Добірка наукової літератури з теми "Art numérique – Expositions"

L’apparition de l’image photographique numérique au tournant des années 1990 souleva des débats qui se focalisèrent majoritairement sur la perte présumée d’authenticité du médium, alors que les réalisations des deux décennies précédentes – au niveau matériel, technique ou institutionnel – demeurent peu explorées. Au croisement entre champs scientifique et artistique, entre photographie et computer art, les formes visuelles hétérogènes qui se développent à cette période résultent autant d’expérimentations techniques menées étroitement avec les ingénieurs que d’un positionnement réflexif des artistes qui, paradoxalement, interroge cette notion d’authenticité de manière critique. L’étude de leur exposition entre 1968 et 1988, permet ainsi de retracer ces développements « au présent », opposant une histoire matérielle à une histoire essentiellement théorique du numérique en photographie.

Si le numérique est désormais accesible au plus grand nombre et fait partie de la vie quotidienne, l’utilisation de l’Intelligence Artificielle s’est également déployée dans le monde de l’art et de la culture : naissance de laboratoires de recherche art/science, recours à l’imagerie virtuelle dans des expositions artistiques dites « immersives », mise en ligne de plateformes et logiciels de conception générative… À l’aune de ces nouvelles tendances, que devient concrètement la place de l’art ? Peut-on encore mettre à l’épreuve le processus créatif en tant que dynamique respiratoire, esthésique, vivante ? Ou sommes-nous désormais voués à contempler des créations chimériques, hors-sol ? Pour cet article, nous proposons de revenir sur le débat opposant la créativité et la technicité afin d’interroger les pratiques numériques actuelles qui entendent flirter avec le geste artistique. Nous verrons que dans l’abstraction, voire l’anesthésie du sens (significatif et sensoriel), émerge la nécessité de repenser la création artistique comme une invitation à prendre soin du vivant.

Alors qu'il y a plusieurs années, les nouvelles technologies numériques n'étaient utilisées que par un groupe d'artistes pionniers, elles sont devenues accessibles et omniprésentes dans la pratique artistique d'aujourd'hui. Néanmoins, il existe un fossé persistant entre nos institutions traditionnellement en charge de leur exposition, la collection et la préservation de l'art. Certains ont acquis de l'expérience avec l'exposition d'art des nouveaux médias, en adaptant des modèles de conservation existants ou en en créant de nouveaux moyens de monstration, tandis que pour d'autres, le contact avec des œuvres axées sur la technologie semble toujours être un défi. Basé sur des recherches de terrain menées dans les Hauts‑de‑France, cet article explore cette fracture numérique dans le monde de l'art institutionnel. Quelles sont les stratégies curatoriales d'une institution spécialisée comme Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains, comment sont‑elles organisées et que peuvent en tirer les autres institutions ? Quelles sont les raisons de cette division persistante à l'heure où les technologies numériques sont omniprésentes ?

