Teses / dissertações: "Taiji (philosophie) – Au théâtre"

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Ho, Ai-Cheng. "Application du Taiji quan au jeu de l’acteur : conception et mise en pratique d’un training créatif". Electronic Thesis or Diss., Bourgogne Franche-Comté, 2022. http://www.theses.fr/2022UBFCC033.

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Ma recherche théorico-pratique consiste en une étude portant sur l’application de la pratique et de la philosophie du Taiji quan dans la préparation de l’acteur et de la performance théâtrale.Ma thèse entend, d’abord, analyser comment la recherche d’une conscience supérieure par la pratique du Taiji quan répond au travail des metteurs en scène européens du XXe siècle jusqu’à aujourd’hui qui vise à stimuler la conscience créative de l’acteur. Puis je réfléchirai à la façon dont l’acteur parvient à substituer à sa conscience ordinaire une tout autre conscience durant le processus de son jeu, et j’essaierai de voir comment l’entraînement physique de l’acteur facilite cette transformation psychique. C’est pourquoi j’examinerai les méthodes les plus efficaces, et en particulier la technique psycho-physique du Taiji quan. Cette technique peut être envisagée et appliquée au jeu de l’acteur afin d’activer sa créativité et d’accroitre sa présence scénique, de manière à creuser l’écart entre lui-même et son personnage, et à développer sa vigilance réactive et sa perception spatio-temporelle.Mon étude s’appuie sur une enquête de terrain à Taiwan, en Chine et en France (pratique et entretiens avec des artistes et des experts du Taiji quan, du taoïsme et de la médecine chinoise), ainsi que sur ma propre pratique du théâtre et du Taiji quan. Mes expérimentations avec des acteurs français et dans différents ateliers m’ont amenée à explorer diverses techniques du Taiji quan pour élever la conscience de l’acteur à partir d’une articulation entre tradition et modernité, théorie et pratique. Mon but est d’élaborer un nouvel entraînement de l’acteur en fusionnant des méthodologies orientales et occidentales pour obtenir une haute performance de l’acteur sur scène
My PhD research explores how Taiji quan can be applied as a valued tool to enhance the actor’s “creative self-awareness” and integrate it into the actor’s training. Taiji quan, a prominent practice in Chinese culture that fuses external exercise and internal technique, aims to coordinate and unify body and mind. Specially, I examine how the psychophysical technique of Taiji quan allows the actor to transfer his body-and-mind status to a higher level to increase his “scenic presence”, to maintain a “gap” between himself and his role to create universal emotions, and develop his perception with the outer world. In this way, I present how the actor elevates his consciousness to superior levels during the acting process and how the corporeal training of Taiji quan facilitates this transformation.The study aims to explore the diverse technique of Taiji quan in cultivating the actor’s consciousness through in-depth interviews, analysis of performances, the researcher’s practical experiences in theatre and Taiji quan, and experimental research with actors and theatre students. The study also endeavors to introduce this traditional practice into the domain of modern psychophysical acting, to develop a method that fuses Eastern and Western performance methodologies and enables actors to apply the technique to improve acting

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Pietrobon, Xavier. "L'équilibre des opposés : du Taiji quan comme principe d'harmonisation". Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100025/document.

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À partir d’une pratique bien spécifique, celle du Taiji quan, art martial chinois, l’objectif de cette étude est de repenser l’interaction psychophysique, à l’aune d’un regard à la fois phénoménologique et taoïste. Il s’agit donc de ré-interroger le déséquilibre de la hiérarchie habituelle entre corps et esprit sous un angle nouveau, celui d’une activité posant une situation de conflit, de crise, celle du combat, au sens large de l’affrontement. Dès lors, la confrontation entre la base spirituelle du Taiji quan, le taoïsme, et les acquis de la phénoménologie concernant l’interaction psychophysique, permet de repenser ce rapport en fonction d’une logique d’harmonisation, et par conséquent de manière dynamique. Art martial, le Taiji quan est en effet un art du mouvement (entre autres), et c’est précisément cette dimension, rythmée sur le modèle du couple notionnel chinois yin/yang, qui permet de développer de nouvelles modalités dans l’interaction psychophysique. L’analyse de ce qui apparaît alors comme une véritable intelligence somatique invite à poursuivre l’entreprise de réhabilitation du corps et des arts martiaux au sein de la philosophie, visant ainsi à équilibrer des opposés qui tendent finalement à se compléter, participant les uns des autres
In considering the practice of Taiji quan, a Chinese martial art, this study aims to think about the psychophysical interaction from a point of view including Phenomenology and Taoism. The goal is to question the typical hierarchy between body and mind under a different angle : an activity involving a situation of conflict, of crisis, the fight, in the widest sense of confrontation. Consequently, the debate between the spiritual basis of Taiji quan, that means the Taoism, and what has been thought by phenomenology about psychophysical interaction, allows to think again this relationship with a perspective of harmonization, and thus in a dynamic way. As a martial art, Taiji quan is an art of movement, and this aspect, whose rhythm is given by the model of Chinese conceptual couple yin/yang, allows to develop new modalities in the psychophysical interaction. The analysis of what appears as a true somatic intelligence invites going on the project of rehabilitating body and martial arts in philosophy, aiming to equilibrate opposites that, in the end, are willing to complete each other, participating to each other

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Garcin-Marrou, Flore. "Gilles Deleuze, Félix Guattari : entre théâtre et philosophie. Pour un théâtre de l’à venir". Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040231.

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Gilles Deleuze et Félix Guattari ne sont pas connus pour avoir manifesté un réel intérêt pour le théâtre. En adoptant une première approche historique et biographique, ce jugement s’avère être une injustice profonde envers ces deux esprits, car l’un ne cesse d’évoquer le théâtre afin d’en faire une critique constructive et l’autre se révèle être l’auteur d’une production théâtrale inédite à ce jour, dont nous dévoilons les enjeux dramaturgiques. Dans une seconde partie, il s’agit de cartographier une pensée du théâtre hétérogène, défendue par les deux philosophes : le théâtre est utilisé dans la création de nouveaux concepts et d’une nouvelle énonciation philosophique. Le « théâtre de la pensée », la « dramatisation », le « théâtre de signes », le « schizo-théâtre », le « théâtre mineur », le « théâtre pris dans des devenirs-autres » constituent les signes avant-coureurs d’un « théâtre de l’à venir » qui constitue le fil rouge de notre recherche. Comme une réponse à la crise du drame, Gilles Deleuze oriente le théâtre vers d’autres lignes de fuite qui portent le théâtre vers les limites de l’abstraction pure, pendant que Félix Guattari conçoit un théâtre postdramatique. Cette thèse inclut des index répertoriant le vocabulaire théâtral et les personnalités de théâtre à partir de l’œuvre complète des deux philosophes, ainsi que des interviews de quelques uns de leurs proches amis artistes
Gilles Deleuze and Félix Guattari are not famous for having a deep, enduring interest in theatre. This thesis first develops historical and biographical elements to reveal that the notion of their indifference to theatre is cruelly inexact: the former repeatedly mentions drama and constructively criticises it, while the latter turns out to be the author of dramas which are yet unpublished, and whose theatrical characteristics are revealed here. In a more conceptual part, I then offer the mapping of a heterogeneous web of notions that both philosophers abide by: theatre is used in the creation of new concepts; it is at the service of a new wording of philosophy. The Theatre of Thought, the Method of Dramatisation, the Theatre of Cruelty, the Schizo Theatre, the Minor Theatre and the Theatre through the process of Becoming-Other are the signposts of A Coming Theatre that our research sets out to explore. Gilles Deleuze’s philosophy offers a reaction to the crisis of theatre. While Deleuze takes theatre on new lines of flight and pushes it on the verge of pure abstraction, Félix Guattari forges a Postdramatic Theatre. My thesis includes indexes of all the theatrical vocabulary and characters to be found in the works of both philosophers, as well as interviews by some of their close artist friends

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Vincent-Winogradoff, Cécile. "Le rôle philosophique du théâtre : éprouver et penser". Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010698.

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Le rôle philosophique du théâtre : éprouver et penser vise à montrer comment philosophie et théâtre se retrouvent dans une quête commune de vérité. En nous basant sur une démarche empiriste, nous voyons comment au théâtre comme en philosophie, il s'agit avant tout d'interroger la réalité perçue et de proposer différentes orientations, en sachant que le théâtre suscite d'abord une expérience vivante et sensible bien qu'imaginaire. La problématique est: en quoi l'imaginaire théâtral et le travail corporel qu'il implique constituent-ils des éléments essentiels de la (ou d'une) recherche rationnelle de vérité ? Eprouver signifie à la fois faire l'expérience de, mais aussi sentir par la. Sensation et par l'émotion. L'expérience sensible génère une pensée car le spectateur est amené à. Chercher à comprendre ce qui se joue sur scène. Plan: I-L’imagination créative au théâtre. IIL'expressivité du corps de l'acteur et la pensée physique. III- Le théâtre et l'imaginaire socio-politique

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Laruë-Charlus, Michèle. "L'évolution du goût depuis 1770 au travers du théâtre de Bordeaux". Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010648.

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Ce travail, pluridisciplinaire, étudie l'histoire du théâtre de Bordeaux depuis sa création en mille sept cent quatre-vingt jusqu'à sa dernière restauration en mille neuf cent quatre-vingt-dix. Il est centré sur l'architecture et ce qui, dans les modifications dont il a été l'objet, a permis de perpétuer, dans l'expérience esthétique qu'il procure, une relation narcissique continue depuis deux siècles. Ces restaurations successives n'ont donc pas été étudiées en fonction du modèle originel, toujours trahi, mais en tenant compte des climats successifs dans le temps, de l'évolution des idées et du gout. En parallèle, ce travail s'est intéressé à l'évolution de la notion de patrimoine, de restauration et de conservation depuis deux siècles et montre que les visions du théâtre sont toujours en concordance avec les théories patrimoniales, même si, pendant plus de cent ans, l'architecture qu'il incarne n'est jamais prise en compte par les théoriciens des monuments historiques. La dernière partie est consacrée à la restauration de mille neuf cent quatre-vingt-dix et aux problèmes philosophiques qu'elle soulève
TThis broad study covers the bordeaux theatre history from its erection in 1780 up to its latest restoration in 1990 with architecture as a central theme and including all the modifications which, through aesthetic experiences, have maintained the narcissistic relationship over two centuries. Thus the successive restoration works are not considered as compared to the original piece, bound to have been altered, but has resulting from successive trends of ideas and tastes. Similarly this study investigates the changes occured in the three concepts of heritage, restoration and conservation over that same period of time, from which it appears that whatever are the feelings concerning the theatre, they are always in line with the prevailing views on heritage even so the architectural concepts embodied in the original building have been over looked by theoreticians on historic architecture for more than a hundred years. The final part of this study is devoted to the nineteen ninety restoration works and their philosophical implications

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Jude, Ismaël. "Théâtre et philosophie chez Gilles Deleuze. La notion de dramatisation". Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040062.

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La notion de « dramatisation » a été formulée par Gilles Deleuze en 1967 dans Différence et répétition pour être délaissée ensuite. Cette recherche tâche de clarifier le sens de ce concept en distinguant une acception « dramatique » d’une acception « scénique ». Deleuze n’ayant cependant pas énoncé explicitement de théorie de la scène, une partie de l’entreprise vise à déduire, des textes de Deleuze et des auteurs qui lui servent de référence, l’hypothèse de cette définition. La formulation de cette hypothèse s’inscrit dans un environnement problématique déterminé par les ouvrages de Denis Guénoun et Esa Kirkkopelto. La notion prend son sens dans le cadre d’une critique de « la représentation », dont seraient captifs Platon, Aristote, Kant et Hegel, et d’une élaboration du concept de répétition à partir de Kierkegaard et Nietzsche. Une interprétation de la méthode de division platonicienne, de la méthode transcendantale kantienne et de l’éternel retour nietzschéen contribue ainsi à énoncer l’agencement conceptuel du drame, de la scène et de la répétition
The notion of “dramatisation” was formulated by Gilles Deleuze in his 1967 text Difference and Repetition, only later to be abandoned. This piece of research sets out to clarify the meaning of this concept by distinguishing its “dramatic” acceptance from its “scenic” one. Since Deleuze never explicitly expressed his theory of the stage this thesis project intends to determine from Deleuze’s texts, as well as from the authors to whom he himself referred, the hypothesis at work within the philosopher’s definition of this term. The statement of this hypothesis takes place in a problematic conceptual environment, as described in the works of Denis Guénoun and Esa Kirkkopelto. The notion of “dramatisation” derives its meaning through a critique of a particular understanding of “representation” within which Plato, Aristotle, Kant and Hegel are held captive, as well as through a certain construal of Kierkegaard and Nietzsche’s concept of repetition. Interpretations of Plato’s method of dichotomous division, Kant’s transcendental method and Nietzsche’s eternal return contribute in this thesis to articulating the way in which drama, the stage and repetition combine

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Bolle, Martin. "Conceptualiser l'asymétrie structurelle du théâtre de la guerre". Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2020. https://dipot.ulb.ac.be/dspace/bitstream/2013/307855/4/These.pdf.

