Дисертації з теми "Artistes de la danse"

La pratique des artistes dits en « situation de handicap » est le plus souvent analysée par le champ de la sociologie à travers les implications sociales et environnementales qui se jouent ou les effets de la création sur les artistes concernés. Par cette recherche, nous avons souhaité favoriser une approche esthétique, en lien avec les arts du spectacle, particulièrement sur les scènes de théâtre et de danse contemporaines. Nous avons ainsi appuyé notre étude sur l’examen de travaux artistiques et d’expériences, dans ce domaine, de praticiens jugés « hors-normes », en lien avec les contextes culturels et les usages sociaux dans lesquels ils sont impliqués. Ces analyses nous ont permis de réaliser que l’étude du handicap renvoie à des domaines pluriels qui génèrent des discours, notamment autour des notions de « différence(s) » et de « hors-normes ». La mise en exergue du travail des praticiens a permis, d’une part, d’aborder la dimension esthétique de leur travail et, d’autre part, a donné lieu à la découverte de nouvelles dimensions de ce qui a trait à la différence. L’objectif premier étant de déterminer le contexte dans lequel les artistes jugés « hors-normes » évoluent afin de se focaliser sur l’apport esthétique des particularités qui les définissent sur les différentes scènes étudiées
The practice of the so-called "disabled" artists is most often analyzed by the field of sociology through the social and environmental implications that are being played or the effects of creation on the artists concerned. Through this research, we wanted to promote an aesthetic approach, in connection with the performing arts, especially on contemporary theater and dance stages. We thus supported our study of the review of artistic works and experiences in this field of practitioners deemed "non-standard" in relation to the cultural contexts and social uses in which they are involved. These analyzes have enabled us to realize that the study of disability refers to pluralistic domains that generate discourse, especially around the notions of "difference (s)" and "non-standard". The emphasis on the work of the practitioners made it possible, on the one hand, to approach the aesthetic dimension of their work and, on the other hand, gave rise to the discovery of new dimensions of what relates to difference. The first objective is to determine the context in which artists considered "non-standard" evolve in order to focus on the aesthetic contribution of the peculiarities that define them on the different scenes studied

Cette thèse procède d’un travail réflexif en lien constant avec une création chorégraphique. Elle est la parole d’un artiste-chercheur qui ne pense pas sans œuvre ni sans les œuvres d’autres artistes. Toutes explorent la thématique des figures marginales dans le champ chorégraphique, et permettent de construire une poétique singulière adossée sur les esthétiques esquissées par certaines des œuvres des chorégraphes brésiliens Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Núcleo do Dirceu et Micheline Torres. En partant de Ciel, premier solo que je signe en tant que chorégraphe en 2012, et en m’orientant vers un réseau poétique des œuvres avec lesquelles une certaine proximité thématique me semble féconde, j’enquête sur ce qui fabrique la sensation de reconnaître un marginal qui danse. Les récits que j’en fais sont construits à partir de mes propres expériences de spectateur et consolidés par mon parcours d’artiste chorégraphique. La traversée critique, analytique, fictionnelle des œuvres constitue des trajectoires sensibles dont l’objectif est de faire la connaissance des modes d’être chorégraphiques des figures marginales. Cette étude analyse comment, au sein même de chaque œuvre, se construisent les regards et les récits participant à l’émergence des affects précaires mis en mouvement par des propos chorégraphiques. Elle examine ces propos à partir des rapports imaginés avec des altérités, et véhiculés par des éléments artistiques tels que le visage, l’adresse, la place accordée au spectateur, la construction du regard et ses modes de partage. Où le marginal danse est une tentative de réflexion pour envisager quand danser le marginal devient une manière de faire danser l’invisibilité du pouvoir en même temps que de rendre visible la puissance d’un décalage
This dissertation proceeds from a reflexive work in constant connection with a choreographic creation. It’s the speech of an artist-researcher who does not think without his own work or without the works of other artists. All of them explore the theme of marginal figures in the choreographic field, and allow to build a singular poetic based on the aesthetics sketched by some of the works of Brazilian choreographers Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Dirceu Nucleo and Micheline Torres. Starting from Ciel, the first solo choreographed under my signature in 2012, and moving towards a poetic network of pieces with which I feel there is a certain thematic proximity, I investigate what constitutes the sensation of recognizing a marginal who dances. The stories I create are based on my own experiences as a spectator and are consolidated by my career as a choreographic artist. The critical, analytical and fictional crossover of the works constitutes sensitive trajectories that help to comprehend the choreographic modes of being of the marginal figures. The works in question here draw innovative policies in the landscapes of the visible. This study analyzes how, within each work, the gazes and narratives are constructed, contributing to the emergence of precarious affections set in motion by choreographic remarks. These remarks are examined from reports imagined with otherness, and conveyed by artistic elements such as the face, the addressing, the place given to the spectator, the construction of the gaze and its modes of sharing. Where the marginal dances is a reflection that considers the fact that dancing the marginal implies in dancing the invisibility of a power and the strength of a change

Le propos est de mettre en lumiere au travers des univers de trois femmes peintres proches du surrealisme leonora carrington, leonor fini, dorothea tanning -, et de trois choregraphes et danseuses contemporaines martha graham, doris humphrey, carolyn carlson -, des correlations en terme de processus et de dynamismes createurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets paralleles ou convergents, dans la facon dont l'imaginaire se constitue et se realise. De reperer, dans la mise en oeuvre de principes similaires, les expressions differentes resultant de la specificite de chaque art, pictural ou choregraphique. Ces processus sont rapportes au surrealisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu'esthetique et ethique, pensee dialectique qui refuse de separer le reel de l'imaginaire, la poetique de la politique. Deux perspectives servent a eclairer le champ etudie et a faire surgir des questionnements. Celle de la danse, qui definit une attitude esthetique et critique a partir du champ choregraphique, en termes de mouvements et de processus. Une perspective feministe qui tient compte de la specificite de l'experience creatrice des femmes au sein decadres referentiels et contextuels dont les structures appartiennent a un systeme qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surrealisme offre ici un champ specifique et paradoxal ou ces structures revetent une forme particuliere, les rapports restant fondamentalement inchanges. Il s'agit donc de questionner certains referents, et de voir de quelle facon ils sont mis enjeu, ou de-joues par les femmes artistes.

Cette recherche formule l’hypothèse qu’il puisse y avoir des présences de transe au sein des représentations et des perceptions des ballets du XIXe siècle à aujourd’hui. De là, surgissent de nombreuses questions : comment la transe serait-elle représentée et perçue dans ces œuvres ? Qu’est-ce que ces représentations de transe ou au contraire son invisibilité dans ces ballets, disent de nous, Occidentaux ? Comment définir la transe, ce phénomène insaisissable et état aux multiples facettes ? Notre opération méthodologique consiste alors, non pas tant à définir la transe, que de dégager des dimensions et des traits transiques, soit des aspects récurrents relevés au sein d’un corpus ouvert de phénomènes de transes diversement repérés comme tels au fil de l’histoire occidentale du XVIe siècle à aujourd’hui. À la suite, cela nous permet de relever les traits et dimensions transiques au sein des ballets du XIXe à aujourd’hui, cela à travers des analyses d’œuvres et de discours à partir de sources diverses (livrets, textes, images, dessins, lithographies, tableaux, photographies, vidéos) et d’entretiens avec des danseurs. Ainsi, nous pouvons à la fois aborder le phénomène de transe dans toute sa complexité et décentrer nos regards sur les ballets. Nous découvrons un XIXe siècle foisonnant d’aspects transiques, alors que, de la fin du XXe siècle jusqu’à aujourd’hui, les éléments recouvrant et effaçant ces aspects semblent nombreux. Or, le fait de montrer ou au contraire d’effacer ces caractéristiques est porteur de discours sur ces danses, mais aussi de son public. Ce décentrement des regards permet également de possibles relectures « transiques » de ces ballets à l’heure contemporaine
This research formulates the hypothesis that there may be presence of trance in the representations and perceptions of ballets from the nineteenth century to the present day. This raises a number of questions: how is trance represented and perceived in these works? What do these representations of trance, or on the contrary its invisibility in these ballets, say about us as Westerners? How can we define trance, this elusive phenomenon and multifaceted state? Our methodological operation, then, consists not so much in defining trance, as in identifying, dimensions and features, i.e., recurring aspects found within an open corpus of trance phenomena variously identified as such throughout Western history from the sixteenth century to the present day. This then allows us to identify the transic features and dimensions of ballets from the nineteenth century to the present day, through analyses of works and discourses based on various sources such as librettos, texts, images, drawings, lithographs, paintings, photographs, videos and on interviews with dancers. In this way, we can both approach the phenomenon of trance in all its complexity and shift the way we look at ballets. We discover a nineteenth century teeming with trance aspects, whereas from the end of the twentieth century to the present day, there seems to be many elements that obscure and erase these aspects. The fact of showing or, on the contrary, erasing these characteristics conveys information about these dances, but also about their audience. This decentred perspectives also allows possible “transic” reinterpretation of these ballets in a contemporary context

La presente recherche sur "les fondements et l'enseignement des techniques corporelles des artistes de la scene dans l'etat de sao paulo, bresil, au xxeme siecle" analyse la genese et l'appropriation de techniques corporelles codifiees utilisees dans la formation pratique des artistes de la scene. Certaines expressions utilisees dans le texte comme : "l'artiste de la scene", "l'education somatique", "reformateurs", "pratiquants" et "praticiens" ont trouves leurs respectives definitions dans l' introduction du texte. Divise en trois parties, la these presente d'abord la realite de l'enseignement general au bresil et, plus specifiquement, de la formation artistique. Nous avons examine, dans la deuxieme partie, les conditions de la naissance de deux courants complementaires : l'un ne du contact avec des reformateurs etrangers et l'autre genere par des theoriciens locaux. Les biographies des reformateurs du mouvement comme dalcroze, laban, alexander, feldenkrais, entre autre, ont ete soigneusement etudiees. Parmi les reformateurs locaux, la these analyse le travail de quatre bresiliens, dont les recherches ont ete tres importantes dans la formation des artistes dans l'etat de sao paulo : maria duschenes, klauss vianna, luis otavio burnier et jose antonio lima. La troisieme partie fait une analyse comparative entre les techniques abordees, a partir des notions fondamentales de chaque technique pour ensuite discuter le travail en salle, c'est-a-dire le travail pratique des techniques elles-memes, ou nous avons pu observer les digressions et les malentendus actuels.

Art, informatique : deux univers différents, voire opposés, dans notre société. Il existe pourtant un art informatique, lieu de rencontre entre ces deux mondes. Nous avons tenté de mesurer les conséquences de cette rencontre en ce qui concerne les artistes, et ces conséquences sont multiples et complexes. En effet, le monde de l'art informatique n'est pas seulement constitué d'un domaine intermédiaire nouvellement créé, mais également des deux mondes d'origine. L'univers des possibles s'en trouve donc très élargi, et les artistes y puisent des modes de formation, des possibilités de rémunération, des modes de relation et de représentation qu'ils peuvent combiner entre eux pour se construire ainsi des trajectoires de vie très individualisées.

