Artigos de revistas sobre o tema "Pratiques de transmission en danse"
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1
Côté, Julie-Anne. "De la danse au musée : mémoires de l’oeuvre chorégraphique contemporaine". Muséologies 7, n.º 2 (7 de maio de 2015): 55–70. http://dx.doi.org/10.7202/1030250ar.
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La notion de patrimoine culturel s’est élargie ces dernières années. Traditionnellement associée aux monuments et aux sites sous l’angle de leurs valeurs esthétiques et historiques, elle englobe maintenant les traditions et les pratiques sociales, mais aussi les arts du spectacle, dont la danse. L’élargissement de la notion de patrimoine pose la question des nouveaux objets patrimoniaux et muséaux dont les aspects vivants, contemporains, intangibles ou immatériels sont régis par des valeurs qui s’opposent aux valeurs traditionnelles des musées. Ainsi, quoique la conservation et la valorisation du patrimoine de la danse apparaissent nécessaires, elles n’en restent pas moins complexes, particulièrement en ce qui touche l’oeuvre chorégraphique contemporaine en Occident. La danse contemporaine requiert des modes singuliers de mémoire qui supposent diverses perspectives de transmission et de mise en mémoire. Après avoir situé la danse par rapport à la notion de patrimoine culturel immatériel, ce texte présente le double registre de la mémoire de la danse contemporaine : une mémoire documentaire et matérielle et une mémoire vivante et créative. L’étude du Musée de la danse de Boris Charmatz montre comment cette mémoire vivante et créatrice de la danse est mise en oeuvre et l’examen du projet d’exposition virtuelle de la Fondation Jean-Pierre Perreault présente la mise en valeur d’une mémoire documentaire et matérielle. Ces deux formes de mise en mémoire d’oeuvres chorégraphiques contemporaines illustrent de nouvelles perspectives de sauvegarde et de muséalisation d’un patrimoine vivant.
2
Launay, Isabelle. "Le don du geste". Protée 29, n.º 2 (12 de abril de 2005): 85–96. http://dx.doi.org/10.7202/030629ar.
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À partir d’une série d’entretiens avec des danseurs-chorégraphes en activité sur la transmission en danse, et tout particulièrement dans le cadre du cours de danse, l’article s’attache à dégager ce qui se produit et se conteste au coeur de la relation en danse, pensée comme pratique de l’altérité. Quels modèles de l’Autre domine la relation en danse, comment sont-ils défaits. Comment cette relation peut-elle, non pas inventer un Autre, au nom de l’utopie d’un corps discipliné, mais cultiver la propension du corps à de l’hétérogène ?
3
Doignon, Aurélie. "Dieu, le sang, YouTube et la rue". Les Études Sociales 176, n.º 2 (21 de março de 2023): 169–92. http://dx.doi.org/10.3917/etsoc.176.0169.
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Évoquant un « don de Dieu », ou le fait d’avoir la danse « dans le sang », les danseurs de sabar , au Sénégal, prétendent avoir fait carrière sans passer par des apprentissages, tout en revendiquant plus tard d’avoir eu accès à certaines formations ou stages. En Afrique de l’Ouest, les usages du champ lexical de la vocation, très opérant dans le milieu artistique, se distinguent des usages français (en particulier à travers les apprentissages lignagers). En effet, les figures d’apprentissage et de transmission ne peuvent être comparées aux pratiques occidentales que nous connaissons. Les formes et les sentiments d’autodidaxie qui sont à l’œuvre sont mis en parallèle avec les structures informelles d’apprentissage.
4
Régulus, Samuel. "Transmission du vodou haïtien confrontée aux impératifs du changement et de la loyauté". Ethnologies 35, n.º 1 (9 de setembro de 2014): 103–23. http://dx.doi.org/10.7202/1026453ar.
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Sous l’influence de plusieurs facteurs (phénomène migratoire, contexte politique, disposition théologique), le vodou - étant un système ouvert - évolue tant sur le plan de la pratique que celui du discours. L’analyse des données ethnographiques révèle que de nouvelles pratiques du vodou se déploient dans une logique de croisement entre l’impératif du changement et l’exigence de la loyauté envers la mémoire des ancêtres. Dans le temps, on reprochait au vodou son infantilisme, son arriération. Habituellement, il est sans traces écrites, confiné dans des taudis, incapable de se défendre face aux discours concurrents. Aujourd’hui, on le retrouve de plus en plus dans l’espace public : places publiques, parcours carnavalesques, radio, télévision, internet. Les initiés se regroupent dans des associations. Ils formulent des revendications politiques. Ses adeptes font usage des textes écrits dans leurs rencontres de prière et de méditation. Face à de telles pratiques, certains observateurs veulent faire « un rappel à l’ordre ». Ils regrettent que le vodou ne reste plus « soi-même ». « Il perd son authenticité ». Mais pour les « nouveaux acteurs » vodou, rester attacher à leurs racines, c’est pouvoir en toute liberté honorer les Lwa, ce qui consiste à : jeter de l’eau, tracer les vèvè, allumer les bougies, jouer les tambours, chanter et danser les Lwa, pratiquer leur médecine sacrée, garder leur rapport harmonieux avec les arbres, et continuer la fonction sociale du vodou. De ce côté, ils ne veulent pas lâcher prise. Par ailleurs, ils ne veulent pas non plus continuer à être l’objet de curiosité permettant aux « civilisés » de revisiter leur passé archéologique.
5
Djakouane, Aurélien, e Louis Jesu. "Générations hip-hop". L'Année sociologique Vol. 74, n.º 1 (5 de março de 2024): 57–84. http://dx.doi.org/10.3917/anso.241.0057.
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Si comme le rappelle Eliot Freidson (1986), les professions artistiques posent un défi à l’analyse sociologique, c’est encore plus vrai des milieux peu institutionnalisés, issus des cultures populaires, comme la danse hip-hop. L’observation de l’évolution des identités professionnelles des danseurs de hip-hop offre donc une perspective intéressante pour comprendre les mutations à l’œuvre dans cet univers artistique : démultiplication de l’activité, voisinage du public et du privé, évolution des formes de transmission et de collaboration artistiques, métamorphoses des lieux de pratique ordinaire et effacement des liens avec les quartiers populaires (Jésu, 2016). Le propos de cet article est d’analyser les déterminants qui pèsent sur la manière dont on se revendique danseur de hip-hop au fil des générations et d’éclairer les différentes dimensions qui participent à construire cette identité artistique. Ce faisant, il s’agira, par cet exemple, d’illustrer les processus d’institutionnalisation des arts populaires et les enjeux pour la survie des artistes qui en sont issus, tout comme l’émergence d’un nouveau rapport au travail.
6
Van Branteghem, Laurane. "Pratiques de résistance en danse actuelle. Husk de George Stamos et Montréal Danse". Horizons/Théâtre, n.º 10-11 (1 de julho de 2017): 152–67. http://dx.doi.org/10.4000/ht.542.
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7
Villard, Marie-Aline. "Corps énergétique et danse". IRIS, n.º 31 (15 de julho de 2010): 107–17. http://dx.doi.org/10.35562/iris.2373.
