Literatura científica selecionada sobre o tema "Traductions françaises de comédies au XIXe siècle"

Le théâtre persan moderne est véritablement né au XIXe siècle, avec la découverte du théâtre occidental. Des hommes politiques éclairés ont tenté de moderniser la Perse en envoyant des étudiants en France pour apprendre les sciences modernes. Rentrés au pays, ces étudiants avaient un vif intérêt pour la culture française, y compris pour le théâtre. En outre, en Perse, nous constatons également la montée d’une classe bourgeoise au sein de laquelle se développaient des idées réformistes et néo-religieuses. C’est sur ce fond de réformes et de mutations économiques, politiques et sociales que se crée la nouvelle forme littéraire que constitue le théâtre persan moderne. Ainsi, Le Misanthrope de Molière a été traduit sous le titre de Gozâreš-e mardom goriz par Mirzâ Habib Esfahâni, un exilé politique (Istanbul, 1869), avec toutefois une grande liberté dans la restitution des noms des personnages et des traits de caractère, de sorte que le jeu était plus persan que français. En plus des adaptations directes, le théâtre persan a également été influencé par le théâtre classique français à travers les œuvres des hommes de théâtre persans comme Mirzâ Aghâ Tabrizi. Ses comédies traitent essentiellement, sur un mode ironique, de la corruption politique et des superstitions. Ces écrivains ont essayé de composer ou d’adapter des pièces modernes, généralement dans l’esprit de Molière, mettant en scène des personnages typiques, décrivant des épisodes à la fois comiques et satiriques qui témoignent d’une volonté de s’adresser à toutes les classes sociales. Étant donné ce lien évident entre théâtre persan et théâtre français, nous envisageons une analyse socio-historique des pièces persanes, surtout depuis la fin du XIXe siècle, qui souligne notamment leurs rapports avec l’œuvre de Molière, tout en mettant en évidence leurs enjeux culturels.

Résumé Des traces de diverses cérémonies plutôt rituelles datant de l'Antiquité prouvent la fertilité de l'histoire du théâtre persan. Il y a eu même à cette époque des échanges culturels entre l'Orient et l'Occident. Au cours des siècles, les rites traditionnels ont cédé la place à des genres de théâtre populaire tels les farces, les comédies, les marionnettes, les imitations mimétiques, …etc. Puis, des conteurs se sont mis à réaliser les récits à épisodes basés sur des histoires épiques, de divers romans picaresques, des lamentations pour les Imams martyrisés, sur des places publiques ou dans des maisons de thé. Ce n'est qu'au XIXe siècle que le théâtre moderne d'inspiration occidentale a été créé par les témoignages des étudiants envoyés en Europe pour se spécialiser en diverses technologies occidentales. En 1886, une première salle de théâtre a été construite à l'École Polytechnique de Téhéran (Dâr Ol- Fonûn), où la traduction du Misanthrope de Molière, y a été mise en scène en 1889. Sous le règne des Pahlavis, fut créé un théâtre nationaliste, se référant au passé préislamique de l'Iran. Puis, vu que les iraniens diplômés en études théâtrales et cinématographiques des universités, des grandes écoles et des conservatoires européennes se sont mis à traduire les pièces de théâtre étrangères, les pièces ont pris un air socio-politique. Sous la Révolution islamique, le théâtre a vécu plusieurs périodes de détente et de tension. Et enfin, depuis 1997, une autorisation de la mise en scène des pièces de théâtre a été émise de nouveau. Ali Raffi, iranien contemporain, dont la dernière réalisation théâtrale à Téhéran date du mois de Janvier 2019, a su exposer l'essentiel de sa conception esthétique par le mépris total des conventions scéniques mises en pratique en Iran. L'esthétique de ses pièces a suscité des discussions sans nombre. Il a toujours privilégié la couleur, le mouvement et l'intuition. Il a eu une influence considérable sur la mentalité du peuple iranien par la mise en scène des pièces de théâtre françaises ou européennes traduites vers le français. Notre problématique consiste à mettre en évidence les échanges interculturels qui se sont effectués entre l'Iran et la France grâce à la mise en scène des pièces de théâtre européennes en Iran et de voir l'innovation créative et le rôle d'Ali Raffi dans l'enrichissement de ces transferts culturels et artistiques. Notre but est de mettre en relief la circulation des savoirs, issue de la mise en scène des pièces de théâtre françaises par les réalisateurs iraniens, en particulier par Ali Raffi en Iran, de démontrer l'omniprésence des grands auteurs dramatiques, tragiques et comiques français dans ce pays, et de dévoiler que les élites intellectuelles iraniennes vivent en symbiose permanente avec ces éminents auteurs français. Mots clés: Circulation des savoirs France-Iran, Échanges culturels, Mise en scène, Ali Raffi, Pièces de théâtre européennes, Francophonie, Conception esthétique

