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RESUMENLos balnearios-sauna castreños del noroeste peninsular son monumentos con horno con una arquitectura muy original, posiblemente asociada a los diversos modelos termales. Se conocen cerca de tres decenas, distribuidos por el noroeste peninsular. La arquitectura compleja de estos monumentos se organiza estructuralmente hacia posibilitar baños de sauna y baños de agua fría. Las dos áreas son divididas por una estela, monolítica, normalmente ornamentada – la pedra formosa. El papel simbólico que tendrían en el seno de la sociedad castreña de la Edad del Hierro del noroeste peninsular permanece por aclarar y envuelto en gran misticismo, fruto de una posible sacralidad. Este entorno, referido por diversos autores a lo largo de los tiempos, está posiblemente asociado al culto de los dioses de las aguas y a la sacralidad del baño purificador, medicinal, que se refleja en las decoraciones frontales de las pedras formosas, cuya maestría de los escultores que las insculpieran, tipología decorativa, interpretación simbólica y semiótica estudiamos, como objetivos primordiales, a lo largo de este trabajo de investigación.PALABRAS CLAVE: Protohistoria, monumentos con horno, decoración pétrea, interpretación simbólica / semiótica.ABSTRACTThe Iron Age sauna-baths of the northwest peninsular are monuments with an oven with very original architecture, possibly associated with the diverse thermal models. There are about three dozen known sauna-baths spread over the northwest peninsular. The complex architecture of thesemonuments is structurally organized to allow for cold water baths and sauna baths. The two areas are divided by a tectiforme stele, monolithic, usually ornamented, known as pedra formosa (beautiful stone). The symbolic role that they would have had in the heart of the Iron Age “castreña” society in the northwest peninsular remains unclear and shrouded in mysticism, the fruit of a possible sacredness. This environment, referred to by various authors throughout the ages, is possibly associated with the worship of the water gods and the sacredness of the medicinal and purifying bath, which is reflected in the frontal decorations of the pedras formosas, whose masterful sculpting, decorative typology, symbolic interpretation and semiotics we studied as primary objectives of this research work.KEYWORDS: Protohistory, monuments with oven, stone decoration, symbolic / semiotic interpretation. BIBLIOGRAFIAAlmagro-Gorbea, M. e Álvarez Sanchís, J. R. 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RESUMENLa historiografía sobre la muerte, desarrollada entre finales de los años setenta y noventa de la pasada centuria, tuvo especial interés y proyección a partir de las investigaciones trazadas por la tercera generación de Annales. Los planteamientos de esta corriente, en sintonía con los modelos de dicha escuela y avalados por la renovación del objeto histórico tras el estructuralismo, giraron alrededor del estudio de las condiciones materiales, actitudes, imágenes y gestualidad del hombre medieval ante la muerte. El cuerpo de esta fructífera reflexión, como parcela de la “historia de las mentalidades”, albergó novedades metodológicas, facilitando una visión y proyección heurística, debido al impacto que tuvo dentro del diálogo de la historia con las ciencias sociales y otras disciplinas del quehacer humanístico. A finales del siglo xx y comienzo del presente, el giro producido en el quehacer histórico ha otorgado un mayor protagonismo a lo social y cultural, colocando en el lugar protagonista ocupado durante décadas por la “historia de la muerte” otros intereses. Compete, por tanto, plantearse qué horizontes cabría dibujar, dentro de las coordenadas historiográficas de la actualidad, para las investigaciones sobre la muerte, cuyas paradojas siguen vigentes como recurso para conocer los fenómenos y manifestaciones propias de la civilización medieval.Palabras clave: Muerte medieval, historiografía de la muerte ABSTRACTThe historiography of death developed between the late 1970s and the 1990s was of special interest and projection. It was based on research carried out by the third generation of the Annales. The approaches developed in line with the models of this school of thought and underpinned by the renewal of the historical object following structuralism, revolved around the study of material conditions, attitudes, images and gestures of the medieval man in the face of death. The core of this prolific reflection as part of the “history of mentalities” contained methodological novelties facilitating a heuristic vision and projection due to the impact it had on the dialogue between History and Social Sciences and other humanistic disciplines. At the end of the 20th century and the beginning of the current the shift in historical endeavour has given greater prominence to what is social and cultural, placing other interests in the key role for decades occupied by the “history of death”. For researching into death, it is necessary therefore to consider what perceptions can be drawn within the historiographical coordinates of the present day whose paradoxes are still valid as a resource to understand the phenomena and manifestations of medieval civilisation.Keywords: mediaeval death, historiography of death REFERENCIASActas de las I Jornadas de Metodología Aplicada de las Ciencias Históricas. V. Paleografía y archivística, Santiago de Compostela, Universidade de Santiago de Compostela, Servicio de Publicaciones, 1975.Alexandre-Bidon, D., La mort au Moyen Âge: xiiie-xvie, París, Editorial Hachette, 1998.Alexandre-Bidon, D. y Treffort, C. (dirs.), A reveiller les morts. La mort au quotidien dans l’Occident médieval, Lyon, Presses Universitaires de Lyon, 1993.Ariès, P., Essais sur l’histoire de la mort en Occident du Moyen Âge á nous jours, París, Éditions du Seuil, 1975 (trad. Historia de la muerte en Occidente. 