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Penser le « corps énergétique » et la danse revient à considérer cette réalité énergétique au sein du corps dansant, autant au niveau quantitatif que qualitatif. En danse, nous ne parlons pas exactement de « corps énergétique », mais principalement d’énergie déployée. Afin de comprendre le « corps énergétique » en danse, nous nous sommes intéressés à deux pratiques originales mettant en œuvre un jeu de question-réponse énergétique : le contact improvisation et le vol chorégraphique. Le corps énergétique apparaît au fur et à mesure de la réflexion comme une métaphore désignant une triade nécessaire au déploiement d’un seul système, et c’est cette même triade que nous rencontrons à chaque fois que nous appréhendons la complexité du corps dansant.
8
Duval, Hélène, Caroline Raymond, Delphine Odier-Guedj, Citlali Gimenez e Caroline Charbonneau. "Regard didactique sur les pratiques à visées inclusives d'enseignantes de danse à l'école québécoise". Journal de recherche en éducations artistiques (JREA), n.º 1 (1 de fevereiro de 2023): 96–109. http://dx.doi.org/10.26034/vd.jrea.2023.3588.
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Depuis quarante ans, la danse fait partie du curriculum scolaire québécois en tant que discipline du domaine artistique. Dans le contexte actuel, les pratiques d’enseignement sont mises au défi par une prérogative d’intégration scolaire, où l’enseignant de danse doit « adapter ses interventions aux besoins et aux caractéristiques des élèves avec handicap ou en difficulté d’adaptation ou d’apprentissage (EHDAA) » (Gouvernement du Québec, 2001). Cet article présente une partie des résultats d’une étude qualitative sur des pratiques d’enseignantes de danse dans des groupes intégrant des EHDAA, dont l’objectif est de décrire les stratégies didactico-pédagogiques et identitaires déployées par les enseignantes dans le but de favoriser la réussite de tous. En s’appuyant sur le concept de dialogue didactique interactif (Raymond, 2014, 2018), nous avons identifié trois grandes orientations de valeurs (Jewett, 1977) agissant comme ciment du lien de confiance enseignante élèves: la valorisation de la singularité et du potentiel de chaque élève, la préservation de l’unité du groupe et la création d’un espace d’expression authentique et égalitaire. Ces dernières, ainsi que la façon dont l’enseignante investit et structure l’espace de classe, favorisent l’utilisation de stratégies didactiques (activité ludique et toucher didactique), facilitant la mobilisation des savoirs de danse en contexte d’intégration scolaire au primaire et au secondaire.
9
Jan, Corentin. "Un Tanztheater pour le XXI e siècle ? Pratiques corporelles et grotesque queer-féministe dans les spectacles de Florentina Holzinger". Allemagne d'aujourd'hui N° 245, n.º 3 (28 de setembro de 2023): 143–54. http://dx.doi.org/10.3917/all.245.0143.
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La jeune chorégraphe autrichienne Florentina Holzinger, développe depuis une dizaine d’années un Tanztheater qui fait la part belle à l’exploration critique de pratiques corporelles contemporaines et plus anciennes, en convoquant et détournant par exemple les chorégraphies du ballet classique et moderne. Au sein de spectacles presque toujours interprétés par des femmes, ces pratiques se trouvent réagencées, déplacées et insérées dans des univers où se mêlent des références aux grands récits occidentaux ( La Divine Comédie de Dante, Hamlet de Shakespeare…) et à des formes spectaculaires plus contemporaines ( Freak Show , concours de télévision…). La démarche de Florentina Holzinger cherche moins une esthétique du choc et de la violence qu’elle ne joue en acte avec les pratiques corporelles présentes et passées ainsi que leurs significations culturelles. Il s’agit de montrer en quoi la démarche de la chorégraphe vise à s’approprier, à détourner et à observer d’un œil critique les pratiques corporelles du présent et du passé et les imaginaires qui leur sont associés. Deux spectacles, A Divine Comedy (2021) et Ophelia’s got Talent (2022), sont au cœur de l’analyse qui considère la danse comme un lieu de travail esthétique sur les pratiques et les imaginaires sociaux du corps. Les deux spectacles détournent ces pratiques et ces « images corporelles » en les soumettant à un registre grotesque au sens bakhtinien du terme et en les détournant vers des pratiques sexuelles, scatologiques ou qui, plus largement, prennent appui sur la matérialité des corps en présence. Cet esthétique grotesque s’inscrit dans un projet artistique queer-féministe et dans une filiation critique de l’histoire de la danse et de la performance.
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Claire, Elizabeth. "Pratiques de danse et discours de genre, une histoire connectée". Clio, n.º 46 (1 de dezembro de 2017): 7–18. http://dx.doi.org/10.4000/clio.13682.
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Bationo-Tillon, Anne, Sandra Nogry e Françoise Wittman. "Mettre en mouvement son parcours de danseuse : vers une pédagogie de la résonance". Journal de recherche en éducations artistiques (JREA), n.º 2 (6 de fevereiro de 2024): 54–68. http://dx.doi.org/10.26034/vd.jrea.2024.4726.
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Dans cet article, nous documentons l’activation d’un dispositif pédagogique artistique co-conçu avec une enseignante de danse d’un conservatoire français dans le contexte d’un projet de recherche-action. Ce dispositif s’inscrit dans la perspective de la théorie de la résonance développée par Rosa (2018, 2022) et vise le développement des capacités de résonance des élèves pour étayer leur réflexivité sur la place de leurs pratiques de danse dans leur parcours de vie. Nous documentons ce processus par l’entremise d’une ethnographie par l’image. À partir de cette recherche exploratoire, nous identifions des repères pour intégrer la théorie de la résonance dans la conception de dispositif pédagogique artistique.
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Roquigny, Peggy. "La danse pour tout un chacun : pratiques différenciées d’un loisir commercial à Montréal pendant l’entre-deux-guerres". Mens 16, n.º 1 (20 de fevereiro de 2017): 21–61. http://dx.doi.org/10.7202/1038983ar.
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Pendant l’entre-deux-guerres, Montréal connaît un contexte favorable à l’épanouissement du marché du divertissement. La commercialisation du loisir, déjà enclenchée à la fin du xixe siècle, s’amplifie malgré un contexte économique instable. Sur fond de musique jazz, la danse récréative n’échappe pas à ce mouvement de commercialisation. Les commerces proposant de s’adonner aux dernières danses à la mode se multiplient dans le centre-ville et rendent plus manifeste la popularité de l’activité dansante chez les citadins. Dans cet article, nous verrons que la commercialisation de la danse se décline en une variété de formules qui permettent des pratiques hétérogènes, associées à des formes de sociabilité variées, ce qui révèle des compréhensions différentes de la respectabilité.
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Vellet, Joëlle. "La transmission matricielle de la danse contemporaine". Staps 72, n.º 2 (2006): 79. http://dx.doi.org/10.3917/sta.072.91.
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Sintès, Guillaume. "Pratiques de l’archive en danse : l’exemple du Projet Waehner 2015-2018". Marges, n.º 25 (1 de outubro de 2017): 76–87. http://dx.doi.org/10.4000/marges.1321.
