Artigos de revistas sobre o tema "Sujet du poème"
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Filteau, Claude. "Un poète de circonstance". Lectures 35, n.º 2-3 (16 de março de 2006): 106–27. http://dx.doi.org/10.7202/036145ar.
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Résumé Les définitions traditionnelles du poème de circonstance s'enferment dans la dichotomie du fond et de la forme quand il s'agit de parler du rapport du poème à l'événement. Il faut pour en sortir placer l'événement dans le rythme. Le poète, en advenant à son rythme, rythme le rapport trans-subjectif que construit le poème avec le lecteur et rythme le passage du sujet dans « l'oralité-socialité » de son discours, pour reprendre les termes d'Henri Meschonnic. De cette manière, Miron donne à l'écriture une voix, c'est-à-dire une dimension corporelle qui travaille l'événement dont le poème de circonstance se fait l'écho.
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Chamberland, Paul. "« Le poème refait l’homme »". Lectures 35, n.º 2-3 (16 de março de 2006): 31–40. http://dx.doi.org/10.7202/036138ar.
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Résumé Bien que, à l'évidence, il ne soit en rien fondé de dissocier le poète du militant, la force d'entraînement d'une doxa mironienne peut avoir pour conséquence, à la lecture de l'oeuvre, de substituer subrepticement le second au premier. Mais il y a lieu, grâce au relevé et à l'interprétation des phénomènes énon-ciatifs inscrits à même l'énoncé poétique, de mettre en lumière les « postures » du sujet comme étant celles d'un « marcheur ». Prenant appui sur ces résultats, il est alors possible de dégager le caractère proprement éthique du sujet (et de ses « valeurs »). Ainsi parvient-on à discerner dans l'oeuvre de Miron une politique spécifique du poème.
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Filteau, Claude. "Michel Beaulieu, le lyrisme et après". Dossier 33, n.º 2 (25 de junho de 2008): 37–55. http://dx.doi.org/10.7202/018266ar.
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Résumé C’est à la « syntaxe » de Beaulieu, et ce autour du recueil Variables, que Claude Filteau s’intéresse dans cet article. En lisant les poèmes de Beaulieu du point de vue de l’énonciation, comme le suggère Henri Meschonnic, on remarque le rôle important que joue la pause au plan rythmique-sémantique dans l’organisation du poème. Beaulieu est soucieux de préserver un certain humanisme qui se remarque dans sa hantise de la mort. C’est sans doute ce qui explique que Beaulieu pousse à son terme ce que Meschonnic relève chez Maurice Scève (ce dernier étant comparé à Beaulieu dans la postface de Georges-André Vachon à Variables) : « l’histoire d’un sujet non-sujet : il ». Mais Beaulieu entend aussi « faire une poésie à partir de sensations ». Ce sont donc les rapports qui existent dans Variables entre la chair, le corps et le coeur dans le vécu émotionnel qui font le lyrisme du poème étudiés ici dans Variables et dans certains poèmes de Kaléidoscope.
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Lepage, Élise. "« Faire avec ce qu’il y a 1 »". Dossier 38, n.º 3 (4 de setembro de 2013): 31–45. http://dx.doi.org/10.7202/1018310ar.
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La plupart des recueils de poèmes de Michael Delisle reviennent régulièrement à la question de la médiocrité, de la maladresse envers le monde, les autres et plus encore : envers les mots. « Tous les ratages sont bons pour la littérature », écrit-il dans Chose vocale. C’est cette conscience de l’approximation, de l’« inhabileté fatale » (André Frénaud) — qui est à la fois celle du sujet et du lecteur — face au poème que cet article se propose d’interroger. Cette posture poétique repose selon l’auteure sur une humilité ressentie comme nécessaire à l’avènement de la parole par le sujet, et elle en étudie les différentes formes à travers plusieurs recueils. Suivant les réflexions que Pierre Nepveu a consacrées à Saint-Denys Garneau dans « La prose du poème », elle analyse par analogie dans quelle mesure cette humilité naît d’un certain prosaïsme qui n’est pas sans emprunter au versant fictif de l’oeuvre. Un temps de la réflexion est donc consacré à l’intrusion du récit et de la fiction dans le poème. Enfin, ces quelques incursions du côté de la fiction permettent de cerner ce qui s’apparente à une esthétique de la pauvreté et de l’imperfection.
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Ouellet, Pierre. "Seul ensemble. Au sujet du poème". Dossier 27, n.º 1 (3 de outubro de 2006): 12–20. http://dx.doi.org/10.7202/201578ar.
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Résumé La poésie de Fernand Dumont remet en jeu nos conceptions courantes de la subjectivité. Elle fait parler le poème d'une voix qui n'est ni singulière ni collective, d'une voix pré-individuelle ou trans-personnelle qui nous situe avant la séparation du je et du nous, au moment où la parole émerge par elle-même hors du silence sans être encore parole de personne. La voix poétique reste chez lui habitée ou hantée par le « silence » collectif sur le fond duquel elle se détache, à peine et avec peine, préférant s'y attacher, plutôt, s'y rattacher, en fait, comme à son seul lieu d'être, à son lieu natal qu'elle fait advenir comme lieu de mémoire en son propre sein. C'est une poésie qui se souvient du silence massif d'où elle vient et auquel elle donne la parole bien plus qu'un « pays ». Car le lieu d'appartenance des silencieux et des mutiques, des démunis du langage que toutes les formes de domination privent de voix, n'est pas un sol ou un territoire au sens strict, cette « propriété » individuelle ou collective à quoi l'on reste enchaîné, mais le domaine infiniment libre et aérien de la parole où le silence garde sa place originaire, où le nous indénombrable des « sans-parole » trouve un écho sonore dans le je impersonnel qui énonce la voix de tous dans la sienne même. Une nouvelle forme de socialité ou de communauté naît de cette parole à relais qu'incarne la voix plurielle du poème : une co-existence dans le partage des mots et des silences, dans la solidarité des voix qui donnent vie et sens à ceux-là même qui n'ont plus voix à rien.
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Lochtchilov, Igor Evgenievitch. "Xx плоскость сверхповести Велимира Хлебникова «Зангези» («Горе и смех») и её «Развитие» у поэтов Обэриу (1927-1929)". Modernités Russes 8, n.º 1 (2009): 407–35. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2009.1480.
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Dans la conclusion de son article “Les cartes entre le jeu et la cartomancie” Lena Silard parle de la macrostructure de “Zanguezi”, sumouvelle de Xlebnikov, qui reproduit la structure du Tarot et du rite d'initiation. La lecture de cette sumouvelle “est devenue le chemin d'initiation pour plusieurs poètes de la génération suivante, en particulier pour les “oberiu”. Elle était importante pour Xarms et Vvedenskij, qui avaient reçu la commande du Théâtre expérimental “Radix” et les répétitions de leur pièce “Ma mère est toute en heures” avaient lieu dans la salle Blanche de l'Institut de la culture artistique - qui est situé sur la place Isakievskaia - dans la même salle où Tatlin, l'artiste, avait mis en scène “Zangezi”. Nikolaij Alexeevič Zabolockij avait commencé de fréquenter les répétitions du “Radix” au Ginxuk. Zabolockij qui avait aussi fréquenté l'atelier de Filonov, connaissait l'idée de départ du cycle de ses peintures “Vvod v mirovoi rascvet”. Ce cycle n’a été présenté qu'une fois en sa totalité (22 tableaux) en 1919 au Palais d'hiver. Dans l'héritage poétique de la fin des années 20 il y a une série de textes, qui invoquent la XX-e “surface” de “Zangezi”, “Malheur et Rire” : ce sont deux poèmes qui ont le même nom “Tentation” de D. I. Xarms (daté du 18 février 1927, dédié à Kazimir Malevič) et de N. A. Zabolotskij (1929) et aussi le poème de A. I. Vvedenskij “Tout”, dédié à Zabolockij. Dans ce poème Xarms joue sur un vers de la XXe surface. Selon I.Sinelnikov ce vers notamment a beaucoup plu à Zabolockij : «Skin’ rubaschku s poluplech». Une attention particulière doit être accordée à la plus ancienne rédaction de la “Tentation” de Zabolockij. Elle est reconstruite par le fils du poète à partir des écrits de 1956, qui ont été conservés dans les archives de A. Y. Sergeev, poète et traducteur russe. Dans cette rédaction-là il existe la figure personnifiée de Rire. Le sujet du poème correspond à la signification de la XX-e carte des grandes longes du Tarot -“Le Jugement ou la Résurrection” (Resurrectio mortuorum). Dans la composition du livre ce poème est à la 5eme place et non pas à la 20eme. C'est facile à expliquer à partir du titre” Smexannye stolbcy”, ce qui exclut l'ordre fixe des textes. On peut entendre l’écho de “Tentation” et d'un poème de l’Ukrainienne Milica dans le poème “Toržestvo Zemledelija (Triomphe de l’agriculture)”. Et le poème de Vvedenskij varie ce thème, en le faisant passer du plan du folklore vers un plan “aristocratique” — la duchesse Maija Šepina remplace la fille inconnue.
