Teses / dissertações: "Performance art – france"

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Lemée, Jean-Philippe. "Actions, happenings, évènements, performances : l'art de l'action en France de 1960 à 1975". Rennes 2, 1986. http://www.theses.fr/1986REN20018.

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Cette thèse porte sur des gestes artistiques réalisés en direct, face au public ou avec la participation active de celui-ci, sur des "oeuvres" éphémères ou le vécu entre comme élément indispensable, comme outil artistique en somme. Jamais jusqu'à présent ces gestes n'ont été regroupés, jamais il n'y a eu volonté de les traiter comme un tout, jamais il n'y a eu d'étude globale de "l'art de l'action". Nous tentons cette étude dans certaines limites toutefois. La période choisie est privilégiée : d'un côté, le début des années soixante voit une véritable explosion de l'action ; de l'autre, autour de dix neuf cent soixante quinze commence pour nous une histoire assez différente, celle de la "performance" ou d'un art de l'action moins perturbateur, plus officialisé si ce n'est académique. Il a paru nécessaire d'autre part de se limiter à un territoire, de se concentrer sur la France. Prouver l'existence d'un solide art de l'action, contribuer étant donne le nombre important d'artistes et de mouvements concernés à une meilleure compréhension de l'art en France dans les années soixante, se sont avérées être parmi nos préoccupations principales. La méthode d'ensemble est simple, le travail est divisé en deux parties, l'une portant sur une réflexion théorique et synthétique globale, l'autre se présentant sous forme de "catalogue" général comprenant les récits des actions par artiste ou par groupe, accompagnés d'articles critiques personnalisés. Cerner le domaine de l'action, définir mieux l'art français de l'action entre dix neuf cent soixante et dix neuf cent soixante quinze, proposer enfin une ou des méthodes de lecture de cette forme d'art, telles sont les priorités du travail de synthèse. Décrire le plus grand nombre d'actions (actions spectacles, action non art, action didactique, optique, corporelle, sociologique. . . ), proposer un portrait commenté accompagné de références documentaires multiples, telles sont les visées du catalogue
This thesis is about artistic acts realized in front of the public or with the active participation of the audience, about ephemeral works where the living moment is an integral part and an instrument. To date, no one has sought to treat the diverse manifestations as a whole. Some limits though have been imposed on the study. The chosen period is particularly rich: on one side, the beginning of the sixties sees a real explosion of art of action; on the other side, around nineteen seventy five starts what seems to be a new story, the story of "performance or of a less disturbing, more official zed or even academic art of action. It also seemed to be necessary to limit oneself to a territory, to focus on France. Proving the existence of a strong art of action, contributing to a better comprehension of the arts of the sixties in France turned out to be among the essential concerns of the present study. The method is simple, the thesis is divided in two parts: the first part is a theoretical reflection on the general subject, the other one presents a "catalogue" including accounts of the actions classified by artists or by groups, accompanied by critical articles. The priorities of the synthetically work are to define criteria for art of action, to define French art of action during the chosen period and to propose one or several methods of reading this form of art. The aims in the catalogue are to describe as many actions as possible and to propose a portrait with commentaries and references

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Bégoc, Janig Poinsot Jean-Marc. "L'art corporel et sa réception en France chronique 1968-1979 /". Rennes : Université Rennes 2, 2009. http://theses.scdbases.uhb.fr:8000/theseBegoc.pdf.

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Monnier, Ariane. "La reconstitution des faits dans le procès d'assises : anthropologie d'une performance". Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0631.

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Fondée sur un travail de terrain réalisé en France en 2011 et en 2012 autour de trois procès d'assises, concernant des faits criminels survenus entre 1998 et 2008 à Ajaccio, Béziers et Castelnau-Le-Lez, la thèse analyse la reconstitution des faits dans le procès sous l'angle d'une performance. La notion de performance est explorée dans un sens double : dans le sens d'un exploit - une manière particulière d'exploiter les faits - autant que dans le sens d'un spectacle au cours imprévisible. Les éléments exploités par le procès sont envisagés comme les restes d'un éclatement dont une part plus ou moins importante a été perdue, égarée davantage par la mise en mouvement de l'action judiciaire La thèse tente de comprendre au prix de quels écarts et de quelles absences ces restes sont montés et montrés. D'abord spectateur et témoin de l'audience, l'anthropologue remonte le cours du procès et devient, à son tour, metteur en scène après-coup et à contre courant de situations observées et de situations rapportées. Les faits sont considérés successivement sous l'angle des récits et des images auxquels ils donnent lieu après leur découverte, sous l'angle des discours par lesquels ils tentent d'être élucidés, sous l'angle du spectacle de mots, de corps et d'objets auxquels ils aboutissent. Les coups de force visuels, discursifs, scénographiques par lesuqels la reconstitution judiciaire assure sa cohérence tout au long de la procédure sont décrits en rapport à l'omniprésence de parts manquantes, sources d'autres dangers
Based on ethnographic fieldwork carried out in France in 2011 and 2012 in the setting of three criminal trials related to criminal facts which occured between 1998 and 2008 in Ajaccio, Béziers and Castelnau-Le-Lez, the thesis analyses the crime scene reconstruction in these cases from the perspective of a performance. The notion of performance is explored in a double meaning: in the sense of an exploit - a successful exploitation of the data - as well as in the sense of an unpredictable show. The information used by the judicial reconstruction is considered as the scattered remains after an explosion, of which a more or less significant part has been lost, and further misplaced by the judicial proceeding. The thesis attempts to resolve the following interrogation: at the cost of what sort of discrepancies and absences are these remains set up together and put on display? At first a spectator and a witness to the hearing, the anthropologist goes back in time through the trial, and becomes a stage director with hindsight, running against the flow of the situations observed and the situations reported. The facts are considered successively from the perspective of the narratives and images they entail just after being discovered; from the perspective of the speeches by which they attempt to be elucidated; from the the perspective of the spectacle of words, bodies and objects in which they result. The visual, discursive and scenographic acts of force all along the proceedings are described in relation to an omnipresnet missing part - the source of other dangers

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Boivineau, Pauline. "Danse contemporaine, genre et féminisme en France (1968-2015)". Thesis, Angers, 2015. http://www.theses.fr/2015ANGE0034/document.

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Cette thèse porte sur un objet complexe liant danse contemporaine, genre et féminisme dans l’espace français de 1968 à 2015. La danse partage les préoccupations des militantes féministes à l’égard des problématiques d’identité, de sexualité, d’émancipation,de déconstruction du genre et des binarismes, de recherche universaliste ou de féminitude. Nous analysons comment le féminisme informe les artistes qui, quelle que soit l’époque, peinent à se dire féministes ou à penser leur art comme l’expression de leur engagement. Considérer le potentiel subversif de la danse implique une analyse de son rapport au genre et en particulier au genre féminin, doublée par celle de la place réelle et symbolique des femmes. Les idées reçues et les stéréotypes se confrontent à la réalité.L’année 1968 marque un tournant social qui concorde avec celui de la danse, y compris d’un point de vue politique. L’art chorégraphique prend son essor au moment où la seconde vague féministe arrive sur le devant de la scène. En 50 ans les rapports qu’entretiennent la danse et le féminisme sont reconfigurés, ce qui permet d’évaluer les influences réciproques et de postuler l’existence d’une danse féministe. La confrontation aux langages des chorégraphes hommes permet de comprendre les constructions genrées et leur potentiel de remise en cause du système hétéronormé et androcentré.Comment les grandes mutations politiques (mise en place des CCN, turn-over des directions, parité, etc.),féministes (apparition d’une troisième vague, etc.),esthétiques et médiatiques nourrissent-elles la danse en tant que moyen d’expression du genre et du féminisme ? La généralisation de la nudité et la queerisation de la danse soulèvent l’enjeu du passage de la transgression du genre à sa subversion. Il s’agit de comprendre comment la troisième vague féministe, plus ouverte à la dimension culturelle et intersectionnelle, permet à la danse d’être féministe
This thesis analyses a complex question linkingcontemporary dance, gender and feminism in Francefrom 1968 to 2015. Dance shares the concerns offeminist activists regarding issues of identity, sexuality, emancipation, the deconstruction of gender andbinarisms, of universalist research and femaleness. Thisstudy examines how feminism informed artists who,whatever the era, had difficulty admitting that they werefeminists or seeing their art as an expression of theircommitment. Considering the subversive potential ofdance implies an analysis of its relationship with gender,in particular the female gender, as well as the real andsymbolic place of women. Preconceived ideas andstereotypes thus confront reality. The year 1968 markeda turning point for society and for dance, including froma political point of view. Dance came into its own at thesame time that second-wave feminism came to the fore.The reconfiguration of the relationships between danceand feminism that occurred over this 50-year periodallows one to assess reciprocal influences and topostulate the existence of a feminist dance. Comparingfemale choreographers' modes of expression with thoseof men, facilitates the understanding of genderedconstructions and their potential for challengingheteronormativity and androcentrism. How do the majorpolitical changes (establishment of the NCCs,management changes, parity, etc.), feminists(appearance of a third wave, etc.), aesthetics andmediatisation nurture dance as a means of expressionof gender and feminism? The generalisation of nudityand the queerisation of dance suggest the passage fromthe transgression of gender to its subversion. Thisthesis aims to understand how third-wave feminism,more open to cultural and intersectional dimensions,enabled dance to be feminist

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Chevalier, Fleur. "Formater pour mieux régner : vidéastes et performers à l’épreuve de la télédistribution en France, 1975-1998". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080045.