L’histoire de l'art reflète la situation mondiale des rapports de force entre cultures et civilisations. La broderie et le tissage du Proche-Orient sont des activités artistiques incarnant un génie populaire transmis généralement entre femmes. Au-delà des chiffres, celles-ci forment une communauté et véhiculent des valeurs auxquelles la société moderne souhaite de plus en plus adhérer : rapport humain, qualité du savoir-faire, production personnalisée et éco-durable. Par le biais de points de vue croisés entre arts populaires proche-orientaux et les prises de conscience féministes en art, nait un vaste répertoire servant l’émergence de liens entre féminisme et postcolonialisme. L’histoire féministe de l’art, ainsi que les réflexions autour des productions artistiques non occidentales, avec le renouveau de l’histoire sociale de l’art à travers les Visual Culture Studies, nous obligent à nous interroger sur le fossé qui a séparé ces deux grandes catégories et à mieux conceptualiser l’inversion fonctionnelle entre artisanat et Beaux-Arts. La complexité du débat tourne autour des problématiques spécifiques aux arts locaux antéislamiques et l’hégémonie culturelle qui domine les sociétés non occidentales. Ces sociétés dont les intellectuels et les artistes sont eux-mêmes en position de subordination face au « mode dominant », où les œuvres d’arts contemporaines créées localement restent incomprises pour le commun du peuple. Cependant, la particularité de l’art populaire proche-oriental réside dans le fait d’endosser différents statuts concomitants : objets faits main, objets utilitaires, objets sollicitant une perception esthétique et éco-durable, puis objets du patrimoine culturel. Le fait de puiser dans des éléments du passé, les arts populaires ne sont plus assimilés à une conduite répréhensible et réactionnaire, mais à un moyen d'échapper au statut d'auteur et à une propriété intellectuelle qui entacheraient l’avant-garde
The history of art reflects the dynamic forces at play between cultures and civilizations. Embroidery and weaving in the Near East are artistic skills passed down from and learned by generations of women. Today, in their countless numbers, these women are part of a community whose values are increasingly relevant to modern society: human relations, quality of expertise, bespoke products and sustainability. When looking at Near Eastern folk art and at the same time considering feminist art consciousness, a wide range of links between feminism and post-colonialism emerge. The feminist history of art and thoughts surrounding non-Western artistic productions, coupled with the Visual Culture Studies which places a great emphasis on the social history of art, compels us to examine the schism that has separated these two important categories. As a result, we are better able to conceptualize the functional inversion between art as a "production" and Fine Art. The complexity of this debate stems from problems specific to local pre-Islamic arts and the cultural hegemony that dominates non-Western societies. Societies of which the intellectuals and artists themselves stick to the « dominant way », where contemporary artworks locally-created remain inaccessible to the average lay person. The peculiarity of Near East folk art lies in the fact that it endorses different concomitant statutes: handmade production, utilitarian objects, objects requesting aesthetic perception, sustainability and objects of cultural heritage. The very act of borrowing elements from the past means that popular arts are no longer treated as wrong and reactionary, but rather as a way to escape from the authorship and intellectual property that permeate the avant-garde

Ce travail porte sur la construction identitaire des femmes dont la profession est centrée autour d’une activité artistique. L’envie de réaliser cette étude me vient du constat que le sexe féminin est autant (voire plus) représenté que le sexe masculin dans les formations culturelles et artistiques et, pourtant, les femmes qui accèdent au « devant de la scène », celles qui sont reconnues en tant qu’artistes, exposées dans les musées et célébrées comme références restent rares en proportion. Je me suis appuyée sur la notion d'intersectionnalité pour enrichir une analyse de la notion d'identité. Je me suis intéressée au concept de domination masculine pour voir comment s'effectuent les rapports de pouvoir au sein des mondes de l'art. J'ai analysé comment le rôle de l'artiste est socialement construit afin de mieux comprendre les mécanismes d'élaboration de l'identité professionnelle chez les femmes artistes. Cette recherche porte sur les parcours de femmes artistes lus sous trois angles différents. Dans les récits de vie de mes interviewées, j'ai mis en avant les marques d'une socialisation différentielle féminine, les dérèglements des identités genrées et les dépassements des stéréotypes de genre dans la façon dont les femmes artistes se représentent leurs identités. J'ai précisé les éléments de la socialisation primaire qui avaient pu leur permettre, dans l'enfance, de s'orienter vers une carrière artistique. Dans un deuxième temps, j'ai analysé comment, dans leurs socialisations secondaires, les femmes se construisent et se développent des carrières d'artistes, quels modèles donnent envie de créer, quelles formations façonnent les devenirs professionnels et quels réseaux sont mis en place dans le champ de la création. En observant leur parcours scolaire et leur entrée dans le métier j'ai détaillé les modalités d'apprentissage d'une profession ainsi que des codes et des normes qui la régissent. Dans un troisième temps, enfin, j'ai étudié comment se sentent perçues aujourd'hui les femmes artistes, comment elles trouvent leur place dans les mondes de l'art et quels rôles leur sont accordés. Dans un univers professionnel encore majoritairement masculin j'ai notamment examiné la façon dont les femmes se trouvent confrontées aux questions de la famille, du couple, de la maternité, comment elles se débrouillent avec les modèles préexistants et comment elles naviguent dans des réseaux professionnels souvent synonymes d'un entre-soi masculin.Ce travail de recherche apporte une vision de la construction identitaire genrée chez les femmes artistes aujourd'hui. Il nous permet d'entrevoir comment des enquêtées trouvent leur place dans une position professionnelle particulière, profession caractérisée par le peu de femmes qui la constitue et par le rôle que cette activité tient dans la vie sociale. Cette thèse est enfin l'occasion de faire un point plus général sur la façon dont peuvent se combiner au présent identités de genre, de classe et professionnelle
This work is about the construction of identity for the women who work around an artistic activity. The will to do this study came from the statement that women are more represented than men in the artistic training. However the few that came “in the limelight”, are recognized as great artists, exhibited in museum and celebrated as mentors, are really rare.I based my work on the notion of intersectionality to enrich my analysis of the notion of identity. I was interested in the concept of male domination in order to see how the power relationship is built within art worlds. I have analyzed how the artist's role is socially constructed in order to understand the ways in which female artists build their professional identityThis research is about the path of women artists perceived by three different points of view. In the life story of my interviewees, I spotlighted the label from a female differential socialisation, the disruption of the gender identity and, finally, the average of gender stereotypes in the way that women artists saw their identity. I specified the elements of the primary socialisation that has allowed them to move towards an artistic career since their childhood.In a second time I analysed how, in their secondary socialisation, women built and developed an artistic career, whose role model gave inclination to create, whose training shaped professional aspiration and whose network was implemented in the field of creation. Viewing their academic career and the beginning of their work, I detailed the way of learning a profession and codes and standards that regulate them.Finally in a third time I studied how women artists may feel perceived today, how they find their place into art worlds and what roles are approved for them. In a working world still primarily masculine I examined how women are affected by the question of family, couple and maternity, how they manage the pre-existing patterns and how they navigate into professional networks, which often means masculine self-segregation.This research brings a vision of identity building for women artists today. It allows us to envisage how the survey participants find their place into a particular professional position, because of the small number of women in this work and because of the role that this activity plays in social relationships. This research is finally a way to assess, generally speaking, the manner that gender, class and professional identity can be combined

En cette amorce du XXIe siècle et dans un monde qui tend à l’uniformisation, la danse contemporaine à Chennai revendique son « indianité » dans des chorégraphies singulières. Certains aspects du sadir – la danse pratiquée par les devadāsī dans les temples de l’Inde du Sud –, scrupuleusement choisis, sont transportés sur la scène contemporaine dans les années 1930. La naissance du bharata-nāṭyam permet, après l’indépendance de l’Inde, d’exporter fièrement une « tradition » qui a été en partie sauvegardée, tout en contrôlant l’image de la femme en mouvement qu’elle véhicule. Le bharata-nāṭyam se démocratise dans tous les États de l’Inde et s’exporte à l’étranger. Pourtant, à Chennai, au Tamil Nadu, il est très difficile de faire une carrière dans la danse. Les artistes femmes doivent enseigner pour se professionnaliser. En faisant se croiser une étude de terrain avec des sources théoriques, cette thèse cherche à apporter des éléments de réponse aux questions soulevées dans le cadre du travail de recherche sur le bharata-nāṭyam : comment s’est effectué, dans le milieu de la danse, le passage d’une fonction sacrée à une fonction essentiellement esthétique et économique ? Les danseuses souhaitant développer ou mettre en évidence un nouveau langage corporel et une gestuelle singulière ont-elles réinventé la « tradition » ? Dans une Inde moderne et contemporaine, quel est le rôle de l’art dans la société et quel espace de liberté peut s’offrir aux danseuses aujourd’hui ? En remettant en question le modèle familial indien, quel potentiel d’émancipation offre aujourd’hui la scène contemporaine à Chennai ?
At the dawn of the 21st century, in a world that tends to standardisation, contemporary dance in Chennai claims its “Indianness” through noteworthy choreographies. Since the 1930s, some features of sadir - a solo dance form performed for centuries by devadāsī in temples - have been carefully chosen and adapted for the contemporary stage. In independent India, bharata-nātyam has proudly exported a “tradition” that has managed to survive but has also curbed the movement of the female body. bharata-nātyam became popular both abroad and in India. In Chennai, Tamil Nadu, female dancers strive to become professional; however, very often, teaching remains their only recourse. Through an analysis of field survey data and theoretical sources, this thesis aims to find answers to some questions raised by bharata-nātyam. How has this dance, which initially had only a sacred function, assumed aesthetic and economic ones? In being eager to develop and create a new body language and original gestures, have female dancers reinvented “tradition”? What is the role of art in modern, contemporary India? What is the extent of freedom that it can offer to female dancers? By questioning the traditional Indian family model, is the contemporary stage in Chennai able to offer potential for emancipation?

En nous appuyant sur l’étude des réseaux sociaux, nous avons pu observer à quel point les interrelations entre le monde de l’art contemporain et le monde politique dans la mise en place de politiques culturelles sont nombreuses. La réforme impulsée par l’Etat à partir des années 1980 a amené à la création d’un réseau institutionnel devenu la pierre angulaire de la promotion de la carrière des artistes et bouleversant le réseau marchand préexistant. Ce bouleversement a amené les artistes azuréens à élaborer toute une stratégie de séduction vis-à-vis des responsables culturels et des élus locaux, passant par la formation scolaire, les vernissages, les regroupements d’artistes et les associations.Seule une enquête de terrain fondée des entretiens avec des artistes et des observations ethnographiques pratiquées lors de vernissages d’expositions, de conférences de presse, de rencontres plus ou moins formelles, nous a permis de mieux comprendre les interactions régissant les rapports entre les artistes et les hommes politiques, à un échelon local : la Côte d’Azur
Based on the study of social networks, we have observed how the interrelationships between the world of contemporary art and the politics in the establishment of cultural policies are numerous. Reform driven by the State from the 1980s has led to the creation of an institutional network become the cornerstone for the advancement of the careers of artists and undertaking the pre-existing merchant network. This upheaval brought the artists in the French Riviera to develop a strategy of seduction regarding to cultural leaders and local politicians, through to school education, openings, artists groups and associations.Only an ethnological investigation, based on conversation and ethnographic observations done during openings, press conference, more or less with formal meetings gave us a better comprehension about interaction between artists and politicians in one place: the French Riviera