Cette recherche interroge les nouvelles stratégies curatoriales relatives aux expositions d'œuvres d'art numérique dans des espaces physiques d'exposition. Par art numérique, j'entende les projets artistiques qui font usage de manière créative et critique de technologies telles que la programmation algorithmique, la réalité virtuelle ou augmentée, la robotique, l'utilisation des datas et les nouvelles formes d'apparition de l'image. Dans un monde où les outils numériques sont une condition structurante de la vie en société et de toute production culturelle (Stalder 2016), l'art numérique est un moyen puissant pour comprendre notre temps présent et notre avenir (Ertan 2016). Il peut offrir des approches et des récits alternatifs aux utilisations dominantes de la technologie, hautement influencées par le capitalisme mondialisé. L'institution artistique peut être un lieu unique permettant de réfléchir à l'influence prédominante des dispositifs technologiques sur nos vies et nos processus de pensée. Malgré le fait que ces œuvres numériques occupent maintenant une place importante dans le monde de l'art contemporain et peuvent se prévaloir d'une certaine historicité (Paul 2016), rares sont les travaux de recherche portant sur des nouvelles modalités de mise en exposition expérimentées pour ces œuvres et la façon dont l'art numérique nous incite à re-penser l'exposition (Dekker 2021). Les bouleversements opérés par le numérique transforment les modalités de production et d'exposition des œuvres. Des nouvelles stratégies curatoriales ont été expérimentées, et des modalités existantes on été adapté. En montrant ces ruptures et continuations avec une théorie et pratique de l'exposition existante ce de travail de thèse entend examiner finement comment les œuvres d'art utilisant les technologies numériques ont transformé notre façon de penser et de réaliser des expositions. Quelles sont les nouvelles stratégies curatoriales qui ont émergé s'appuyant sur l'interactivité, la variabilité, la matérialité technique des œuvres ? Comment s'articulent précisément les liens entre artiste, espace d'exposition, œuvre et spectateur dans ce nouveaux paradigme de l'exposition ? Comment évoluent des œuvres d'art dans le temps et comment est-ce qu'ils s'adaptent à des espaces d'expositions différents ? Annet Dekker, Curating Digital Art: From Presenting and Collecting Digital Art to Networked Co-curation, Amsterdam, Valiz, 2021.Ekmel Ertan, « Introduction to Histories of the Post-DigitalHistories of the Post Digital », Histories of the Post-DigitalHistories of the Post Digital, Ekmel Ertan (dir.), Istanbul, Akbank Sanat Kütüphane, 2016, p. 4-5.Christiane Paul, « Genealogies of the Digital: A Post-Critique » dans Histories of the Post Digital, Ekmel Ertan (dir.), Istanbul, Akbank Sanat Kütüphane, 2016. Christiane Paul, « Genealogies of the Digital: A Post-Critique » dans Histories of the Post Digital, Ekmel Ertan (dir.), Istanbul, Akbank Sanat Kütüphane, 2016. Felix Stalder, The Digital Condition, Cambridge, Polity Press, 2016, trad. par Valentine A. Pakis, Die Kultur der Digitalität, berlin, Surkamp Verlag, 2016
This research investigates new curatorial strategies for exhibiting digital artworks in physical exhibition spaces, with the term “digital art” referring to artistic projects that make creative and critical use of technologies such as algorithmic programming, virtual or augmented reality, robotics, the use of data, and new forms of image creation and distribution. In a world where digital tools are a structuring condition of life in society and of all cultural production (Stalder 2016), digital art represents a powerful means of understanding our present time and our future (Ertan 2016). It can offer alternative approaches and narratives to the dominant uses of technology, highly influenced by globalized capitalism. The art institution can also be a unique place to reflect on the predominant influence of technological devices on our lives and thought processes. Despite the fact that these digital works now occupy an important place in the contemporary art world and can claim a certain historicity (Paul 2016), there is little research into the new exhibition modalities experimented with these works and the way in which digital art prompts us to rethink the exhibitions (Dekker 2021). The upheavals wrought by digital technology are transforming the way works are produced and exhibited. New curatorial strategies have been experimented with, and existing modalities adapted to these different forms of artistic practice. By illustrating how these exhibitions both diverge from and simultaneously build upon existing exhibition theory and practice, this thesis aims to intricately examine how artworks utilizing digital technologies are transforming the ways in which we think about and build exhibitions. What new curatorial strategies have emerged based on the interactivity, variability, and technical materiality of the works? How are the links between artist, exhibition space, work, and viewer articulated in these new exhibition paradigms? How do artworks evolve over time, and how do they adapt to different exhibition spaces?Annet Dekker, Curating Digital Art: From Presenting and Collecting Digital Art to Networked Co-curation, Amsterdam, Valiz, 2021. Ekmel Ertan, « Introduction to Histories of the Post-DigitalHistories of the Post Digital », Histories of the Post-DigitalHistories of the Post Digital, Ekmel Ertan (dir.), Istanbul, Akbank Sanat Kütüphane, 2016, p. 4-5. Christiane Paul, « Genealogies of the Digital: A Post-Critique » dans Histories of the Post Digital, Ekmel Ertan (dir.), Istanbul, Akbank Sanat Kütüphane, 2016. Christiane Paul, « Genealogies of the Digital: A Post-Critique » dans Histories of the Post Digital, Ekmel Ertan (dir.), Istanbul, Akbank Sanat Kütüphane, 2016. Felix Stalder, The Digital Condition, Cambridge, Polity Press, 2016, trad. par Valentine A. Pakis, Die Kultur der Digitalität, berlin, Surkamp Verlag, 2016

Ayant comme point de départ les premières expérimentations de Nam June Paik avec les téléviseurs au début des années 1960, cette étude suit l’évolution historique de l’installation vidéo en parcourant cinq décennies de création. La problématique de l’espace, fil conducteur de cette recherche, nous amène d’abord à la constitution d’une typologie. Fruit de l’étude de l’évolution des formes principales de l’installation vidéo, cette classification a pour objet l’œuvre sous sa forme aboutie, c’est-à-dire installée. Néanmoins, cet état n’est que le résultat final d’un long processus. Divisée en quatre étapes, l’étude de la mise en espace de l’œuvre soulève des questions cruciales liées à l’acquisition, l’exposition et la conservation de l’installation vidéo. Une fois que l’œuvre est installée, elle s’articule autour d’un espace-temps virtuel, celui de l’image vidéographique, et d’un espace-temps réel, celui du dispositif plastique, analysés dans la troisième et dernière partie. Cette étude met l’accent sur la dimension historique de l’installation vidéo tout en la contextualisant au sein de l’histoire de l’art du vingtième siècle
Having as a starting point Nam June Paik’s experimentations with televisions in the early 1960s, this essay traces the history of the video installation spanning five decades. The question of space is the basic thread of the analysis. It has led to the constitution of a typology that examines the evolution of the main forms of the video installation. This classification focuses on the artwork that is already installed. However, this state is the outcome of a complicated procedure. Divided into four steps and thoroughly examined, this process raises some crucial questions concerning the acquisition, the exposition and the conservation of the video installation. When installed, the artwork acquires two spatiotemporal dimensions, namely the virtual space and time of the video image and the real space and time of the installation, both analysed in the third chapter. This essay stresses the historical aspect of the video installation by situating it within the broader context of the 20th century history of art