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Dès les années 1960, dans le contexte de la télédistribution française, des artistes profitent d’accéder à des équipements sophistiqués pour explorer le potentiel plastique de l’image électronique et mener leurs propres recherches visuelles. À la croisée du cinéma expérimental ou militant, des mouvements d’avant-garde et de l’art cinétique, ces pratiques marginales ne répondent pas aux normes du réalisme photographique ou de la vraisemblance illusionniste qui régissent la production audiovisuelle mainstream. Comment trouver sa place dans une structure vouée toute entière à la distribution de produits formatés conçus pour susciter l’adhésion du téléspectateur ? Comment s’infiltrer dans les brèches d’une industrie résolument hostile à tout écart optique et symbolique ? Les choix stratégiques des artistes qui œuvrent sur le territoire de la télédistribution découlent en grande partie des mutations économiques qui ont entraîné la transformation du paysage audiovisuel français, du démantèlement de l’ORTF à la privatisation partielle du réseau de télédiffusion. Face à la rigidité des standards imposés par les mass media, le détournement apparaît bien vite comme une solution pour se fondre dans l’environnement audiovisuel tout en façonnant des « contre-images » satiriques. Le désir d’explorer l’image cathodique se trouve alors supplanté par celui de pirater la rhétorique et l’espace médiatiques. Cependant, dès lors que l’image est perçue comme une agora à investir, il devient difficile de se soustraire à l’économie coercitive de « la société du spectacle »
From the early 1960s, within the context of French television broadcasting, some artists seize opportunities to reach advanced technologies, allowing them to explore the aesthetic potential of the electronic image as well as to lead their own visual research. At the crossroads of experimental or activist cinema, avant-garde movements and kinetic art, all of these marginal practices tend to ignore the norm of the so-called realistic image and the deceptive verisimilitude which rule the audio-visual mainstream. How to find a place within a structure entirely devoted to the distribution of stereotyped products designed to attract the largest segment of TV consumers? How to infiltrate inside the gaps of an industry resolutely hostile to the slightest visual and ideological glitch? The diverse strategies of the artists who chose to work within the field of television broadcasting are highly influenced by the economic mutations that transformed the French audio-visual landscape, from the dismantling of the ORTF to the partial privatization of the TV network. Facing the rigidity of the standards dictated by the mass media, the concept of “détournement” – or “diversion” –quickly appears to be a solution to blend into the audio-visual environment while continuing to shape satirical “counter-images”. The wish to explore the cathode-ray image as a medium is then supplanted by the desire to hack into the media network and its rhetoric. Nevertheless, as soon as the image is regarded as a public space to colonize, it becomes difficult to escape the coercive economy of the entertainment world

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Barbut, Clélia. "Corps à l'oeuvre, à l'ouvrage et à l'épreuve : sociohistorique des arts de la performance, années 1970". Doctoral thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25980.

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"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure"
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016
Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique.
« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.

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Parlati, Luigia. "Faire le slam : une ethnographie des pratiques poétiques collectives entre Paris et Marseille". Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018PSLEH169.

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Cette recherche porte sur une pratique de création poétique, le slam, qui est née à la fin des années 1980 aux États-Unis et qui est aujourd’hui largement répandue dans plusieurs pays, notamment en France. Si le succès de public (en 2006) d’artistes comme Grand Corps Malade est la forme plus reconnaissable de cette pratique de par sa médiatisation, il existe une hétérogénéité de « formes slam » et de pratiques qui sont devenues l’objet de cette thèse. Un slam de poésie est un espace de parole ouvert à tous et il est organisé selon différents dispositifs, de la compétition au « micro ouvert » et dans plusieurs typologies de lieu (bar, salle de spectacle, bibliothèques, espaces publics). Toute personne ayant un texte à dire (qui peut être écrit au préalable ou pas) peut donc le faire devant un public, sans qu’on lui impose aucune contrainte de style ou de contenu. Cette simplicité apparente du fonctionnement du slam vient interroger en réalité plusieurs types de « frontières » qui font sens pour certains acteurs du monde de la création littéraire (poésie écrite/poésie à voix haute), de l’éducation linguistique (parler littéraire/parler ordinaire) et de la formation du goût artistique (excellence/banalité). Mais les slameurs et slameuses rencontré.e.s dans mes enquêtes entre Paris et Marseille (ainsi qu’à l’internationale), témoignent d’un autre monde commun, où l’expérimentation verbale, vocale et performative coexiste avec le désir de partager librement la parole ou de s’engager dans une démarche artistique. Croisant les discours des acteurs avec la doxa et la littérature sur le sujet, cette thèse a pour ambition de proposer des analyses situées de cette pratique poétique collective, afin de rendre compte de son extrême disponibilité à accueillir tout acte de parole dite à voix haute et en public. C’est une recherche qui se donne pour objectif d’au moins mettre à jour les nœuds, tensions et enjeux suscités par cette liberté du slam à être agencé et participé
This research focuses on poetry slam, a practice of poetic performance, born in the late 1980s in the United States and now widespread in several countries, including France. If the public success (in 2006) of artists such as Grand Corps Malade is the most recognizable form of this practice through its media coverage, there is a heterogeneity of "slam forms" that have become the subject of this thesis. Poetry slam is an open platform and it is organized according to different approaches, from competition to "open microphone" and in several kinds of places (bar, stages, libraries, public spaces). Anyone with a text to say (which can be written in advance or not) can therefore do it in front of an audience, without any injunction of style or content. This apparent simplicity of poetry slam actually questions several types of "boundaries" that make sense to some actors in the world of literary creation (written poetry/poetry readings), language education (literary/common language) and artistic creation (excellence/triviality). But the slammers I’ve met in my fieldwork between Paris and Marseille (as well as abroad), participate of another common world, where verbal, vocal and performative experimentation cohabit with the desire to freely share their words or being engaged in an artistic endeavor. Crossing the discourses of the actors with the doxa and literature on the subject, this thesis aims to propose some analysis based on this collective poetic practice, in order to account for its extreme readiness to accommodate any speech act aloud and in public. This research aims to at least elucidate the tensions and issues raised by poetry’s slam freedom to be empowered and be engaged

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Marcel, Mathilde. "Arts de la rue : inventaire et nuancier 2010-2015 (France)". Thesis, Montpellier 3, 2015. http://www.theses.fr/2015MON30065/document.

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Voir, écouter, sentir et constituer un corpus sensible qui rend compte de la diversité et de la multiplicité des formes et des propositions regroupés sous l'appellation des Arts de la rue.Cette étude s'appuie sur de nombreux entretiens avec des artistes et des professionnels du secteur. C'est un voyage au cœur des Arts de la rue qui assied le lecteur à la table où l'on pense et écrit les projets, l'emmène assister aux répétitions, aux repérages ainsi qu'aux premières représentations publiques et lui laisse ainsi voir la réalité de la création.Cette réflexion sur les Arts de la rue prend pour prisme : l'espace public, le spectateur et le processus de création. Après avoir esquissé un historique, les situations géographiques, politiques et esthétiques des espaces de représentation sont examinées et interrogées, tout comme la place et la fonction du spectateur constamment sollicité : mis en mouvement, surpris dans son quotidien, interpellé, questionné, appelé à échanger, à participer, à accompagner l'acte artistique dès son commencement. Enfin le compte rendu du processus de création constitue la dernière partie. À chaque spectacle ou chaque intervention, les artistes mettent en question leur savoir-faire pour tenter de renouveler leur positionnement dans l'espace public et face aux spectateurs. Ils jouent avec les repères. Le processus de création se révèle être un espace/temps idéal pour observer les Arts de la rue dans leur mouvement perpétuel
See, listen to, feel and constitute a sensitive corpus which reports the diversity and the multiplicity of the forms and the offers grouped under the naming of Street arts.This study leans on conversations with artists and professionals of the sector. This trip on the land of street arts sit the reader on the table where we think and writes the projects, takes him to see the repetitions, the public first performances, the reality of the creation.This thinking on Street arts takes for prism: the public place, the spectator and the process of creation. Having sketched a history, the geographical, political and esthetic situations of the spaces of representation are examined and questioned, just like the place and the function of the constantly requested spectator: put in movement, surprised in its everyday life, questioned, called to exchange, to participate, to accompany the artistic act from its beginning. Finally the report of the process of creation is the last part. In every show or every intervention, the artists question their know-how to try to renew their positioning in the public space and in front of spectators. They play with marks. The process of creation turns out to be an ideal space / time to observe Street performing arts in their perpetual motion