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En Occident, la ruse (en tant que raison raisonnée, délibérée, contextuelle) fut progressivement, et surtout depuis Descartes, reléguée aux oubliettes d’une rationalité calculatrice, économique, quantitative. La raison rusée semble survivre, dans nos sociétés, à la périphérie des rapports sociaux, de manière indicible, voir inaudible, car nous n’aurions plus les mots pour en saisir les vertus. Déclassée, bien souvent considérée comme suspecte face aux principes de la démocratie, nous en avons perdu la compréhension, à la suite d’un rapprochement analogique entre la ruse et l’idée de mal. Ainsi, dans la Grèce antique, la raison possédait à la fois un volet d’une intelligence pratique rusée, la Mètis (Detienne et Vernant 1974), considérée comme un support du politique, et un autre fait de rationalité calculatrice. Progressivement l’esprit de calcul triomphera du raisonnable et deviendra le mode de pensée hégémonique en Occident (Latouche 2004). La bonne ruse, soit celle qui était impliquée dans la gestion de la Cité (Vernant et Vidal-Naquet 1992) et donc dans la politique, a été considérée comme une pratique obsolète : floue et ambiguë, la ruse serait devenue indigne de la raison. Dès lors en Occident, les seules ruses reconnues seraient plutôt les fourberies. Celles-ci prennent la forme de calculs, de stratégies et d’abus. L’intelligence rusée se retrouve ici au service d’une efficacité sans principe éthique, c’est-à-dire sans discernement ni prudence. Dans ce sens, la fourberie a fréquemment rendez-vous avec la corruption et les pratiques maffieuses. Si la trajectoire du concept de ruse tend à dévoiler une tension entre deux types de raison, elle exprime aussi une tension entre deux épistémologies. Courtois-l’Heureux (2009) pointe dans les travaux de Certeau une manière particulière d’envisager les phénomènes sociaux. La ruse, en tant que concept analytique, rompt avec une épistémologie quantitative. Face aux approches statistiques et sociologiques de sociétés aux facettes supposées quantifiables, la ruse introduit le détournement, rompt la verticalité définissant l’axe de propagation d’une « culture » sur des individus. Si la ruse parait comme l’opposé et l’opposant de la rationalité, c’est que là où cette dernière veut encadrer les phénomènes, la première s’en joue et les déjoue. Elle introduit dans l’analyse le contextuel, le local, le particulier, la déclinaison. Elle focalise sur la manière dont les individus usent « d’arts de faire » au quotidien, détournent, se dérobent, se jouent, bricolent avec ce qui semble s’imposer à eux. Elle s’intéresse à toutes les distorsions que les locaux, en sourdine, font subir à tout ce qui leur échappe en apparence. La ruse rattache ainsi chaque phénomène au local, focalise l’attention sur les déclinaisons particulières ; elle se concentre sur le contexte, sur la vitalité et la créativité d’un détournement. La ruse enclenche une approche pragmatique des manières de faire et de dire (ou de ne pas faire et de ne pas dire). En cela, la ruse est un concept susceptible d’éclairer de multiples réalités. Cela parce qu’elle se niche dans de nombreuses pratiques, quotidiennes ou occasionnelles. Elle est l’art de jouer avec l’inattendu. Elle est dissimulée dans les rapports sociaux, et peut être explicite dans des récits cosmogoniques, reconnue comme le trait archétypique de certains animaux ou d’êtres mythologiques ; elle peut motiver une attitude particulière envers des divinités, voire encore opérer dans une relation maîtrisée et silencieuse avec la nature (Artaud 2013). Ainsi, si on ruse avec le fort (ou le plus fort que soi) – souvent pour tourner sa force contre lui-même – on ruse en général avec tout ce qui parait se passer de nous pour fonctionner et se mettre en place. Mais c’est sa dimension politique qu’elle évoque le plus spontanément, éclairant d’un jour singulier les usages populaires du pouvoir. La ruse se tisse en effet dans l’ombre des hiérarchies sociales et donc du pouvoir. À l’instar du don qui survit à l’échange marchand (sur le rapport entre don, dette et ruse, voir Laurent 1998), la ruse semble résister aux effets de la globalisation. La ruse populaire, de nature tactique, largement spontanée, indicible, voire parfois inconsciente, ne peut pas être assimilée tout de go à de la fourberie mal intentionnée. Il doit exister une différence irréductible entre l’idée de la ruse digne, comprise ici comme un détournement, dans le sens de « tourner dans une autre direction » et la corruption qui renvoie à un enrichissement personnel à partir d’une place d’autorité (Laurent 2000). La ruse populaire participe pleinement à la construction de l’identité des groupes dominés, comme une manière originale de traiter avec le pouvoir et d’accéder à des ressources. Ceci renvoie à une façon de se mouvoir dans un environnement qui n’est pas possédé en propre (de Certeau 1990, 1994) ; que fait-on, lorsque l’espoir d’accéder aux biens de consommation est grand, mais que ceux-ci resteront inaccessibles, dès lors qu’on participe à des mutations techniques, technologiques, sociales, culturelles, politiques, etc. comme derrière une vitrine ? La ruse est une arme au service du faible. Son efficacité est sa discrétion. L'ordre en place, abusé par l'universalité de son explication du monde, ne peut s'imaginer être joué par un sens pratique. Celui-ci demeure inaudible, invisible, indicible, inavouable pour qui, du dehors, ne