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La thèse tente de conceptualiser l'asymétrie de la guerre asymétrique telle une prédation à la structure de la guerre, de la paix et de l'ordre politique.
Doctorat en Philosophie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Leroy, Christine. "Chair et affects en danse-théâtre". Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010569.

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Comment l'émotion se transmet-elle du corps d'un interprète de danse-théâtre à celui du spectateur? Ce dernier fait l'épreuve, dans l'intimité de son vécu corporel, de motions pulsionnelles, comme si l'émotion de l'acteur se transmettait de corps-vécu a corps-vécu. Ce phénomène de contagion affective psycho-physique prend le nom d'empathie kinesthésique charnelle. Il s'agit ici de traverser les déclinaisons phénoménologiques, psychanalytiques et esthétiques du concept de « chair », dans le but de cerner comment une épreuve charnelle commune est possible, conditionnée à la fois par la séparation corporelle et le mouvement intentionnel vers autrui. L'une de nos hypothèses principales consiste à voir dans l'espace scénique un lieu transitionnel entre images inconscientes de corps où s'opère une fusion affective ex motu. Accordant une place centrale à la dynamique émotionnelle, la danse-théâtre pousse l'empathie kinesthésique à son paroxysme, mettant en scène avec une violence souvent crue ce qui meut l'humain. Bien plus, elle fait de la scène le lieu de l'inconscient collectif, où le corps de l'interprète interpelle sans cesse le spectateur sur les limites de sa propre épreuve charnelle, au travers d'hybridations et de métamorphoses récurrentes. Des lors, déplaçant les frontières du corps mu, la danse-théâtre appelle à une remise en question des catégories usuelles de genre, amenant la question de la sexuation de la chair: en ancrant la possibilité d'une empathie dans la chair du sujet spectateur, elle se fait le révélateur de l'origine matricielle de tout affect et propose un voir du monde sur un mode sinon gynocentré, du moins « mammaïque».

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Murena, Nicolas. "Le 'mime de rien' de Philippe Lacoue-Labarthe : phrase, théâtre, philosophie". Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSEN001.

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Ce travail de thèse, inscrit entre littérature comparée, théâtre et philosophie, est fondé sur l'analyse d'une notion polysémique : la mimèsis. Il s'agit en effet d'étudier le traitement de cette notion dans le corpus philosophique de Lacoue-Labarthe et de trouver là un point de départ pour l'analyse de ses textes littéraires (Phrase, L'''Allégorie'' et Préface à la Disparition). La première partie est consacrée à une mise au point philosophique dont le but est de situer la pensée de la mimèsis de Lacoue-Labarthe par rapport à la philosophie grecque (Platon, Aristote) et allemande (de Winckelmann à Heidegger, en passant par Schiller, Hölderlin, le romantisme ou Hegel). Nous observons ainsi combien, dépassant une interprétation productive (la Darstellung) ou passive (la Nachahmung) de la mimèsis, Lacoue-Labarthe propose de voir la représentation littéraire et théâtrale comme le produit d'un « mime de rien », où « rien » est compris comme ce qui échappe à toute représentation possible. Les deuxième et troisième parties approfondissent la manière dont ce « rien » trouve un écho dans ses textes littéraires. Plusieurs analyses formelles sont alors menées : influence de la traduction sur la versification du texte poétique et théâtral, développements sur l'esthétique du sublime qui guide l'auteur, évocation des rapports de ses textes avec les pratiques de la musique, de l'opéra et de l'oratorio, mise en rapport, enfin, de son écriture, avec le genre de la « biographie » littéraire et artistique
This literary, theatrical and philosophical work is founded on the analysis of a polysemous concept : the mimèsis. In this phd, we try to study the treatment of this concept in the philosophical corpus of Lacoue-Labarthe and to see the links between his philosophy and his literary texts : Phrase, L' « Allegorie » and Préface à la Disparition). The firts part is devoted to a philosophical approche. We try to understand the formation of Lacoue-Labarthe's thought compared to Greeks (Plato, Aristote) and Germans (Winckelmann, Heidegger, Schiller, Hölderlin, romanticism and Hegel). Exceeding a productive (Darstellung) and a passivates (Nachahmung) interpretation of the mimèsis, Lacoue-Labarthe proposes to see the literary and theatrical representation like the product of a « mime de rien » (« mimes of nothing »), where « nothing » is understood as what escapes any possible representation. Several formal analyses are then explore : influence of the translation on the versification, description of the sublime esthetics of Lacoue-Labarthe, links between Lacoue-Labarthe's texts and music, opera or oratorio, links between « writing » and « biography »

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Bonnevie, Serge. "Ce que le théâtre enseigne des subjectivités contemporaines". Paris 8, 2008. http://octaviana.fr/document/14053475X#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Cette étude du rapport entre théâtre et sujet pose que nous pouvons éclairer ce qui est en jeu dans les formes de subjectivation de l'époque contemporaine. Nous avons recherché ce que cette scène du texte de théâtre montre d'une phénoménologie du rapport au monde actuel du sujet. Notre problématique principale explore les effets de la chute des grandes figures encadrant le sujet à partir d'un point de surgissement, suit ce fil conducteur, pour étudier ce que le théâtre révèle du sujet dans ces conséquences subjectives en rapport avec l'éducation. Du paradigme de l'immobilité à celui de la panique représentant le sujet contemporain, nous avons défini une suite de déconstructions subjectives avec Molière, Büchner, Maeterlinck, Tchekhov, Pirandello, Artaud, Brecht, Beckett, le Living Theater, Vinaver, Keene, Bond, Le Groupov et Kane. Ces moments esthétiques symbolisent différentes ruptures subjectives, instruisent le concept de la parole en acte. A partir des textes et des apports en sciences humaines nous avons formulé une problématique éducative: comment est figuré ce nouveau sujet en proie à la désubjectivation massive en reflet du système économique exigeant de se libérer de toute gravité du monde? Quelles en sont les problématiques éducatives conséquentes? Nous avons conclu sur la fondation d'un acte de parole de survie poétique éminemment représentatif de ce sujet. Ma thèse soutenant que les subjectivités sont particulièrement l'enjeu de compréhension du théâtre et nous pouvons en déduire des analyses importantes quant à nos pratiques pédagogiques actuelles. Mots-clés: théâtre, sujet, éducation, représentation, esthétique, individuation, individualisation, parole
This study of the link between theater and human subject claims that we can throw light on what is implied in ways of subjectivation in contemporary time. We have tried to find out what the scene of theatrical text shows about the phenomenology of the relationship of the subject to the world. Our major issue explores the consequences of collapse of great figures which frame the subject from an emerging point, and follows this main line to analyze what theater reveals about subject in these subjective consequences related to education. From a paradigm of immobility to a paradigm of panic which represents contemporary subject, we have defined a series of subjective deconstructions with Molière, Büchner, Maeterlinck, Tchekhov, Pirandello, Artaud, Brecht, Beckett, the Living Theater, Vinaver, Keene, Bond, Groupov and Kane. These aesthetic moments symbolize different subjective ruptures, and explain the speech-in-action concept. We have formulated an educational issue driven from texts and human sciences: how is this new subject, tortured by massive desubjectivation, reflecting the demands of liberation from the world’s gravity made by the economical system, represented? What are the resulting educational problems? We have concluded on the foundation of poetic survival speech-act, eminently representative of this subject. My thesis is that, for theater, subjectivities are what is particularly at stake in understanding, and that we can infer important analyses about our pedagogical practices today. Key-words: subject, education, aesthetics, individuation and individualization, representation, and speech

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Mouannés, Nabil. "La philosophie religieuse de l'oeuvre theatrale de grabriel marcel". Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1996PA040009.

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Gabriel marcel, dans son oeuvre theatrale, nous place devant cette problematique : qu'est-ce-que l'homme ? par cette question, nous nous ouvrons sur des perspectives infinies et nous soulevons pas mal de problemes. Toujours est-il qu'elle nous renvoie, malgre les nuances philosophiques et les exigences ontologiques, au fond de la question marcellienne : << qu'est-ce que l'etre ? >> ici prennent racine toutes les articulations philosophiques, psychologiques, dramatiques du theatre marcellien. Notre question s'integre profondement dans la recherche ontologique et metaphysique de gabriel marcel. Par la, il place l'homme au centre de tout questionnement. A ne regarder que le point de vue philosophique, notre recherche emane de la logique interne du theatre lui-meme. En suivant les dialogues entre les personnages, en accompagnant simplement l'evolution des conflits et des situations, nous tombons sur des interrogations involontairement operantes, mais concernant directement notre vie, notre conscience et notre connaissance. Elles nous convient au questionnement philosophique. Ce chemin philosophique, ontologique et metaphysique, que nous propose gabriel marcel, constitue la cle de son oeuvre theatrale. Nous le resumons en trois questions : comment est-il possible que le desespoir puisse etre le ressort de toute la pensee religieuse de gabriel marcel ? comment la foi est-elle possible ? elle est necessaire, dit gabriel marcel, mais n'y-aurait-il pas la un mystere et comment est-il possible ? comment est-il possible de temoigner de qui et de ce que << nous voyons et nous ne voyons pas >> ?

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Dior, Julie. "Visage, masque et jeu". Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030185.

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Cette these a pour point de depart l'idee qu'il existe une certaine reciprocite entre le masque et le visage, idee contenue dans le mot grec prosopon qui designe a la fois le masque et le visage et qui indique que ceux-ci sont indissol ublement lies. En introduisant un mot distinct pour , les romains ont fatamement altere ce concept. La topologie , science de la variation et de l'invariant, confirme la pensee grecque sur le masque : le masque n'est que l'exemple le plus extreme des transformations du visage qui, lui, est en perpetuel devenir. Plus en amont, tout sujet pour lacan, comme tout langage pour jakobson, est une construction ou un jeu entre metaphore et metonymie. Le sujet est un signifian t pur, sans essencen- une serie de masques-- que lacan illustre au moyen des figures topologiques et du masque lui-meme. Deleuze, serres et badiou ont chacun a leur maniere incorpore ce concept dans des discours, pourtant, tres differents l'un de l'autre. Apres son exposition initiale, cette theorie du masque et du visage est articulee a travers plusieurs contextes : la fete de cour baroque a partir des tableaux d'arcimboldo, pirandello et la mise en doute de l'identite, l'image du miroir et le double au theatre, le gros plan au cinema comme masque, ainsi qu'a travers une selection de mise s en scene contemporaines. Le chapitre final introduit la categorie du reel, ou ce qui resiste a toute formalisation et qui se distingue ainsi radicalement du symbolique (metaphorique) et de l'imaginaire (metonymique). Il s'ensuit une reflexion sur ce que le concept topologique de l'identite signifie pour le masque et le visage au theatre
This thesis begins with the idea of a certain reciprocity between the face and the masque. This idea is contained in the greek word prosopon, which designates the face as well as the mask and thus indicates that the two are in an inseparable couple-relationship. By introducing a separate word for "face", the romans fatally altered this concept. Topology, the science of variations and invariables, confirms ancient greek thought on the mask : the mask is simply the most exagger ated example of the transformations of a face which is itself in a perpetual state of change or becoming. More profondly , all subjects for lacan, and all languages for jakobson, are a construction of or a play between metaphore and metonymy. The subject is a pure signifier, deprived of essence-- a series of masks-- which lacan illustrated by means of topolog ical figures and the mask itself. Deleuze, serres and badiou have, each in their own manner, incorporated this concept in discourses that are, however, very different one from the other. After its initial exposition, this theory of masks i s articulated in several contexts : baroque court festivities using arcimboldo's paintings as a point of departure, pira ndello and the calling into question of identity, the image in the mirror and the double in theatre, the cinematographic c lose-up as mask, as well as a selection of contemporary mises en scene. The final chapter introduces the category of r eal, or that which resists all attempts at formalization and which is thus radically distinct from symbolical (metaphorical) and imaginary (metonymical). A reflection follows on what the topological concept of identity signifies f or the mask and the face in theatre

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Journot, Magalie. "Un théâtre socratique ? Essai d'interprétation de la figure de Socrate dans le théâtre occidental moderne : des sources au mythe". Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2017. http://www.theses.fr/2017UBFCC003/document.