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Leduc, Diane, Jean-Guy Blais e Gilles Raîche. "Intégration des pratiques d’évaluation des apprentissages aux pratiques pédagogiques dans le domaine des arts au collégial". Revue des sciences de l’éducation 38, n.º 2 (18 de novembro de 2013): 373–96. http://dx.doi.org/10.7202/1019611ar.
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Avec comme toile de fond les approches par compétences, cette recherche a pour objectif de décrire l’intégration des pratiques d’évaluation des apprentissages aux pratiques pédagogiques chez des enseignants du collégial. Au terme de l’analyse des réponses à deux questionnaires auxquels ont répondu des enseignants en arts plastiques et en danse, d’une analyse des politiques d’évaluation des apprentissages et d’un examen des documents d’évaluation des enseignants, il appert que l’intégration des pratiques d’évaluation des apprentissages est présente dans toute la démarche évaluative. En effet, depuis les règles prescrites par les politiques jusqu’à la remise des travaux aux étudiants, les enseignants participants ont le souci d’harmoniser l’évaluation des apprentissages à leur enseignement tout en respectant les exigences institutionnelles. Toutefois, cette préoccupation se présente ponctuellement à certains moments de l’enseignement et est moins le reflet d’une démarche mûrement réfléchie que d’actions intuitives répondant soit à des prescriptions, soit à des besoins en classe.
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Pichette, Jean-Pierre. "De la Mégère apprivoisée au Roman de Julie Papineau. Origines d’un rituel du mariage franco-ontarien". Cahiers Charlevoix 6 (10 de abril de 2017): 195–248. http://dx.doi.org/10.7202/1039333ar.
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Jean-Pierre Pichette ajoute un deuxième chapitre à son étude d’une sanction rituelle du mariage franco-ontarien et il se met en quête de l’origine de la « danse sur les bas ». Comme cette tradition est attestée dans les recoins de la francophonie d’Amérique et inconnue des populations anglophones, il se tourne naturellement vers la France. Bien que, là aussi, des expressions métaphoriques et de nombreuses pratiques stigmatisent l’aîné devancé dans le mariage par son cadet, rien de comparable aux rituels canadiens-français. Explorant alors la filière britannique, il débusque, depuis la danse pieds nus de La Mégère apprivoisée de Shakespeare jusqu’à la danse dans l’auge décrite par des folkloristes et des curieux au xixe siècle, des parallèles de la plupart des variantes qui ont cours en Amérique française. Cette constatation l’amène à s’interroger sur le cheminement probable de cette coutume, dans laquelle les Bretons, les Celtes français, auraient pu jouer un rôle déterminant de diffuseurs au temps de l’émigration française au Canada. Sans découvrir chez eux les formes qui manifesteraient ce rôle, l’auteur relève néanmoins dans le personnage du baz-valan, ou entremetteur de mariage, de nombreux indices qui appuient son hypothèse : son statut de célibataire, le port de bas colorés et dépareillés dans l’accomplissement de sa charge, et la danse avec la mariée comme récompense. Si l’influence celtique est certaine, son lieu, en France ou au Canada, reste à déterminer.
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Scarpulla, Mattia. "Archives, danse1 et recréation. Une introduction2". Archives 46, n.º 1 (22 de março de 2016): 15–34. http://dx.doi.org/10.7202/1035720ar.
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Dans son article, Mattia Scarpulla s’intéresse aux archives courantes et historiques du milieu professionnel de la danse qu’il nous décrit à travers les fonctions de transmission et de diffusion. Les archives administratives de ce milieu prennent différentes formes et sont autant de moyens de transmission, que ce soit lors de la création de la chorégraphie, de sa représentation ou encore de sa recréation. Le document d’archives, ainsi transmis, est porteur de la mémoire de la danse et du potentiel créatif des oeuvres. L’auteur explique qu’à la base de la mémoire de la danse, il y a sa disparition, d’où la nécessité de la conserver pour une nouvelle création. Quant aux archives historiques du domaine, elles possèdent également ce fort potentiel créatif qui se manifeste, entre autres, par la diffusion d’archives qui deviennent des oeuvres en elles-mêmes.Scarpulla nous présente trois institutions vouées à la conservation de ces archives, chacune possédant ses propres enjeux et approches, soit la bibliothèque de la danse Vincent-Warren, le Centre national de la danse et le Musée de la danse, situé à Rennes. Par ces exemples, l’auteur évoque la question des archives en lien avec la nécessité de produire de nouvelles mémoires, de nouvelles danses et aborde des sujets tels que le pouvoir de dire, les enjeux politiques institutionnels et les enjeux personnels propres à ce milieu. Ces derniers aspects sont des ouvertures vers des considérations sur la production d’archives, en tenant compte du facteur humain et créatif à la base d’un choix ou d’une action.
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Montaud, Dominique, e Chantal Amade-Escot. "La transmission de la proposition dansée: lieu de co-construction de la corporéité de l’enseignant et des élèves". Swiss Journal of Educational Research 38, n.º 1 (19 de setembro de 2018): 89–108. http://dx.doi.org/10.24452/sjer.38.1.4972.
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Sur la base d’une étude de cas longitudinale d’une durée de six ans, cet article examine la manière dont se construit la corporéité des élèves en danse, en tant qu’objet d’enseignement en Éducation physique et sportive (EPS).. Nous déclinons ici le concept de corporéité selon une modalité pragmatique, spécifique au monde de la danse: les «états de corps». L’étude s’intéresse à la manière dont un professeur ayant une certaine expérience, mais aucune dans l’enseignement de la danse, mobilise au fil des ans, ses états de corps dans le but de transmettre une proposition dansée à ses élèves. Cette proposition dansée relève d’une tâche prototypique en danse, mise en œuvre dans toutes les séances observées. Les résultats montrent qu’au fil du temps l’intention du mouvement dansé est co-construite entre les élèves et l’enseignant et que ce dernier crée des conditions de plus en plus favorables à la réalisation d’expériences sensibles pour les élèves, contribuant ainsi à enrichir leurs «états de corps dansant».
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Djebbari, Elina. "La relation musique-danse dans le genre du ballet au Mali : organisation, évolution et émancipation". Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, n.º 1-2 (21 de setembro de 2012): 21–26. http://dx.doi.org/10.7202/1012346ar.
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Pendant longtemps, la danse dite « africaine » a été considérée comme une expression corporelle que l’on ne pouvait distinguer du « tam-tam », censé l’accompagner à tout moment. Depuis sa création après l’indépendance en 1960, le Ballet national du Mali a contribué à donner du sens à ce stéréotype en faisant du tambour jembe l’instrument-roi de ce genre musico-chorégraphique. Cet article propose de nous interroger sur les techniques musicales et chorégraphiques qui permettent l’interaction musique-danse lors de la performance scénique, sur les rapports de hiérarchie qui s’en dégagent, la façon dont ces valeurs peuvent s’inverser ou se transformer selon les contextes et les pratiques et, enfin, d’appréhender comment la création artistique contemporaine de ce genre musico-chorégraphique semble pouvoir s’orienter vers une dissociation de ces deux éléments alors que leur complémentarité en déterminait justement la caractéristique principale.