Les plasticiennes sont sous-représentées aux plus hauts niveaux de la réputation artistique, symbolique et économique alors même qu’elles sont majoritaires au sein des écoles d’art et de la population des plasticien.ne.s. Située au croisement de la sociologie du travail, du genre, de l’art et de l’éducation, cette thèse explique ce paradoxe. Elle analyse la fabrique des inégalités de genre au sein d’une école d’art très prestigieuse et ses effets sur l’entrée, le maintien et l’accès à la réputation de ses diplômé.e.s dans l’art contemporain. La construction genrée des carrières artistiques est mise en évidence grâce à l’articulation de données quantitatives issues d’un palmarès d’artistes (ArtFacts), d’entretiens biographiques et d’observations. Qu’il s’agisse du recrutement dans l’école, de la sélection dans un atelier, des « petits boulots » exercés, d’être invité.e à exposer et d’être représenté.e par une galerie, la disparition progressive des femmes se joue autour de jeux de cooptation. À différents moments de la carrière, des stéréotypes sexués pèsent sur l’évaluation de la qualité artistique des femmes et de leurs œuvres, le stigmate de la maternité restreint leur employabilité et leur hétérosexualisation limite les possibilités d’autopromotion. L’accès aux conventions du monde de l’art contemporain et l’insertion dans des réseaux professionnels, en particulier sur le marché de l’art, sont sexuellement différenciés. Néanmoins, diverses ressources sociales, économiques, scolaires ou institutionnelles permettent à certaines femmes de contourner les contraintes qui pèsent sur les carrières artistiques féminines et d’accéder à la réputation
Women artists are underrepresented at the highest levels of artistic, symbolic and economic reputation, although they make up the majority of art school students as well as artists. Drawing on sociology of work, gender, art and education, this PhD dissertation explains this paradox. It analyses the making of gender inequalities within a very prestigious French art school and how these affect the entrance into an artistic career, survival in the profession and access to reputation of its graduates in contemporary art. The joint analysis of quantitative data from an artist ranking (ArtFacts), biographical interviews and ethnographic observations sheds light on the gendered construction of artistic careers. Whether it is during the recruitment by the art school, the selection in a studio, student jobs, the invitation to exhibit one’s work or being represented by a gallery, women’s gradual disappearance plays out in co-optation processes. At different stages in the career, the stigma of motherhood restricts their employability and their heterosexualization limits opportunities for self-promotion. Access to the conventions of the contemporary art world and integration into professional networks, particularly in the art market, are sexually differentiated. Nevertheless, different social, economic, educational or institutional resources allow some women to bypass the constraints weighing on women’s artistic careers, and to gain reputation

Cette these retrace et examine l'histoire de la communaute artistique americaine "expatriee" a paris entre 1914 et 1939. Nous avons analyse conjointement l'oeuvre des artistes americains et afro-americains, le but essentiel etant d'etudier le role de paris dans la formation et affirmation d'une identite artistique americaine. Cette communaute profita a paris de ce courant "americaniste" qui se manifesta particulierement dans l'avant-garde montparnasse notamment, fut directement concerne par cette mode americaine. Nous avons suivi ces artistes dans les lieux ou ils se sont formes et ou ils ont expose leur travail. Nous avons traite de leurs relations et de leurs echanges avec les autres communautes artistiques. Nous avons accorde une place importante aux artistes noirs americains que, dans le contexte de l'art negre, du jazz et de la negritude, ont pris davantage conscience de la richesse de leur heritage africain. Enfin, noirs avons tenu a introduire l'oeuvre de l'ensemble de cette communaute dans le contexte culturel franco-americain de l'epoque. On voit ainsi s'elaborer, du cote francais, une politique de propagande artistique visant a installer sur le marche de l'art francais en amerique
This thesis related and examines the history of the american artistic community "expatriated" in paris between 1914 and 1939. We have jointher analyzed the works of american and afroamerican artists with the aim of studing the role peayed by paris in the elaboration and assertion of an american artistic identity. This community toole advantage of this americanism which l'expressed itself in the french avant-garde - montparnasse was hime specifically affected by this american vogue we have followed those artists in the places where they trained themselves and exhibited their worko. We dealt with there relationship with other artistic communities in paris. An important place was given a the afro-american artists who, in the context of "art nefro", jazz and the negritude movement, become mowe aware of the richness of their african heritage. We introduced the art of these artists in the franco-american cultural context of that time. On can see, on the french side, the elaboration of an artistic propagande aimihg at estasliching a french art market in the wirted shetes

La croissance des effectifs des professions culturelles, accompagnée du développement de "nouveaux" métiers, attestent de la vitalité d’un secteur pourtant en crise. En effet, depuis vingt ans, cette croissance de l’emploi a surtout profité à une population que l’on nomme les "intermittents du spectacle". Près de 40 000 en 1990, ils sont aujourd’hui plus de 100 000. En partant de l’hétérogénéité socio-économique et professionnelle de cette population, ce travail de recherche tente de saisir la dynamique d’un groupe professionnel à travers le prisme de l’expérience de travail, de l’action collective et de l’engagement individuel. En effet, depuis plus de vingt ans, chaque remise en cause du régime d’indemnisation spécifique, octroyé aux intermittents du spectacle, engendre de fortes mobilisations. Et pour cause, ce dernier agit comme un support individuel et collectif au cœur de leur identité professionnelle. L’État-providence a donc un impact direct sur la structuration de ce groupe professionnel dont l’analyse laisse entrevoir combien les pratiques sociales se sont réappropriées les règlements juridiques pour en donner une signification particulière. Travail et emploi, risque individuel et espace d’autonomie, stratégies défensives et réflexives, protection de l’État et liberté individuelle, expériences individuelles et actions collectives : le conflit social des intermittents du spectacle interroge profondément la société et le groupe lui-même, face à la décomposition des modes de régulation institutionnels tant du point de vue des finalités du système de protection sociale que du point de vue de la représentation politique
The growing number of cultural professions and the developing of new jobs seemingly testify that this economic sector is expanding, while it really is going through a crisis. Indeed, for twenty years, it is the population we call “intermittents du spectacle” (self-employed actors and technicians) who benefited from this economic development. In 1990, they were 40 000. Today, they represent more than 100 000 people. Based on the idea of the socio-economic and professional heterogeneity of this population, this research tries to seize this group’s dynamic through different angles such as work experience, collective action and personal engagement. In fact, for more than twenty years, every reconsideration of the specific compensation system, granted to the “intermittents du spectacle”, generated strong mobilizations. For that matter, this system stands as an individual and collective base in the centre of their professional identity. Therefore, the welfare state has a direct impact on the structuring of the professional group itself. Analyzing it gives us a glimpse of how social practices can re-appropriate laws giving them a specific meaning. Work and employment, personal risk’s and independence, defensive and reflexive strategies, state protection and individual liberty, personal experiences and collective actions: the “intermittents du spectacle” social conflict deeply questions society and the group itself, while the institutional regulation modes are breaking up on the level of the social welfare system purposes as well as on the level of its political representation

La danse, bien que se situant à la frontière de l’art et du sport, est très souvent assimilée à deux autres formes artistiques que sont la musique et le théâtre, que ce soit par le droit ou dans le cadre des politiques publiques qui lui sont consacrées. Si toutes les trois présentent bien des similitudes et partagent certaines problématiques, pour autant, la danse est marquée par des spécificités et ses professionnels se trouvent confrontés à des difficultés propres qui demeurent, souvent, irrésolues, à défaut d’un statut sui generis. Les politiques publiques devancent le droit sur ces questions, la danse bénéficiant déjà de nombreux soutiens de la part des pouvoirs publics, avec un engouement croissant pour cette discipline : dispositifs d’aides propres, soutien à des lieux de diffusion, développement d’une culture chorégraphique, etc. Quant au droit, il s’intéresse, pour l’instant, essentiellement à l’enseignement de la danse et à la formation des professionnels. En revanche, les droits de propriété intellectuelle des chorégraphes et danseurs restent encore indistincts de ceux des autres créateurs et interprètes, alors que la création chorégraphique actuelle semble balayer ces distinctions juridiques. De même, la protection sociale des artistes chorégraphiques, si elle existe bien, n’est pas adaptée à la dimension physique de leurs métiers. A l’inverse, c’est la danse qui semble nier le droit du travail, ce secteur étant particulièrement touché par la précarité et le travail dissimulé. Il est donc temps que le droit et les politiques publiques s’intéressent davantage à la danse et inversement
Whereas dancing is part art and sport, it’s assimilated to two types of art, music and theatre, by the law and the public policies. If they share similarities and issues, dancing presents its own specificities and the professionals have to face difficulties that can’t be resolved, because of lack of proper status. Public politicies are beyond the law on these issues. Indeed, dancing has alaready many supports from the politics whose interest for this practice grows : proper aids, support to theaters and auditoriums to represent dancing’s shows, devloppement of a choregraphic’s culture, etc. On one hand, the law, for the moment, only deals with the teaching and the training of the professionnals. On the other hand, choregraphs’s and dancer’s copyrights are still the same as all the others authors or artits, whereas modern choregraphic creation doesn’t still separate the two functions. The same goes to social protection of choregraphic artists which exists, but it’s not adaptated to the physical dimension of the dancing’s jobs. To the opposite, dancing seems to deny work’s laws. Indeed, we can notice a lot of precariousness and hidden work in this sector. So, it’s time for law and public policies to interest more to dancing and conversely

Cette thèse se propose d’apporter un éclairage nouveau sur la pratique des artistes algériens de 1962 à aujourd’hui en examinant les rapports entre écritures et œuvres, qu’il s’agisse d’imbrication avec des mots dans la création artistique comme les titres, d’autonomie avec des écrits d’artistes ou de pratiques collectives dans le cas d’un travail en commun entre artiste et écrivain. À partir d’un corpus constitué de figures tutélaires de la période post-indépendance telles que Mohammed Khadda, Choukri Mesli ou Denis Martinez, d’artistes des années 1990 comme Adel Abdessemed, Kader Attia ou Rachid Koraïchi et de la jeune génération représentée par Yasser Ameur, Walid Bouchouchi ou Souad Douibi, notre objectif est d’interroger les liens entre évènements historiques et écriture dans la pratique artistique. Dans un premier temps, durant les années qui suivent l’indépendance et la volonté de s’émanciper des instituions coloniales, au moment où se met en place un nouvel « art algérien », on observe une manière d’envisager l’écriture, soit comme réactivation du passé (national), soit comme vecteur d’arabisation, soit comme revendication de diversité linguistique, soit comme quête d’abstraction. Il s’agit ensuite, pour la période de 1988 à 2000, de mettre à jour les particularités d’une écriture de l’exil et de l’intitulation des œuvres à l’étranger en insistant notamment sur l’extranéité et la revendication identitaire avec le soufisme. Enfin à partir de 2000, une nouvelle scène artistique se met en place en Algérie. Objet de transmission, l’écriture dans l’art se déploie dans un contexte de globalisation accrue, à un moment où la circulation des artistes et des œuvres change d’échelle. Ce rapport nouveau à l’écriture est envisagé dans une perspective comparatiste avec le Maroc et la Tunisie
This thesis seeks to shed new light on the practices of Algerian artists from 1962 to the present day by examining the connection between writings and works of art, whether in the interweaving of words in the artistic work such as the titles, the autonomy of the artists’ writing, or the collaborative practices of artists and writers. Drawing from a corpus of work consisting of tutelary figures of the post-independence period such as Mohammed Khadda, Choukri Mesli, or Denis Martinez, of artists from the 1990s such as Adel Abdessemed, Kader Attia, or Rachid Koraïchi, and the young generation represented by Yasser Ameur, Walid Bouchouchi, or Souad Douibi, our objective is to question the connections between historic events and writing in artistic practices. At first, during the years which follow the independence and the will to become emancipated established colonial, as is set up a new "Algerian art", we observe a way of envisaging the writing, either as reactivation of the (national) past, that is as vector of Arabisation, as claiming of linguistic diversity, or as a quest of abstraction. It is then a question, for the period from 1988 to 2000, to examinate the peculiarities of a writing of exile and the naming the works abroad by insisting in particularly on the foreignness and the identity claiming with the Sufism. Finally, from 2000, a new artistic scene emerging in Algeria. As an object of transmission, writing in art is increasingly used in a global context leading to a moment when the circulation of artists and works changes of scale. This new connection to writing is envisaged in a comparative perspective with Morocco and Tunisia