partage pas le secret des "coups" et des bricolages. La ruse populaire appartient dans une forte mesure à des groupes situés à la marge de l'ordre établi. Elle troque l'absence de lieu propre, c'est-à-dire la possession d'un espace sur lequel imposer son autorité, son hégémonie, ses décisions, contre le temps, celui de l'occasion, du braconnage, de l'affût, de la dérobade (de Certeau 1990, 1994). La ruse synthétise trahison, intelligence, finesse, secret, subtilité, comédie, mensonge, discrétion. Les actions populaires rusent par une invention quotidienne qui se compose d'une pratique du "coup par coup", c'est-à-dire de l'acuité à se saisir de l'occasion et de la transformer en opportunité, d'un fort sentiment d'autonomie vis-à-vis de l'ordre institué qui peut s'exprimer par de l'indocilité, de la résistance et de l'élaboration de réseaux de relations institués à la faveur de dons, du recours et de la dépendance réciproque (dans le sens ici de prestations et de contre-prestations). La ruse, si elle procède d'un calcul évident, n'en demeure pas moins une élaboration caractérisée par une logique situationnelle. Elle constitue l’arme privilégiée des pratiques populaires, car elle est la manière la plus sûre de cadrer ou de parer au flux événementiel. Déploiement stratégique et anticipatif de plusieurs facteurs contextuels, elle devient une disposition, une manière de poser un regard teinté d’opportunisme sur les alentours pour y dénicher des opportunités (Simon 2012). Les Peuls, guidés par leurs troupeaux à travers les pâturages sahéliens, incarnent par excellence l'idée de "l'ailleurs dans le dedans" (de Certeau 1990, 1994). Le peuple peul ne possédant pas à proprement parler de lieux propres, opère sur le territoire de l'autre. Traversant des régions où vivent des agriculteurs sédentaires, les pasteurs se sentent toujours étrangers, c'est-à-dire extérieurs aux sociétés côtoyées, mais profitant de leurs pâturages. Le sommet de la ruse est atteint lorsque le grand génie Gaari-Jinne conseille au jeune couple peul de dérober chez les voisins ses premières vaches pour constituer son troupeau, avec certes une infinie prudence et avec toutes les formes requises (Le Pichon et Balde 1990). La notion de jamfa - traduit par le mot trahison - se trouve au cœur du pulaaku, c'est-à-dire de l'identité peul. Le jamfa constitue une éclatante démonstration de la capacité d'un peuple à se trouver toujours "ailleurs", c'est-à-dire jamais là où on croit le rencontrer. Il est ici question de survie. La notion de jamfa se situe au cœur du mythe fondateur de la société peul et comme le montre Vidal-Naquet à propos des éphèbes de la Cité, la ruse est consubstantielle aux cadets ou à ces groupes dominés (Vidal-Naquet 1992). Le pasteur peul ne s'oppose pas, le rapport de force ne penche pas en sa faveur, il ruse. Il traverse des espaces qui ne lui appartiennent pas en propre, mais dont il tire sa subsistance. Ceci illustre parfaitement en quoi consiste cet art du dominé, capable de se jouer d’un contexte a priori défavorable. Le champ de l’aide, des projets, de l’assistance, du bénévolat met par définition en contact des acteurs souvent étranger l’un pour l’autre. C'est par exemple le cas des paysans mossi du Burkina Faso et des offreurs d’aide de la coopération au développement. Pour comprendre les relations s’établissant entre ces deux groupes, il convient de s’écarter du discours officiel et du registre de la justification, pour prendre en considération l'informel des pratiques et apercevoir l'inédit qui se tapit au cœur de l'ordre institué par les dispositifs de l’aide (Laurent 1998). Le monde de l’aide, des projets, de la coopération, est aussi celui de la recherche de « la participation des populations bénéficiaires à la base » (souvent appelé dans le jargon de la coopération au développement « les partenaires »). Il est alors utile de se demander ce qui se passe lorsque deux « socio-logiques » se croisent (Latour 1989). Selon Hume « on ne peut établir des normes de justice abstraites et formelles qu’entre gens à peu près égaux. » (Hume 1993). Autrement dit, la négociation entre des partenaires issus de mondes différents, dont les uns aident et les autres reçoivent, sera généralement difficile à établir pour ne pas dire, a priori, impossible, sans autres artifices. Pour analyser le vaste secteur de l’aide, mieux vaut partir de l’absence d’un véritable partage des règles d’un jeu commun. Ceci conduit à la mise en spectacle, en forme de trompe-l’œil, des croyances (normes et valeurs) des donateurs par « les aidés ». La communication entre offreurs d’aide et bénéficiaires repose d’emblée sur une asymétrie qui peut conduire à des malentendus. Elle s'établit à l'insu des évidences, des stratégies et des "projets" des offreurs d'aide (Bourdieu 1980) et à la faveur de la perception du décalage, pour ne pas parler de l’inadéquation de l'offre, dans l'invisibilité, l'ambiguïté, la ruse, l'esquive, la tactique, l'occasion, le bricolage des bénéficiaires ou des « aidés ». Autrement dit, les offreurs d’aide, parfois abusés par l’évidence de leurs propositions d’actions, s’imaginent collaborer avec des partenaires, animés des mêmes perspectives qu’eux. Sachant que l’aide hiérarchise et subordonne, les donateurs n’entrevoient pas vraiment l’existence de l’autre scène régie par d’autres conventions. Cette situation conduit à des équivoques. Les acteurs locaux - à défaut de maîtriser par eux-mêmes le jeu - miment une adhésion aux conventions des offreurs d’aide, en vue d’accéder aux ressources offertes, sans pour autant partager les mêmes valeurs et avec le risque de les détourner à leurs propres fins, afin de les rendre compatibles avec leurs stratégies de survies.