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Vassileva Fouilhoux, Biliana, e François Potdevin. "Les dispositifs d’immersion en danse : un nouvel outil créatif et pédagogique". Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 26, n.º 1 (2014): 143–52. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2014.1630.
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Le danseur est toujours à la recherche d’invention d’outils d’amélioration de ses capacités créatives et corporelles pour étendre son champ de perception qui est au coeur de sa singularité. En danse, l’idée d’une enhanced motricity (motricité augmentée) est étroitement liée à l’habitus de perception construit au cours d’un entraînement complexe avec des objectifs esthétiques et technologiques. Ainsi, l’objet de cette réflexion se focalisera sur l’apparition et la diversité des dispositifs d’immersion à l’usage du danseur au cours de son processus de création et de formation d’interprète. L’enjeu de cet article est d’analyser les enjeux des pratiques d’exploration de sa propre virtualité par les nouvelles technologies qui pénètrent de façon constante le domaine de la création chorégraphique contemporaine. Un panorama retraçant les multiples collaborations entre danseurs, chorégraphes, ingénieurs et scientifiques nous aidera à comprendre la naissance d’un nouvel art chorégraphique dont les dispositifs d’immersion bousculent, aujourd’hui, les fondements de l’art de la danse.
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Majed, Asma. "Musique et hypnose". Wisdom Journal For Studies & Research 2, n.º 2 (30 de março de 2022): 148–73. http://dx.doi.org/10.55165/wjfsar.v2i2.92.
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Le samaï est une forme classique de la musique arabe. La danse des derviches tourneurs est parmis ses pratiques les plus repondues pour cela on les voit souvent dans des états de transe. Etant donné ses qualités structurelles rythmiques et maqamiques, il présente une autohypnose. D’une part, il assure la synchronisation du rythme respiratoire avec le rythme musical. D’autre part, la notion du maqam, précisément béyeti porte aussi une singularité en termes d’interprétation et d’alliance de l’image acoustique à l’image mentale cela est parfois ressourçant d’énergie et de positivité ainsi ainsi qu’il pourrait être hypnotisant.
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Maurin, Frédéric. "L’impermanence est-elle soluble dans le répertoire?" L’Annuaire théâtral, n.º 53-54 (9 de junho de 2015): 75–90. http://dx.doi.org/10.7202/1031154ar.
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À partir de démarches récentes, mais aussi de pratiques plus anciennes, cet article interroge la notion de répertoire en étendant son acception dramatique d’usage à une application scénique. Au théâtre, comme à l’opéra, en danse et dans la performance, il est des gestes artistiques et des processus créateurs qui, étroitement liés aux notions voisines de reprise, de variation, de citation et, désormais, de reenactment, permettent de valider l’hypothèse que ne revient pas au seul texte l’apanage de se constituer en mémoire – une mémoire vive, susceptible d’être ranimée et rejouée, c’est-à-dire interprétée.
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Buscatto, Marie. "Au cœur d'une pratique de loisir très « féminine »: le jazz vocal amateur". Nottingham French Studies 52, n.º 1 (março de 2013): 113–29. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2013.0043.
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Les enquêtes statistiques relatives aux pratiques culturelles de loisir des Français-e-s font apparaître leur forte dimension genrée : écriture de journaux intimes, chant en chorales ou danse pour les femmes, instruments de musique, rock ou photographie pour les hommes. Comment expliquer que chacun-e s'oriente de manière principale vers l'une ou l'autre pratique de loisir ? Une réflexion sur les modes de construction d'une pratique de loisir comme « féminine » ou « masculine » – des socialisations de l'enfance aux dispositifs constitutifs de cette pratique en passant par les imaginaires associés à ces loisirs – sera ici engagée à la lumière d'une observation prolongée du jazz vocal amateur en France. Sera décrite et expliquée la différenciation genrée observée entre femmes chanteuses et hommes instrumentistes amateurs, et ce alors même qu'aucune règle sexuée ne détermine a priori la place, le rôle et les pratiques musicales des unes et des autres.
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Mourey, Marie-Thérèse. "Entre pratiques, techniques et esthétiques : politiques et imaginaires de la danse dans l’espace germanique". Allemagne d'aujourd'hui 220, n.º 2 (2017): 121. http://dx.doi.org/10.3917/all.220.0121.
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Despotovich, Brett, Robert Hengeveld, Risa Horowitz, Brandy Leary, Lynne Quarmby e Susan Stewart. "An Other North: The Arctic Circle Summer Solstice Expedition 2017". RACAR : Revue d'art canadienne 43, n.º 1 (7 de agosto de 2018): 53–62. http://dx.doi.org/10.7202/1050820ar.
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Cette section Pratiques présente un aperçu du travail de six Canadiens, cinq artistes et une scientifique, qui en juin 2017 ont navigué le long des côtes ouest et nord du Svalbard, dans l’Arctique, dans le cadre de The Arctic Circle Summer Solstice Expedition. Cette expédition réunissait trente artistes, scientifiques, architectes et éducateurs, dont les pratiques englobent le dessin, les médias photographiques, les interventions in situ, la vidéo, la danse, la performance, l’écriture, les démarches sociales et la biologie moléculaire. Cette section témoigne de la nature interdisciplinaire, transdisciplinaire et multidisciplinaire des projets réalisés pendant l’expédition, ainsi que des multiples réflexions nées dans les mois suivants des discussions s’y étant déroulées. Encadrées par divers thèmes de projet, tels le deuil, la souveraineté, les catastrophes écologiques, les études nordiques et la cosmologie, les expériences collectives des participants, ainsi que les oeuvres qui en résultèrent, soulèvent des questions concernant les écologies humaines et leurs effets sur elles-mêmes et sur la planète entière.
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Benedetti, Davia. "Les gestes dans l’apprentissage en danse contemporaine, entre mise en mots et mise en corps". Movement & Sport Sciences - Science & Motricité, n.º 99 (2018): 3–8. http://dx.doi.org/10.1051/sm/2018005.
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L’enseignement de la danse met en jeu des gestes à enseigner, des gestes pédagogiques, des gestes reproduits par les enseignés et des gestes propres à chacun. Cet article fait suite à une enquête anthropologique menée, en Corse, de 2007 à 2016, par observation participante et entretiens semi-dirigés, et complétée par des entretiens d’explicitation auprès d’élèves danseurs. Il analyse dans quelle mesure les processus de cognition tant rationnels qu’émotionnels sont liés à la motricité dans l’apprentissage en danse contemporaine. La verbalisation de connaissances théoriques et la description métaphorique des gestes à enseigner ont leur place dans la transmission de cette danse. Son apprentissage, cependant, réside essentiellement en l’acquisition d’une connaissance procédurale, incorporée par expérience directe et observation vicariante. Il repose sur une éducation sensorimotrice avec réciprocité d’écoute kinesthésique et sensorielle entre les danseurs. Il consiste à apprendre non pas à reproduire les gestes d’une technique de danse mais à signifier et interpréter un sens chorégraphique, de manière personnalisée et au moyen des gestes de cette technique. C’est une démarche d’écologisation corporelle, selon un processus neurocognitif prenant en compte les sensations, la sensibilité proprioceptive, les émotions et affects, et la conscience kinesthésique et empathique de ses partenaires.