Ce répertoire donne la biographie des peintres, dessinateurs, sculpteurs et graveurs originaires de l'Auvergne (départements du Puy-de-Dôme, Cantal, Haute-Loire) qui ont été productifs entre 1800 et 1900. Pour la même période, sont aussi mentionnés les peintres non autochtones ayant exposé au salon des œuvres inspirées par les sites ou les habitants d'Auvergne. Ce répertoire est précédé d'une étude chronologique dans laquelle, après un inventaire des sources de renseignements, sont analysés les fluctuations du nombre des artistes et l'évolution dans le choix et le traitement des thèmes auvergnats. L'impact de cette production sur le public est étudié. Sont aussi pris en considération les principaux évènements ayant eu des répercussions sur la création locale, telles l'ouverture de musées et d'écoles d'art et la mise en place d'expositions régionales. Cette recherche permet donc de situer la place de l'Auvergne dans la vie culturelle et artistique de la France du dix-neuvième siècle
This repertory presents the biography of the painters, sketchers, sculptors and engravers from the Auvergne (i. E. The "departements" of Puy-de-Dôme, Cantal, Haute-Loire), whose works span the nineteenth century. Included in same period are painters from outside the Auvergne whose works, inspired by places and people in the Auvergne, were exhibited at the salon. This repertory is preceded by chronological study in which, after an inventory of sources of information, there is an analysis of the variations of the number of artists, the evolution in the choice and the treatment of auvergnat themes, and the impact of these works on the public. The main events, such as the opening of museums and art-schools, and the setting up of local works, have also been considered. Thus this thesis helps place the Auvergne in the cultural and artistic life of nineteenth-century

1989 marque un tournant décisif dans l'histoire de l'art chinois. Depuis "Les Magiciens de la terre" première exposition de Fei Dawei qui présentait pour la première fois au public occidental des œuvres contemporaines chinoises et surtout depuis les événements de la Place Tien An Men, l'art contemporain chinois a pris une place prépondérante sur la scène internationale pour devenir omniprésente. Aujourd'hui, aucune biennale ou manifestation artistique internationale ne se conçoit sans œuvres, installations ou performances d'artistes chinois. Le XXIe siècle est une évidence : l'art contemporain chinois fait vendre. Mais pas n'importe quel sujet. Entre les "chinoiseries" prisées par les occidentaux et les œuvres qui ne font que reprendre la tradition classique sans renouvellement des techniques et des thèmes, se trouvent des créations intéressantes sur le thème de l'homme, innovantes, sensibles, souvent provocantes mais toujours en étroite relation avec la société chinoise en pleine mutation. L'art contemporain chinois a ceci de particulier qu'il est intimement lié à la mémoire individuelle et collective d'un peuple qui a subi une importante mutation depuis la mort de Mao Tse Toung. Les artistes chinois exilés en France livrent une vision étonnante de l'homme et de sa place dans la société contemporaine. Il ne s'agit pas seulement de l'homme chinois mais de l'homme tout court. Créant une véritable esthétique du déplacement, ils interrogent le statut de l'artiste à travers des œuvres troublantes souvent violentes et sombres. Dans une société en pleine transformation, entre passé et présent, entre mémoire et oubli, la question de l'identité est un véritable chemin de croix pour ces artistes en quête du Moi et de l'Autre. Car qu'est-ce qu'être chinois aujourd'hui ? Ou est le Je ? Aller à la rencontre de l'Autre est-ce aller à la rencontre de soi ? L'exil est-il le moyen de se trouver ou au contraire de se perdre ? Qui suis-je ? Ces questions existentielles prennent de l'ampleur en regard de l'exil, du "déplacement"
1989 mark a watershed in the history of Chinese art. Since "Les Magiciens de la Terre" first exposure of Fei Dawei which presented for the first time at the Western public of Chinese contemporary works and especially since the events of the Place Tien An Men, the Chinese contemporary art took a dominating place on the international scene to become omnipresent. Today, no biennial or international artistic event is conceived without works, installations or performances of Chinese artists. XXIe century is obviousness: the Chinese contemporary art makes sell. But not any subject. Between the "chinoiseries" appraisals by the Westerners and works which do nothing but take again the traditional tradition without renewal of the techniques and the topics, are interesting on the topic of the man, innovating, significant creations, often provocative but always in close relation with the Chinese company in full change. The Chinese contemporary art has this of private individual who it is closely related to the individual and collective memory of people which underwent an important change since the death of Mao Tse Toung. The Chinese artists exiled in France have this of private individual whom they deliver an astonishing vision of the man and his place in the contemporary company. It is not a question only of the Chinese man but of the very short man. Creating a true esthetics of displacement, they question the statute of the artist through often violent and dark disconcerting works. In a company in full transformation, between passed and present, memory and lapse of memory, the question of the identity is a true way of cross for these artists in search of Ego and Other. Because what to be Chinese today? Or is it I? To go to is the meeting of the Other to go to the meeting of oneself? Is the exile the means of being or contrary to losing itself? Who am I? These existential questions become extensive in glance of the exile, "displacement"

Réunion d'Artistes dans l'atelier d'Isabey, présenté au Salon de 1798, apparaît aujourd'hui comme une œuvre majeure de Louis-Léopold Boilly. Acclamé par le public, moqué par la critique, le tableau est la première représentation d'artistes d'une telle envergure dans la peinture française. L'étude des différentes étapes du processus créatif, des premiers dessins connus au choix du titre, fait état d'un processus complexe de conception et de réalisation. Son analyse, avec le soutien de la génétique et de l'examen matériel des œuvres notamment dans le cadre de la restauration, offre une lecture nouvelle des pratiques du peintre dans le contexte artistique du Directoire. Elle révèle également les liens et les ambitions d'une nouvelle communauté artistique ouverte à l'ensemble des acteurs des beaux-arts et des arts de la scène
Presented at the Salon in 1798, Reunion of Artists in Isabey's studio is now recognized as a major work c Louis-Léopold Boilly. Applauded by the public, mocked by critics, this painting is the first representation artists of such as a scale and ambition in French painting. The study of the different steps of the creative process, from the first known drawings to the choice of the title, describes a complex process of design an creation. With the support of genetic criticism and the forensic examination of paintings and drawings during restoration, the analysis offers a new reading of the artist's practice in the context of the final years of this French Revolution. It reveals the links and ambitions of a new artistic community open to all actors of bot fine and performing arts

Cette thèse porte sur le thème de l’artiste dans l’œuvre de Pierre Michon. L’artiste comme pratiquant d’une carrière liée à la création (picturale, poétique, musicale, etc.) est une figure compliquée, car il habite à la lisière d’un monde intérieur propre à lui seul et de l’univers socio-historique qui l’entoure et qui oriente ses essais. Ayant beaucoup écrit sur les peintres et les écrivains Michon est l’un des auteurs contemporains qui ont largement traité le processus labyrinthique du devenir-artiste. D’ailleurs, la question de l’artiste chez cet auteur ne peut être abordée qu’en compagnie des aspects socio-historiques de son œuvre. Ainsi, notre objectif durant ce travail consiste à analyser la formation de l’artiste, de même que le rôle crucial que jouent les instances socio-historiques dans le devenir-artiste, à partir de l’œuvre de Michon, afin de formuler le point de vue de cet auteur en ce qui concerne les diverses dimensions de la création artistique
This thesis focuses on the theme of the artist in the works of Pierre Michon. The artist as a practitioner of a career linked to creation (pictorial, poetic, musical, etc.) is a complicated figure, because he lives on the edge of an inner world proper to himself and of the socio-historical world that surrounds it and that guides its trials. Having written extensively about painters and writers, Michon is one of the contemporary writers who has widely dealt with the labyrinthine process of becoming-artist. Moreover, the question of the artist in this author can only be approached in the company of the socio-historical aspects of his works. Thus, the objective of this work is to analyze the formation of the artist, as well as the crucial role played by the socio-historical bodies in the becoming-artist, in the works of Michon, in order to formulate the point of view of this author with regard to the various dimensions of artistic creation

Au début du vingtième siècle, la calligraphie arabe, en tant qu'art, s'inspire d'un nouveau courant ne du refus de tous les cadres académiques. Envisage dans un espace artistique marqué par la recherche de l'ensemble des moyens modernes de représentations, ce courant a été suivi par un grand nombre d'artistes de différents pays islamiques et arabes qui, considérant la calligraphie arabe comme un élément fondamental, ont créé des œuvres variées, comportant diverses formes d'expression, ces artistes peuvent être répartis en plusieurs groupes : 1- Le groupe de l'expressionisme, 2- Le groupe de la composition, 3- Le groupe de la calligraphie expérimentale, 4-Le groupe de la calligraphie simultanée, 5- Le groupe de la calligraphie analytique, 6- Le groupe de ceux utilisent la calligraphie comme une solution de facilité, leur permettant d'éviter des problèmes d'ordre plastique et artistique. Nous avons étudié 125 peintres de 17 pays et nous reproduisons et analysons 354 œuvres basées sur la calligraphie
At the beginning of the twentieth century since as all academic commissions did not recognize arab calligraphy as an art, a new inspiration was born amongst a great number of artists who considered arab calligraphy as a fundamental factor of their expression. These artists from different islamic and arab countries created a new current, researching all modern ways of representation. Their varions artistic works with their different forms of expression may be classified into many groups as follows : 1- The expressionism group 2- The composition group. 3- The experimental calligraphy group. 4- The simultaneous calligraphy group. 5- The analytical calligraphy group. 6- The group of those artists :aking use of calligraphy as an easy solution to avoid artistic problems such as those in connection with plastic art. We have studied 125 painters from 17 countries, reproduced and analysed 354 artistic works with calligraphy for basis

Cette thèse est consacrée à l’évolution de la place des femmes artistes d’origine miao, mongole et ouïgoure dans le champ artistique chinois 1950-2010. Son axe central consiste à montrer comment les mutations sociales ont modifié la place des femmes, et, plus précisément, comment leur place a été redéfinie dans un discours identitaire. Si dans les années 1950-1980, les œuvres portant sur l’idéologie collectiviste et la représentation de « la femme d’acier » occupaient une place primordiale, dans les années 1981-2000, les femmes artistes décrivent la situation réelle des femmes et mettent l’accent sur la question de l’identité des femmes modernes et sur des relations entre les femmes et les hommes. Elles cherchent à maîtriser des formes d’expression artistique ethnique plus variées et plus légitimes. Depuis 2001, afin de préserver les cultures ethniques face à la mondialisation, les femmes artistes essaient d’interpréter la profondeur de la culture ethnique dans leurs œuvres. C’est vers les traditions, telles que la mémoire historique, les mythologies, les chansons et les danses, que se tournent les artistes femmes issues des ethnies minoritaires à la recherche de racines culturelles. Cette recherche s’appuie à la fois sur l’analyse de la situation socio-culturelle des femmes artistes issues des ethnies minoritaires, l’analyse de la construction de l’identité féminine et l’analyse des particularités de l’expression des femmes artistes eu égard à leur appartenance ethnique
This thesis is devoted to studying the evolution of the place of female artists with Miao, Mongolian and Uygur origins in the Chinese artistic field 1950-2010. The central theme is to demonstrate how social changes have changed the place of women, and more specifically, how the place of women has been redefined in an identity discourse. If in the years 1960-1980, the art works dealing with the collectivist ideology and the representation of the ‘iron woman’ occupied a primordial place, in the years 1981-2000, the female artists describe the real situation of the women and put the focus on the question of the identity of modern women and the relations between women and men. They seek to master the different forms of ethnic artistic expression. Since 2001, in order to preserve ethnic cultures facing the globalization, the female artists are trying to interpret the depth of ethnic culture in their art works. It is towards traditions, such as historical memory, mythologies, songs and dances, that the female artists with ethnic minority origins are looking for their cultural roots. This research is based at the same time on the analysis of the socio-cultural situation of female artists with minority origins, the analysis of the construction of the feminine identity and the analysis of the particularities of the expression of female artists because of their ethnicity

