaissance and Reformation 40, no. 1 (July 21, 2017): 187–210. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v40i1.28453.
Анотація:
This essay explores the Neapolitan background of Niccolò Franco and argues that although the main purpose of his Il Petrarchista (Venice, 1539) was certainly a kind of Erasmian and Aretinian satire of the Petrarchist mode which grounded Pietro Bembo’s Prose della volgar lingua (1525), still not enough critical attention has been given to the Neapolitan background of Franco’s education (until 1536), which is essential to an understanding of Il Petrarchista. Indeed, not only did Franco praise the Neapolitan heirs of Pontano’s and Sannazaro’s Academy (Epicuro, Rota and Tansillo), contrasting them with the Venetian imitation of Bembo’s canon, but he himself was also imbued with that Neapolitan humanism which had used poetical satire to shape the intellectual space in sixteenth-century Italy. This paper recalls some passages of Fabrizio Luna’s Vocabulario (1536) and, especially, of Benedetto Di Falco’s Rimario (1535), in order to compare them with Franco’s literary positions—whose conception of imitatio derived also from Erasmus’. In conclusion, this paper suggests that the satirical scheme of Di Falco’s Rimario formulated in nuce a cultural stance that Niccolò Franco would later reinforce in his Il Petrarchista.
L’article explore le contexte napolitain de l’oeuvre de Niccolò Franco et montre que la formation que Franco reçut à Naples, jusqu’en 1536, est essentielle à la compréhension de son ouvrage, même s’il ne fait aucun doute qu' Il Petrarchista (Venise, 1539) fait, dans la lignée d'Érasme et de l'Arétin, la satire de la mode pétrarquiste lancée par les Prose della volgar lingua (1525) de Pietro Bembo. En effet, Franco ne fait pas seulement l’éloge des héritiers napolitains de l’académie de Pontano et de Sannazar (Epicuro, Rota et Tansillo), en les opposant au canon vénitien de l’imitation de Bembo. Lui-même est imprégné de la leçon de l’humanisme napolitain, qui a eu recours à la satire poétique pour défendre sa place dans le champ intellectuel de l’Italie du Cinquecento. L’article rappelle quelques passages du Vocabulario (1536) de Fabrizio Luna et, surtout, du Rimario (1535) de Benedetto Di Falco, pour les comparer aux positions littéraires de Franco — dont la théorie de l’imitatio a été par ailleurs influencée par Érasme. Finalement, on propose que le schéma satirique formulé par Di Falco dans le Rimario contient in nuce une position que Niccolò Franco développa et renforça ensuite dans Il Petrarchista.
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Shufran, Lauren. "“Till I in hand her yet halfe trembling tooke”: Doctrines of Justification in Edmund Spenser’s Amoretti." Renaissance and Reformation 41, no. 1 (April 19, 2018): 89–130. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v41i1.29522.
Анотація:
This article claims there is an underlying soteriological conceit in Spenser’s Amoretti (1595) concerning the roles that “works” and “grace” play in the beloved’s requital: roles with theological analogues in justification, the means by which people were declared righteous before God. I show how Spenser’s lover struggles with works-righteousness, and how Spenser betrays “Protestant” thought about the inadequacy of works even as his lover insists upon them. Spenser’s lover fails repeatedly in his labours until grace comes to him, unwilled, in a moment of concession. His “works” afterward become meaningful—but only according to the reformed understanding by which good works come after faith. Still, a doctrinal line cannot be perfectly drawn, since requital is effected through poetic labour. I propose this irresolution is a consequence of Spenser’s attention to Paul’s Epistles, and their occasional affirmations of the usefulness of law despite their overwhelming insistence on grace. It also stems from the lack of a reformed doctrinal consensus about the role of works after justification.
Cet article avance qu’il y a une dimension sotériologique sous-jacente dans l’Amoretti de Spenser (1595), en se basant sur le rôle des « oeuvres » et de la « grâce » dans la recompense du bien-aimé, rôle trouvant des correspondances théologiques dans la justification et les moyens par lesquels on est déclaré juste devant Dieu. On montre comment l’amoureux de Spenser lutte avec la notion de vertu par les oeuvres, et comment Spenser lui-même fait paraître des idées protestantes au sujet de l’insuffisance des oeuvres, même lorsque son personnage insiste sur leur utilité. Ainsi, le personnage de l’amoureux échoue systématiquement dans ses oeuvres, jusqu’à ce que la grâce lui soit octroyée, sans qu’il l’ait cherchée, et dans un moment de concession. Ce n’est qu’après cela que ses oeuvres trouvent une signification, mais seulement selon l’idée réformée que les bonnes oeuvres sont une conséquence de la foi. Toutefois, on ne peut déduire une ligne doctrinale parfaitement claire de l’oeuvre de Spenser, puisque la récompense y passe par le travail poétique. On propose d’expliquer cette ambivalence par l’attention que Spenser prête aux épîtres de Paul, lesquelles affirment occasionnellement l’utilité de la Loi malgré leur insistance répétée sur l’importance de la grâce. On peut également l’expliquer par l’absence de consensus doctrinal chez les Réformés quant au rôle des oeuvres après le salut par la foi.