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Guillebaud, Christine. "L'art de la multimodalité". Anthropologie et Sociétés 38, n.º 1 (10 de julho de 2014): 25–45. http://dx.doi.org/10.7202/1025807ar.
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Cet article examine le concept d’intersection à partir d’observations effectuées sur le terrain des pratiques rituelles en Inde. Ce concept permet de décrire différentes modalités de convergence qui unissent ou différencient les pratiques artistiques que sont la musique, les arts visuels ou encore la danse. Dans la perspective d’une anthropologie du sensible, l’auteure analyse différents procédés de composition consistant à associer des formes esthétiquesa prioridistinctes (ex : une formule rythmique spatialisée autour d’un dessin de sol ; un chant mis en décalage d’un mouvement dansé), ou encore à les dissocier dans certains cadres récents de performance. Cette démarche, fondée sur l’observation de rituelsin situ, est à même d’offrir un cadre de comparaison dépassant le terrain indien et ses spécificités culturelles. On envisagera en effet ces intersections comme de véritables médias de l’efficacité rituelle, tout en s’appuyant sur les théories locales dont ils font l’objet. Quelle est la nature de ces expériences combinant des expressions visuelles et sonores ? Comment les décrire et avec quels outils ? À travers l’association (ou la dissociation) des registres expressifs, comment les acteurs attribuent-ils des valeurs spécifiques ?
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Simon-barouh, Ida. "Pratiques familiales et transmission chez les Cambodgiens". Hommes et Migrations 1234, n.º 1 (2001): 83–89. http://dx.doi.org/10.3406/homig.2001.4835.
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Delmas, Fanny, Claire Joulé, Pethso Vilaisarn, Mathilde Galinou e Sally Gardner. "Deux temps, trois mouvements : les jeux dans les lieux de danse". Cahiers de danse N° 1, n.º 2 (20 de outubro de 2023): 34–43. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001a.0034.
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Depuis plusieurs décennies, les artistes et les institutions culturelles développent des jeux pour favoriser la transmission de la danse. Ces supports ludiques initient un dialogue à quatre voix entre Mathilde Galinou et Pethso Vilaisarn (chargés des relations avec les publics au CDCN du Val-de-Marne et au CDCN de Toulouse), Claire Joulé (responsable du centre de documentation au CDCN de Toulouse) et Fanny Delmas (responsable du pôle Éducation artistique et culturelle au Centre national de la danse). Ensemble, ils esquissent une typologie des catégories, des modes d’accès et des fonctions de ces jeux. Comme outils de pédagogie, de création ou d’incitation au mouvement, ils participent à l’évolution des métiers de la médiation.
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Arnaud, Lionel. "Entre expérimentation culturelle et domestication économique : les ambiguïtés d’une médiation par l’art dans le carnaval de Notting Hill et le défilé de la Biennale de la danse de Lyon". Lien social et Politiques, n.º 60 (12 de janeiro de 2009): 91–103. http://dx.doi.org/10.7202/019448ar.
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Résumé À partir d’une comparaison entre le carnaval de Notting Hill à Londres et le défilé de la Biennale de la danse de Lyon, conduite de 2000 à 2005, cet article entend montrer comment les dispositifs de médiation culturelle contribuent à convertir les expérimentations sociales héritées des mouvements culturels des années 1970 en ressource productive au service du développement économique. L’analyse montre en particulier que la multiplication des objets (visant notamment à circonscrire et à sécuriser l’expression des minorités culturelles) et des hommes (artistes, professionnels du travail social) contribue à enserrer ces initiatives culturelles originales dans des partenariats et des stratégies politiques, et finalement à les désenchâsser des logiques pratiques qui les ont vues naître.
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Boivineau, Pauline, e Nathalie Schieb-Bienfait. "Les laboratoires de recherche artistique, par le prisme du travail en train de se faire". Annales des Mines - Gérer & comprendre N° 155, n.º 1 (7 de junho de 2024): 3–15. http://dx.doi.org/10.3917/geco1.155.0003.
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Face aux enjeux liés d’insertion professionnelle des jeunes artistes et de permanence artistique, cet article aborde la problématique de la pratique de la recherche artistique et de ses conditions de mise en oeuvre, à partir d’une démarche ethnographique, menée au sein d’un laboratoire éphémère de recherche intergénérationnelle et pluridisciplinaire (danse et dessin). Y sont interrogées les conditions de la création et de la reproductibilité de ces laboratoires, dans un contexte de remise en cause du modèle actuel de création et diffusion en France. La caractérisation proposée témoigne de l’intérêt d’étudier la pratique de la recherche artistique par le prisme organisationnel. Elle permet d’identifier les pratiques de travail et de repérer des leviers de professionnalisation pour les jeunes artistes.
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Delavaud-Roux, Marie-Hélène. "La Grèce antique connaissait déjà la Break Dance!" Dramaturgias, n.º 7 (4 de julho de 2018): 529–40. http://dx.doi.org/10.26512/dramaturgias.v0i7.9536.
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Si la Break Dance, l'une des nombreuses disciplines du hip hop, est née au début des années 1970, dans le milieu urbain et défavorisé new-yorkais du quartier du Bronx, la Grèce antique connaissait déjà un amateur d'une discipline acrobatique que nous pourrions aujourd'hui qualifier de Break Dance. Ce per- sonnage, nommé Hippocleidès, se produisit dans les années 572-570 av. J.-C.1 à l'occasion d'une réunion organisée par le tyran de Sicyone pour remercier tous les aristocrates qui avaient prétendu à la main de sa fille et choisir son gen- dre. Hippocleidès fit scandale par sa danse, jugée très inconvenante et qui lui fit manquer le mariage escompté. Cette anecdote, rapportée par le célèbre his- torien Hérodote au milieu du Ve siècle av. J.-C., révèle la modernité de la Grèce antique en matière de pratiques orchestiques mais la comparaison ne peut pas être soutenue au-delà d'un certain point et ce pour plusieurs raisons. Hippocleidès, à la différence des premiers artistes de Break Dance, n'émerge pas d'un milieu défavorisé. Il est issu de la noblesse. Son exhibition est une improvisation mais ce n'est pas une danse de rue ou même une danse spécifiquement urbaine. Elle ne reflète en rien une pression sociale. Replaçons cette brillante chorégraphie dans son contexte pour mieux la comprendre. On rappellera qu'elle s'effectue dans le cadre de la préparation d'un mariage fastueux, avec un enjeu politique considérable, puis nous verrons qu'elle devient un prétexte pour écarter Hippocleidès car ce prétendant est incompatible avec la politique matrimoniale du tyran de Sicyone comme l'ont montré les travaux d'A. Duplouy.
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Nakajima, Nanako. "The Aging Body in Dance: A cross-cultural perspective (extract)". Cahiers de danse N° 0, n.º 1 (5 de abril de 2023): 30–31. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001.0030.