Depuis « l’ère de la mondialisation », le monde occidental s’est vivement engagé dans la découverte de nouvelles cultures du monde dans le domaine des arts visuels. En effet, il est devenu la norme de valoriser la diversité du monde et le relativisme culturel parce que les cultures perçues comme authentiques développeraient des valeurs esthétiques et économiques considérables grâce à leur aspect original, singulier et pittoresque. Même si l’on ne peut pas réellement saisir toutes les nuances de la culture d’un pays éloigné, nous pouvons malgré tout esquisser une image plaisante de ce pays dans notre imagination, notamment grâce aux médias qui dépeignent aujourd’hui les paysages du monde à travers des images « typiques ».Par conséquent, les artistes des pays « périphériques » essaient de valoriser les attentes du monde occidental dans leurs créations, en espérant ainsi pouvoir s’intégrer dans le réseau mondial dominé par quelques pays qui se sont désormais positionnés en « leaders ». Ces artistes conçoivent, en effet, des stratégies de communication afin de favoriser la diffusion de leurs œuvres sur la scène internationale : ils représentent leurs identités culturelles dans leurs propres créations artistiques d’une manière stéréotypée facilement identifiable pour les pays occidentaux. Le pluralisme « postmoderne » influence ainsi considérablement la création des œuvres des artistes issus des pays périphériques, en mettant en scène et en valeur tout ce qui est spécifiquement typique, c’est-à-dire local et original
Ever since the era of globalization began, the Western world has been strongly engaged in the discovery of new cultures of the world, in the field of the visual arts. Indeed, it has become the norm to value diversity and cultural relativism because cultures perceived as authentic can develop considerable aesthetic and economic value from their unique and picturesque features. Even if we cannot really understand all the cultural characteristics of a far-off country, we are still able to sketch a pleasant and attractive image of this place in our imagination thanks to the mass media, which repeatedly presents these landscapes through "typical" images.As a result, artists from "peripheral" countries are trying to meet the Western world’s expectations in their work, hoping in this way to break into a global system where some countries are positioned as "leaders". These artists devise communication strategies to promote their works on the international art scene; they represent their cultural identity in their artwork in a stereotypical and easily recognizable way to the West. Postmodern pluralism considerably influenced these artists’ work, whilst focusing attention on everything that is typically “local” and “original”

Il existe un modèle de la prise de risque et de ses conséquences au cirque : la chute mortelle du funambule, le dompteur dévoré par ses fauves. Mais cette modélisation suffit-elle à rendre compte des arts du cirque, ou de la réalité et de l'ensemble des risques pris par les artistes? En se fondant sur l'histoire, l'étude du terrain, l'expérience du métier et la confrontation quotidienne à la pratique, ce travail restitue l'histoire récente des arts du cirque en France et ses sources archaïques, et propose, en suivant la piste du risque, une nouvelle approche du cirque. La notion de prise de risque est élargie à celles d'instabilité et de déséquilibre, et rapprochée de l'impermanence des formes artistiques et économiques, du processus de composition, des risques physiques et sociaux induits par la pratique. Ces modalités d'expression et d'existence où l'artiste s'expose en permanence au déséquilibre, fonde l'hypothèse d'une esthétique du risque au cirque
There is a model pattern for risks taken in circus, and their conséquences : the fatal fall of the tightrope walker, liontamer devoured by his felines. But does this model sufficiently consider the arts of the circus, or the reality of all the risks taken by the artistes ? Drawing upon the history, studies on the ground, professional experience and daily confrontation with the practice, this work recreates the recent history of the circus arts in France and it's archaic sources, and proposes, following the risk factor, a new approach to the circus. The risk taking notion of instability and loss of balance is expanded upon, and considers the fluctuations of the artistic forms and economics, of the formation process, and of the physical and social risks that result from this practice. These types of expression and existence where the artist is permenantly exposed to loss of balance, are the basis for the hypothesis of the aesthétic of circus risks

La présente thèse est un voyage, au delà de la géographie même. À part le fait d’avoir été développée pendant 5 ans entre Bilbao (Pays Basque), Pau (France) et Banff (Canada). A propos de l’idée de voyage on va préciser un trajet, un véhicule de transport et une destination, atteinte ou non. Le trajet, tout d’abord, s’identifie avec le processus artistique sur lequel, ou plutôt, à travers lequel la recherche se configurera. En faisant référence au processus artistique je ne me rapporte pas seulement à ce que l’artiste puisse faire, mais aussi a ce que fait un spectateur avec ce qu’il voit. Les points forts liés à ce sujet se développent tout au long du deuxième et du troisième chapitre. Le premier chapitre est une mise au point suivant une perspective plus théorique. Dans un second temps, le véhicule sera la répétition. Ce choix, fait au départ plus selon l’intuition que d’après des déductions, tient à plusieurs facteurs: a) il s’agit d’une notion suffisamment située, mais qui en même temps reste ouverte au devenir, afin de respecter les mouvement convergents et divergents de l’approche méthodologique; b)son rapport paradoxale et nécessaire avec la différence rend visible les porosités propres aux contraires, évitant ainsi de tomber dans le piège d’une pensée binaire liée à la représentation; c)à cet égard Jacques Derrida signale que le numéro trois est celui de la répétition, en affirmant que le centre d’intérêt n’est ni le premier ni le second mais l’espace intermédiaire, ce qui renvoie à l’idée de Cristoph Menke de la transition entre la force et la capacité; d)Gilles Deleuze définit la répétition non pas comme un concept, mais comme un non concept en tant que notion liée à un temps et à un espace, ce qui, dans le cas présent, est susceptible de s’ajuster à un projet sans concept mais situé tel qu’on le recherche; e)finalement le plus difficile, l’intra-action de Karen Barad; un concept défini comme le genre de rapport basé sur un réagencement interactif permanent moyennant lequel les êtres humains et non humains, animés et non animés, existent au sein de phénomènes, un concept plaçant la répétition au delà de la stratégie humaine de production. En troisième et dernier lieu, il fallait établir une destination. La répétition était partout et nulle part, autrement dit, le phare qui guidait jusqu’alors la recherche avait disparu. Et il existait énormément de documents académiques, et de théorie en général, liés à la répétition et à l’art. Pourtant, seule une petite partie parmi toute cette information abordait son rapport au processus artistique. Je pris alors la détermination de classer la répétition en fonction des trois positions où l’artiste retrouve au long de sa carrière: a)sur scène, c’est à dire, dans une exposition et dans ses relations avec les institutions culturelles et le système de l’art; b) dans les moments de retraite, des moments qui renvoient à cet espace temps où l’artiste se cherche; c)dans la rencontre, lorsque tout créateur-producteur s’embrouille avec d’autres créateurs-producteurs. Chacune de ces trois positions se rapporte au chapitre un, deux et trois respectivement. Or il fallait encore préciser une destination permettant de réaliser le troisième chapitre. La rencontre avec d’autres artistes constitua l’élément clé. La dOCUMENTA(13) propose elle aussi une recherche artistique au sein du réel. Cette notion, le réel, la destination de ce travail, tentera de se définir le long de la présente thèse. Dans toutes façons le réel, à la base, s’associe à la nature, alors que la réalité serait la conception que l’on en a. En outre, du point de vue psychanalytique, le réel est ce qui ne pourra guère se représenter. En pareil cas, la question de la recherche se reformule: la répétition rendra t’elle visible le mouvement, ou la tentative de mouvement, du processus artistique vers le réel?
A piece of art is just the tip of the iceberg of conscious and unconscious processes, thoughtful and casual, known and unknown, which coexist with the process of the piece itself. In this sense, one of the aims of artistic research is to make visible the artistic process to act through it, without relying on epistemological research fields from outside the art practice. The theoretical framework of this thesis follows the line of research established by dOCUMENTA(13) which is committed to artistic research in relation to the real. Basically, the real is conceived as nature and reality, as our perception of it. A summary and visual example of this research is one of the final scenes of the film American Beauty which shows a simple plastic bag, blowing in the wind. This sequence, its timing, its light, the voice-over, the music, the dry leaves that float next to the plastic bag, the red brick wall on the background, amongst many other things, perceptible or not, represent the essence of the research question of this thesis: the artistic process, randomly happens or is it created? For Cristoph Menke, art is in transit and divergence between capacity and strength. Capacity is being able to do something and implies repeating a generic form. Strength is the opposite, it has no form but is formative, it is active but unconscious. In the force of art, our strength is at stake. Thus, the challenge of this thesis is to visualize the transition between one another. Consequently, the specific proposal is focused on the study and the use of repetition in the artistic process. Jacques Derrida claims that the number for repetition is three. Gilles Deleuze distinguishes three levels of repetition, which main field is art: external repetition or reproduction, internal repetition or event, and the repetition which connects the prior two levels. This study finds correlation between these types of repetition and the notion of intraction by Karen Barad, based on the foundation that beings exist within phenomena by a permanent intractive and iterative reconfiguration. Therefore, the research expected outcome is not a piece of art but putting into practice new agency possibilities through the artistic process. The hypothesis is based on the idea that the transit between repetition and difference in the artistic process can be extrapolated to the relationship between strength and capability, enabling the movement of the artistic process towards the real. Thus, the fog in the piece of art Fog Sculpture by Fujiko Nakaya, blurs every hour the walk next to Guggenheim Museum in Bilbao. Descriptions stutter, it is never the same even if the mechanism works always the same way. The edges of the art object tremble in its spatial, temporal and material environment. The artistic process opens up to a dance with the real
La obra de arte es sólo la punta de un iceberg de procesos conscientes e inconscientes, deliberados y azarosos, conocidos y desconocidos que coexisten con la propia obra. En tal sentido, uno de los objetivos de la investigación artística es visibilizar el proceso artístico para actuar a través de él, sin depender de sistemas epistemológicos ajenos a la propia praxis. El marco teórico de esta tesis sigue la línea de investigación marcada por dOCUMENTA(13), apostando por una investigación artística en relación a lo real. Básicamente, se concibe lo real como la naturaleza y la realidad, como nuestra concepción de ella. Como síntesis y ejemplo visual, se presenta una de las escenas finales de la película American Beauty, la cual muestra una simple bolsa de plástico flotando por corrientes de viento. Esta secuencia, su tiempo, su luz, la voz en off, la música, las hojas secas que vuelan junto a la bolsa, la pared de ladrillo rojo del fondo, entre muchas otras cosas perceptibles o no, visibilizan la pregunta de investigación de esta tesis: el proceso artístico ¿ocurre o se hace?Para Cristoph Menke el arte se encuentra en el tránsito y la divergencia entre la capacidad y la fuerza. La capacidad es poder hacer algo e implica repetir una forma general. La fuerza es lo contrario a la capacidad, ya que no tiene forma pero es formadora y es activa pero inconsciente. En la fuerza del arte, está en juego nuestra fuerza. Por tanto, el reto de esta tesis es visibilizar esa transición entre una y otra. En consecuencia, la propuesta concreta, entre otras posibles, se centra en el estudio y la práctica de la repetición en el proceso artístico. Jacques Derrida sostiene que el número de la repetición es el tres. Gilles Deleuze distingue tres niveles de repetición, cuyo campo fundamental es el arte: repetición externa o reproducción, repetición interior o acontecimiento, y la repetición que pone en relación ambos niveles. Este estudio encuentra correspondencias entre estos tipos de repetición y la noción de intracción de Karen Barad, basada en el fundamento de que los seres existen dentro de fenómenos mediante una permanente re-configuración intractiva e iterativa. De esta forma, el resultado esperado de la investigación no es tanto una obra de arte, sino la puesta en práctica de nuevas posibilidades de agencia a través del proceso artístico. La intuición o hipótesis se basa en que el tránsito entre la repetición y la diferencia en el proceso artístico sea extrapolable a la relación entre fuerza y capacidad en arte, facilitando el movimiento del proceso artístico hacia lo real. Así, la niebla de la obra Fog Sculpture de Fujiko Nakaya emborrona cada hora el paseo del Museo Guggenheim de Bilbao. Tartamudean las descripciones, nunca es lo mismo aunque el mecanismo funciona siempre igual. Tiemblan los límites del objeto arte en su entorno espacial, temporal y material. El proceso artístico se abre al baile con lo real