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Férey, Norman. "La déconstruction du corps et des sexualités dans les performances artistiques en France de 1970 à 2000 : vers une prise en compte de la notion de genre". Paris 8, 2014. http://octaviana.fr/document/182002225#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Au cours des années 1990, la notion de genre attachée au contexte culturel des corps s’est difficilement fait une place au sein de la sphère intellectuelle. Cette notion s’est-elle déployée plus facilement dans le champ de la performance ? Dès les années 1970, le corps tient une place contestataire importante dans la création notamment en matière de déconstruction des sexes : c’est le développement de l’art corporel. Plusieurs artistes recherchent dans cette perspective les fondamentaux du corps qui puissent résoudre les problèmes culturels liés à la différence sexuelle. Plus tard, dans les années 1980 la performance perd de son potentiel subversif. Le contexte politique global change et le corps se diffuse largement par les écrans. Deux positions se dessinent pour les artistes français : un intérêt plus prononcé pour l’immatériel que représente le verbe ou une exploitation et une recherche du corps à travers sa diffusion médiatique et technologique. Dans un cas comme dans l’autre le rapport entre les artistes et les corps « déviants » dont ils s’emparent est loin d’être évident. Les « corps minoritaires » se retrouvent plutôt dans la sphère militante et activiste. Dans les années 1990 l’arrivée de différents tels que la question des signes religieux visibles ou l’augmentation alarmante de l’épidémie de sida, vont finalement jouer pour les performeurs comme un catalyseur à une re-politisation des questions liées à la différence sexuelle et aux phénomènes identitaires. Cette dernière décennie marque donc une émergence de la notion de genre au sein de la sphère artistique même si le lien entre création et militantisme reste toujours problématique et peu actif
During the 90s, the concept of gender related to the cultural context of the body hardly had a place in the intellectual sphere. Did this concept spread itself more easily in the field of performance? From the 70s onward and right after the impulse given by 68 movements, the body took an important protest role in the creative process, in particular regarding gender deconstruction: that is the development of body art. Several artists tried through this medium to find a Body fundament which could bring an answer to cultural issues related to sexual differences. Later in the 80s, performance art became less subversive. The global political environment was changing and the body was more visible especially on screens. Two mains positions emerged among French artists: one focused more on words and an immaterial approach and the other using technology and media to explore the body. In both cases, the relationship between the artist and the deviant bodies that they used is far from clear. The “minority bodies” were more to be found in the militant and activist sphere. In the 90s, arguments about topics to do with secularism and the alarming raise of HIV would finally push the performers to reconsider the political dimension of gender and identity questions. Therefore, in this last decade, the concept of gender found its legitimacy in the artistic field even though the relationship between creative process and political activism still seems problematic and not that active

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Bégoc, Janig. "L’art corporel et sa réception en France : chronique 1968-1979". Rennes 2, 2008. http://www.bu.univ-rennes2.fr/system/files/theses/theseBegoc.pdf.

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Réduit à une étiquette et converti en objet théorique, l’art corporel a perdu son histoire. Cette étude se propose de restituer les faits qui ont conduit Gina Pane et Michel Journiac à utiliser leur corps comme un médium artistique, et d’examiner les processus de socialisation grâce auxquels leurs travaux ont accédé à la confrontation critique. Menée à l’appui des sources et abordée sous l’angle de la médiation, cette chronique éclaire les modalités de la reconnaissance de l’art corporel en France, des premiers rejets à l’entrée au musée. L’analyse des discours à l’aune des débats esthétiques et idéologiques de l’époque permet d’associer aux défenseurs de cet art d’autres noms que celui de François Pluchart, et offre une nouvelle intelligibilité aux travaux et à l’histoire de l’art corporel
Restricted to a label (coined as the American phrase “Body art”) and converted into a theoretical object, “l’art corporel” has lost its history. This study aims at retrieving the facts that lead Gina Pane and Michel Journiac to use their body as art. It also examines the processes of socialization that enabled their work to face the critical assessment. On the basis of various sources and with a definite focus on the different forms of art facilitation, this chronicle highlights the modes of acknowledgment of “l’art corporel” in France, from its initial dismissal to its institutional admission in the Museum. The analysis of the discourses, confronted to the various aesthetic and ideological debates of the time, enables us to pin point the role of other personalities implied next to François Pluchart as defenders of this art. Thus it offers a new and widened understanding of the works embracing “l’art corporel”

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Hountou, Julia. "Les actions de Gina Pane de 1968 à 1981 : de la fusion avec la nature à l'empathie sociale". Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010555.

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A travers l'étude des Actions de Gina Pane (1939-1990), une des figures marquantes de l'art corporel en France dans les années 70, cette thèse entend esquisser les contours d'une poétique de la fusion, thème principal et unificateur de son œuvre. A partir d'un matériel souvent inédit documents écrits, photographies, vidéos - ainsi que de témoignages, nous avons pu élaborer une analyse détaillée des performances de l'artiste française d'origine italienne et en repérer les problématiques afin de dégager ses méthodes, ses concepts et ses objectifs. Notre exploration, qui porte sur la période 1968-1981, montre que dès ses premiers travaux, Action après Action, Gina Pane s'est attachée à mettre en évidence un lien universel à la nature, puis entre les êtres humains. L'originalité de sa production artistique où se manifestent des influences tant picturales que littéraires et psychanalytiques tient notamment aux blessures corporelles à la lame de rasoir que la plasticienne s'infligeait dans la plupart de ses performances et que l'on peut considérer comme son signe distinctif. N apparaît au fil de nos recherches que la performeuse recherchait une communion avec autrui grâce à ces ouvertures symboliques. Nous avons voulu souligner la profonde empathie qui transparaît toujours dans son expression plastique comme une thématique prédominante et singulière.

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Roux, Céline. "Les enjeux de l'attitude performative dans le champ chorégraphique français : 1993-2003". Rennes 2, 2005. http://www.theses.fr/2005REN20037.

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Au-delà des difficultés sémantiques du vocable performance, en se fondant sur le cadre historique de son émergence, cette thèse valorise le concept d'attitude performative qui, dans le champ chorégraphique français, au travers de la décennie 1993-2003, a bénéficié d'un nouvel espace favorable à son épanouissement. Cette attitude performative, contre-pouvoir critique d'un système qui ne répond plus aux désirs des créateurs, propose des alternatives invitant à des évolutions possibles sans révolution inéluctable. Dégénérescence pour certains, libération créatrice pour d'autres, elle s'établit à la fois sporadiquement et aussi en mode réseau pour une génération inconditionnelle. Ni genre, ni mode de création, cette attitude génère un " état d'être " face à la création chorégraphique et à la notion de représentation dans des projets au service des discours. Les projets de cette génération sont nécessairement polymorphes, protéiformes, invitant à partager leur nature transdisciplinaire. L'attitude performative est à la confluence de quatre enjeux théoriques et conceptuels, un lien paradoxal entre concept et expérimentation, une mise en danger dans l'effectuation, une nouvelle prise en considération du spectateur comme participant à l' "être au monde " et la volonté d'enrayer le mode de production. Enfin, dans son essence même, cette attitude, au-delà des situations formelles et médiumniques, se situe toujours dans un positionnement critique face au " grand casino mondial " pour contrecarrer " l'être performant ". Chaque étude de cas est révélatrice de ces enjeux récurrents, véritables véhicules de cet " état d'être ", fondements d'un " art relationnel "
Beyond the semantic difficulties of the term performance, taking basis on the historical framework of its emergence, this thesis emphasizes the concept of performative attitude which in the French choreographic field, throughout the 1993-2003 decade, benefitted form a new context favorable to its development. This performative attitude embodies a critical opposition force to a system that no longer corresponds to the creator's desires, offers alternatives encouraging possible evolutions without involving an ineluctable revolution. Degeneracy for some, creative liberation for others, it etablished itself both sporadically and as a network for a generation completly devoted to the idea. Neither a genre nor a system of creation, this attitude generates “a state of being”in the face of choreographic creation and the notion of performance in projects serving discourses. The projects of this generation are necessarily polymorphous, protean, inviting to share their interdisciplinary nature. The performative attitude is at the bridge of four theorical and conceptual stakes : a paradoxical link between concept and experimentation ; the taking of risks in effectuation ; the audience being taken into account in a new way as participating in the “being of the world” : and the will to curb the mode of production. Finally, the essence of this attitude, beyond formal and medium situations always established itself in a critical positioning towards the “big world casino” to thwart the “performing being”. Each case study reveals these recurrent stakes which are true vehicles for this “state of being”, basis of a “relational art”

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Rochefort, Suzanne. "Travailler sur le devant de la scène : le métier de comédien et de comédienne à Paris (années 1740-1799)". Electronic Thesis or Diss., Paris, EHESS, 2021. http://www.theses.fr/2021EHES0124.