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Audet, Jacques. "« L’acier des minutes » : le temps dans un poème de Pierre Reverdy". Études françaises 33, n.º 2 (15 de março de 2006): 91–109. http://dx.doi.org/10.7202/036070ar.
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Résumé Bien que célébré pour ses réflexions sur le cubisme et sa définition de l'image, Pierre Reverdy s'est davantage intéressé aux rapports entre le réel et le poème d'une part, entre le temps et le sujet d'autre part. La lecture du poème « Le temps et moi » fait apparaître certains recoupements entre le temps discursif et le temps tel qu'il est objectivé dans le poème et dans les écrits réflexifs. De plus, l'ordre même des mots dans les vers, l'ordre des vers dans le poème et la place du poème dans le livre montrent une signifiance de l'écriture par l'orientation et la vectorisation de la séquence discursive chez Reverdy.
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Dhérent, Catherine. "Les mystères du manuscrit 342 de la Bibliothèque municipale de Lille". Nord' N° 82, n.º 2 (23 de novembro de 2023): 99–114. http://dx.doi.org/10.3917/nord.082.0099.
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L’article décrit l’ensemble du manuscrit (composition, matériau, marques de possesseurs) et étudie les textes qui entourent le poème de La Danse aux aveugles , rédigé par Pierre Michault en 1464. Il s’agit d’une part du Pas de la Mort , poème allégorique d’Amé de Montgesoie dédié à Ysabel de Bourbon ; les miniatures qui l’illustrent sont également étudiées : dans la seconde, trois personnages, l’Acteur, Accident et Antique, rencontrent un héraut d’armes, serviteur de Thanatos. D’autre part, Le Dit de remors et Le Cheminant Dit , prière adressée à la Vierge, constituent un ensemble également illustré. Enfin, entre La Danse aux aveugles et Le Pas de la mort, un Poème à l’entrée de la Chambre des comptes à Lille évoque aux humains « la grande reddition des comptes » au moment du Jugement dernier. Il s’adresse à ceux qui passent par la rue Esquermoise où se trouvait l’entrée de la Chambre des comptes et constitue un exemple de poème consacré à la mort sur un édifice financier. Ces textes pourraient être attribués à Amé de Montgesoie. L’unité du manuscrit tient à son sujet unique : la Mort et la crainte du Jugement dernier. Les illustrations ont sans doute été exécutées dans l’atelier du chevalier Jean de Wavrin. L’ensemble des poèmes a dû être rassemblé tardivement, au xvi e ou au xviii e siècle.
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Coste, Didier. "Ars poetica (in vitro) : réflexions sur le réarmement du poème". Tangence, n.º 113 (5 de junho de 2017): 101–14. http://dx.doi.org/10.7202/1040010ar.
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L’absence de la poésie lyrique dans la poétique d’Aristote et longtemps après a permis et exigé la rédaction d’innombrables « arts poétiques », dont les fonctions, les contenus et la place dans l’oeuvre poétique n’ont cessé de varier. La perte d’autorité sociale du discours littéraire et la relégation du lyrique loin derrière la fiction narrative ont à la fois entraîné un développement potentiellement illimité du métapoétique au détriment de toute référence au monde et sauvé, parfois, le poème, de sa dissolution dans la prose. De la hantise et de la fascination du silence, chez Rilke, au retour d’un sujet souverain de ses incertitudes chez Guillevic, on constate le manque de la voix de l’autre, d’une voix autre que celle du sujet esseulé. Dire le manque ne suffit pas. La tâche du poème aujourd’hui serait de bâtir un espace pour cette voix et de faire en sorte qu’art poétique et poème du monde jouissent, eux aussi, chacun de son tour de parole.
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Leforestier, Claire. "Jean Tardieu, le poème comme audiogramme". Mnemosyne, n.º 3 (11 de outubro de 2018): 12. http://dx.doi.org/10.14428/mnemosyne.v0i3.12153.
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Perméable au bruissement perpétuel du monde, le sujet des poèmes de Jean Tardieu rend compte de cette perturbation majeure. Dans deux récits du recueil La première Personne du singulier (1952), « La Conversation » et la visite chez les Sauvage des « Trois souvenirs d’un figurant », le narrateur se présente comme un écouteur fasciné par une énigme sonore. L’examen de la première scène d’écoute met en évidence une vive sensibilité personnelle aux contrastes de la mimique vocale, aux modulations vocaliques qui communiquent les émotions humaines. La seconde scène, dont les protagonistes épient le flux et le reflux d’un bruit derrière une porte, révèle l’inquiétude et l’excitation que suscitent l’objet dérobé mais aussi l’éclosion du son, appréhendée comme une séparation. De la résonance, le sujet se délivre en émettant à son tour. La vocation poétique de Jean Tardieu paraît ainsi trouver son origine dans la nécessité de transcrire le rythme, murmure ou martèlement, qui lui parvient depuis toujours.
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Berjola, Giovanni. "Architecture et intimité dans Illuminations d’Arthur Rimbaud". Études littéraires 42, n.º 1 (22 de dezembro de 2011): 23–35. http://dx.doi.org/10.7202/1007156ar.
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Lorsqu’Arthur Rimbaud écrit les poèmes qui composeront par la suite Illuminations, l’architecture imaginaire n’est pas une nouveauté : les romantiques, avec Hugo, Gautier et Nerval, ont déjà exploré ce thème porteur, que Baudelaire a repris dans son poème intitulé « Rêve parisien ». Ces rêveries se rattachent à une poétique de la voyance que Rimbaud prolonge et renouvelle : l’on serait même tenté de dire que la voyance rimbaldienne trouve son expression la plus accomplie dans ces villes de rêves. Ces visions où architecture et nature se confondent à la faveur d’un style flamboyant ont fait l’objet de nombreux commentaires. De ces analyses il ressort une double ambivalence : l’architecture rimbaldienne apparaît comme un espace à la fois attractif et menaçant, une scène où se joue le drame de la création et de la destruction. L’imaginaire du poète réécrit des mythes tels que l’enfer et le paradis d’une part, la genèse, le déluge et l’apocalypse de l’autre. Ce décor mythique semble renvoyer, sur le plan psychologique, aux désirs et aux angoisses du poète. Ce qui intéresse le poéticien, ce sont non pas les mythes en eux-mêmes, mais leur appropriation par le sujet rimbaldien. L’enjeu de ce travail sera en définitive d’étudier comment l’espace et l’architecture dans Illuminations traduisent les préoccupations intimes du poète.
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Eastman, Andrew. "Rewriting the Warren Report : George Oppens Poetics of Victimhood". Recherches anglaises et nord-américaines 32, n.º 1 (1999): 9–22. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.1999.1601.