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Chamberland, Paul. "L’éclipse du verbe (être)." Dossier 24, no. 1 (August 29, 2006): 82–97. http://dx.doi.org/10.7202/201408ar.
Анотація:
Résumé Envisagée dans son évolution, l'oeuvre poétique d'Yves Préfontaine révèle, d'abord latente, à la fin manifeste, une crise du langage et, par conséquent, de la poétique de l'auteur. Les premières oeuvres se fondent sur une métaphysique du verbe originaire et démiurgique. Par la suite le poète rompra avec cette conception, et la rupture s'accomplira en deux étapes : celle de Pays sans parole, qui substitue à une humanité mythique celle, historique, d'un peuple; celle du Désert maintenant, qui prendra acte du défaut de toute parole fondatrice. Au terme, le poète assume l'exigence éthique radicale d'une parole nue, précaire, adressée à l'autre. Un poème récent, « Non-lieu », propose nettement, par sa signifiance, pareille lecture rétrospective de l'oeuvre et fait, pour cette raison, l'objet d'une étude attentive.
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Lochtchilov, Igor Evgenievitch. "Xx плоскость сверхповести Велимира Хлебникова «Зангези» («Горе и смех») и её «Развитие» у поэтов Обэриу (1927-1929)". Modernités Russes 8, № 1 (2009): 407–35. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2009.1480.
Анотація:
Dans la conclusion de son article “Les cartes entre le jeu et la cartomancie” Lena Silard parle de la macrostructure de “Zanguezi”, sumouvelle de Xlebnikov, qui reproduit la structure du Tarot et du rite d'initiation. La lecture de cette sumouvelle “est devenue le chemin d'initiation pour plusieurs poètes de la génération suivante, en particulier pour les “oberiu”. Elle était importante pour Xarms et Vvedenskij, qui avaient reçu la commande du Théâtre expérimental “Radix” et les répétitions de leur pièce “Ma mère est toute en heures” avaient lieu dans la salle Blanche de l'Institut de la culture artistique - qui est situé sur la place Isakievskaia - dans la même salle où Tatlin, l'artiste, avait mis en scène “Zangezi”. Nikolaij Alexeevič Zabolockij avait commencé de fréquenter les répétitions du “Radix” au Ginxuk. Zabolockij qui avait aussi fréquenté l'atelier de Filonov, connaissait l'idée de départ du cycle de ses peintures “Vvod v mirovoi rascvet”. Ce cycle n’a été présenté qu'une fois en sa totalité (22 tableaux) en 1919 au Palais d'hiver. Dans l'héritage poétique de la fin des années 20 il y a une série de textes, qui invoquent la XX-e “surface” de “Zangezi”, “Malheur et Rire” : ce sont deux poèmes qui ont le même nom “Tentation” de D. I. Xarms (daté du 18 février 1927, dédié à Kazimir Malevič) et de N. A. Zabolotskij (1929) et aussi le poème de A. I. Vvedenskij “Tout”, dédié à Zabolockij. Dans ce poème Xarms joue sur un vers de la XXe surface. Selon I.Sinelnikov ce vers notamment a beaucoup plu à Zabolockij : «Skin’ rubaschku s poluplech». Une attention particulière doit être accordée à la plus ancienne rédaction de la “Tentation” de Zabolockij. Elle est reconstruite par le fils du poète à partir des écrits de 1956, qui ont été conservés dans les archives de A. Y. Sergeev, poète et traducteur russe. Dans cette rédaction-là il existe la figure personnifiée de Rire. Le sujet du poème correspond à la signification de la XX-e carte des grandes longes du Tarot -“Le Jugement ou la Résurrection” (Resurrectio mortuorum). Dans la composition du livre ce poème est à la 5eme place et non pas à la 20eme. C'est facile à expliquer à partir du titre” Smexannye stolbcy”, ce qui exclut l'ordre fixe des textes. On peut entendre l’écho de “Tentation” et d'un poème de l’Ukrainienne Milica dans le poème “Toržestvo Zemledelija (Triomphe de l’agriculture)”. Et le poème de Vvedenskij varie ce thème, en le faisant passer du plan du folklore vers un plan “aristocratique” — la duchesse Maija Šepina remplace la fille inconnue.
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Chamberland, Paul. "La violente pureté du juif mohawk." Dossier 32, no. 1 (April 17, 2007): 79–91. http://dx.doi.org/10.7202/014706ar.