Screens, as technological but also narrative and social devices, alter reading and writing practices. Users consume vids, read stories on the Web, and produce creative contents on blogs or Web archives, etc. Uses of seriality and transmediality are here discussed, that is watching, reading, and writing as interpreting, as well as respective and reciprocal uses of iteration and interaction (with technologies and with others). A specific figure of users or readers will be defined as a skilful and literate audience: fans on archives (FanFiction.net-FFNet, and Archive of Our Own-AO3). Fans produce serial and transmedia narratives based upon their favourite TV Shows, publish on-line, and often produce discourses or meta-discourse on this writing practice or on writing in general.The broader perspective of reception studies allows us to develop a three-step methodology that develops into a process. The first step is an ethnographic approach based on practices and competencies of users. The second step develops and clarifies the ethnographic dimension into an ethno-narrative approach, which aims at analysing mutual links between signs, texts, and uses of reading and writing. The main question is that of significance and meaning. The third step elaborates upon interactions in a technological and mediated environment. Social, participative, or collaborative and multimodal dimensions of interacting are yet regarded as key elements in reshaping a reading-writing cultural practice. The model proposed is a socio-narrative device, which hangs upon three dimensions: techno-narrative, narratological, and socio-narrative. These three dimensions of a shared narrative universe illustrate the three steps process. Each step also offers specific uses of interacting: an ethnographic approach of fictional expectation, a narrative ethnography of iteration and transformation, and a socio-narrative perspective on dialogism and recognition. A specific but significant example of fans' uses of reading and interacting will illustrate each step of the methodology. This qualitative approach of individual uses aims to be representative of fans' cultural practice (See Appendix 1). We will discuss cultural uses of appropriation. How do reading, interpreting, writing, and rewriting, that is to say interacting, produce meaning, create identities, and build up our relation to others and to the (story)world? Given our interest in embodied and appropriated meanings, appropriation will be revealed as an open cultural process, which can question the conflict and/or the convergence of the old and the new in cultural practices, and the way former and formal dichotomies have to be re-evaluated. We will take an interest in the composition of meaning that unfolds a cultural and critical process, from acknowledgement to recognition, a process where iteration and transformation are no longer opposites but part of a continuum.From Users' Competencies to the Composition of Narrative and Social Skills: A Fictional ExpectationThe pragmatic question of real uses steers our approach toward reading and writing in a mediated environment. Michel de Certeau's work first encourages us to apply his concepts of strategies and tactics to institutional strategies of engaging the audience and to real audience tactics of appropriation or diversion. Real uses are traceable on forums, discussions groups, weblogs, and archives. A model can be built upon digital tracks of use left on fan fiction archives: types of audience, interactions, and types of usage are here considered.Media Types Interaction Types Usage Types Media audienceConsumerSkilfulViewingReadingInformation searchContent production (informative, critical, and creative)Multimedia audienceConsumerSkilful+Online readingE-shoppingSharingRecommendationDiscussionInformative content productionCross-media audienceConsumerSkilful+SerendipityPutting objects in perspectiveNetworkingCritical content productionTransmedia audienceConsumerSkilfulInvolvedPrecursor+Understanding enhanced narrativesValue judgments, evaluationUnderstanding economic dimensions of the media systemCreative content productionTable 1 (Cailler and Masoni Lacroix)Users gear their reading and writing practices toward one medium, or toward multiple media in multi-, cross-, and trans- dimensions. These dimensions engage different and specific kinds of content production, and also the way users think about their relation to the media system. We focus on cumulative uses needed in an evolving media system. Depending on their desire for cultural products issued from creative and entertainment industries, audiences can be consumer-oriented or skilful, but also what we term "involved" or "precursor." Their interactive capacity within these industries allows audiences to produce informative, narrative, discursive, creative (or re-creative), and critical content. An ethnographic approach, based upon uses, understands that accumulating, crossing, and mastering different uses requires available and potential competencies and literacies, which may be immediately usable, or which have to be gained.Figure 1 (Masoni Lacroix and Cailler)The English language enables us to use different words to specify competencies, from ability to skill (when multiple abilities tend towards appropriation), to capability and competency (when multiple skills tend towards cultural practice). This introduces an enhancement process, which describes the way users accumulate and cross competencies to enhance their capability of understanding a multimedia or transmedia system, shaped by multiple semiotic systems and literacies.Abilities and skills represent different literacies that can be distributed in four groups-literacy, graphic literacy, digital literacy and interactive literacy, converging to a core of competencies including cognitive capability, communicative capability, cultural capability and critical capability. Note that critical skills appear below in bold italics. Digital LiteracyTechnical ability / Computational ability / Digital ability or skill Informational skill Visual LiteracyGraphic abilityVisual abilitySemiotic skillSymbolic skill Core of CompetenciesCognitive capabilityCommunicative capabilityCultural capabilityCritical capability Interactive LiteracyInteractional abilitySpectatorial abilityCollective abilityAffective skill LiteracyNarrative ability or skill / Linguistic ability / Reading and interpreting ability / Mimetic and fictional ability Discursive skillTable 2 (Masoni Lacroix and Cailler)Our first illustration exhibits the diversity, even the profuse and confused multiplicity, of cultural influences and preferences of a fan, which he or she comprehends as a whole.Gabihime, born on 6 October in Lafayette, Louisiana, in the United States, joined FFNet in 2001, and last updated her profile in September of 2010. She has written 44 stories for a variety of fandoms, and she belongs to two fandom communities. She has written one story about Twin Peaks (1990-) for an annual fandom gift exchange in 2008. Within Twin Peaks, her favourite and only romantic pair is Audrey Horne and Dale Cooper. Pairing represents a formal and cultural use of fan fiction writing, and also a favourite variation of the original text. Gabihime proposes notes to follow the story:I love Twin Peaks, and I love Audrey Horne