Résumé George Eliot n’a jamais connu un grand succès en France et c’est ce problème de réception qui m’a poussée à me pencher sur les traductions françaises de son oeuvre. The Mill on the Floss, son deuxième roman, a fait l’objet de six traductions, dont trois sont étudiées dans cet article : la première par François D’Albert-Durade (1863), la deuxième par Lucienne Molitor (1957) et enfin la dernière par Alain Jumeau (2003). Il semble bien qu’un aspect de la prose éliotienne résiste à la traduction vers le français ; il s’agit de la présence de voix multiples dans le roman, dont plusieurs qui relèvent du sociolecte paysan anglais du XIXe siècle. Grâce à l’étude de la voix d’un personnage et de la voix narrative, cet article offre la confrontation des trois traductions couvrant une période d’un siècle et demi, afin de retracer le parcours traductif d’un roman victorien dans l’Hexagone.

Le recueil de Fábulas literarias (1782) de Tomás de Iriarte, l’un des poètes espagnols les plus traduits de son temps et par les générations postérieures, a été longtemps l’un des textes-sources étrangers les plus prisés en France au XIXe siècle dans le genre si cultivé des apologues. Imitées d’abord dans les productions poétiques d’autres auteurs, puis adaptées en vers dans des traductions complètes, ou rendues presque littéralement en prose dans les échantillons des histoires littéraires, les versions françaises des fables d’Iriarte relèvent en grande partie des mécanismes de la réécriture ; en même temps, elles reflètent une naissante conscience historiciste des traducteurs sur leur rôle. Notre but consiste à examiner l’évolution de la réception en français du recueil à travers un corpus choisi et représentatif de ses voies de diffusion pendant la première moitié du XIXe siècle.

Résumé L'enrichissement apporté à la littérature française par des traductions est dû initialement à des étrangers soucieux de faire passer les premiers chefs-d'oeuvres de leur tradition littéraire dans la langue de communication internationale du XVIII e siècle qu'est le français. C'est le cas tout particulièrement pour la littérature allemande. Alors qu'un traducteur comme Michael Huber qui travaille à Leipzig dans les années 1760 et 1770 s'efforce de plier la langue allemande aux contraintes des modèles rhétoriques français, un Loève-Veimars, premier traducteur de Hoffmann et de Heine au XIX e siècle, songe tout au contraire à subvertir les contraintes rhétoriques françaises et à les adapter aux caractéristiques du modèle. L'évolution des représentations de la traduction est un révélateur de l'auto-perception et des perceptions croisées de deux cultures.

Résumé La traduction du roman gothique anglais en France au tournant du XVIIIe siècle — Au cours de la dernière décennie du XVIIIe siècle et au début du siècle suivant, le roman gothique anglais fait l'objet d'une entreprise de traduction systématique en France. Cet article entend montrer l'ampleur de cette vague d'importations, s'interroger sur le traitement des oeuvres originales et inviter à réfléchir sur les effets d'une diffusion aussi massive dans la culture d'accueil. Dans une première partie, nous démontrons, chiffres à l'appui, l'existence du phénomène, en centrant la recherche sur un corpus restreint de titres. Après un commentaire du diagramme obtenu, quelques éléments d'explication sont avancés. Puis nous envisageons la qualité des adaptations françaises, ce qui nous conduit à nous interroger sur le rôle et le statut des traducteurs à cette époque. Nous constatons que le souci de plaire aux lecteurs prévaut sur l'exigence de fidélité aux textes. Enfin, nous tentons d'évaluer les conséquences de cette vogue sur la production des auteurs nationaux. Un premier effet pervers se manifeste par la multiplication des fausses traductions et des imitations: il est possible d'observer les différentes formes de manipulation du texte source. Tout cela perturbe les données du marché de la librairie et aboutit à une prolifération d'ouvrages de médiocre qualité. Cependant, il est indéniable que l'école de la Terreur a exercé, à long terme, une féconde influence sur les romanciers français du XIXe siècle, grâce à la médiation de ces traductions d'inégale qualité.

Pour Evgenij Baratynskij (1800-1844), poète romantique de l’Âge d’or de la poésie russe, comme pour tous aristocrates russes du XIXe siècle, écrire en français était absolument naturel. À Paris durant l’hiver 1843-1844 sur la demande d’Adolphe de Circourt et de ses confrères français, tel que Prosper Mérimée, il a traduit en français certains de ses poèmes. En choisissant de traduire en prose Baratynskij n’a pas seulement sacrifié à la tradition de cette époque-là, son choix était sans doute aussi motivé par une démarche de nature métapoétique. À la différence d’autres études textologiques qui remettent en question la paternité de ces traductions en leur attribuant un travail collectif, les quinze poèmes en prose de l’édition de 1914 de M. Gofman sont étudiés ici, en questionnant les problèmes de la traduction poétique : le choix de la traduction en prose et une conception de la poésie comme étant déjà une traduction et une mise à l’écart. L’article privilégie une approche de traductologie et de poétique qui questionne non pas la paternité de ces traductions, mais le phénomène même de bilinguisme poétique dans le contexte du bilinguisme de la noblesse russe du XIXe. Laissant de côté la question de l’attribution des traductions françaises de poésies de Baratynskij, déjà traitée par d’autres chercheurs, l’auteur s’attache à montrer comment Baratynskij a cherché à rendre sa prose poétique.