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Sûrement parce qu'il n'a rien écrit, Socrate a fait couler beaucoup d'encre. Dès après sa mort en 399 avant J.-C., mort ressentie comme une injustice tragique actant la naissance de la philosophie, ses disciples écrivirent des dialogues pour continuer à le faire vivre. Le genre appelé "dialogues socratiques" fut si florissant qu'il fit entrer la figure dans le monde des mythes littéraires et philosophiques. C'est dans la modernité néanmoins que semble s'épanouir pleinement le mythe de Socrate, saint laïc, concurrent du Christ, héraut d'une morale appelée à se passer de Dieu et de ses ministres, incarnant les idées de justice et de liberté jusqu'au sacrifice. Le théâtre est un des lieux privilégiés, sinon le lieu rêvé, réputé idéal autant que difficile, où s'exprime ce mythe. Héritières des dialogues socratiques qui constituent souvent leur principale source de connaissance au sujet de Socrate, les pièces de théâtre, dont une centaine est ici étudiée, expérimentent, au fil de l'évolution des genres, les différentes façons de mettre en scène la philosophie jusqu'à tenter de retrouver l'inspiration socratique qui fait du dialogue avec Socrate une invitation à accoucher soi-même
Surely because he wrote nothing, Socrates is much written about. Immediately after his death in 399 B.C., a death felt as a tragic injustice, his pupils wrote dialogues to keep him alive. The so called "Socratic dialogues" were so flourishing that it makes Socrates go down in the world of litterary and philosophical muths. Modernity is however the time in which blossomed the lyths of Socrates, a secular saint, rival of Christ, herald of a morality called to do without God and priests, embodying the ideas of justice and freedom to the sacrifice. Theater is one of the favourite places, if no the perfect but difficult place where this myth is expressed. Heir of the socratic dialogues, the plays try out to philosophize on stage till finding the socratic inspiration which, trough the art of dialogue, invites each one to find himself

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Mpakonikóla-Geōrgopoúlou, Chará. "L'absurde dans le théâtre d’Euripide". Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040144.

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Ventura, Elisabeth. "Le sublime du comédien". Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100103.

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Sous la figure rhétorique du paradoxe, Diderot fut le premier philosophe à réfléchir sur l’art du comédien dans une perspective esthétique. A sa suite, nous creuserons ce qu’on pourrait appeler « la matière-comédien », en plaçant au centre de notre recherche la question de l’incarnation : le comédien, medium poétique de l’évènement théâtral, sera le sujet de notre étude. Comment façonne-t-il son corps pour le métamorphoser en réceptacle glorieux de l’incarnation du verbe ? Comment le souffle poétique se dépose en lui ? L’art du comédien ouvre immédiatement à une réflexion sur l’omniscience du sensible : à la fois maître des projections poétiques et matériau vivant de leurs réalisations, « ordonnateur lucide et sujet enivré » selon la formule de la grande comédienne Simone, le comédien est l’opérateur sensible de l’évènement théâtral. Au moment de la représentation, après des semaines de répétitions, de recherches, de mise en mots et de mise en corps, il ne doit plus « penser qu’à penser », comme le répétait Sarah Bernhardt à ses jeunes élèves. Non seulement il a pour tâche de conjuguer l’espace de son corps à ceux de la scène et de la salle, mais il doit maintenir tendu le « fil écarlate de l’intrigue » dont parle Cocteau : le comédien démultiplié, « passeur » de sublime, édifié le pont émotionnel qui conduira le spectateur à pénétrer l’espace infini de la poésie. Ouvrier de la signifiance, le comédien travaille au sublime et le sublime le travaille
Under the rhetorical figure of paradox, Diderot was the first philosopher to reflect upon the art of the actor in an aesthetic perspective. To the continuation of his analysis, we will further into the “actor-matter”, focusing our research on the question of embodiment: the actor, poetic medium of the theatrical event, will be the topic of our study. How does the actor model his body to change it into the glorious receptacle of the incarnation of words ? How does the breath of poetry settle into him? The art of the actor immediately invites one to reflect upon the omniscience of sensitivity. Master of poetic projections as well as living matter of their fulfillment, “lucid regulator and intoxicated subjet” to quote the great actress Simone, the actor is the sensitive operator of the theatrical event. When “show-time” comes, after weeks of rehearsal, of research, of shaping words and shaping bodies, the actor must only “think to think”, as Sarah Bernhardt would repeat to her young students. The actor must link his body space to that of the stage and of the entire theatre. But his task is also to keep tight the “scarlet string of the plot”, mentioned by Cocteau. The pluralized actor, “mediator” of the sublime, builds the emotional bridge, which will ead the audience into the infinite space of poetry. Worker of significance, the actor works on the sublime and the sublime works on him

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Panopoulos, Dimitra. "Pour une dialectique platonicienne contemporaine : antagonisme, justice et vérité". Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083238.

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Renverser le platonisme, telle fut l’injonction de Nietzsche, reprise pour notre époque par Deleuze. Depuis longtemps, platonisme et antiplatonisme constituent en effet des polarisations possibles, s’agissant des orientations philosophiques et de leur confrontation. Nous sommes ici loin des problématiques d’histoire de la philosophie répertoriées sous ce nom de Platon. Si l’opposition première de Platon et d’Aristote continue de valoir dans le champ des polémiques, c’est moins pour elle-même que pour les reconstructions dont ces noms deviennent l’enjeu. Opposition bientôt enrichie de questions plus actuelles, et à partir de laquelle dessiner ce qui singularise notre temps quant à l’articulation des régimes de pensée épistémologique, artistique et politique. Organisant une diagonale tirée des lectures contemporaines de Platon jusqu’aux affrontements philosophiques d’aujourd’hui, ouvrant ainsi de nouvelles perspectives sur le sens de noms comme Sartre, Merleau-Ponty, Althusser, Lyotard, Deleuze et quelques autres, ce travail traverse de grandes questions comme : l’objet en mathématiques, opposant réalisme et idéalisme, distanciation et didactique en art, émancipation et totalitarisme concernant l’exigence égalitaire en politique. L’ensemble vise à statuer sur le sens politique de la spéculation : à partir de la reconstruction contemporaine d'une scène philosophique pour ou contre Platon, nous cherchons donc à proposer un nouvel examen des conceptions de l'antagonisme, de la dialectique, et de la justice
To overturn Platonism, such was Nietzsche’s injunction, taken up again, in our time, by Deleuze. Platonism and Anti-Platonism have long constituted possible polar opposites, determining various philosophical orientations and their confrontations. Here, we are far from history of philosophy concerns catalogued under the name of Plato. If the primary opposition of Plato and Aristotle remains of value in the field of polemics, it is less for itself than for the reconstructions for which these names hold high stakes. The opposition is soon enriched by contemporary questions, from which is drawn that which renders singular our time for the articulation of epistemological, artistic and political regimes of thought. By tracing a line diagonally from contemporary readings of Plato into today’s philosophical confrontations, thus opening new perspectives onto the meaning of such names as Sartre, Merleau-Ponty, Althusser, Lyotard, Deleuze and several others, this work traverses several fundamental questions: the object in mathematics, opposing realism and idealism, distancing and didactics in art, the emancipation and totalitarianism concerning the egalitarian exigencies in politics. The project aims to determine the political meaning of speculation: from the contemporary reconstruction of the philosophical scene for or against Plato, we are thus seeking to propose a new examination of the conceptions of antagonism, of dialectic and of justice

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Navaud, Guillaume. "La pensée du théâtre de Socrate à Shakespeare". Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040182.

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Ce travail s’intéresse aux rapports entre théâtre et philosophie dans l’Antiquité gréco-romaine et dans l’Europe de la première modernité (jusqu’en 1710), en particulier en Angleterre. La perspective de cette étude est comparative et transdisciplinaire : elle porte sur un corpus aussi bien théorique (philosophie, art rhétorique, essai) que littéraire (théâtre, discours). Deux axes d’investigation ont été privilégiés : d’une part l’histoire du mot persona (grec prosôpon) et de ses descendants modernes ; d’autre part les implications philosophiques de la métaphore du drame de la vie, et notamment du topos du theatrum mundi. Cette recherche démontre que la formalisation de l’objet esthétique qu’est le théâtre a pu influencer la formalisation d’objets philosophiques ; réciproquement, les réflexions métaphoriques dessinent en creux une théorie du théâtre qui vient compléter de façon souvent originale les sources « directes », Poétiques et Arts de l’acteur
This study analyzes the relationship between theatre and philosophy in Antiquity and in early modernity (until 1710), especially in England. This research examines theoretical as well as litteray material, following two principal topics : the story of the word persona (greek prosôpon) and of its modern counterparts (esp. Person), and the dramatic simile of life in philosophical and dramatic texts, including the topos known as theatrum mundi. The aim of this study is to demonstrate that theatre as an aesthetical object has played a major role in shaping philosophical and abstract objects such as the idea of man ; conversely, the theatrical metaphor sheds a light that is often original upon the theory of drama

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Gévaudan, Maxence. "Platon : théâtre et philosophie : fondements, nature et visée de la méthode dialectique". Mémoire, Université de Sherbrooke, 2017. http://hdl.handle.net/11143/10258.

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Afin de comprendre le processus d’acquisition de connaissance chez Platon, nous proposons une étude de la dialectique selon un spectre large, en se focalisant principalement sur la nature dramatique des textes du corpus. À partir d’une analyse des fondement éléates de la méthode antilogique, nous tenterons par le biais de la dialogique (ou sémantique des jeux) de comprendre le caractère agonistique de la méthode proposée par Platon dans ses dialogues. Nous tâcherons par la suite de faire le lien entre les conclusions intermédiaires et la structure générale de la métaphysique platonicienne afin de ne pas perdre la cohérence du système pris dans sa globalité. Nous évaluerons la qualité de l’outil interprétatif obtenu à travers une lecture du Gorgias.
Abstract : In order to understand Plato’s knowledge acquisition process, we suggest a wide-range study of the dialectic, mainly focusing on the theatrical nature of his texts. From an analysis of the eleatic foundations of the antilogical method, we will try to understand the agonistic feature of the method given by Plato in his dialogs by using the dialogical logic (or game semantic). Then, we will bind our mid-conclusions and the general structure of Plato’s metaphysic; in order not to loose the coherence of the whole system. We will evaluate the quality of our interpretative tool through a reading of the Gorgias.

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Ortega, Manez Maria. "Mimèsis en jeu. Une analyse de la relation entre théâtre et philosophie". Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040170.

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Théâtre et philosophie présentent au long de leur histoire des modes d’interaction divers. L’approche privilégiée est ici l’analyse de la querelle qui opposa, au Ve siècle av. J.-C. en Grèce, deux de leurs représentants : Aristophane et Platon. Une analyse des œuvres qui véhiculent leurs attaques respectives permet de dégager les enjeux de cet affrontement ainsi que d’en mesurer la portée. Depuis cette perspective, la notion de mimèsis apparaît mise en jeu : terme d’origine théâtrale et portant essentiellement le sens du « jeu » de l’acteur, la mimèsis est utilisée par Platon comme l’argument majeur de sa critique de la poésie, autant que comme point d’articulation entre les deux mondes de son ontologie. La seconde partie de notre entreprise est consacrée à l’étude de l’élaboration platonicienne de ce concept dans la République. Cette synthèse est également opérée sur un plan littéraire par le dialogue en tant que forme d’écriture à la croisée entre philosophie et théâtre, que l’on aborde à travers l’étude des dialogues de Platon de ce double point de vue. On parvient ainsi à montrer, à partir des éléments analysés, qu’au cœur de l’opposition entre philosophie et théâtre s’ancre une liaison profonde, dont la nature contradictoire n’aura cessé de se manifester par la suite à travers le problème philosophique et le paradigme théâtral de la représentation
Theatre and philosophy present diverse modes of interaction throughout their history. In order to interrogate their relationship, this investigation will focus on the analysis of the quarrel which, in the fifth century B.C. in Greece, opposes two of their representatives, Aristophanes and Plato. An analysis of the works that launch their respective attacks will enable us to reveal the stakes of this confrontation, as well as to evaluate their impact. From this perspective, the notion of mimèsis appears at stake but also « at play » – hence, it is en jeu: term of theatrical origins which essentially contains the meaning of the actor’s « play », mimèsis comprises not only the central argument of Plato’s critique of poetry, but furthermore, the articulation point between the two worlds of his ontology. The second part of our research is dedicated to the study of Plato’s elaboration of this concept in the Republic. This synthesis is also operated on a literal level by the dialogue as a writing form at a crossroads between philosophy and theatre, which we will approach through the examination of Plato’s dialogues from this double point of view. Taken together the different elements of our analysis reveal that, at the heart of their opposition, lies a deep bound whose contradictory nature has not ceased to manifest itself in the philosophical problem and the theatrical paradigm of representation

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Aly, Alaaedin. "Images du néant dans le théâtre d'Eugène Ionesco". Grenoble 3, 2001. http://www.theses.fr/2001GRE39017.

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Notre travail se propose de traiter le problème de l'angoisse devant le néant dans le théâtre d'Eugène Ionesco, que l'on peut considérer la force essentielle et directrice de sa création théâtrale et qui a participé à la naissance de l'absurde. Dans ce travail, on a essayé de chercher quelles sont les images différentes du néant qui hantent l'univers de Ionesco et comment il a réussi à les théatrâliser dans son langage. Eugène Ionesco était obsédé par le drame de l'homme aux prises avec l'univers, il a transposé sur la scène le combat intérieur de l'homme. Il a posé beaucoup de questions qui le hantaient toute sa vie. Dans notre travail, nous avons essayé de répondre à ces questions à travers les images différentes apparues dans son oeuvre. Le thème du néant chez Ionesco s'accroit de plus en plus. Dans ses pièges, on peut découvrir ses impressions et ses obsessions du néant qui règnent sur toute son oeuvre. Tout d'abord, dans ses premières pièces on trouve un dérèglement et un délire excessifs qui bouleversent la logique, la destruction et le néant triomphent la fin. Une autre forme du néant qui se manifeste dans la prolifération des objets et aussi du langage. Egalement une autre figure du néant, celle qui réside dans les idéologies. Enfin, le néant du roi et le monde avec lui.