C'est sur une production plastique continue que nous allons porter notre analyse et chercher à préciser les implications de la pensée et du corps dans le processus d'une création qui depuis 1989 traite toujours d'un seul et même sujet, le corps. Le sujet semble être ce qui constitue la peinture depuis ses origines. Pour la peinture dite figurative dont le but est de figurer, de représenter, le sujet est omniprésent. Il énonce le problème de la narration pour cette peinture qui finit par raconter plus qu'elle ne montre. En effet, telle est l'ambigui͏̈té de la Figuration. Aussi, comment faire pour conjurer la narration dans une peinture figurative ? Nous allons tenter de surmonter notre thèse de départ, à savoir que plus la figuration montre moins elle donne à voir. Pour ce faire nous émettrons l'hypothèse, dans le cadre précis de notre pratique plastique dont le sujet est le corps, d'arracher la figure au figuratif c'est-à-dire de rompre avec le motif figuratif pour préserver le sujet figuraI. Perdre le motif pour maintenir le sujet, telle serait la solution offerte à la peinture figurative pour se sortir d'elle-même, se maintenir et enfin se préserver. Pour cette rupture nous utiliserons le concept de démembrement parce qu'il permet de maintenir le corps dans un état de perte, par son mouvement d'effondrement, et un état de recouvrement, par son mouvement de dépassement. Le démembrement installe le travail dans un perpétuel mouvement de rupture et de tentative de reconstruction. Nous découvrirons à la fin de cette recherche que le démembrement a permis de transformer le motif figuratif en sujet fIgurai, de transférer l'espace traditionnel de la peinture figurative en espace figurai et, enfin, de transfigurer l'oeuvre figurative en oeuvre flgurale où corps et esprit se croisent en un centre qui se brise en permanence. Le démembrement, et non démembrer, situe la recherche plastique du corps dans une durée, un temps inachevé, inachevable en perpétuel retour sur soi. Il expulse l'artiste de son oeuvre. L'artiste mène alors une quête, celle de la perte de ce qu'il n'a jamais eu et qu'il n'aura jamais, c'est-à-dire la perte de l'origine.

Cette thèse montre que les citadins qui pratiquent les sports de rue, la danse in-situ ou le street art travaillent les espaces publics contemporains. Ils peuvent être associés à des artisans qui modèlent la ville grâce à une expérience sensible, ludique et imaginaire de l'urbain. L'espace public est ainsi réanchanté, mais il est surtout réactivé car son caractère ouvert, hétérogène et dynamique est stimulé. Ces trois activités ont donc une dimension micropolitique parce qu'elles permettent à leur pratiquants de vivre une forme d'utopie urbaine du quotidien en bouleversant l'ordre social et l'ordre des territoires. Cependant, ce travail n'occulte pas certaines contradictions qui complexifient l'analyse de leur impact sur les espaces publics contemporains. Si tous les riders, danseurs ou street artistes contribuent à la perpétuation d'une ville palimpseste, ils n'écrivent pas tous et toujours des phrases totalement renouvelées
This thesis highlights that people who practice urban sports, outdoor dance, and street art work on contemporary public space. They may also be associated with skilled craftsmen who "shape" the city by a sensitive, playfulness and imaginary experience of urbanity. Public space is becoming more enjoyable, but above all its open, heterogeneous and dynamic character is simulated. These three activities have a micro-political dimension because they give the opportunity to their participants to live a kind of urban utopia and to unravelling social and territorial orders. However, this work doesn't hide some contradictions that make analysis of the impact of respondents on contemporary public space growing in complexity. If every riders, dancers and street artists contribute to the perpetuation of the "palimpsest city", they do not always write some "renew sentences"

Il s’agissait de véritablement envisager la pertinence de la notion de citation, figure éminemment littéraire, au sein du dispositif pictural. Celle-ci, soumise à des normes très restrictives, s’est affichée comme extrêmement polymorphe. Parce qu’elle reprend un élément issu du patrimoine artistique, elle équivaut à un regard critique sur les précédentes créations. Nous avons choisi de l’étudier dans le cadre des œuvres des artistes de la Figuration Narrative, groupe figuratif et contestataire des années soixante, pour qui cet usage est récurrent. Nous avons pu mettre au jour l’articulation binaire attachée à cet exercice complexe : de fait, l’appel fait à des productions déjà existantes revêt toujours une réflexion sans concession au sujet du monde contemporain et de ses déviances, et à propos du métier de peintre et de ses questionnnements. Cette construction, fondée tant sur la reconnaissance de l’importance de l’œuvre « citée » que sur l’irrévérence de la pratique citationnelle ; marque avec force sa teneur dichotomique ainsi que son aspect symboliquement iconoclaste. Il fallait ensuite s’interroger sur les raisons d’une telle activité. La période des années soixante, très troublée au niveau national et international avec l’émergence de la société de consommation et le règne hégémonique des abstractions, allait être un véritable terrain de réflexion pour ces artistes engagés. Nous avons axé notre dernier chapitre sur la possibilité pour une citation d’être, paradoxalement, inédite. Il était donc quesetion de voir si une création sans précédents visuels étaiet seulement pensable ou si elle n’était qu’éternelle reformulation donc énonciation intrinsèquement hyper-opérale.

La question qui est posée dans Pour une ontologie du geste, à notre corps défaillant est celIe du sens et de I' essence du geste artisanal. A l'heure où la grande industrie a remplace I' artisanat pour produire nos biens de consommation, on peut se demander si Ie geste artisanal appartient au passe ou s'il représente une conduite intemporelle qui ne se limite pas à I'artisanat. L'enjeu se situe donc dans la notion de geste en tant que langage du corps, bien sUr, mais aussi dans l'idée de « porter en soi » (gestatio), qui implique un certain rapport au temps et à la durée. Pour être artisanal, un geste doit en effet se préparer, s'intérioriser, tout en restant ouvert à la sensation, au toucher. C'est dans cette marge qu'il faut chercher son authenticité. Pour cela, nous mettons en parallèle les questions contemporaines liées à I'art et à I'industrie, avec les origines paIeontologiques des pratiques artisanales, au point où I'humanité se saisit du monde et commence à Ie transformer. En effet, on ne peut comprendre la notion de geste artisanal sans la confronter avec celles d'extériorisation et de perfectibilité, d' ars et de technè, de travail et de projet, de curiosité et d'ingéniosité, qui ont fonde les manières de faire et de penser humaines. Ainsi, nous pouvons envisager Ie geste artisanal non seulement comme poïesis, mais aussi comme mise en oeuvre d'aptitudes, figure du travail et mode exploratoire de la pensée.

Adoptant une perspective d’analyse au croisement entre sociologie de l’art et sociologie des professions, notre étude examine la participation d’un groupe d’intermédiaires français de l’art contemporain dans la construction de la carrière d’artistes turcs. En particulier nous avons étudié les expériences et les pratiques de travail de trois catégories de métiers opérant en tant qu’intermédiaires de l’art contemporain: directeur de musée/commissaire d’exposition, galeriste et responsable artistique dans le secteur associatif. En nous intéressant à la fois à la structure du champ artistique où ces acteurs opèrent, et à leurs pratiques professionnelles, notre objectif était de souligner l’importance du rôle des intermédiaires français dans le processus de consécration des artistes turcs à l’échelle internationale. Dans le premier volet de notre recherche nous analysons les antécédents historiques des relations entre les intermédiaires artistiques français et les artistes turcs. Dans le deuxième volet et cœur de notre recherche, nous présentons les résultats de notre étude empirique sur les activités professionnelles d’un groupe d’intermédiaires français opérant dans le secteur de l’art contemporain. Ils ont été ou sont engagés dans la promotion et diffusion des œuvres des artistes turcs travaillant dans le domaine de l’art visuel. En effet, à travers une enquête de terrain, nous montrons la diversité et les contradictions des pratiques de travail de trente-deux intermédiaires français de l’art contemporain, autour d’une thématique, celle des échanges artistiques entre France et Turquie à l’heure de la mondialisation
Adopting an analytical perspective on the intersection between sociology of art and sociology of professions, our research examines the participation of a group of French contemporary art gatekeepers in building the career of Turkish artists. In particular we studied the experiences and working practices of three categories of contemporary art gatekeepers: museum directors / curators, directors of galleries and artistic director in the nonprofit sector. Focusing our attention to both the structure of the artistic field where these actors operate, and their professional practices, our goal was to emphasize the importance of the role of French gatekeepers in the process of consecration Turkish artists internationally. In the first part of our research we analyze the historical background of the relationship between the French artistic intermediaries and Turkish artists. In the second part, and heart of our research, we present the results of our empirical study on the professional activities of a French group of gatekeepers operating in the field of contemporary art. They have been or are involved in the promotion and dissemination of works of Turkish artists operating in the field of visual art. Indeed, through a field survey, we show the diversity and contradictions of working practices of thirty-two French contemporary art gatekeepers around a topic: the artistic exchanges between France et Turkey in the globalization era

Cette thèse a pour objectif de proposer un cadre d'analyse permettant d'appréhender la construction de la qualité d'une œuvre d'art, indissociable de celle de l'artiste. La qualité artistique est a priori indéterminée, en d'autres termes les biens artistiques sont incomplets, ce qui exige, en conséquence, un travail social de définition de la qualité artistique, puis d'identification des œuvres susceptibles d'être valorisées. En premier lieu, il convient de déterminer la ou les manières de définir ce qu'est, et ce que devrait être une œuvre d'art. Pour ce faire, nous avons réalisé une analyse textuelle des discours tenus par des critiques d'art réputés. Trois grammaires de qualité artistique, correspondant aux trois conventions de l'art actuel, sont ainsi identifiées. L'art contemporain est une de ces conventions sur laquelle nous avons focalisé notre attention. Dans un deuxième temps, le monde social de l'art contemporain est présenté, il se compose d'artistes et d'experts, et se fonde sur un registre de qualification spécifique. Ce sont ces experts, les instances de légitimation, qui complètent c'est-à-dire identifient et qualifient les biens d'art soumis à leur jugement. A partir de différents travaux d'Économie de la culture, et principalement ceux issus du courant institutionnaliste, nous avons donc centré notre analyse sur la dynamique de reconnaissance des artistes, par les experts. L'Économie des Conventions présente un cadre théorique renouvelé, propice à l'analyse des opérations de qualification. La notion d'épreuve est ici mobilisée afin d'examiner les procédures d'évaluation des artistes, dans leur déroulement et leur visée. Une analyse qualitative, reposant principalement sur des enquêtes et des observations, nous permet d'identifier plusieurs types d'épreuves de reconnaissance artistique, organisées en réseau. Nous avons alors eu recours à la théorie des réseaux afin de conceptualiser la dynamique de qualification de l'artiste et de son œuvre. Le réseau hiérarchique d'épreuves de reconnaissance ainsi obtenu constitue le parcours d'insertion des jeunes artistes sur le marché de l'art contemporain
This work aims to propose an analytical framework of the construction of a work of art's quality which is impossible to differentiate from the quality of the artist himself. Artistic quality is unspecified a priori; put differently, the artistic goods are incomplete. Consequently, a social production, first, of a definition of artistic quality, and, then, of identification of the works likely to be valuable, is needed. Firstly, aiming at establishing the various ways to define what is, and what should be, a work of art, we carry out a textual analysis of speeches held by famous art critics. Three grammars of artistic quality are identified, corresponding to three conventions in the current Art, Contemporary art is only one of those conventions, the one on which we focus now our attention. Next, the social world of contemporary art is presented. Composed of both artists and experts, it is based on a specific qualification register. As legitimizing authorities, experts complete (i. E. Identify and qualify) the art goods submitted to their judgement. Resting on the Cultural economics literature (mainly the institutionnalist one), we showed the necessity to analyse the dynamics of recognition of the artists by the experts. Then, the French school of Economics of Conventions offers a theoretical framework renewing the analysis of qualification operations. Its core concept of “trials” allows to study the aim and the procedures of the artists' evaluation. A qualitative analysis, mainly resting on investigations and observations, enables us to identify several types of artistic “recognition trials” organized in a network. We then mobilize the Economics of networks in order to conceptualize the dynamics of the artist and his works' qualification. The hierarchical network of recognition trials thus obtained constitutes the young artists insertion path on the market of contemporary art