Cette thèse se propose d’étudier la réception scénique et traductive de La Calandra du cardinal Bibbiena, qui s’amorce en France à partir du XVIe siècle. L’objectif est, dans un premier temps, de comprendre quel type d’accueil cette pièce a reçu en France et, dans un deuxième temps, de saisir la manière dont le comique licencieux de cette pièce, repris du Décaméron, a été transposé dans les traductions françaises au XIXe siècle. A cette fin, après avoir reparcouru d’abord sa première représentation à Urbino en 1513, puis celle de Lyon en 1548, nous proposons une analyse des deux traductions réalisées l’une par Théodore Muret en 1835, l’autre par Alcide Bonneau en 1887. À travers ce parcours qui traverse plusieurs siècles, nous souhaitons montrer comment s’articulent l’accueil dramaturgique et l’accueil traductif de cette pièce, lesquels sont la conséquence de réalités très riches et variées
The objective of this thesis is the study of the reception of the staging and translation of Cardinal Bibbiena’s La Calandra in France from the 16th to 19th centuries. It firstly explores how this play was received in France, then seeks to understand how its licentious comedy, taken from the living language of the stories of Decameron, was conveyed in the 19th century French translations. Through examination of the work’s first performance in Urbino in 1513, then Lione’s 1548 version, it subsequently seeks to demonstrate how the comedy of the dialogue was communicated in the two French translations: the first by Theodore Muret in 1835 and the second by Alcide Bonneau in 1887. The process of the reception of La Calandra in the centuries examined, which resulted from rich and varied phenomena, is evidenced in detail

De 1789 à 1905, la Chine fait partie des sujets exotiques les plus représentés dans le théâtre français. Cette Chine imaginaire est l’héritière du répertoire théâtral du XVIIIe siècle, époque marquée par le goût pour les « chinoiseries ». Elle fait aussi écho à l’actualité franco-chinoise du XIXe siècle, empreinte d’un nouveau colonialisme voire d’ « orientalisme ». En nous appuyant sur le répertoire du théâtre de thème chinois en France au XIXe siècle, que nous nous sommes attaché à reconstituer, nous analysons dans ce travail la production et la réception des images de la Chine sur la scène théâtrale à cette époque. Le corpus des œuvres est divisé en trois catégories : les pièces de thème chinois, les œuvres traduites ou adaptées du chinois et les spectacles donnés par les Chinois. En ce qui concerne la périodisation historique, nous avons choisi de suivre celle des grands événements ayant marqué les relations entre la France et la Chine au XIXe siècle. Les trois premiers chapitres se focalisent sur l’emploi des éléments chinois et orientaux tels qu’ils ont été mis en place au siècle précédent, ainsi que sur leur révision sous l’influence de la sinologie, discipline scientifique nouvelle. Quant aux trois derniers chapitres, ils se développent autour des deux guerres de l’Opium, de la guerre franco-chinoise du Vietnam, de la révolte des Boxers ainsi que la germination de la peur du « péril jaune ». Pour les dramaturges et les artistes de théâtre du XIXe siècle, cette « Chine » est un sujet à la fois familier et étranger, proche et éloigné, cliché et varié, épuisé et exploitable. Tous ces paradoxes concourent à créer dans le théâtre français une Chine kaléidoscopique
From 1789 to 1905, China is one of the most exotic topics represented on the French theater stage. This China can evoke the imagination inherited from the eighteenth-century “chinoiseries” taste. And moreover, it witnesses the nineteenth-century Sino-French socio-political events, which are never detached from the rising colonialism or even the Orientalism.This work attempts to build up a repertoire of Chinese-subject plays, and to analyze the production and the reception of the Chinese image on the French theatre stage during the nineteenth century. The corpus of the entire repertoire can be divided into three categories: the French playwright’s creation, the plays translated or adapted from Chinese literary works, and the performances given by Chinese actors. Chronologically organized, each chapter in this work follows the decisive Sino-French bilateral events. The first three chapters examine the Chinese and Oriental elements which have been applied to the French theatre in the previous centuries, and which are reinvented and appropriated under the influence of Sinology, a new scientific discipline institutionalized in the first half of the nineteenth century. The last three chapters develop with the two Opium Wars, the Sino-French War in Vietnam, the Boxer’s rebellion, as well as the birth of the concept of the “yellow peril.”For the playwrights and the artists, this “China” is therefore familiar but strange, approachable but intangible, cliché but ever-changing, exhausted but exploitable. All these contradictions contribute to create a kaleidoscopic China on the French theatre stage