particularly, and the rich stilted imagery of the show certainly […] I started watching my favourite season one episodes and reading the script notes for them. When I got to the 4-5 episode break (when Cooper comes back from visiting Jacques's cabin to the delightful sounds of the Icelandic junket roaring at their big shindig and finds Audrey in his bed) I discovered that this scene was originally intended to be left extremely ambiguous.Two main elements can be highlighted. Love founds fans' relation to the characters and the text. Interaction is based on this affect or emotion. Ambiguity, real or presumed, leads to what can be called a fictional expectation. This strong motive to interact within a text means that readers have to fill in the blanks of the text (Jenkins, "Transmedia"). They fill it with their desire for a character, a pairing, and a story. Another illustration of a fan's affective investment, Lynzee005 (see below) specifies that her fiction, "shows what I hope happened in between the scenes to which we were treated in the series."Gabihime does not write fan fiction stories anymore. She has a web site where she posts her stories and links to other fan art, vids, or fiction, as well as a blog where she writes her original fiction, and various meta-narrative and/or meta-discursive productions, including a wiki, Tumblr account, LiveJournal page, and Twitter account.A Narrative Ethnography of Fans' Production Content: Acculturation as Iteration and TransformationWe can briefly focus on another partial but significant example of narratives and discourses of a fan, in the perspective of a qualitative and iterative approach. We will then emphasise that narratives and discourses circulate, in other words that they are written and reformulated in and on different periods and platforms, but also that narratives use iteration and variation (Eco 1985).Lynzee005 was born in 1985 in Canada. She joined FFNet in 2008 and last updated her profile in September 2015. She has a beta profile, which means that she reads and reviews other fans' work-in-progress. We can also clarify that publishing chapter-by-chapter and being re-read on FFNet appears to be a principle of writing and of writing circulation. So, writing reveals an iterative and participative practice.Prior to this updating she wrote:When I read, I look for an emotional connection with the characters and I hope to be genuinely invested in where the story is going. […] I tackle everything in chunks, concentrating on the big issues (consistent characterization, believable plot lines, etc.) before moving down to the smaller ones (spelling, punctuation). Once I finish reading a "chunk," I put it together in the whole and see if it works against the other "chunks," and if not, then I go back and start over.She has written 17 stories for 7 different fandoms. She wrote five stories for Twin Peaks including a crossover with another fandom. She joined AO3 in December 2014 and completed her Twin Peaks trilogy. Her profile no longer underlines this serial process of chunking and dispersal, stressed by Jenkins ("Transmedia"), but only evokes how scenes can be stitched together. She now insists on the outcome of unity or continuity rather than on the process of serialization and fragmentation.Stories about fans, their affective and interpretive relations to a story universe and their uses of reading and writing in and out a fandom, can illustrate a diversity of attachments and interests. We can briefly describe a range of attachments. Attachment to the character, described above, can move towards self-narration, to the exhibit of self both as a person and a character, to a self-distancing, an identity affect. Attachment also has interpretative and critical dimensions. Attached to a narrative universe, attached to storytelling, fans promote a writing normalisation and a narrative format (genre, pairing, tagging, memes, etc.). Every fan seems to iterate and alter this conduct. This appropriation renews self-imposed narrative codes. The use of writing by fans, based on attachments, is both iterative and transformative. The Organization for Transformative Works (OTW), AO3's parent apparatus, asserts that derivative fans' work is transformative.According to Umberto Eco's vision of a postmodern aesthetics of seriality, "Something is offered as original and different […] this something is repeating something else that we already know; and […] just because of it we like it" (167). There is an "enjoyment of variations" (174). "Seriality and repetition are not opposed to innovation" (175). Eco claims a dialectic between repetition and innovation, that is to say a: "dialectic between order and novelty -in other words, between scheme and innovation," where "the variation is no longer more appreciable than the scheme" (173). We acknowledge the "inseparable knot of scheme-variation" he is stressing (Eco 180), and we intend to put narrative fragmentation and narration dispersal forward to their reconstruction in a narrative universe as a whole, within the socio-narrative device. The knot illustrates the dialogical principle of exceeding dichotomies that will be discussed hereunder.The plurality of uses and media calls for an accumulation of competencies, which engage users in the process of media acculturation. A "literate" or skilful user should be able to comprehend "the flow of content across multiple media platforms," the media industries' cooperation, "the migratory behavior of media audiences," and the "technological, industrial, cultural, and social changes" that the word convergence manages to describe (Jenkins, Convergence, 3).Acculturation conveys an appropriation process, borrowed from "French" sociology of uses. Audiences become gradually intimate with the context of the evolving media environment. Scholars progressively understand how audiences are familiarizing themselves with competencies until they master literacies, where competencies are gathered. Users become sensitive, as well as mindful of time and space in literacy (Literacy), and of how writing can be spatialised (Graphic Literacy), of how the media space is technologized (Digital Literacy), and of what kind of structural interactions are emerging (Interactive Literacy).Thus, the research question takes shape: "What kind of interactions can users establish with objects that are both technical and cultural?" Which also means: "In a study of effective uses, can the researcher find appropriation logics or tactics in the way users, specifically here readers and writers, improve their cultural practices?" As Davallon and Le Marec furthered it, uses have to be included in a process of cultural growth. Users can cross technical and cultural dimensions of an object in two main ways: They can compare the object with other cultural products they are used to, or they can grasp its novelty when engaging a cognitive and cultural capability of adaptation. Acknowledgment and adaption are part of the social process of cultural growth. In this sense, use can be an integrated activity or a novel one.The model of cultural growth means that different and dispersed uses are progressively entering a meaning-making process. The question of meaning holds together, even unifies, multiple uses of reading and writing in a cultural practice of reading-writing. With