Анотація:
Résumé La poésie de Denis Vanier est généralement perçue comme expression de la révolte, de la transgression, de la violence, de l’obscénité et de l’abjection, bref, de l’excès. Mais une figure de rebelle outrancier ne fait-elle pas écran à l’oeuvre ? Une lecture attentive des sept derniers recueils de Vanier permet de mieux entrevoir le sujet tel qu’il se produit en son dire par l’écrit. Ce sujet apparaît comme radicalement affecté, et excédé, par l’épreuve de l’insoutenable, de provenance pulsionnelle. Les figures formées par le travail de création poétique relèvent d’un imaginaire religieux donnant lieu à une expérience du sacré dans sa dimension noire ou maléfique : le sujet s’éprouve comme prédestiné à la damnation par un Dieu radicalement mauvais, « extrémiste », auquel il s’identifie comme victime sacrificielle consentant à une « illumination par déchéance ». On analysera ici deux de ces figures : celle du meurtrier et celle du traître ou du renégat.
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Margolin, Jean-Claude. "Clarence H. Miller, Un fin connaisseur d’Érasme et de son temps." Moreana 35 (Number 135-, no. 3-4 (December 1998): 111–28. http://dx.doi.org/10.3366/more.1998.35.3-4.8.
Анотація:
Éditeur, commentateur, traducteur d’Érasme et de More, C. Miller s’est particulièrement illustré dans ses travaux sur l’Encomium Moriae et dans sa traduction des poèmes de l’humaniste hollandais. Attentif aux “métamorphoses” de la Moria, il a étudié avec une rigueur extrême les diverses éditions de ce texte fameux, en tenant compte notamment du commentaire de Listrius, pour donner en 1979 une excellente traduction de The Praise of Folly (Yale U.P.) et une non moins excellente édition critique de ce texte (Amsterdam, North-Holland Publ. Comp.). Plus récemment (en 1993), s’attaquant avec Harry Vredeveld aux poèmes d’Érasme—Vredeveld est l’éditeur des Carmina dans l’édition critique d’Amsterdam—il en fournit la première traduction complète en langue anglaise, sans chercher à opposer aux différents mètres latins les équivalents approximatifs d’ une métrique anglaise: mais c’est une prose poétique, d’une parfaite rigueur, brillante—souvent plus brillante que le modèle latin—, attentive aux nuances subtiles de l’affectivité d’Érasme comme à ses variations d’humeur, passant du grave au mélancolique, ou du dévotieux à l’humoristique selon la couleur du temps, le thème choisi, le destinataire, l’étiage psychique du poeta orator.
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Stratford, Madeleine. "De compte-fil à garde-fou : la lecture du traducteur de poésie." TTR 27, no. 1 (July 27, 2016): 67–93. http://dx.doi.org/10.7202/1037119ar.
Анотація:
Plusieurs représentants de la tradition herméneutique, dont Umberto Eco, Paul Ricoeur et George Steiner, considèrent le texte littéraire inachevé sans le concours du lecteur, lequel est cependant tenu d’en respecter la cohérence interne. Dans un tel contexte, l’affirmation selon laquelle le traducteur serait d’abord un lecteur constitue une évidence qui recèle, en soi, de multiples implications. Dans cet article, nous verrons d’abord comment l’oeuvre littéraire conditionne la lecture et, par conséquent, la traduction pour nous pencher ensuite sur la tension que présuppose la lecture d’un poème à traduire. Pour ce faire, nous comparerons cinq modèles décrivant le processus de traduction poétique des théoriciens suivants : Robert De Beaugrande, Andrei Bantaş, Francis R. Jones, Christopher Millis et Robert Bly. Ceux-ci s’inscrivent, selon nous, dans la lignée herméneutique en ceci qu’ils préconisent une lecture attentive du poème source, mais cherchent à en contrebalancer les effets par une révision obligatoire minimisant l’apport subjectif du traducteur. L’analyse de ces modèles permettra de constater l’importance réelle de la lecture dans la tâche du traducteur de poésie.
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Savard, Jason. "De Coke La Rock à Run-DMC : Les phases poétiques du hip-hop Old School." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 14, no. 2 (March 13, 2014): 79–88. http://dx.doi.org/10.7202/1023742ar.