Cette thèse vise à analyser quatre traductions du roman de Walter Scott Quentin Durward (1823) par le même traducteur, Auguste-Jean-Baptiste Defauconpret. Nous proposons de déterminer si ce traducteur est intervenu seul dans le processus de retraduction, si les trois versions françaises postérieures à la première traduction de 1823 sont de véritables retraductions ou de simples révisions, et si les modifications successives apportées à la première traduction vont dans le sens d’un rapprochement vers le texte source. La première partie de la thèse est dédiée, tout d’abord, aux concepts traductologiques, et plus particulièrement au phénomène de retraduction dont nous faisons l’état des lieux avant d’évoquer les théories de Brownlie et de Koskinen et Paloposki, puis d’envisager les raisons qui peuvent motiver une retraduction. Dans un second temps, nous abordons les contextes de la traduction, de l’édition et de la littérature au début du XIXe siècle. La deuxième partie de la thèse s’intéresse à Walter Scott, à Defauconpret et à l’œuvre dont les traductions sont analysées. Leur réception par la critique et par le lectorat est notamment évoquée. La dernière partie de ce travail est consacrée à l’analyse de notre corpus. Il y est en particulier question des notes de bas de page et des scotticismes, qui représentent deux éléments caractéristiques de la littérature scottienne
This dissertation aims to analyse four translations of Walter Scott’s novel Quentin Durward (1823), all translated by the same translator, Auguste-Jean-Baptiste Defauconpret. We consider determining whether the translator was the sole participant in the retranslation process, whether the three French versions that followed the first translation of 1823 are genuine retranslations or mere corrections, and whether or not the successive modifications to the first translation are oriented towards the source text. In the first part of the dissertation, some translation studies concepts are proposed, particularly the retranslation phenomenon, of which we offer an overview, before we evoke the Brownlie and the Koskinen & Paloposki theories, and the reasons why a retranslation can be envisaged. Secondly, we describe the translational, literary and publishing contexts in the beginning of the 19th century. The second part of the dissertation is dedicated to Walter Scott, Defauconpret and the novel whose translations are analysed. Their reception by the critics and the readership is discussed in particular. The analysis of the corpus follows in the last part of our work, in which we mainly study the footnotes and the scoticisms that represent characteristic features of Walter Scott literature

Au tout début du XXe siècle paraissaient, sous l’impulsion coloniale allemande, les premiers récits de voyage écrits par des Africains dans une langue africaine (hors arabe) : les Safari za Wasuaheli, collectés auprès de quatre informateurs à partir de 1893 par Carl Velten et la Maisha de Tippu Tip, publiée par Heinrich Brode en 1902. Nés entre oralité et écriture, alphabets arabe et latin, ces textes oscillent entre deux visions du monde et deux cultures. La présente thèse, organisée autour de la traduction française de l’ensemble de ces textes pour la plupart inédits, laisse entrevoir une forte transdisciplinarité (histoire, ethnologie). Elle s’inscrit cependant avant tout dans une perspective comparatiste (travail d’analyse littéraire entre quatre langues dont deux principales : le kiswahili et le français) et linguistique d’influence structuraliste. Outre le travail de traduction et de notes mis en place, elle développe trois axes majeurs d’analyse : comment l’appartenance générique et la langue des récits éclairent-elles le genre du récit d’exploration européen ? Quelle traduction en sa langue des rapports entre soi et l’Autre ? Enfin, la langue de ces récits de voyage porte-t-elle l’empreinte d’une lingua franca qui, suivant les caravanes, aurait « fait littérature » pour essaimer aujourd’hui jusqu’à devenir la langue la plus parlée d’Afrique ?
At the very beginning of the XXe century, in a heavy colonial setting, two German – Carl Velten and Heinrich Brode – released the first travelogues ever written in an African language (Arabic excepted) : Kiswahili. Born between orality and textuality, between arabic and latin scripts, the texts bear influences of both Swahili and colonial worlds. The Ph D. Offers the first French translation of the texts (Maisha excepted). Beside from the translation, the analysis’ part – at a crossroad between four languages – also crosses history and ethnology. Its main axis remains comparative literature with a strong structuralist frame. It deals with three major questions : do the African travelogues cast a new light on European explorations writings as a literary genre ? How does one translate the Self and the Other through one’s own language ? Was “Kiswahili on the road”, spoken as it was all along the old caravan tracks, able to bring forth literature, as a lingua franca has never done, and is its influence still visible up to nowadays ?