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Cet article se propose d’étudier la construction de la victime dans un poème de George Oppen, “Armies of the Plain”, qui porte sur deux assassins, Lee Harvey Oswald et Jack Ruby. En partant de la dialectique du bouc émissaire définie par Kenneth Burke, ce travail cherche à montrer comment le poème d’Oppen retravaille et réécrit la discussion des motivations d’Oswald telle quelle apparaît dans le rapport de la Commission Warren sur l’assassinat du Président Kennedy. Alors que la commission Warren cherchait à isoler l’assassin, la grammaire des motivations construite par le poème le met en rapport avec “nous”, définissant par là un sujet et une victime collectifs.
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Martin, Serge. "Vers le sujet du poème dans les lectures/écritures". Le français aujourd'hui 153, n.º 2 (2006): 53. http://dx.doi.org/10.3917/lfa.153.0053.
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Rondeau, Frédéric. "La mesure et l’excès". Dossier 33, n.º 2 (25 de junho de 2008): 69–81. http://dx.doi.org/10.7202/018268ar.
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Résumé À partir d’une lecture de nombreux recueils mais aussi des romans de Michel Beaulieu, Frédéric Rondeau suit certaines constantes de cette oeuvre faites de dualités, tels que l’exil et la claustration, la présence et le vide, l’Un et le multiple. Faire advenir de l’impossible adéquation à soi-même une présence nouvelle constitue, selon l’auteur, une dynamique fondamentale de l’oeuvre du poète. À travers l’importance du corps, la problématique de l’exil intérieur, ainsi que le travail formel des romans et des derniers recueils, une tension est dominante dans l’oeuvre de Beaulieu, où le poème apparaît comme un rempart contre la dissolution du sujet, lieu de la saisie de la mesure et de la tentation à l’excès.
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Nepveu, Pierre. "Un théâtre des discours". Études françaises 39, n.º 3 (4 de maio de 2004): 47–60. http://dx.doi.org/10.7202/008148ar.
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Résumé La présence importante et très variée du poème en prose chez les poètes de la génération de l’Hexagone paraît liée au profond questionnement identitaire et à l’instabilité des discours qui caractérisent les années 1945-1965. En puisant des exemples chez des poètes aussi différents que Thérèse Renaud, Gilles Hénault, Roland Giguère, Claude Fournier, Jean-Guy Pilon et quelques autres, cet article rattache la pratique du poème en prose à une mise en situation dramatique du sujet poétique, brisant la souveraineté de la voix lyrique, permettant un dialogue avec soi, dans un registre principalement délibératif et interrogatif. Au terme de ce parcours, la notion de « situation », centrale dans la conception du poème en prose défendue par Max Jacob, prendra une tournure sartrienne, notamment chez Jacques Brault et Gaston Miron.
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Paquin, Jacques. "Gilbert Langevin : une poétique de la pudeur". Dossier 22, n.º 3 (29 de agosto de 2006): 483–94. http://dx.doi.org/10.7202/201322ar.
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Résumé Le laconisme dont fait preuve la poésie de Gilbert Langevin semble lié de près à une forme de pudeur dont on retrouverait les marques à divers niveaux. La pudeur se manifesterait d'abord dans la représentation du sujet qui, chez Langevin, tend à s'opposer au moi, ce qui a des incidences sur le mode d'énonciation du poème. L'article passe ensuite en revue les principales références corporelles qui viennent compléter la représentation du sujet pour conclure sur les rapports étroits qui peuvent être établis, chez Langevin, entre une écriture « pudique » et une conception du langage.
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Paquin, Jacques. "Variations sur la pente du langage : le poème comme simulacre du raisonnement scientifique". DOSSIER 28, n.º 3 (17 de julho de 2003): 31–43. http://dx.doi.org/10.7202/006752ar.
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Le présent article examine, chez le poète Gilles Cyr, les phénomènes d’interdiscursivité entre science et poésie. Après avoir situé les recueils au sein de l’esthétique de l’Hexagone, cette étude aborde la question de la causalité, laquelle sous-tend tout le travail de mise à distance entre le sujet et la nature. Ensuite est analysée la confrontation entre vérité lyrique et vérité scientifique à la lumière de leurs modes respectifs d’expérimentation. Conclusion : la posture critique et ironique du sujet lyrique a pour conséquence de contrer la mécanisation du vivant instaurée par certains courants de la physique contemporaine.
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Kneidel, Gregory. "Donne's Satyre I and the Closure of the Law". Renaissance and Reformation 40, n.º 4 (1 de janeiro de 2004): 83–104. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v40i4.9041.
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Cet article montre que le fuyant interlocuteur dans Satyre I de John Donne, désigné par l’expression «fondling motley humorist», évoque sans doute délibérément les pénis doués de parole que l'on trouve dans les œuvres poétiques et philosophiques de Horace, Augustin et Montaigne. Cette hypothèse place le poème de Donne, d'un point de vue général, dans une longue tradition de réflexion au sujet de la possibilité de réguler, par la loi, les humains et en particulier, le désir masculin. Ce qui place aussi ce poème, d'un point de vue plus spécifique, dans le contexte d'une littérature professionnelle émergente, propre aux débuts de la loi moderne, dans laquelle l'émotion et l'imagination étaient sur le point d'être réprimées par une conception plus restrictive, rationnelle et unitaire de la loi.
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Bourassa, Lucie. "Transports du signe : rime et allégorie dans « Sémaphore »". Dossier 21, n.º 1 (29 de agosto de 2006): 74–91. http://dx.doi.org/10.7202/201216ar.
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Résumé On a maintes fois observé le riche travail phonétique de la poésie de Gilles Hénault, sans toutefois en analyser le fonctionnement et la valeur dans l'organisation de la signification. La présente étude a pour objet une analyse de V-interaction phono-sémantique' dans le poème -Sémaphore-, qui condense plusieurs caractéristiques de l'oeuvre de Hénault: alliage de pensée et de -prospection onirique-, densité des images contrôlée par l'emploi de la métaphore filée, achèvement du poème et de la série, qui tendent vers un dénouement. Elle fait l'hypothèse que -Sémaphore" explore la relation entre le sens, le langage, le monde et le sujet, en même temps qu 'il essaie de faire exister cette relation sous une nouvelle forme, notamment par le biais de la signiflance.
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Tyszler, Jean-Jacques. "L'automatisme mental de G. G. de Clérambault ou l'envers du sujet du poème". La revue lacanienne 10, n.º 2 (2011): 87. http://dx.doi.org/10.3917/lrl.112.0087.
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Birdwise, Scott. "The Imagination at War: Visionary Poetics in Humphrey Jennings’s “I See London” and London Can Take It!" Canadian Journal of Film Studies 32, n.º 1 (1 de junho de 2023): 1–30. http://dx.doi.org/10.3138/cjfs-2021-0028.
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Résumé: Cet article réévalue l’image convenue du documentariste Humphrey Jennings, passé à la postérité à titre de poète cinématographique de « la guerre du peuple ». On y étudie le contexte poétique visionnaire de son poème “ I See London”, composé pendant la guerre (1941), et de son film London Can Take It! (1940), en contextualisant leur représentation de la vie quotidienne pendant l’urgence nationale que fut le Blitz ; cette contextualisation s’appuie sur les paradoxes qui animent la poétique postsurréaliste déployée par Jennings au sujet de cette guerre du peuple. Nous défendons l’idée que l’apport le plus important de Jennings au moral de l’Angleterre pendant la guerre repose sur la manière dont il affirme la capacité collective de la population à s’adapter aux conditions de guerre totale – conditions extraordinaires qui, comme le montre le cinéaste, possèdent leurs propres éléments (extra)ordinaires de rythme et de routine. Cependant, au lieu de normaliser simplement les paradoxes de l’époque, nous suggérons ici que Jennings fait appel à l’imagination poétique afin de protéger les dimensions historiques et symboliques du mode de vie de la population, évitant ainsi de réduire celle-ci à la position d’objet cible de la destruction.
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Boisclair, Antoine. "« Le duo des voix équivoques ». Qui parle chez Garneau ?" Études françaises 48, n.º 2 (17 de dezembro de 2012): 17–28. http://dx.doi.org/10.7202/1013332ar.