this in mind, the core of competencies described above accurately displays the importance of critical skills (semiotic, informational, affective, symbolic, narrative, and discursive) nourishing a critical capability. Critically literate, users are able to question the place to which they have been attributed and the place they can gain, in an evolving (and even uncertain) media system. They can elaborate a critical reflection on their own practices of reading and writing.Two Principles of a Socio-Narrative Device: Dialogism and RecognitionUses of reading and writing online invite us to visualize and think through the convergence of a narrative object (technical, visual, and cultural), its medium and format(s), and the audiences involved. Here, multimodality has to be (re)considered. This is not only a question of different modes but a question of multiplicity in reading and writing uses, that leads us to the way a fan attachment creates his or her participation in the meaning of the text, and more generally leads us to the polyphonic form of writing questions. Dispersed uses converging into a cultural and social practice bring to light dialogical dimensions of writing, in the sense pointed out by Bakhtin in the early 1930s. Dialogism expands the notion of intertextuality to a social practice; enunciation appears polyphonic, and speakers are interacting. Every discourse is oriented to other discourses, interacting and responding to pre-existing discourses addressing the same object. Discourse is always others' discourse and shows a multiple and inter-relational subject.A fan producing meta-narratives or meta-discourses on media and fan fiction is an inter-relational subject. By way of illustration, Slaymesoftly, displays her stories on AO3, on her own Web site, and on specialized archives. She does not justify fan fiction writing through warnings or disclaimers but defines broadly what fiction is and how she uses fiction in her stories. She analyses publishing, describes her universe and the alternative universes that she explores, and depicts how stories become a series. Slaymesoftly can be considered a literate fan, approaching writing with emotion or attachment and critical rationality, or more precisely, leading her attachment to writing with the distance that critical thought allows. She writes "Essays -about writing, vampires, and whatever else I decide to blather on about" on her Web site or on her LiveJournal, where she also joined a community. In the main, Slaymesoftly experiences multiple variations, in the sense of Eco, variations that oppose and tie a character to a canon, or a loving writing object to what could be newly told. Slaymesoftly also exposes the desire for recognition engaged by fans' uses of interaction. This process of mutual recognition, stated in Hegel's Phenomenology of Spirit highlights and questions fans' attachment, individual identity, and normative foundation. Mutual recognition could strengthen communitarianism or conformism in writing, but it can also offer a way for attachments to be shared, a way to initiate a narrative, and a social practice of dialog.Dialogical dimensions of cultural practices of reading-writing (both in production and reception) design a fragmented narrative universe, unfinished but one, that can be comprehend in a socio-narrative device.Figure 2 (Masoni Lacroix & Cailler)Texts, authors, writers, and readers are not opposed but are part of a socio-narrative continuity. This device crosses three complementary and evolving dimensions of the narrative universe: techno-narrative, socio-narrative (playful, creative, and critical, in their interactivity), and narratological. Uses of literacy generating multimedia, cross-media, and transmedia productions also question the multimodal form of writing and invite us to an iterative, open, dialogical, and interrogative practice of multimodality. A (post)narratological activity opens up to an interrogative practice. This practice dialogs with others' discourse and narrative. The questioning complexity remains open. In a proximate meaning, a transmedia narrative is fragmented, open to incompletion, but enrolled in a continuum (Jenkins, "Transmedia").Looking back, through the overtaken dichotomy between production and reception, a social and narrative process has been described that leads to the reshaping of multiple uses of literacies into cultural practices, and further on, to a cultural and social practice of reading-writing blended into interactivity. Competencies, dictated uses of reading and writing and alterna(rra)tive upsurges (as fans' production content) can be questioned. What can be questioned is either the fragmentation, the incompletion, and the continuity of narratives, that Jenkins no longer brings into conflict ("Transmedia"). This is also what the social and narrative form of dialogism teaches us: dichotomies, as a tool or a structure of thought, appear suspect or no longer significant. There is continuity in the acculturation process, from acknowledgement to recognition, continuity in the multiple uses of interacting, continuity from narrative to discourse, continuity from emotion to writing critically, a transformative continuity in iteration and variation, a polyphonic continuity.ReferencesBakhtin, Michaïl, and V.N. Volosinov. Marxism and the Philosophy of Language. Cambridge: Harvard UP, 1973.Cailler, Bruno, and Céline Masoni Lacroix. "El 'French Touch' Transmediatico: Un Inventario." Transmediación: Espacios, Reflexiones y Experiencias. Eds. Denis Porto Renó et al. Bogotá, Colombia: Editorial Universidad del Rosario, 2012. 181-98.Davallon, Jean, and Joëlle Le Marec. "L'Usage en son Contexte. Sur les Usages des Interactifs des Céderons des Musées." Réseaux 101 (2000): 173-95.De Certeau, Michel. L'Invention du Quotidien. Paris: Folio Essais, 1990.Eco, Umberto. "Innovation and Repetition: Between Modern and Postmodern Aesthetics." Daedalus 114 (1985): 161-84.Hegel, G.W.F. Phénoménologie de l'Esprit. Trans. Bernard Bourgeois. Paris: Vrin, 2006.Jenkins, Henry. Convergence Culture. Where Old and New Media Collide. New York UP, 2006.———. "Transmedia 202: Further Reflections." 2011. <http://henryjenkins.org/2011/08/defining_transmedia_further_re.html>.Masoni Lacroix, Céline. "Mise en Récit des Fictions de Fans de Séries Télévisées: Variations, Granularité et Réflexivité." Tension narrative et Storytelling. Eds. Nicolas Pélissier and Marc Marti. Paris: L'harmattan, 2014. 83-100.———. "Narrativités 2.0: Fragmentation-Organisation d'un Métadiscours." Cahiers de Narratologie 32 (2017). <http://journals.openedition.org/narratologie/7781>.———, and Bruno Cailler. "Fans versus Universitaires, l'Hypothèse Dialogique de la Transmédialité au sein d'un Dispositif Socio-narratif." Revue française des sciences de l'information et de la communication 7 (2015). <http://journals.openedition.org/rfsic/1662>.———, and Bruno Cailler. "Principes Co-extensifs de la Fiction Sérielle, de la Distribution Diffusée à une Pratique Interprétative Dialogique: une Nouvelle Donne Socio-narrative?" Cahiers de Narratologie 31 (2016). <http://narratologie.revues.org/7576>. TV Show Fandoms ExploredBuffy The Vampire Slayer (Joss Whedon).Sherlock (Mark Gatiss & Steven Moffat).Twin Peaks (Mark Frost & David Lynch).Wallander (from Henning Mankell to Philip Martin).