Анотація:
En 1982, la chanson « The Message » du groupe Grandmaster Flash and The Furious Five change radicalement la musique rap, autant par sa forme que par son contenu. Elle est le point de départ de la première grande fracture dans l’histoire du hip-hop. Cette étude retrace l’évolution qui a mené à cette transformation et les impacts immédiats qui en ont découlé chez des artistes comme Run-DMC, Rakim et KRS-ONE, en mettant l’accent sur les textes et les maîtres de cérémonie (MCs). Est ainsi cerné le passage d’une poésie orale strictement axée sur la performance à une poésie écrite, née d’un processus réflexif autant pour sa forme que le message qu’elle transmet. De la première fête organisée par Kool Herc au single « It’s Like That » de Run-DMC, les différentes phases du Old School au New School sont exposées en insistant sur les grands mouvements et les tendances. Une attention particulière est également portée à la relation entre le MC et le disque-jockey, car elle semble être la cause principale menant aux transformations, tout en étant la source du conflit qui provoquera la fracture de 1985. Bien que l’étendue historique du corpus étudié semble restreinte, la période de 1973 à 1985 est source de nombreux tiraillements et questionnements qui nous éclairent sur l’état de la culture hip-hop et peut-être même de la scène musicale dans son ensemble.
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McCormick, Peter. "Littéralement dépourvu de sens." Articles 32, no. 1 (July 7, 2005): 55–82. http://dx.doi.org/10.7202/011063ar.
Анотація:
Résumé Dire précisément ce que signifient littéralement certaines expressions est souvent important. La compréhension satisfaisante de nombreuses expressions normatives en effet, qu’elles soient juridiques, morales, religieuses, poétiques ou autres, suppose de comprendre ce qu’elles signifient à la fois littéralement et non littéralement. Malgré des recherches pourtant sérieuses et durables sur la nature du « sens littéral », depuis les anciennes théories religieuses jusqu’aux théories linguistiques et philosophiques contemporaines, une explication généralement satisfaisante des significations supposées littérales des phrases normatives peut s’avérer étonnamment insaisissable. À partir des échanges serrés entre Donald Davidson, Michael Dummett et Ian Hacking, j’aborde un cas de compréhension du littéral dans un discours normatif artistiquement représenté qui est tout aussi difficile à éclaircir. À la différence de Davidson, toutefois, je ne me concentrerai pas sur les aspects qui sont les conditions de vérité des significations littérales supposées des contenus propositionnels de phrases bien assurées et présentées de manière littéraire. J’aimerais plutôt attirer une attention renouvelée sur plusieurs aspects problématiques des significations présumées littérales, spécialement dans des phrases interrogatives présentées sous un jour littéraire lors de conversations normatives lourdes d’un poids éthique.
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Boisclair, Antoine P. "Présence et absence du portrait à l’École littéraire de Montréal. Les exemples de Charles Gill et d’Émile Nelligan." Études françaises 43, no. 2 (October 1, 2007): 137–51. http://dx.doi.org/10.7202/016478ar.
Анотація:
Résume Parce que l’influence du symbolisme a conduit plusieurs membres de l’École littéraire de Montréal à envisager la poésie selon un paradigme musical (la musique, affirmait déjà Louis Dantin à propos de Nelligan, « est frère de son rythme et de sa mélancolie »), la critique ne s’est jamais véritablement penchée sur la manière dont les poètes canadiens-français des dernière décennies du xixe siècle ont emprunté à la peinture certains motifs. Or s’il fallait identifier la façon la plus répandue de concevoir l’ut pictura poesis à l’aube de la modernité québécoise, ce serait non pas en fonction du paysage, comme on pourrait s’y attendre, mais plutôt en fonction du portrait. En portant une attention particulière aux poésies de Charles Gill et d’Émile Nelligan, le présent travail vise à comprendre les enjeux littéraires, poétiques et esthétiques du portrait. Loin de correspondre à l’ekphrasis, le poème-portrait définit en creux une manière d’envisager la création artistique ; il amorce une réflexion sur la continuité entre l’image et la parole, le voir et le dire. Le portrait, plus précisément, conduit au silence ; parce que sa présence se manifeste in absentia, selon une formule de Jean-Luc Nancy, il est porteur d’une conception moderne de l’image.
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Gantert, Ruth. "« La malédiction de décevoir ». Attention, déception et souvenir dans "Autopsie d’un père"." Versants. Revista suiza de literaturas románicas 1, no. 67 (October 28, 2020). http://dx.doi.org/10.22015/v.rslr/67.1.8.
Анотація:
Dans Autopsie d’un père, la figure de Gabriel, intellectuel de gauche qui vire réactionnaire, renvoie à une société ébranlée qui perd ses repères et réagit par le racisme et le repli sur elle-même. Cet article part d’une lecture du prologue focalisé sur ce personnage qui se suicidera, pour se pencher sur les rapports entre celui-ci et sa fille Ania d’une part, entre Ania et son fils Théo de l’autre. Pour les protagonistes du roman, une communication réussie ne dépend pas seulement de la faculté de décrypter les signes, mais en premier lieu de la volonté et de la capacité d’attirer l’attention de l’autre pour l’engager dans un véritable échange. Parallèlement, au niveau de l’énonciation, les romans de Pascale Kramer mettent en oeuvre ce qu’on pourrait appeler une poétique de l’attention.