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Il n’est plus à prouver que la génération de La Relève fut la première, au Canada français, à interroger l’identité du sujet en dehors de paramètres strictement religieux ou nationalistes. Afin de montrer comment la poésie et les textes en prose de Saint-Denys Garneau font écho à ce questionnement, la plupart des lecteurs ont souligné à juste titre l’influence exercée chez lui par le personnalisme et l’existentialisme chrétiens. Sans chercher à réfuter cette lecture, nous pouvons élargir à d’autres horizons le contexte artistique et intellectuel dans lequel Garneau élabore ses théories du sujet. À partir d’une lecture de poème (« Tous et chacun »), nous proposons ici d’établir des parallèles entre le sujet garnélien, qui tend à s’effacer au profit d’une « voix » incertaine, et les conceptions de l’instance créatrice que l’on retrouve chez des auteurs plus ou moins contemporains de Garneau. Nous constatons notamment qu’une des fonctions principales que Garneau assigne au sujet poétique (« établir un ordre intelligible entre les choses » de manière à révéler des « harmonies ») s’inscrit dans une tradition moderne à laquelle se rattachent notamment Claudel et Reverdy. Dans une perspective plus large, nous pouvons croire que Garneau, à l’instar de Valéry, a tenté d’ouvrir le sujet à l’extériorité sensible sans pour autant abolir le Je. Il appartient à la « fin de l’intériorité », selon la formule employée par Laurent Jenny, mais aussi à toute une série d’écrivains ayant privilégié la « conscience » — celle de soi et celle des autres — au détriment de l’« imagination » telle qu’elle fut conçue par les surréalistes. Le sujet garnélien, cette « voix équivoque » qui se mêle au paysage, trouve ainsi son équilibre « entre deux mondes », entre intériorité et extériorité, mais aussi entre la conscience et l’effacement.
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Chamberland, Paul. "La longue phrase de Voyage au pays de mémoire". Dossier 21, n.º 1 (29 de agosto de 2006): 26–52. http://dx.doi.org/10.7202/201213ar.
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Résumé Dans cette oeuvre, formée de neuf proses, Gilles Hénault élabore un récit cos-mogonique en tirant des symboles de l'archaïque et de l'élémentaire une nouvelle image du monde. Ce commencement est celui du poème, comme "cri nu de l'homme qui affirme son existence singulière et grégaire-. La richesse et la force des figures résultent ici du rigoureux travail de cette "syntaxe poétique -(Hermann Broch) qui associe étroitement la logique du discours et l'obscure puissance du rêve. À travers l'exigeante anamnèse qu'est le "voyage au pays de mémoire -, un sujet s'éprouve et s'affranchit des entraves d'un passé mort pour parvenir à la libre affirmation de soi dans un monde qui soit le sien.
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Doherty, Rachel L. "Spectres créoles, cercles magiques, queer roots et strange fruit dans Amédé de Georgette Leblanc". Quebec Studies 70, n.º 1 (1 de dezembro de 2020): 105–25. http://dx.doi.org/10.3828/qs.2020.18.
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Plusieurs poètes contemporains représentent l’Acadie comme faisant partie d’une francophonie continentale. Depuis les années 1970, l’imaginaire acadien littéraire s’écarte du village et de l’image traditionnelle d’un passé rurale. Georgette Leblanc, la Poète officielle du Parlement du Canada, réalise son regard continental tout en puisant dans un passé folklorique. Le sujet de son poème romanesque Amédé (2010) est un musicien louisianais légendaire, Amédé Ardoin. Renommé pour sa virtuosité vocale et instrumentale, ce Créole noir francophone est aussi un des premiers artistes à atteindre la célébrité grâce à ses enregistrements. Victime d’une attaque à motivation raciste, il fait l’objet d’une légende qui est aussi une tragédie. L’Amédé de Georgette Leblanc est le héros d’un récit raconté par une grand-mère acadienne. C’est un vagabond qui a un désir ardent de s’enraciner dans un village cadien, de graver sa marque et de laisser des traces. Or, Leblanc n’indique pas l’ethnicité de son Amédé. Elle n’y fait pas allusion même au moment du meurtre à la fin du livre. La légende d’Amédé Ardoin a porté des fruits étranges en Acadie, et la plus grave tragédie est l’obscurcissement de ses racines. Dans cet article, nous visons à explorer les enjeux de l’omission des enjeux raciaux dans Amédé en nous inspirant des théories de Jarrod Hayes sur la queerité implicite des diasporas.
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Paulet Dubois, Françoise. "Mots ouïs, mots inouïs." Mnemosyne, n.º 3 (11 de outubro de 2018): 9. http://dx.doi.org/10.14428/mnemosyne.v0i3.12143.
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Après quelques considérations étymologiques et sémantiques sur les verbes écouter, entendre et ouïr, on présentera brièvement les deux écrivains français Fouchet et Gresset ainsi que leurs œuvres, que l’on situera par rapport au sujet proposé. Le récit du premier, intitulé L’usage de la parole, est un texte de fiction rédigé à la première personne (ce qui autorise l’hypothèse du récit autobiographique) où l’on focalisera sur tout ce qui relève de l’auditif, examiné d’un point de vue lexicosémantique et stylistique, puis on étudiera les rapports entre le narrateur et ce qu’il entend. Ensuite on établira un parallèle avec le long poème héroïcomique de Gresset qui porte le nom de son personnage principal, Ver-Vert. On l’analysera sous l’angle des expressions auditives et de l’effet produit sur l’entendeur par les mots entendus
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Mainguy, Thomas. "Saint-Denys Garneau : le jeu de l’ironie". Études françaises 48, n.º 2 (17 de dezembro de 2012): 29–50. http://dx.doi.org/10.7202/1013333ar.
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Suivant l’image de la révolution copernicienne, le présent article traite de l’ironie dans les poèmes garnéliens. Il s’agira d’abord d’évaluer le « rêve poétique » de Garneau pour comprendre l’impact de cette révolution. Selon l’allégorie formulée dans « Le jeu », la poésie constitue un espace de liberté où l’imagination ordonne et invente le monde à sa guise. On sent poindre le sentiment d’une grâce qu’on retrouvera aussi dans les « Esquisses en plein air ». On ne peut toutefois pas s’en tenir à cette seule lecture. Le principe même de l’allégorie met ici en lumière la proximité foncière de l’ironie et de la poésie, chacune faisant place à une « parole oblique », pour reprendre l’expression de Philippe Hamon. Inscrite, pourrait-on dire, dans le code génétique de la poésie garnélienne, l’ironie est à la source de la révolution copernicienne que la deuxième partie de l’article analysera. En effet, le poème « Autrefois » relate une rupture sur le plan de la conscience poétique ; rupture illustrée notamment par l’usage discordant d’un vocabulaire scientifique. L’ironie intervient ainsi à la faveur d’un retournement critique qui dissipe les illusions provoquées par les premiers enthousiasmes poétiques, dont celle de la centralité du sujet dans le monde. Destinée à devenir un exercice de subtilité, la poésie en mode ironique refuse les excès du lyrisme, qu’ils soient euphoriques ou désespérés, mais cherche l’« équilibre impondérable » qui rallie les contraires : la gravité, le rire ; l’identité, l’altérité ; la poésie, la prose ; l’intelligible, le sensible ; l’apprentissage, le désapprentissage.
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Perugi, Maurizio. "O envio da canção camoniana ‘Tão suave, tão fresca e tão fermosa’". Revista do Centro de Estudos Portugueses 29, n.º 42 (31 de dezembro de 2009): 209. http://dx.doi.org/10.17851/2359-0076.29.42.209-277.