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Le processus biologique, social et artistique du vieillissement contraint voire inhibe la capacité de mouvement ; pourtant, il stimule aussi d’autres désirs de danse. Nanako Nakajima partage avec nous le récit de sa rencontre avec le danseur Kazuo Ôno **** , alors centenaire : comment engager la transmission de son art, dans les corps comme dans les mémoires ?
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Pradel, Lucie. "Patrimoine partagé et carnaval caribéen". Ethnologies 34, n.º 1-2 (6 de agosto de 2014): 251–71. http://dx.doi.org/10.7202/1026153ar.
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Par sa représentation de diverses formes d’expressions patrimoniales, par son alliage de traditions orales, rituelles, sociales, de même que de savoirs et de savoir-faire, le carnaval est représentatif du patrimoine immatériel. Le terme « carnaval » minore la dimension d’un festival artistique animé par la musique, la danse, le théâtre, l’art de la performance, la peinture, la sculpture, le stylisme, la chapellerie, l’art photographique. Le carnaval se singularise par son rôle d’incubateur de nouvelles pratiques et par son influence dynamique sur d’autres secteurs d’activités, à savoir les secteurs artistique, culturel, social et économique. La notion de patrimoine partagé est utile en tant que mode d’interprétation du carnaval et, de manière plus large, cette notion contribue également à l’interprétation du patrimoine immatériel.
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Légeret, Katia. "Briller, obscurcir ou aveugler ? La lumière dans le théâtre et la danse contemporaine". Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 17, n.º 1 (2009): 259–74. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2009.883.
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Dans certaines mises en scène contemporaines du spectacle vivant, fondées sur l’interculturalité, les dispositifs lumineux n’éclairent plus une dramaturgie préétablie mais ils participent activement au processus de création collective, invitant le public à en multiplier les lectures possibles. En effet, lorsque la lumière est perçue par son concepteur comme un élément essentiellement aveuglant, toute instrumentalisation la réduisant à un objet ou à une technique est ainsi évitée. Dès lors, la lumière se situe entre les arts et entre les corps des acteurs et des danseurs, tel un matériau ou un environnement transculturel, résistant à certaines pratiques et conceptions du signe. Cultivant la réception d’un spectateur qui accepte de ne plus rien voir a priori, ces performances risquent cependant de préférer à la lumière son contraire. La mise en œuvre d’une telle esthétique de la disparition, notamment dans des mises en scène de Pina Bausch, de Carolyn Carlson et de Bartabas, remet en question l’idée d’un corps qui serait à la fois visible et voyant, et joue sur les limites de ses formes sensibles et de ses transformations possibles.
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Germain-Thomas, Patrick. "La transmission de l’héritage de la danse moderne allemande : un apport essentiel pour le développement de la danse contemporaine en France". Allemagne d'aujourd'hui 220, n.º 2 (2017): 90. http://dx.doi.org/10.3917/all.220.0090.
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Sutton, Jane S., e Nkanyiso Mpofu. "Figuring Reconciliation: Dancing With the Enemy". Windsor Yearbook of Access to Justice 25, n.º 2 (1 de fevereiro de 2007): 291. http://dx.doi.org/10.22329/wyaj.v25i2.4616.
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This essay is about fi guring “argument as dance” and one way of conceiving how to live or embody argument as such. Concretely, it displays “argument as war” alongside a road in Mississippi after a white man shoots down James Meredith as he asserts his legal right to vote. And it tells “how to” perceive the shooting as dance by turning fi rstly to the performance of dance fi gured in the beginnings of rhetoric and then secondly, setting forth demystifi ed methods and strategies of body-speech fi guring argument as dance, rather than as war, through performances of Nelson Mandela. More generally, it explores a new meaning or experience of rhetoric by explicitly conjoining two historical times, two geographies, two speakers, enemies and dancers, that are inextricably interconnected. Using a combination of description and analysis, the fi rst is a full display of three photographs picturing argument as war. The whole picture serves as a descriptive compass or guide for making our way analytically through argument as war and into dance language and behavior and their interconnections to argument. The second is a retrospective discussion of the background, dancing/argumentative practices, what is called “blinking on the behalf of the enemy,” of Nelson Mandela. Overall, the strategy of reticulating political times, chronology and political spaces, geography on the one hand, and argument as war and argument as dance on the other hand is to reconcile confl icting measures and to produce a performance practice (of rhetoric) of which there is no canon.Cet article représente «l’argumentation comme danse» et présente une façon de concevoir comment éprouver et discerner ainsi l’argumentation. Concrètement, il fait voir «l’argumentation comme guerre» le long d’une route au Mississippi après qu’un homme blanc ait tiré James Meredith alors que ce dernier affi rmait son droit légal de vote. Et il relate «comment» percevoir la fusillade comme danse en se penchant d’abord sur l’exécution de danse représentée aux débuts de la rhétorique puis, en deuxième lieu, en présentant des méthodes démystifi ées et des stratégies de langage du corps qui représentent l’argumentation comme danse, plutôt que comme guerre, par le biais de prestations de Nelson Mandela. De façon plus générale, il explore un nouveau sens ou une nouvelle expérience de rhétorique en réunissant explicitement deux époques historiques, deux géographies, deux interlocuteurs, ennemis et danseurs, qui sont liés inextricablement. En utilisant une combinaison de description et d’analyse, la première est une exposition complète de trois photos qui représentent l’argumentation comme guerre. Le portrait entier sert de compas ou de guide descriptif pour frayer analytiquement un chemin à travers l’argumentation comme guerre vers le langage et le comportement de la danse et leurs liens à l’argumentation. La deuxième est une discussion rétrospective de la toile de fond, les pratiques de danse/argumentation, ce qu’on appelle «fl ancher pour l’ennemi», de Nelson Mandela. En somme, la stratégie d’agencer les ères politiques, la chronologie et les espaces politiques, la géographie d’une part, et l’argumentation comme guerre et l’argumentation comme danse d’autre part, est de réconcilier des mesures confl ictuelles et développer une pratique d’exécution (de rhétorique) pour laquelle il n’y a pas de règle.
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Robin, Guillaume. "Du K-hole au club de gym. Entre libération corporelle et autodiscipline. Vivre son corps aujourd’hui dans la scène techno berlinoise". Allemagne d'aujourd'hui N° 245, n.º 3 (28 de setembro de 2023): 59–70. http://dx.doi.org/10.3917/all.245.0059.
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La crise sanitaire a affecté le lien singulier au corps et entravé l’immersion dans l’espace-temps hétérotopique des soirées techno. Dans cet article, l’auteur interroge les pratiques corporelles dans le milieu techno berlinois à la lumière de la réflexion menée par Michel Foucault sur le concept de « corps utopique ». Dans quelle mesure l’histoire de Berlin a-t-elle favorisé l’épanouissement d’une culture alternative du corps propice au développement de subcultures techno ? Les clubs techno pourraient-ils être ces lieux propices à l’expression des utopies du corps ? Les clubs et les soirées techno berlinoises offrent indubitablement une expérience immersive, où les participants se retrouvent transfigurés par la danse et la consommation de substances psychoactives, préservés des regards des smartphones, débarrassés de leur image, de la fatigue et du temps qui passe. Mais qu’implique cette reconnexion de soi à son corps ? Malgré l’apparente liberté corporelle qui règne dans les scènes techno berlinoises, l’expérience corporelle exige un abandon de soi et l’adoption de nouvelles normes et habitus corporels. Derrière les apparences d’excès et de débordement, les pratiques corporelles des ravers sont souvent accompagnées de mécanismes de maîtrise de soi et de son corps et d’auto-discipline pour gérer des efforts physiques parfois intenses.