Keywords : Pascale Kramer, communication intergénérationnelle, poétique de l’attention, déception, souvenir, interprétation de signes
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Chapuis, Blandine. "Lier, délier : herméneutique talmudique et poésie juive contemporaine." Cahiers du Celec, no. 12 (June 5, 2023). http://dx.doi.org/10.35562/celec.307.
Анотація:
Les poètes juifs de langue allemande, confrontés à l’immense défi d’écrire en allemand après la Shoah, ont tenté d’esquisser les chemins d’une langue nouvelle, portant une attention toute particulière à l’éthique du texte et invitant à une lecture résolument plurivoque. Une mise en relation entre cette poésie contemporaine et l’herméneutique talmudique traditionnelle permet de dégager des repères exégétiques qui mettent au jour la singularité de cette langue poétique, et d’ouvrir des pistes interprétatives nouvelles, en montrant en particulier de quelle manière le texte poétique inscrit dans sa chair les modalités de sa propre lecture.
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Dutrait, Claire. "Les arts de l’attention : une catharsis pour les temps extrêmes." Fabula-LhT : littérature, histoire, théorie, no. 27 (December 7, 2021). http://dx.doi.org/10.58282/lht.2851.
Анотація:
Resume :Dans son enquête anthropologique Le Champignon de la fin du monde, Anna Tsing présente les arts of noticing comme ce qui fonde sa démarche tout en se refusant à les théoriser. Ils ne se donnent à lire qu’en filigrane le long de son récit. En ce qu’ils recouvrent toute une série de pratiques (arts) pour observer (noticing), décrire (noticing), remarquer (noticing), se rendre attentifs à (noticing), considérer (noticing) et rendre remarquables (noticing) les attachements que nous avons avec la chose terrestre, ces arts de l’attention brouillent les limites entre sciences et arts, entre sciences humaines et sciences naturelles, entre art et techniques, entre attention politique et attention religieuse. Mettant en œuvre une poétique de la perturbation pour saisir l’ébranlement que connait notre monde dans les temps extrêmes, le récit d’Anna Tsing travaille à purger la terreur et la pitié qui nous saisissent face à l’incertitude de notre situation. Expérience scientifique, esthétique, sociale et politique, la lecture de l’enquête opère une catharsis et renouvelle l’art du récit pour mieux nous lier au terrestre.
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Adell, Nicolas, and Vincent Debaene. "Croisements non carrefours. Des anthropologues en prise avec le poétique." Fabula-Lht : Anthropologie et Poésie, no. 21 (May 14, 2018). http://dx.doi.org/10.58282/lht.2253.
Анотація:
Resume :Ce texte introductif présente le vaste et complexe dossier des rapports entre anthropologie et poésie. Il signale d’abord les principaux écueils qui, trop souvent, bloquent la réflexion, notamment celui qui consiste à figer ces rapports en les repliant sur des dualismes commodes (raison / intuition ; abstraction / empathie ; science / mystique ; etc.). Il se concentre ensuite sur un segment des relations entre anthropologie et poésie (celui des anthropologues engagés dans un rapport actif, vivant et concret à la poésie) tout en prêtant la plus grande attention à la diversité des modalités d’intersection que chaque cas peut incarner. Les auteurs mobilisés dans ce dossier — Margaret Mead, Edward Sapir, Ruth Benedict, Bronislaw Malinowski, Michel Leiris, Roger Bastide, Georges Condominas, Tina Jolas — exposent en effet chacun un petit écosystème idiosyncratique propre, où poésie et anthropologie cohabitent ou alternent selon des règles différentes et jouent tour à tour l’une pour l’autre le rôle de refuge ou de relance. Cette introduction met ainsi au jour quelques‑uns des principes qui semblent gouverner ce pas de deux du poème et de l’ethnographie, et au rang desquels figurent l’effort de traduction, l’acte d’attention et la capacité d’estrangement.
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Lyon-Caen, Judith. "Captures, traces, empreintes poétiques de l’expérience historique : Paris, xixe siècle ; ghetto de Varsovie, 1941-1943." Nouveaux cahiers de Marge, no. 5 (November 2, 2022). http://dx.doi.org/10.35562/marge.449.