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Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, l'essor des divertissements théâtraux ainsi que les mutations de l'espace public transforment le métier de comédien. Cette thèse vise à cerner les modalités et les enjeux de ces évolutions dans la capitale, en partant des trajectoires et des expériences de travail des acteurs et des actrices. À la Comédie-Française, à la Comédie-Italienne mais aussi dans les théâtres de boulevard, le monde professionnel des comédiens et des comédiennes se structure à différents niveaux, au gré des évolutions institutionnelles, commerciales et politiques. Puisque la spécificité du métier est de réaliser des performances scéniques devant des spectateurs, cette enquête analyse aussi l’importance de la reconnaissance publique par le prisme des pratiques de travail. Le développement de la presse et les nouvelles formes de visibilité dans la ville façonnent les carrières. Cela contribue également à redéfinir les hiérarchies et l’identité du métier ; celui-ci acquiert au fil de la période une nouvelle place dans la société. Cette thèse se présente donc comme une contribution à l'histoire sociale du travail artistique, éclairant en retour un certain nombre de mutations culturelles des dernières décennies de l’Ancien Régime et de la Révolution
In the second half of the 18th century, the rise of theatrical entertainment and the changes in public space transformed the profession of acting. This thesis aims at identifying the modalities and issues of these changes in the capital, based on the trajectories and work experiences of actors and actresses. At the Comédie-Française, the Comédie-Italienne, as well as in the boulevard theatres, the professional world of actors and actresses is structured at different levels, according to institutional, commercial and political developments. Since the specificity of the profession is to perform on stage in front of spectators, this investigation analyses the importance of public recognition through the prism of work practices. Development of press and new forms of visibility in the city shape careers. They also contribute to redefining the hierarchies and the profession identity, which acquires a new place in society over the studied period. This thesis is thus a contribution to the social history of artistic work, shedding light on a certain number of cultural mutations during the last decades of the Ancien Regime and the Revolution

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Selin, Géraldine. "Erik Dietman : la naissance d'une œuvre : 1959-1976". Grenoble 2, 2004. http://www.theses.fr/2004GRE29039.

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La thèse se concentre autour des trois éléments principaux qui ont fondé l'activité artistique d'Erik Dietman : le mot, l'objet et l'image. D'origine suédoise, l'artiste arrive à Paris au cours de l'année 1959. Aux côtés des nouveaux réalistes, puis du groupe Fluxus, Dietman se livre à de nombreuses expérimentations sur l'objet auquel il associe le mot (et ce, depuis la découverte du mouvement Cobra en 1953 à Malmö, Suède) pour faire " parler " et " vivre " ses assemblages. A l'époque troublée de la fin des années soixante, il prend connaissance de l'élément manquant pour mettre en œuvre son processus de création : l'image. L'année 1976 témoigne de l'achèvement du langage composite de l'artiste à travers la réalisation du " Livre Sterling ", une œuvre entre sculpture et rébus. Dès lors, Erik Dietman n'aura de cesse d'explorer les multiples possibilités que lui propose la fusion de ces trois éléments dans des peintures, sculptures monumentales en bronze, céramique, etc.

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Bril, Damien. "Anne d’Autriche en ses images : légitimation du pouvoir féminin et culture visuelle de la majesté dans la France du XVIIe siècle". Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2018. http://www.theses.fr/2018UBFCH038.

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Anne d’Autriche occupe une place importante, longtemps négligée, dans le développement de l’iconographie royale en France au XVIIe siècle. Ecartée du pouvoir sous le règne de son mari Louis XIII, elle est pourtant le sujet de très nombreuses représentations. Sa présence dans le champ des images connaît un net développement lorsqu’elle accède aux responsabilités du gouvernement à la mort du roi, en 1643, en devenant régente au nom de son fils mineur, Louis XIV. Au-delà de sa majorité en 1651, elle conserve un rôle éminent, jusqu’à la mort de Mazarin en 1661. Ces deux décennies sont marquées par une profonde crise politique qui culmine dans l’épisode de la Fronde. Dans ce contexte, l’image d’Anne d’Autriche devient le support d’un discours sur l’autorité monarchique et sur la défense du pouvoir royal. A partir d’un corpus constitué des représentations de la régente, et en les croisant avec des sources textuelles, cette thèse analyse la construction visuelle de ce discours, et ses effets sur l’évolution de l’image de la royauté en France après le règne de Louis XIII. La « majesté », qui constitue dans le corpus des textes, juridiques, politiques et symboliques, la qualité essentielle du souverain et la marque de son identité, doit ainsi être traduite visuellement dans une incarnation féminine, dans un pays où les lois fondamentales, notamment la loi salique, écartent pourtant les femmes du pouvoir. La richesse du corpus rassemblé pour cette thèse, près de cinq cent images, offre une source essentielle pour comprendre de quelle manière la reine a su dépasser cette contrainte et contribuer, en renouvelant ses modèles, à la représentation de l’autorité monarchique. Cette étude permet ainsi de reconsidérer le rapport des femmes au pouvoir. Pour analyser ces différentes questions, la thèse s’organise en quatre parties. La première partie s’attache à comprendre l’image de la reine régnante, en analysant dans un premier chapitre la définition juridique de la reine, pour montrer de quelle manière l’ordre juridique détermine l’ordre symbolique. On peut ainsi expliquer en quoi le mariage de la reine en 1615 et son introduction à la cour constitue une « naissance iconographique ». Le second chapitre explore les différents aspects de ce portrait de la reine en montrant qu’il relève à la fois de caractères propres et de réactions à la situation – politique et civile – de la reine. La deuxième partie soulève la question des moyens mis en œuvre pour opérer la transformation de cette image, qui permet à la reine d’apparaître en régente du royaume. Le troisième chapitre analyse plus particulièrement les étapes chronologiques de cette transformation, tandis que le quatrième chapitre étudie, sur un plan pratique, la « fabrication » de cette image. La troisième partie envisage ensuite le contenu des images, en dressant une analyse en trois temps de son iconographie. Le cinquième chapitre aborde ainsi le corps de la reine comme support des dimensions morales de son portrait. Le sixième chapitre approfondit cette question dans la perspective religieuse, en étudiant de quelle manière la régente parvient à produire l’image d’une reine « très chrétienne ». Le septième chapitre conclut cette analyse iconographique sur la dimension politique de l’image d’Anne d’Autriche. La quatrième et dernière partie est enfin l’occasion d’analyser le « fonctionnement » de ces images. Le huitième chapitre montre combien la situation des représentations de la reine dans les décors est déterminante pour leur interprétation, en envisageant les cas des résidences royales puis des intérieurs privés. Enfin, le neuvième chapitre propose une étude de la performance des images, en étendant l’analyse aux usages publics des représentations de la reine, dans les monuments ou au cours des cérémonies
Anne of Austria offers an important part, yet neglected, in the the development of royal iconography in seventeenth century France. Devoided from management of power under the reign of her husband Louis XIII, she is however the subject of many representations. The number of her images increases when she accedes to the responsibilities of the government at the death of the king, in 1643, becoming regent in the name of her minor son, Louis XIV. Beyond its majority in 1651, she maintains herself at a prominent place, until the death of Mazarin in 1661. During these two decades, a deep political crisis in France culminates in the so-called Fronde. In this context, the image of Anne of Austria becomes the instrument of a visual narrative on monarchical authority and for the defense of the royal power. Crossing a large corpus of representations of the regent with textual sources, this thesis analyzes the visual construction of this narrative, and its effects on the evolution of the image of power in France after the reign of Louis XIII. In contemporary legal and symbolic literature, "majesty" is presented as he essential quality of the sovereign and the mark of his identity. It must then be visually translated in a female incarnation, despite the fundamental laws, in particular the Salic law, which however exclude women from power. The abundance of the images collected for this thesis, nearly five hundred items, offers an essential source to understand how the queen was able to overcome this constraint and contribute, by renewing its models, to the representation of the monarchical authority. This thesis allows us to reconsider the relationship between women and power. To analyze these different issues, the thesis is organized in four parts. The first part attempts to understand the image of the reigning queen, analyzing in a first chapter the legal definition of the queen, to show how the legal order determines the symbolic one. One can thus understand how the marriage of the queen in 1615 and her arrival at the court can be apprehended as an "iconographic birth". The second chapter explores the different features of this portrait of the queen, showing that it is at the same time a revelation of personal characteristics of the queen and a reaction to the queen's political and civil situation. The second part raises the question of the means implemented to operate the transformation of this image, which allows the queen to appear as regent of the kingdom. The third chapter analyzes in particular the chronological stages of this transformation, while the fourth chapter studies, from a practical point of view, the "fabrication" of this image. The third part then considers the content of the images, drawing up a three-step analysis of its iconography. The fifth chapter addresses the body of the queen as a support for the moral dimensions of her portrait. The sixth chapter deepens this question in the religious perspective, studying how the regent manages to produce the image of a queen "très chrétienne". The seventh chapter concludes this iconographic analysis by studying the political dimension of Anne of Austria's image. The fourth and last part gives finally an analysis of the way these images "operate". The eighth chapter shows how the situation of the queen's representations in decor is decisive for their interpretation, considering the cases of the royal residences and the private interiors. Finally, the ninth chapter proposes a study of the performance of images, extending the analysis to the public uses of representations of the queen, in monuments or during ceremonies

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Déchery, Chloé. "Corporéités quotidiennes : nouvelles pratiques du corps en scène dans la performance en France et en Angleterre, 1991-2011". Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100172.