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Kerlan, Alain. "CHOPIN Marie-Pierre. Pédagogues de la danse. Transmission des savoirs et champ chorégraphique". Revue française de pédagogie, n.º 198 (31 de março de 2017): 109–11. http://dx.doi.org/10.4000/rfp.5371.
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de la Luz Maldonado Ramírez, María. "Langue, danse et migration : identité autochtone au Mexique depuis les marges". Caietele Echinox 40 (28 de junho de 2021): 175–84. http://dx.doi.org/10.24193/cechinox.2021.40.14.
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"The objective of this text is to reflect about the limits of indigenous identity in Mexico, which has been historically sanctioned by the State through public policies aimed at the native speaking population; in opposition to the identity which this configured in the peoples not only by the native language, but in a way of life of its own and his processes of symbolization in the transmission of traditions. We will present the case of the linguistic rescue of the Zapotec in San Jerome Tlacochahuaya, in Oaxaca, Mexico, between 2017 and 2019."
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Chaussecourte, Philippe. "Transmission dans l’analyse des pratiques : autour de l’après-coup". Désir de (se) former, aléas de la transmission, n.º 119 (1 de janeiro de 2017): 25–27. http://dx.doi.org/10.35562/canalpsy.1723.
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Sarrouy-Watkins, Nathalie, e Nadia Gahlam. "Valeurs, pratiques et?transmission?: les?recettes d’un foodpreneur responsable". Entreprendre & Innover 45, n.º 2 (2020): 42. http://dx.doi.org/10.3917/entin.045.0042.
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St-Cyr, Louise, e Francine Richer. "La planification du processus de transmission dans les PME québécoises". Revue internationale P.M.E. 18, n.º 3-4 (16 de fevereiro de 2012): 51–71. http://dx.doi.org/10.7202/1008482ar.
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À partir d’une enquête menée auprès de 115 dirigeants d’entreprises québécoises ayant complété avec succès une transmission d’entreprise, cette recherche tente de cerner l’étendue de la planification du processus de transmission de la direction et d’évaluer la conformité du comportement des répondants aux « meilleures pratiques » en ce domaine. Les activités de planification examinées se rapportent principalement aux critères de choix du successeur, à sa préparation ainsi qu’au désengagement du prédécesseur. Des éléments contextuels, comme la mise en place d’un conseil d’administration et d’un conseil de famille, sont également étudiés. Les résultats révèlent que les activités relatives à l’établissement de critères de choix du successeur et à leur communication et celles se rapportant à la préparation du successeur sont nombreuses et fidèles aux « meilleures pratiques ». Tel n’est pas le cas des activités reliées au désengagement du prédécesseur, à la présence de structures comme le conseil d’administration et le conseil de famille et à l’existence de documents écrits sur la vision d’avenir de l’entreprise. Deux éléments peuvent expliquer cette non-conformité aux « meilleures pratiques » chez des entreprises ayant réussi. Dans certains cas, des activités de compensation semblent avoir pris place et, dans d’autres, un effet de taille se manifeste, les petites entreprises étant celles qui s’y conforment le moins. Cette étude, la première réalisée sur un si grand nombre de sujets québécois, fait ressortir la souplesse dont peuvent faire preuve les entreprises dans la gestion de la relève à la haute direction. Elle souligne aussi la nécessité de tenir compte du contexte de l’entreprise, notamment de sa taille, de façon à relativiser la liste des « meilleures pratiques ». L’article conclut sur la nécessité de parfaire un modèle intégrateur des activités de planification susceptible d’être testé en contexte de PME de façon à distinguer les activités qui sont essentielles de celles qui peuvent faire l’objet d’une certaine flexibilité.
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Maintier, Christine. "Les pratiques de loisirs : un questionnement sur la similitude des pratiques et la transmission culturelle intergénérationnelle". Loisir et Société / Society and Leisure 37, n.º 2 (3 de julho de 2014): 296–312. http://dx.doi.org/10.1080/07053436.2014.936167.
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Schrader, Sabine. "Yanick Lahens und der Traum, die Welt zu bewohnen". Romanische Forschungen 133, n.º 1 (15 de março de 2021): 53–67. http://dx.doi.org/10.3196/003581221831922382.
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Le 21 mars 2019, l'auteure haïtienne Yanick Lahens inaugura la chaire annuelle »Monde francophone« au Collège de France à Paris. Dans sa conférence Littérature haïtienne: urgence(s) d'écrire, rêve(s) d'habiter, publiée peu après, elle appelle à des narratives littéraires dépassant les perspectives eurocentriques (post-)coloniales afin de »découvrir d'autres manières d'habiter le corps, la communauté ou la langue«. Sur la base de ces réflexions, je propose une relecture de son premier roman Dans la maison du père (1994), qui se confronte aux pratiques du corps (par exemple la danse), de la communauté et du récit. En se déployant en un kaléidoscope d'images sensuelles, le roman raconte l'enfance et l'adolescence de la narratrice Alice jusqu'à son exil à New York en 1948. En même temps, Lahens relie la micro-histoire d'Alice à la macro-histoire d'Haïti dans les années 1930 et 1940. C'est ainsi que l'article analysera les limites et les possibilités de rendre la maison du père et l'histoire haïtienne habitable.
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Laveault, Dany. "L’évaluation en classe". Mesure et évaluation en éducation 32, n.º 3 (9 de maio de 2014): 1–22. http://dx.doi.org/10.7202/1024929ar.
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Le but de cet article est de fournir un cadre de référence pour étudier l’implantation réussie des politiques et leurs effets attendus en matière d’évaluation en classe. Les recherches dans ce domaine soulèvent de nombreuses questions sur l’articulation des politiques et des pratiques en évaluation en plus d’identifier de nouvelles problématiques. Plus particulièrement, cet article cherchera à déterminer quels principes gouvernent le passage réussi des politiques aux pratiques en matière d’évaluation et comment y parvenir. L’article conclut que la mobilisation des savoirs théoriques et d’expérience est au coeur de la jonction réussie des politiques et pratiques. Il s’interroge sur l’efficacité des modèles hiérarchiques de transmission entre politiques et pratiques et émet l’hypothèse qu’il pourrait être plus profitable d’étudier comment politiques et pratiques peuvent faire oeuvre commune et se construire dans un processus d’évaluation équilibrée et de professionnalisation des réformes des systèmes éducatifs.
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Oliveira, Ruth. "Une analyse du discours de transmission d’informations pratiques en français". Cadernos de Estudos Lingüísticos 46, n.º 1 (2 de agosto de 2011): 85–90. http://dx.doi.org/10.20396/cel.v46i1.8637160.