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Alwan, Saleh. "Esthétique de la mise en scène chez Peter Brook : l'intuition à la recherche d'une forme". Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1994PA010693.

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Il s'agit d'une thèse qui porte sur la caractère novateur de l'œuvre de Peter Brook. À travers l'étude et l'analyse de représentations et de créations effectuées par le metteur en scène. La thèse s'articule autour de trois axes :. L'innovation (en quoi l'expérience théâtrale de Peter Brook est novatrice). Le plaisir (comment Brook réussit à concilier cette innovation sans entamer le plaisir du au spectateur). L'universalité (pourquoi, à travers une osmose singulièrement caractéristique, l'expérience de Brook a enrichi le théâtre mondial et, en même temps, s'en est enrichie)
This these is about the innovating character of Peter Brook's works. Through the studying and analysis of the performances and creations realized by the producer, this these moves around three axes:. Innovation : (what makes the theatrical experience of peter brook so innovating). The pleasure: (how brook conciliate this innovation without spoiling the audience's pleasure). . The universalism : (how the esperience of brook has embellished the theatre in the world and in the same time Brook's works, through an osmose particularly characteristics)

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Pignarre, Florence. "La place du réel dans l’incarnation imaginaire de l’acteur de théâtre : Approches phénoménologiques du jeu d’acteur chez Husserl, Sartre et Merleau-Ponty". Rouen, 2013. http://www.theses.fr/2013ROUEL020.

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En prenant appui sur différents textes de Edmund Husserl, de Jean-Paul Sartre et de Maurice Merleau-Ponty consacrés au jeu d’acteur, ce travail se propose de mettre en évidence le fait que ce dernier peut être compris comme une incarnation imaginaire : l’acteur y crée une image - l’image du rôle - au moyen de son corps. L’expression d’ « incarnation imaginaire » désigne l’acte par lequel le corps se fait image, s’ « irréalise » dans un rôle. La chair du rôle, à la fois irréelle car chair d’une image mais cependant « réelle » en ce qu’elle ne peut apparaître qu’à travers un certain usage effectif et moteur de la corporéité de l’acteur, peut être pensée comme un « mixte » de fiction et de réalité. Ce travail présente successivement les descriptions phénoménologiques du jeu d’acteur proposées par ces trois auteurs en les resituant par rapport au cadre philosophique à partir duquel elles s’exercent et en présentant le rôle et la place qu’elles accordent à l’imagination, au corps et au réel perçu dans cette expérience. Les travaux issus de la pensée du théâtre permettent d’approfondir certaines descriptions proposées par nos trois auteurs
This research aims at highlighting the fact that the actor’s performance can be understood as an imaginary embodiment: the actor creates an image – the image of the part played – with his body. The expression “imaginary embodiment” describes the act in which the body of the actor becomes an image, takes leave of his or her reality in the part he or she plays. The flesh of the part, which is an imaginary flesh, is also a real flesh because it can only appears thanks to the real and positive contribution of the actor’s body. That it why it can be thought of as a “mixed version” of both fiction and reality. That is why it can be thought of as a “mixed version” of both fiction and reality. This research presents the phenomenological descriptions of the actor’s roleplaying as proposed by Edmund Husserl, Jean-Paul Sartre and Maurice Merleau-Ponty. It also exposes the philosophical context of the descriptions and examines the place (the importance ceded to) that they give to imagination, body and perception in this experience. The study of plays allow to give depth and precision to some of the descriptions of these authors

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Smadja, Isabelle. "Images et usages de la folie dans le théâtre contemporain". Paris 10, 1998. http://www.theses.fr/1998PA100071.

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Comment le theatre a-t-il reagi a la mutation culturelle qui fit disparaitre la fascinante folie et apparaitre de "pauvres malades" ? il garde une reference a la folie, use peu du concept de maladie mentale et repercute avec reticence le changement de perception de la folie. La folie contemporaine s'inscrit sur le corps du personnage, aveugle, boiteux ou mutile. Avec l'aveuglement, la tradition se maintient mais l'image du fou se deteriore : sa cecite n'est plus que l'effet du delire ou d'un retrait hors du monde et n'a plus la clairvoyance qui la qualifiait chez sophocle ou shakespeare. Avec la boiterie, nous passons d'une folie grandiose a une folie mediocre. Lorsque, par le biais de la mutilation, certains conservent une image puissante de la folie, le fou est un personnage inquietant,ce que confirme la frequence du theme de la mort d'un enfant dans son association a la folie. Les dramaturges s'interrogent alors sur la cruaute : faut-il la rejeter du cote de la folie ? le theatre se trouve une justification : l'aveu de l'infanticide necessite une mise en scene qui se passe du langage. Enfin, la mort pourrait etre une metaphore de l'ecriture dans son opposition a la parole vive. La folie, operant la confusion entre fantasme et realite, interroge le statut de la litterature dans le reel. A cela, s'ajoutent des usages lies a l'origine du theatre et a la catharsis. Des affinites structurelles existent aussi : la cloture de l'espace scenique correspond au "grand renfermement" dans l'hopital ; le regard exigeant des spectateurs sur le personnage de l'acteur fait surgir de lafolie ; l'alienation dans un role est une remise en question de l'identite. Existe encore un usage politique de la notion : a une maladie individuelle a enfermer, certains opposent la folie de la guerre, de la religion ou du monde du travail. Enfin le theatre se fait parfois le bouffon de la psychiatrie et des psychodrames, les renvoyant a leurs delires.

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Harb, Sabbag Souad. "Esthétique et politique dans le théâtre de Sartre". Lyon 3, 1986. http://www.theses.fr/1986LYO31007.

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L'objet de notre etude a ete le role de l'art et de la politique dans la liberation de l'homme et dans ses relations avec autrui; dans ce but nous avons compare la position de sartre avec celles de nietzsche et de hegel. L'art permet a l'homme une realisation authentique de sa liberte, mais elle rencontre ses limites dans l'impossibilite pour l'artiste d'avoir des relations egales et reciproques avec les autres en dehors de son oeuvre. Kean piece d'alexandre dumas, pere, adaptee par sartre, revele ces limites, de meme que l'appropriation du theatre et des artistes par la bourgeoisie. La politique s'avere etre un autre chemin pour la liberation de l'homme : elle lui permet d'affirmer sa liberte par la revolte contre des situations d'oppression. A ce propos, sartre etablit une distinction entre le chef politique et les membres du groupe : il condamne theoriquement le role des premiers, mais, dans la pratique, illustree par les pieces, il le defend. Nous avons essaye de comprendre les rapports du chef avec les membres du groupe a travers les pieces analysees: bariona, les mouches, l'engrenage et les mains sales, montrent la solidarite de sartre envers les opprimes. Mais chacun est mis en face de sa situation : l'opprime a le devoir d'affirmer sa liberte par la revolte et personne ne peut le faire a sa place; si, au contraire, il se soumet, il refuse l'humain en lui et se rend complice de son oppression. . . Le chef est celui qui exprime cette revolte, en voulant modifier les conditions sociales opprimantes, mais il doit assumer sa solitude en remplissant son role. Chacun est seul responsable de sa situation : s'il y a un chef, c'est que les autres ont demissionne de leur role actif au sein du groupe. Le chef est donc defendu par sartre dans la mesure ou il affirme sa liberte, et la critique de celui-ci concerne plus les masses qui restent passives, soumises
Our study's object has been the role of art and politics in the man's liberation and his relationship with others : to achieve this target, we hawe compared sartre's positions xith nietzsche and hegel's ones art errabiles man as authentic realization of his freedem, but, it meets its limits in the impossibility foor the artist to hawe equal and reciprocol relationships with others out side his work of art kean, a play written by alexandre dumas father, and adapted by sartre, reveals these limits as well as the appropriation of the theatre and of the artists by the midadle -clons. Politics proves to be onather way to man's liberation : it errables him to affirm its freedom by the revolt against situations of oppression. Talking of this, sartre sets up a distinction between the political leader and the other members of the group : theoreticolly, he's condemming the first role but, in effect, which is showed in the plays, he's defending it. Trough the plays we hawe studied, we have tried to understand the relationship between the leader and the members of the group : bariona, les mouches, l'engrenage, et les mains sales show the solidarity of sartre for oppressed people. But every one facesits own situation : the oppressed one must affirm his freedom by revolting himself and nobady cando it for him; in the opposite, if the gives in he refuses the human being which exists inside himself and he is accomplice of his oppression. . . The leader is the one who expressed this revolt when wanting to modify oppressing social conditions, but he must assume his solitude and play his role. Every one is responsible of his situation: if there is a leader, the reason is that others hawe resigned their active role inside the group. So, sartre is defending the leader in so for as he affirms his freedam, and his- critis concern more people who stay passive and sulmissive

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Sofia, Gabriele. "La relazione attore-spettatore : storia, ipotesi e esperimentazioni per lo studio del livello neurobiologico". Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA083853.

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La présente thèse est une enquête inter- et pluridisciplinaire sur les spécificités neurobiologiques qui caractérisent l’organisation du comportement de l’acteur et du spectateur engagés dans une relation théâtrale. La thèse est composée de trois parties. - La première partie propose un parcours historique des collaborations les plus significatives entre spectacle vivant et neurosciences depuis les années ‘60 jusqu’à aujourd’hui. - La deuxième partie est une mise en place des hypothèses sur comment croiser les paradigmes neuroscientifiques contemporaines avec les approches de l’ethnoscénologie et de l’anthropologie théâtrale pour l’étude de la relation acteur-spectateur. - La troisième partie est constituée présente une expérience neuroscientifique menée avec des acteurs. Depuis mars 2010, une collaboration a été mise en place avec le neurophysiologue Giovanni Mirabella et son équipe. Cette collaboration a donné lieu à des expériences visant à repérer des spécificités dans l'embodied cognition de l'acteur. Malgré leur caractère encore exploratoire, et bien qu'ils soient à l'évidence susceptibles de changements ultérieurs, les premiers résultats obtenus nous suggèrent les premiers résultats obtenus nous suggèrent certaines différences entre les stratégies d’embodied cognition des acteurs et celles des spectateurs
This thesis is an inter- and pluridisciplinary research about the neurobiological behaviour of the actor and the spectator involved in a theatre relation. It is divided into three parts: 1 – The first part proposes the historical reconstruction of the collaboration between the performing arts and neuroscience from the ’60s up to now. 2 – The second part proposes some hypothesis about an interdisciplinary crossing between the contemporary neuroscientific paradigms and the methodologies of Theatre Antropology and Ethnoscenology in order to study the actor-spectator relationship. 3 – The third part presents some empirical experiments about actors and non-actors realized since 2010 in collaboration with the neurophysiologist Giovanni Mirabella and his team with the aim to find some neurobiological traces of actor training in the embodied cognition strategies. A group of actors, coming from some of the most representative Italian groups and with more than 15 years of daily physical training, was matched with a control group of non-actors. The results have shown some differences in the actor’s embodied cognition

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Rustom-Al, Hallak Pauline. "L' Insolite dans le théâtre de Schehadé : Poésie et Absurde". Montpellier 3, 2008. http://www.theses.fr/2008MON30001.

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L’œuvre dramatique de Georges Schehadé fait partie du théâtre français des années cinquante. Ce dernier s’est distingué par son refus de la forme classique de la pièce théâtrale et par son aspiration à créer de nouvelles conceptions dramaturgiques. Nous nous sommes interrogés dans notre travail sur la place de l’œuvre schehadienne dans cette nouvelle dramaturgie et de quelle manière cette oeuvre a-t-elle contribué à exprimer les inquiétudes et les angoisses de notre dramaturge face aux enjeux contemporains. Composé de six pièces : Monsieur Bob’le, La Soirée des proverbes, Histoire de Vasco, Le Voyage, L’Emigré de Birsbane et Les Violettes, ce théâtre est traversé par deux volontés complètement contradictoires : il s’agit dans un premier temps d’une louange de la vie et de l’expression d’une alliance vécue en pleine harmonie entre l’homme et le monde grâce à la parole poétique, mais il s’agit dans un deuxième temps d’un sentiment de vide et d’incapacité à se définir dans le monde : une constatation de l’absurde. Nous en avons conclu que cette œuvre se caractérise par l’insolite parce qu’elle refuse de donner un sens fixe et laisse sentir l’hésitation et l’incertitude à travers son aspect contradictoire. L’insolite se trouve sur tous les niveaux, il existe en particulier au niveau de l’illusion théâtrale parce qu’il montre la présence du théâtre dans le théâtre, il est aussi dans la création du personnage et dans l’utilisation du langage
The dramatic work of Georges Schehadé is part of the French theater of the fifties. The latter distinguished itself by his refusal of the classical form of the theatrical piece and by his aspiration to create new conceptions dramaturgiques. We wondered in our work on the place of the work schehadienne in this new dramaturgy and of which manner this work contributed to express the worries and the anguishes of our playwright facing the contemporary issues. Composed from six pieces: Mister Bob’le, The proverb Evening, History of Vasco, The Trip, THE Emigré of Birsbane and The Violets, this theater is crossed by two completely contradictory wills: it is a matter previously of a praise of life and expression of a lived alliance in the middle of the harmony between the man and the world thanks to the poetic word, but it is a matter in a second time To define itself in the world: a noting of the absurd one. We concluded some that this work characterizes itself by the unusual one because she refuses to give a direction sets up and leaves to feel the hesitation and the uncertainty through his contradictory aspect. The unusual one is located on all the levels, it exists in particular at the level of the theatrical illusion because it shows the theater presence in the theater, it is also in the creation of the personage and in the language usage

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Kyriazis, Christos. "Le Rôle social et philosophique du Karaghiozis (théâtre d'ombres grec)". Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010518.