Ce travail de recherche aspire à saisir les enjeux essentiels d'une création artistique relevant d'une esthétique du deuil. Dans quelle mesure le recours à la relique, au fragment, à l'effacement ou au leurre sont-ils les symptômes d'un deuil marquant les artistes allemands contemporains ? Cette étude convoquera des démarches récentes (comme celle de Rosemarie Trockel, Andreas Gursky, Thomas Demand, Gerhard Richter ou Anselm Kiefer) et les confrontera à d'autres plus anciennes (Hans Holbein, Albrecht Dürer, Caspar David Friedrich, Georg Grosz) afin de comprendre la tonalité et l'ampleur du deuil qui les imprègnent

Quand il y a polémique, il y a discussion, il y a un nœud à démêler, une question à traiter. Les plasticiens ont-ils le choix de ne pas répondre aux dispositifs proposés ? Le statut d’artiste plasticien est-il celui d’un éternel allocataire, englué dans le fantasme de l’artiste maudit ? Ces stéréotypes ne sont-ils pas des pièges ? La précarité financière est-elle la garantie de la qualité des productions ? Le plasticien fait et montre ce qu’il peut, ce qu’il veut, ce qui lui semble digne d’intérêt et nécessaire. Qu’est-ce qui mobilise André Cadere quand il introduit subrepticement la petite barre de bois rond au vernissage de Valerio Adami le 22 novembre 1975 à la fondation Maeght à Paris ?

Devant les crises de l'occident de son epoque, romain rolland ne cesse de proposer la possibilite de la creation. L'objectif de notre etude est d'eclaircir a quel point la creation tient a coeur a romain rolland. Dans son chef-d'oeuvre, romain rolland decrit le processus de la creation artistique selon le modele d'un artiste: jean-christophe. Avec le temps, le sens de la creation s'elargit: de la creation artistique dans jean-christophe a l'enfantement d'un nouveau monde dans l'ame enchantee
During the period of the successive crises in the occident, romain rolland tried to propose the idea of creation. The aim of our study is to clarify how much he is fascinated by the creation. In his masterpiece, rolland describes the process of the creation in art, after the model of a musician, jean-christophe. In course of time, his idea of creation evolves from the artistic creation in jean-christophe to the construction of a new world in l'ame enchantee

Le personnage de l'artiste permet a george sand (mille huit cent quatre - mille huit cent soixante-seize) de sensibiliser ses contemporains a une meilleure approche de ce type social et du mode de vie qu'il peut mener. Il lui permet egalement de mettre en valeur les ideaux republicains. La romanciere fera evoluer ce personnage apres la revolution de mille huit cent quarante-huit. L'enthousiasme exalte dont on trouvait trace naguere dans son oeuvre cede le pas a une temperance qui reserve a l'artiste sandien un parcours moins epique. La quete spirituelle de celui-ci lui fait trouver un bonheur paisible qui decoule d'un approfondissement de son art et d'une stabilite affective

Cette recherche detaille, a l'aide de documents restes souvent confidentiels comme les lithographies ou les portefeuilles de dessins, les relations entretenues par les peintres avec la grece "retrouvee" depuis la fin du xviiie siecle. La confrontation entre le mythe qui inspira longtemps l'art occidental et la realite du pays est marquee d'abord par l'enthousiasme des pionniers, de choiseul-gouffier a louis dupre, dont les images nourrissent le philhellenisme qui connait en france vers 1825 un rayonnement exceptionnel. L'interet pour les antiquites, la grece franque et byzantine vont jusqu'au milieu du siecle attirer les artistes dont l'inspiration s'essoufle au moment du "mishellenisme" : une etude detaillee du voyage vers 1850 en souligne les raisons. L'eveil progressif de la grece, les decouvertes archeologiques nombreuses a partir de 1870 transforment peu a peu cette deception jusqu'a l'exaltation du xxe siecle ou le corbusier et leger admirent la "maigreur" du paysage comme les sculptures archaiques. Cette recherche souhaite introduire l'histoire du voyage dans l'evolution artistique, avec la reaction des peintres devant les paysages, les habitants, les vestiges antiques, refletant ainsi les mentalites du moment et l'influence de ces decouvertes sur les creations contemporaines
BASED ON DOCUMENTS WHICH ARE OFTEN KEPT CONFIDENTIAL -LIKE LITHOGRAPHS, OR DRAWING PORTFOLIOS - THIS research-WORK SHOWS IN GREAT DETAIL THE RELATIONS THAT PAINTERS ENTERTAINED WITH A GREECE WHICH WAS "REDISCOVERED" AT THE END OF THE 18TH CENTURY. CONFRONTING THE MYTH WHICH, FOR A LONG TIME, WAS A SOURCE OF INSPIRATION FOR WESTERN ART TO WHAT THE COUNTRY WAS REALLY LIKE FIRST BROUGHT ABOUT THE PIONEERS' ENTHUSIASM, FROM CHOISEUL-GOUFFIER TO LOUIS DUPRE ; THEIR PICTURES NURTURED THE PHILHELLENISM WHICH HAD AN EXCEPTIONAL INFLUENCE IN FRANCE ROUND 1825. UNTIL THE MIDDLE OF LAST CENTURY, THE INTEREST IN ANTIQUITIES AS WELL AS IN FRANKISH AND BYZANTINE GREECE WAS TO ATTRACT ARTISTS WHOSE INSPIRATION LOST SOME OF ITS MOMENTUM WHEN "MISHELLENISM" SET IN : A DETAILED STUDY OF THE JOURNEY ROUND ABOUT 1850 CLEARLY SHOWS WHY. THE GRADUAL AWAKENING OF GREECE, THE NUMEROUS ARCHEOLOGICAL FINDS MADE FROM 1870 ON PROGRESSIVELY TURNED THAT DISAPPOINTMENT INTO THE 20TH CENTURY EXALTATION, THAT LED LE CORBUSIER AND LEGER TO ADMIRE BOTH THE "THINNESS" OF THE LANDSCAPES AND ARCHAIC SCULPTURES. THE PRESENT RESEARCH-WORK AIMS TO INTRODUCE THE HISTORY OF THE JOURNEY INTO ARTISTIC DEVELOPMENTS, ALONG WITH PAINTERS' REACTIONS WHEN CONFRONTED WITH LANDSCAPES, PEOPLE, AND ANTIQUE RUINS ; IT WILL THUS MIRROR THE MENTALITIES OF THAT TIME AND THE INFLUENCE THESE DISCOVERIES HAD ON CONTEMPORARY WORKS OF ART

La ciné-danse est une forme artistique hybride qui entrelace étroitement les propriétés techniques et esthétiques de la danse et du cinéma. Ce n’est pas un genre nouveau: d’une certaine manière, la ciné-danse existe depuis les tout débuts du cinéma. Mais elle est théorisée pour la première fois au milieu des années 1940 par Maya Deren qui propose aussi avec A Study in Choreography for Camera (1945) un film-manifeste qui s’est avéré déterminant pour la reconnaissance et le développement decette catégorie la plus transdisciplinaire du film de danse.Néanmoins, c’est seulement à partir des années 2000 etsurtout depuis le début des années 2010 que les festivals spécialisés se sont multipliés et que le genre a commencé à recevoir un éclairage théorique. Cette thèse contribue ainsi à ce tout jeune domaine de recherche que sont les screendance studies en proposant un premier panorama historique de la ciné-danse et en examinant certaines de ses spécificités formelles et dramaturgiques dont beaucoup n’avaient pas encore été analysées.Cette étude prend notamment le parti d’explorer la ciné-danse sous l’angle inaperçu de son hyper-sensorialité et des corporéités originales qu’elle façonne.J’y commence par retracer l’histoire plus large dans laquelle la ciné-danse s’inscrit, celle de la danse au cinéma en général et du film de danse en particulier. Puis,je propose d’esquisser plus spécifiquement l’histoire du genre. Je souligne ensuite la fécondité de l’hybridation artistiquequi définit la ciné-danse en analysant certaines de ses singularités formelles et dramaturgiques. J’examine notamment l’usage sui generis du gros plan dans ces films, la (re)matérialisation des corps à laquelle ils procèdent par un traitement hyper-sensoriel et synesthésique des images et des sons ainsi que les corporéitésétranges qu’ils créent et les implications critiques que celles-ci renferment. Enfin, je me concentre sur un aspect capital de la ciné-danse : les lieux qu’elle investit et les rapports complexes entre corps et espaces qu’elle interroge. Cette thèse brosse ainsi le portrait historique et esthétique d’un art hybride, d’un genre éminemment corporel et sensoriel et d’une pratique in situ. J’y mets au jour des oeuvres expérimentales qui explorent la capacité de ce croisement artistique à mettre en exergue la matérialité des corps ainsi que la sensorialité des films et de l’art chorégraphique
Screendance is a hybrid artistic form which inextricably interweaves the technical and aesthetic properties of both dance and cinema. It is not a new genre: in a certain sense, screendance has existed since the very beginnings of cinema. It was first theorised, however, in the mid-1940s by Maya Deren, whose film-manifestoA Study in Choreography for Camera (1945) proved central to the recognition and development of this most transdisciplinary category of dance films. Nevertheless, it is only from the 2000s and even more-so from the 2010s onwards that specialisedfestivals have proliferated and that the genre has begun to receive theoretical attention. This dissertation is thus a contribution to the emerging field of screendance studies: it proposes a historical panorama of the genre and examines its formal and dramaturgical specificities, many of which have not yet been the object of in-depth analysis. This examination aims in particular to explore screendance from the previously unconsidered perspective of its hyper-sensoriality and the originalcorporealities it constructs.I begin by retracing the larger history within which screendance has grown that of dance in film and especially that of dance films. I then propose a more specific history of screendace proper. Next, I emphasise the fecundity of the artistic hybridisation which defines screendance by analysing certain of its formal and dramaturgical singularities. More specifically, I examine its sui generis usage of closeups, its (re)materialisation of bodies through a hyper-sensorial and synaesthetic treatment of images and sounds, as well as its strange corporealities and the critical implications they suggest. Finally, I focus on a crucial dimension of screendance: the places it investigates and its complex interrogations of the relationships between body and space. This dissertation paints a historical and aesthetic portrait of a hybrid art, an eminently corporeal and sensorial genre, a site-specific practice; it celebrates experimental works which explore the richness of an artistic cross-over and highlight the materiality of bodies as well as the sensoriality of dance and film

En choisissant d'aborder le romantisme par le biais de l'imitation, cette thèse a une double visée : - éclairer les rapports confus entre romantisme et néo-classicisme. C'est en effet là le point de départ et l'enjeu majeur de ce travail. Définissant le romantisme comme stratégie de subversion, il offre une vision singulière du romantisme : une vision d'où se dégage l'idée d'une cohérence romantique, là ou l'on a l'habitude de souligner les contradictions que recouvrent le terme "romantisme". Sans chercher à aplanir les différences, voire les contradictions, cette thèse tente en effet de démontrer que celles-ci entrent dans un "projet" romantique au sein duquel elles acquièrent un statut nouveau, participant à cette "subversion" de la mimesis néo-classique. - la deuxièmes visée de cette thèse, qui découle de la première, est de mesurer l'ambition et les limites de ce projet, les limites de ce que nous appelons "l'ambition romantique". (cette visée conduit à convoquer un vaste corpus de textes : les manuscrits (inédits) des conférences de Turner sur la perspective. Les textes théoriques de Blake : descriptive catalogue et annotations to the discourses of sir Joshua Reynolds. Les écrits de Constable. Un vaste corpus allemand et en particulier la sphère des couleurs de Runge. )
This PhD on the romantic theory of imitation has a double aim : - first, to shed new light on the confused relations between romanticism and neo-classicism. This, in fact, is the very strarting point of this work and the major one at stake. By defining romanticism as a strategy of subversion, it offers an uncommon vision of romanticism, a vision from wich the idea of a romantic coherence emerges where we tend to emphasize the contradictions inherent to the term "romanticism". Without trying to smooth out the differences or even the contradictions, this works tends to demonstrate that these enter a romantic project within which they can acquire a new status, sharing this subversion of the neo-classical mimesis. - the second aim of this study which ensues from the first, is to measure both the ambition and the limits of this project which may be referred to as the "romantic ambition". (such views lead us to call up a large corpus of texts. The unpublished mss of turner's lectures on perspective, the theoretical writings of William Blake - descriptive catalogue, annotations to the discourses of sir Joshua Reynolds - John Constable's writings, together with a vast German corpus, and, in particular, Runge's works on colour)