Entre le début des années 2000 et celui des années 2010, quatre artistes contemporains occidentaux Christoph Büchel, Mike Nelson, Jonah Freeman et Justin Lowe construisent en Europe et aux États-Unis de gigantesques et énigmatiques installations multi-pièces. Notre hypothèse initiale était qu’il existait des relations entre les super-productions labyrinthiques de ces artistes, tant du côté de leurs conceptions que de celui de leurs réceptions. Notre étude s’attache à décrire et analyser les spécificités (construction, accueil du public, thèmes et références …) et les enjeux (exploration, élaboration d’un récit, mise en danger et prise de risques du spectateur…) des expériences esthétiques offertes par ces dispositifs aujourd’hui invisibles. La réunion et le dépouillement d’archives inédites concernant dix de ces œuvres et leurs génétiques ainsi qu’une enquête de terrain menée auprès de leurs spectateurs nous ont permis de reconstituer des images mentales de ces œuvres. Les plans et les ekphraseis, récits fictionnels illustrés, que nous présentons dans cette thèse témoignent des dimensions spatiales et temporelles de ces parcours scéniques et mettent au jour un ensemble de mises en scène, matériaux, thématiques analogues. Prenant pour objet les stratégies scénographiques des artistes et les ressentis des spectateurs, notre analyse nous conduit à envisager ces œuvres comme des installations émotionnelles et comme des narrations environnementales dystopiques. La traversée de celles-ci, tel un voyage initiatique, permet à chaque spectateur de déployer son imagination et de se ressaisir comme individu et sujet-agissant
Between the early 2000s and the early 2010s, four contemporary Western artists Christoph Büchel, Mike Nelson, Jonah Freeman and Justin Lowe built gigantic and enigmatic multi-room installations in Europe and the United States. Our initial hypothesis was that there were relationships between the labyrinthine super-productions of these artists, both in terms of their conceptions and their receptions.Our study describes and analyzes the specificities (construction, visitors reception, themes and references ...) and the issues (exploration, elaboration of a story, visitors’ endangerment and risk-taking...) of the aesthetic experiences offered by these works of art, nowadays invisible. The gathering and assessment of unpublished archives concerning ten of these artistic devices and their geneses as well as a field survey carried out among their spectators have enabled us to reconstruct mental images of these works. The plans and ekphrases, illustrated fictions, presented in this thesis reveal the spatial and temporal dimensions of these aesthetic walkthroughs and bring to light a set of similar set ups, materials, and themes. Based upon the scenographic strategies of the artists and the feelings of the spectators, our analysis leads us to consider these works as emotional installations and as dystopian narrative spaces. Walking across these, as if journeying through a voyage of initiation, sparks the spectator’s imagination and makes him fully conscious of his individuality and ability to take action

Cette thèse porte sur William Gaddis (1922-1998), écrivain majeur de la littérature américaine, traditionnellement associé à la mouvance postmoderne, et sur son premier roman The Recognitions (1955). Ce travail s’inscrit dans une perspective interdisciplinaire, il est à la croisée des champs d’étude entre la littérature, la peinture, la philosophie et l’histoire des religions. L’enjeu principal consiste à montrer que le William Gaddis de 1955 est un écrivain moderne – c’est-à-dire ni moderniste ni postmoderniste – car son premier roman l’est. La réflexion de Gaddis sur l’absence de centre, liée à la perte d’une origine stable, témoigne de sa modernité. Son ironie à l’égard du passé et sa distance critique à l’encontre de la religion et de l’esthétique souligne sa modernité. Son approche nouvelle de l’origine en art la met en évidence. De même, son étude sur le faux et l’authenticité, sur l’art et l’origine indique sa modernité. L’interaction qui se joue entre peinture et écriture dans The Recognitions contribue également à la révéler. L’acentralité, le cubisme narratif et la modernité de l’origine sont les trois concepts critiques proposés qui permettent d’analyser la modernité à l’œuvre dans The Recognitions. Ils envisagent trois variations de la modernité dans le roman qui mènent à une réflexion sur la création
This doctoral dissertation focuses on The Recognitions (1955), which was the first novel by the major American writer, William Gaddis (1922-1998), who is generally classified as a postmodernist. By addressing this work through an interdisciplinary lens, I have chosen to place it at a crossroads between literature, painting, philosophy and the history of religions. The aim is to show that especially in Gaddis’s initial literary effort, the author can be seen as an exponent of a kind of modernity—which is not entirely modernist or postmodernist as traditionally defined--notably in his exploration of centerlessness, as articulated in the loss of a stable origin. In the same modern vein is the author’s ironic attitude toward the past and his maintaining of a certain critical distance from religion and aesthetics. His inventive approach to the theme of origins in art as well as his treatment of fakeness, forgery and authenticity highlight his modernity. In addition, his modern approach in The Recognitions will be shown to be revealed in the interplay between painterly and literary techniques and concerns. Centerlessness and cubism in the novel’s narrative techniques and the notion of origin in art are three critical concepts. They allow us to envision three variant threads of Gaddis’s modernity, opening up a profound meditation on artistic and literary creation