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Karaghiozis est le personnage principal du théâtre d'ombres grec. Sous son aspect de victime il est un contestataire de l'ordre établi et un critique des mœurs et des institutions de son époque. Mais il peut aussi prendre une place de pouvoir sans pour autant abandonner son attitude critique même envers sa propre personne. Ce théâtre a servi comme moyen didactique et culturel pour les couches sociales sans scolarité poussée. Il a employé l'improvisation pour créer des ponts entre le répertoire traditionnel et l'actualité du moment de la représentation. Ainsi ce répertoire a été enrichi par des pièces incorporant des évènements de la vie sociale et politique grecque et internationale. C'est pourquoi il est toujours actuel et joue un rôle pédagogique. Au travers d'éléments socio-culturels glanes parmi l'histoire, la langue, la musique (notamment le rebetiko) il fournit une mine des renseignements qui deviennent des enseignements d'ordre philosophique. Le spectateur peut atteindre la "catharsis" par le dialogue avec le personnage de karaghiozis derrière l'écran. La vie sociale a été beaucoup influencée par karaghiozis : ses expressions sont devenues courantes, la langue, la littérature, la musique, la danse, les arts plastiques, le théâtre, la satire politique ont puise en lui. L'auteur présente aussi cinq pièces du répertoire de ce théâtre d'ombres et y adjoint le fruit de son expérience en tant que praticien de karaghiozis
Karaghiozis is the main caracter of the greek shadow theater. As a victim he contests the order and critises the customs and the institutions of his contemporaries. But he can also have an authority without losing his critical eye even towards himself. The greek shadow theater contributed largely to the enrichment of the culture of the social classes with a low knowledge level. Through improvisation the traditional repertory was enlarged incorporating facts of the greek and international current events. Using social and cultural elements taken from history, language, music (especially rebetiko) karaghiozis offers much social information which becomes philosophy and ethics. The "catharsis" is attained by the spectator through the dialogue with karaghiozis from the other side of the screen. Social life was very much influenced by karaghiozis; his expressions became well known; language, litterature, music, political satire were inspired by him. The author presents five plays of the repertory of the shadow theater his personnal conclusions as a karaghiozis player

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Alberti, Carine. "Théâtre et philosophie dans les tragédies de Sénèque : Agamemnon, Oedipe, les Phéniciennes et Thyeste". Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040175.

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L'analyse d''Oedipe', des 'Phéniciennes', d''Agamemnon', et de 'Thyeste' dévoile rapidement une véritable originalité dans l'élaboration des tragédies sénéquiennes. Mettant les personnages au coeur des tragédies - tout comme l'homme mis au coeur des intérrogations stoi͏̈ciennes - Sénèque peint leurs erreurs et leurs passions pour mieux mettre en lumière la phase de responsabilité humaine qu'il y a dans leur existence. La fatalité et le poids du destin n'existent réellement que dans l'esprit des héros qui, dominés par leur "affectus", ne peuvent faire preuve de sagesse. Les héros sont donc résolument rendus responsables de leurs décisions et de leurs actes, pouvant ainsi faire oeuvre de liberté au sein d'un apparent déterminisme mythique. Tout l'univers tragique est ainsi modifié sous l'influence stoi͏̈cienne : les conditions tragiques du héros et de l'homme se confondent dans une liberté dont ils font le plus souvent un mauvais usage
The analysis of 'Oedipius', 'Phoenissae', 'Agamemnon' and 'Thyeste' shows Seneca's real originality in the writing of his tragedies. Focusing on the characters of his tragedies - just like man in stoic thoughts - Seneca depicts their errors and their passions to bring their own responsability to light. The burden of fate exists only in the heroes' mind, who are overhelmed with their "affectus" and can'st be wise. The heroes are therefore resolutely responsible for their decisions and their acts. So they can be free in an apparent mythical determinism. Consequently the whole tragical universe is changed by the stoic influence : hero and man's tragic conditions mingle in the freedom they often misuse

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Jovanovic, Jasmina. "Henri Maldiney : une philosophie de l'expression antithéâtrale ?" Thesis, Toulouse 2, 2020. http://www.theses.fr/2020TOU20049.

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Resumo:

Notre travail porte sur l’œuvre de Henri Maldiney et se déploie à deux niveaux. Un premier consiste à explorer la notion de « Sentir » avec Maldiney et à examiner ce qu’il considère sous le nom du pathique en résonnance avec la parole d’Eschyle « πάθει μάθος »: « l’épreuve enseigne » (Eschyle, Agamemnon, vers 177). Le second niveau s’occupe de ses nombreuses analyses de la poésie et de la peinture et interroge leur extensibilité vers le domaine des arts de la scène, à propos duquel Maldiney lui-même se prononce à peine. En écho à sa détermination de l’art comme « la vérité du sentir », la ligne de démarcation entre le théâtral et l’antithéâtral toucherait à la question de la distinction – sinon de l’ordre – entre les moments réfléchis avant d’être ressentis et les moments ressentis avant d’être réfléchis qui habitent tout art, y compris celui qui réclame la scène pour déployer ses volets. Toute expression a quelque chose de l’ordre du partage. Les questions du « comment » par rapport au « exprimer » et du « quoi » par rapport au « partager » sont celles qui battent au cœur de notre problématisation du théâtral et de l’antithéâtral dans le sillage de la philosophie de Maldiney. Dans le titre même de ce travail se posent deux questions différentes. Une question est relative à la pensée de Maldiney, à ce qu’elle exprime et à la manière dont elle le fait. À ce propos, nous analysons ses lectures de Kant, Hegel, Binswanger, Weizsäcker, Straus, Heidegger, mais aussi de Levinas. Il ne s’agit pas tant pour nous de dégager une philosophie du sentir de son œuvre que d’y reconnaître la méthodologie relative à sa pensée philosophique comme une méthodologie centrée sur le « sentir ». L’autre question invite à explorer l’impact que sa pensée peut avoir dans les pratiques contemporaines du théâtre et de l’art de la performance. Tout en prenant en compte la réception de son œuvre à l’heure actuelle, ce travail propose quelques nouveaux éléments de réflexion. Les uns concernent le texte et le contexte de la contribution de Maldiney au livre de Claude Chalaguier et de Henri Bossu « L’expression corporelle », publié en 1974. Les autres éléments procèdent de ma propre pratique artistique dans une réflexion délibérée sur mon expérience de poétesse et de la mise en scène d’une sélection de mes poèmes, précédemment présentés et commentés par Jean-Luc Nancy
Our work focuses on the work of Henri Maldiney and takes place on two levels. The first is to explore the notion of "Feeling" with Maldiney and to examine what he considers to be the “pathic” in resonance with the words of Aeschylus "πάθει μάθος" : "learning comes through suffering" (Aeschylus, Agamemnon, c. 177). The second level deals with his numerous analyses of poetry and painting and questions their extensibility to the realm of the performing arts, about which Maldiney himself hardly pronounces himself. Echoing his determination of art as "the truth of feeling", the line of demarcation between the theatrical and the anti-theatrical would touch on the question of the distinction - if not of the order - between the moments reflected upon before being felt and the moments felt before being reflected upon that inhabits all art, including that which calls for the stage to unfold its shutters. Every expression has something of the order of sharing. The questions of "how" in relation with "expressing" and of "what" in relation with "sharing" are those that beat at the heart of our problematization of the theatrical and anti-theatrical in the wake of Maldiney's philosophy. In the very title of our work, two different questions arise. One question relates to Maldiney's thinking, what it expresses and how it does it. In this respect, we analyze his readings of Kant, Hegel, Binswanger, Weizsäcker, Straus, Heidegger, but also of Levinas. It is not so much a question for us of identifying a philosophy of feeling in his work as of recognizing the methodology of his philosophical thought as a methodology centered on "feeling". The other question invites us to explore the impact that his thought can have in contemporary practices of theatre and performance art. While taking into account the reception of his work at the present time, this work proposes some new elements for reflection. Some of them concern the text and the context of Maldiney's contribution to the book by Claude Chalaguier and Henri Bossu "L'expression corporelle", published in 1974. The other elements come from my own artistic practice in a deliberate reflection on my experience as a poetess and the staging of a selection of my poems, previously presented and commented by Jean-Luc Nancy
Nuestro trabajo se centra en la obra de Henri Maldiney y se despliega en dos niveles. En el primero exploramos la noción de Sentir y examinamos lo que el autor comprende bajo el título de lo pático, en resonancia con la fórmula de Esquilo πάθει μάθος: "la prueba enseña" (Esquilo, Agamenón, verso 177). En el segundo nivel nos ocupamos de los numerosos análisis de Maldiney entorno a la poesía y la pintura. Interrogamos igualmente la posibilidad de extender estos análisis al campo de las artes escénicas, sobre la base de que Maldiney mismo trató muy escasamente dicho campo. En eco con la determinación del arte realizada por el autor como "verdad del sentir", la línea de demarcación entre lo teatral y lo antiteatral se encontraría ligada a la distinción entre los momentos reflexionados antes de ser sentidos y los momentos sentidos antes de ser reflexionados que habitan toda forma de arte, incluida aquella forma que necesita del escenario para desarrollar por completo sus facetas. Toda expresión implica un cierto compartir y son las preguntas entorno del cómo del expresar y del qué del compartir las que constituyen el corazón de nuestra problematización de lo teatral y lo antiteatral en la filosofía de Maldiney. En el título mismo de nuestro trabajo, surgen dos preguntas diferentes. La primera se relaciona con el pensamiento de Maldiney, con lo que expresa y cómo lo hace. En este sentido, analizamos sus lecturas de Kant, Hegel, Binswanger, Weizsäcker, Straus, Heidegger y Levinas. Para nosotros, no se trata tanto de derivar de su obra una filosofía del sentir, como de reconocer en ella la metodología de su trabajo filosófico en tanto que metodología centrada en el sentir. La segunda pregunta nos invita a explorar el impacto que su pensamiento puede tener sobre el teatro contemporáneo y sobre el arte de la performance. Tomando en cuenta la recepción actual del trabajo de Maldiney, ofrecemos nuevos elementos de reflexión que provienen principalmente de dos fuentes. La primera es el texto y el contexto de la contribución de Maldiney al libro de Claude Chalaguier y de Henri Bossu L’expression corporelle, publicado en 1974, y la segunda es mi propia práctica artística en una reflexión deliberada sobre mi experiencia como poeta y directora de la puesta en escena de mis poemas, previamente presentados y comentados por Jean-Luc Nancy

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Wiame, Aline. "L'esthétique de la défiguration dans l'écriture théâtrale du vingtième siècle et ses implications philosophiques". Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209750.

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Notre thèse entend développer des concepts « théâtraux », abondants dans la littérature philosophique, en les confrontant aux stratégies représentatives mises en œuvre dans l’écriture théâtrale. Les devenirs de cette rencontre entre philosophie et théâtre sont intimement liés à un processus scénique de défiguration, comprise comme épreuve plastique des figures et de ce qui les excède. En prenant toujours comme point de départ les questions posées par des textes théâtraux et en nous centrant sur leur résonance avec la philosophie française contemporaine, nous avons élaboré divers outils conceptuels afin de cartographier ce travail commun du théâtre et de la philosophie par la défiguration.

Notre premier chapitre prend appui sur les textes Matériau-Médée et Hamlet-Machine de Heiner Müller pour analyser les rapports entre mythes et figures ainsi que les critiques de la représentation qu’implique leur mise en scène. Ces questions nous incitent à aborder les processus de démythologisation à l’œuvre dans la pensée critique de la première Ecole de Francfort, et leur reprise par Philippe Lacoue-Labarthe sous le concept de « défiguration ». Nous montrons que cette défiguration est toujours, chez Philippe Lacoue-Labarthe, affaire de scène et de théâtre. Nous sommes amenée à élaborer le concept de dé-dramatisation pour saisir la portée d’une telle pensée philosophique et de ses implications artistiques, à la croisée entre l’histoire du théâtre et celle des pratiques conceptuelles.

Dans un deuxième chapitre, nous nous affrontons directement à la conceptualisation de la notion de « scène » à partir des contradictions du « théâtre de parole » créé par Pasolini. Nous approchons la scène à travers le champ de la liturgie et de l’esthétique chrétiennes, et à travers celui de l’image cinématographique (dans une réévaluation du « vieux problème » de la différence entre théâtre et cinéma). Nous définissons la scène comme dispositif de monstration des conditions de possibilité d’un « partage du sensible », selon le concept créé par Jacques Rancière. Nous examinons, notamment à travers les travaux d’Esa Kirkkopelto, comment une telle scène travaille la philosophie entre schème et concept (de Wittgenstein à Althusser et de Nietzsche à Derrida), inventant ainsi une théâtralité de la pratique conceptuelle.