On attribue souvent aux œuvres des peintres Albert Bierstadt et Thomas Moran et des photographes Carleton Watkins et William H. Jackson un impact certain sur la création des parcs nationaux de Yosemite et Yellowstone. Plutôt que de rechercher des preuves de leur influence sur les hommes politiques – preuves qui se révèlent ténues et appartiennent plus à la légende qu’à la réalité – cette thèse se propose d’étudier comment la représentation du paysage a pu progressivement, au cours de la période 1820-1890, façonner les esprits américains au point qu’ils puissent admirer cette nature sauvage qu’ils redoutaient depuis longtemps et en venir à prôner ou à accepter qu’on la préserve. Dans une première partie, nous aborderons l’évolution de l’image de la nature et de l’art depuis l’arrivée des premiers colons et leurs destins croisés. Dans la seconde partie, nous nous intéresserons aux facteurs qui firent des artistes des pionniers de l’esthétique et de la préservation, les envoyant en mission d’exploration pour étudier les éléments naturels et recréer les scènes observées. Puis nous analyserons les écrits de certains artistes où transparaît une sensibilité écologique précoce et les actions concrètes de ceux qui luttèrent pour préserver certains sites. Enfin, dans la troisième partie, nous examinerons les innovations technologiques ou artistiques et l’adaptation des traditions picturales européennes qui favorisèrent l’appropriation visuelle de la nature : panorama et stéréographie, alliance de la vision de loin et de haut et de la précision télescopique ou pastoralisation par une présence humaine, animale ou par l’alliance du sublime et du beau
The works of painters Albert Bierstadt and Thomas Moran and photographers Carleton Watkins and William H. Jackson are often credited with having been instrumental in the creation of the Yosemite and Yellowstone National Parks. Rather than look for evidence of their influence on politicians – evidence which turns out to be flimsy and the stuff of legend more than reality –this dissertation aims to study how landscape representation between 1820 and 1890 progressively shaped American mentalities so that people came to admire the wilderness they had dreaded for a long time and to advocate or accept its preservation. In the first part we will deal with the evolution of the image of nature and art since the arrival of the first settlers and their shared destinies. In the second part, we will look at how artists were made into aesthetic and environmental pioneers, sent on a mission of exploration to study the elements of nature thoroughly and recreate the scenes they had observed. Then we will analyze the writings of some artists which show a precocious ecological sensitivity and the concrete actions of those who fought for the preservation of certain sites. Finally, in the third part, we will examine the technological or artistic innovations and the adaptation of European pictorial conventions that favored the visual appropriation of nature : the panorama and the stereography, elevated vision from a distance and telescopic precision, as well as its pastoralization by human, animal presence or by the union of the sublime and the beautiful

La thèse intitulée Le tabou féminin dans l'art contemporain (contexte social et artistique de la féminité , dans l' oeuvre des femmes artistes contemporaines) aborde le thème de la féminité dans l'art des femmes artistes. La recherche se concentre sur l'approche qualitative des informations. Grâce à des oeuvres spécifiques de femmes, artistes nous examinons dans quelle mesure la création des femmes est « féminine» et si l'utilisation du terme « art féminin» est actuelle. D'un point de vue objectif la recherche se focalise tout d'abord sur la définition de la masculinité d'aujourd'hui. Ensuite nous expliquons le regard sur la femme au travers des théories féministes et de genre qui se reflètent également dans la création artistique. Ensuite, grâce à cette analyse exhaustive, nous abordons la féminité même. Nous définissons la féminité dans l’art et nous présentons des vues opposées de femmes artistes sur la désignation « art féminin ». Les manifestations de la féminité dans la création des femmes artistes contemporaines sont divisées en plusieurs unités Mater Pater, Intimité et Identité. Les analyses des oeuvres permettent de mieux définir les caractéristiques typiques de la création artistique des femmes que nous appelons la féminité dans l'art. Enfin, nous explorons notre thème dans le cadre de la pédagogie artistique et nous attirons l'attention sur l’importance des questions de genre dans l'éducation artistique.

Cette recherche a pour objet l’étude des relations entre les arts et les sciences dans les pratiques artistiques contemporaines. Elle y porte un regard épistémologique « ouvert ». Deux parties en sont constituantes. La première est dévolue au positionnement des œuvres « arts et sciences » dans l'ensemble de la production des plasticiens contemporains. Les artistes de ce territoire adoptent une posture de transgression et nous montrons que l'altérité des productions inscrit ces créateurs dans le champ des acteurs sociaux, en particulier par les appropriations qui constituent les matériaux fondateurs des œuvres. De plus il est fécond de confronter les processus mis en œuvre par l'artiste – utilisant le réel comme matériau – à ceux développés par les scientifiques qui agissent sur le réel pour donner une explication des phénomènes constitutifs de notre Univers, voire formuler des prédictions. Le propos de la deuxième partie est de montrer que le dépassement d'une première perception au cours de l'expérience esthétique est particulièrement enrichissant pour le spectateur-acteur qui participe de l'art contemporain. En nous fondant sur un choix d'œuvres exemplaires, nous mettons en évidence les articulations liant le sens manifesté par l'œuvre avec les grandes notions « universelles » comme les questions du temps, de l'espace et de la matérialité du monde ainsi que les différentes interrogations qui y sont attachées. Une telle approche montre que l'art contemporain contribue à la compréhension du monde par la manifestation de données scientifiques que la science formalise dans d'autres registres
The aim of this research is to study the relationship between the arts and the sciences in contemporary art. It takes an « open » epistemological viewpoint. The study consists of two parts. The first part is focused on establishing the position, in the overall context of contemporary artistic production, of those works considered as « arts et sciences ». Artists in this field adopt a transgressive attitude and we show that the otherness of these works allows these creative artists to be included as members of the working community, in particular through the adaptations that make up the foundation materials of their works. Furthermore, it is productive to compare the techniques employed by the artist, using reality as material, with those developed by scientists who use reality to explain and predict the natural phenomena of our Universe. The aim of the second part of the study is to demonstrate that, for the spectator-actor, it is particularly rewarding, when engaging with a work of contemporary art, to go beyond initial aesthetic impressions. Using selected examples, we provide evidence to link the interpretation of a work with such broad « universal » concepts as time, space and the material nature of the world, and the various questions that arise there from. This approach shows that contemporary art contributes to an understanding of the world by displaying scientific information, in a manner other than that expressed by science

Cette thèse examine la relation de certains artistes contemporains au livre à travers l'analyse d'une série d'œuvres et de documents qui mettent en scène des pratiques de la lecture et des pratiques de la collection. La première partie (l'artiste en lecteur) passe en revue une galerie de portraits d'artistes lisant ou posant parmi les livres. Du lecteur oisif au travailleur intellectuel, une autre image de " l'artiste au travail " et de l'acte créateur se profile. La seconde partie (l'artiste et ses livres) s'intéresse à la représentation de quelques bibliothèques d'artistes. De la bibliothèque idéale de Marcel Duchamp à l'anthologie d'Allen Ruppersberg, ces bibliothèques particulières entretiennent des rapports étroits avec la possession et " l'écriture de soi ". Les annexes et les notes en bas de page sont les lieux dans lesquels l'auteur de cette thèse expose sa pratique artistique et les développements (commissariat d'exposition et textes critiques) issus de ce travail de recherche
This thesis examines the relationship that some contemporary artists have with the book through the analysis of a series of works and documents that present various practices of reading and collecting. The first part (the artist as reader) surveys portraits of artists reading or posing with books. From the idle reader to the intellectual worker, this study delineates an alternative image of the “artist at work” and of the creative act. The second part (the artist and his books) focuses on the representation of some artists' libraries. Ranging from Marcel Duchamp's ideal library to Allen Ruppersberg's anthology, these private libraries are closely tied to the notions of ownership and the “writing of the self. ” Annexes and footnotes are the places where the author of this thesis outlines his own artistic practice and the developments that have stemmed from this research work, which include curating exhibitions and writing criticism

Nous avons étudié l'objet d'art et l'artiste en particulier dans la société japonaise moderne, dans les années 70-90, en partant du point de vue que tout objet est porteur d'un vécu, d'un ressenti capable de révéler l'imaginaire collectif. Nous nous sommes appuyé : sur des textes d'auteurs japonais écrits soit pendant la période concernée soit à la fin de la dernière décennie, sur les textes théoriques de psychologues et de philosophes de différents horizons culturels, sur l'observation directe des objets montrés pendant cette période dans des galeries d'art ou sur divers sites publics d'exposition, sur nombre d'entretiens avec des artistes japonais résidant et travaillant au Japon. Cette réflexion sur les fonctions de l'art dans une société industrielle nous a permis d'envisager une définition possible de son rapport aux grandes problématiques des temps modernes : l'environnement, la communication, l'éducation, entre autres.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2014-2015
Ce mémoire vise à mieux comprendre comment des artistes du Cambodge, basés dans la ville de Battambang, font sens de leur subjectivité à travers leur démarche en arts visuels contemporains. Dans un contexte où les arts traditionnels au Cambodge étaient autrefois consacrés à une vocation religieuse ou utilitaire, il est pertinent de s’attarder aux changements qui ont permis à ce que « l’expression de soi » devienne une préoccupation fondamentale pour les artistes contemporains au Cambodge. En 2012, j’ai mené un terrain ethnographique auprès d’artistes visuels contemporains nés et vivants à Battambang. Mes résultats montrent que la subjectivité de l’artiste est signifiée à travers des rôles et des valeurs (humilité, équanimité, compassion, discernement) teintés par le bouddhisme, et plus particulièrement le bouddhisme moderniste cambodgien; ce qui entraîne parfois pour les personnes rencontrées une hésitation ou un refus de s’identifier comme selpakor (artiste). De plus, mes résultats soulignent que ces arts contemporains ne se posent pas en rupture complète avec l’héritage artistique cambodgien. Plus généralement, ma recherche développe divers enjeux concernant l’inscription des arts visuels contemporains de Battambang à la scène artistique globale.
The aim of this thesis is to better understand how contemporary visual artists, based in Battambang, Cambodia, express their subjectivity through their artistic process. In a context where traditional arts have been dedicated to religious and utilitarian purposes, it is relevant to reflect on the changes that have allowed “self-expression” to become a central concern for contemporary artists in present day Cambodia. In 2012, I conducted an ethnographic field study with contemporary visual artists who were born and still live in Battambang. My results show that the artist’s subjectivity is signified through roles and values (humility, equanimity, compassion, discernment) marked by Buddhism, especially Cambodian modernist Buddhism; which consequently leads some of them to reconsider, or even turn down, the selpakor (artist) designation. Moreover, my results underline the fact that these contemporary art forms do not completely break with Cambodian artistic heritage. More generally, my research tackles various issues regarding the integration of Battambang’s contemporary visual arts to the global art world.