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Un pan représentatif de la scène performative contemporain, en France, comme en Angleterre, se distingue par un intérêt commun pour la question du corps quotidien. Faisant fi des principes de représentation, de logique narrative ou de personnage, les praticiens d’aujourd’hui investissent des corporéités ordinaires et faillibles produisant des état de présence diffractés ainsi qu’un régime de spectateur fondé sur la reconnaissance d’une commune incompétence. Au moyen de temporalités scéniques suspendues, d’un ralentissement du mouvement et d’une inflexion des logiques de représentation et de perception, ils modélisent des outils de résistance à l’encontre des dynamiques accélérées d’une production intensifiée imposées par les institutions et l’économie culturelles. Renonçant à la séduction du spectaculaire et au fétiche de la technique, ils décident de produire moins. Inventant de nouvelles modalités d’un travail solidaire (collaborations éphémères, rencontres nouées selon une logique de projet, micro-communautés), ils dessinent, sur le plateau, un espace d’entente qui puisse reposer sur une égalité de condition entre performers et spectateurs. Loin de s’inscrire dans un geste de rupture ou de souscrire à un quelconque idéal utopiste, les artistes de la scène performative contemporaine actualisent une praxis critique de la scène qui tâche de créer, dans le temps de l’événement théâtral, une nouvelle façon d’être ensemble
The contemporary performance scene, in both France and England, can be distinguished by a common interest in the ‘everyday body.’ Discarding principles of representation, narrative logic, and characterisation, many of today’s practitioners choose instead to reflect a deliberately fallible and ordinary sense of their own corporality. This results in a notion of presence in which the presented body can somehow disappear and where a certain complicity with the audience is founded on a sense of common incompetence. The use of real time (as opposed to theatrical time) the restriction of movement, and a questioning and dismantling of the traditional ideas of theatrical presentation and reception, all form ways of resisting the accelerated and intensified production cycle imposed by the cultural economy in which the work is produced. Refusing to be seduced by notions of grand spectacle or perfect technique, these performers produce less within their performance and therefore embrace an “anti-productive” creative pattern. At the same time, inventing new ways of working together (ephemeral collaborations, meetings happening upon a project-based logic, micro-communities), they create, in the theatre, a democratic space based on an equality of status between performers and spectators. Without seeking revolution or utopia, they enable a critical investigation of the theatrical space that can, for the duration of an event, create new ways for all those present to experience being together within that space

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Lehmann, Maria-Rosa. "An Essay on the blurring of art and life : les inaugurations des expositions internationales du Surréalisme à Paris (1938, 1947, 1959) en tant qu'événements précurseurs de l'art de la performance". Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H025.

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Si c’est le futurisme et le Dadaïsme qui sont mis de l’avant dans la plupart des publications sur l’histoire de ce que l’on nomme la performance, l’impact du surréalisme est encore et toujours laissé de côté. En nous appuyant sur les recherches de Roselee Goldberg et Adrian Henri, il s’agit de mettre en lumière la contribution des surréalistes à l’art dit de performance. Précisément, nous reconstruisons et analysons les évènements éphémères que les surréalistes organisent dans la foulée de l’inauguration de leurs grandes expositions internationales : l’Acte manqué mis en scène pour l’Exposition internationale du surréalisme (1938), Prière de toucher, l’objet performatif réalisé pour Le Surréalisme en 1947, puis Festin inaugural et l’Exécution du testament du Marquis de Sade, tous deux planifiés pour l’Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme (E.R.O.S.) en 1959. Après l’étude détaillée de ces évènements, il s’agit de les mettre en parallèle avec les expérimentations des artistes se vouant à l’art de la performance des années 1960/1970. Sans affirmer que ce genre d’œuvres est surréaliste, l’objectif est de montrer que certains enjeux et questions auxquelles le groupe s’intéresse se trouvent reflétés dans l’époque de l’âge d’or de la performance
Although Futurism and Dadaism are credited for their experiences with different forms of performance, only few art historians acknowledge Surrealism’s influence. Building on the work of RoseLee Goldberg and Adrian Henri, the purpose of this thesis is to shed light on Surrealism’s contribution to what is globally known as Performance Art. We reconstruct, study and analyze the ephemeral events organized by the surrealists for their international exhibitions that took place in Paris: the Acte manqué presented at the opening of the Exposition internationale du surréalisme (1938), Prière de toucher, a performative object created for Le Surréalisme en 1947, and Festin inaugural as well as the Exécution du testament du Marquis de Sade, both organized for the Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme (E.R.O.S.) in 1959. After a detailed analysis of these events, we then discuss their possible links to Performance Art of the 1960s/1970s. Our aim is not to state that the experimentations of that time period are inherently surrealist, but – in order to show the importance of the surrealist ephemeral events – , we point out that some issues and questions that posed the French avant-garde group, images even, were mirrored in Performance Art of the 1960s/ 1970s

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Librizzi-Huret, Laura. "La centralité du public dans la création théâtrale : étude des expérimentations de l'artiste Laura Hurt de 2014 à 2018". Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019AZUR2010.

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En prenant appui sur quatre années d'expérimentations artistiques et théâtrales (2014-2018) dans la ville de Nice et le département des Alpes-Maritimes, cette thèse tente de rendre compte de la démarche intellectuelle et des processus mis en œuvre dans une création post-contemporaine. Elle donne à voir la particularité des expériences de l’artiste Laura Hurt qui est à la fois auteur, metteur en scène et chercheur-praticien-reflexif dans le cadre de cette thèse de création. Dans un va-et-vient de la théorie à la pratique et inversement, nous avons essayé de mettre en avant comment un parcours personnel chaotique et une solide formation artistique amènent à de nouvelles pistes de travail, en mettant notamment le public au cœur de toutes démarches artistiques, la question de la centralité du public dans une œuvre théâtrale constituant une donnée principale, capitale même, dans l'élaboration d'un spectacle afin d’aller dans la continuité du « théâtre pour tous », du « théâtre pauvre » ou encore du « théâtre élitaire pour tous » afin de découvrir comment aujourd’hui, l'acte de création peut mettre en avant des notions comme la fraternité et la concorde universelle par une attention particulière vis-à-vis du public et notamment celui qui a peu accès à l'art, le public dit « empêché ». Cette thèse analyse par une méthode heuristique l'en-dedans et l'en-dehors de la représentation scénique, et montre que l’interdisciplinaire, le performatif et l'acte poétique permettent une nouvelle liberté pour se rapprocher du public et effacent tout ce qui nous sépare, pour mieux retrouver ce qui nous rassemble. Cette thèse découle d'une volonté de théoriser, d'analyser, de décrypter, d'expliquer, de découvrir a posteriori les actes engagés dans une démarche artistique et de faire émerger le savoir muet, discret, intime, de la genèse épistémologique de l'artiste dans son acte créateur
Drawing upon four years of artistic and theatrical experimentation (2014-2018) in the city of Nice and the department of Alpes-Maritimes, this thesis attempts to take account of the intellectual approach and processes involved in a post-contemporary creation. It reveals the particular nature of the experience of the artist Laura Hurt, who is both producer and researcher-practitioner-thinker in the framework of this thesis on creativity. Moving freely between theory and practice, we have tried to put forward how a chaotic personal journey and a solid artistic training lead to new ways of working, notably placing the public at the heart of all artistic approaches and whenever the question of the public’s central role in theatre might be of primary, even essential pertinence in the putting on of a spectacle aiming to continue the art of ‘theatre for all’, ‘poor or minimal theatre’ or even ‘elite theatre for everyone’, thereby discovering how, today, the creative act may promote notions such as fraternity and universal concord by paying special attention to the public and particularly that public having little access to art, the so-called handicapped public. This thesis analyses via its heuristic model the inner world and outer world of stage performance, and reveals how the interdisciplinary, the performative and the poetic act allow for a new freedom to draw closer to the public, erasing all that separates, so as to better reclaim what we share. The thesis derives from a desire to theorise, analyse, decode, explain and discover a posteriori those acts involved in an artistic approach, and to bring to light the intimate, discreet, unsaid knowledge of the artist’s epistemological genesis in her creative gesture

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Pelissero, Marielle. "De l’underground à la superstructure : émergence de la notion de performance dans le discours critique des pratiques théâtrales expérimentales (1963-1973)". Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100160.