Notre troisième chapitre analyse les phénomènes de dédoublement des rôles chez Pirandello, Genet et Müller pour revisiter les fonctions de la « scène psychique » ainsi que de tout le lexique théâtral qui structure l’approche psychanalytique de l’inconscient. Nous proposons de penser la théâtralité à l’œuvre dans la construction de la personnalité en fonction d’une subjectivité « scéno-cartographique » dont l’impact thérapeutique a été éprouvé, notamment, par la psychiatrie institutionnelle.

Enfin, dans un dernier chapitre, nous nous laissons guider par le théâtre de Samuel Beckett pour définir l’agencement qui se tisse entre théâtre et philosophie, grâce à la défiguration comme opérateur conceptuel. A travers le « faire » dramatique et sa crise, nous interrogeons la manière dont la question de l’action a été posée par l’histoire de la philosophie. Nous examinons les usages que font Deleuze et Souriau du terme de « dramatisation » et de son impact dans le développement des dimensions virtuelles de l’expérience. Nous évaluons ce qu’apporte la pratique de l’acteur aux modes d’attention philosophiques, et nous proposons de comprendre les rapports du théâtre et de la philosophie en fonction du concept d’ « incorporation ». Nous concluons en démontrant que la prise en compte de l’expérience de la scène théâtrale dans et par la philosophie est une condition sine qua non au façonnement d’une théorie croisant études visuelles et conceptualisation de la représentation par l’image et par l’action. Nous déjouons ainsi toute tentation iconoclaste, en travaillant les dimensions de mouvement et de temporalité que la scène permet de saisir.

Doctorat en Philosophie
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Garello, Hélène. "Le théâtre de la vérité chez Shakespeare". Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H222/document.

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Notre étude s'attache à interroger les rapports entre rationalité philosophique et théâtrale dans l’œuvre de Shakespeare, et à montrer comment la théâtralisation peut contribuer à la conception de l'idée vraie. La métaphore du théâtre du monde permet d'exprimer un doute quant à notre capacité de connaître. De même qu'au théâtre, tout n'est que feinte et apparaître illusoire, il se pourrait que nous ne puissions jamais atteindre l'être des choses, mais seulement une apparence mensongère. Cependant, nous ne lisons pas ici dans le texte shakespearien un appel au scepticisme, mais le lieu de construction d'une pensée critique. Notre propos est de soutenir que le discours vrai requiert le travail de l'illusion, parce que la vérité ne peut pas être simplement dévoilée, qu'elle exige d'être mise en scène, jouée, afin d'être comprise, et que l'illusion théâtrale peut être véridique. Nous cherchons ici à analyser les différents outils propres au théâtre, qui lui permettent de dire aussi bien les difficultés à atteindre le vrai, que les conditions qui permettent de le faire. Notre travail renvoie ainsi à trois enjeux, épistémologique (quelle conception de la vérité se dégage du texte shakespearien ?) ; historique (comment cette conception peut-elle nous permettre de concevoir la formation à l'âge classique d'un modèle de représentation rationnelle de la vérité ?) et méthodologique (quelle approche la philosophie peut-elle faire des textes dramatiques, et que peut-elle en attendre ?). Nous cherchons ainsi à évaluer comment le théâtre, comme spectacle, peut servir de modèle à une pensée critique et distanciée, capable de saisir l'apparaître du monde dans sa rationalité
Our purpose is to question the relationship between philosophical and theatrical rationality in Shakespeare's work, and to show how dramatization can contribute to the conception of a true idea. The metaphor of the world as a theater enables one to express a doubt related to one's capacity to knowledge. Since everything in theater is guise, semblance and illusion, one could expect not to be able to reach the reality of things – never getting beyond mendacious appearance. Nevertheless, in Shakespeare's plays there is no plea for skepticism, but rather stage is set for the development of a critical thought. Our argument is to sustain that true discourse requires the work of illusion, since truth cannot be simply unveiled, but needs to be staged and played out to be understood, and that theatrical illusion can be truthful. We intend to analyze the different tools specific to theater, which enables it to tell not only the difficulties inherent in reaching the truth, but also the conditions necessary to do so. Our work refers to three viewpoints, the first being epistemological (what conception of truth can be inferred from Shakespeare's plays?) ; the second historical (in what way does this conception help us understand how a model for the rational representation of truth was founded during the modern age?) ; methodological (how can philosophy approach dramatic texts, and what can be expected from this approach?). We intend to assess in what way theater, as a display, can be used as a model for critical, distanced thought, capable of grasping the appearance of the world as a rational phenomenon

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Saccomano, Olivier. "Le théâtre comme pensée". Thesis, Aix-Marseille 1, 2011. http://www.theses.fr/2011AIX10148.

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Ce travail se propose une double tâche : penser l’expérience théâtrale à partir de ses coordonnées internes et, partant de là, voir à quelles conditions elle peut constituer une expérience de pensée. Dans la première partie, nous procédons à une analyse praxéologique de la situation théâtrale (ses termes, sa numéricité, son unité) qui met à jour l’articulation de deux dimensions (poïétique et pratique) auxquelles sont diversement noués chacun des termes de cette expérience triadique (« acteurs », « public » « texte »). Cette analyse s’efforce de mettre à jour ses propres procédés méthodologiques et de les confronter à d’autres. La seconde partie, plus nettement prescriptive, propose l’examen de trois opérations du théâtre, envisagées comme ses opérations de pensée. Ces opérations sont coextensives à l’expérience et appuyées aux conditions pratiques que la situation dispose : la première opération, portant sur l’objet de la pensée théâtrale, indique comment le théâtre peut faire vérité sur des situations d’hétérogénéité (amour, inimitié) en les convertissant à la tenue d’une action infinie et partagée ; la seconde, partant du régime de la répétition dont la situation se soutient, consiste en l’advenue, comme mode de la pensée théâtrale, d’une relation de crédibilité ; la troisième donne pour fin (finalité) à la pensée théâtrale la suspension de l’individualité en l’insérant dans un système de mises où se mesure, à partir d’une « mise » en commun, la situation historique de l’assemblée
This work intends to meet a double task : consider the theatre experience starting from its internal references and, from there on, see in what conditions it can form a thought experience. In the first part, we carry out a praxeological analyses of the theatre situation (it’s terms, numerical aspect, unity) revealing the articulation between two dimensions (poïetical and practical) to which are variously linked each of the terms of this triadic experience («actors » - «public» - «text»). This analysis strives to reveal its own methodological processes and check them against others. The second part, more distinctly prescriptive, puts forward the study of three theatre operations, considered as its thought operations. These operations share extensions with experience and rely on the practical conditions laid by the situation : the first operation, bearing on the object of theatrical thought, points out how theatre can make truth on heterogenous situations (love, enmity) by converting them to holding an endless or shared action ; the second operation, based on the repetition scheme where the situation is self-sustaining, consists in the happening, as theatrical thought mode, of a credibility relationship ; the third gives as theatrical thought end (finality) the suspension of individuality by inserting it in a stake system where one can mesure, using a shared « stake », the historical situation of the gathering

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Girardin, Catherine. "La philosophie de l'histoire par le théâtre dans l'oeuvre de Johann Gottfried Herder (1764-1774)". Thesis, Paris 10, 2020. http://www.theses.fr/2020PA100043.

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Cette thèse étudie comment Johann Gottfried Herder mène une réflexion sur la conceptualisation, l’écriture et les fonctions de l’histoire dans un même mouvement en philosophie de l’histoire et en théâtre. L’interdisciplinarité caractéristique de l’œuvre de l’auteur et l’intégration de l’esthétique et des arts dans sa pensée de l’histoire dans le cadre de l’historisme allemand (Historismus) sont des facteurs qui contribuent à faire de ses propres œuvres dramatiques un espace de réflexion sur l’expérience individuelle et collective du passé, ainsi que sur la position objective et subjective de l’auteur, tant l’historien que le dramaturge. Cette thèse s’applique à regarder non pas seulement dans quelle mesure le théâtre de Herder peut être caractérisé d’ « historique », c’est-à-dire, comment il raconte l’histoire et à quel point il lui est fidèle, mais plus particulièrement comment les deux types ou ethos d’écriture, historique et dramatique, s’influencent chez l’auteur de 1764 à 1774, dans quatre pièces – incluant plans et fragments – dont deux ont été publiées. Le geste de représentation, commun aux récits dramatique et historique, discuté d’un côté en philosophie de l’histoire et en esthétique ; et de l’autre, mis en pratique dans la dramaturgie, est une pierre de touche de l’hypothèse principale de cette thèse, selon laquelle Herder, en écrivant du théâtre, écrit par le fait même une philosophie de l’histoire
This dissertation studies how Johann Gottfried Herder reflects on the conceptualization, writing and functions of history in the same movement in philosophy of history and theatre. The interdisciplinarity characteristic of his work and the integration of aesthetics and arts in his understanding of history within the framework of German historicism (Historismus) are factors that contribute to making his own dramatic works a space to reflect on the individual and collective experiences of the past, as well as on the objective and subjective position of the writer, both the historian and the playwright. This dissertation strives to look not only at how Herder’s theatre can be characterized as “historical”, that is, how it tells history and how faithful it is to it, but more particularly at how the two types or ethos of writing, historical and dramatic, influence each other in the author’s work between 1764 and 1774, and in four plays – including outlines and fragments – out of which two have been published. The act of representation, common to both dramatic and historical narratives, discussed on one side in philosophy of history and aesthetics, and on the other, put to practice in playwriting, is a touchstone of the main hypothesis of this dissertation, according to which Herder, by writing theatre, writes a philosophy of history

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Levin, David. ""Sans Everything" : le néant dans le théâtre de William Shakespeare". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030119.

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Cette thèse analyse les manières dont Shakespeare propose une expérience du néant dans son théâtre d’un point de vue à la fois littéraire et philosophique, et étudie les effets dramatiques que cette notion permet ainsi que les structures philosophiques qui les sous-tendent. Cet effet de néant est produit de trois manières. Premièrement, le style négatif et paradoxal de l’auteur brise souvent l’illusion théâtrale. En second lieu, les notions de néant pur et de néant moral surgissent des nombreuses évocations d’un monde de mutabilité, sans valeur, en déclin, abandonné des dieux et au bord de l’annihilation. Enfin, l’insistance sur le thème du néant de l’homme – à cause de son identité instable et de sa raison faillie – présente le monde fictif comme un objet de jugement impossible, tant pour les personnages et les spectateurs. La notion de néant devient ainsi une caractéristique importante de l’ontologie du monde fictif : par une série d’évocations de l’annihilation, de la perte de valeur, et de l’impossibilité logique, Shakespeare suggère que ce monde est aussi impensable, aussi vaste et pourtant aussi vide que le néant. Cependant, cet usage du néant n’est pas purement négatif, mais plutôt apophantique, car il attise la curiosité du spectateur en même temps qu’il moque son jugement, et invite à une réinterprétation sans fin
This thesis analyses the way Shakespeare creates an experience of nothingness in his theater from a literary and philosophical perspective, studying both the dramatic effects that the notion allows and the philosophical structures which underpin them. This impression of nothingness is achieved in three ways. Firstly, the author’s negative and paradoxical writing style frequently shatters the theatrical illusion. Secondly, the notions of pure or moral nothingness arise from the recurring implication that the fictional world is worthless, mutable, in decline, abandoned by the gods, and on the brink of annihilation. Finally, the insistence on the theme of man’s nothingness – his unstable identity and fallen reason – seems to present the fictional world as an impenetrable cipher both for the characters and the spectators. Thus, the concept of nothingness becomes an important characteristic of the ontology of the plays’ fictional worlds: through a series of representations of annihilation, loss of value, and logical impossibility, Shakespeare suggests that these worlds are as unthinkable, as vast andyet as empty as nothingness itself. However, this use of nothingness is not purely negative, but rather apophatic, as it arouses the spectator’s curiosity just as it mocks his judgment, and opens the possibility of endless reinterpretation

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Nowrousian, Schirin. "Vers une idée de la scénophonie : un parcours à travers Gilles Deleuze et Félix Guattari ainsi que, notamment, Samuel Beckett et Morton Feldman". Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040277.