Анотація:
Cet article propose un parcours entre deux massifs poétiques éloignés : la poésie baudelairienne et des poèmes écrits dans le ghetto de Varsovie entre 1941 et 1943. En réfléchissant sur la question des « circonstances » en poésie et en utilisant les réflexions d’Yves Bonnefoy sur l’« événement poétique », on se demande ici ce que documentent ces poèmes en tant que poèmes, en les observant comme autant d’actes d’écriture effectués dans des formes conçues, identifiées et transmises comme relevant de « la poésie » en leur temps comme dans le nôtre. Il s’agit ainsi de dessiner quelques pistes pour une lecture « historienne » de la poésie, une lecture sans réduction documentaire, attentive à la création poétique comme pratique sociale et au geste poétique comme geste dans l’histoire.
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Kerinska, Nikoleta. "Agents intelligents oeuvres d’art." Revista Farol 18, no. 27 (September 22, 2023). http://dx.doi.org/10.47456/rf.v18i27.42482.
Анотація:
Cette réflexion découle d’une recherche à la fois théorique et pratique, qui cible l’usage de techniques d’intelligence artificielle dans le domaine de l’art. Le concept de l’agent intelligent, considéré comme fondamental, est interrogé à partir de la théorie de Minsky, selon laquelle l’intelligence resulte de la somme d’agents, qui agissent et interagissent dans un ou plusieurs buts communs. Pour qu’un logiciel soit considéré comme un agent intelligent, il doit contenir un ou plusieurs des éléments suivants : une base de connaissance prédéfinie, un moteur d’inférence lui permettant de tenir des raisonnements plus ou moins complexes, un système d’acquisition de connaissances ou un mécanisme d’apprentissage. Dans le cadre de cette étude, notre attention se porte sur les agents dont la spécificité est de mener une conversation avec le public par le biais du langage naturel. Ce type d’agent est connu sous le terme de chatter-bot, ou encore chat-bot, en français ‘robot conversationnel’. Conçus dans des buts artistiques, ces agents peuvent prendre di_érentes formes visuelles. Animés par un logiciel et capables de fournir des réponses cohérentes, ils se formalisent en tant qu’oeuvres interactives par leur capacité de dialoguer. Deux oeuvres ont été sélectionnées comme objet d’étude: Agent Ruby de Lynn Hershmann, et Sowana, le projet du collectif artistique Cercle Ramo Nash (Paul Devautour et Yoon Ja). Ces chatter-bots sont envisagés dans une perspective artistique, qui nous permet de rediscuter certaines caractéristiques de leur nature poétique. Nous sommes convaincus que les agents intelligents en tant qu’oeuvres d’art posent une série de questions sur les fictions artistiques, sur l’échange entre l’intelligence humaine et celle de la machine, ou encore sur les possibilités de créer des machines consacrées à l’expérience poétique.
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Gervais, Bertrand. "Archiver le présent : le quotidien et ses tentatives d’épuisement." Sens public, July 21, 2016. http://dx.doi.org/10.7202/1044388ar.
Анотація:
On assiste, depuis la deuxième moitié du vingtième siècle, à une accumulation étonnante de tentatives d’épuisement, qui témoigne de la très grande force symbolique de cette démarche. On y voit une véritable poétique, une façon d’aborder le réel et ses objets en tentant d’en épuiser le sens, la forme ou le matériau même. Ces tentatives d’épuisement ne sont pas nécessairement liées à des dispositifs numériques, mais elles prennent place aisément dans une culture de l’écran, puisque le numérique en surdétermine le principe, en multipliant de façon presque exponentielle les possibilités de réussite. L’idée même d’une tentative d’épuisement d’un lieu est apparue, en 1974, quand Georges Perec s’est installé place Saint-Sulpice à Paris et a entrepris de dresser la liste de tout ce qu’il voyait, les passants, les oiseaux, les camions, autos et autocars, les clients des cafés, les variations de température, tout ce qui pouvait être noté, les faits usuels de la vie quotidienne. Nourries par le numérique qui en exacerbe les principes et en surdétermine les possibilités de réalisation, les tentatives d’épuisement se déploient maintenant de façon tentaculaire. Elles ne touchent pas seulement le lieu, mais s’étendent aux autres données de l’agir humain : au temps, aux événements et aux situations, à des objets, des corps, des données, etc. On peut identifier d’emblée neuf types de tentatives, types qui balisent les multiples formes de l’agir humain. Dans le cadre de cet article, on entend expliciter le principe de ces tentatives d’épuisement et donner des exemples des divers types, en portant une attention particulière aux tentatives d’épuisement d’un lieu, qui donnent à la série son identité.
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Mandolini, Ricardo. "Mimésis, Heuristique musicale : sur les traces d’Aristote." Déméter, no. 7 | Hiver (December 1, 2021). http://dx.doi.org/10.54563/demeter.474.