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Au fil des trente dernières années, la notion de performance semble avoir acquis une place décisive dans le discours critique et esthétique du champ théâtral français. Cette étude vise à révéler les conditions dans lesquelles la notion de performance change de statut au sein du discours critique français, à travers une archéologie de la notion qui explore la décennie précédant son apparition dans le discours critique du théâtre en France. Il s’agit de rendre compte des débats et des frictions qui conduisent progressivement à cette émergence, à partir des discours des artistes, des organisateurs et des observateurs (spectateurs et critiques) des pratiques théâtrales dites expérimentales. La thèse étudie d’abord le discours de réseaux artistiques périphériques et parisiens de la période 1963-1968 : les premières éditions de la Semaine Sigma de Bordeaux, la branche Fluxus de l’École de Nice, ainsi que festival parisien de la Libre Expression qui présente le Théâtre Panique et organise des happenings. L’étude se concentre ensuite sur le discours relatif à la séquence 1969-1973 du Festival Mondial du Théâtre de Nancy. On y retrouve les mêmes concepts, exprimés cette fois au service d’un nouvel esprit du théâtre, dont l’enjeu consiste à établir un nouveau territoire critique et esthétique à même de garantir à la discipline théâtrale une place forte au sein de la société. De façon a priori paradoxale, les caractéristiques de la performance s’accordent à la fois aux pratiques théâtrales expérimentales et à une société marquée par l’économie capitaliste. De la contre-culture à la superstructure, cette historiographie tente de rassembler des éléments d’éclairage à cette problématique
Throughout the past three decades, the notion of performance seems to have gained a crucial place in the French field of theatre’s critical and esthetical discourse. This dissertation intends to find out the conditions in which the notion of performance evolves inside the French critical discourse, exploring the decade preceding its advent in the critical discourse on theatre in France. The aim is to map an archaeology of the notion and to report the debates and frictions which progressively led to its emergence, out of the discourses of artists, curators and observers (spectators and critics) of the so-called experimental theatre practices. The study first analyses the discourse related to some artistic networks -peripheric and Parisian- during the 1963-1968 period, such as the first festivals Sigma in Bordeaux, the Fluxus branch of École de Nice, and the Parisian festival of Libre Expression, which presents the Panique Theatre and happenings. The dissertation then focuses on the discourse related to the 1969-1973 sequence of the International Theatre Festival of Nancy. One witnesses the same concepts, expressed this time in order to underwrite a new spirit of theatre, the stake of which is to set up a new critical and esthetical territory, able to ensure a stronghold position for the theatre field within the society. This historiography gathers elements to clarify how the features of performance can match both the experimental theatre practices and the society outlined by the capitalistic economy, from counter-culture to superstructure

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Lemée, Jean-Philippe. "Actions, happenings, événements, performances... l'Art de l'Action en France de 1960 à 1975". Lille 3 : ANRT, 1987. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375991204.

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Platevoet, Marion. "Médée en échos dans les arts : La réception d’une figure antique, entre tragique et merveilleux, en France et en Italie (1430-1715)". Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040166.

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Le mythe de Médée, reçu par la première modernité comme un paradigme complet depuis la Conquête de la Toison d’or jusqu’à son retour sur le trône de Colchide, compose un prisme à multiples facettes : « Médée-tueenfant » (La Péruse), le personnage légué par la tragédie attique et devenu archétype d’une violence contrenature, y croise Médée magicienne, qui bouleverse le lignage et la ligne du temps, mais aussi la princesse orientale éprise d’un héros civilisateur. Pétrie par la culture chrétienne et admise au répertoire des arts officiels, cette figure ambivalente se rend perméable aux recherches esthétiques et aux débats éthiques des Temps modernes, en vue de l’expression de l’horreur, de l’allégorisation de la gloire, comme dans la représentation des passions.Or, la fondation de l’Ordre de chevalerie de la Toison d’or au duché de Bourgogne, en 1430, jusqu’à la fin de la Guerre de succession d’Espagne où se redessine la carte des puissances européennes, fait de la fable un miroir fictionnel privilégié des jeux de pouvoir entre les grandes dynasties européennes, en tant qu’instrument du discours programmatique du Prince. Dans le paysage culturel d’influences communes que forment les Cités-États de l’Italie et le royaume de France, cette étude montre, par la réunion de l’iconographie de Médée, l’analyse de saprésence dans les imprimés et de ses réécritures à la scène d’après l’antique, comment les échanges entre les arts visuels et les arts du texte oeuvrent à l’établissement d’un motif héroïque paradoxal. Ou comment Médée « devient Médée », renouvelant le serment que lui avait fait jurer Sénèque : « Fiam »
The exceptional scope provided by the myth of Medea, which spans from the Conquest of the Golden Fleece to her return to the throne of Colchis, was received in its entirety by the Early Modern Arts and offers a multi-faced prism : Medea “tue-enfant” (La Péruse), the character left by the Ancient ancient Greek tragedy that became an archetypal figure of monstrous violence, crosses the path of the oriental lover of a civilizing hero, and also the enchantress who scatters lineages and timelines. Sculpted by the Christian culture and allowed into the official artistic repertory, this ambivalent figure absorbs the aesthetics and ethical debates of modernity. Indeed, Her Medea’s myth can be used for the expression of horror, allegories of glory, as well as expression of the passions.In addition, from the establishment of the Order of the Golden Fleece, by the Duke of Burgundy in 1430, to the end of the War of the Spanish Succession (which redefined the entire map of major European powers), Medea’s myth becomes one of the most efficient fictional mirrors of the political disputes between the most influential families of Europe, as an instrument of the publication of the Prince programme. Into the landscape of the cultural influences shared by the States of Early Italy and the French Kingdom, this study intends to show, by analysingthe spread of iconography of Medea, her presence in printed material and her classical performance reception and rewriting, how the exchanges between visual and literary productions work towards the definition of a paradoxical heroic standard. Where Medea “becomes Medea” and renews the oath that Seneca made her take: “Fiam”

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Arezki, Djelloul. "La mobilisation collective des ressources humaines : un levier de pérennisation organisationnelle : une approche contingente dans quatre organisations festivalières". Electronic Thesis or Diss., Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0480.

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Les festivals, organisations à la frontière entre la filière d’activités événementielles et la filière des arts, de la culture et de la création, sont dans un environnement instable, turbulent et en constante métamorphose. En effet, les managers se doivent de jongler entre de multiples contingences économiques, technologiques, politiques ou encore sociétales (Soldo, 2018). Si la France compte plus de 3000 festivals, il n’en reste pas moins vrai qu’un nombre important d’organisations culturelles et en particulier de structures événementielles, ferment temporairement ou définitivement comme l’illustre la « Cartocrise - Culture française tu te meurs ». Ainsi, se pose la question de la pérennité de ces structures (Salaun, 2016) ; cette dernière représentant le principal défi pour les managers festivaliers. Face à ce contexte, ce travail doctoral a pour objectif de comprendre comment la mobilisation collective des ressources humaines peut être un levier en faveur de la pérennité des festivals. Plus particulièrement, nous proposons d’apporter des pistes de réponse à la problématique suivante : afin d’assurer leur pérennité, dans quelle mesure les organisations festivalières peuvent-elles favoriser la mobilisation collective de leurs ressources humaines ? En s’inscrivant dans le pragmatisme à la Dewey, ce travail mobilise la méthodologie de l’enquête. Plus particulièrement, le cadre théorique et conceptuel construit sur la base d’une étude pré-exploratoire, permet de formuler deux propositions de recherche. Nous analysons ces propositions à l'aide d'une étude de cas multiple et nous en dégageons des apports théoriques, conceptuels, méthodologiques, managériaux et pédagogique
Festivals are organizations on the borderline between the events activities sector and the arts, culture and creation sector. They face an unstable, turbulent and constantly changing environment. Indeed, managers have to juggle with multiple economic, technological, political or societal contingencies (Soldo, 2018). Although more than 3000 festivals perform in France, a significant number of cultural organisations and event structures are temporarily/permanently closed, as showed by the "Cartocrise - Culture française tu te meurs -". This raises the question of the sustainability of these structures (Salaun, 2016); the latter represents a main challenge for festival managers. In this context, this doctoral work aims to understand how the collective mobilization of human resources can foster festival sustainability. More specifically, our study focus on addressing festivals sustainability we propose to provide solutions to the following problem: in order to ensure their sustainability to what extent can how festival organizations can use and promote the collective mobilization of their human resources? Using Dewey pragmatic-oriented approach, this work mobilizes the survey methodology. More specifically, the theoretical and conceptual framework built on the basis of a pre-exploratory study makes it possible to formulate two research proposals. We analyse these proposals using a multiple case study and identify theoretical, conceptual, methodological, managerial and pedagogical contributions

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Åkerman, Lisbeth Carina. "Vandring som tema i videokonst : En studie av Francis Alÿs videodokumenterade performance". Thesis, Karlstads universitet, Estetisk-filosofiska fakulteten, 2012. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kau:diva-12848.