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<p>A canção camoniana <em>Tão suave, tão fresca, tão fermosa </em>coloca algumas questões importantes no plano filológico. O seu esquema métrico é, como já foi indicado por Emmanuel Peireira Filho, de origem provençal : trata-se, com efeito, de um poema em ‘coblas unissonans’ e ‘dissolutas’, ao qual no índice do Padre Pedro Ribeiro se atribui o curioso nome de <em>septina</em>, proveniente talvez da terminologia musical. A propósito desta canção, o comentário de Faria e Sousa apresenta um dos exemplos mais conhecidos de tradição indirecta, que concerne ao envio. Além de discutir o problema da autenticidade destes dois versos, aliás imitados a partir dum soneto de Serafino Aquilano, aproveita-se a ocasião para identificar algumas das fontes impressas utilizadas por Faria e Sousa no que respeita à poesia italiana quinhentista.</p> <p>Le poème de Camões <em>Tão suave, tão fresca, tão fermosa </em>propose quelques problèmes philologiques majeurs. C’est Emmanuel Pereira Filho qui attira la premier l’attention sur son schéma métrique, dont l’origine remonte à la poésie des troubadours : il s’agit en effet d’un poème rédigé en ‘coblas unissonans’ et ‘dissolutas’. L’index du manuscrit perdu du père Pedro Ribeiro lui attribue le nom très curieux de <em>septina</em>, emprunté sans doute à la terminologie musicale. Au sujet de ce poème Faria e Sousa, dans son commentaire de l’oeuvre camonienne, présente un des exemples les plus connus de tradition indirecte, concernant les deux vers de l’envoi, dont le modèle se trouve probablement dans un sonnet de Serafino Aquilano. Ces deux vers sont-ils authentiques ? En plus de débattre ce problème, on profite de l’occasion pour identifier quelques-unes parmi les sources imprimées utilisées par Faria e Sousa dans le domaine de la poésie italienne du XVIe siècle.</p>
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Kim, Simon. "La traduction d’Eugène Onéguine de Pouchkine – étude comparative multilingue". TTR 25, n.º 1 (30 de abril de 2013): 215–42. http://dx.doi.org/10.7202/1015353ar.
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Eugène Onéguine, écrit par Pouchkine à la fin du XIXe siècle, est l’une des oeuvres majeures de la littérature russe. Souvent dans l’ombre de l’opéra éponyme de Tchaïkovsky, son statut est souvent méconnu hors des milieux russophiles; néanmoins, nombreux sont les traducteurs qui s’attaquent à ce texte, que Pouchkine lui-même définit comme un « roman en vers ». De par sa nature hybride (ni roman, ni poème, à la fois poème et roman) et son caractère multilingue ou polyglotte (Bakhtine), possédant une forme originale (si bien qu’on parle même de « strophe onéguienne »), ce texte constitue un véritable défi que les traducteurs, et même les traducteurs non russophones (Hofstadter, Giudici), sont souvent avides de relever. Si les langues occidentales, riches elles aussi en systèmes métriques et en versification rimée, ont la tentation de transposer le vers russe dans une forme versifiée occidentale, pour les traducteurs occidentaux la question demeure de définir ce qu’est Eugène Onéguine, sachant qu’il échappe à toutes les définitions traditionnelles. Pour les langues orientales, comme le coréen ou le japonais, qui n’ont pas les mêmes traditions linguistiques, littéraires et poétiques, les enjeux dans la traduction sont à première vue plus complexes puisqu’il s’agit d’inventer ou de renoncer à rendre une forme qui est tout aussi importante que le sujet de cette oeuvre. La distinction entre les deux est d’ailleurs rendue caduque par ce texte qui remet précisément en cause cette distinction. Or, l’observation des différentes approches traductives en langues occidentales et orientales permet de mettre en lumière cette caractéristique du texte de Pouchkine et de sa traduction. Car si la familiarité des langues occidentales avec le mètre et le vers semble apparemment poser au traducteur la question du genre (roman/poème, prose poétique/poésie « prosaïque »), l’altérité ou l’étrangeté des langues orientales révèle que la tâche du traducteur est, et a toujours été – même pour les traducteurs occidentaux – non pas tant de restituer un (semblant de) vers, mais de créer une forme, un texte qui fasse « ce que fait le texte » (Meschonnic).
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Crosta, Suzanne. "Le narratoème, modèle de la nomadanse dans La Réfugiée d’Hédi Bouraoui". Voix Plurielles 13, n.º 2 (7 de dezembro de 2016): 55–69. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v13i2.1437.
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Parue en 2012, La Réfugiée d’Hédi Bouraoui aborde un sujet brûlant, celui de l’altérité, de la reconnaissance d’une identité culturelle étrangère au sein du pays d’accueil. Le récit retrace le parcours d’une réfugiée laotienne, au nom de DorBoa (« fleur de lotus ») dont la seule présence suscite des points d’interrogation constants sur les diversités culturelles. À l’heure où les flux migratoires à travers territoires, frontières, archipels et continents, bousculent bon nombre de nos acquis, Bouraoui recherche formellement des ponts de compréhension et d’ouverture envers l’autre sous un nouveau genre : le narratoème, un néologisme pour « désigner un poème narratif et un récit poétique ». Cet appel à voir différemment et autrement les genres selon une perspective critique et une démarche créatrice invite le lecteur à déchiffrer la polyphonie des significations imaginaires et les trajectoires symboliques de « Lotus au pays du Lys » et de saisir la grâce ineffable de la nomadanse.
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Monferran, J. C. "De quelques lunes du XVIe siècle: L'Amour des amours de Jacques Peletier du Mans, La Sepmaine de Du Bartas". Revue d'histoire littéraire de la France o 95, n.º 5 (1 de maio de 1995): 675–89. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1995.95n5.0675.
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Résumé On peut caractériser la « poésie scientifique », définie comme objet d'étude il y a plus de cinquante ans par A.M. Schmidt, par son intratextualité. L'Amour des amours , premier recueil de poésie astronomique en français, est l'héritier du poème cosmique de Pontano, L'Urania , en même temps qu'il est une des sources de La Sepmaine de Du Bartas. Sur un sujet précis et imposé par la tradition - l'évocation de l'astre lunaire - les trois projets diffèrent. L'étude des filiations devient alors une analyse des écarts signifiants. Face au déferlement métaphorique de Pontano, s'oppose l'univers plus didactique de Peletier, tout empreint de clarté et de simplicité. Peletier, cherchant à sauvegarder le caractère sensible de la lune, ne rappelle qu'incidemment la présence du divin, alors que Du Bartas, poursuivant un projet nettement apologétique, admire dans la ronde de la lune et du soleil l'image de la créature subordonnée à son créateur.
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Lemons, Katherine, e Anne-Hélène Kerbiriou. "« Nous verrons »". Anthropologie et Sociétés 46, n.º 1 (15 de agosto de 2022): 25–46. http://dx.doi.org/10.7202/1091310ar.
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De décembre 2019 à mars 2020, l’Inde a été agitée par des manifestations contre deux mesures législatives, soit l’Amendement à la Loi sur la citoyenneté (MLC) et le Registre national des citoyens (RNC), qui discriminaient les musulmans. Les manifestations ont été historiques, même dans un pays de forte culture protestataire. Elles ont été marquées par une solidarité interreligieuse, intergénérationnelle et intercommunautaire et ont été largement menées par des femmes musulmanes. Les manifestations ont provoqué des débats au sujet de la religion et de la citoyenneté dans un état laïc, des débats autant entre manifestants qu’entre les contestataires et les partisans des lois de l’État. Cet article examine les deux slogans contestataires qui ont suscité le débat : un poème ourdou, et la proclamation de foi religieuse des musulmans, la chahada. Il soutient que les débats éclairent quelques-uns des paradoxes de la citoyenneté laïque et posent à nouveau les questions qui ont préoccupé les nationalistes anticolonialistes du 20e siècle. Enfin, l’article suggère que ces controverses sont nécessaires et constitutives des politiques des états ayant une importante pluralité religieuse.
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Underwood, Lucy. "Sion and Elizium: National Identity, Religion, and Allegiance in Anthony Copley’s A Fig for Fortune". Renaissance and Reformation 41, n.º 2 (21 de junho de 2018): 65–96. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v41i2.29834.