Lorsque le galeriste new-yorkais John Gibson, figure en pointe de la scène américaine des années 1960-1970, organisa les expositions Story I (1973) et Narrative II (1974), il avait perçu ce qui serait « le prochain truc » en vogue après l'Ecologic art et le Body art : la narrativité. Si le Narrative art est tombé dans l'oubli, cette perception qui reposait sur un noyau dur d'artistes américains et européens (Le Gac, Bay, Baldessari, Wegman, Askevold, Hutchinson, Beckley, Welch. . . ) préoccupés par des problématiques narratives aux moyens de la photographie et du texte fut confirmée par une période intense de production critique et d'expositions sur l'ancien et le nouveau continents mais aussi par l'ensemble de la création en quête d'émancipation à l'égard des questionnements essentialistes sur l'art et engagée dans « la fabrique du monde» à laquelle la fonction anthropologique de la narrativité apportait un moyen naturel. Interrogeant et spécifiant, le fait narratif dans ce corpus caractérisé par l'immanence d'un rapport au monde et à soi, par le truchement de la perception esthétique du quotidien et la mythologisation du sujet, cette thèse s'attache à déceler, dans une perspective herméneutique ancrée sur la notion d'événement, les étapes du processus qui mène de l'expérience vive du monde au monde de l'œuvre, de la vie à l'art. Plus qu'une simple histoire du Narrative art, cette thèse interdisciplinaire se présente comme une investigation dans le sens historique, esthétique et politique que revêt le réinvestissement de la narrativité par ces artistes et plus généralement ceux de cette période, décelant les origines de la mésestime de la narrativité par l'histoire de l'art
When the New York galerist John Gibson, leading figure of the American art scene from 1960s-1970s, organized the exhibition Story I (1973) and Narrative II (1974 ), he had seen what would be the "next big thing" in vogue after Ecologic art and body art : narrativity. 1f the Narrative art is now somewhat forgotten, this perception, based on a core of American and European artists (Le Gac, Bay, Baldessari, Wegman, Askevold, Hutchinson, Beckley, Welch. . . ) who were concerned with narrative issues by photography and text means, was confirmed by an intense period of critical production and exhibitions on the old and the new continents. But it was also testified by the whole of creation seeking emancipation against essentialist questionings about art and engaged in "the factory of the world" for which the anthropological function of narrative brought a natural way. Querying and specifying, with narratology, the narrative fact in this corpus which is characterized by the immanence of a relationship to the world and to the self, through the aesthetic perception of the everyday and the mythologizing of the subject, this thesis aims to identify, in a hermeneutic perspective anchored on the notion of event, the steps of the process leading from the living experience of the world to the world of artwork, from life to art. More than just a history of Narrative art, this interdisciplinary thesis is an investigation into the historical, aesthetic and political history meaning given to the reinvestment of narrativity by these artists and more generally those from 1960s-1970s. This investigation allows particularly to identify why narrativity has been so underestmated

Le processus de légitimation des séries télévisées étasuniennes contemporaines passe par la mise en avant de la figure du showrunner comme étant l’auteur ou l’autrice de la série. Dans ce travail de thèse, nous montrons pourtant que les séries télévisées étasuniennes contemporaines sont caractérisées par un mode d’écriture éminemment collectif et progressif. Cette organisation de l’écriture s’inscrit dans un contexte de production précis où enjeux économiques et ambitions artistiques sont imbriqués et s’influencent mutuellement. Nous proposons donc une approche holistique qui permet de rendre compte de cette imbrication et de cette collaboration à toutes les étapes de la production. Pendant la phase du développement de la série, nous proposons d’analyser les interactions entre les acteurs de la production et l’adéquation entre les objectifs parfois contradictoires des différents acteurs et le concept de la série en elle-même. Durant la période de la production de la série, nous examinons l’organisation de l’écriture et l’écho de cette organisation dans le récit. Enfin au moment de la diffusion nous analyserons la manière dont différents types d’épisodes sont utilisés afin de favoriser les entrées et sorties du récit et de créer un lien avec le public. L’étude de l’histoire des modes de production des séries télévisées étasuniennes de 1940 à nos jours, puis l’application de nos outils d’analyse sur notre corpus de cinq séries télévisées produites dans des contextes de production variés (Buffy the Vampire Slayer, The West Wing, Six Feet Under, Grey’s Anatomy et Transparent), nous ont permis de mettre en valeur le travail collectif et progressif des writer’s rooms
Contemporary American television series are often legitimated via the promotion of the showrunner as author of the series. This dissertation demonstrates that, to the contrary, the writing of a contemporary American television series can be characterized as a collective and progressive mode of authoring. The way this writing process is structured is specific to a production context in which economic factors and artistic ambitions interconnet and mutually influence each other. This dissertation takes a holistic approach to the study of television screenwriting that accounts for these aspects of interconnection and collaboration at all stages of production. First, we begin with the development phase of a series, we analyze the interactions between the various production stakeholders and the aligning of their sometimes conflicting objectives with the concept of the series itself. Next, we turn our attention to the production phase, we examine how the writing process is structured and how the structure of this process is reflected in the story itself. Finally, we look at how a series is broadcast, analyzing the way in which different types of episodes are used in order to create an emotional bond with the audience as well as offer them narrative entry and exit points into the story. By studying the history of production methods for American television series from 1940 to the present day, then by applying our analytical tools to a corpus of 5 television series produced in various production contexts (Buffy the Vampire Slayer, The West Wing, Six Feet Under, Grey's Anatomy and Transparent), we highlighted the progressive and collective nature of the writers’ room process

Cinema is a branch of art that uses images. In this context, cinema can take Orientalism to a different dimension with images by using its own narrative language. In this study, the 2006 film Babel by Mexican director Alejandro G. Iñárritu is analyzed in order to show how the orientalist elements were constructed in the West's (Occident) otherization of the East (Orient). As a result of the analysis, it is seen that Babel put forward everything that is related to the East since its first scene, mostly with an orientalist point of view, in a way that alienates the East. The film is based on the fact that the language of the marginalized can never be understood, and therefore, there is always a difference between the West and the East.