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Andrianjaka-Bezanahary, Randrianarimalala. "Management et "performance" le cas des petites et moyennes entreprises, France /". Grenoble 2 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37611233b.

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Douglass, Mark. "Orchestra Bells as a Chamber and Solo Instrument: A Survey of Works by Steve Reich, Morton Feldman, Franco Donatoni, Robert Morris, Marta Ptaszyńska, Will Ogdon, Stuart Saunders Smith, Lafayette Gilchrist and Roscoe Mitchell". Thesis, University of North Texas, 2016. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc849634/.

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This dissertation considers the use of orchestra bells as a solo instrument. I use three examples taken from chamber literature (Drumming by Steve Reich, Why Patterns? by Morton Feldman, and Ave by Franco Donatoni) to demonstrate uses of the instrument in an ensemble setting. I use six solo, unaccompanied orchestra bell pieces (Twelve Bell Canons by Robert Morris, Katarynka by Marta Ptaszyńska, Over by Stuart Saunders Smith, A Little Suite and an Encore Tango by Will Ogdon, Breaks Through by Lafayette Gilchrist, and Bells for New Orleans by Roscoe Mitchell) to illustrate the instrument’s expressive, communicative ability. In the discussion of each piece, I include brief background information, the composer’s musical language in the piece and performance considerations. I interviewed composers of these solo works to complete the research for this document to discuss their musical language and their thoughts on writing for solo orchestra bells.

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Catteau, Damien. "La LOLF et la modernisation de la gestion publique : la performance, fondement d'un droit public financier rénové /". Paris : Dalloz, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41339305g.

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Cord, John T. "Francis Poulenc's Sonata for Horn, Trumpet and Trombone: A Structural Analysis Identifying Historical Significance, Form and Implications for Performance". Thesis, connect to online resource, 2009. http://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc12104.

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Schwab, Catharine Mary. "The melodie française moderne : an expression of music, poetry and prosody in fin-de-siècle France, and its performance in the recitals of Jane Bathori (1877-1970) and Claire Croiza (1982-1946) /". Ann Arbor : UMI, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb370598791.

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McAfee, Kay Roberts. "Rhetorical Analysis of the Sonatas for Organ in E Minor, BWV 528, and G Major, BWV 530, by Johann Sebastian Bach a Lecture Recital, Together with Three Recitals of Selected Works of J. Alain, D. Buxtehude, C. Franck, and Others". Thesis, North Texas State University, 1986. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc331342/.

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Resumo:

This dissertation is an analysis of two of the six sonatas for organ using rhetorical-musical prescriptions from seventeenth and eighteenth-century German theorists. It undertakes to examine the way in which lines are built by application of figurae, to observe the design of each of the six movements, and to draw conclusions concerning implications for performance based upon the use of figurae in specific contexts. The period source on melodic design and the ordering of an entire movement based upon principles of rhetoric is Johann Mattheson's Per volkommene Capelmeister (1739). Guidelines for categorization of figures derive from the twentieth-century writers Timothy Albrecht, George Buelow, Lena Jacobson, and Peter Williams. Chapter I provides justification for the rhetorical approach through a brief description of the rise of the process as applied to composition during the Baroque period by relating Bach's own familiarity with the terminology and processes of rhetorical prescription, and by describing the implications for performance in observing the sonatas from the rhetorical viewpoint. Chapter II deals with the process of composition by rhetorical prescription in (1) the invention of the subject and its figural decoration and (2) the elaboration of the subject through the sixpart discourse of an entire movement. Specific figures of decoration are defined through examples of their use within the context of the sonatas. Chapter III constitutes the analysis of the six sonata movements. Chapter IV reinforces the justification of this type of analysis. The figures, as aids for inflection and punctuation, affect decisions concerning articulation of events and assist in effecting convincing performance.

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Coppalle, Renaud. "Mise en lumière des capacités préservées d'apprentissage des personnes malades d'Alzheimer à un stade modéré à sévère à l'aide de l'art : un autre regard pour un autre accompagnement New long-term encoding in severely amnesic Alzheimer’s disease patients revealed through repeated exposureto artistic items Does multiple format presentation of songs increase encoding in patients with Alzheimer’s disease at a moderate to late stage? Preserved familiarity-based recognition for music and paintings in patients with Alzheimer’s disease at a moderate to late stage with extensive damages to the medial temporal lobe L’accompagnement des aidants depersonnes atteintes de maladies d’Alzheimerou apparentées : renouveler les approchesthéoriques de l’accompagnement en France Suivi de la situation et des ressentis des proches aidants de personnes avec maladie d’Alzheimer et troubles apparentés: Le cas particulier du confinement lié au Covid 19 Apports respectifs de la clinique et de la rechercheà la neuropsychologie Preservation of musical memory throughout the progression of Alzheimer’s disease? Toward a reconciliation of theoretical, clinical, and neuroimaging evidence Do musicians have better mnemonicand executive performance than actors? Influence of regular musical or theater practice in adults and in the elderly". Thesis, Normandie, 2020. http://www.theses.fr/2020NORMC018.

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La maladie d’Alzheimer (MA) est considérée depuis plus de 30 ans comme une pathologie de la mémoire empêchant l’apprentissage d’informations nouvelles en mémoire déclarative. Cependant, l’Histoire de la neuropsychologie rapporte des cas de patients présentant des capacités d’encodage résiduelles malgré une amnésie non-dégénérative avec des lésions pourtant proches de celles de la MA. Si les tâches de laboratoire échouent à montrer ces capacités dans la MA dès les stades légers en utilisant des stimuli verbaux et picturaux neutres, nous avons étudié dans quelle mesure la musique et d’autres types de stimuli artistiques peuvent permettre de les révéler dans des conditions plus écologiques, notamment par l’exposition passive répétée. En utilisant une échelle d’apprentissage construite pour étudier l’évolution du sentiment de familiarité dans la MA, nous avons pu révéler et décrire des apprentissages nouveaux chez ces patients à des stades modérés à sévères, ainsi qu’en inférer la nature au regard des modèles de mémoire classiques et contemporains. Pour finir, nous proposons de discuter en quoi la prise en compte de ces capacités pourrait changer les représentations associées à la MA, et améliorer l’accompagnement proposé aux patients et à leurs aidants familiaux et professionnels
For the past 30 years, Alzheimer’s disease (AD) has been considered as a crippling memory disorder impairing any possibility of new learnings in declarative memory. However, in the history of neuropsychology, cases of residual encoding have been reported with amnestic patients presenting different etiologies despite showing lesions very similar to AD. Although using neutral verbal and pictural items in laboratory settings failed to report preserved learning capacities from the mild stages, we investigated how using music and other artistic items in ecological settings may reveal these capacities in AD patients at a moderate to late stage, notably by passive repeated exposition. By relying on a behavioral scale designed to study the evolution of the sense of familiarity in these patients, we were able to show and describe new learnings in this population, and inferring their nature in view of both classical and contemporary memory models. Finally, we offer suggestions to discuss how acknowledging these capacities could change the way AD is perceived, and how it could help caring for people affected by it and their familial and professional caregivers

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Kulmer, Birgit. "Moving Subjects". Doctoral thesis, Humboldt-Universität zu Berlin, Kultur-, Sozial- und Bildungswissenschaftliche Fakultät, 2017. http://dx.doi.org/10.18452/17803.