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This article uses Anthony Copley’s poem A Fig for Fortune (1596) to examine Elizabethan constructions of national identity. Acknowledging that religious and national identities were symbiotic in the Reformation era, it argues that the interdependency of Protestant and Catholic narratives of “nationhood” must be appreciated. Analysis of Copley’s text engages with previous critiques, including those of Clare Reid, Alison Shell, and Susannah Monta, in order to propose a more coherent interpretation of Copley’s engagement with Spenser’s The Faerie Queene. Copley did not merely defend Catholics as loyal subjects; he moved beyond debates about loyalty to reconsider ideas of nation, England, and Englishness more broadly, challenging the premises as well as the conclusions of Protestant statesmen and writers.
Cet article examine les constructions de l’identité nationale de l’Angleterre élisabéthaine à travers le poème d’Anthony Copley A Fig for Fortune (1596). En considérant que les identités religieuse et nationale étaient liées de façon symbiotique pendant la période de la Réforme, on avance que l’interdépendance des versions catholique et protestante des récits de nationalité devrait être mieux prise en compte. L’analyse du texte de Copley met à profit différents commentaires critiques, en autres ceux de Clare Reid, Alison Shell et Susannah Monta, afin de proposer une interprétation plus cohérente du travail de Copley sur The Faerie Queene de Spenser. Copley ne s’est pas contenté simplement de défendre les catholiques en tant que sujets loyaux, il en a également profité pour dépasser les débats au sujet de la loyauté, pour remettre en question les idées de nation, d’Angleterre, et plus généralement de ce que c’est que d’être anglais, et par conséquent aussi, les prémisses et conclusions des écrivains et hommes d’État protestants.
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Lalvée, Brigitte. "Les deux « e muets » de l’une-bévue : ce qui donne des ailes au « Il »". Essaim 51, n.º 2 (25 de outubro de 2023): 47–66. http://dx.doi.org/10.3917/ess.051.0047.
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Lacan revient sur son séminaire L’Identification , et revoit son ternaire psychique, qui devient un ternaire strictement matérialiste, celui de trois corps : un corps du symbolique qui est lalangue, le « matériel de langue » ; un corps de l’imaginaire « distinct du signifié » ; un corps du réel « dont on ne sait comment il sort », mais lié à ce non-rapport sexuel auquel est appendu le parlêtre. De ce qu'il a élaboré quinze ans plus tôt il ne conserve que le tore, et le trait unaire, pris à revers. Le « sens double » de la syllabe « con », qui dans lalangue française conjoint le « cum » (= « avec ») et le « cunnus » latins, lui permet de passer d’une con-sistance problématique, celle de son seul nom pour faire tenir les trois ronds symbolique de l’imaginaire et du réel, à une corps-sistance, qui renvoie non seulement au sexe féminin, mais à ce qui manque à un deux du sexe, à un « avec ». C’est là l’une-bévue, l’une parmi d’autres : unité matérielle signifiante qui fait tenir ce ternaire, « l’une » où s’abolissent la valeur différentielle du signifiant, l’unarité du trait, son aune phallique. L’unité de mesure qui néanmoins fait chaîne entre les trois corps. L’une-bévue fait le S2 de fonds du signifiant, le S2 comme « sens double ». Double bande, contrebande du signifiant, valeur d’échange qui s’annule dans la non-valeur, métathèse voire métamorphisme du signifiant rendant caduques métaphore et métonymie, l’équivoque qu’est l’une-bévue produit pléthore de sens, c’est-à-dire de mensonge. Jusqu’à l’holophrase généralisée, soit la « débilité ». Mais à « faire réel » il n’est pas sûr qu’elle le « ferre ». Heureusement, son équivoque avec l’Unbewuste allemand et freudien n’est qu’approximative. La translangue n’est pas intégrale. Elle fait place au trou du « non-su », un-bewusst du non-savoir, un savoir « sans le fait de savoir ». Sans quoi l’analyse pourrait devenir un « autisme à deux », une bulle d’inconscient et conscient unifiés, réversibles. Le « Il sait » (l’Autre) « que je sais qu’il sait » est fallacieux : il voue le sujet à la dépossession subjective, ou l’emmène vers la téléphathie, l’occultisme. Le « redoublement de la parenthèse », proposé par A. Didier-Weill convié à s’exprimer sur la passe, permet « d’aller plus loin que l’inconscient », plus loin que son « objectivation », jusqu'à ce Réel « qui se sait et veut se taire » et pourrait sans ce redoublement se confondre avec un Savoir absolu aliénant. Il permet d’aller jusqu’à ce Réel qui est la bouche d’ombre de l’inconscient, trouée d’une énonciation possible. Si Lacan salue l’apport d’A. Didier-Weill, il marque aussi son désaccord, concernant la nomination de ce lieu du non-savoir (Bozef), concernant aussi une « communion » du sujet et de l’Autre. Mais son désaccord est aussi un dis-corps : ainsi du moins peut-on lire la digression sur la rosée par laquelle il introduit l’intervention d’A. Didier-Weill. Cette digression pourrait nous mener à l’hématidrose de l’ermite, exsangue d’abstinence sexuelle, aspirant aux « mains énamourées » de « l’Inconnue », du poème d’Apollinaire vers lequel faisait déjà signe le « s’aile à mourre » du titre. S’il y a un « savoir du réel », et s’il « tient au corps », le poète, la poésie, le psychanalyste s’il « s’apparente » à un « pouâtassez », l’analysant, peuvent en matérialiser quelque chose, de l’« inouï » d’un dire qui ouvre au réel. Le poète et la poésie, surtout quand elle fait compter, ainsi le veut la tradition poétique française, le e muet dans le vers, ce e muet qui sait aussi s’élider pour donner des ailes au « Il ».
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Gamalova, Natalia. "Le jeu d’acteur et le je lyrique". Chroniques slaves 5, n.º 1 (2009): 73–84. http://dx.doi.org/10.3406/chros.2009.940.
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Natalia Gamalova est maître de conférences en littérature russe à l’université Jean Moulin de Lyon 3. Ses recherches portent sur la critique littéraire de l’âge d’argent, le poète I. Annenskij, les études classiques dans les lettres russes et la tragédie antique dans la dramaturgie du début du XXe siècle. L’analyse littéraire emprunte volontiers aux arts figuratifs et à la musique leur vocabulaire et leurs procédés. Le jeu scénique et cinématographique peuvent aussi nous permettre de formuler les modalités de l’existence paradoxale du poète et du je lyrique. L’article interroge le système mouvant des rapports que le spectateur est enclin à établir entre le personnage, le rôle et l’interprète, en produisant ainsi les imbrications semblables à celles qui organisent les qualités complexes du poète et du sujet lyrique. L’article prête une attention particulière aux poèmes qui se réfèrent à la scène, car la théâtralité y est et la cause et la conséquence de la multiple identité du sujet lyrique et du poète. La sémantique théâtrale dans la poésie, le jeu d’acteur sur scène et à l’écran représentent ici la grille herméneutique de l’analyse de ces deux instances. L’article se réfère en particulier à «Blok et Heine» de Tynjanov, au «Destin de Blok» d’Èjxenbaum, aux traductions russes de «Nun ist es Zeit, daB ich mit Verstand» de Heine et aux essais d’Annenskij «Heine cloué à son lit» : Heine et ses «Romancero»» et «Turgenev mourant : Klara Milič».
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Caron, Pascal. "L’obsession du corps et la poésie québécoise." Analyse 38, n.º 1 (19 de março de 2007): 91–106. http://dx.doi.org/10.7202/014826ar.
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Résumé La poésie québécoise des années 1970 et 1980 envisage le corps comme l’espace de la pratique d’écriture et comme le signe fondamental du poétique. Cet article examine le statut théorique paradoxal du mot « corps » à partir des poèmes de Claude Beausoleil, de Nicole Brossard et de Michel Beaulieu, et avance que le critique et le poète partagent un même imaginaire à son sujet, si bien que la notion de métadiscours devient problématique. Il propose enfin de relire l’histoire de la poésie québécoise moderne, à partir des Haikas et Outas de Jean-Aubert Loranger, en cherchant les lois de cet imaginaire.