Анотація:
L’exégèse des textes de Platon, Aristote et Hegel a été le sujet d’articles antérieurs (Voir à ce propos « Arte y mímesis : la controversia filosófica », dans Revista del instituto de investigación musicológica Carlos Vega, vol. 35, n° 1, 2021, Facultad de Artes y Ciencias Musicales, Pontífica Universidad Católica, Buenos Aires. (lien externe) « La mimesis como arte – Primera parte : Hermenéutica », dans Panambí, Revista de investigaciones artísticas, n° 12, Centro de investigaciones artísticas, Facultad de Arquitectura, Universidad de Valparaíso, Chile, 2021. (lien externe) « Mimesis as art » dans American Journal of Humanities and Social Science, vol. 9, 2021. (lien externe)). De cette exploration nous sommes revenus avec la certitude que les deux idéalismes analysés, platonique et absolu, présentent des incohérences par rapport à la mimésis. Ceci nous a permis de concentrer notre attention sur la conception du Stagirite. Vingt siècles avant Alexander Baumgarten, fondateur de l'esthétique moderne, la mimésis inscrite dans La Poétique d'Aristote légitime une épistémologie de l'art basée sur ses propres règles, différentes de celles de la logique, où ce qui l’emporte n'est pas la vérité mais la démarche de la conviction de l’artiste. Notre recherche actuelle, « Mimésis, Heuristique musicale : sur les traces d’Aristote », abandonne l'exégèse des textes pour mettre en pratique les conséquences dérivées de la mimésis aristotélicienne. Nous commençons par l’incorporation des fictions à la réalisation artistique. Tout d'abord, il faut débroussailler les fictions philosophiques et scientifiques des artistiques. Ces dernières, que nous appellerons transitionnelles en utilisant la terminologie du psychologue Donald Winnicott, nous permettent d'établir des réalités intermédiaires entre le sujet créateur et l'œuvre qu’il crée. Nous repérons les fictions transitionnelles non‑immersives, celles où les frontières entre le créateur et sa réalisation se trouvent bien définies, et les transitions immersives, où l’artiste glisse de façon involontaire dans un monde de significations superposées à la réalité. À partir de ce moment, le travail s’achemine vers la spécialité musicologique. L'Heuristique musicale est présentée par la suite, en expliquant son contexte, ses objectifs, ainsi que sa nécessité d’existence comme complément des analyses dérivées de la sémiologie de la musique. En fermant la forme, l'une des propositions de l'Heuristique musicale est expliquée. Il s’agit de la reconstruction d'œuvres musicales contemporaines, conséquence dérivée de la mimésis d'Aristote.
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Saarbach, Pascale. "Ann Hamilton: The Conditions of Attention." L’Installation artistique : une expérience de soi dans l’espace et dans le temps, no. 40 (December 15, 2020). http://dx.doi.org/10.35562/iris.1221.
Анотація:
Figure emblématique de l’art de l’installation, Ann Hamilton (née en 1956) crée depuis près de quarante ans des environnements immersifs complexes et poétiques, constitués d’objets et de matériaux divers convoquant tous les sens du spectateur et dont les surprenantes associations, ou leur importante accumulation, provoquent chez ce dernier de multiples réponses affectives et cognitives, bien souvent difficiles à décrire ou à restituer par le simple langage. Absorbé par la présence physique et sensible de ce qui l’entoure, le spectateur est invité à s’abandonner aussi longtemps que possible dans ce qu’il éprouve, à se mettre à l’écoute de la situation et du savoir intuitif que lui livre son corps en interaction avec le lieu. L’expérience de l’œuvre, pour Ann Hamilton, est en effet avant tout un « acte d’attention ». Cette notion d’attention est particulièrement importante, à une époque où la surenchère de stimuli, l’immédiateté et l’accélération qui caractérisent les rythmes de nos vies de plus en plus désincarnées ne nous permettent plus de percevoir et de donner sens à ce que nous ressentons, ni à ce qui nous entoure. Phénomène singulier d’ouverture à soi, aux autres et au monde, l’expérience des installations d’Ann Hamilton engage un certain mode d’être, une « qualité de présence » dont dépendent nos capacités de mémoire, de pensée, d’imagination et d’action. À partir de l’analyse de quelques grandes installations, de tropos (1993) à the event of the thread (2012), il s’agira d’établir plus précisément les processus phénoménologiques et cognitifs mis en œuvre chez le spectateur par le dispositif immersif, et d’en éclairer les enjeux.
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Saarbach, Pascale. "Ann Hamilton: The Conditions of Attention." L’Installation artistique : une expérience de soi dans l’espace et dans le temps, no. 40 (December 15, 2020). http://dx.doi.org/10.35562/iris.1221.