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La notion de « scène » étant, comme le montre Esa Kirkkopelto dans son livre Le théâtre de l’expérience – Contributions à la théorie de scène, un concept-limite qui deviendrait distinguable de nos jours à cause de ou grâce à un certain effacement du théâtre, nous voilà étrangement confrontée à l’un de ses pans qui est celui du son et de la musique. Car si la scène semble aussi et surtout à voir avec le théâtre en ce qui concerne son côté optique, quel serait son rapport au sonore, et avec celui-ci, à la voix et à la musique, mais aussi au temps et à l’espace ? Cette recherche tâche de poursuivre ce questionnement en une étude kaléidoscopique qui sollicite, d’un côté, une partie de la philosophie de Deleuze et Guattari (notamment dans Mille plateaux) et ce qu’a pu formuler Sartre dans son livre L’imaginaire, et, de l’autre, l’enquête de certaines œuvres artistiques choisies de Beckett et de Feldman, mais aussi, de façon très ciblée, de Rilke et de Jaccottet. Dans ce parcours à maintes résonances, le projet était et est une première mise à l’épreuve de la notion de scénophonie vers laquelle la présente étude se dirige, mais qui en même temps lui a permis de se mettre en route ainsi que de poursuivre. Il s’agit d’une contribution aux recherches et aux sciences de la scène
The notion of « scene » being, as has been shown by Esa Kirkkopelto in his book Le théâtre de l’expérience – Contributions à la théorie de scène, a concept-limite (a limit-concept) which becomes distinguishable nowadays because of or thanks to a certain seclusion of theatre, puts us in front of one of its threads which is the one of sound and of music. Because the scene, if it seems to also and mainly deal with theatre as for being concerned by its optical side, what about its relation to and with sound, and thus to and with voice and music, but also time and space ? This thesis project intends to follow up this problem in a kaleidoscopic study which, on one side, mobilizes some of the philosophy of Deleuze and Guattari (especially as to be found in Mille plateaux) as well as what Sartre has been able to formulate in his book L’imaginaire, and, on the other side, the investigation of some chosen artistic oeuvres by Beckett and Feldman, but also two texts of Rilke and Jaccottet. On this line of multiple resonances, the project put and puts to prove of value the notion of scénophonie (scenophony) towards which it runs, but which at the same time has allowed it to come into existence and to pursue. It is a contribution to the research and science of the scene

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Noury, François. "Duchamp, le regardeur et la scène de l'art : un théâtre dada". Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA083675.

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Dada naît sur scène, en cet instant où le poème simultané, dans l’entrelacement imprévisible des voix des acteurs et des spectateurs, dissout la mise à distance signifiante de la représentation au profit d’un autre type de rencontre. Par ailleurs, Marcel Duchamp, fidèle sa vie durant à l’esprit dada, propose dans sa dernière œuvre, « Étant donnés : 1° la chute d’eau, 2° le gaz d’éclairage », un dispositif dont la théâtralité énigmatique invite le regardeur à faire l’expérience de cet autre rapport à l’art. La recherche présente consiste en une approche simultanée du théâtre dada et de la dernière œuvre de Duchamp, visant une éthologie de la rencontre dada. Cette approche théorique est elle-même simultanée à une expérimentation théâtrale effectuée avec des étudiants du département théâtre de l’Université Paris 8 et dont témoigne un film ainsi qu’un recueil de manifestes théâtraux inspirés par dada.

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Naud, Elisabeth. "Le fragment comme théâtralité : le fragment, cet arlequin du langage nous séduit, nous étonne et nous charme, mais disparaît à nos yeux quand il enlève son masque". Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081711.

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Le phenomene de fragmentation qui s'est de plus en plus repandu tout au long du 20eme siecle dans le domaine des arts, semble difficilement compatible avec une des fonctions principales du theatre a savoir : celle de la communication sociale pour les sujets de culture et de moeurs. Il s'avere en effet que celle-ci est par ce mode d'expression tres menacee en cette fin de siecle. Aussi apparait-ilnecessaire d'elucider plus en profondeur la nature de l'expression fragmentaire au theatre et ses rapports avec la theatralite, soit "le fragment comme theatralite". Nous avons opte pour une approche phenomenologique de ce qui au depart etait assez flou, a savoir la notion de fragment et celle de theatralite, cela sans nous attacher au domaine exclusif du theatre mais a celui de la vie en generalet des arts en particulier. Notre reflexion se developpe en trois parties : phenomenologie de la fragmentation et de la theatralite, modernite espace de rencontre , vivre la mort de dieu. Dans ces trois parties, en nous appuyant sur l'esthetique englobante de f. Nietzsche, nous avons tente de theoriser l'espace theatral, d'en montrer la genese et le fonctionnement. L'evolution de l'espace tragiquenous a permis de constater que la mimesis est la creation de la conscience imageante et que le fragment n'est pas un phenomene propre et exclusif a/de de la periode contemporaine, mais le signe persistant de notre avancee chancelante au coeur de la mort de dieu.

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Kwon, Hyun-Chung. "Espace et mise en scène : approche analytique et esthétique du vide et du plein". Paris 10, 2000. http://www.theses.fr/2000PA100005.

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Chang, Joon Hwhan. "La dérision et la condition humaine dans le théâtre de Samuel Beckett". Limoges, 1999. http://www.theses.fr/1999LIMO2007.

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Bachelet, Michel-Pierre. "Etudes sur les règles de l'art oratoire suivies d'une esquisse d'anthologie raisonnée de scènes de théâtre de langue française". Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030179.

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On s'accorde aujourd'hui pour deplacer l'unite de compte de la signification des actes de langage de l'enonce vers l'enonciation et de l'enonciation vers l'activite conjointe d'un locuteur et d'un interlocuteur. Ce point de doctrine peut-il rester sans incidence sur l'analyse de certains procedes phonetiques et prosodiques ? partant des acquis les plus recents de la philosophie du langage en pragmatique, les presentes etudes se proposent d'en tirer certaines consequences pratiques au plan de cet aspect particulier de la rhetorique que l'on nomme "l'action oratoire", i. E. L'acte de dire un discours a voix haute. En engageant la linguistique sur la voie d'une conception etendue de l'enonciation, l'approche pragmatique du langage conduit a decrire les phenomenes de diction et d'elocution sous le rapport qu'ils entretiennent avec la signifiance du discours, i. E. Avec les differents types d'interactions discursives consideres sous l'angle de leur degre de dialogisme interne. Un certain nombre de modulation de la voix peuvent alors se laisser definir comme des schemes capables de rendre perceptible a l'imagination une structure abstraite, en l'occurrence discursive et argumentative, structure avec laquelle ces schemes entretien, nent une relation qui n'est pas fortuite mais en rapport avec l'orientation plus ou moins convergente des discours. Les regles de l'art oratoire cessent dans cette optique de se presenter comme de simples figures ou ornements de la signification, uniquement determines par des preoccupations "stylistiques" ou sociologiques. L'opposition entre la modalite "causante" et la modalite "declamante" de la parole vive trouve dans cette perspective un debut d'eclairage, propre a confirmer au plan anthropologique la pertinence d'un principe dialogique construit sous l'autorite du primat accorde a la relation interpersonnelle sur fond de preoccupations referentielles
Every one agrees today to transfer the emphasis of meaning elements of the speech acts from the enunciate towards the enunciation, and from the enunciation to the commune activity between a locutor and an interlocutor. Can such a doctrinal point not affect the analysis of some phonetic and prosodic mecanisms ? using as a starting point the most recent acquisitions of the philosophy of langage in the field of pragmatics, this dissertation intens to draw somme particular conclusions related to this particular aspect of rhetorics known as "oratory art", i. E. The act of speaking out a discourse. The commitment of linguistics in the field of an extended conception of enuncia, tion within the framework of a pragmatic approach of langage leads to describe the diction and elocution mecanisms in connexion with discourse signifying, i. E. In respect with the different types of discursive strategy's actuated by their internal dialogism degree. A certain number of voice modulations can then be analysed as "schemas" capable of making abstact sructures perceptible to imagination. These abstract structures, both discursive and argumentative, are connected to the more or less converging orientation of discourses, witch is in no way accidental. The rules of oratory art, thus cease to appear as mere figures and flowers of speach, solely determinded by stylistic and sociological concerns. The contrast between the polemic mode of talking and the dialogic mode of de, clamation of person who speaks can be enlightened in this perspective. Such an angle confirms, at the anthropological level, the relevance of a dialogical principle instituted under the primacy of the the interpersonnal relationship in relation with referential concerns

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Murakami, Giroux Sakaé. "Zeami et sa conception du théâtre : d'après ses entretiens sur le Sarugaku". Paris, INALCO, 1988. http://www.theses.fr/1988INAL0003.

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La 1e partie, intitulée "Zeami, artiste de Sarugaku" évoque l'environnement politique, social et artistique du Sarugaku, la longue existence de Zeami et l'entourage de celui-ci. Dans les 3 derniers chapitres, elle traite de Zeami auteur de pièces et théoricien, en mettant l'accent sur l'évolution des idées de l'auteur en fonction de son art. La 2e partie s'organise autour de la traduction pour la 1e fois en langue françaises des entretiens sur le Sarugaku, notes recueillies par Motoyoshi à la suite de conversations avec son père, alors dans sa soixantième année. Ce traité concerne un large éventail de sujets et nous révèle un Zeami plus humain que le sstrict théoricien des traités précédents. Etant donné le nombre d'allusions faites à sa pratique et à celle de ses devanciers, la traduction est accompagnée de notes, explications et suppositions. Un commentaire reprend et prolonge l'analyse des théories de Zeami à la lumière de ces entretiens.

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Jugnon, Alain. "Le théâtre du vivant : matière et mouvement dans la philosophie de la vie de Nietzsche et Simondon". Lyon 3, 2000. http://www.theses.fr/2000LYO31005.

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A partir du couplage des categories issues de la pensee de gilbert simondon concernant la technique et la vie et du concept fondamental du nietzscheisme de volonte de puissance, cette these veut presenter, mettre en tableau et en scene, l'individuation du vivant en tant que mode et principe d'une biophilosophie qui etablit clairement sa dette envers une pensee du theatre et de l'espace. Il s'agit alors, en etudiant successivement theatre des matieres, theatre des geneses et theatre des vivants, de conduire un questionnement de la vie en tant que telle, comme plan d'immanence, et du vivant-homme, comme "personnage conceptuel"; ce questionnement s'articulant selon un double point de vue : ontobiologique (etre et vie) et ontogenetique (etre et devenir). Un theatre du vivant s'instaure ainsi qui, de tableau de la vie en tableau de la vie, definit topologiquement et genealogiquement les conditions d'elaboration d'un materialisme genetique, ente point par point sur les philosophies de la vie de nietzsche et simondon. C'est essentiellement la pensee de gilles deleuze qui, fondant puis etayant le lien, permet, tout au long de cette these, de valider philosophiquement la "ligne de fuite" conceptuelle combinant approche simondonienne du reel et vision nietzscheenne du monde.

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Thiéblemont, Caroline. "L’Esthétique du cynisme dans le théâtre contemporain". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA148/document.

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L’hypothèse d’une esthétique du cynisme dans le théâtre contemporain s’appuie sur un constat empirique : au sein d’un théâtre qui s’autoproclame bien souvent politique, sans néanmoins se revendiquer d’une quelconque idéologie, la scène contemporaine européenne voit se développer, depuis la fin des années quatre-vingt, bon nombre de textes et de spectacles qui, par l’intermédiaire des personnages qu’ils mettent en scène ou des situations qu’ils présentent, expriment un point de vue cynique sur le monde. Dans un mouvement global caractérisé par le regain d’intérêt des auteurs envers des thématiques tirées du réel, ce cynisme affleurant dans les œuvres semble traduire un désintérêt des individus pour le politique, une indifférence du sujet pour le devenir du collectif. En prenant en considération la double acception du terme « cynisme », qui fait à la fois référence au mouvement de philosophie grecque dont la postérité a retenu Diogène de Sinope pour représentant et au comportement d’un individu sans scrupules, prêt à tout pour parvenir à ses fins, y compris à s’affranchir de la morale et des conventions, ce travail croise approches dramaturgique, historique, philosophique et sociologique pour explorer les différentes ramifications du cynisme dans le théâtre contemporain, ainsi que ses caractéristiques principales. Tantôt preuves d’un esprit – inconsciemment, parfois – conservateur, tantôt signes d’une vivacité subversive intacte, les éléments constituant l’esthétique du cynisme forment une galaxie éparse, imprimant insidieusement sa marque dans le théâtre européen contemporain
The hypothesis of an aesthetics of cynicism in contemporary theatre is based on an empirical observation: while theatre often proclaims itself as political, without claiming any ideology, a lot of contemporary European texts and performances since the end of the eighties express a cynical point of view on the world through the characters that they stage or the situations that they present. Appearing in the midst of a more general movement characterized by the renewed interest of authors towards themes drawn from reality, the cynicism that surfaces in the artworks seems to reflect people’s waning interest in political matters, and the subject’s indifference towards the future of the community.Taking into consideration the dual meaning of the term "cynicism", which refers both to the Greek philosophy movement, of which Diogenes of Sinope has been retained as representative, and to the behaviour of an unscrupulous person who would do anything to achieve their purposes, including breaking free from morality and conventions, this thesis intersects dramaturgical, historical, philosophical, and sociological approaches to explore the different ramifications of cynicism in contemporary theatre, as well as its main features. Sometimes the manifestation of a – possibly unconsciously – conservative spirit, sometimes the signs of an untouched subversive vivacity, the elements constituting the aesthetics of cynicism form a sparse galaxy, insidiously imprinting its mark onto contemporary European theatre

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Cheaib, Diana. "Entre tradition et modernité : le corps des femmes libanaises comme théâtre du malaise". Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070075.