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Es zeichnet sich seit den 1990er-Jahren die Tendenz ab, dass sich viele Künstler/innen verstärkt mit Subjekten statt mit Objekten beschäftigen. Hinzu kommt eine zunehmende „Kollektivierung und Theatralisierung der einst auf Singularität und Präsenz setzenden Performance“. In diesem Zusammenhang sind auch immer mehr künstlerische Arbeiten zu registrieren, die mit Prozessionen und Paraden eine Vielzahl von Menschen auf die Straße bringen und in Bewegung versetzen. Dies spiegelt sich auch in einer immer größer werdenden Zahl thematischer Ausstellungen wider, die sich diesen Arbeiten widmen. Bereits 2004 konstatierte Pablo Lafuente in seinem Essay „Art on Parade“ in Art Monthly: „That ability of the parade to create subjectivity is where the artist’s political aspiration lies.“ Die künstlerisch-ästhetischen Praktiken von Francis Alÿs, Matthew Barney, Mierle Laderman Ukeles und Jeremy Deller, die Gegenstand der vorliegenden Untersuchung sind, könnten unterschiedlicher nicht sein. Ihre Gemeinsamkeit liegt in der performativen Verwendung eines sehr alten traditionellen Handlungsmusters, das den meisten Menschen vertraut ist. Die Prozession ist eine ritualisierte Handlung, die in unseren Breiten zuallererst mit der christlichen beziehungsweise der katholischen Liturgie in Zusammenhang gebracht wird. Die Grundbedeutung des Begriffs (von lat. processio = Zug, Geleit) als ein zielgerichtetes, geordnetes, gemeinsames Gehen, das den Raum gliedert und ihm dabei Bedeutung verleiht, umfasst jedoch den kultischen ebenso wie den profanen Umzug. So begegnen uns Prozessionen in vielen Bereichen des kulturellen Lebens. Dementsprechend beschäftigt sich diese Dissertation mit Prozessionen, Paraden und Karnevalsumzügen, deren Grundmotiv das gemeinsame, öffentliche, oftmals um einen Gegenstand herum organisierte Gehen, also die Prozession in ihrem allgemeinen Sinne ist.
Ever since the 90s, the tendency of many artists increasingly dealing with subjects instead of objects has become apparent. In this context, more and more artistic works that take a multitude of people to the streets or set them in motion as part of a procession or parade can be registered. This is also reflected in a growing number of themed exhibitions exploring these works. The artistic-aesthetic practice of Francis Alÿs, Matthew Barney, Mierle Laderman Ukeles and Jeremy Deller could hardly be more different. Their common ground can be found in the performative use of a very old traditional pattern of action that most people are familiar with. The procession is a ritualised act, which - in this part of the world – is first and foremost implicated in Christian respectively Catholic liturgy. The basic meaning of this term (derived from Latin processio – progression/cortege) as a purposeful, orderly, collective walk structuring and thus giving meaning to a certain space comprises, however, the sacral as well as the profane procession. This is way we can encounter processions in many parts of cultural life (and in almost every culture). This dissertation accordingly explores processions, (carnival) parades and demonstrations which all share the basic motif of a collective, public organised walk, often around an object, i.e. a procession in its general sense.

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Reid, Michael A. (Michael Alan). "Remarks and Reflections on French Recitative: Ban Inquiry into Performance Practice Based on the Observations of Bénigne de Bacilly, Jean-Léonor de Grimarest, and Jean-Baptiste Dubos". Thesis, North Texas State University, 1985. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc935821/.

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This study concerns the declaimed performance of recitative in early French opera. Because the dramatic use of the voice was crucial to the opera genre, this investigation begins with a survey of historical definitions of declamation. Once the topic has been described, the thesis proceeds to thoroughly study three treatises dealing with sung recitation: Bacilly's Remarques curieuses, Grimarest's Traité de recitatif, and Dubos' Reflexions critiques. Principles from these sources are then applied to representative scenes from the literature. The paper closes with a commentary on the relationship between spoken and sung delivery and on the development of different declamatory styles.

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Lattimore, Lee Ian. "Les Morceaux de Concours de Flûte du Conservatoire de Paris: A Structural Comparison of Selected Works of Jean-Louis Tulou and Joseph-Henri Altès: A Lecture Recital Together with Three Recitals of Selected Works of Mozart, Halffter, Gaubert and Others". Thesis, North Texas State University, 1987. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc330772/.

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Resumo:

The lecture was presented April 7, 1987. This presentation centered on the flute music literature used for the Concours of the Conservatoire de Paris from 1828 through 1893. The historical parameter began with Jean-Louis Tulou's tenure as flute professor at the Conservatoire and ended with Joseph-Henri Altes'tenure in the same capacity. The Concours is an annual performance competition to determine which students on each instrument will graduate from the Conservatoire. The majority of Concours pieces for flute during the tenures of professors from Tulou through Altes were composed by those two men. Short biographies of Tulou and Altes were presented. Discussion of interim professors Victor Coche and Vincent-Joseph Dorus was included, with focus on the role of these two men in bringing acceptance of the Boehm system flute to the Conservatoire. Tulou's fifteen Grands Solos were compared in form, key center and tonal progression. His themes and passagework are constructed to best display the conical-bore, old system-flute with small toneholes. His Solos continued to be used for the Concours, in alternation with Altes', throughout the tenures of both Vincent-Joseph Dorus and Altes. Tulou's Cinquieme Grand Solo was used for more detailed analysis and performance. Altes wrote his Solos de Concours for the Boehm system flute. Idiomatic treatment in composition of themes and passagework, as well as tonal progression in his Solos, was considered. Altes' Methode de flute reveals his views on variety in articulation, use of alternate fingerings, and musical interpretation. Those ideas are reflected in the construction of his Cinquieme Solo de ronrnwr. the example used for more detailed analysis and performance. The discussion was concluded by a comparison of the Solos of Tulou and Altes with regard to form, tonal progression, and idiomatic construction of themes and passagework.

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Alvar, Blomgren. "”By the iron hand of oppression" : The performance of the parliamentary election contest in Nottingham and Middlesex 1802-1803". Thesis, Stockholms universitet, Historiska institutionen, 2017. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:su:diva-143964.

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The aim of this thesis is to investigate how politics was done at the level of the parliamentary constituencies at the time of the treaty of Amiens 1802-1803. This is achieved through two case studies of the elections in Middlesex and Nottingham, which are investigated as social practices. This thesis argues that understandings of masculinity and national identity, as well as questions about the nature of the constitution and citizen rights were central to participants in the extraparliamentary political process. Collective emotions were also highly important in the process of mobilising political support, and this thesis emphasises that participation in these elections was a collective effort; men and women from all levels of society were significant political actors. Moreover, this thesis demonstrates the importance of competences such as knowledge about the organisation of crowds and political violence in the performance of the election.

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Bezerra, Waléria Américo 1979. "Amplitude : imagem-lugar e imagem-acto no fazer artístico contemporâneo". Master's thesis, 2015. http://hdl.handle.net/10451/18406.

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This dissertation has as its central focus the concept of amplitude, addressed in a theoretical-practical way. In the theoretical aspect of the work, amplitude in space is approached through the reflections given by Agamben on the "open" in dialogue with Heidegger. Amplitude in time is discussed in the contexto of Bergson's perspective on the "duration", to which I suggest a connection with considerations on "distance" (Rancière), "listening" (Nancy) and "wandering" (Bourriaud). Next, the space and the time of amplitude become the lead wires for a possible approach to contemporary art status. Through a journey that exposes the current functioning of the arts through the concepts of "post-autonomy" and "imminency" (Canclini) and still makes use of the "contemporary" images provided by Agamben, I attempt to build a brief analysis of the role displacement and wandering have come to occupy in the current "radicant" artistic poetics. I suggest an association between the "semionaut" of Bourriaud and images of the "poet" provided by Agamben and Nancy, articulating the artistic practice simultaneously as a "cannot doing" and as a "re-doing (in) the difficult", and supporting my argument in Rancière and Didi-Huberman. I propose an analysis of these issues concentrated on the work of two migrant artists: Dominique Gonzalez-Foerster, with her dystopian mechanism and Francis Alÿs, with his ambulatory procedure for rumors production. The practical part of the dissertation consisted of Amplitude Project (2012-2014), composed of three works: the performative action homonymous Amplitude (2012-), the video installation Commuting (2014) and the sound performance Failure (2014-). The space and time of amplitude, here, are interpreted as image-place and image-act. Analyzing two project key-moments (doing and playing the musical scores produced from shots with firearms), I propose to reflect on image, disappearance, waiting and silence, on one hand; and "dialogy", "polyphony" and "act" (Bakhtin) in relation with the collaborative and performative dimensions of the work, on the other hand

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Sharp, Helen Frances. "The Profane Halo: Becoming Breath". Thesis, 2014. https://vuir.vu.edu.au/29967/.

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Breath is a perceptual practice, a form of listening, of attending. These words begin to mark out the unique space of this thesis. It is ‘written from the breath’, a stance that breaks free of the silencing of breath in contemporary language theory. Importantly, the thesis makes the large claim that the closing down of conceptual breathing spaces in the twentieth century parallels the asphyxiation of a spiritual connection with the world. This is seen by Helen Sharp, the author of this posthumous thesis, as ‘the loss of the profane halo’. Sharp acknowledges a debt to Georgio Agamben’s notion of the ‘Halo’ in The Coming Community as composed of a ‘tiny displacement’. She identifies such displacements as breath movement. ‘Each breath event develops as a potentiality of relationship where self is re-conceived and born anew in tiny little flutters…’ of each inhalation and exhalation. Here lies the core of her thinking where the movement of life surges forth in the ‘imperceptible trembling of the finite’. This, she writes, is equivalent to ‘the illuminated field of the breath as halo’. Moving into the realm of the artistic-poetic, the thesis itself comes to take on the character of a work of art. Its three edges are written dialogues, performance prologues, and breath practice including breath dialogue.

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Teses / dissertações sobre o tema "Performance art – france"

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