Анотація:
Figure emblématique de l’art de l’installation, Ann Hamilton (née en 1956) crée depuis près de quarante ans des environnements immersifs complexes et poétiques, constitués d’objets et de matériaux divers convoquant tous les sens du spectateur et dont les surprenantes associations, ou leur importante accumulation, provoquent chez ce dernier de multiples réponses affectives et cognitives, bien souvent difficiles à décrire ou à restituer par le simple langage. Absorbé par la présence physique et sensible de ce qui l’entoure, le spectateur est invité à s’abandonner aussi longtemps que possible dans ce qu’il éprouve, à se mettre à l’écoute de la situation et du savoir intuitif que lui livre son corps en interaction avec le lieu. L’expérience de l’œuvre, pour Ann Hamilton, est en effet avant tout un « acte d’attention ». Cette notion d’attention est particulièrement importante, à une époque où la surenchère de stimuli, l’immédiateté et l’accélération qui caractérisent les rythmes de nos vies de plus en plus désincarnées ne nous permettent plus de percevoir et de donner sens à ce que nous ressentons, ni à ce qui nous entoure. Phénomène singulier d’ouverture à soi, aux autres et au monde, l’expérience des installations d’Ann Hamilton engage un certain mode d’être, une « qualité de présence » dont dépendent nos capacités de mémoire, de pensée, d’imagination et d’action. À partir de l’analyse de quelques grandes installations, de tropos (1993) à the event of the thread (2012), il s’agira d’établir plus précisément les processus phénoménologiques et cognitifs mis en œuvre chez le spectateur par le dispositif immersif, et d’en éclairer les enjeux.
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Calhoun, Doyle. "Entre le « vous » et le « je » cet objet macabre: Intervention poétique-érotique dans « Une Charogne »." Lingua Frankly 3 (December 12, 2016). http://dx.doi.org/10.6017/lf.v3i0.6124.
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Weber, Anne-Gaëlle. "Poésie et physiologie végétale au tournant des XVIIIème et XIXème siècles : pour une préhistoire de l’écologie des relations." Versants. Revista suiza de literaturas románicas 1, no. 70 (November 24, 2023). http://dx.doi.org/10.22015/v.rslr/70.1.5.
Анотація:
Cet article pourrait constituer une étape de la constitution d’une histoire “environnementale” des relations entre sciences et poésie. L’émergence de la physiologie végétale en tant que discipline, au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, a entraîné, de la part de ses tenants, des recherches poétiques et formelles. Décrire le lien entre les organes des plantes et leur environnement a supposé de négocier, au sein des manuels et traités savants, de nouvelles articulations entre les critères de scientificité de la science émergente et des critères de définition de la poésie. Les représentants de la physiologie végétale ébauchent alors un certain nombre d’interrelations discursives et heuristiques qui pourraient aujourd’hui répondre à la nécessité de susciter chez le lecteur, par la forme même de l’ouvrage qui en traite, une attention renouvelée aux interrelations entre l’homme et la “nature”.
Mots-clés : physiologie végétale, poésie, poème, forme, science, écologie, relation.
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Connan-Pintado, Christiane. "Du grand récit au petit poème: Transposition des contes, mythes et fables en haïku dans l’édition pour la jeunesse." Anales de Filología Francesa 31 (December 11, 2023). http://dx.doi.org/10.6018/analesff.569941.
Анотація:
Según Simone Carpentari-Messina, "lo breve no puede limitarse a un género o a una forma". Esta es la cuestión de la transgenicidad que se plantea al abordar una trilogía de colecciones de haikus publicadas a principios del siglo XXI que retoman cuentos, fábulas y mitos. El enfoque posmodernista que lleva a revisitar los grandes relatos de la humanidad para convertirlos en pequeñas formas lúdicas permite observar la literatura para jóvenes en su dimensión más legitimada. Se trata de acceder a textos profanos a través de una de las formas breves más rigurosamente codificadas. Ambiciosa y llena de escollos, la empresa merece atención: en efecto, ¿cómo introducir a un público joven -cuyas competencias son necesariamente limitadas- en este fondo cultural utilizando formas poéticas tanto más crípticas por su drástica concisión? D'après Simone Carpentari-Messina, "le bref ne se laisse pas enfermer dans un genre ou une forme. La question de la transgénéricité se pose pour aborder une trilogie de recueils de haïkus publiés en ce début de XXIe siècle qui reprennent des contes, des fables et des mythes. L'approche postmoderniste qui conduit à revisiter les grands récits de l'humanité pour les convertir en petites formes ludiques permet d'observer la littérature pour la jeunesse dans sa dimension la mieux légitimée. Il s'agit ici d'accéder aux textes profanes à travers l'une des formes courtes les plus rigoureusement codifiées. Ambitieuse et pleine d'embûches, l'entreprise mérite attention : en effet, comment initier à ce fonds culturel un jeune lectorat - dont les compétences sont nécessairement limitées - en utilisant de formes poétiques d'autant plus sibyllines qu'elles prennent le parti d'une concision drastique ?