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Vámos, Violetta. "Vörösmarty Mihály gimnáziumi latintankönyveinek azonosítása Ovidius-fordításai alapján". Magyar Könyvszemle 136, n.º 2 (30 de dezembro de 2020): 125–37. http://dx.doi.org/10.17167/mksz.2020.2.125-137.
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Les éditeurs de l’édition critique de l’oeuvre du poète ont accordé une attention particulière aux poèmes que Vörösmarty Mihály a composés lors de ses années de lycée. La première biographie du poète, celle de Pál Gyulai, a déjá mis en valeur l’importance des années scolaires dans la formation du profile poétique de Vörösmarty. Frigyes Brisits et Károly Horváth avaient présenté les premiers résultats concrets à ce sujet. Károly Horváth a consacré une étude monographique complète aux influences antiques/classiques qu’on peut repérer dans l’oeuvre du poète. Les résultats de cette étude et du premier volume de l’édition critique sont une contribution importante à la reconstruction du progrès linguistique et littéraire du jeune poète. Les premiers textes de Vörösmarty fournissent une illustration spectaculaire du corpus et des méthodes de l’enseignement pratiqué dans la Hongrie du 19e siècle. Peut-on renverser ce rapport? L’étude des textes scolaires peut-elle contribuer à l’analyse de la formation et du progrès du profile poétique du jeune auteur? Dans mon article, je me propose d’étudier l’auteur peut-être le plus important de l’enseignement de la langue latine au début du 19e siècle: Ovide.
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Ould Mohamed Baba, Ahmed Salem. "Contribution à l´étude du vocabulaire ancien du ḥassāniyya d´après quelques textes du dīwān de Saddūm Wuld Nd̆aṛtu (1122-1227 / 1710-1812)". Al-Qanṭara 44, n.º 2 (15 de janeiro de 2024): e20. http://dx.doi.org/10.3989/alqantara.2023.020.
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[fr] La présente étude a pour but de contribuer, par l´examen des textes du dīwān du plus ancien poète populaire mauritanien connu, Saddūm Wuld Nd̆aṛtu, à identifier le vocabulaire ancien et à en expliquer la signification. Nous interrogeons ce dīwān en tant qu´ unique témoin conservé de l´époque de l´auteur (18ème siècle) pour qu´il nous aide à identifier dans ses poèmes les mots anciens qui sont depuis longtemps tombés en désuétude et sont aujourd´hui considérés comme des archaïsmes, des termes étranges ou peu familiers à la plupart des locuteurs ou à tous. L´étude comprend, d´une part une description du contexte historique dans lequel vivait le poète et, d´autre part, une brève présentation du contenu du dīwān, avant d´aborder le sujet principal, à savoir le vocabulaire ancien du ḥassāniyya contenu dans l´ouvrage. Quant aux caractéristiques communes de ce vocabulaire, il convient de noter l´abondance de termes issus du champ lexical de la guerre (batailles, armes, chevaux, etc.).
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Estrade, Charlotte. "Ezra Pound, Basil Bunting and the Roman Classics : translating the reference to myth". Recherches anglaises et nord-américaines 45, n.º 1 (2012): 129–40. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.2012.1429.
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Le travail poétique de Basil Bunting et Ezra Pound inclut des traductions de poètes tels Properce, Horace ou Catulle. Cette entreprise, d’abord pédagogique pour l’apprenti poète, problématisé en fait la notion d’influence et soulève la question d’une définition de la culture. Plus précisément, l’adaptation, la suppression, ou le commentaire sur ce que devient la référence aux mythes gréco-romains en traduction permet une relecture des poèmes de Bunting et de Pound à travers le prisme de l’héritage littéraire. La traduction dans un idiome moderne permet aux poètes d’exploiter la plasticité rythmique et sémantique des mythes. Cependant, leurs réflexions sur le sujet soulignent leur conscience d’une réception parfois problématique par le lecteur moderne, en partie à cause de la richesse poétique et de la capacité de métamorphose du mythe.
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M. Lujić, Natasa. "LES CORRESPONDANCES INTERTEXTUELLES ENTRE CHARLES BAUDELAIRE ET RICHARD WAGNER". PHILOLOGIA MEDIANA 15, n.º 1 (16 de maio de 2023): 359–70. http://dx.doi.org/10.46630/phm.15.2023.25.
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Dans un premier temps, cet article aborde la relation intertextuelle entre l’oeuvre du poète français Charles Baudelaire et celle du compositeur allemand Richard Wagner. Dans un deuxième temps, nous allons nous intéresser à la musicalité que l’on retrouve dans la poésie de Baudelaire à travers trois poèmes : Correspondances, Le Chat I et La Musique. Afin d’examiner les poèmes et d’en tirer des conclusions, nous avons utilisé la méthode intertextuelle. De plus, cette oeuvre tend à éclairer la musicalité de l’oeuvre poétique de Baudelaire. Lorsque Baudelaire a vu l’opéra Tannhäuser de Wagner joué à Paris, il a tout de suite été séduit par la musique du compositeur allemand. Après avoir vu les réactions négatives des spectateurs et des critiques français, Baudelaire, également critiqué par le public français à la suite de la publication de son recueil Les Fleurs du Mal, savait qu’il devait prendre parti pour Wagner afin de protéger l’art. Baudelaire a écrit une lettre au compositeur dans laquelle il tend à exprimer son admiration pour la musique et pour le compositeur lui-même. Après avoir découvert cette lettre, nous avons souhaité approfondir nos recherches sur le sujet.
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Hayez, Cécile. "Entretien radiophonique au sujet du philosophe et du poète". Les Lettres Romanes 64, n.º 1-2 (janeiro de 2010): 49–75. http://dx.doi.org/10.1484/j.llr.1.100757.
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Jaeger, Stephan. "Poèmes classiques-romantiques. Le sujet lyrique entre deux eaux". Revue germanique internationale, n.º 16 (15 de julho de 2001): 9–26. http://dx.doi.org/10.4000/rgi.854.
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Amann, Elizabeth. "Dress, Desire, and Displacement in Góngora’s Sonnets". Renaissance and Reformation 34, n.º 4 (20 de setembro de 2012): 65–84. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v34i4.18651.
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Ces dernières années, les études critiques ont souligné le rôle du regard — le plaisir de la vue — dans la représentation du désir chez Góngora. Cet article met l’emphase sur le rôle d’intermédiaire du désir dans la poésie de Góngora. L’analyse se penche sur un groupe de sonnets qui représentent diverses robes, « Oh piadosa pared, merecedora » (1582), « Culto Jurado, si mi bella dama » (1583), et « Del color noble que a la piel vellosa » (1584). À l’aide d’une lecture attentive, on y examine comment le désir dans ces poèmes est déplacé du corps de l’aimé vers un tiers, intermédiaire, qui est associé à l’esthétique. Dans ces trois cas, la relation entre le sujet qui regarde et l’intermédiaire prend le pas sur la relation entre ce sujet et l’objet du désir. Les poèmes mettent en lumière l’importance du phantasme et de la perception esthétique dans le concept du désir chez Góngora.
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Renildes Duka de Souza, Marília, e Márcio Roberto Do Prado. "La relation entre l’homme de la Renaissance et la construction du sujet lyrique dans deux poèmes de Joachim du Bellay". Texto Poético 18, n.º 36 (29 de maio de 2022): 159–72. http://dx.doi.org/10.25094/rtp.2022n36a839.
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Cet article a pour but de comprendre la relation entre l’homme de la Renaissance et la construction du sujet lyrique dans deux poèmes de Joachim du Bellay. Selon les analyses critiques des poèmes, nous pouvons comprendre comme les caractéristiques de La Pléiade, mouvement dont du Bellay participe, se connectent à la conception de l’homme dans la Renaissance. Pour cela, nous utilisons la théorie de Agnes Heller (1982) dans le livre « L’homme de la Renaissance ». Notre hypothèse est qu’il y aurait une équivalence entre le mouvement ontologique de capacitation de l’humanité et l’élévation de l’oeuvre d’art dans ce contexte.