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Cette étude aborde, avec les outils de l'anthropologie psychanalytique et dans une approche pluridisciplinaire, une des figures du malaise de la culture chez les femmes dans la société libanaise, divisée entre tradition et modernité, qui les place dans une situation conflictuelle entre des idéaux contradictoires. Notre méthodologie croise enquête statistique, observations et entretiens cliniques pour une population de 164 femmes de confessions chiite, sunnite, maronite et orthodoxe sur trois générations. Le corps des femmes se révèle être un moyen d'expression privilégié du malaise, son théâtre : symptômes somatiques, corps exhibé, corps dissimulé sous le voile, transformé par les interventions esthétiques, jusqu'au destin extrême des mères infanticides et des mères de martyrs. Revisiter le savoir freudien pour dégager des concepts pertinents comme le surmoi de la culture, la théorie de la féminité, et la théorisation du vouloir-femme de Paul-Laurent Assour. A été déterminant pour explorer les enjeux inconscients qui sous-tendent cette orchestration du malaise par le corps
This study tackles through psychoanalytical anthropology tools and a multidisciplinary approach an aspect of the cultural discontents revealed by women in the lebanese society that is tomed between tradition and modernity and places women in a contentions situation between conflicting ideals. Our methodology combines statistical inquiries, observations and clinicat interviews conducted among 164 women from four different confessions, shiite, sunni maronite and orthodox and belonging to three generations. Women's body turnes out to be the favourite mean of expressing their discomfort, the theatre of discontent: somatic symptoms, exposed body, hidden body under a veil, transformed body by cosmetic surgeries, reaching the extreme fate of infanticide mothers and mothers of martyrs. Reviewing the Freudian theories to mach relevant concepts such as the cultural superego and the feminin theory as well as woman willing theorization of Paul-Laurent Assoun was crucial to explore the unconscious stakes that underlie the orchestration of the discontent through the body

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Amir, Amal. "La poétique de l'Absurde dans le théâtre de Jean Tardieu". Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040025.

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La poétique de l'absurde dans le théâtre de Jean Tardieu. Notre étude comporte trois parties, chaque partie contient deux chapitres. La première partie intitulée : l'absurde à travers, ce qui est emprunté aux autres dramaturges absurdes ainsi que les nouveaux procédés d'écriture et de discours théâtral. La deuxième partie est l'étude du rapport entre le langage de Tardieu et son personnage : l'absurde émane-t-il du personnage ou bien du langage ? On montre que le langage est le pivot dans l'absurdité de son théâtre; cette absurdité du langage jour un rôle dans la communication ou la non communication du message tardien soit entre personnahe et personnage soit entre personnage et public. La troisième parite étudie la subjectivité langagière de Tardieu, la manière dont elle le rapproche ou l'éloigne du linguiste, l'influence qu'elle exerce sur la possibilité de traduire et la variété des traductions possibles de son texte théâtral
The poetic of absurd in the theatre of Jean Tardieu. Our study comprises three parts, each part contains two chapters. The first part entitled : l'absurde through the language of Jean Tardieu, tries to determine the objectif essence of its writing, they used tools and the processes of the absurd language, which is borrowed from the other absurd playwrights as well as the new processes of written, and of theatrical speech. The second part is the study of relationship between the language of Tardieu and its character. The absurd does it emanate of the character or of the language ? It is shown that the language is the pivot in absurdity of its theatre : this nonsense the language plays a part in the communication of subjectivity of Tardieu, the way it puts together or keeps it away from the linguist. What's influence exerts on the possibility of translating and the variety of the possible translations of its theatrical text

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Besson, Olivier. "Histoires d'instants passés : le travail théâtral". Paris 10, 1993. http://www.theses.fr/1993PA100129.

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Ambassa, Marie-Thérèse. "Langage-société-imaginaire : le théâtre populaire francophone au Cameroun (1970-2003) : thèse". Nice, 2005. http://www.theses.fr/2005NICE2010.

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Le théâtre populaire francophone au Cameroun, nouvelle forme de littérature orale naît de la rencontre du français et des langues camerounaises. Il est le produit de l'imagination des auteurs dont les pionniers sont : D. Ndo (Otsama), D. Afana Ebogo (J. M. Kankan), D. Kemseu (Dave K. Moktoï) et Essindi Mindja. L'imagination de ces auteurs et l'imagination collective constituent le langage de ce théâtre à travers lequel se révèle la société camerounaise. Notre recherche se propose d'étudier les rapports qui peuvent exister entre le français et le Cameroun d'aujourd'hui. Elle met en valeur la spécificité d'un français du Cameroun actuellement. Notre travail comprend trois axes : la transcription des pièces, des analyses ou des interprétations et les résultats de la rencontre énoncée (la langue française ré - actualisée et la réception). L'apport de l'anthropologie, de la sociologie, de la mythocritique de G. Durand, des théories sur le théâtre de A. Ubersfeld, de J. J. Roubine et les études de A. Martinet entre autres contribuent à la clarté de l'analyse littéraire
The French-speaking popular theatre in Cameroon is a new form of oral literature born from the encounter of French and Cameroonian languages. It is the product of the imagination of pioneer authors such as D. Ndo (Otsama), D. Afana Ebogo (J. M. Kankan), D. Kemseu (Dave K. Moktoï) and Essindi Mindja. The imagination of authors associated with the collective imagination constitute the language of this theatre that reflects the Cameroonian society. This research reveals the specificity of the French language currently used in Cameroon. Our work is divided into three parts : the transcription of plays, their analysis or interpretation, and the results of the encounter (the re-actualized French language and reception). The contributions of anthropology, sociology, mythocriticism of G. Durand, theories of the theatre of A. Ubersfeld, J. J. Roubine and works of A. Martinet, among others contribute to the clarity of the analyses

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Chaurand-Teulat, Anne. "Journalisme, théâtre, récit : écritures du témoignage et de la distanciation dans l'oeuvre d'Albert Camus". Clermont-Ferrand 2, 2004. http://www.theses.fr/2004CLF20001.

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Réorganiser l'oeuvre camusienne en gardant la notion de triptyque chère à l'écrivain, mais en intégrant au théâtre et au récit le journalisme, ouvre de nouvelles perspectives et permet de découvrir dans les articles, la source de l'écriture littéraire. Les trois styles se complètent malgré les divergences stylistiques et l'opposition apparente entre témoignage et distanciation : les écrits journalistiques s'engagent en négligeant parfois l'objectivité, tandis que les récits et les pièces de théâtre aménagent la réalité, mettent en scène un réel idéalisé qui compense les désillusions de Camus devant l'Histoire. Une certaine unité émerge de la confrontation des trois genres : elle repose sur la volonté de témoigner jusqu'au bout, jusque dans les silences et la distance que Camus prend devant le monde et lui-même
Reorganizing Camus' work by keeping the notion of triptych dear to the writer, but also by integrating a journalistic dimension to theater and telling, adds viewpoints and makes it possible to find in newspaper articles the origine of literary writing. The tree styles complete each other in spite of stylistic divergences and the apparent conflict between testimony and distance : journalistic writings are engaged but sometimes neglect objectivity, whereas tellings and theater plays present an idealistic reality which makes up for Camus' disillusions with History. The confrontation of the three styles ends up in a certain unity which lies on the will to testify, even through silences and the distance Camus keeps from the world and from himself

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Misdolea, Ana-Maria. "Dies peruorsus. Vision et visible dans le théâtre de Plaute : enjeux dramatiques, médicaux et philosophiques". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL159.

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La tromperie dans le théâtre de Plaute repose souvent sur l’articulation entre vision et visible. Le spectacle tient une grande place dans le ludus romain et Plaute accentue le jeu sur la sensorialité dans son texte. Mais le contexte intellectuel de la période hellénistique, dans lequel ont été composées les pièces grecques dont s’inspire Plaute, invite à une relecture de la tromperie, en lien avec l’erreur. L’examen du lexique de la vision fait émerger des situations dans lesquelles le regard est engagé. Est affirmée par les personnages, et tout à la fois remise en question, la confiance accordée à la vue. L’analyse du Miles gloriosus, dans lequel l’esclave trompeur déclare jeter une glaucuma sur les yeux de celui qu’il berne, révèle un schéma dont nous nous demandons s’il est pertinent pour les autres pièces de Plaute : tout en offrant à la vue un objet fallacieux, le trompeur sape la confiance du trompé dans l’évidence visuelle. Nous étudions alors les causes d’altération de la perception, qui figurent dans l’arsenal sceptique grec (ivresse, folie, rêve) puis envisageons la manière dont est manipulé le visible, par la ressemblance (similitudo), qu’elle soit due au déguisement ou à la geméllité. Émergent les deux pôles de la critique des sens par les scepticismes (pyrrhonien et néoacadémicien) : relativité des jugements subjectifs et indécidabilité de la nature de l’objet. Par l’affection oculaire et l’ensorcellement, métaphores de la tromperie et du trompeur, Plaute développe un discours médical original, entre grec et latin, et montre un seruus fallax forgeant des illusions. Son pendant, le jeune homme amoureux, vit dans l’illusion amoureuse qu’il a lui-même forgée
Deception in Plautus’ plays often rests on the articulation between vision and visible. Spectacle plays a crucial part in the Roman ludus and Plaute emphasises the topic of sensoriality in his text. But the intellectual context of the Hellenistic period, during which the Greek plays that have inspired Plautus have been composed, spurs us to take a fresh look at deception, in connection with error. The study of the lexicon of vision brings out various situations in which gaze is involved. The characters both assert and question the confidence granted to sight. The analysis of the Miles gloriosus, in which the deceitful slave declares that he will cast a glaucuma on the eyes of the one he aims to deceive, reveals a certain pattern : while offering to the gaze a fallacious object, the deceiver undermines the trust of the deceived in what he sees. We aim to understand if this pattern is relevant for other Plautus’ plays. We study the causes of alteration of perception, which appear in the Greek skeptic topoi (drunkenness, madness, dream) and then consider the way in which the visible is manipulated, thanks to resemblance (similitudo) through disguise or gemellity. There appear the two focuses of the criticism of the senses by the Skeptics (Pyrrhonian and neoacademician) : relativity of subjective judgments and undecidability of the nature of the object. Through ocular affection and of bewitchment, which are the metaphors of the deception and of the deceiver, Plautus develops an original medical discourse, between Greek and Latin, and shows a fallax seruus forging illusions. His counterpart, the young man in love, lives in the illusion of love that he has himself forged

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Jusselle, Jacques. "Qu'est-ce que représenter ? Essai d'anthropologie esthétique. Propos autour du théâtre, de la peinture et du cinéma". Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1992PA030122.

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Cette these est la premiere partie d'une recherche issue d'une reflexion sur le masque qui, a partir des fonctions de celui-ci, voudrait poser les bases d'une anthropologie esthetique. Grace au concept de theatral, il s'agira d'eclairer la representation d'etre ce qui regroupe pratiques et produits n'ayant pas de fonctions strictement utilitaires. La theorie s'instruit de deux mouvements : le premier, anthropologique, definira sept champs : l'inscription, la trace, le voile, le miroir, le subjectile, le fetiche, la parure. Le second, esthetique, regroupera ces champs specifiques selon leurs modalites plastiques : le point-ligne pour l'ecriture (inscription, trace), le plan pour l'ecran (voile, miroir, subjectile), le volume pour l'ecrin (fetiche, parure). Superposer ces deux mouvements indiquera que l'allegeance de tel comportement social (individuel ou collectif) a telle occurence plastique ou il prend forme determine des niveaux distincts de valeurs : rituelles, speculatives, ludiques. Cette these traite du premier champ de l'ecriture. Autour d'une reflexion sur differents objets : tatouages, graffiti, mais aussi textes et theatre, elle insiste sur l'importance de la territorialisation, de la perpetuation puis de l'interpretation pour la regulation d'un groupe et sur leur dependance a la fonction de distinction. Puis elle expose les perspectives d'une recherche sur l'ecran a partir d'une lecture du mythe de persee pour aboutir sur les axes nouveaux de la recherche (l'ecart, le jeu, l'apparaitre) en mesurant l'importance du paradigme theatral pour toute theorie de la representation
This thesis is the first part of a search born of a reflection about the mask. The latter functions being taken into account, this reflection would like to lay the foundations of an aesthetic anthropology. Thanks to the concept of drama, the chief point will be to throw lignt on representation, to stand for what joins practices and products that have no strictly utilitarian functions. The theory is founded on two structures : the former, an anthropological one, will define seven dields : inscription, trace, veil, mirror, support, fetish, ornament. The latter, an aesthetic one, will chassify those specific fiels according to plastic modes : the point-line for writing, the plane for the screen, the volume for the case. To superimpose those two structures wil show that the allegiance of such social behaviour to such plastic occurences from which it originates, causes separate levels of values : ritual, speculative, ludic. This thesis deals with the first field of writing. From a reflection about different matters : tatoos, graffiti, but also texts and drama, it lays stress on the importance of territorialisation, of perpetuation and then of interpretation for the regulation of a group and on their dependence on the function of distinction. Then it states the prospect of a search on the screen from a reading of perseus'myth, to lead to the new axes of the search by estimating the importance of the theatrical paradigm for every theory in regard to representation

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Teses / dissertações sobre o tema "Taiji (philosophie) – Au théâtre"

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