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O objetivo do presente artigo é de expor alguns resultados preliminares de uma análise do discurso de transmissão de informações práticas em francês. Os resultados propostos foram obtidos por meio do estudo de traços lingüísticos, marcas da presença do(a) informante no discurso, repertoriados em situações de trocas verbais autênticas. O objetivo específico é de proceder a uma verificação do respeito (ou do não respeito) de certas regras não ditas as quais estão relacionadas com o Princípio de cooperação do discurso (ou, com P. Grice (1975) comas Máximas da conversação).
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Condon, Stéphanie. "Pratiques et transmission des créoles antillais dans la “troisième île”". Espace populations sociétés, n.º 2004/2 (1 de outubro de 2004): 293–305. http://dx.doi.org/10.4000/eps.182.
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Mazarati, Andrey, e Raman Sankar. "Status Epilepticus: Danse Macabre in a Ballet of Subunits". Epilepsy Currents 6, n.º 3 (maio de 2006): 102–5. http://dx.doi.org/10.1111/j.1535-7511.2006.00112.x.
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Status Epilepticus Increases the Intracellular Accumulation of GABAA Receptors Goodkin HP, Yeh JL, Kapur J J Neurosci 2005;25:5511–5520 Status epilepticus is a neurological emergency that results in mortality and neurological morbidity. It has been postulated that the reduction of inhibitory transmission during status epilepticus results from a rapid modification of GABAA receptors. However, the mechanism(s) that contributes to this modification has not been elucidated. We report, using an in vitro model of status epilepticus combined with electrophysiological and cellular imaging techniques, that prolonged epileptiform bursting results in a reduction of GABA-mediated synaptic inhibition. Furthermore, we found that constitutive internalization of GABAA receptors is rapid and accelerated by the increased neuronal activity associated with seizures. Inhibition of neuronal activity reduced the rate of internalization. These findings suggest that the rate of GABAA receptor internalization is regulated by neuronal activity and its acceleration contributes to the reduction of inhibitory transmission observed during prolonged seizures. Trafficking of GABAA Receptors, Loss of Inhibition, and a Mechanism for Pharmacoresistance in Status Epilepticus Naylor DE, Liu H, Wasterlain CG J Neurosci 2005;25:7724–7733 During status epilepticus (SE), GABAergic mechanisms fail and seizures become self-sustaining and pharmacoresistant. During lithiumpilocarpine-induced SE, our studies of postsynaptic GABAA receptors in dentate gyrus granule cells show a reduction in the amplitude of miniature IPSCs (mIPSCs). Anatomical studies show a reduction in the colocalization of the β2/ β3 and γ2 subunits of GABAA receptors with the presynaptic marker synaptophysin and an increase in the proportion of those subunits in the interior of dentate granule cells and other hippocampal neurons with SE. Unlike synaptic mIPSCs, the amplitude of extrasynaptic GABAA tonic currents is augmented during SE. Mathematical modeling suggests that the change of mIPSCs with SE reflects a decrease in the number of functional postsynaptic GABAA receptors. It also suggests that increases in extracellular [GABA] during SE can account for the tonic current changes and can affect postsynaptic receptor kinetics with a loss of paired-pulse inhibition. GABA exposure mimics the effects of SE on mIPSC and tonic GABAA current amplitudes in granule cells, consistent with the model predictions. These results provide a potential mechanism for the inhibitory loss that characterizes initiation of SE and for the pharmacoresistance to benzodiazepines, as a reduction of available functional GABAA postsynaptic receptors. Novel therapies for SE might be directed toward prevention or reversal of these losses. Kainic Acid-Induced Status Epilepticus Alters GABA Receptor Subunit mRNA and Protein Expression in the Developing Rat Hippocampus Lauren HB, Lopez-Picon FR, Korpi ER, Holopainen IE J Neurochem 2005;94:1384–1394 Kainic acid-induced status epilepticus leads to structural and functional changes in inhibitory GABAA receptors in the adult rat hippocampus, but whether similar changes occur in the developing rat is not known. We have used in situ hybridization to study status epilepticus-induced changes in the GABAA α1– α5, β1– β3, γ1, and γ2 subunit mRNA expression in the hippocampus of 9-day-old rats during 1 week after the treatment. Immunocytochemistry was applied to detect the α1, α2, and β3 subunit proteins in the control and treated rats. In the saline-injected control rats, the α1 and α4 subunit mRNA expression significantly increased between the postnatal days 9 to 16, whereas those of α2, β3, and γ2 subunits decreased. The normal developmental changes in the expression of α1, α2, β3, and γ2 subunit mRNAs were altered after the treatment. The immunostainings with antibodies to α1, α2, and β3 subunits confirmed the in situ hybridization findings. No neuronal death was detected in any hippocampal subregion in the treated rats. Our results show that status epilepticus disturbs the normal developmental expression pattern of GABAA receptor subunit in the rat hippocampus during the sensitive postnatal period of brain development. These perturbations could result in altered functional and pharmacological properties of GABAA receptors.
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Dehouve, Danièle. "El cuerpo y lo virtual: Danzas y combates en Mesoamérica / Le corps et le virtuel : danses et combats en Mésoamérique". Revista Trace, n.º 83 (31 de janeiro de 2023): 5. http://dx.doi.org/10.22134/trace.83.2023.867.
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En Hispanoamérica, las representaciones festivas son manifestaciones colectivas que se distinguen de la vida cotidiana y se pueden analizar con la ayuda de varias categorías, entre ellas, las danzas, las luchas, los espectáculos, los ritos y los juegos. En la actualidad, en el México indígena y rural, se utiliza comúnmente el término genérico de danza, que se refiere a una variedad de prácticas de origen diverso, derivadas tanto de los rituales teatrales prehispánicos como del teatro evangelizador colonial. La danza es una representación con motivo de una fiesta patronal con más o menos espectadores; combina música, danza o diálogos recitados. Hay todo tipo de danzas, pero lo que tienen en común es que se conciben como físicamente duras y se viven como un sacrificio personal. Así, algunas peleas se llaman bailes y algunos de estos incluyen enfrentamientos violentos.Les représentations festives de l’Amérique espagnole sont des manifestations collectives qui se distinguent de la vie quotidienne et relèvent de plusieurs catégories d’analyse en sciences humaines –entre autres, les danses, les combats, les spectacles, les rites et les jeux. De nos jours, le Mexique indien et rural utilise couramment le terme générique espagnol danza (danse) qui se réfère à des pratiques hétéroclites, et d’origine diverse, puisqu’elles dérivent tout à la fois des rituels théâtralisés précolombiens et du théâtre d’évangélisation colonial. La danza est une représentation exécutée à l’occasion d’une fête patronale avec plus ou moins de spectateurs ; elle conjugue musique, danse et/ou dialogues récités. Il en existe de toutes sortes mais leur point commun est qu’elles sont conçues comme physiquement dures et vécues comme un sacrifice personnel. En ce sens, certains combats reçoivent l’appellation de danses, tandis que certaines danses incluent des confrontations violentes.