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Redondo, Jordi. "L’oiseau-guide, de la mythologie indo-européenne à la fable du XIVe siècle". Reinardus / Yearbook of the International Reynard Society 33 (31 de dezembro de 2021): 123–38. http://dx.doi.org/10.1075/rein.00053.red.
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Résumé Notre contribution vise à situer dans son contexte littéraire le symbolisme de l’oiseau-guide tel qu’on le trouve dans deux textes catalans caractérisés par leur étroit rapport avec la tradition occitane. Il s’agit des poèmes Frayre de joi e sor de plaser, anonyme, et de La faula de Guillem Torroella. Du point du vue aussi bien chronologique que formel, les deux poèmes offrent une composition parallèle. Le sujet dont il est question ici est la présence d’un oiseau qui guide le héros. Ce motif appartenant à la tradition poétique européenne, sa présence dans ces deux poèmes s’explique par la profonde influence de l’héritage mythologique sur les genres de la fable et le roman courtois. C’est ainsi que l’oiseau-guide se retrouve dans plusieurs récits français et occitans, notamment du cycle arthurien.
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Roussel, Jean-François. "Sujet, genre, corps et temps : La fiction féminine de Jean de la Croix et la construction discursive du sujet genré". Studies in Religion/Sciences Religieuses 31, n.º 1 (março de 2002): 19–33. http://dx.doi.org/10.1177/000842980203100102.
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Le Cantique spirituel et La vive flamme d'amour, de Jean de la Croix, sont lus ici comme exemples de construction discursive d'un genre féminin par un sujet masculin. L'objectif est de mesurer les caractéristiques et les limites d'une conception du genre comme performance (Butler) ou comme combinatoire (Probyn), conception courante en études des genres et qui postule un écart entre le sexe (naturel) et le genre (culturel et politique). Tout comme l'anthropologie sous-jacente aux deux poèmes de Jean de la Croix fait de « l'âme » le seul support du sujet, une approche post-structuraliste en études des genres peut renforcer un oubli du corps, surtout si elle est pratiquée par des hommes. L'auteur propose à cet égard un concept de corps comme sédimentation, qui prend en compte l'extension corporelle du sujet et de ses transformations.
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Patoyt, Claire. "La traduction à l’épreuve des poèmes d’Emily Dickinson : l’impossible protocole ?" Meta 57, n.º 3 (8 de julho de 2013): 647–76. http://dx.doi.org/10.7202/1017085ar.
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Peut-on élaborer un protocole de traduction de la poésie ? Le présent article examine cette question à partir d’analyses contrastives de poèmes d’Emily Dickinson et de certaines de leurs traductions françaises. La tentative d’édification de règles globales dans le transcodage poétique se heurte à la résistance de la langue poétique à toute fixation sémantique, comme en atteste l’idiolecte dickinsonien, plurivoque, voire opaque, riche en néologismes, en jeux syntaxiques et référentiels. On peut toutefois mettre en oeuvre des stratégies ponctuelles pour rendre certains aspects du lexique et de la prosodie. Mais de tels procédés laissent de côté le socle figural de la langue poétique : la métaphore. Témoignant d’un rapport dialectique entre le sujet parlant – le « je » poétique – et le monde, entre les représentations propres à ce sujet et celles que les conventions socio-culturelles inscrivent dans des dénominations figées, la métaphore invite à redéfinir la notion de protocole de traduction poétique en termes de « dispositif dialogique » privilégiant la mise en tension du sens dans la traduction.
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Cottier-Fábián, Elisabeth. "Résonances littéraires franco-hongroises, 1920–1980". Hungarian Studies 34, n.º 2 (6 de julho de 2021): 295–300. http://dx.doi.org/10.1556/044.2020.00017.
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RésuméL’ouvrage d’Anna TÜSKÉS s’appuie sur des recherches menées depuis déjà plus de dix ans (2008–2019) qui s’intéressent, de façon tout à fait originale, à certains aspects personnels, « privés », des relations littéraires entre la France et la Hongrie tout au long du siècle dernier. Ayant su mettre à profit des ressources non encore publiées du Musée littéraire Petőfi (Petőfi Irodalmi Múzeum), l’auteur réunit ici, en un dense ouvrage (383 pages), sept études distinctes au sujet d’écrivains ou traducteurs (ou encore spécialistes en arts plastiques) qui ont contribué à construire et renforcer les liens littéraires entre les deux pays, en dépit des vicissitudes historiques et politiques ayant, pendant presque un siècle, souvent menacé de les affaiblir. Les portraits individuels sont rassemblés autour d’une idée centrale, bien mise en valeur par l’auteur : le désir constant de dialogue éprouvé par des femmes et des hommes de Hongrie et de France, s’exprimant au travers d’écrits littéraires ou de correspondances, de poèmes lyriques ou cocasses, de photographies partagées… Ce livre à la très riche documentation donne à voir un tableau qui met en jeu non des « théories » littéraires, mais des sujets agissants et passionnés.
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Martelly, Stéphane. "Le corps du sujet opaque dans la poésie de Magloire-Saint-Aude". Études françaises 41, n.º 2 (28 de setembro de 2005): 57–72. http://dx.doi.org/10.7202/011378ar.
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Dans les années 1940 et 1950, le poète Magloire-Saint-Aude (1912-1971) publie en quelques minces recueils une « poésie raréfiée à l’extrême » et inaugure la modernité poétique haïtienne. Dans une écriture dense, exigeante, vécue dans son hermétisme comme une parole de l’individualité, comment se pose la question du corps à travers la figuration du sujet ? Comment peut se construire à travers la corporalité un sujet qui se définit aussi résolument par son opacité ? Pourtant, tout un lexique du corps comme matière, comme forme, comme expérience, comme espace ou comme geste, comme figure en un mot, laisse entendre que ce sujet qui se refuse si radicalement à notre reconnaissance n’est pas un sujet complètement abstrait, un pur esprit, une parole inlassable et creuse sur soi. En abordant l’oeuvre poétique de Magloire-Saint-Aude (Dialogue de mes lampes [1941], Tabou [1941] et Déchu [1956]) à travers le problème de son opacité, ce sont ces questions fondamentales concernant la représentation du sujet et de son corps qui sont problématisées ici par une approche à la fois sémiotique et herméneutique. Cet article s’attarde sur le corps du sujet opaque, tout à la fois présence et absence, qui se dérobe irrémédiablement à notre regard au moment même où nous nous interrogeons son sens.
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Mazel, Nicolas. "Car puis ce temps n'ay acquis seulement / Fors paine et deuil, regret, gemissement : Medea and the French Heroide in the XXI Epistres d’Ovide by Octovien de Saint-Gelais (Late 15th Century)". Bien Dire et Bien Aprandre, n.º 38 (8 de dezembro de 2023): 121–34. http://dx.doi.org/10.54563/bdba.1907.
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Le présent article entend étudier l’exemple de l’héroïde de Médée dans sa traduction française par Octovien de Saint-Gelais. Le poète s’écarte de la reproduction fidèle et littérale d’Ovide pour amplifier certains passages caractéristiques de la représentation de Médée comme sujet souffrant. À travers la représentation de Médée se lit une réflexion sur la manière de dire la passion amoureuse en langue française.
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Sampson, H. Grant. "The Physico-Theological Epic in the Later Eighteenth Century". Man and Nature 2 (20 de agosto de 2012): 49–60. http://dx.doi.org/10.7202/1011811ar.
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L’élaboration et la défense des sytèmes religieux chrétiens étaient plus importants dans la poésie anglaise du 18e siècle que la plupart des lecteurs modernes ne pensent. Environ cent poèmes de longueur considérable étaient consacrés à ce sujet. Dans les termes proposés par la science contemporaine, ils élaborent des démonstrations de l’existence de Dieu à partir du monde créé par lui, et ils font valoir la justice de Dieu envers les hommes.